欧洲音乐范文

欧洲音乐范文（精选12篇）

欧洲音乐 第1篇

复调音乐的产生早于主调音乐, 但在两者发展的过程中, 由于社会环境和人们的审美观念等多方面的变化, 使得两者的主导地位在后期发生了转变。

17、18世纪欧美资产阶级的力量逐渐壮大, 逐渐握有雄厚的经济力量, 但落后的封建专制制度成为他们进一步发展的巨大阻碍。为了推翻这个旧制度, 资产阶级必须制造舆论, 思想启蒙运动应运而生。另一方面, 当时的自然科学发展突飞猛进, 为后来的启蒙思想提供了锐利的武器, 不少启蒙思想家从新兴的自然科学中探寻到了理论依据和思想方法。

宗教对事物的发展影响巨大。在当时, 音乐与宗教的关系密不可分, 复调音乐就是随着宗教音乐的发展而兴盛的, 然而宗教音乐把多声部音乐限制在声乐范围里 (即经文歌、圣咏、弥撒曲等) 而不用器乐伴奏, 直到管风琴产生后才用管风琴音乐作为前奏。由此可见, 宗教不仅仅对音乐造成了极大的影响, 更严重影响了作曲家们的创作。

二局势发展

18世纪在欧洲广泛开展的“启蒙主义运动”, 作为全欧洲的文化运动, 在思想和行为上展开了人类理性的自我伸张。此次文化运动开始于英国, 勃兴于法国, 继而成为当时波及整个欧洲的思潮——理性精神。然而, 对于作曲家来说, 深受影响的是德国出现的“狂飙运动”——18世纪德国文学界的运动, 它提倡自然、感情和个人主义, 力图推翻启蒙运动所崇尚的理性主义。这场运动, 实质上是德国新兴资产阶级对腐朽的封建主义意识形态的一次有力冲击, 为推进德国新文学的发展做出了巨大贡献。

虽然德国的“狂飙运动”犹如昙花一现, 但其对当时及后来的艺术创作带来的影响是空前巨大的。作家和艺术家的作品出现了新的市场;作品的题材和表现方式等均有了新的突破;哲学、科学、文学、艺术都开始考虑一般群众而非少数专家和行家的喜恶;小说和戏剧开始描绘具有普通情感的故事, 甚至举止和服饰也受到影响, 音乐和其他事物也一同受到影响。

三新形势的到来

“18世纪中、晚期被认为符合理想的音乐可以描述如下:它的语言应该是全球的, 不受民族的限制;应该既高雅又有娱乐性, 它应该在规范的范围内富于表现力;它应该是自然的、无复杂技巧的;它应该能够立即使普通听众感到愉快。” (1) 正是基于这些, 当时的音乐风格由原来继承J.S.巴赫的巴洛克式风格逐渐接受启蒙运动影响而转向主调音乐风格, 为后来的“古典乐派”的风格特色做了铺垫。

在西方音乐领域中, 自1600年歌剧在意大利诞生到1750年的这150年, 被称作“巴洛克”时期。这一时期紧随文艺复兴的文化艺术大发展之后, 在社会的各个领域都发生着巨大的变革。和声方面由教会调式的传统形式逐渐向大小调系统过渡, 在之前扎里诺等音乐理论家将其发展到一定高度的基础上, 拉莫 (Rameau, 1683~1764, 法) 又在1722年发表了第一部和声的专著《和声学自然原理论著》, 使得大小调式和声体系得以真正确立。

巴洛克时期是复调艺术的巅峰时期, 巴赫更是复调音乐的集大成者, 但此时也是大小调和声体系确立的前夕, 巴赫的复调作品中的单旋律已深刻包含着和声内涵的思维, 无论是级进、半音进行还是分解和弦的旋律走向, 都在和声思维的深刻影响下, 出现了逐渐削弱复调音乐特有的各个声部地位相等的状况, 进而显示出主调音乐越来越大的影响力。而且在巴洛克后期, 出现了更加秀丽纤巧的洛可可风格, 此时音乐主旋律性更加突出, 音响清晰明亮, 更加通俗, 这些都为主调音乐成为主流创造了条件。

四过渡时期的作曲家

18世纪20年代以后, 巴洛克音乐的风格逐渐发生变化, 复调音乐向主调音乐的过渡主要发生在巴洛克时期向古典主义时期发展的过程中。因此, 通过分析这两个时期的典型音乐家的代表作品, 即可看到当时复调音乐与主调音乐的主次地位的变化情况。此时, 巴洛克风格在法国开始解体, 音乐与其他艺术一起演变为洛可可风格 (典雅风格, style gallant) , 代表人物有弗朗索瓦·库普兰和让·菲利普·拉莫。18世纪下半叶, 德国北部的作曲家如匡茨 (1697~1773) 、W.F.巴赫 (1710~1784) 、C.P.E.巴赫 (1714~1788) 等, 同样为主调音乐的发展做出了重要贡献。由于本文篇幅有限, 以下仅对库普兰进行简要分析。

弗朗索瓦·库普兰 (Francois Couperin, 1668~1733) 是18世纪法国键盘音乐之父, 法国最大的拨弦古钢琴与管风琴演奏家, 是库普兰家族中最出色的一员。库普兰被称为“大库普兰”, 也被认为是“在法国, 继音乐家吕利之后, 拉莫之前最重要的作曲家”。

由于库普兰长期担任法国凡尔赛宫的宫廷乐师, 因此在他的作品中既没有重大的社会性题材, 也没有严肃的宗教内容, 大都属愉悦性的音乐。在他的古钢琴作品中, 常见的是刻画宫廷贵妇人的音乐以及对田园景色、生活风俗等充满贵族气息的音乐。在库普兰的古钢琴作品中虽然难以找到哲学般的沉思和深切的情感, 但这些古钢琴音乐的创作手法和艺术风格仍具有重要的美学价值。他不但是法国音乐风格的奠基者, 亦是欧洲前古典主义时期主调音乐的先驱者。他首创古钢琴标题小品体裁, 为19世纪钢琴小品创作的繁荣奠定了基础。库普兰曾说:“我在写作古钢琴作品时, 心目中总有一个具体的描述对象。”然而, 库普兰的标题小品以描写客观形象占多数, 不像浪漫时期的标题小品, 以作曲家借景抒情、抒发个人主观情感为主。

《恋爱的夜莺》是库普兰创作的《羽管键琴曲集》中第十四组曲中的第一首。例一是《恋爱的夜莺》中的第二段落。仅仅从音符的排列来看, 此时的音乐已不是两条相对独立的旋律的流动, 而是由主旋律与伴奏旋律构成。

和声方面, 可见巴洛克音乐主体的复调音乐发生着急遽的变化, 正逐渐被和声体的主调音乐所取代。而且, 整首乐曲的和声进行也很有规律, 上图的和声进行为:Ⅱ-Ⅴ-Ⅶ-Ⅰ-Ⅱ-Ⅴ, Ⅱ-Ⅴ-Ⅶ-Ⅴ-Ⅴ-Ⅶ-Ⅴ-Ⅰ, 形成了前端对称、后面变化的形式。

旋律形态方面, 主旋律清晰, 且伴奏声部为鲜明的和声织体。不仅旋律安排得整齐明朗, 而且在伴奏织体上也体现出一致性。另外, 大量装饰音的运用是库普兰羽管键琴曲的又一特点, 说明此时主调音乐已经可以独当一面, 而且在同时期其他作曲家的作品中也会发现大量此类作品。

库普兰的名望虽然无法与巴赫和亨德尔相比, 但他是一位成功的作曲家这一事实是不可否认的。其成功之处就在于:他能够清晰地认识到自己的创作个性和时代艺术风貌的文化底蕴, 努力地将自身的艺术品位及创作兴趣与具有法兰西特色的“时尚艺术”融为一体, 这亦成为他音乐创作的个性化追求。通过以上分析可知, 库普兰所在时期的音乐形式旋律主次分明、和声安排合理, 这些都透露出当时复调音乐向主调音乐的过渡。

历史的发展会使很多事物发生变化, 音乐也不例外。欧洲音乐从最早的单音音乐逐渐发展到多声音乐, 而多声音乐又从起初的单声部演唱的格里高利圣咏, 经过音乐家们不断地探索与研究, 最终成功地将格里高利圣咏处理为一种多声部的形式, 遂产生了复调音乐, 但哪怕发展得再鼎盛, 最终其主导地位依旧被主调音乐取代了。

参考文献

[1]于润洋主编.西方音乐通史[M].上海:上海音乐出版社, 2001

[2]王凤岐.世界音乐简史[M].太原:山西教育出版社, 2002

[3]孙玮.连接复调音乐与主调音乐的纽带之一——卡尔·菲利浦·艾曼纽尔·巴赫[J].吉林艺术学院学报, 2000 (2)

欧洲音乐 第2篇

所学的东西学以致用，更多地却了解欧洲经典音乐，了解音乐这个奇妙而广阔的世界。相信在音乐的世界里我一定可以更好地沉淀自己，更好地看到自己内心深处的感受，在音乐的陪伴中我一定会更加努力地去生活和学习，让自己不付所需的东西。

参考文献

[1]《欧洲近现代音乐文化鉴赏与研究》赵京封 海南出版社 2013年

[2]《悲怆交响曲-柴可夫斯基传记小说》克劳斯・曼著著 王泰智等译：商务印书馆 2003-07

感怀欧洲传统音乐的轨迹 第3篇

[作者简介]王媛，河南教育学院。

西方音乐艺术有近三千年历史，自古希腊流传至今，成为西方的文明特色之一。在历史演变过程中，欧洲传统音乐以风格迥异之态，演变出不同的音乐流派，其艺术风格也随着社会进步而发生变化。《西方文明中的音乐》这本书向世人展示了西方音乐所独有的气质和文化背景。由于艺术视角独特，这部著作被音乐史评家称为研究西方音乐文化的里程碑。

《西方文明中的音乐》这部作品是美籍匈牙利人保罗·亨利·朗的音乐论著。他年轻时深受欧洲传统音乐影响，曾辗转就读于德国海德堡大学、巴黎大学和美国康奈尔大学，对传统音乐美学进行深造，这也是他能够将《西方文明中的音乐》撰写成功的原因之一。

作者通过这部作品解读欧洲传统音乐，对宗教礼仪到音乐发展完善后的流派细节都进行了详细展示。他科学地概括了音乐艺术，并揭示了音乐在特定历史时期的艺术精神实质。作者在书中描绘各个时期的音乐艺术风格，从古希腊、中世纪、文艺复兴到巴洛克，再到古典浪漫。这让我们对欧洲传统音乐年代史的认知更加清晰。他点评各个历史时期的音乐，将音乐、历史和自然学科有机结合，理顺了欧洲传统音乐的脉络。

一、古希腊时期的欧洲音乐

西方历史文化的渊源来自古希腊文明，西方特有的文学艺术美学思想在此诞生。音乐文化也从这里起步。最早的西方音乐来自宗教唱诗，以口头形式延续。其中以《伊利亚特》和《奥德赛》知名度最高，其叙事特点是古希腊最早的歌唱形式。公元前4世纪，古希腊悲剧艺术得到极大发展，出现了以埃斯库罗斯、欧里庇得斯、索福克勒斯为首的三大悲剧音乐家。这三位音乐家对古希腊音乐的发展起到关键作用，也使得欧洲音乐初步具有自身特点。这一时期，希腊文明飞速发展，很多领域都与音乐产生了千丝万缕的联系，这也使得古希腊音乐在题材上有了进一步的拓宽。从历史角度出发，欧洲的历史文化尤其是后来统治欧洲大陆的古罗马帝国文化，深受古希腊文明的洗礼。在古希腊文明时期，音乐推动了欧洲文明的发展，同时也影响了后世音乐的发展。

古希腊文明时期是欧洲文明的第一繁盛时期，在此期间的音乐文化可以划分为三个历史阶段，即荷马时代、古典时代和希腊化时代。荷马相传是一位盲人诗人，由他创作的荷马史诗堪称古希腊文明时期的音乐艺术经典，这种吟唱风格在民间一度广为流传。荷马史诗流传下来的一部是描写特洛伊战争的《伊利亚特》，另一部是描写英雄故事的《奥德赛》。在那个时期，这种史诗传唱是音乐与诗歌相结合形成的音乐曲调，用传统民族乐器基萨拉进行伴奏弹唱，当时弹唱荷马史诗的民间艺人被称为游吟诗人，其弹唱曲调以六音格式作为专门吟诵音调。

到了古典时代，悲情史诗逐渐产生抒情色彩，此时希腊境内的民众开始有序地大迁徙，传统氏族社会开始解体，人们在独立谋生的同时，面对各种人生体验，产生了很多自己的想法，人们将这些想法以各种艺术形式进行抒发，使之逐渐在社会中流行，促成了古希腊音乐由萌芽到快速发展。在此期间，抒情音乐的表现形式也日趋丰富，在宗教仪式和节日庆典中形成独唱、合唱的表现形式。西莫耐德斯、平德尔等诗人成为当时的代表人物。公元前6世纪是希腊经济文化的繁荣时期，各类音乐学校应运而生，一些以音乐为主的比赛经常举行。在这样的氛围中，大量富于变化的音乐作品不断出现，阿里斯托芬、提莫忒乌斯和费罗萨努斯成为当时的代表人物。随着希腊文明由鼎盛转入衰败，其音乐特色也随着希腊文化走遍欧洲各地。在原有悲剧、抒情的基础上，希腊音乐又发展出哑剧舞蹈等音乐种类。而希腊歌剧在悲歌、颂歌、酒歌等表现形式上则更为丰富，其影响力一直到持续到中世纪。

二、中世纪与文艺复兴时期的音乐特色

公元5世纪到13世纪，欧洲音乐在社会文明进步的推动下，得到进一步发展。在此期间，古罗马成为欧洲文化中心，欧洲传统音乐在原有唱腔的基础上，增添了花腔散文诗体系，也就是后来独具特色的咏叹调演唱方式。这些音乐特点，使得中世纪欧洲传统音乐的表现更加细腻。中世纪之后，西方文化得到空前发展，在社会经济和资产阶级运动的推动下，人们对人生价值观有了新的理解，欧洲艺术得以在建筑、雕塑、绘画、文学音乐中体现。此时传统复调音乐进入快速发展时期，反映现实生活和人文追求的音乐越来越多，表达真情实感和思想追求的音乐越来越清晰明朗化。

三、巴洛克、古典浪漫时期的音乐特色

从17世纪到18世纪，欧洲传统音乐来到巴洛克时期。这期间无论声乐还是器乐都得到进一步完善，大型交响乐、协奏曲、奏鸣曲都在这一时期形成，同期还涌现出许多杰出的音乐家和音乐作品。意大利的威尔第，德国的巴赫、亨德尔成为这一时期音乐的代表人。在《四季》协奏曲中，威尔第采用诗歌配音乐的表现手法，其优美的旋律至今长盛不衰。德国音乐家巴赫是巴洛克时期的另一位音乐艺术大师，他创作的曲目，被称为里程碑式的贡献。当时，巴赫并不被世人所看重，直到他逝世后，门德尔松对他作品进行公演，巴赫的音乐才华才被世人承认，《马太受难曲》《D小调托塔卡与赋格》《G弦上的咏叹调》成为巴赫的代表作。他的乐曲快慢有度，饱含激情，展现了他的复杂情绪和对生活的美好诉求，是这一时期杰出的音乐作品。

四、近代欧洲传统音乐的艺术风采

在19世纪和20世纪的交会期，欧洲传统音乐在辉煌中走向落幕，这一时期也被称为古典音乐时期。在此期间，欧洲传统音乐更加追求理性上的对称美，开始逐步脱离巴洛时期对宗教音乐的偏爱，更加注重表现现实社会情景和阶级风貌。此时的音乐已经由简单的复调曲式转变为复杂复调，器乐对音乐表现的需求越发强烈，由此诞生古典交响乐团队的组合形式。其中以德国曼海姆乐派贡献最大，由于他们对音乐的深刻理解和表现手段的丰富，交响乐团组织结构开始形成，交响乐团演奏配器和表现形式得以成型固定。在这一时期，闪耀欧洲乐坛的音乐家纷纷涌现，海顿、贝多芬、莫扎特成为当时的杰出代表。他们的创作思想和欧洲启蒙思想相融合，提倡理性、科学、自由等特点，他们创作的音乐题材也以理性崇高、大气恢宏、结构严谨为主。海顿是奥地利作曲家，坎坷多变的人生经历使他的音乐作品更能融入真实生活。为了完善音乐表现，他在配器上有严格完整的一套流程，在交响乐中各个主体间衔接有致。在优美旋律的引导下，如同一首长篇叙事诗歌，引人遐想和深思。莫扎特是奥地利另一位伟大的音乐作曲家，欧洲传统音乐杰出代表之一，他从小就被誉为音乐神童。在莫扎特的音乐世界里，追求民族自由和展现乐观心态是主旋律。他的创作手法纯朴自然，特别重视对音色效果的烘托，他的作品旋律清晰优美。正因如此，莫扎特的音乐深受世人喜爱，《费加罗的婚礼》《唐璜》《后宫诱逃》《魔笛》等歌剧音乐和大量协奏曲、钢琴曲都成为不朽的音乐艺术经典。贝多芬是另一位伟大的音乐家，他的创作更加突出对英雄的崇拜和对共和的信仰，这使得他的作品充满时代气息，音乐节奏波澜起伏，大气磅礴。交响曲有《英雄》《命运》，序曲有《哀格蒙特》，钢琴奏鸣曲有《悲怆》《月光》《暴风雨》《热情》等。贝多芬在人生路上屡受打击，很多作品是他在双耳完全失去听力之后创作的，这也使得他的作品更加具有鲜明的个性特征，为世界音乐发展起到强大的推动作用。

在《西方文明中的音乐》这部作品中，保罗·亨利·朗以通俗的笔调，详细论述了欧洲传统音乐诞生发展的过程，并将每一时期不同流派的音乐风格尽量深入浅出地进行解读，使读者对欧洲传统音乐能有完整的回顾和深入的了解。西方音乐色彩的独特性与西方传统文化相融合，有助于读者了解欧洲传统历史文化，以及欧洲传统音乐在历史上走过的轨迹。

透视欧洲印象主义音乐 第4篇

一、印象主义音乐的概述

印象主义音乐是由法国作曲家德彪西在19世纪末、20世纪初, 在融汇当时所称“印象派”的思想基础上创立的一种音乐风格。浪漫派音乐家们如李斯特、瓦格纳、格里格、斯克里亚宾等人的音乐就隐含着印 象派音乐的特色。音乐界中首次出现“印象主义”一词, 是在1887年的法兰西美术研究院的评委对德彪西在罗马进修时的交响组曲《春天》这一作品的指责中出现的。当时评委批评德彪西的《春天》全曲结构紊乱, 提醒他“警惕模糊的印象主义”。由于“印象派”思想的兴盛, 此后人们对德彪西的作品都用极富印象主义风格来赞扬。如德彪西的《弦乐四重奏》于1894年在布鲁塞尔首演时, 得到了当时音乐界和听众一致的好评。

二、印象主义音乐的特点

在和声上, 印象派大量采用全音阶及教会调式, 使用平行和弦、非三度叠置和弦、不解决的七和弦和高叠置的九和弦、十一和弦及十三和弦, 以造成调性的迷离扑朔。

在配器上, 印象派提高了木管乐器的地位, 更注意音色的细腻和雅致, 铜管乐器常用弱音器, 打击乐器中的钟琴、钢片琴、三角铁和竖琴在音乐色彩上发挥了很大作用, 它们是被作为重要的色彩乐器而不是点缀性乐器加以广泛运用的。

在力度处理上, 印象派追求音乐的恬淡、纤巧、妩媚以致略带伤感, 将弱奏作为音乐力度变化的基础, 甚至出现极弱奏, 即使力度高潮也只闪现于短暂的瞬间, 很快又回到弱力度的基调上去。旋律也趋向片断零散, 呈现出自然的流体状, 连绵不断;节奏上尽量避免有规律出现的律动重音, 以支持音高流动的自然性。

三、印象主义音乐的代表人物及作品赏析

(一) 德彪西的生平和代表作

德彪西创立“印象主义”音乐, 是在受到印象画派和象征诗歌的影响下, 经过长期实践确立的。主要作品有管弦乐前奏曲《牧神午后》, 歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》, 管弦乐曲《夜曲》、《大海》, 钢琴曲《版面》、《欢乐岛》、《意象集》和《二十四首前奏曲》等, 对欧美各国和20世纪音乐的发展有着重要的影响。

1894年, 法国作曲家德彪西创作了管弦乐序曲《牧神午后》, 最初确立了印象主义音乐的地位。这部根据象征主义诗人马拉美的诗歌写成的作品, 以细腻的笔触渲染出朦胧的气氛:描写一个牧神在炎热的阳光下, 昏昏欲睡时产生的种种幻觉。在他的歌剧《佩里亚斯与梅丽桑德》以及许多钢琴曲 (如《意象集》、《前奏曲》) 和管弦乐曲 (如《夜曲》、《大海》) 中都实践着印象主义的创作手法:渲染神秘朦胧、若隐若现的气氛和色调。

德彪西是法国音乐史上最富有创造性的作曲家之一。他的音乐向人们展示了一个新颖的天地, 他在音阶、调式、和声及结构等音乐语言方面都有着独到的创新, 为现代音乐的产生和发展奠定了基础。其所不足之处在于创作视野比较狭窄, 艺术追求比较单一。但这并不妨碍他在自己创作领域里达到前所未有的最高成就。

(二) 拉威尔的生平和代表作

拉威尔于7岁开始学钢琴, 14岁就进入法国巴黎音乐院学习音乐。之后迅速成为法国著名的作曲家和印象派作曲家的杰出代表。

拉威尔的印象主义音乐风格具有鲜明的个人代表性。他吸收了印象派音乐的表现力, 虽然一直严守维也纳古典乐派的戒律, 但他又以个人独创的手法运用这些传统戒律来形成自己独特的音乐语言和作品形式。一方面, 拉威尔不仅是乐曲形式的大师, 赋予音乐丰富的色彩;另一方面, 他作为印象派音乐家, 对于音乐的描述性, 极力主张不注重事物的外部, 而是要更多地关注事物的本质和浓郁的色彩。

拉威尔是继德彪西之后的又一位印象派音乐大师, 是法兰西民族音乐艺术特色的又一体现。拉威尔的音乐创作, 具有两个鲜明的特点:第一, 他一方面继承了法国古典作曲家拉莫和库普兰的典雅而清秀的艺术风格, 另一方面又发展了柏辽兹和比才那种鲜艳绚烂的配器色彩;第二, 善于从民间音乐创作中吸取营养。他的代表作品有交响组曲《西班牙狂想曲》, 芭蕾舞剧《鹅妈妈》, 小提琴曲《茨冈》和管弦乐曲《波莱罗》。另外, 他将穆索尔斯基的钢琴独奏曲《图画展览会》改编为同名管弦乐组曲, 使得此曲广为流传。

三、结语

总之, 20世纪初相当多的音乐家, 都是受到印象主义音乐这种新艺术风格的影响来创作音乐作品的。印象主义音乐引领了当时音乐界的潮流, 开辟了一个梦幻和令人着迷的音乐世界。只不过运用印象主义, 由于自身的局限性, 使得用这种方法创作的内容、题材过多地描绘自然景物, 而缺乏人的认识, 没有揭露社会和人的思想, 从而导致了印象主义音乐只是在20世纪初昙花一现, 之后就被新的音乐风格和音乐流派所代替。

摘要：随着象征主义文学和印象主义绘画产生和影响, 滋生了印象主义音乐这一新的流派。印象主义音乐作为一种抽象的艺术, 带有明显的超现实主义色彩, 它的兴盛与繁荣, 标志着现代主义音乐的开端。我们对印象主义音乐的风格进行分析, 可以了解当时人们对客观事物的主观印象, 以及如何在音乐中实现摆脱浪漫主义的主观情感, 追求音乐中的色、光、波表现效果的艺术思想。

关键词：印象主义音乐,德彪西,拉威尔

参考文献

[1]赵京伟.欧洲印象主义音乐探微[J].文艺生活 (文艺理论) , 2012, 9.

[2]范宛新.浅谈欧洲印象主义音乐[J].音乐大观, 2013, 13.

欧洲民间音乐 第5篇

一、教学目标：

1、能认真聆听英国民间音乐及乐器，并积极参与相关的音乐探究及实践活动，在活动中表现出对欧洲民间音乐文化的兴趣。

2、能听辨出苏格兰和爱尔兰风笛的音色。

二、教学难点重点：

重点是欣赏英国的民间音乐，难点是区分苏格兰和爱尔兰风笛的音色。

教学过程： 一：欧洲简介

欧洲大陆由四十多个国家组成，包括七亿多人口，七十多个民族。按地理划分，可分为 南欧、西欧、中欧、北欧和东欧。在欧洲的社会生活中，音乐、舞蹈具有重要的地位。从16世纪文艺复兴之后，欧洲可以说是近现代交响音乐、歌剧、芭蕾舞剧的发祥之地。欧洲的民间音乐是一个五彩纷呈的艺术世界，具有多元和多样的艺术特征。

二：英国民间音乐简介

英国由大不列颠及北爱尔兰联合王国（北爱尔兰、英格兰、苏格兰、威尔士）组成。爱尔兰和苏格兰的民歌、舞蹈和军乐都为世界人民所喜爱。三：苏格兰裙子简介

早在1624年，苏格兰军队就将苏格兰短裙作为军队的制服了。据说，英国苏格兰格子注册协会记载着几百种不同的格子图案，有些以姓氏命名，代表着不同的苏格兰家族。黑灰格被称为“政府格”。也有特别为皇室成员定制的格子图案，贵族的身份高贵，他们穿着的格子图案也被称为“贵族格”。在17世纪和18世纪，苏格兰高原部落之间的战争终年不休，战场上的男人们便以所穿的格子图案来辨认敌我，有点儿像现在的“军服” 四：引出风笛，风笛的分类，介绍爱尔兰风笛并欣赏视频 风笛的分类：风笛分为爱尔兰风笛和苏格兰高地风笛两种。爱尔兰风笛（也叫爱尔兰哨笛），是一种很特别的乐器，就像画眉鸟的嗓子。音色与中国的短笛声音相似。靠一个风箱来鼓动气流进入风笛的袋子,这个风箱由皮带一头绑在演奏者的腰间,一头绑在演奏者的右胳膊肘上.因此表演的时候不用嘴吹,只需要不停的夹胳膊.风箱的设计既能减轻表演者负担,使得表演者在演奏的时候还能独唱,又能使得进入风笛的空气保持干燥,使风笛的寿命延长.表演的时候一般是坐着的 五： 苏格兰风笛介绍

苏格兰音乐原是属于战争的音乐。风笛手吹出的乐音，多是用于行军、召集高地人、战争、或者用以表示对牺牲者的哀悼。同时也属于和平的音乐，用来跳斯特拉斯佩舞，用来与小提琴、手风琴和谐地演奏舞曲、也用于节日庆祝。苏格兰人的婚礼上最常见的乐器依然是风笛。风笛，更多的时候还是在苏格兰人的狂欢节目上。天性活泼，能歌善舞的苏格兰男男女女常会在某个闲暇的下午时分，吹起风笛，跳起欢快的舞。六：欣赏苏格兰风笛曲《苏格兰勇士》，并让学生走总结苏格兰风笛和爱尔兰风笛与我国哪种民族乐器想象？

七：总结爱尔兰风笛和苏格兰风笛的音色，演奏形式等。八：介绍英国民谣及其欣赏《友谊地久天长》并总结特点。特点：

1： 风格：清新、朴素、自然

2：语言：贴近生活，包含敬意和热情，歌颂纯良的品格和坚韧的意志，展现真实生活的普通人的精神状态。

3：英国民谣常呈现两种旋律节奏特质

一：短而精简、不断重复的歌曲。

二：连绵不断、长线条的歌曲，这类曲

子若不是遥远而优美，就是凄苦而优美。4：多半是歌手即兴演唱，带有很大的随意性

九：介绍英式摇滚并欣赏视频，总结英式摇滚特点。

1、融合英国乡村音乐风格，继承朋克摇滚，但避免了朋克音乐的嘈杂，旋律曲调清新。

2、乐队以民谣吉他为底蕴，音乐风格多变。

3、加入吸收现代流行音乐元素。

欧洲古典音乐与少儿钢琴教学 第6篇

关键词：欧洲古典音乐；认知与共鸣；情感欣赏；宣泄情感

中图分类号：G42 文献标志码：A 文章编号：1002-2589（2015）14-0164-02

如何引导琴童用情感去支配音乐的表现力，为作品演奏赋予灵魂；而这种情感的驱动，恰恰来源于对这种艺术形式发展过程的认知和感悟。

成功的演绎一首作品，需要演奏者通过娴熟的演奏技巧将作品的思想内涵用更具想象力和表现力的方式传达给观众。因此，无论作品的难易程度如何，扎实的基本功都是演奏的前提。国内的少儿钢琴教学对这方面的重视程度相对较高，随着琴童钢琴学习程度的不断加深，攻克演奏技巧上的难题对国内的琴童而言是相对比较容易的，这完全得益于从小对基本功练习的重视。但是，单纯靠技巧支撑的音乐是没有灵魂的，琴童在面对作品技术层面的难度不断提高的同时，往往需要在演奏过程中倾入更多的情感，从而使整个作品演奏更具说服力、更加充实饱满。而这种情感，是需要通过了解并认知作品本身的创作背景、感悟作曲家创作之初的思想动机而获得的。现代钢琴教学体系中，我们接触到的作品绝大多数属于欧洲古典音乐作品，受年龄因素制约以及不同的时代背景和文化氛围的影响，这些孩子很难与这些作品中包含的情感达成共鸣；即便教师在授课过程中对作曲家的生平及作品本身的背景进行解读，由于地域文化的差异以及不同时代背景下缺少对这种情感的认同感，孩子还是很难单纯的从老师营造的语言环境中去体会作品的情感，从而完美的呈现作品。

在从教的二十余年中，笔者接触过的既有刚刚选择学习钢琴的4～5周岁的学龄前儿童，也有已经结束启蒙课程转入正规学习的小琴童；在教学的过程中慢慢发现，直白的对单一作品或作曲家的背景进行解读或是试图通过乐曲曲式、强弱的变化、速度的变化等使学生感受作品所要呈现的情感变化，从而引导学生完成演奏，最终的效果都不尽如人意。因此，如何在少儿钢琴教学过程中让这些年龄较小的琴童可以更直观、更有效地感受这些富有历史文化底蕴的欧洲古典音乐作品、了解作品中所表达的情感，成了在少儿钢琴教学中不断探索的新课题。通过不断地尝试，总结出了一些比较有效的方法以及情感培养过程中应该着重的方向，主要概括为以下三个方面。

第一，培养孩子对新事物的认知能力。国内的琴童从小接受的便是传统的中式教育，而钢琴这种传自于欧洲的乐器，其演奏的精髓是对欧洲古典音乐的完美阐释。欧洲古典音乐作为欧洲文化的结晶，其本身带有厚重的历史文化底蕴和鲜明的时代特点。每一首音乐作品的创作，既是作曲家个人情感的宣泄，同时也是当时时代背景下意识形态的缩影；而作为学龄前的小琴童，是不具备把握这种情感的能力的。所以，我们最初要做的，只是引导孩子们可以本能地、真实的反映出自己听到作品时产生的情感。

许多从事少儿启蒙钢琴教学的同事都喜欢用生动活泼的语言来引导小学员学习演奏，拟声词和意境营造是老师们常用的两种方法；这种以语言形式诱导学生的方法在教学初期还是可以达到一些效果的，但却仍有一些弊端。

学生接受的往往是成人思维下的情感认知而并非自身对接触音乐作品时的第一感受。即便是第一次接触音乐作品的孩子也会对作品本身产生自己的情感，最直接的回答便是“好听”或是“不好听”。在这个阶段的教学过程中，我们需要做的其实并非是让孩子真正懂得作品所表达意境或是主题，只需要让他们学会在欣赏作品后用语言表达自己最直观的感受。

笔者曾与同事分享过自己赴欧洲比赛时在国外一家少儿钢琴培训中心的所见，偌大的教室中放着五颜六色的颜料，老师在演奏作品的同时让孩子用色彩在地上涂鸦，孩子们用不同的色彩表现自己在听到音乐时的第一感受，这种更直接的传达感受的方式，让他们感觉耳目一新。我们相信，孩子们对事物的认知和感受能力，正是在这种直截了当的表达方式中树立并不断得到提升的；而涂鸦的过程正是一种对自身情感的宣泄，学员们已经在这种看似玩闹的过程中学会与音乐作品同步展示情感。

第二，学会欣赏、注重量的积累。在经历了最初的以培养孩子的认知能力为目的的官能欣赏过程后，我们需要的便是循序渐进的引导学生学会情感欣赏。情感欣赏是古典音乐欣赏中非常重要的一环。对作品时代背景的分析以及对作曲家的深入了解，是情感欣赏的前提；在学员充分了解这些信息后，他们便已经对作品所要表达的情感有了一定的了解和认识，之后再对作品呈现出的调式、曲式、节奏、速度、力度、音色加以系统分析，我们便可以引导学生将抽象的情感具体到每一种演奏形式。

在这个阶段的学习过程中，欧洲音乐史的贯穿学习将会起到至关重要的作用。不要怀疑小学员能否真正了解历史，因为他们要做的只是了解，而并非感同身受。任何情感的产生都需要一个时间的沉淀，当我们像讲故事般将欧洲音乐的发展史娓娓道来时，这些他们听到的故事将伴随着他们的成长一同沉淀，最终形成他们对欧洲音乐文化独有的认识，这是一个漫长的过程，也是孩子学习钢琴中情感培养至关重要的一环。

此外，对音乐作品的赏析同样需要量的积累。现如今的教育模式下，孩子很难接触到与自己当下技术难度不相匹配的音乐作品，但是我们不妨想想，欣赏，并非要求他们掌握。就像我们从小给孩子们讲睡前童话一般，所有的童话故事又与孩子当下的生活有什么关联呢？所以不要让“听不懂”成为他们欣赏古典音乐的绊脚石，因为我们真正应该关注的，是孩子对音乐本身是否会产生情感而并非情感的正确与否。我们需要培养的是一个对音乐作品饱含深情地演奏者，并非预先编排好程序的机器人。

第三，情感的宣泄不是无理由的肆意发挥。通过培养学生在音乐作品中认知情感的最终目的是在演奏过程中宣泄情感，从而呈现更好的作品，但这种情感的宣泄是需要严格尊重作品本身的。钢琴演奏作为一门表演艺术，需要演奏者在演奏过程中准确呈现不同作曲家的不同风格，而把握这种风格，也正建立在我们对作曲家的情感认知的基础上。不假思索的宣泄情感将会使整个音乐作品黯然失色。当演奏者在演奏贝多芬的作品时无时无刻不闪现肖邦的影子、抑或是在舒曼的作品中呈现出巴赫的气息，这便是严重的歪曲了作曲家的风格。

以巴赫为例，作为巴洛克时期的代表人物，在当时政治分裂、经济萧条、文化衰落的社会背景下，宗教势力占据统治地位，其大多数作品均为宗教音乐。其作品深沉、悲壮的格调带有鲜明的时代特点。但因其深受资产阶级启蒙思想的影响，又使他的宗教作品明显的突破了传统教会音乐的规范，具有丰富的世俗情感和大胆的革新精神。了解其作品创作中包含的人文主义的精神内涵，掌握其作品在表现形式上对复调形式的全面总结和创新，是我们演奏巴赫作品时对学生提出的两项重点要求。在尊重作品创作背景的前提下，达到感情上的共鸣，将会帮助我们完美的呈现一首音乐作品。

结束语：欧洲古典音乐是带有历史厚重感的文化精髓，是一个时代的文化缩影，在学习钢琴演奏的过程中，不断加深对欧洲古典音乐的研究，将有助于我们用更饱满的情感呈现这些音乐作品。而学习欧洲古典音乐，是一个漫长且循序渐进的过程，需要我们从少儿钢琴教学时期便开始引导学生学习，只有经历了时间的沉淀，这种传自于异国他乡的文化艺术才能真正在孩子们心中扎根。而只有真正认知并与之产生共鸣，才能实现为作品演奏赋予灵魂。

参考文献：

[1]但昭义.少儿钢琴教学与辅导[M].北京：人民音乐出版社，2004.

欧洲音乐 第7篇

一、欧洲音乐文化历史演绎

欧洲音乐之所以能够引领西方音乐的发展, 是与欧洲历史无法分割的。 特别是欧洲古典音乐的盛行, 出现了以德国和奥地利为代表的音乐之国, 引领了欧洲音乐的蓬勃发展。到十八、十九世纪, 欧洲音乐受文化的影响, 开始由古典音乐向浪漫主义音乐发展, 特别是十九世纪末期欧洲音乐受民族主义思潮的影响, 欧洲一些民族国家的音乐家开始以本国民族语言来创作音乐, 采用本民族的英雄史诗、神话传说和人民解放斗争事迹为题材, 并将民族音乐的鲜明特点和古典主义音乐的优秀传统以及浪漫主义音乐的艺术风格紧密地结合起来, 因而民族感情被赋予了强烈的艺术生命力。 这一时期, 民族音乐主要以俄罗斯、芬兰、挪威等国音乐为主。 如世界著名的钢琴曲《少女的祈祷》就是波兰的女性作曲家芭达捷芙斯卡创作的。 当她的这部作品发表后, 很快风靡全球, 相继以八十余种不同版本发行, 乐曲在单纯中显出深刻, 亲切、伤感、柔美, 抒发了她的祈求和激动。 她究竟在祈祷什么呢? 你尽可以自由地发挥你的想象去理解、体会。而这以历史时期波兰正在被邻国所蚕食和瓜分, 因此作者通过作品抒发了内心的真实感受。

进入到二十世纪后, 欧洲音乐发展成为以多元化格局为主的音乐, 特别是第二次世界大战之后, 欧洲音乐发展流派众多。 随着科技的发展, 各种电子乐器得到了应用, 从而推动了欧洲音乐的发展。

二、从音乐文化的历史角度分析欧洲音乐的民族性

(一) 德意志民族风格的欧洲音乐

德意志帝国主要是由德意志人组成的, 而德意志民族的祖先正是建立罗马帝国的日耳曼人, 因此在音乐文化历史发展过程中, 以德意志民族音乐为基础发展起来的欧洲音乐占主导地位。 被后人称之为“音乐之父”的巴洛克时期德国著名作曲家、小提琴家巴赫, 所创作的欧洲音乐作品正是根植于德意志民族风格之上。 巴赫的音乐作品 《勃兰登堡协奏曲》正是展现宫廷贵族社会生活的一个缩影, 从第一乐章彰显恢弘气势的宫廷庆典开始的活泼欢快, 到第二乐章表现德意志人的善于出现的沉思、忧伤情绪, 到最后第三乐章再回到热情欢快, 其音乐曲式无论是采用赋格曲还是采用民间舞蹈曲都与日耳曼民族文化紧密相关。

欧洲古典音乐是以莫扎特、贝多芬为代表的。特别是古典音乐终结者和浪漫音乐开拓者于一身的贝多芬, 同样是德国作曲家, 其创作的音乐作品的文化渊源也与日耳曼民族无法分开的。 特别是贝多芬最后创作的音乐作品《第九交响曲 》融入了太多的民族情节。作品第一乐章展现了德意志人民在艰苦的斗争, 冲破重重险阻, 前赴后继去取得胜利;而第二乐章中通过乐曲三声中部主旋律中运用奥地利民间舞曲 “连德勒”, 表现人们胜利后的轻松和谐, 富有浓厚的浪漫主义气息;而接下来又是表现战斗没有停止, 号角还在猛烈地吹响。 可见, 贝多芬的《第九交响曲》取材就是描写德意志民族为争取自由、争取独立的战争场面。 因此, 贝多芬的音乐创作同样是来源于民族发展的历史, 具有较为鲜明的民族性。

(二) 奥地利民族风格的欧洲音乐

奥地利作为奥匈帝国的一部分, 其奥地利民族也同样在音乐艺术上造诣匪浅, 是欧洲音乐的重要组成部分。 奥地利作曲家海顿被后人尊称为“交响乐之父”, 其音乐作品具有典型的巴洛克风格, 其音乐作品饱含着热情、典雅, 充满了幸福、祥和的气氛, 这与当时奥匈帝国的繁荣有着一定的关系, 体现了奥地利人的社会文化生活。 特别是海顿的《F大调弦乐四重奏》第二乐章“如歌的行板”, 就是一首典型的器乐小夜曲, 是正向心爱的人表达情意的歌曲, 而这正是奥地利民族的真实生活写照。

约翰·施特劳斯, 被誉为“圆舞曲之王”。他的作品旋律优美, 节奏轻快, 以《蓝色的多瑙河》最为著名, 这与德奥民间音乐有一定联系。而且, 约翰·施特劳斯的多数作品都是取材于维也纳市民的社会生活。而《塞尔维亚进行曲》是纪念世界第一次大战时塞维尔亚青年英勇战斗的情景, 这同样是与民族情结无法分开的, 因此奥地利音乐同样是植根于其民族文化上的。

(三) 俄罗斯民族风格的欧洲音乐

俄罗斯音乐同样起源于宗教音乐, 而经过与民间音乐的不断融合, 形成了俄罗斯音乐。伟大的俄罗斯音乐大师柴可夫斯基, 正是欧洲音乐发展到民族乐派的代表之一。他所创作的音乐作品都是以反映沙皇专制统治下的俄国人民苦闷心理和对幸福美满生活的深切渴望, 揭示人们内心矛盾为主的。如《悲怆交响曲》描写了人生奋斗与失败、兴奋与绝望, 充满了悲伤、追忆的情绪, 这也是当时俄罗斯人民的真实写照。因此, 作为欧洲音乐的组成部分, 俄罗斯音乐同样是民族语言的表现, 是俄罗斯人民的文化体现。

十九世纪初, 俄罗斯受到欧洲古典音乐的影响, 开始在本民族音乐的基础上发展古典主义音乐, 主要以米哈伊尔·格林卡的作品为代表。他的作品在俄罗斯民族和民间音乐的基础上, 融入了欧洲古典和浪漫主义音乐的特点, 将俄罗斯民族质朴的音乐与专业的欧洲音乐互补, 形成了具有俄罗斯民族特色的音乐, 使落后于欧洲其他国家的俄罗斯音乐水平得到了提高, 并奠定了俄国民族乐派的坚实基础。随着俄国十月革命的到来, 俄罗斯音乐更加具有民族性, 并逐步成为了一个代表多民族音乐的音乐集合。

三、以音乐文化历史发展观分析欧洲音乐的民族性

音乐随着人类的生存、发展而不断的演进的。 音乐从开始记述人类重大事件、歌颂英雄人物、宣扬宗教文化等逐渐形成了一种艺术形式, 脱离了人类发展就不可能有音乐的出现。而世界各族人民都有着各自不同的音乐表现手法, 如中国有民歌、欧洲有歌剧、美洲有摇滚乐等, 这些都与不同的民族生活息息相关, 无法分离。 前面已经对欧洲音乐的发展史进行了简单的回顾, 可以清晰地看出欧洲音乐的发展历史是与欧洲历史相吻合的, 是历史文化发展的产物。 而且, 欧洲音乐代表了不同地区和国家的民族风格, 是欧洲民族社会活动的真实写照, 可见分析和研究欧洲乃至世界音乐的文化发展不能脱离民族性, 民族发展的历史能够通过民族音乐来表现出来。 正如中国传统音乐都与民族文化有关一样, 欧洲音乐同样是欧洲各民族社会生活的真实写照, 是真实反映其民族历史文化发展的音乐语言, 从音乐文化所代表的民族性可以证明欧洲音乐是欧洲民族文化的共同语言。

音乐是一种世界性的语言, 音乐来源于社会生活, 有着地域性和民族性, 尤其是音乐作品的创作都是依托民族文化, 体现了民族文化。 因此, 音乐文化正是随着民族的兴衰而以音乐的形式表现出来。 欧洲音乐具有民族性, 这也是造就以欧洲音乐为主的西方音乐特征的所在。 可以说, 音乐正是民族语言的一种表现形式, 从音乐文化历史的角度上, 对欧洲音乐的民族性进行分析和研究, 对于更好地传承和发扬欧洲音乐具有重要的作用和意义。 这也是世界音乐文化大融合的时代所需要的。

摘要：音乐是民族文化最具代表性的表现形式, 无论是中国的民歌, 还是欧洲古典音乐, 从其发展历史上可以清晰地发现, 都具有民族性, 体现着不同民族的语言文化。欧洲音乐是人类文化历史的瑰宝, 是西方音乐的代表。从音乐文化的历史发展角度来探析欧洲音乐的民族性, 可更好地学习欧洲音乐, 了解欧洲各民族的社会生活, 使世界各民族在音乐艺术上始终保留着强烈的民族性。因此, 探析欧洲音乐的民族性离不开音乐文化发展的历史。

关键词：音乐文化,历史角度,欧洲音乐,民族性

参考文献

[1]杨久盛.论音乐的民族性——“音乐是世界共同语吗”[J].乐府新声:沈阳音乐学院学报, 2008 (4) .

[2]罗时东, 章小淮.浪漫主义时期欧洲音乐的文化特质[J].音乐探索, 2007 (2) .

[3]李小兵, 彭一敏, 傅利民.从宫廷音乐家到自由音乐家——17至19世纪活跃在奥地利的音乐家之社会经济地位变迁阐析[J].乐府新声:沈阳音乐学院学报, 2010 (1) .

[4]朱超, 毕敬.“和谐”与音乐之美——古希腊音乐美学思想[J].学理论, 2015 (18) .

[5]宋歌.柴可夫斯基《1812序曲》体现的俄罗斯音乐民族性[J].音乐大观, 2012 (4) .

欧洲音乐 第8篇

关键词：音乐体系,民间音乐,新疆少数民族,欧洲音乐体系

欧洲音乐理论体系是建立在古希腊音乐体系基础之上, 而又随时代的发展不断发展、延伸。纵观欧洲, 各国、各地区音乐丰富多样, 相互交融。新疆为多元文化区, 各国音乐在这里得以交融、渗透。因此, 在新疆诸多少数民族民间音乐中, 欧洲音乐体系也在其中得以运用。

一、欧洲音乐的基本特征

欧洲各个国家的音乐在长期的交融过程中形成了区别于亚洲、非洲等地区的音乐特征、形成体系化。在乐音方面, 每个乐音都有固定的音高, 音与音之间存在着很大的“空间”和“缝隙”, 这些“空间”和“缝隙”不用音腔来填满, 构成明显的阶梯状。在调式方面, 欧洲音乐继承了古希腊调式、旋律的基本特征, 以四音音列作为基础, 不同的四音音列组合组成12种调式。在旋律方面, 欧洲音乐作品旋律具有功能和声表层意义。在节拍、节奏方面, 欧洲音乐中以功能性均分律动节奏为主, 节奏鲜明, 强弱拍交替规律。在织体方面, 除有大量的单声织体之外, 还存在着多声部思维的纵线性织体, 在注意横向旋律流畅的同时, 十分讲究声部之间的纵向关系。

二、欧洲音乐体系在新疆少数民族传统音乐中的运用

新疆为多民族聚居区, 中国、欧洲音乐和波斯阿拉伯三大乐系在新疆少数民族音乐中都有采用。其中, 俄罗斯族是我国唯一只采用欧洲音乐体系的民族, 而哈萨克族、柯尔克孜族、塔塔尔族则采用中国音乐体系和欧洲音乐体系两种。由于新疆长期以来, 各少数民族聚居形成大杂居、小聚居的居住形式, 受上述四个民族的音乐影响, 在新疆维吾尔族、锡伯族中也产生了采用欧洲音乐体系的民间音乐作品。

1. 欧洲音乐体系在俄罗斯族民间音乐中的运用

新疆俄罗斯族为印欧语系斯拉夫语族, 是17世纪以后相继从沙皇俄国以及前苏联迁入我国的民族。俄罗斯族是中国唯一源于欧洲得民族, 也是中国唯一不采用中国音乐体系而只采用欧洲音乐体系的民族.因此, 欧洲音乐体系的特点在俄罗斯族民间音乐中表现得非常典型。

在音乐思维方式上, 俄罗斯族不同于我国其他民族, 其音乐思维方式完全趋同于欧洲诸民族, 注重纵向、和声的音乐思维特征。俄罗斯族民歌, 无论是单声部民歌还是多声部民歌, 特别是最具特色的是无伴奏混声合唱, 都能看到纵向和声的身影。如俄罗斯民歌《姑娘的身价》, 该曲是一个单乐段, 在俄罗斯人看来, 这就是一首专供即兴填词的“短歌”, 它的曲调不变, 和声序进为CGD7-G反复两遍, 构成一个短小的乐句。他们拉着手风琴, 即兴编唱, 有时还伴有欢快的舞蹈。

由于俄罗斯族所采用的俄语为一种有固定重音的语言, 这使得俄罗斯族民歌词重音十分有规律, 多采用均分律动, 强弱交替十分有规律。多采用二、三、四和六节拍等节拍。曲调方整, 乐句多采用两个或四个的对称结构, 无散板形式。在器乐曲中, 所用调式不同于中国其他民族音乐, 常用欧洲音乐体系中的自然大、小调、和声小调、旋律小调和混合利底亚调式。在和声序进中强调下属功能到主功能的进行。在器乐曲中多采用主题变奏的曲式结构, 而伴奏乐器为欧洲常见的键钮式手风琴、吉他、曼多林和巴拉莱卡等。

2. 欧洲音乐体系在哈萨克族、柯尔克孜族民间音乐中的运用

新疆哈萨克族、柯尔克孜族不同于俄罗斯族、塔塔尔族, 非欧洲移居民族, 为中国固有民族。哈萨克族采用中国、欧洲两个音乐体系, 柯尔克孜族则采用中国、欧洲、波斯阿拉伯音乐体系, 但在新疆, 这两个民族都以欧洲音乐体系为主要音乐体系。

哈萨克族和柯尔克孜族采用欧洲音乐体系与其自身族源有关, 而并非受欧洲音乐文化的影响。哈萨克族最早形成于16世纪中叶, 其重要族源为乌孙, 而柯尔克孜族的先民则源于公元前居住在叶尼塞河上游的“坚昆”。据专家考证, 乌孙和坚昆并非东方蒙古人种, 为欧洲高加索人种, 因此, 哈萨克族和柯尔克孜族民间音乐中具有欧洲音乐体系的特征。但由于这两个民族长期居住与东方, 因此, 在音乐中不仅具有欧洲音乐体系的特征, 也具有中国音乐体系的特征。

哈萨克族民歌“安”类歌曲, 与欧洲“咏叹调”相类似, 其歌词多为固定式, 曲式结构多采用单乐段反复加副歌的单二部曲式, 而“月伦”则与西洋歌剧中的朗诵调相类似, 与语言音调结合紧密。哈萨克民歌多由主歌和副歌两部分组成, 在民间音乐作品中, 常使用自然大、小调, 多利亚和混合利第亚调式。自然大调民歌如《玛依拉》、《噶俄丽泰》, 自然小调民歌如《心爱的情人》、《黑云雀》等, 但在调式上又与西欧古典音乐中的大、小调有一定的区别, 具有一定的草原风格特色。在曲式结构上, 哈萨克族民歌多以单一、单二部曲式较多, 在民歌中常会看见带再现的二部曲式。与哈萨克族曲调有所不同, 柯尔克孜族民间音乐更强调下属音和下属和弦, 在终止式中常出现和弦下属和弦主和弦的进行。在民歌中, 为强调这一进行, 会在下属和弦构成时出现bsi音, 但与西欧弗里吉亚调式有所不同, 在节拍上, 多采用二拍、三拍, 节奏性强。

综上所述, 世界各民族大迁徙, 在经济、文化、生活等方面得相互交流、相互融合, 促使世界各国音乐之间的传播。在传播过程中, 又与本国民族独特的民族音乐相互渗透, 促使世界音乐“你中有我, 我中有你”。而新疆所处地理位置正是古代丝绸之路要塞, 是古代东西经济、文化交流的必经之路, 人类各不同地区的古代文明在这里相互交融、碰撞, 促进了新疆各少数民族音乐复杂、多样性的特点, 成为世界音乐宝库中不可或缺的组成部分。■

参考文献

[1]周吉.中国新疆维吾尔木卡姆音乐.中央音乐学院出版社, 2008.

[2]王耀华.世界民族音乐概论.上海音乐出版社, 1998.

[3]刘松林.哈萨克民歌音乐风格特征.中国音乐, 1986, 3.

[4]杜亚雄.中国俄罗斯族的民间音乐.中国音乐, 1984, 1.

欧洲音乐 第9篇

这三个具有代表性的阶段是前奏曲题材在世界范围内产生了历史性影响的时期。这三个发展时期的代表人物是真正的全球范围内最伟大的音乐家、钢琴作曲家和演奏家, 他们的存在将钢琴艺术推向了全球艺术的巅峰。

一、前奏曲题材的里程碑人物——约赛·巴赫的前奏曲

在世界范围内钢琴前奏曲题材创作方面的奠基人应该是音乐大师巴赫和亨德尔, 其中对钢琴前奏曲创作最具影响的是约赛· 巴赫 (Johann Sebastian Bach, 1685年-1750 年) 。十七至十八世纪前半叶, 在约赛·巴赫的作品中, 出现了大量的具有一定规模的前奏曲。例如在巴赫的六套《英国组曲》和《二十四首平均律钢琴曲》中, 每一首都出现了比较完成的前奏曲或者与协奏曲第一乐章相似的前奏曲。巴赫的六首《帕蒂塔》 (Partita) 也都以前奏曲作为开篇的序曲, 这个时期的前奏曲已发展的相当成熟, 已经具有了基础性的艺术地位和有代表性的音乐素材。巴赫和亨德尔对这一体裁的发展做出了伟大的贡献, 他们是处于世界前奏曲创始时期的中心人物, 具有被光环笼罩的中心地位。这个时期前奏曲的标志特征是即兴式的、自由幻想曲的主题动机, 另外还有作为赋格的引曲作用的功能, 也有作为组曲的前沿乐章的作用。此时的前奏曲和字面的意义完全相同, 是出现在乐章之前的预备段落, 是一套组曲的开篇形式。功能和作用是套曲、正曲出现之前的前奏段, 这也是巴洛克时期前奏曲的基本作用。

还有一些比较典型的前奏曲, 例如《平均律钢琴曲集》, 每一首正曲赋格前面都有前奏曲。在探索和研究这些前奏曲的作用时, 首先会发现前奏曲主要是为平均律服务的钢琴作品。因为前奏曲是建立在四个大小调上的, 第一个功能是服务于调性, 即可称为为平均律而创作的音乐作品。由此可以推断巴赫在创作这些作品时考虑的第一作用即是展示他所发明的平均律, 这些前奏曲是为了表现律制而写作的。平均律钢琴曲除了在调性配置方面特别严格之外, 对于其他方面就较少要求, 如在速度及力度方面的标记就少之又少。除了《c小调前奏曲》有速度和情感标记, 如:Adajlo——有感情的、Allegro—— 活泼的快板;《e小调前奏曲》、《b小调前奏曲》中有较少量的力度标记, 如foree ( 强) 和piano ( 弱) 等等;其他前奏曲很少有这类标记。由此可见, 速度和情感的变化不是作者关注的重点, 或者作者希望演奏者自己展开想象去挖掘速度与情感变化的内在成分。

二、浪漫派音乐家肖邦创作的前奏曲

时间推移至1831 年到1839 年, 波兰旅法音乐家、钢琴家、作曲家、演奏家肖邦 (1810 年-1849 年) 把巴洛克时期巴赫等创作的前奏曲形式加以更新和改进, 使其成为独立的音乐体裁“浪漫时期的前奏曲”, 其本身即成为一种曲目的名称, 而并非巴洛克时期的前奏曲是依托于主题音乐的前面而存在的。肖邦创作的26 首前奏曲, 最先发表的24 首为一个曲集, 后面发表两首也纳入曲集当中。这二十四首前奏曲都能够单独以一首完整的音乐作品而存在, 是完全不依托于任何音乐作品的独立音乐体裁。前奏曲成为特定音乐题材是作曲家、演奏家肖邦为人类做出的一大贡献。肖邦在1831 年至1839 年和后来1841、1843 年先后发表多首前奏曲作品。不管其篇幅大小, 都能以独立的音乐思想和结构完整而存在。

回顾和分析肖邦创作的前奏曲, 多半为小型的, 但乐思和主题都是十分完整, 并且其最大的特点是从思想和哲学观点都代表着他人生法则的青年时期的作品。大多数音乐家如乐圣贝多芬, 其早期作品的思想性完全达不如其壮年时期的哲理性强, 贝多芬代表性作品大多是遭受磨难后对人性深刻领悟之后而创作的作品, 如具有代表性的“命运”交响乐和“悲怆”钢琴奏鸣曲等。所以学者对于肖邦的评价是天才、神童等, 这些称谓是因为他接近中年和青年时期的作品, 也是他一生最具有代表性的音乐作品。

肖邦的前奏曲也因其创作的年龄不够老道, 世界观尚未完全达到成熟, 所以其篇幅比较短小, 例如《肖邦前奏曲集》中的第二十首, 全曲总共只有十三个小节, 该曲的主要思想分布如下:前面四个小节的音乐形象似乎是一个负重行走的音乐形象, 预示一个灾难深重的民族背负着沉重的枷锁在鞭挞和奴役之下艰难的行走。广板 (Lareo) 的表情表明前面幽暗而广袤, 标志着道路的艰难和遥远。而接下来的四个小节则突出了大调的明亮色彩, 旋律鲜活而充满希望的思想在后四小节充分体现, 表明了被奴役和压迫的民族中, 有更多像音乐家一样有思想, 有行动, 敢于反抗, 敢于用音乐作为武器而斗争的青年。第九至第十二小节是四至八小节的重复音型, 这种重复决不是简单的再来一遍, 而是再次预示把坚定的信念、希望和理想彻底坚持下去的思想动机。最后的十三小节一个长音在结束句上表现一种口号, 或者是叹息。至此在年轻的音乐家肖邦心中, 他所想要表现的音乐动机和思想已经比较全面地表现出来了。

三、近现代发展阶段的前奏曲

一八九二年, 年仅十九岁的俄国近现代作曲家拉赫玛尼诺夫已经开始创作前奏曲, 他此时创作的《#c小调前奏曲》是一首感人肺腑的成功之作, 并且一鸣惊人。拉赫玛尼诺夫是集钢琴演奏和作曲于一身的音乐家, 他经常重复演奏他的成功之作《#c小调前奏曲》, 该曲表现了当时俄罗斯科学领域的学者被压制和不能得到应有的尊重的悲愤情绪。此曲的副标题为:献给阿连斯基, 由此可以看出, 年轻的拉赫玛尼诺夫对知识分子当时的环境和状况深表同情, 因为阿连斯基在当时是比较典型的天才加不幸的艺术家。

阿连斯基 (1861 年-1906 年) , 俄国作曲家、指挥家。其作品多半表示哀悼和抒情的情绪, 如其作品《伏尔加河上的梦》和《埃及之夜》等都是表达优美音乐主题的作品。在艺术地位方面, 阿连斯基也遭受过打击。他曾经为就任过俄罗斯五人强力集团之一的里姆斯基放弃职位, 遂被降为二流的艺术家, 而其后来也遭遇较多不幸, 酗酒、赌博、未婚等这些客观因素决定了阿连斯基的作品风格深沉哀怨。

拉赫玛尼诺夫把自己创作的成名之作《#c小调前奏曲》确定为献给阿连斯基的同时也确定了拉赫玛尼诺夫对沙皇统治下的俄国知识分子抱有欣赏、同情和切身体会的情绪, 也注定了《#c小调前奏曲》的压抑悲愤的情绪。该作品的主题是痛苦呻吟的音乐思想, 由下行半音发展的旋律, 悲愤激动, 像汹涌的怒涛一样不可遏制。音乐像吼叫一般发出了强烈的呼吁, 情绪在第二部分上得到了推动和发展。但最终的结局表现出了无奈, 音乐的情绪也归于沉寂。《#c小调前奏曲》是拉赫玛尼诺夫青年时代的作品, 也是他一生代表性的作品, 在这一点上他与肖邦有惊人的相似之处, 是少年成才的典型例子。

摘要：钢琴曲的重要题材——前奏曲, 在欧洲音乐艺术发展的三个主要阶段分别是巴洛克阶段、浪漫主义阶段和近现代阶段。前奏曲体裁的发展, 成就了钢琴艺术的繁荣, 前奏曲的发展与繁荣对钢琴艺术的发展产生了历史性的影响。

欧洲音乐 第10篇

在19世纪的欧洲, 获得思想解放的艺术家们开始意识到他们的“使命”, 即:意识到将他们的艺术需要进行实践的自由权。那些平淡无奇和乏味的事物对他们而言是令人烦恼的, 所以, 无论任何时候, 只要有可能, 他们就会从社会的要求中退出, 为了独立地“过自己的生活”, 或者献身于他们自己的艺术中去, 不再做一个“受约的仆人”。就像约瑟夫海顿那样:他为做一个独立的艺术家、一位精神上不受束缚的职业人而努力。无独有偶, 1858年理查得瓦格纳很坚决地拒绝了所有提供给他的职位, 因为那与他的尊严是极为不符的。

一、音乐家的思想矛盾

贝多芬是最早专心于自己作曲事业的作曲家, 早在1801年, 这种现象就表现在了他的工作上, 他发现自己的感觉可以引导出音乐的主题, “我只和我的音乐生活在一起”。在1808年, 他总结出了:“那些真正成功的艺术家能够全身心地投入到工作中去, 并且不会因为其他的义务或经济因素的考虑而分心。”贝多芬能够为了达到这种独立, 把那些与他观念不和的人都关在门外, 在他的生活中, 他是一个像神一样有力的艺术家。他能够得到人们的尊敬, 他对于无礼的社会不屑, 并决定性地将音乐从沙龙中解放了出来。但他以自我为中心自由并孤独地创作却无法被人们所认可。没有一个人能够了解在这种境况下贝多芬创作的力量, 而事实上所有的力量都来源于他自己。

比才曾说:贝多芬不只是一个人, 他是一个“神”。更多的普通大众分享着这个清楚地被更加美化了的观念。在这个天才的鼓舞下, 其他作曲家也开始着手使他们自己从神学绝对论中独立出来。从舒伯特在1818年所写下的话中可以看出:“艺术家们开始放弃自己旧的创作习惯。”并且开始倾向于从现实的束缚中解放出来。冯韦伯在1812年1月18日的日记中写道:“生活时常被一些不开心的和没用的事情所填满。比起那些艺术家, 他就站在那里, 像个神一样的自由。被强烈的感情所填满, 并且坚定于他的艺术。他从来没有停下过他的脚步。当这所有的梦想和力量都消失掉, 他会发现他也是这个肤浅、普通的世界中的一员。”

对于作曲家的感觉和态度是在社会的捆绑和束缚之上的说法是有可能被学识深奥的音乐家所忽略的一个危机。由于这些艺术家们仅仅只对自己负责任而导致他们在精神上产生了巨大的压力, 为此, 他们不得不为所缺失的不多的社会责任感而付出代价。他们遭受着苦难和实际存在着的令人难以忍受的孤单。如伯辽兹被公开地贬低为“没教养的人”、“强盗”等, 结果“遭受到”少有的害怕、空虚和犹豫。

抛开这些与世隔绝的例子不谈, 完全从19世纪的世界中孤立出来的例子还是较少的。作曲家变得自我矛盾起来。一方面, 他们希望将来独立地创作。另一方面, 为给自己一些安全感, 他们的作品又像商品一样被卖掉, 因此又依赖社会。但是, 在他们存在的每一天, 也会需要帮助。在某些地方, 作曲家们还是享受着保护政策带给他们的丰富的回报。

二、音乐家与社会义务

在浪漫主义时代, 普通的音乐受到轻视, 没有哪个音乐家会完全忽视消费者, 忽视某些特定的场合所需要的音乐要求, 很多音乐家被迫过着一种两面的生活。迫于经济压力, 作曲家屈从于大众的品味, 甚至投其所好进行创作。但事实上, 这种迎合所谓的“上流社会”的娱乐需求的行为使他们像奴隶。不可避免地依赖于现实社会和不断增长的自我解放意识间的分裂, 让很多作曲家深受打击。

事实上, 在19世纪, 音乐家们可以自由地寻找和选择他们自己对社会的义务, 并且以事物的优点为标准考虑每一件事。另外, 排除在服务之外的音乐家和某时期疏远的、孤独生活的音乐家通常不能在这样的分界线状况下寻找他们的方式。他们倾向于依靠他们的追随者们的鼓励, 以及他们的理解和耐心, 甚至通过有益的音乐会实现慈善动机发出他们对社会职责意识的声明。在1777年早期, 约翰弗里德里希赖夏特和基督徒舒巴特弗里德里希丹尼尔就通过“科学和艺术”证明他们“对祖国的用处”。

所有艺术的最高目标是什么?为了人类, 不是为了个人, 而是为了全民族。这样在音乐中的人道主义动机以许多的方式付诸实践当中。有关于整体民众健康工作的承诺, 也有社会或者爱国运动的支持和多层次艺术作品的创作, 这些音乐作品引起了群众的兴趣, 因为它们是大众熟悉的, 例如民歌素材的发展。

另一方面, 生活在共和国社会下的作曲家被要求通过大众歌曲唤醒对革命理想的支持, 而不是去满足统治阶级休闲生活的渴望。这样一种具有功能性目标的艺术受到不受压制者的积极支持。1830年柏辽兹在他供独唱者、合唱团和管弦乐队演奏的马赛曲 (Marseillaise) 的编写中实现了这种音乐理想。他将这部音乐作品献给“所有拥有声音、心灵和鲜血的人们”。这里“所有的人们”不仅仅涉及上层和中层阶级, 还涉及所谓的第四阶层, 这个事实通过柏辽兹在1846年创作的有男高音、合唱团、管弦乐队的《铁路之歌》中加以证明。这首歌献给“和平的士兵”, 指的是巴黎附近的铁路建设工人们。

三、音乐家自身民族意识的发展

毋庸置疑, 一旦艺术家将其思想转变到其他理想上被圈入到政治喧闹中去, 就不能再创作出任何具备真正艺术价值的作品来。因为所有的创作力、创作旺盛力都要求彻底、专一的奉献。音乐家把自己当成是国家发动的人民运动的公仆, 他们努力让自己去代表民族的声音。像斯美塔纳这样的作曲家随着在传统古典语言之上的民族语言的不断上升而受到关注。所以, 随着地方性的民族特色深入发展及对特殊背景的描述, 一种现实主义变得明显起来。有许多和中等阶级对进步的渴望而紧密联系的民族歌剧、狂想曲、混和曲或交响诗, 还有程式化的舞蹈和歌曲被创作出来, 逐渐受到人们的欢迎。

在18世纪, 音乐家要培养其音乐的民族因素作曲家通过导致民族自豪感的统一和复苏的观念受到激发。很多作曲家, 他们都希望通过这样调和的友好姿态, 使一种“富于民间灵感的、社会的、现实主义的艺术形式”能够得到发展, 使这种艺术形式可以满足社会共同的期望和需求。然而很多作曲家最后是极度失望的, 因为他们不是为了所有人而是为公众音乐厅和慷慨的中产阶级作曲。此外, 他们一直试图通过努力来重现这一类群本身的存在, 尽管这一类群本身已经消失了很长时间, 并且只能通过间接的体验感受它。

自从贝多芬时代, 作曲家已经可以自由地选择是否为了他自身追求的艺术和由此承担着的没有限制的自决权的权力而活着, 不只是为他自己, 也偶尔问一问:“我能为我的同伴做什么?”

正如这首诗所说的那样:

音乐, 我赞扬你的一切,

给你以最高的评价。

在其他姐妹艺术中,

你是最自由的, 真正地自由。

给你, 我最美的评价,

还有那些献身于你的人们。

摘要：在19世纪的欧洲, 很多的诗人、评论家和普通的大众准备给予音乐一个远远超过其他艺术的、高高在上的社会地位, 投身于这种艺术中的人们, 无论是支持者、创造者还是传播者, 都获得了这种社会地位的上升, 而其中一些特别优秀的艺术家能够扮演神一样的角色。在某些社会阶层内存在着一种普遍的舆论, 认为音乐艺术如此远离物质世界, 应该被从这种物质社会的束缚中解放出来, 并给予它在其独特的世界里一种不受拘束的自由。

关键词：19世纪,欧洲,音乐家,思想

参考文献

[1]李应华.西方音乐史略.人民出版社, 1988.10.

[2]刘志明.西洋音乐史与风格.台北大陆书店出版, 1981.12.

[3]叶松荣.西方音乐史略.文化艺术出版社, 1990.3.

[4]黄琳华, 夏滟洲.艺术概论教程.上海音乐学院出版社, 2005.5.

[5]杰拉尔德·亚伯拉罕.简明牛津音乐史.上海音乐出版社, 1999, 第一版.

欧洲音乐 第11篇

撰文 | 本刊记者 熊寥

国际庚

当韩庚获得本届MTV欧洲音乐大奖的全球最佳艺人（Best Worldwide Act）的消息传出，外界有不同回应。有人指责粉丝刷票，也有人奉劝别的粉丝多学学“庚饭”。

粉丝是韩庚走上这一国际领奖台的重要推手。按照去年全球最佳艺人的得奖票数（4000万），粉丝每天至少要投出400万张票，4000粉丝每人每天投1000票，坚持投10天才能获胜。虽然格莱美天后蕾哈娜、欧洲歌手季玛·比兰等在全球拥有众多粉丝，但在“庚饭”的强大攻势前还是败下阵来。

投票是一场战斗。粉丝们每天投出400万张票，以求把韩庚送上领奖台。虽然根据官方网站的设定，每位乐迷每天限投100票，但是韩庚的资深粉丝发现，每投完100票后清空cookie，或者断网重连都可以重复投票。夺取最终的胜利之后，韩庚的粉丝说，mtv敢不敢明年再让韩庚提名，只要让韩庚提名，我们就敢明年再让他获奖！

当天，韩庚穿着几乎要闪瞎观众眼睛的闪亮西装登场—带有光泽感的面料，繁复的印花，脚上蹬一双白色铆钉高帮球鞋，夹杂着中国风、电子游戏风和浮夸风。

虽然登台时间不到5分钟，也没有表演歌曲，但韩庚这次能拿奖，也让全球乐迷见识到他粉丝的厉害。毕竟一举击败了蕾哈娜等全球热门，同时，韩庚也成为首位在MTV欧洲颁奖礼获奖的华人歌手。韩庚在获奖感言中形容自己的心情，如在梦中。“我觉得像在做梦一样。非常感谢我的粉丝，感谢MTV欧洲音乐大奖，我爱你们。”

领奖之余韩庚也没闲着，抓住每一个国际化的机会。在嘉宾区，韩庚与泰勒·斯威夫特相谈甚欢，更亲密无间地合影，大有一副进军欧美市场的架势。

鸟叔的欧洲首秀

联合国秘书长潘基文在会见PSY鸟叔的时候曾开玩笑说，他有点嫉妒，因为鸟叔已经取代他成为世界上最出名的韩国人了。今年10月，鸟叔就已经确定担任MTV欧洲音乐大奖的表演嘉宾。

同时，他也凭借《江南Style》获得“最佳音乐录影带”奖(Best Video)，该奖项竞争激烈，但鸟叔还是击败了美国人气R&B歌手蕾哈娜的《We Found Love》、凯蒂·佩里的《Wide Awake》、百变天后Lady Gaga的《Marry the night》以及说唱歌手M.I.A的《Bad Girls》，成为获得该奖的首位韩国歌手。

当天担任主持人的著名模特海蒂·克鲁姆表示，今年PSY获得巨大成功。仅4个月在YouTube上的点击数就超过5亿人次实在是让人叹为观止。PSY在颁奖仪式上大跳“马步舞”，全场观众随着音乐节拍共舞，热闹非凡。

鸟叔一身韩国江南富人区的打扮走上红毯，一本正经的黑色西装加上风琴褶皱的白色衬衣，还有黑色领结以及黑白拼接的布洛克鞋，可是一张充满喜感的圆脸配上标志性的圆墨镜暴露了他。让人意识到这确实是那位没有偶像面容也没有偶像身材的大叔。

虽然鸟叔在接下来的年底颁奖季一定会处处开花，但这次EMA是鸟叔首次在国际大奖舞台上亮相，也难怪他午夜发微博表示感慨，“回想过去的这几个月”并附上一张领取MTV欧洲音乐大奖的照片。

过去几个月来，随着《江南style》在全球范围内的大热，以及吉尼斯纪录、MTV大奖等诸多荣誉纷至沓来，令“鸟叔”PSY转瞬间成了家喻户晓的人物。

在此次演出中，PSY邀请了他的众多模仿者和舞者参与了这场意义重大的处女秀，甚至连大卫·霍夫也特别加入，客串演出。

90后当道

如果把生于1989年12月底的泰勒·斯威夫特勉强算进90后的阵容，那么这次的MTV欧洲音乐大奖用奖项说明了当下最受人们欢迎的正是这群20岁上下的“孩子”。

蕾哈娜虽然在提名阶段包揽了最佳单曲、最佳女歌手以及最佳流行歌手等6项提名，成为本届颁奖礼中获得提名最多的音乐人，但最后爆冷颗粒无收。

身高180厘米的小天后泰勒·斯威夫特当晚穿着拼接透视裙装亮相，服帖的剪裁展示出她的修长身材。作为当下最炙手可热的乡村女歌手，泰勒·斯威夫特一举拿下最佳女歌手（Best Female）、最佳现场表演（Best Live）、最佳造型（Best Look）三项大奖。

泰勒·斯威夫特在领取最佳女歌手奖项时兴奋说道：“这是我第一个欧洲MTV奖项，也是我第一次在这个舞台上演出，一切让我感到不真实。”

相比于泰勒·斯威夫特的风光，Lady Gaga和水果姐凯蒂·佩里压根没有奖项进账，MTV愈来愈青睐年轻艺人。

出生于1994年的贾斯汀·比伯以超人气的票数打败说唱天王Jay-Z和坎耶·维斯特（Kanye West）等前辈拿下最佳男歌手大奖，加上最佳世界舞台表现、最佳流行歌手共夺得三项大奖。小正太成为全球90后偶像的顶尖代表，早已经是一个不争的事实。去年MTV欧洲音乐大奖上，贾斯汀·比伯就获得了最佳男歌手和最佳流行歌手两项大奖，从出道时的最佳新人到第一个最佳男歌手，贾斯汀·比伯只用了一年时间。

毫无疑问，90后才是票选音乐大奖的主流。

英国男子组合One Direction也在当晚获得两项大奖，最佳新人和最受乐迷欢迎组合。五位成员的平均年龄都在19岁左右，他们最小的18，最大的20岁。这五个年轻帅气的小伙子通过英国一档著名选秀节目The x-factor脱颖而出。乐队成立于2010年，现在就已经是全球瞩目的男子团体。

更重要的是，乐团成员哈罗德·斯泰尔斯刚刚被爆和泰勒·斯威夫特开展了一段新恋情。泰勒·斯威夫特一直以恋情周期短著称，不少粉丝都希望她发新专辑的速度能赶上换男朋友。11月1日举行的全美乡村音乐大奖上，主持人还在嘲弄泰勒刚刚结束的恋情。“要说这一年最大的变化还得算肯尼迪家族，不知怎么地，他们把阿诺·施瓦辛格换成了泰勒·斯威夫特，我是说，她成了他们的”这时候29岁的安德伍德假装打断话头，对他耳语了几句，似乎提醒他泰勒与小男友前不久已经分手。佩斯利叹息道：“什么？怎么我没听说？我的消息太不灵通了。”摄像机故意没有转向22岁的泰勒·斯威夫特，让观众看她的反应，但玩笑并没有到此为止。佩斯利接着问：“他们还会复合吗？”显然暗指斯威夫特的热门金曲《我们再也回不到从前》《We Are Never Ever Getting Back Together》，安德伍德连连说：“不会，绝对不会，绝对绝对不会。”

神曲的时代

今年全球大热的神曲除了鸟叔的《江南Style》，还有卡莉·蕾·吉普森的《Call Me Maybe》，号称全球第一洗脑歌。

从贾斯汀·比伯、凯蒂·佩里这样的偶像明星，到迈哈密海豚拉拉队、哈佛棒球队这样的素人群体，还有A&F的大肌肉卖场猛男，高雅性感的美国小姐都纷纷秀出搞笑视频，连美国总统奥巴马也被人拿来开涮。这首少女怀春歌曲还被正统的《大西洋月刊》用来调侃正儿八经的欧洲债务危机。

此次《Call Me Maybe》一举拿下最佳歌曲。卡莉·蕾·吉普森也获得最佳推荐新人奖。要知道，去年这个时候，卡莉·蕾·吉普森还只是一个寂寂无名的选秀歌手，较为出彩的就是2007年夏天，她参加了当地的加拿大偶像选秀节目获得第3名。此后2008年，吉普森推出了她首张个人大碟《Tug Of War》为乐迷熟悉。

要不是遇到了老乡贾斯汀·比伯，吉普森估计会一直在加拿大没完没了地写歌唱歌。今年1月初，比伯带着女友赛琳娜回到加拿大老家，偶然在电台里听到了这首歌。轻松的旋律，简单的歌词，外加卡莉甜美的声音，比伯一听就上头，并且灵感突发，召集了赛琳娜、A shley T isdale，B ig T im eR ush，Boys Like Girls等一众人，一起录制了对口形版本的视频，还公布在了自己的Twitter上。结果比伯版的《打电话给我》一天内被点击了100万次。卡莉·吉普森也终于迎来坦荡星途，成为贾斯汀·比伯的师妹。

这位人气女歌手接受采访表示：“当我知道自己获得最喜新人提名的时候，我一直在掐自己，毕竟这一切来得非常的突然。这一年让我有很大的发展，让我拥有很多难以置信的瞬间，我一直不敢相信这是事实，它们让我感觉这个世界太疯狂了。”

本届EMA是PSY在欧美主流颁奖典礼的首度亮相，鸟叔一身韩国江南富人区的打扮走上红毯，一本正经的黑色西装加上风琴褶皱的白色衬衣，还有黑色领结以及黑白拼接的布洛克鞋，搭配一张大圆脸充满喜感。

1.《Call Me Maybe》号称全球第一洗脑歌，卡莉·蕾·吉普森也获得年度最佳新人。

2.领奖之余韩庚也没闲着，在嘉宾区与泰勒·斯威夫特相谈甚欢，更亲密无间地合影。

3.一首《We Are Young》红遍美国的独立乐团Fun.，一把火又烧到欧洲，在法兰克福首度献唱。

4.超模Heidi Klum已经是三个孩子的母亲，身材却依然保持得很好，此次回到家乡德国主持EMA，心情大靓，整场表演换了5套战衣。

5.此次演出，PSY邀请了他的众多模仿者和舞者参与了这场意义重大的处女秀，甚至连大卫霍夫也特别加入，客串演出。

6.韩庚斩获本届EMA全球最佳艺人，中国明星第一次在欧美主流音乐颁奖礼上有所斩获，一石激起千层浪。

Heidi Klum的红毯look，一身蓝色高开衩低胸长裙来自Versace范思哲2013春夏成衣。

乡村小天后Taylor Swift的刺绣连身裙清新脱俗，出自J. Mendel的2012秋冬系列。

Rita Ora的Marchesa红色礼服尤为隆重，蕾丝与绸缎的搭配既性感又强势。

Rita Ora的Marchesa红色礼服尤为隆重，蕾丝与绸缎的搭配既性感又强势。

其他国内歌手的世界旅程

张靓颖

张靓颖去过两次格莱美，2010年作为《印象西湖》女主唱，与日本作曲家喜多郎一同亮相，是那年唯一走红毯的华人女歌手。张靓颖诙谐笑言：“我就是来打酱油的。”

萧亚轩

萧亚轩去年也走了格莱美的红毯，之前因工作关系认识奥斯卡影帝及格莱美得主杰米·福克斯，在她录圣诞的公益单曲活动中，杰米主动请缨录制广告推荐、并捐款50万美元。

贾茹涵

欧洲音乐 第12篇

一、对欧洲音乐创作产生的影响

中国音乐对欧洲音乐发生的是渐进性的影响，而非一蹴而就。明末中就开始传入欧洲，在18到19世纪产生的影响开始显露出来。在18世纪欧洲开始盛行“中国戏”，音乐家们将中乐融入到创作中，以中国曲调“万年欢”为主要创作素材的韦伯《图兰朵》序曲最为典型。我国学者钱仁康先生，研究也发现这一时期部分欧洲音乐作品的结构也受到了中国诗歌格律的影响，与中国古典诗歌、词曲的格律不谋而合。比如海顿、莫扎特、贝多芬、肖邦、柴可夫斯基等18到19世纪欧洲著名音乐大师的作品就与中国古诗词有某种契合，可能是中乐西传欧洲的间接影响所至。发展至19世纪末20世纪初，中国音乐对欧洲音乐创作的影响的例子越来越多。普契尼歌剧《图兰多》采用了多首中国旋律，“茉莉花”是歌剧主人公的主题旋律，歌剧中还分别运用了阿里嗣《中国音乐》中的“祭孔歌曲”、中国北方民歌“妈妈好明白”和“十二重楼”等。除了改编现有中国曲调，普契尼也创作了一些五声音阶旋律，影响无疑是来自于阿里嗣《中国音乐》一书。

这一时期除了普契尼外，其他优秀的音乐家也创作许多中国风格的音乐作品。欣德米特的《韦伯主题交响曲》，柴可夫斯基作品《胡桃夹子》第二幕中的《中国舞曲》、美籍奥地利作曲家克莱斯勒的《中国花鼓》作品、英国作曲家凯特尔比的管弦乐东方风格幻想曲《中国寺庙庭园》、法国作曲家德彪西的歌曲《中国回旋曲》、法国作曲家鲁塞尔的3部名为《两首中国诗词》的作品、西班牙作曲家德·法雅1909年创作的作品《中国风格曲》、俄国作曲家彼德·沃洛克《乡愁曲》第一首《清溪行》的词则译于中国唐代诗人李白的诗作以及1917年创作的芭蕾舞音乐《中国芭舞》。

综上，明清时期，尤其是18世纪到20世纪，中乐西传欧洲对欧洲音乐的创作发展产生了重要影响，中国音乐的传入为欧洲作曲家进一步开拓创作领域提供了契机。

二、对欧洲音乐表演产生的影响

对于音乐表演，中国以戏曲为主，欧洲则以戏剧为主，中国的戏曲与欧洲的戏剧是两种完全不同的异质文化下的产物，舞台表现各有特性。表现形式和手段上，中国戏曲结合了诗歌、音乐和舞蹈，欧洲戏剧则有话剧、歌剧和舞剧三种形式。歌剧以歌唱为主，没有说白；舞剧以舞蹈为主，不歌唱；话剧则以对话和动作为主要表现手段，既不歌唱也不舞蹈。内容呈现与内涵上，中国戏曲偏重于表现，通过艺术再现生活；欧洲戏剧则更加注重写实。时空观上，中国戏曲的时空观更加自由，欧洲戏剧的时空观则是固定的。情景表现上，中国戏曲的人、物、景更趋向于融为一体，旨在通过演员唱词、动作反映故事的时空变化；欧洲戏剧则遵循“三一律”原则，即时间、动作、地点三者的一体性，剧情限于一天之内完成、单一故事情节和发生在同一地点。

明清时期欧洲受到中国戏曲艺术传入的影响，在欧洲戏剧界掀起了一种喜剧化的“中国戏”热潮。但这时的欧洲戏剧表演还主要是以欧洲人趣味为基础来演绎“中国题材”，即中国戏曲并没有真正对欧洲戏剧实质产生变革性影响，可以说中国戏曲是在潜移默化中影响着西方戏剧。1755年，《中国孤儿》在法兰西喜剧院首次成功上演，“伏尔泰对演员的服装进行了要求，必须是精神的东方服装，布景也要求是新的、定制的东方布景，观众在经历了犹豫后仍然以赞许接受了这一创新”。20世纪中国戏曲对欧洲戏剧的影响也体现在布莱希特的戏剧理论中，即布莱希特的“表现派”戏剧理论，深深的受到中国京剧的影响，实现了布莱希特长期以来一直想冲破西方戏剧表演受道具、布景牵制的梦想。在苏联演出的以演员表演为戏剧表现中心的梅兰芳京剧也深深触动了布莱希特，他从中国戏曲艺术中抽取到了他需要的理论支柱，提出舞台实践的“间离效果”和“打破第四堵墙”理论原则，认为演员在扮演一个角色，应清楚地意识到自己是如何扮演这个角色的，观众从而也相应地形成一种观察性的观剧意识，观众在欣赏戏剧同时也对演员演出做出评判，这就将观众与剧中人物故事拉开了距离，缩进了观众与演员的距离，即所说的“间离效果”，作用在于引导观众不使自己下意识地完全与戏剧人物融为一体，而是要保持清醒的旁观者姿态欣赏戏剧表演。布莱希特依据该理论成功排演了《四川好人》、《高加索灰阑记》等戏剧作品，也成为中国戏曲对欧洲戏剧产生重要影响的典范。此外，从布莱希特戏剧中我们还可以找到很多与中国戏曲近似的表现手法，如不分幕、采用中国戏曲人物上场的“自报家门”或唱或念“定场诗”等介绍身份、身世、叙述戏剧前因、剧情等。

三、结束语

明清时期，中国音乐在欧洲的传播对欧洲音乐的发展产生了长远影响，这一时期在欧洲音乐作品创作、音乐表演形式的创新中无不融合了“中国音乐”，是中欧音乐相互影响作用下的产物。明清时期的中乐西传，不仅为欧洲音乐后续的蓬勃发展注入了新鲜活力，中国音乐也在与西方音乐的长期交流与碰撞中，发生着潜移默化的变化，尤其是整个近代中国音乐的发展，与西方音乐的影响密不可分。

参考文献

[1]宁坤, 李冉.十六至十八世纪中欧音乐文化交流的概况[J].文教资料, 2008 (16) .

[2]余亚飞.明清时期中西音乐传播探微[J].重庆三峡学院学报, 2011 (04) .