《大奏鸣曲》范文

《大奏鸣曲》范文（精选7篇）

《大奏鸣曲》 第1篇

一、大贝司的发展简述

大贝司也被称为低音提琴,最早流行于巴洛克时期。在大贝司最初流行的时候,其在演奏中出现的机会并不多,由于其外形笨重,琴弦较粗,因此,其适用的范围也比较有限,通常只有在像教堂这样的大空间环境中才能够使用它。大贝司的特点非常鲜明,主要表现在音域低、声音浑厚等方面,它的操作技术性也非常强,演奏难度很大。从巴洛克时期发展到古典时期,很大一部分的优秀作曲家都无法拥有为大贝司谱曲的机会,而最近几年,因为演奏者技艺的提高,以及乐器和琴弦的演变,有很多比较优秀的作品被改成了大贝司乐谱,其中就包括协奏曲、奏鸣曲。

二、巴赫创作风格

巴赫作为西方音乐之父,其音乐不仅深深影响着西方音乐,对于东方音乐也有着同样的影响。巴赫的巴洛克宗教曲风最具代表性,音乐中所表达出来的情感,神圣并具有强烈的歌颂性,因此曲调十分悠扬流畅。另外巴赫还十分擅长使用复调音乐,在演奏过程中,对于每个调式的独立性以及旋律性都非常重视。也许是因为音乐的歌颂性比较强,因此有一部分人也会认为巴赫的音乐在情感方面略显欠缺,但如果与莫扎特、贝多芬的音乐比较起来,巴赫的音乐还是相对含蓄的,情感也比较丰富。演奏巴赫的作品,节奏必须有所控制,就算是非常激情的演奏,也必须要将其音乐的主要思想保留。

三、大贝司演奏巴赫奏鸣曲的分析

下面以大 贝司所演 奏的Sonatano.2in Dmajor, 作品BWV1028为例,分析大贝司在巴赫奏鸣曲中的演奏。

第一乐章,慢板。此篇乐章的篇幅很短,旋律也比较平缓悠扬,大贝司担当的角色为中音区的演奏,演奏过程中,要求演奏者的右手必须要始终保持平稳的拉弓姿势,揉弦不应该过于激烈。

第二乐章,快板。这个部分分为两个段落,第一个段落,采取重奏方式,而第二个段落则是以钢琴为主要的演奏乐器,这个部分的特点就是节奏快,因此演奏者在演奏的过程中,必须要注意音量的平衡,并且要与钢琴赋格相呼应,达到对比鲜明的效果,不需要过于华丽。大贝司在演奏过程中,低位时演奏者不可能同时使用四根手指,所以,其中一部分的音符必须要使用抻指来完成,这样才能够保障音乐的连贯性,最大限度地降低换把频率。

第三乐章,行板。这个部分的曲调平稳,具有歌谣的性质,演奏者要将低把位演奏进行好,尤其是低音的部分需要演奏者进行深入揣摩,巴赫作品中的装饰音原本就是非常具有特色的部分,堪称艺术,在这个章节里装饰音也很多,演奏时要把颤音和长短倚音特别强调,并且区别开。

第四乐章,快板。对话般地和钢琴互动。这是一个轻松欢乐的乐章。但是听者欢乐,演奏者可需要高超技艺完成。拇指把位的大篇幅快速演奏,要配合指法,做出力度变化,还有中段出现的双音等一切低音提琴演奏中出现的弊端将会暴露。伴随一连串的装饰音,一段复杂的炫技旋律,将整曲推向最精彩段落。直至fortissimo的主题再现后整曲从容地结束。

四、结语

巴赫是人们极为熟知的音乐家,他的作品,能够抵达人们内心的最深处,他的音乐才华,世人共见,他的每一部作品,都是上帝赐予人类的礼物。巴赫之于欧洲音乐的发展,有着不可替代的影响,也正是因为巴赫的存在,人们才更加了解欧洲音乐。使用大贝司演奏巴赫的奏鸣曲,是从事音乐事业是艺术者们的一种挑战。大贝司自身的特点决定了人们在演奏时,必须要付出更多的力气,才能够达到作品本身的音色要求,但是,一旦成功驾驭它,就会让人们领略到一种不同的音乐享受。

摘要：大贝司属于弓弦乐器的一种,也被称作低音提琴或者是倍大提琴,大贝司的外形较大,音色低沉,在乐队演奏中,是音响支柱,同时也是基本节奏的基础。使用大贝司演奏巴赫奏鸣曲,不仅仅需要在演奏技巧上多加练习,对巴赫的创作风格也应该充分熟知,只有这样才能够在演奏中完美表现出音乐的真正意义。

《大奏鸣曲》 第2篇

关键词：卡巴烈夫斯基,奏鸣曲,曲式

在众多的钢琴家的行列中,不能不提及一下卡巴烈夫斯基。卡巴烈夫斯基是一位前苏联优秀的钢琴家、作曲家,他生于1904年,卒于1987年。他的作品以通俗、自然音阶的语言为主。他的钢琴作品非常多,在这里我们来了解一下他的钢琴奏鸣曲及小奏鸣曲创作的技法。

一、小奏鸣曲解析

很多钢琴家都热衷于为少年儿童写一些钢琴作品,卡巴烈夫斯基亦不例外,他为青少年也写了许多的作品,钢琴曲有《少年团的生活》作品14、《三十首儿童小品》作品39、两首小奏鸣曲作品13等,在这一系列的作品中,卡巴烈夫斯基天真、无邪的性格渗透到曲子中,使乐曲显得朝气蓬勃,轻松活泼。1930年他写了C大调第一号小奏鸣曲,1933年他又写了G大调第二号小奏鸣曲。

我们重点了解C大调第一号小奏鸣曲。第一乐章C大调;2/2拍;奏鸣曲式;很快的快板并诱人。乐曲呈示部的开始就是以敲击式的音型奏出活泼的第一主题,乐句中含有的平行小调具有俄罗斯音乐的特征,这是他最亲切的语言,这样单纯地发展迎来了沉稳的第二主题。第二主题始终保持在C大调上,然后出现的乐思又建立在五度上的G大调,极为质朴的音调伴随着半音阶下行音型进行发展。发展部采用原调的第一主题开始,并使用了第二主题变奏的乐念。再现部没有被省略,但很简洁。第二乐章使用g小调,2/2拍子,二段体,小行板。主部的主题随着缓慢的伴奏,奏出和弦型,甜美地唱出俄罗斯民谣—摇篮曲的旋律。在降e小调上再一次使用主部主题并进入第二段,等到乐句发展到低音回复最初的乐念时,乐曲终了了。第三乐章C大调,9/8拍子,奏鸣曲式,急板(Presto)。全曲以回旋曲的乐念贯通,形式上是奏鸣曲形式。构造上没有一般奏鸣曲的大构造。第一主题是9/8拍子,有力地滑出,变成6/8拍子平静下来,并以相同的节奏塔兰泰拉的第二主题开始。在这里第一主题以g小调形式展现,本质并无太大变化。第二主题之后有一2/4拍子,以十六分音符所做成稍微华丽的短小推移部,以强做结束。发展部,在这里完全根据第一主题而发展,12/8拍子交叉进行。保持这个姿势进入再现部,两个主题同时出现,第二主题是C大调,最后根据第一主题所做的尾奏,清晰地敲键结束。这首乐曲饱蘸了他对自己民族的热爱,对其他民族音乐元素的了解,显示了他非常雄厚的音乐底蕴。创作手法简明、利落,体现了俄罗斯传统作曲的技法。

二、奏鸣曲解析

卡巴烈夫斯基的奏鸣曲是典型的奏鸣曲形式。第三号奏鸣曲的第一乐章F大调,2/4拍子,奏鸣曲式,很快的快板(Allegro con moto)。欢快的舞蹈蹦跳感的第一主题被弹奏出,在五度上又被重复,形成了简单朴素的小尾奏之后,第二主题照原型在五度上的C大调出现。主体包含大小音阶的双重性格,稍带忧郁,这忧郁的情绪,像是薄暮时分独处斗室,看惨淡的落日渐渐被一片幽暗吞没但很有现代美感。紧接着便发展成激烈热情的乐念,渐渐平静下来,哼唱出柔和的摇篮曲般的推移主题,呈示部渐慢而终。发展部更快,感情激动的样子,这是山涧的清流,在岩洞滴水的清音声中流淌。这是淡云遮掩的青山,在清风飘拂的变幻影中隐现。倘若把那泉声连续,倘若把那隐崖勾勒便可找到游旅幽径。根据第二主题发展安静地开头,时而激烈的高潮后,再度回到深沉,推移主题被接到这段旋律之间,后面以极其强调的自由展开,钢琴弹出生动活泼有力的效果,这一部分以和弦的强奏作为结束,在这之后再过渡至再现部。第二主题为F大调,极为简单,并不复杂,很少有发展,最后照例是根据第一主题所做的尾奏而结束。第二乐章,3/4拍,降B大调,三段体,如歌的行板,是所谓歌谣形式的徐缓乐章。主部主题是单纯朴素而又情趣盎然。中部变成b小调,开始部分的主题充满悲痛的情感,之后移到升c小调而充分地展开,经过b小调移入第三段。在这里是B大调作主部的乐念加以处理只作为装饰性的,没有十分展开就很短地结束了。之后中间部的主题回到g小调,把主部主题加入其中做成尾奏,安静地终止了。第三乐章是2/4拍,f小调—F大调,回旋曲式,欢欣喜悦的快板。这首乐曲的曲式是:A+B+A’+C+A”+尾奏。主部回旋曲主调是以f小调轻快地哼唱出来,形成一种温馨的意境,仿佛是刚和恋人约会后的归来,走在路上满心欢喜,甜蜜而亲切的话语还萦绕在耳边,它像花香那样让我们禁不住深呼吸,让这情绪沁人肺腑深处。这音乐不断下行,然后又通过一个激情的飞扬,把这幸福感再一次地回味。发展成类似土耳其进行曲的节奏,在与副部段落之间第一插句是g小调,洋溢着活泼轻快地律动感和节奏感。然后,再现部的主题旋律回到主部主题的旋律上,g小调立刻转调,此调的主题再度呈示回到原调,从土耳其节奏到新的发展有一段钢琴单音强奏的乐段,另外作为C段的第二插句是降e小调,突然改变作风,以两个八度音程平行奏出,做重复的发展,这部分是此奏鸣曲中最具思考性的部分。主题用各种调性处理,较长的发展段落之后变成眩目而快速的音群,到了音乐的颤音部分,回旋曲主体的动机在低吟作了暗示,使得主题终能够完全地出现,变成A"。在这里回旋曲的主题被自由处理,直到尾奏,在切分节奏加上华丽的技巧而展开,紧接着转移到低音部,力量再度增强而迅猛地结束全曲。

卡巴烈夫斯基曾在莫斯科音乐学院跟随音乐巨匠戈登威瑟学习钢琴,是一位精湛的钢琴家,同时也为自己的创作演奏或录音。在他的奏鸣曲中,第一号作品六(1928年)是卡巴烈夫斯基在音乐学院求学时的作品,几乎不为人知。但第二号(1957年)和第三号奏鸣曲确是被经常演奏的乐曲。这些曲子和通俗作品比较来看还是可以看出作者追求艺术的严肃性的一面,而且乐曲中的钢琴技巧极为充实,可以和同期的普洛克菲耶夫的奏鸣曲堪称是前苏联钢琴奏鸣曲的典型。第二号奏鸣曲第一乐章是4/4拍,降E大调自由的奏鸣曲形式,中庸的快板,节日似地。开头是左手呈现降E大调主和弦的跳跃五度,紧接着是第一主题所形成的像教会撞钟般的乐念。而谱写此曲的1945年正是前苏联在第二次世界大战中得胜的一年,作品反映的是胜利的气息。华丽的第一主题部以渐快的速度形成高潮以后,便进入深沉宁静的D大调的第二主题,后半部形成猛烈的推进,渐渐速度减慢,暗示在低音区呻吟般的动机,致使乐曲具有委婉的情趣,于是进入很快的快板,降e小调的发展部使情绪有了发展。与此同时左手在最低音部持续进行着变化不大的断奏分解和弦的音型,右手也在低音部展开主题但与第一主题并无太大关系。然后再转为歌唱的段落呈现类似第二主题发展的音型,这部分与其说是发展部,还不如说是自由插入乐句更为恰当、合适。另外速度略微转慢,第一主题的再现表明已经进入到了再现部。第二主题的原型还不曾出现的时候,乐曲就宽广地戏剧性短小的尾奏唐突地结束了。第二乐章是3/4拍三段体,b小调,绵延舒展的行板。在四小节如导音的引子之后,奏出主部主题,在不断变化中向前推进。中段是略为快速的g小调用以构造清晰的旋律主题以及以变奏形式推进,渐强而昂扬,乐曲的意境,仿佛是一篇《观四叠瀑记》。上叠瀑千丈落下,气势恢宏。中叠瀑急流狂注,带雨挟风。而下叠瀑更是滚泻奔驰,白浪快舞欢涌。水雾密蒙中隐听泉水歌咏。最是低叠瀑撞击巨石,声如洪钟,涯间尚有袅袅挂练,垂悬半空。若静听冷涧钲琮,辨山谷回响,心情喜畅矣,如蹦珠,如溅玉,如交觥。然后在同样的气势之下,由ff奏出主部主题,以形成华丽琶音装饰的第三段。第三乐章是2/4拍,降e小调,回旋曲式。大致的曲式为:A+B+A+C+A’+B’+A+C’。并不完全遵循古典奏鸣曲的形式。在渐强而跳跃动感的引子之后,出现了愉快的回旋曲主题。第一插句是F大调,民谣风主题,在分解和弦支持下奏出,后面是强而有力的地突进。第二插句为降A大调,大众化歌曲似的主体极为高亢地呈示,左手在七和弦上加上重音,中间发展变化既而又重复出现相同的乐段,是一长大的乐段。在之后,回旋曲的主体仍以不明晰的姿态续接第一插句的变形、回旋曲主题、第二插句的缩短音型等,最后,以降E大调的和弦结束全曲。

三、结束语

贝多芬《月光奏鸣曲》浅析 第3篇

关键词：贝多芬,月光奏鸣曲,影响

路德维希凡贝多芬 (1770-1827) 是18世纪下半叶以来最伟大的德国音乐家、维也纳古典乐派代表人物之一, 对世界音乐的发展有着举足轻重的作用, 被世人尊为“乐圣”。

一、贝多芬生平及其在世界音乐史上的地位

1770年12月16日, 贝多芬诞生于德国波恩。母亲是一名心地善良、性情温顺的女仆;父亲则是宫廷唱诗班的男高音歌手, 整日嗜酒如命, 碌碌无为。艰辛的生活剥夺了他上学的权利, 使其很早就走上了以音乐谋生的道路, 也成就了他坚毅倔强的性格。贝多芬于1800年4月首次举行了作品音乐会, 并获得了成功, 确立了其作曲家的地位。然而, 他却发现自己的听力正逐渐衰退, 面临耳聋的威胁。对于一个音乐家来说, 还有什么比失聪更可怕呢?!贝多芬想起他要写的一切音乐, “我的生活的确十分悲惨我将扼住命运的喉咙, 它绝不会使我屈服。”对艺术与生活的爱, 使他战胜了他个人的苦痛和绝望苦难变成了他创作的力量源泉。

贝多芬集古典主义之大成, 开浪漫主义之先河。他的创作牢牢扎根于古典传统, 具有音乐逻辑感、结构均匀感和宏伟的音乐气概。由于失聪的心路历程和社会变革的要求以及自身的才能, 他大大发展和改变了古典音乐, 成为浪漫乐派的源头。作品中原有的贵族式典雅消失了, 取而代之的是强烈的热情与波涛汹涌的情感, 使音乐从古典乐派的传统之中解放出来, 跨入另一个新的境界, 成为连接古典乐派和浪漫乐派的一名音乐大师。

贝多芬是音乐界顶级的建筑师, 他把自己的优秀品质和思想融于音乐创作之中。他一生创作了大量不朽之作, 作品涉及各种曲式、各类体裁, 其主要贡献集中于器乐作品。其中包括九部交响曲、三十二首钢琴奏鸣曲、五部钢琴协奏曲、十部小提琴奏鸣曲、一系列弦乐四重奏曲声乐曲、剧乐曲等等。

二、《月光奏鸣曲》标题意义解析

在贝多芬的艺术创作中, 其三十二首钢琴奏鸣曲是世界钢琴文献的瑰宝, 被誉为钢琴界的“新约全书”。写作时间超过30年, 在音乐风格和精神内容上, 都被看做是贝多芬的音乐自传。无论是业余爱好者还是钢琴演奏家, 这些钢琴奏鸣曲都是他们平日练习和音乐会演奏中不可缺少的一部分, 其中最为闻名的非《月光奏鸣曲》莫属。贝多芬为这首乐曲标记上“幻想曲式奏鸣曲”, 也表明了这部作品自由即兴的特性。全曲的三个乐章表现了从深深的悲哀到烈火般抵抗战争的心理状态的转换。贝多芬企图重新评价奏鸣曲式的创作原理, 充满尝试性的做法, 使《月光奏鸣曲》打破了传统格局, 成为古典乐派向浪漫乐派转变的代表作。

贝多芬创作的《月光奏鸣曲》是他钢琴奏鸣曲集中的《第十四钢琴奏鸣曲》 (Op.27, No.2) , 也被称为《升C小调奏鸣曲》。它创作于1801年, 接近贝多芬创作的成熟期。这是一首具有幻想风格的奏鸣曲, 思想内容充实、形象生动、个性鲜明、布局大胆, 富于创造性, 音乐具有动人的音响效果。它深刻地展示了作者内心的矛盾、痛苦和斗争, 表现了其坚强的意志和力量, 给人以精神上的鼓舞和美的享受。“月光”这一曲名, 并非贝多芬亲题, 据说是德国诗人路德维希莱尔什塔布 (1799-1860) 将该曲比作瑞士琉森湖上的月光:“犹如在瑞士琉森湖月光闪烁的湖面上摇荡的轻舟一样。”出版商根据这段话, 加上了“月光” (Moon Light) 的标题。

还有人说, 真正触动贝多芬创作《月光奏鸣曲》的并不是那皎洁如水的月光, 而是贝多芬与他的学生17岁的朱丽叶塔圭恰迪尔 (17841856) 第一次恋爱失败后的痛苦心情。年轻貌美的朱丽叶塔是伯爵的千金, 比贝多芬小14岁, 两人真诚相爱, 情投意合, 却因门第不同, 遭到了朱丽叶塔父亲的强烈反对, 迫使两人分手, 婚事告吹。贝多芬遭到这一沉痛打击后, 将内心的痛苦和强烈的悲愤全部倾泻在这首热情奔放的钢琴曲中, 并把这首《月光奏鸣曲》献给了朱丽叶塔。

这首创作于1801年的作品有着很多美丽的传说。罗曼罗兰将此曲和贝多芬的失恋联系起来, 把第一乐章解释为忧郁、哀诉和痛苦。俄国音乐学家奥立比舍夫 (17941858) 则认为第一乐章是失恋的“沉痛的悲哀”, 好比“垂灭之火”。但1801年正是贝多芬与朱丽叶塔热恋的时候, 说这个作品是描写失恋的痛苦, 似乎并不相符。对于这个作品的解释, 也许俄国艺术批评家斯塔索夫 (18241906) 的见解是比较合理的。他回忆听了李斯特在圣彼得堡的演奏后认为, 贝多芬的《月光奏鸣曲》是一出完整的悲剧。而俄国钢琴家安东鲁宾斯坦 (18291894) 也非常反对用“月光”来解释这首曲子, 他说:“月光在音乐描写里应该是冥想的、沉思的、安静的, 总之, 是柔和的、光明的情绪。《升C小调奏鸣曲》的第一乐章从第一个音符到最后一个音符, 完全是用小调来暗示的悲剧性, 因此是布满云彩的天空, 是阴郁的情绪。第三乐章狂暴的、热情的情绪, 表现的正是和温柔的明月完全相反的东西。只有短短的第二乐章可以比作是一瞬间的月光。”

三、贝多芬的《月光奏鸣曲》对浪漫乐派的影响

贝多芬集古典音乐之大成, 同时开辟了浪漫主义音乐的道路, 对世界音乐的发展有着举足轻重的作用。贝多芬音乐中的革命性因素, 那种自由、冲动和戏剧性, 那种把音乐看做是作曲家主观表现的特点, 都启发影响了19世纪的浪漫主义音乐家。其钢琴作品《月光奏鸣曲》在音乐史上也具有着重要的地位, 正是这部作品, 预示了古典主义乐派向浪漫主义乐派的转变。贝多芬的这首《月光奏鸣曲》是形式从属于内容, 内容创造形式。它出色地把深刻的戏剧性、主题的完整性、情节的不间断发展综合在一起, 充满了现实主义的心理描写。这首奏鸣曲感人的音调充满了激情与浪漫, 音乐是振奋人心的。这首奏鸣曲所特有的深切的真诚, 使它成为了一首深受人们喜爱, 易被人们接受的作品。

古典主义时期最为著名的是维也纳古典乐派, 它是以古典风格为标志的西欧作曲学派。浪漫主义音乐是古典主义音乐的延续和发展, 也是欧洲音乐发展史上成果最为丰富的时期, 它极大地丰富和发展了古典主义音乐的优良传统, 有着大胆的创新。

有人说, 贝多芬是半个古典主义者、半个浪漫主义者, 这是不无道理的, 他不能算作纯粹的古典主义者, 他更像是古典乐派与浪漫乐派之间的一个过渡使者, 一个音乐风格独特的大师。贝多芬的《月光奏鸣曲》正是在这种复杂的痛苦体验和内心矛盾的冲突中, 在失望和期待之间斗争的一种沉痛的思想倾诉。可以毫不夸张地说, 贝多芬的这首《月光奏鸣曲》启发了整整一个浪漫主义时代的钢琴作曲家。

参考文献

[1]沈旋, 谷文娴, 陶辛.西方音乐史简编[M].上海:上海音乐出版社, 1999.

[2]张贞宣.罗曼.罗兰.名人传[M].武汉:长江文艺出版社, 2007.

[3]唯民.贝多芬论 (译文集) [M].北京:人民音乐出版社, 1991.

莫扎特奏鸣曲演奏分析 第4篇

莫扎特一生所创作的钢琴奏鸣曲可以归纳为三个时期。1777年以前为莫扎特钢琴奏鸣曲的第一个时期,在此期间创作的6首作品已经初步显现出莫扎特的风格,只是较为稚气。而1778-1785年为莫扎特钢琴奏鸣曲的第二个时期, 在此期间创作的7首作品已经趋向成熟,也运用了更为丰富的表现手法以及更为深刻的内涵,在这7首作品中以《C小调幻想曲》以及《钢琴奏鸣曲》能与贝多芬的作品相媲美。1785-1788年间则为莫扎特钢琴奏鸣曲的第三个时期,在此期间创作的5首作品在形式上非常紧凑,创作手法上将主调与复调进行结合,显著地提高了作品的艺术性。莫扎特钢琴奏鸣曲在内容上非常深刻,创作的形式多,较为丰富了主体的形象,使其更加深刻。除此之外,莫扎特钢琴奏鸣曲的旋律非常优美,具有很大的魅力,将维也纳古典风格显现的淋漓尽致。

二、莫扎特奏鸣曲特点

(一)奏鸣曲结构。莫扎特奏鸣曲的曲式结构均是完整的,均是在主部和副部这两个互相对立的部分的基础上进行创作。一般来说,莫扎特的钢琴鸣奏曲采取的是三个乐章, 速度上的安排是先快后慢最后快,而音乐情绪上的安排是先快后静最后快。这三个乐章均由三个部分组成,包括呈示部、展开部以及再现部,其中呈示部的主要功能是将曲调主部以及副部的主题呈现在不同的调上,主要目的是为了将两者形成对比。莫扎特在展开部中为了将自己的音乐素材处理得更为丰富多变,会采取多样的手法进行创作。而再现部中,莫扎特会将其出现在同一调上,主要的目的是为了形成统一。

(二)奏鸣曲技法。在上为了让钢琴奏鸣曲彰显出自己的个性,莫扎特在主题上采取了多主题动机的对比形式,其钢琴奏鸣曲的主题动机较为短小,但其中包含的意义却很深刻。为了表现其思想内涵,莫扎特采用了和声,这种手法清淡却刻画了作曲者深刻的思想内涵和境界。

(三)艺术风格。莫扎特钢琴奏鸣曲的风格受到了歌剧的影响,其歌剧音乐中将性格各异以及丰富的主题结合在一起,显著地提高了音乐的魅力。莫扎特在其音乐作品中毫无保留地使用乐思,创作了大量美妙的旋律。一般来说,莫扎特在呈示部就将多个主题联系在一起,经常出现3-4个主题, 而在展开部就会引进新的主题。莫扎特通过这样的方式将人性中开朗乐观的一面刻画出来,将生活中丰富多彩的一面毫无保留地展现出来。因此,学习者在学习莫扎特的音乐时, 要熟练地掌握透明的音质和具有分寸的触键等技巧,只有这样才能将莫扎特音乐中积极乐观和轻松的画面显现出来。

三、莫扎特奏鸣曲演奏要点

(一)灵活多样的触键手段。莫扎特奏鸣曲的难度虽然不大,但要想掌握起来也绝非易事,其音乐中饱含的细腻情感需要学习者经过反复地琢磨和推敲。同时,莫扎特奏鸣曲对触键的技巧以及音色的要求很高,不同的肢体语言能展现出不同的音色。而练习莫扎特奏鸣曲最困难之处就是将其内在与外表所展现的东西相统一。因此,弹奏其作品需要学习者不断地改变其触键的部位和力度,准确地展现其连音、颤音以及断音等。

(二)连音演奏。熟悉莫扎特小连线、快速长乐句弹奏方式,仔细地研究乐句的呼吸方式,以便根据音乐的要求快速地作出准确的判断。

(三)断音演奏。莫扎特奏鸣曲中有三种形式的断音, 包括跳音、半连音以及顿音,这三种断音形式都有其各自的触键方式。比如半连音需要学习者落键时像流水,使每个音能够落下去,在提起手指时需要用其手腕进行控制。

四、结论

浅谈古典主义奏鸣曲的发展 第5篇

海顿的奏鸣曲

海顿通过开创和发展奏鸣曲式, 创造出了一种纯粹的音乐。在这种音乐中, 兴趣集中在调性的发展、乐句的平衡、设计与构筑上。通过将奏鸣曲式用于钢琴作品, 海顿写作了大量的键盘奏鸣曲, 对后来的莫扎特和贝多芬产生了深远的影响。他的《c小调奏鸣曲》和《降A大调奏鸣曲》有着强烈的情绪表露、新的形式和声方法。他所发展的手法还包括更广泛地使用小调、明确的力度记号、尖锐的音量对比、切分音型、主题间宽广的跳跃。海顿富有活力的节奏也许是他自身精力的反映。他的作品充满着力量和率直的情感。宽广而如歌的旋律来自于意大利学派和早年所跟随过的波尔波拉的影响, 旋律活泼而风趣。键盘和声基本上是简洁的, 然而它在调性关系上所具有的力量建立了规范的乐曲结构。他的奏鸣曲适宜于采用C.P.E.巴赫的键盘风格, 配合重复音、装饰音、合唱效果、反复的三连音型以及键盘音域的自由使用。只有最早的奏鸣曲才采用简短的答句和音区的转换, 他后期的奏鸣曲中充分利用了钢琴越来越丰富的功能。海顿的键盘作品不如莫扎特的作品那样清新而符合钢琴的特点。然而, 他的某些自由形式的作品以及一些奏鸣曲无疑应属于经典之列, 其影响波及到浪漫主义时期。

莫扎特奏鸣曲

莫扎特保留了C.P.E.巴赫关于速度对比的概念, 但他把每以乐章都发展的更长、更复杂、更精巧、更有表现力。主题的对比与调性关系的变化是古典时期奏鸣曲式的基础。海顿首先示范出了这些思想。莫扎特不仅采纳了这些思想, 更将钢琴奏鸣曲的发展推向了纯粹古典主义的极至。莫扎特艺术的完美和丰富多彩表现在极其优美的旋律与和声进行之中, 其中还包含着不协和音的自由使用以及欢快的节奏。莫扎特关于旋律是音乐精髓的论断出自他对旋律运动所具有的天赋。他用蜿蜒曲折的旋律和富有装饰性和表现力的半音阶来丰富他的乐谱。除此之外, 他的精巧而飘忽闪烁的音乐效果使人联想到德彪西对内在音质的喜爱。莫扎特有时特别引人注目的不协和音也会使聆听着感觉到莫扎特正在通过不可捉摸的和声转调及其解决来刻画情感的撞击。通过为宏大的乐曲设计出必需的动机, 莫扎特实现了音乐结构的平衡。他的很多奏鸣曲和协奏曲经典作品都显示出在长度、和声的复杂性以及调性的变化等方面超越海顿的发展。

贝多芬的奏鸣曲

莫扎特钢琴奏鸣曲和声特征分析 第6篇

一、对不协和和弦的应用

在维也纳古典时期不协和和弦的使用是比较规范的, 一般都需要解决到协和和弦, 在海顿的作品中常常如此进行, 莫扎特继承和发展了海顿等人不协和和弦的应用, 在钢琴奏鸣曲作品 (以下简称作品) 中, 较多使用不协和和弦, 不协和和弦较长时间地连续进行, 有些不作解决。

(一) 降二级音的运用及那不勒斯六和弦的应用。

降二级音的出现是调式融合的产物, 把弗里吉亚调式的特征音小二度引入到和声大调中去, 就形成了降二级音。它的出现, 必然会改变调式音阶中各音的关系, 从而影响在调式音阶各音级上建立的和弦的关系;随着不协和和弦的增多, 而使音乐的紧张度加大。莫扎特常把降二级音应用到导七属七和弦中去, 使导音与调式二级之间形成减三度, 和弦的不协和程度加大, 丰富了功能进行中的和声。

那不勒斯和弦最早出现在18世纪那不勒斯歌剧学派的作曲家斯卡拉蒂、斯特拉代拉等人的作品中, 他们首先把这个和弦作为小调 (弗里吉亚) 的和音, 经常用在自己的作品中。莫扎特开始应用那不勒斯六和弦, 并逐渐扩大到大调中使用, 为19世纪后期降二级小三和弦的出现奠定了基础, 使和声色彩富于变化。

(二) 下属七和弦的应用。

为了丰富和声使音乐作品更富紧张度, 同时也使音乐作品更加流畅, 莫扎特作品中大量使用二级七和弦。二级七和弦与属七和弦的连续进行常常被莫扎特应用, 有时莫扎特还把二级七和弦用在终止四六和弦的前面, 使音乐富有新意。

(三) 属变和弦的应用。

在不改变和弦的功能和不越出调性范围的条件下, 把调式中的全音进行改为半音进行, 使其倾向性尖锐化, 这样的和弦叫做变和弦。变和弦是由自然音的和弦中出现半音经过音构成的。几乎所有的属变和弦都是由音阶的二级音的变化所形成的。大调中, 二级音可以升高, 也可以降低, 从而使倾向于大调主三和弦的三音和根音的倾向性更为尖锐。在莫扎特作品中我们可以看到, 属变和弦的应用使属功能组音响效果变得更为丰富多彩, 增强了音乐的紧张力度, 更加衬托在属功能后主功能的完满稳定感。这些属变和弦, 有些及时解决, 有些延迟解决或不解决, 以增加音乐的不稳定感。

二、转调手法

(一) 同主音转调。

同主音转调一般都是在主音相同的大调与小调之间的转调, 反映出明暗变化的调式色彩。通过同主音转调, 使得音乐前后的色彩发生变化, 丰富了大小调体系。这种手法在海顿的作品中也有所应用, 但在莫扎特的作品中应用的更加得心应手, 得到了充分体验。莫扎特作品常用以下方法引入同主音转调。1.充分利用大调结构与小调结构的句读处的对置。对置的两个结构的主题一般是相似的, 至少在开头部分是相似的。2.让小调结构结束在大调主和弦上。

当然莫扎特也遵循古典乐派的传统, 在同主音调式交替后, 常常是四、五度关系的近关系转调。

(二) 平行大小调交替。

在调式思维的发展过程中, 大调与小调从来都不是完全独立地存在的。相反, 人们早就观察到由于大调与小调之间的互相影响, 各自所特有的和声向对方的渗透, 以及由此而形成的大调与小调更为丰富并使大调和小调都发生改变和复杂化等现象。所有这些由它们之间的相互影响形成的复杂的多样化, 就构成了交替大小调体系。

为了避免音乐的单调, 莫扎特经常采用平行大小调的交替为旋律配置和声, 这样使得音乐更具色彩, 形象更加鲜明。如第七首、十一首奏鸣曲展开部就是采用这样的手法进行的。

(三) 等音、共同和弦转调。

有着不同的意义, 属于不同的调, 记谱不同而音响相同的各种成分称为等音。如果将两个调的共同和弦中的一个或几个音作了等音变换, 使和弦的音程结构发生了变化, 这样的转调就叫做等音转调。这种等音变换一般都伴有上行的半音倾向性变为下行倾向性, 或下行的倾向性变为上行倾向性的变化, 或形成新的倾向性。所有这些都会形成向新调的有趣、新鲜、简练, 但又是合乎规则的过渡。

等音转调手法在莫扎特作品中常见到, 因为这种特殊形式的转调是为了便于和后面的调的连结, 同时也是为了避免过多的调号的出现。等音转调也改变了音的解决问题, 具有意外转调的效果。

共同和弦转调手法在莫扎特作品中也有出现, 这样的转调手法使得原调和新调的转调更为自然。比如第六首奏鸣曲中第一乐章展开部。

(四) 转调模进。

转调模进是指模进的主题发展过程中包含有几个不同调性者, 这样的模进叫做转调模进。转调模进是一种不稳定的动力性发展手法, 莫扎特将转调模进常常运用在作品的展开部, 使得展开部的音乐更富变化, 和呈示部、再现部形成鲜明的对比, 同时更加丰富了音乐所要表达的情感。

三、和弦外音与持续音的应用

莫扎特常常在他的音乐作品中使用和弦外音来增强音乐的流动性, 主持续音可以使主和弦扩张和复杂化, 属持续音则是属和弦的扩展和复杂化。这些和声手法的应用丰富了和声的色彩, 加大了和弦的功能, 使和声进一步复杂化。

(一) 经过音、延留音、辅助音等和弦外音的应用。

在大小调和声体系中, 音的纵向结合, 凡不能按三度叠置关系纳入正常和弦结构的音, 都叫做和弦外音。这些音虽然不能包含在三度和弦的结构之中, 但却有极其重要的价值。它们是多声旋律构成的必要因素, 不仅美化了旋律, 而且丰富了和声。莫扎特对和弦外音的应用得心应手, 外音的使用使旋律流畅、轻盈, 不愧为一代旋律大师的称号。

(二) 持续音的应用。

其他声部作各种和声进行的同时, 在低音部延续或重复的音叫做持续音。持续音的功能是使低音部独立为一个单声部。主持续音的作用是促进主功能的稳定性, 莫扎特经常在作品中运用主持续音在乐曲的结尾, 以增强乐曲的稳定性。属持续音主要用在希望加强和突出属功能的不稳定性的结束终止和半终止中。所以莫扎特经常运用属持续音在作品结束前出现, 作为乐曲基本部分最后的结束终止的扩展, 或者用在尾声之内, 使尾声具有结束终止的性质。

结语

莫扎特的钢琴奏鸣曲不仅是钢琴演奏的经典范例, 而且是一部丰富多彩的和声教本, 其中的和声语言堪称经典中的经典, 和声手法博大精深, 继承和巩固了功能性和声的语言, 在各个方面都给我们留下了宝贵的财富, 他的和声应用简洁但富有新意, 同时还有许多问题值得我们进一步研究和发现。本文的拙见仅指出莫扎特一般性的和声特征, 简单罗列了其和声手法, 希望能有更多学者进一步揭示莫扎特创作的规律, 来丰富我们的和声研究, 发现更多的和声特征。

摘要：古典时期作曲家莫扎特的钢琴奏鸣曲在音乐史中占有重要的地位。本文以莫扎特钢琴奏鸣曲为研究对象, 论述了莫扎特对先辈和声语言的继承和发展, 力图通过对莫扎特奏鸣曲中的和声技法的分析和研究, 了解其音乐发展的脉络, 进而揭示其创作风格和规律。

关键词：莫扎特,钢琴鸣奏曲,和声特征,分析

参考文献

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《大奏鸣曲》 第7篇

奥地利作曲家约瑟夫·海顿生于罗劳,奥地利的一个村庄。民间歌曲和舞曲是他的天然继承物。他在童年时就显示出非同一般的音乐才能,并在教堂里获得了一个唱诗班歌手的位置。十六岁后,他在维也纳住下,找了一架破旧的古钢琴练习演奏。他靠教学和为人伴奏维持生活。不久,海顿引起了维也纳贵族音乐爱好者的注意。1761年,海顿加入了埃斯特哈齐家族的王府乐队。海顿在这里住了近三十年,度过了大部分创作生涯。海顿指导着的一支管弦乐队、一个歌剧团、一个木偶剧院,还有教堂。海顿很年轻时就结婚了,但和妻子相处并不融洽。他们最后分手了。中年时,海顿的声名遍及欧洲。九

十年代,他两次访问英国,在那里指挥他的小说诗歌文学作品,大获成功。1808年,维也纳的艺术家和贵族组织演出了海顿的清唱剧《创世纪》以向他致意。一年以后海顿逝世,他受到了同胞们的尊敬,全欧洲都承认他是当时的首席音乐家。

1 海顿的创作遍及音乐的各种体裁和形式,但他的最大功绩却在于他的交响曲和四重奏创作

海顿交响曲的最高成就,是他九十年代旅居伦敦时创作的十二部《伦敦》交响曲。海顿的交响曲很早就定为四个乐章。第一乐章采用奏鸣曲式,最富有戏剧性。第二乐章慢板,表达内心体验。第三乐章叫小步舞曲,时常有农村舞曲的性质,第四乐章往往是民间风俗画面的写照。弦乐四重奏在海顿的艺术中占据了中心位置,他留下了83首弦乐四重奏是这类乐曲不可或缺的一部分。他的中期和后期四重奏小说诗歌文学作品包含了音响和形式方面值得注意的试验。海顿还是一个多产的教堂音乐作曲家。他的清唱剧《创世纪》获得了仅次于韩德尔《弥赛亚》的声望。海顿的钢琴音乐创作可以分为早、中、晚三个时期。作品以钢琴奏鸣曲为主,共创作有62首奏鸣曲。

1.1 1767年以前为创作早期,即从第1到第30首奏鸣曲

海顿将这一时期的奏鸣曲称之为《帕蒂塔》(有时被译为《帕尔蒂亚》或者《嬉游曲》)。其规模都不大,带有组曲的特征,风格也未完全成熟,还带有洛可可艺术的痕迹。他早期的钢琴奏鸣曲受C.P.E.巴赫的影响较大。即在奏鸣曲式中主题的性格趋于一元性,第二主题往往从第一主题的动机演变而来。动机展开的手法富有逻辑性,在结构形式上比C.P.E.巴赫更为严谨。后者的创作中含有更多即兴幻想性的因素,而海顿的各个乐思之间却有更多有机的联系。海顿早期最典型的类似嬉游曲的奏鸣曲是Hob.X VI/11,G大调。它只有4页长,但有三个乐章,其中两个乐章都是微型的。第一乐章Presto有一个节奏型的主题,它稍作扩展即再次出现,小调对比部分的不同织体提供了少许变化,然后从头反复第一部分。中间乐章Andante是三个乐章中最扩展和先进的,有两个简短主题,简单地进行发展,然后再现。最后乐章完全是典型的嬉游曲风格,是一首优雅的小步舞曲和对比性的基于三连音动机的中部。

1.2 1767至1784年为创作中期,即从第31到第57首奏鸣曲

这一时期是钢琴艺术史上古典时期的开始,也是海顿整个创作的转折点。在1766年到1770年的这些年间,海顿经历了一个“浪漫主义激变”时期,这是更大的“狂飙运动”的一部分。这一运动大约从1760年到1780年,影响了德国的文学界和音乐界。从海顿作品强烈的情绪表露、新的形式及和声方法,以及更加广泛地使用,调、明确的力度记号、尖锐的音量对比、切分音型等创作手法,可以看出,这些运动和思潮对海顿所产生的深远影响。同时,他吸收并综合了民间的因素和C.P.E.巴赫的成就,渐渐摆脱了《帕蒂塔》的风格,其作品中出现宣叙性的音调和悲壮的气概,表现出了前所未有的激越高亢的情绪。作于1771年的伟大的C小调奏鸣曲Hob X VI.20是一部汹涌澎湃的作品,是海顿狂飘时代的代表作。这是被作者首次称为“奏鸣曲”的乐曲,也是他全部钢琴奏鸣曲中唯一采用C小调的一首。他的中间乐章有二部曲式,也有完整的奏鸣曲快板曲式。他是第一个在慢乐章中引用变奏曲的作曲家,如1776年创作的A大调奏鸣曲。Hob.X VI/30。这首奏鸣曲的最后乐章,是一个小步舞曲速度的歌唱性曲调和六个变奏。有时他的第二乐章使人毫不察觉地进入终曲。在这首A大调奏鸣曲钢琴文献讲座中,三个乐章完全连接在一起。海顿的Andante和Adagio的乐章有时缺乏个性,他的简朴,健壮的性格并不倾向于抒情性,有些像很久以前的羽管键琴风格。但是他的回旋曲曲式的终曲乐章,却展现出闪光的独创性。这里他用了Presto甚至Prestissimo使整个运动具有难以形容的活力和锐气,一种固有的乐观精神。

1.3 1789至1794年为创作晚期,即第58到第62首奏鸣曲

虽然只有5首,但却是他最富有独创性、风格最为成熟的作品。这时的海顿在音乐表现力方面已达到炉火纯青的地步,在布局和结构方面也获得和声与对位因素的平衡,这是古典风格的两大特点。海顿的最后五首奏鸣曲(1789-1794)代表了他键盘风格的顶峰。这些奏鸣曲具有一种表情方面的自由,这在当时是极不平常的。每首奏鸣曲有它明显的个性特点,而且每首都表现出作曲家不平凡的想象力。在这五首极其多样化的奏鸣曲中,海顿使用了他所能遇到的所有不同曲式,如奏鸣曲快板、双重变奏曲、歌曲形式的慢乐章,回旋曲和回旋奏鸣曲式。海顿在他整个创作年代所获得的经验和技艺,在他晚期作品中达到了顶点。1789年创作的Hob.X VI/48,C大调奏鸣曲也是两乐章的结构,但规模比X VI/40和X VI/42要大。第一乐章Andante con espression是双重变奏的曲式,但有着宽阔的声音变化范围,并在主题的一组平稳进行的序列乐句和另一种具有高潮性质的音乐图式中保持微妙的平衡。在整个乐章主题的发展和加强的过程中,往往以力度的突然减弱来予以抑制。整个乐章从强开始,而最后简短的结尾再一次遏制了它前面音乐急速的发展并以pp结束整个乐章。作为对比,在这个沉思的乐章后,接着是精力充沛,有宽阔线条的回旋奏鸣曲式。

2 创作于1789至1790年的降E大调奏鸣曲,Hob.X VI/49,被认为是海顿最具古典特征的奏鸣曲

第一乐章快板在技术上充满活力,快速跑动的音阶、分解三和弦、八度、两手交叉以及华彩段,使音乐闪耀着活泼和快乐的情绪。由于多样化的织体,延长记号的运用,弱拍上的重音,以及丰富的半音进行的和声,使这个乐章独具美丽的特色。第二乐章Adagio e Cantebile,多变的情绪、音型和旋律,使它成为海顿最精彩的慢乐章之一。其中不同的奏法需要细致和精确的触键,降B小调的中段具有感情的强度。终曲中的装饰音、琶音、音阶及三对二的节奏,使这首小步舞曲速度的终曲乐章的音乐可爱和迷人。

C大调奏鸣曲Hob.X VI/50创作于1794年左右。第一乐章的快板是海顿所有奏鸣曲中演奏上最困难的乐章之一。这个乐章包括了海顿的原始踏板记号,(第73一74小节和120一124小节),它产生出一种稍稍模糊的效果,这是海顿在音响上的一个大胆创造。第二乐章Adagio非常优美精致,在声音处理上有许多即兴的手法,需要非常细腻的演奏。最后Allegro molto非常幽默,有一些突然的转调,许多琶音和弦,和一个光彩的结束。

海顿最初的键盘奏鸣曲结构比较简单,有着像组曲一样的短小乐章,音乐亲切。但在继续创作的实验中,他努力追求更加宽阔的曲式结构,更大的洪亮音响和表情,直至他的晚期奏鸣曲,几乎达到了贝多芬式的宏大结构。海顿的晚期奏鸣曲,创作于1749年的Hob.X VI/52降E大调奏鸣曲是一部杰作,它展现了海顿在键盘创作方面的毕生努力,是海顿最伟大最广博的一首作品,它好像是对以前所有一切的总结,在钢琴风格及和声方面,它面向遥远的未来。第一乐章的快板从戏剧性的开始就建立了作品总的“音调”,主要主题是附点节奏的和弦,整个音型以节奏来推动,运用了键盘的两端以获得丰满的声音。海顿强调了第一主题,不断延伸它,好像有意延误第二主题的出现。降大调的第二主题使情绪轻松下来,并引向小结尾的空洞神秘的八度。展开部有非常精彩的转调,其中有C大调,降A大调,E大调等。Adagio比海顿其他作品中的慢乐章更有效果,音乐深沉和美丽,ABA的歌曲形式,整个乐章由最初的动机主导,这个非常有节奏特点的动机,以及那些小小的华彩音型,轻薄的装饰音,都增添了这个乐章的光彩。最后的Presto借用了奏鸣曲快板和回旋曲中的某些因素,是一种混合体,但有它本身的逻辑及有说服力的表达方式。其中休止和停顿运用得非常有效果。这个最后乐章是一首炫技的乐曲,主题勾画出主和属的三和弦,并伴以低音的一个延续的持续音。整个乐章充满节奏的活力,幽默、风趣而生气勃勃。

在海顿这部作品中,精湛的技巧、大胆的和声、文雅的抒情和成熟的创作技巧奇妙地混合在一起。在完成这部杰作以及其他几首奏鸣曲后,海顿告别了钢琴奏鸣曲。这位维也纳大师从前古典主义作曲家的作品中受益,但他自己本能的音乐技艺,使他创造出了这些在整个18世纪闪闪发光的可爱的奏鸣曲。海顿钢琴音乐的风格与他的基本创作风格一样具有朴实、乐观、幽默、充满活力等特征。这与他生活的时代和他个人的性格有关。海顿时代的奥地利社会经济和文化得到了繁荣的发展,呈现出太平盛世的景象,当时的知识分子对生活充满信心,对人道主义有着深刻的信仰。他个人的经历虽然不是万事顺利,但一生中也没有太大的波折。虽然他是最后一代穿着号衣的音乐奴仆,但是酷爱音乐的主人为他提供了优越的条件,海顿明朗乐观的性格与这些都是分不开的。所以他的音乐总是以表现阳光欢乐为主,作品所流露的多半是朴实明朗的感情。

3 结语

海顿的作品在我们的音乐生活中具有明确的地位,无人可以代替,没有任何其他作品可以代替。同时海顿的优秀作品值得我们去研究。正如德国历史学家、音乐学家阿贝特·赫尔曼说的那样:“现在是从整体上来挖掘海顿奏鸣曲的时候了”。

参考文献

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[2]哈里·歌德施密特.德国音乐[M].人民音乐出版社.

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