绘画传统与创新

绘画传统与创新（精选10篇）

绘画传统与创新 第1篇

1 造型的方法不同

大百科全书解释：“素描是单色的徒手画，素描是用线条或块面进行造型的绘画形式;素描主要是以线条表现物体、人物、风景、象征符号、情感创意或构想的艺术形式”。传统绘画素描一般都泛指铅笔、炭笔、毛笔、钢笔等工具所做的单色画或用墨水、淡彩等几个颜色所做的绘画，它是写实再现式，一般是通过写生的观察及练习，去理解素描所蕴含的各种观念与表现技法。而写生的对象，可以是静物，可以是风景，也可以是石膏，经由这些对象物，素描的观念与经验才得以客观地产生流通与传达。传统素描教学中一直沿用传统绘画素描教学模式，注重培养学生的写实能力，忽略了创新思维的训练。评价一幅好的作品的标准就是看物体的体积、质感、量感的塑造，画面黑白灰的层次，前后的空间虚实，画面物体的大小比例等，过于注重画面技巧的培养。这种标准使很多学生被牵着鼻子走，学生每天面对的都是几何体、石膏像、一堆陶陶罐罐等有限的绘画题材，反复地画这几种对象，使学画者感到枯燥，磨灭了激情。

设计素描是以设计艺术活动为目的，根据素描造型规律和设计艺术需要所描绘的单色绘画。设计素描与传统绘画素描既有联系又有很大的区别，传统绘画素描是设计专业的造型基础。设计素描是现代设计艺术前沿基本课程，是造型表现能力和创意思维能力的基本训练方法。它是表达设计创意，收集设计素材，交流设计方案的手段和语言，它从工具的运用到绘画意念的形成都不应是单一的、概念的，它会加入多元化的设计元素，它应是活泼的、大胆的、有创意的、丰富的精神活动过程。现代设计素描教学中，老师不再给学生摆静物，可将内容综合表现到一幅画面中。比如画苦瓜，可将苦瓜横切、纵切后再进行刻画，以多元化的视角来表现物体，可以表现整体和某一局部，给学生充分的构图主动权。还可利用将物体进行解构重组的蒙太奇手法，往往会出现意想不到的和充满幻想的神奇的画面效果，这种手法不按常规逻辑，而是按逆向思维方式组合。这些教学方法，使学生的创造性思维得到充分的开发，正符合了艺术只有百花齐放才拥有生命力的特征，画面视觉语言变得异常丰富，构图的多元化，使画面形式不再单一，提高了学生的想象力。

2 造型的功用和目的不同

设计素描与传统绘画素描表现在功用和目的上有很大的不同。传统绘画性素描是为培养纯绘画人才所必备的基础课程，设计素描是为设计艺术服务的，它是设计专业的基础课程，传统绘画素描追求精神领域的审美欣赏价值，而设计素描培养同学的逻辑思维，创造性思维，提高设计思维的能力，这些工作主要是通过基础训练来完成的。在教学方法、理念、要求上都有一定的差异，主要是由于它们的方向不同，以往素描的定义：是一门以培养造型能力为目的的基础课程，过于注重素描的写生和基本功技法的训练，传统素描教学在这样的教学观念指导下，造成学生把注意力集中在真实再现对象本身上，反反复复去推敲对象各部分的比例关系、明暗关系等，在绘画中要求画面效果与对物象的视觉感受基本一致，把注意力集中在真实再现对象本身上，注重各部分体积的起伏转折、质感、量感、空间虚实等，在训练过程中更多的是培养了眼和手的协调性，但却忽略了脑应用，忽略了素描的创造性，只是在培养对自然事物敏锐的观察能力和对二维空间向三维空间过渡能力等。以实用功能和审美意识相结合的设计素描跨越了传统意义上的素描，不再仅仅是一种技巧与表现方法的训练，也不单单为再现物象来搜集创作素材，它是一种有意识的创造性行为，创造的将是全新的形态与形式，它是完成一个由“虚”到“实”的思想转换与实现过程，需要对诸多因素进行综合的分析思考，因此，设计素描带有很强的目的性，设计素描具备准确性、科学性、目的性、审美性、创造性的特征。设计素描是以设计概念为先导的素描造型形式，是以艺术设计为目的而进行的各种素描写生和素描创作的实践活动，它是一种艺术设计过程，是以意象形态和造物构想为目的的素描，它是以设计为最终目的而进行的素描基础训练，“设计”一词，意为有目的的策划，是设计者的意图和构想。它与传统绘画素描不同，既要符合审美性，又要具有实用性，替使用者设想，以实用为根本。因此它是一种需要，而不仅仅是装饰、装潢。不是单纯地再现，而是表现即创新。现代素描教学在改革过程中不断注入新的教学理念，训练形式的内容与艺术设计专业更为密切，它不同于传统绘画素描过分地注重于客体的再现，要形成设计素描的教学实践构架，形成了一些符合专业性质的基础教学特点，它以认识对象为途径，以创新设计为目的，虽然同样是描绘物象，但已不仅仅教学生如何表现，一方面展开想象-创造新形态-发现并完成设计，透过对形体独特的观察方位和不同性质的表现方法，以自然的各种表象为依据，另一方面培养造型能力，目的在于拓宽学生的创造思维能力，提高对形体的想象力和造型艺术的综合设计的创造能力，通过强化设计意识、丰富造型语言和艺术想象力的训练，来培养敏锐的美感反应。

3 造型的思维不同

传统绘画素描的造型思维是以形象思维为主的艺术思维。形象思维是作者在素描创作中体验生活，进行艺术构思形成艺术意象，并将其转化为艺术形象或艺术情境的心理过程。它是全面依赖感性的思维，直觉在其中起很大的作用。无论是写实的也好，意象、抽象的也好，传统绘画素描都是以感人的形象展示给观众的，其创作过程是充满情感和主观意识很浓的审美活动。

设计素描围绕平面设计、立体设计所需的思维、观察与表现方法而展开的基础造型训练，可以培养人们的探索意识，挖掘他们的艺术创新的潜能，通过采用与常规相悖的手法，以各种材料混合或借用自然肌理的效果，引发他们的创造力，拓展思维空间。设计素描是一个按照自己审美理想改造对象的活动。这个过程中尽管渗透着形象思维，但它更需要对客观对象进行间接、概括和综合性的反映，造型功力、审美和真实情感，是不受外界因素约束的自然流露。设计素描课作为艺术设计的基础课程，自然也把培养学生的创造性思维作为它的最大特点和最终目标。创造性思维是设计素描教学的灵魂，设计本身是一种创造性的行为，它需要设计师具有一种从无到有的构想能力一种创造性的思维能力，任何设计作品都是设计师创造性思维的体现。我们当下的设计更是把创造物质世界、表现精神世界作为设计的目标。在这一目标下，要使作品成为艺术与实用的完美结合体、科学与创造的完美结合体、技术与美感的完美结合体，就需要更加充分地发挥自己的创造力和想象力，没有想象力和创造力的设计作品是没有艺术生命力的作品，只有具备自主创新思维能力才能创造出实用功能和审美效果完美结合的作品。

综上所述，设计素描与绘画素描既有联系又有差异，理清二者关系，明确和掌握两种素描教学体系的异同，充分发掘设计素描的潜质，激活设计素描的创新能力，是培养人才的需要，是时代的要求。设计素描应进行大胆的改革与创新，以适应社会的改革和发展。

摘要：设计素描是培养学生的创造性思维, 更好地发挥其主观能动性, 是集观察、思考表现于一体的造型设计活动, 传统绘画素描与设计素描同是艺术基础教学的重要组成部分, 为了适应时代发展的要求, 培养创新人才, 明确设计素描与传统绘画素描的差异至关重要。

关键词：设计素描,传统绘画素描,不同,造型,创造性思维

参考文献

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[2]马瑞芳.浅谈音乐、绘画与唐诗的共鸣[J].价值工程, 2010 (13) .

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[5]王昌德.印象派、后印象派绘画与色彩写生教学[J].考试周刊, 2009 (12) .

绘画传统与创新 第2篇

【关键词】 构图；印象派；理想化；随机性

[中图分类号]J20 [文献标识码]A

19世纪末20世纪初现代派艺术产生以前的西方主流绘画虽然面貌不同，风格各异，但一直承传着文艺复兴以来形成的完美再现现实美和表现深刻主题的传统，所以现代绘画界一般都将其看作传统绘画，使其与注重形式探索的现代绘画相区别。美术史上一般不把印象主义画派看作是现代派绘画，但无论从其对传统的对立的激烈程度来看，还是对现代艺术的影响范围来看，都应当将其划规到大的现代绘画的范围里。尤其是印象派绘画构图形式中所体现的一些艺术观念在某种程度上与现代艺术有相一致之处，是最早冲破传统艺术藩篱的超越时代的创新实践。

一、文艺复兴以来的传统绘画构图

绘画从原始时代的壁画，经过长期发展，不断丰富和成熟，从最原始的松散随意的构图形式，相继发展出了像彩陶、青铜器等工艺器皿上的纯装饰构图，像埃及壁画、汉画像石刻以及宗教壁画、玻璃窗画等装饰与表现相结合的构图，从中逐步形成了对称、平衡、饱满、丰富等基本的构图原则。而这些都是在一些装饰性艺术中形成的基本的形式审美意识。

一般而论，中国到魏晋时期、欧洲到更晚的文艺复兴时期，才相继产生了相对独立的绘画形式，随即产生了比较成熟、完美，又丰富多样的绘画构图。中国画始终与书法保持密切关系，重视主观因素，在画面上寻求围绕意象表现的“经营位置”。而欧洲绘画虽然成熟较晚，但经历了文艺复兴运动的洗礼，更多地受到科学思想的影响，更重视现实中的美的把握，在绘画构图中溶入了科学的透视法，寻求二维平面中的三维表现，并更重视绘画主题的完美表现，因而创造出了理想化的构图模式，并在欧洲绘画中形成传统。意大利文艺复兴大师达·芬奇、拉斐尔、米开朗基罗等都是在构图的理想化方面做出重要贡献的艺术家。

达·芬奇是最有代表性的文艺复兴大师，他既是艺术家，又是科学家，在艺术、力学、解剖学及很多科学领域都有重要的研究成果。特别是由于他将科学思维引入艺术，对绘画构图及人物造型研究都做出了独特的贡献，如在构图中，特别善于运用稳定、饱满的三角形结构，使画面形象之间产生力学中三角形般的稳固关系。如《圣安娜与圣母子和羊》（图1）这幅名作，大师就别出心裁地将圣安娜与圣母子和羊三个人物加一只羊组合在一个三角形框架中，既新颖生动、形象鲜明，又形成一个完整、坚实的结构。后人在人物、静物绘画中常用的三角形构图可以说就是出自达·芬奇的这种创造。

稳定是绘画构图的第一法则。中世纪的宗教画像中，虽没有刻意追求画面的稳定，但出于对神的崇敬，神的像一定要安排在画面的正中部位，这自然就形成了端正稳定的构图结构，即所谓“偶像式”构图。而达·芬奇《最后的晚餐》也有“偶像式”构图特征。其结构是对称的，非常平稳，但与一般宗教画不同的是，大师在构图上做了很多精妙的安排，他用透视线引导观者视线到画面正中耶稣的形象上，还巧妙地运用耶稣后面的窗户衬托耶稣的形象，取代了一般宗教画用头顶光环突出耶稣和圣人的方法。既有力地突出了耶稣的形象，又很好地把神灵与现实联系起来。另外，画面中分列耶稣两旁的十二门徒错落有致地形成起伏线结构，在平稳的构图中，这种起伏线结构有效地丰富、活跃了画面，很好地表现出画中人物情感的波澜，也反衬了端庄平静的耶稣形象。

文艺复兴大师乔托和弗朗西斯卡等也都非常讲究构图的平衡与稳定，以及画面造型的坚实严谨，在创造出具有理想化特点的构图类型的同时，也形成一种追求构成性的风格倾向，对后世有显著影响。17世纪的维米尔、18世纪的达维特以及19世纪的安格尔、米勒、塞尚等都很好地继承并发展了这种风格传统，而20世纪的一些追求平面构成的绘画更是将这种构成原则演绎到极致。

在构图稳定和突出主题结合方面，大师的绘画与宗教画也有一致性。达·芬奇强调画面要单纯，使主题鲜明突出。他曾指出：“在历史画中，千万不要在人物和背景上加繁琐的装饰，从而混乱了人物的形象和姿态，或者背景的本质特征。”显然，大师强调的单纯性是包含了绘画的装饰功能和主题表现功能的，是以对绘画形式充分研究为基础，从更高的层次提出了绘画形式表现主题的要求。不是一味追求画面的装饰性、丰富性，也不是一般的偶像崇拜，而是从艺术层面探讨绘画手段对主题的表现，真正使充分表现主题成为绘画构图中的最为重要的原则。

与达·芬奇同样著名的文艺复兴大师拉斐尔的构图也非常讲究构图的稳定和主题的表现，而在主题的表现方面体现出显著的女性化的柔和与优美。如代表作之一《椅中圣母》一画，不仅画中圣母子形象刻画非常优美，而且其S形结构的运用堪称经典。他的另一幅代表作《西斯廷圣母》在同样优美的造型中隐含十字形结构，既与所表现的宗教教义相吻合，又使构图形式有一个稳定的框架，而左右两边人物服饰外形的刻意变化，使画面避免了十字形对称结构所容易产生的呆板，也使这幅画成为对称中求变化的典范之作。

拉斐尔在构图方面所下的功夫最明显地体现在他的《基督变容》一画及其草图（图2）中。这幅画巧妙地将几组人物组合在三个圆形框架中，三个圆形下大上小，沿统一轴线上下串连，很自然地产生向上升腾的感觉，很好地表达了基督复活升天的主题。而草图中的圆圈、轴线等辅助线条则清楚地证明了作者的这种构思。

有的画家更善于表现富有活力和激情的主题，而出于这类主题表现的需要，构图结构就要更加灵活多变一些。如另一位文艺复兴大师米开朗基罗与上述大师相比更讲究动感与力量的表现，形成了另一种风格倾向。如著名的壁画《最后的审判》的构图中有一种椭圆形的涡旋状结构框架，既体现出近乎圆形的饱满完整，又产生一种旋转的感觉。作者正是运用这种涡旋状运动的形式感，很好地表现了画中人物有的上升进天堂，有的下降入地狱的情景。米开朗基罗的满构图式和富有动感表现的风格带有一种原始性，也有北欧民间绘画的特点。德国文艺复兴大师丢勒、格吕奈瓦尔德的一些作品中也有这种构图特点。构图有较强的动感、力量感和神秘感。这种构成风格对现代的表现主义、抽象主义等都有显著影响。

数字绘画艺术与传统绘画艺术 第3篇

一、起源与发展

传统艺术有着悠久的历史和丰厚的蕴藏, 不同地域, 不同民族, 不同人种的艺术家在传统艺术领域都做出了卓越的成果。西方绘画从文艺复兴一直到现代后现代绘画, 历经了众多的流派和艺术思潮, 中国的绘画从古到今也经历了风格图式的多次变迁, 可以说, 传统艺术在艺术成就上是高度完美的。数字绘画是科技的产物, 是在传统绘画的基础上发展而来的一门艺术, 其历史积淀很弱, 但数字绘画凭借在科技的发展和视觉时代的来临, 以它特有的视觉表现语言, 迅速崛起, 迅猛发展, 并表现出了不俗的成绩。

二、作品效果

传统绘画包括着众多的画种, 内含着深刻的民族心理, 文化积淀, 地域特色, 风格风尚。传统绘画体现出了深远的历史传统和博大的文化魅力。数字绘画同样有着自身的极大的包容性, 它不但可以模拟出传统绘画的视觉效果, 同时也具有着自身独有的数字语言, 成为一种极具生命力的创作方式。

当然, 这两种绘画形式在作品的画面效果上也各有自身的局限, 例如传统绘画在笔触笔墨的自然性方面更强 (起码从目前来看) , 而数字绘画在表现炫丽的画面效果和强烈的视觉光幻效果中也容易得不得了, 而这在传统绘画是很困难的。

三、艺术价值

传统绘画由于其高度的完美和“只此一个”的唯一性, 使它的艺术价值和收藏价值极大。和传统绘画相比, 数字绘画由于其可批量复制, 使人们在接受数字绘画时心理上的价值认可度下降, 故而给人以一种廉价的感觉。但我们不能忽视, 数字绘画有

的生命, 这样的品质就是中国人心中的仁, 这是山的品质, 也是君子的品质。

这就是中国人, 一个和土结下渊源的人群, 他们和土生死与共, 以土为根, 也是对于养育他们这方水土的祭奠, 他们热爱土地, 信仰土地, 以土为神, 所以才有了故土难离与落叶归根的说法, 中国人不管走多远都不忘的是家乡的水与土, 在他们心中最美的永远是神州那一片土地, 所以在文学作品里总能见到故人从家乡来最好的礼物就带上一把家乡的土, 土地不但给了他们土的肤色, 也给了他们土的精神, 一种百折不挠, 朴实, 厚重, 仁道着其自身的视觉语言和传达方式, 数字绘画的价值是不能用传统的价值观来判断的, 并且随着数字绘画的不断发展, 数字绘画的潜力不断地被挖掘, 其艺术价值也是不断的上升。

四、对绘画技巧的习得

传统绘画的研习需要习画者历经漫长的过程才能取得技巧上的掌握, 这是一个极度专业化的领域。而对于数字绘画者来说, 只要掌握基本的绘画技巧, 加上对软件的一定程度的熟悉就可以大胆作画了。传统绘画的作画媒材决定了不同的传统绘画画种的学习都要经过一个对本画种媒材性能的熟悉的过程, 而这种熟悉的过程往往是很困难的, 是需要一个专业化的学习和刻苦的练习才能掌握的。并且传统绘画是需要手工制作完成的, 而媒材的局限 (如大小, 色彩, 形状等的不尽如人意) 往往也会限制了作画者创意的实现 (例如超现实主义绘画在数字绘画中是很容易实现的, 立体派的拼贴在数字绘画中也顷刻可成) 。而数字绘画相对而言就容易多了, 软件虚拟技术可以让数字绘画的作画者随心所欲地把要表现地表现出来, 技巧的学习不再困难, 计算机媒材的性能上的掌握也相对容易得多。

五、艺术创作观念

传统绘画艺术需要创作者经过多年的学习和积累, 经由专业的技巧训练和饱游饫看方才能有所成。而数字绘画虽然具有着传统绘画艺术一般的美学法则, 例如构图, 节奏之类, 但数字绘画在创作方面的自由性和修改的便捷性使得数字绘画的创作变得越来越“简单”, 也越来越受到人们的喜欢。数字绘画也可利用计算机中的图片资源进行创作, 在这些图片资源的基点上进行添加与修改, 这也使得数字绘画变得更能激发创作者的创意与灵感。不过数字绘画的这种便利性也给人产生这样一种误解, 觉得只要熟练掌握了软件, 那么数字绘画就会自然有好的表现。于是大量的充满电脑味的作品出现了, 机械, 呆板, 了无生气, 这是一味玩弄电脑技巧产生的结果。其实, 无论是传统绘画还是数字绘画, 最为核心的依然是作画者的艺术修养, 而计算机只是如同传统绘画中的媒材一样, 也不过是一种作画的工具, 虽然它是一种相当便捷的工具。

总之, 传统艺术具有着悠久的传统与丰硕的成果, 至今仍散发着迷人的艺术魅力, 并会继续在未来的人类历史中发挥着重要的作用, 这是数字绘画所无法取代的。数字绘画作为一新型的画种, 更新了人们的艺术观念, 丰富了艺术语言, 是传统艺术的延续和开拓, 它推动了绘画艺术的大众性, 丰富了人们的艺术生活。这两种艺术会各自发挥着自己的能量, 互相补益, 互为提高。

的品德, 土也溶入了他们的血液中, 就像奔腾汹涌的黄河水, 流淌着黄土的颜色, 养育了一代又一代的华夏儿女。

参考文献:

《中国美术史》《艺术哲学》《中国哲学史》《中国地理》.

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中国传统绘画的形象与造型特征 第4篇

关键词：传统绘画；形象；造型特征

中图分类号：G633.95 文献标识码：A 文章编号：1002-7661（2011）10-069-01

形象与造型，在某种意义上是同义词。人们习惯用“造型”表示无生命物体的形象，而“形象”多注重指人物精神内涵层面。广义上讲，无论是人还是物在绘画中均可视为一种“形象”，也可称为“造型”。中国传统绘画基于文化基础和使用工具等因素，其形象与造型具有独特性．主要表现在以下几个方面：

一、用笔的书法性

中国汉字至今仍保留着原始绘画的痕迹。像这样将文字与绘画有机结合起来的形象，在其他国家的艺术中非常少见。唐代张彦远的《历史名画记》记载：“颜光禄日：‘图载之意有三：一日图理，封象是也；二日图识。字学是也；三日图形，绘图是也。’又《周官》教国子以‘六书’，其三日‘象形’，‘图画之意也，是故知书画异名而同体也。”“书画同体”的艺术理论，对此后的中国画影响深远。这一理论体现在中国传统水墨画中，就是用笔的书法性与绘画造型的有机结合。再如花鸟画。近代吴昌硕与现代齐白石的花鸟画比较接近．但在用笔上，吴昌硕以篆书的圆笔入画，齐白石则常用侧锋方笔，他们的作品都体现出典型的书法性。形成这一特性的原因有以下几个方面：

首先，毛笔是书写和绘画共同使用的工具。毛笔有极强的吸水性能，这使它在点、画、勾、勒时能够得心应手地表现出抑扬顿挫、刚柔曲直的节奏变化。其次，共同的审美对象。线在中国传统绘画中是种最原始的表现方法，这种表现方法在书法和绘画中得以保存且进一步发扬光大。直到现在，人们仍将线视为中国传统绘画和书法的基本特征之一。再次，共同的创作主体。在先秦两汉时期，绘画多是画工所为。经六朝以至唐宋，越来越多的文人士大夫开始学习绘画。由于书与画都以毛笔为工具，所以，士大夫们很容易将自己的艺术才能从诗文扩展到绘画，于是在文人的带领下形成了一股潮流和风气，即中国画史上讲的“文人画传统”和“文人画派”。

二、造型的节律型

节奏原指音乐舞蹈的音响和动作，在运动过程中有规律地出现强弱、长短的连续交替现象，从而产生旋律：韵律则指有情调的节奏变化。在造型艺术中，我们常常借用音乐的这些概念探究其形式美感，一般来说，节奏是韵律的基础，事实上，在画面中很难把它们分开，所以，我们又常称之为节律。

以线造型是中国传统绘画的主要形式特点之一。中国画家历来把线视为一种有生命的元素，中国传统画运用各种线条的组构表现个体的情思，并运用线条的长短、粗细、曲直、方圆、干湿、浓淡、刚柔、强弱、徐疾、迂缓、虚实、隐显等对比手法，表现物象的气韵、形体、空间、质感等，使线在运动和变化中彰显出自然和谐之美。线的应用一直为中国艺术家所关注．这也是构成中国画迥异于其他民族绘画形式的重要特征。

三、空间的虚拟性

空白是中国传统绘画的主要特点之一。如我国千余年来常画不衰的《四君子图》，把冬春绽蕾的梅、金秋开花的菊、夏季最为茂盛的竹这些不同时间的花木集于一体，其背景运用了超时空的虚白处理，表现了无限的时间和空间。这种以虚代实的虚拟手法使画面更简练，主体形象更鲜明突出。不仅给画家以更大的自由，同时还给观赏者留下充分想象的余地。

四、物象的程式性

中国传统绘画物象的程式性，可以说是千锤百炼的智慧结晶。如古代画家在表现自然风景过程中总结出了山石、树木的表现形式，使它们成为流派的特色语言。这种程式性和一定的装饰意味，如同诗有格律一样，对中国山水画与诗结合的意境起着重要作用。中国传统绘画物象的程式性从产生、成熟．随历代画家的努力而不断发展。这是因为人有性格、趣味、修养的差别，应用时出现千差万别，又有人不满足现在的程式，并加以变化创造，于是又会创造出新的表现程式。在不断的发展过程中，旧的程式被取而代之，成为历史的陈迹；新的程式又为以后的人们接受或改变创新。因此，程式不是一成不变的，传统的中国绘画正是如此。在不断地交替着向前发展。

五、主体的意象性

“意象”一词表达的是艺术创造中的主观与客观关系问题。是指客观事物作用于人的主体精神时产生出的表现之“意”，被实现于创造出的“象”，即艺术作品。中国传统绘画的艺术家对外部事物的把握重体悟、崇尚情韵与意境，主张“立意为象”、“随象写意”，故在审美取向上认为“论画求形似，见于儿童领”，追求“似与不似之间”，因而必然导致意象变形、形随神变。这在中国传统的人物画和山水画中都有所体现。

中国传统绘画是对无生命的山水景物融入了作者的情、意、趣。宋徽宗的精巧雅致，人工描绘痕迹，透出皇家美趣；八大山人的顽石，岌岌可危，不能说与他内心的苦闷和虚无情绪无关；齐白石以特殊的视角，一个圆加上几条线就把牛的特征提炼出来，西方人可视为符号，中国人则视为大写意趣味。

电脑数码绘画与传统美术绘画对比 第5篇

但是传统绘画如果继续保持在以前的状态,没有充分发挥出它的实用性,势必变得与讲究效率的时代格格不入。而数码绘画弥补了传统绘画的缺点,比如工具的成本、携带的便携、受众面更广等问题。就此产生了巨大的实用价值,数码绘画可以利用电脑软件进行快速的制作,凭借复制和印刷的技术可以无限的传播,通过电脑网络的广泛应用,可以再各个领域得到采用。

所以说我们不能完全否认现代数码绘画作品的艺术价值。短短的五十年发展历程,数码绘画也造就了很多著名的数码艺术大师。例如日本的田中一光(日本国宝级平面设计师),中国的王伟(暴雪御用画师)等等。他们的数码绘画作品中可以看到非常多的传统绘画因素,无论是作品的形式美,还是作品的创作理念。他们的作品中吸收借鉴了传统民族绘画,造就了数码绘画不同的魅力和生命力。所以说,数码绘画为那些优秀的设计师们另辟蹊径,造就了一个新的可以充分展现自我的平台。

数码绘画与传统绘画的优劣

一、丰富的色彩

色彩的丰富是计算机数码绘画最大的一个特点。传统绘画中画面的颜色是通过颜料油彩和水的混合形成的,而计算机数码绘画则是通过RGB色彩的色彩原理混合后获得的,RGB色彩就是常说的三原色即红绿蓝的加色模式,在自然界中肉眼能捕捉到的任何色彩都可以由这三种颜色混合叠加而成的,而不是传统绘画层面的红黄蓝。RGB颜色可显示出一千六百万种颜色,而肉眼最多只能分辨出十七万种色彩,这显然已经超出的了人眼的可视范围。所以说借由计算机可以显示出更加丰富的色彩,在色彩方面的表现力数码绘画远远超过了传统绘画

二、逼真的画面

数码绘画精确的造型表现可以更逼真的模仿自然界的影像,通过制图软件可以清晰的表达出想要实现的设计,尤其表现在室内设计,建筑设计,动漫游戏,影视广告等等,最近新兴的3D打印技术也是由此发展而来。为了满足现如今市场的需求,电脑呈现出多重不同的分辨率,常见的分辨率有1080等等。分辨率就像一个个小马赛克格子,分辨率越高,同一面积内的格子越多也就让画面越清楚。相同的一笔,分辨率越大,所蕴含的数据量也就越多,画面细节也就越多。现如今数码绘画已经成为创作的一个新的追求,如此迅速的数码绘画艺术同时也影响着未来艺术的存在与发展。

三、较低的成本

传统绘画的载体需要纸张或布料,以及相应的绘画工具。如果出现失误,修改成本非常高,修改起来非常不便,需要更换材料重新进行绘画的步奏,而且也不能绘制出之前的感觉。但是数码绘画就不会出现上述这些问题,相比传统绘画,前期的投资可以满足相当长时间的绘画创作,大大的提高的作画的效率。关于器材,现在绝大部分数码绘画创作是通过数位板和电脑完成的。数位板是一种计算机外接硬件,由一块数位板(或数位屏)和一支压感笔组成。不管运用那种道具绘画,作者的思想一样都会表达。利用软件会让数码绘画更容易表达作者想要表达的情感。

四、海量的素材

传统绘画做为数码绘画的基石,为数码绘画提供了海量的资源。在互联网如此发展的今天,计算机技术与互联网建立了信息资源的共享,当中存在着海量的美术资源。借由这一特点使得创作者能够更加轻松的获取他需要的素材,从而快速而有效的创作出更优秀的作品。同时也推动了整个数码绘画领域的蓬勃发展。

数码绘画的作品中还存在着一些不同于传统绘画的艺术特点。比如flash动画创作出的美术作品,通过利用鼠标键盘或者是手绘板的操作,可以让观看作品的人与作品之间产生一定的交互性,通过不同的操纵方式还可以出现不同的画面,由此延伸出了网页、视频、游戏等等不同的门类,这是传统绘画做不到的。再比如作品保存的便利,我们都知道传统绘画的保存非常不方便,比如传统国画就需要包裹保存和防潮。数码绘画的作品与传统绘画作品的保存方法不尽相同,作品以数字化的方式存储在硬盘或保存在网络服务器,方便复制传播或保存,这种方法大大加强的作者间的艺术交流和传播空间。但是美术价值的体现是否会贬值呢?

数码绘画出现,让中西方现代艺术的视觉风格创作和传播传输方式发生了时移俗易的变化。在技法上,传统绘画中许多复杂的技巧被简化了。陈丹青曾经说过“传统绘画方法对于极少数很有天赋可能有点意义以外,对普通人并没有什么意义。”他还认为过去思想中的传统绘画现如今也不应该存在了。自古以来传统绘画这种艺术形式很难再有新意,从雕刻到竹简,从竹简到纸张,历史的进程下不同时代的艺术家运用着不同的方法来表达自身的艺术情感。陈丹青的表达,意义在于当今社会的普遍性,而不是指艺术表现的一种存在意义。

传统绘画是一种思考方式,某种程度上会打开艺术家思考的一扇大门,让思考的方式更加活跃。传统绘画与数码绘画之间是互相交流互相影响的关系,但又有着本质上的区别的两种不同的艺术形式。产生的原因、得出的效果、表现的技法和存在的价值都有不同之处。传统绘画作为数码绘画的源头,是不能脱离传统绘画艺术而发展的。数码绘画从历史进程上来说,仅仅是利用一种不同的工具进行绘画工作,利用计算机获得了比传统绘画更丰富的表达方式,是传统绘画的发展和延续。同时计算机硬件软件电子产品的发展把绘画艺术的价值推向了大众,为人们认识艺术价值起到非常重要的作用。

参考文献

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[2]《Color and light》James Gurnry

[3]梁彤秀.瞬间的巴黎

[4]任斌.论数码艺术设计的形式美与传统绘画[J]西北大学学报(哲学社会科学版),2003

论数码绘图与传统绘画之关系 第6篇

一、传统绘画为CG提供几千年发展所形成的审美准则和造型技巧

传统绘画的审美准则经历了几千年的发展, 经受了不同时代的重重考验, 被不同的民族地域所接受。奠定自己深厚的群众基础。其历史也是伴随着其审美原则产生的历史。在欧洲, 最早追述到距今几万年前, 旧石器时代晚期的原始洞窟壁画。虽然古时的图形还比较单调也比较粗糙, 像画在洞窟壁上的简单的动物图形或狩猎的简单场景表达。而这一时期的原始人的审美意识里已经形成了简单实用性 (也可能带有巫术的因素) 的原则。再之后随着时代的发展, 开始产生了一些比较复杂的画种, 像经过许多流派演变的中国画、西方传统油画、版画等。即使同一个民族的不同时期也有不同时期的审美准则, 比如西方的近代油画在文艺复兴后开始经历了古典主义、印象主义、现代抽象主义等多种风格流派。发展到了现代, 传统绘画已经有品类繁多的种类, 水彩画、水粉画、粉笔画、丙烯画以及多种塑料和化学顡料的画种。这时的传统绘画的审美准则已经是发展到了一定高度的多元化, 再因为全球化的背景下又是高度的统一的。所以传统绘画经过了漫长的历史磨砺而建立起来的审美准则, 是每一个阶段和时期的结晶。经历如此之漫长的历史而形成的审美准则是一个极具价值的宝藏。而CG可以直接利用这一审美准则来创作自己的作品, 使自己迅速的被受众的审美品位所接受。即是说, 传统绘画为数码绘画提供了审美准则, 使它可以站在巨人的肩膀上以更高的历史起点来发展。

二、传统绘画的积淀为CG提供一个巨大的资料库

传统绘画的艺术精粹形式丰富, 包涵着深刻的文化积淀、民族的心理情感、风俗习惯、审美观念及审美情趣。传统绘画所体现出深远的历史传统, 众多的风格流派和博大的地域民族文化, 以及传统绘画的笔墨造型等。这些很难用文字清楚地表达或概括的东西, 就是它们会聚、沉积成那么的一个巨大的资料库。新生的CG是在科技和工业基础上发展起来的, 在美学情感方面缺乏传统文化的积淀, 在表现形式和内容上有较大的局限。所以为了弥补自身的不足, 就必须借鉴传统绘画这个巨大的资料库。只有这样它才能发展, 才不会沦为现代科技的附属品。发掘数码绘画与传统绘画的艺术渊源, 是丰富数码艺术语言和表现数码艺术形式美的关键。如当代的许多久负盛名的设计师中, 诺曼塞斯莱维兹、田中一光、靳埭强等可以说是具有代表性的设计师, 在他们的数码绘画作品中可以看到许多传统绘画的因素, 无论是作品的形式美, 或是作品的创作理念。他们的作品借鉴优秀的民族绘画, 吸收并不断充实数码绘画的魅力和生命力, 成为现代设计的典范。

三、传统绘画为CG提供人才的培养

进入二十一世纪后, CG呈现出一派欣欣向荣的景象。但是专业人才依然是供不应求的, 而且在人才培养方面走入了一个误区, 即认为不需要多少传统绘画的修养, 一味的追求电脑技术的操作, 以为单纯的依靠纯熟的技术就能创作出优秀的作品出来, 这样的观点其实是错误的。

探析中国油画与中国传统绘画的契合 第7篇

关键词：融合,传统绘画,油画

一、中西绘画合流的三大先驱

真正意义上的油画艺术民族化之路, 是从19世纪末到20世纪初开始的。我国二十世纪美术界三位名画家、美术教育家和学贯中西的大师级人物刘海粟、徐悲鸿、林风眠则是中西艺术融合的具体的倡导者和身体力行者。

刘海粟 (18961994) 的艺术观比较开放, 强调绘画艺术表现个性和心灵的自由, 对后期印象派比较欣赏和取法。在油画民族化问题上, 他的主要贡献是在方向上作理论的介绍和探讨, 在中西比较中, 提出并论证了二百多年前的石涛就曾经发现了塞尚所探索的绘画奥秘。徐悲鸿 (18951953) 1919年去法国巴黎学习西方美术, 师承的是西方19世纪古典学院写实主义传统和“科学法则”, 并使用中国传统笔墨工具和技巧来改造明清的写意画, 重形似, 追求惟妙惟肖、神形兼备的艺术效果。徐悲鸿十分重视艺术创作的社会功利性, 追求的是艺术为时代为社会为大众人生服务的功能, 因而他的创作往往属于特定的历史时期, 具有强烈的现实意义。林风眠 (19001991) 是于1919年赴法国巴黎勤工俭学留学的, 接受了巴比松画派代表人物柯罗的“面向自然, 对景写生”的遗风, 打下了师法自然的基础。形成了从自然中发现美, 又用艺术技巧表现美的自然人生的艺术信念。他举起创造中国现代绘画艺术的旗帜, 率领着多彩的艺术群体, 走上中国画现代化和油画民族化的“调和中西”之路。

二、中国传统文化对油画家的影响

作为外来艺术样式的油画从最初的引进, 以致现阶段的繁荣, 始终都没有脱开过中国传统绘画的影响, 可以说, 中国油画的发展史其实就是油画与中国传统绘画不断吸收融合的历史。早期出国留学的中国画家, 都深受中国传统绘画的熏陶和影响, 大部分画家都具有深厚的中国传统文化的底蕴和传统绘画基础, 他们的作品中都会时隐时现的流露出中华民族本土文化的印记。如留学日本的画家王悦之, 关良, 留学法国的潘玉良等。他们是最早探询中西结合的油画家。还有不少国外学成归国的油画家们, 回国后就对中国绘画传统产生了兴趣。在油画作品中追求传统绘画的质朴与韵味。对中国绘画的相互借鉴, 为油画扎根中国做了有益的探索与实践。

潘玉良是中国近代美术史上少见的女性艺术家, 她在法国接受了严格的学院派绘画训练, 但在油画中更多的是将中国传统绘画的技艺移植到西画中, 她的作品中更多地运用了中国传统的线描手法。如在《菊花与女人体》中, 成功地将中国传统绘画的笔墨和西画的实体质感巧妙地融入她的作品中, 呈现出既秀美灵逸、又坚实饱满, 极富独创和个性化的审美趣味。吴冠中在中国近代现代绘画史上, 是一位有着深远影响的艺术家, 早年师从林风眠, 使得他在求学之初就建立了强烈的民族意识和风格追求。《江南人家》是他的代表性作品之一, 画面上呈现出一种中国传统绘画中“写”的意味, 用笔洒脱而豪放, 放弃了“五彩缤纷”的色彩, 充分利用黑白灰的对比关系, 透露出一种“典雅”的作风, 这一点恰恰是中国传统文人画中的趣味所在。吴冠中晚年的油画, 有着更为明显的民族风格, 画面上展示的是将西方油画的形和色, 与中国传统绘画中的某种形式意味紧密联系在一起, 特别是借鉴中国画的形和色。赵无极在当今世界艺术领域中是一位非常重要的艺术家, 曾以“抒情抽象”在全世界产生重大影响。他将中国传统绘画的空间意识与西方油画颜料的光线与质感融合在一起, 成功地创造了一种兼具东西方艺术神韵的绘画空间。他的独特之处还在于他是用中国古典绘画的审美概念。着重描绘风景中流动的空气, 以中国传统书法中的挥洒来代替要表达的意境。

三、结论

中国油画要在世界艺术之林占有一席之地, 必须是移花接木式的吸收, 其文化根基是东方的, 而不是单一的从传统绘画样式上去套用, 更重要的是深层的艺术审美性。中西方的绘画艺术在很多方面是共通的。莫奈的晚期作品在形、色、笔上的意气, 和黄宾虹的山水可说是别无二致。西方的野兽派和表现派与中国的大写意都立足于民族和本土而发展, 虽貌差千里, 但在表达主观感受, 摆脱客观物象上是一致的。他们不仅都是对形体的超越, 而且是情感的流露, 气韵的表达, 意象的体现, 凝结着本民族的精神特征。所以中国的油画家们要从中国传统绘画上汲取更多的传统的精神养料, 融会贯通到自己的绘画作品中去, 因为只有民族的才是世界的, 相信中国的油画在中国画家的不断努力探索中会走出属于自己的道路。

参考文献

[1]王庆生著:《绘画:东西文化的冲撞》北京大学出版社1991年。

[2]刘墨著:《中国美学与中国画论》人民美术出版社2003年。

浅析中国传统绘画与中国文化的关系 第8篇

追溯到春秋战国时期的中国传统文化,孔子的四书五经中就早已体现出注重艺术的色彩来,五经实为六经,又称六艺,其中《诗》属于文学,《书》属于政治学,《礼》属于伦理学和社会学,《易》属于哲学,《乐》属于艺术,《春秋》属于历史学。[1]可见,在中国悠久的历史文化长河中早就兼收并蓄着中国传统艺术,了解中国传统绘画的内涵就必须先懂得其具有的文化本质及其所承载的历史文化内涵。本文主要从中国传统绘画的文化本质入手,进而分析中国传统绘画与中国文化的关系,并对二者关系进行简要分析,以便进一步加深对中国文化的文化精神和文化底蕴的了解,形成相应的绘画思想和绘画意识。

一、中国传统绘画的本质特征

(一)丰富的文化容量

中国传统绘画在长期的发展中形成了广袤的艺术长河, 在中国历史上留下了无数的精湛杰作,就像一座座高峰屹立于世界艺术之林,体现着中国丰富多彩、博大精深的文化底蕴。在中国传统绘画中不仅仅是山水、虫鱼、鸟兽等与中国文化紧密结合,还包括书法、印章和诗句等都体现着中国悠久的文化色彩。这样独树一帜的丰富的文化底蕴在世界上是罕见的。中国传统绘画的语言就是通过笔墨勾勒线条,自古就体现出书法与中国画的有着不可分离的紧密关系。其次在画中有诗更体现出花的精神气质和神情韵律,进一步增加画的丰富内涵。

另外,早在宋元时期,中国画在画面上通过用印进一步阐发画家的思想感情和表明画面的意境。中国画在结合诗书画印之下,形成了中国传统绘画独有的艺术风格,使其富有浓厚的文化容量。

(二)最具心灵化的艺术

中国传统绘画注重体现画家的思想观念,有着强烈的感情色彩,其深深扎根于中国民族文化的土壤之中,体现着中国文化独特的人文修养和文化内涵。中国传统绘画注重个体心灵的体悟,[2]体现着画家自己的心灵节奏,并体现着古代先哲们主张“和为贵”,“天人合一”,以及崇尚自然的精神品质。 的确,中国传统绘画并不是单纯地对自然事物的刻板描绘, 而是通过采用线条的交汇和笔墨浓淡交错,来抒发出作者内心的情绪,可以说中国传统绘画是作为一种载体在传达画家的情感。从另外一个方面来看,中国传统绘画的创作主要是源于画家是对客观自然景物的收集将自己融入到景物之中, 通过感觉能动而又自由地表达自己的感情,它是一种主观意愿的表达。

(三)超常的意境

中国传统绘画博大精深,渗透着中国文化的独特精神, 画面不仅仅呈现出创作的形象还可以从画面以外看到远远超出画面本身的意境。中国传统绘画不在于追求画面的来源或者背景,甚至于对画中的景物也不注重逼真,但在题材的处理上力求高度的简洁和高度的综合,中国文化宇宙观,“和为贵”,以及“天人合一”为基础,超越了时空的界限,突出主体形象,作品的思想内涵远远超出画面物品而向外延伸。

二、中国传统绘画中的中国文化呈现

(一)重在写意的绘画风格与包容思想的表达

中国文化是反映中华民族优秀的文化特质和丰富的民族色彩,体现着中华民族历史的总体思想观和文化表征,具有鲜明的民族特征和博大精深的内涵。中国传统绘画体现着中国数千年兼收并蓄的文化精神,也体现着中国文化举世无双的完整性和稳定性。

自古中国传统绘画的发展可以看到“天人合一”“有无相生,难易相行”的文化思想。中国传统绘画主张主客观相统一,就是画家的艺术创作来源于客观世界,但更多的重视艺术家的主观想象,做到形散神不散,形神兼备。[3]中国传统绘画的表现风格就在于画家“状物抒情”,画家通过描绘一种事物来重点表达自己的思想感情、内心意志和内在的气质。另外,中国传统绘画从虚实结合、浓淡相衬、黑白相应等等的作画风格也体现着中国文化的包容性和从整体出发的大家风范,具有独特的文化艺术价值。

(二)注重线条与内敛含蓄的文化精神表达

中国文化的经典特质就在于几千年来中国传统绘画始终保持独特、清晰的民族文脉的的精神之源。[4]中国传统绘画是根植于中国文化的艺术土壤之中,具有着对中国文化独特的表现手法和创作特点。不同的绘画具有不同的表现方法和独特的材质,中国传统绘画的表现方式就是以线为主,从不同的线条的力度、韵律、气势和动态来表达情感,画面体现出的事物的形状也体现着画家的心声和思绪。甚至超越空间感和质感等,却能让观赏者耐人寻味地找到中国文化与绘画的紧密联系,这种远远超越创作形体的要求,又能表达创作者的思想感情的绘画特点,饱含着中国人的优良特质。体现着中国文化含蓄、内敛的哲学思想。

三、基于中国传统文化的中国传统绘画

(一)传统文化精神是中国传统绘画的根本动因

中国传统文化精神是中国绘画得以发展的根本动因。[5]在中国传统绘画中线条体现着中国优越的文化特质,具有强大的生命力,不仅在于表现塑造的形体更在于表达的意念和思想感情,从一定的程度上表达着人的品格层次,从线条所反映的抑扬顿挫、干湿浓淡以及轻重缓急体现出一种道德人格上的精神力量。

(二)中国传统绘画是中国文化精神的重要载体

中国最古老的传统文化意识来源于先秦时期的诸子百家,主要是儒家、墨家、道家的影响,后来佛家思想的影响也不断加深,对中国传统文化影响更大的主要来自于儒家的中庸思想和仁爱观念,佛家的超脱世俗、四大皆空的思想,以及道家的无为而治、清净玄虚的思想,这些传统的文化思想都对中国传统绘画的发展具有重要的作用。为了表达淡泊名利、宣扬气节操守,画家在山水、花鸟等的题材中都一一体现着中国传统文化的底蕴。这就从画家自身的思想意识出发借助于一定的题材,用比较含蓄的方式来体现画家心中的净土,表达出中国文化的精神境界。

(三)中国传统绘画是中国文化作用的结果

中国传统绘画的文化体现着中国传统艺术的本质特征。[6]山水画的兴起和发展,是山川河流等自然事物与中国文化渗透着的人格之美相结合的产物,它是中国文化作用的结果。中国山水画不仅仅是山川河流的再现,更是中国人一种情思的寄托,通过客观事物与主观情思相结合,描绘出的自然景色具有超脱画面的美好意境和体现着中国文化中人所具有的高尚的审美观念。花鸟画也从其产生开始就不仅仅是对自然现象的再现,而是紧紧把握着花鸟所具有的内在生命的主旨,进一步传神着花鸟的生命和精神,通过借物喻人,表达人的意念,体现出独特的中国文化精神。同样,人物画也遵循着中国文化的主旨,讲求对自然和生命的尊重,人物画讲究人品和画品的内在联系,实质上就是注重人文精神。[7]中国传统绘画中人物画张扬了中国文化熏陶下生成的人性之美, 传统的人物画产生于中国传统哲学、伦理学等的文化背景之下。因此,中国传统绘画是对于中国文化中艺术观念的体现, 是中国文化发展的结果,是人文精神的体现。

四、中国传统绘画与中国文化背景的融合

(一)追求诗情画意

中国传统绘画具有系统完整的结构,从表达的方式、审美观念、认知角度以及感知方式上都融入了中国传统文化的背景之中,中国传统绘画中从诗歌和绘画的相结合,可以看出二者的紧密联系,在文化精神中的互补和相通。它是把中国传统绘画自觉融入到了中国文化中,体现着中国文化的意境,在追求诗情画意的同时使得绘画的语言表达更强烈,内容更富有内涵。

(二)追求天人合一的哲学理念

中国哲学讲究“以和为贵”,“和”就是和谐、统一,是艺术最基本的性格。中国文化崇尚“天人合一 ”的哲学思想, 讲究主观与客观的和谐统一,追求人与自然、人道与天道、 人与画的和谐统一。[8]中国传统绘画也在中国文化思想的影响下,融入了天人合一的思想观念,中国传统绘画着重从描绘山川河流、自然景物与人的和谐统一,强调以物衬托人的思想感情。在天人合一思维方式的影响下,中国传统绘画融入了中国文化的兼容并蓄、博大精深的精神思想,也表达了文化生命的宇宙精神,可以说中国文化的精髓是中国传统绘画的精神载体,“天人合一”的思维方式则是中华传统文化精髓思想。

(三)追求意境的表达

中国绘画与中国传统的儒家、道家文化以及禅宗思想有着紧密的关系。在中国文化的熏陶下,中国传统绘画融入了中国宗教文化思想,在一定程度上追求宗教文化的理念,采用宗教思维方式去透析中国绘画,从绘画中发现其体现的外在和内在的意境思想。中国传统绘画把中国文化中蕴含的含蓄和宗教的神秘,通过线条和笔墨,采用自然、简练的方式表现出来,完全融入了中国文化的精神意境,从中国传统绘画中透析出的宁静、淡雅的禅宗思想,体现出耐人寻味、意境深远的画面,让人看到一个更加清澈透明、宁静淡泊的美好世界。

五、结语

绘画传统与创新 第9篇

关键词：西方传统油画技法 东方绘画表现形式 融合 特点

西方油画在我国得到了快速发展，并呈现出多种流派争奇斗艳的发展形势，油画发展过程中，注重对技法把握。西方油画注重写实性，通过作品，反映出社会的现实。西方传统油画的出现，注重以作品为表现基础，对客观现象进行有效反应。油画技法在应用过程中，要注重对画法进行认真把握，在绘画过程中，突出空间感、立体感，能够对参照物进行客观体现。东方绘画则注重抽象反应，在刻画现实事物过程中，注重结合画家的主观意识。西方传统油画与东方绘画在现阶段得到了快速发展，并且在经济全球化趋势影响下，二者之间不断进行融合，有效地增强了二者的艺术表现能力。结合西方油画在我国的发展情况，加强画法理解和应用，融合东方绘画因素，成为西方油画在我国发展必须把握的一个重要内容。

一、 西方传统油画画法分析

西方传统油画在发展过程中，历经了几百年的发展历史，这使得西方油画画法不断丰富，能够更好地对客观事物进行反应。西方传统油画的画法主要以不透明画法、透明画法、直接画法为主。本文对西方传统油画画法的分析，则从这三种画法入手，具体内容我们可以从下面分析中看出：

1.不透明画法

不透明画法在油画绘画中应用时，注重对颜色进行把握，通过多层次的颜色构造，满足画家实际需求。不透明画法的关键点和核心在于对颜色进行把握，在实际绘画过程中，会先利用颜色对事物进行简单勾画，通过颜色的不断变厚以及层次的增加，使颜色变成不透明的状态。不透明画法在应用时，利用了画面凹凸不平的特征，通过对光的反射，增强绘画质量。不透明画法在应用时，首先需要对客观事物进行素描，之后对塑料后的草稿进行上色。在上色过程中，需要利用稀释油进行调色。调色后，需要待涂色一层完全干透后，才能够进行下一层次的着色操作。

2.透明画法

透明画法是针对于不透明画法而言的，二者之间在色彩应用上，存在着较大的差异性。透明画法在对颜料应用时，选择透明或是半透明的颜料，能够对光的透射效果进行较好反应。透明画法上色过程中，事先需要进行素描手稿制作，这一过程中，素描手稿的要求较高。在进行上色时，不会使用到白色颜料，并且对稀释油的用量较多。在上色过程中，透明画法需要对下层颜色进行透露，并能够与上层颜色形成一种色调变化。

3.直接画法

直接画法相对简便，直接在画布上对物象形态进行勾勒。在上色过程中，需要画家根据绘画情况，从整体上对素描手稿进行上色。直接画法具有全局性，是对绘画创作技法的一种整体概括。直接画法的颜色比较浓重，并且具有较高的色彩饱和度。直接画法在西方油画绘画中的应用，具有直接性和新鲜感的特性，但是会导致绘画资源出现大量的浪费情况。直接画法一开始就需要对绘画作品的整体进行考虑，并且绘画时间要求短，一旦出现问题，可能会导致油画绘画失败。直接画法在西方油画绘画中应用较为广泛，其中印象派画家、欧洲古典油画都采用了直接画法的油画技法。

二、 西方传统油画技法与东方绘画表现形式的特点与融合

1.西方油画技法与中国传统绘画技法比较

西方传统油画技法与中国传统绘画技法之间有着较大的差异性，西方油画注重写实，东方绘画注重写意，由于侧重点的不同，在技法方面，势必会存在不同。就以油画技法来看，在进行油画绘画过程中，首先需要对客观物象进行素描，之后对素描手稿进行上色，以满城油画的创作。在素描学习过程中，需要从立体图形画起。这一过程中，画家在对绘画技法应用时，会结合素描的三要素进行考虑，并且需要具备较强的观察能力。同时，画家会对物象外在特征的把握，将直接所看到的东西描绘下来。中国绘画技法应用时，主要以临摹方法为主，通过临摹画谱，可以掌握绘画的技巧。相对于西方油画来说，东方绘画更加简便，掌握的内容相对较少，而西方油画绘画时，则相对复杂。

2.西方传统油画技法与东方绘画表现形式融合

在对西方传统油画技法与东方绘画表现形式融合过程中，需要对各自绘画特色进行把握。西方传统油画绘画过程中，注重把握“技法”。例如印象派画家在绘画过程中，注重对光线和色调进行把握，这与东方绘画表现形式有着密切的关联性，并且受到东方绘画的影响。西方油画融合这一技法，增强了西方油画的表现力。同时，在技巧和艺术表现方面，东方绘画技法对西方油画影响较大。东方绘画的临摹，是对原有物象的一种表现，而西方油画技法中，通过素描手稿的加色操作，继承了临摹这一特点。西方传统油画发展过程中，原有的物象理念得到了很大的改变，油画逐渐开始关注到精神层面内容。西方油画摆脱客观制约后，其精神层面的发展，逐渐朝着东方绘画表现形式靠拢，通过反映出精神层面信息，强化西方油画的精神蕴意，使其可以更好地满足人们需要。西方油画学派的代表人物，对油画未来的发展趋势进行了探讨，物象内涵和其反映出的精神层次，引起了画家们的广泛关注。马蒂斯认为“物象外形的意义逐渐丧失，内在的真实性才是油画创造的关键，油画艺术，应该追求灵魂”，由此可见，油画形式的理念得到了转变，艺术思想更加注重体现出“灵魂”。这一观点对于东方绘画来说，早已经司空见惯，东方绘画起始的时候，“灵活”就成为其关注的核心内容。

西方传统油画在对艺术家意志表现过程中，与东方绘画艺术思想有着密切的关联性。绘画是对艺术家理念的一种表达，这一点西方传统油画与东方绘画时相通的。西方传统油画在对这一问题理解上，主要以“象征主义理论”为主，东方绘画则突出“写意”这一特征。东方绘画艺术发展过程中，从宋朝开始，外在的表现逐渐淡化，写意艺术成为东方绘画发展的一个突出特点。绘画过程中，对物象的客观、真实反映，不再是画家的要求，而是职业画师必备的技能，画家应该注重突出意境，将绘画蕴含的精神体现出来。西方传统油画在发展过程中，德尼认为，油画应该对人的情感进行体现，利用油画作为载体，形象作为辅助。西方传统油画随着画家们意识的不断变化，其形式也发生了较大的改变，在这一方面，西方油画更多地学习了东方绘画艺术，将“意境”在绘画中突出体现。西方油画技法在发展过程中，绘画手法与东方绘画也存在一定的相同之处，这为二者之间的融合创造了有利条件。例如在对立体刻画过程中，需要对立体物象元素进行相应的分解，能够对各个因素进行理解和设计，以此进行绘画。我国清朝画家王原祁在绘画过程中，就以这种技法进行绘画。除此之外，绘画过程中，为了表现出某种意境，需要对客观物象进行变形处理，从而增强绘画效果。绘画变形，在元朝时，意境成为画家们关注的一个重要内容。

东方绘画技法在发展过程中，受到东方文化的影响，天人合一的思想在绘画艺术中得到了有效体现。封建社会中，人们对自然保持着一种敬畏，注重实现人与自然地统一、和谐。而西方传统油画发展过程中，对这一思想的应用，起源于工业革命。随着工业化步伐加快，西方油画注重对环境问题进行关注，人与自然地和谐发展，在西方传统油画中得到了有效体现。这种“意向性”的绘画方式，使东西方绘画技法达成了统一。不论是西方传统油画还是东方绘画，精神层次的关注逐渐显现出来，并且为了达到这一目标，西方油画技法与东方绘画表现形式开始融合，对原有的绘画技法进行了大胆创新，从而促进了东西方绘画水平的提高。关于这一表现，我们可以从现阶段西方油画绘画情况来看，画家们对画框的关注度降低，对物象的客观反映关注也随之降低，但是画卷中的意境水平得到了显著提升。东西方绘画在意境方面达成了一致性，实现了精神层次的统一，这样一来，势必会对技法的统一性产生较大的影响。把握两者之间的特点和联系，加强二者之间的融合，对于促进绘画技法发展来说，意义重大。

结束语

随着社会经济的快速发展，人们的观念发生了翻天覆地的变化，绘画作为一种艺术形式，势必会朝着精神层面快速发展。东西方艺术之间的相互渗透，在促进艺术发展和变革过程中，起到了巨大作用。西方传统油画技法的革新，由原来的物质层次朝着精神层面过度，作品本身，将更注重于画家情感的结合，突出“意向”。东方绘画在发展过程中，将会注重对绘画技法的把握，在突出意境的同时，也表现出审美感。西方传统油画与东方绘画表现形式将不断融合，不断地吸收和借鉴，从而促进绘画艺术更好地发展和进步。

注释：

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潘力. 传统：转型与创造——日本美术的战后崛起之路[J]. 文艺研究，2016（5）：134-148.

绘画传统与创新 第10篇

油画自从传入中国以后, 已经获得了长足的发展, 并且和其它艺术形式一道, 展现了我国艺术领域百家齐放的多元艺术格局。而值得注意的是, 油画从诞生起就是用来写实的, 是艺术家们苦苦追求如何真是表现客观世界的结果。在写实的过程中, 绘画技法尤为重要, 这既是画家运用绘画材料驾驭艺术的一种方式, 也是画家使用色彩等塑造作品的方式。

经过几百年的发展, 油画技法也不断的进行更新变化, 主要包括有三种基本的绘画技法:不透明画法、透明画法、直接画法等。而其它的技法也无非是这三种基本技法的综合或变形而已。其中, 不透明画法也叫厚涂法, 先通过单颜色画出大致的形体后, 再用其它颜色进行多层次的构造, 通过色彩的不断变厚和层次变多, 而最终变为不透明的状态。这种绘画方法主要是通过凹凸不平的表面来加强对光的反射, 可以很好的展现出层次错落感与机理的变化。透明画法也叫做薄涂法, 通过使用透明或者是半透明的颜料, 来展现光的投射。这中技法需要仔细的素描草稿, 不使用白色的颜料进行上色, 而是会选择稀释油等进行调色。它需要在下一层干透之后, 才能给上层上色, 这样透过比较稀的颜料, 可以看到每一层的颜色变化。直接画法就是在画布上画出轮廓以后, 通过对色彩的总体判断进行加工, 一次性就可以完成。其实, 直接画法也是对绘画技法全部过程的一个概况而已, 这种技法中, 每次所需的颜色都比较厚, 笔触也很清晰, 有表现直接性和新鲜感的优势。直接画法和前两种画法的不同之处就在于, 艺术家在绘画之前就要构思好整个作品的效果, 并且要在最短的时间内将画用最直接的方式完成。这样每笔下去都很重要, 因为必须要考虑到色彩呀、素描呀等各方面的作用。近代的许多画家, 尤其是印象派的画家就比较频繁的使用直接画法。

二、西方传统油画技法与中国传统绘画技法的比较与融合

首先, 我们从两种技法的训练手段来寻找两者的不同。学习油画技法的学生必须要会素描。通过从各种形状的石膏开始画起, 逐渐的开始学习五大调, 并且要自己学会描绘。另外也要训练学者的观察能力和观察方法。当对石膏画的比较熟练之后, 就可以画静物, 同时进行一些着色。然后再画石膏头像, 再画风景, 最后才能画人物, 并且进行创作。这整个的过程都要有一个具体的对象来进行描绘, 并且也要同时训练观察能力。

而中国的传统绘画技术的学习方法就是临摹, 单靠一本《芥子园画谱》就已经足够, 而且很多画家也确实是通过《芥子园画谱》入门打基础的。

其次, 我们通过分析来寻找东西方绘画技法的高度融合之处。在传统的油画绘画中, 创新往往从技法和思想开始。比如说印象派的画家在光线和色调等的使用方面就已经受到了东方绘画的影响;西方现代绘画则在绘画技巧和艺术表现形式两个方面都受到了东方绘画技术的影响。现代的西方油画艺术, 和东方的绘画有很多的共通之处, 正是西方艺术受东方思想影响的一个表现形式。

西方的康定斯基就曾指出, 艺术家们的灵感是来自于精神的层面, 而不是客观的自然。野兽派的马蒂斯也认为, 捕捉物象的外形, 没有意义。而只有内在的真实才是有意义的。因此, 他们认为, 艺术展现的应该是灵魂的东西, 而不应该是形式。绘画形式仅仅是艺术内在的一种表象而已。由此, 康定斯基还认为即兴创作是精神本性完全自发的一种表现。而像康定斯基他们所持有的观点, 在现在看来是理所应当的事情, 但是在当时却给西方的艺术思想造成了很大的冲击。但是这对于在那时候在东方的艺术家们来说, 这是再浅显不过的道理而已。因此这才有了“东方人比西方人更理解康定斯基”。

通过绘画来表现艺术家的意志, 这和古代东方的艺术思想有着共同之处。艺术家奥里尔认为通过绘画的所展现的形状, 可以用来进行理念的表达。这就是所谓的西方的象征主义理论的内在。但在中国, 画家们早就用“写意”两个字进行了完美的概括。宋朝之后, 我国的文人画家们就开始坚定写意是艺术的正在本质, 而对于外形的逼真描绘, 只是用来画像的职业画师是事情而已。而且中国的文人画早就将艺术所含有的象征意义发展到了一个很高的程度, 这是西方人当时所完全不敢想象的事情。另外, 西方画家德尼认为的, 形象仅是画家们情感的载体而已, 这在我国宋朝以来, 也一直是我国文人画家们的共同看法, 并且文人作画只是借用物象的形体用来表现寓意而已, 从来不以单纯描绘具体的物象为目的。另外, 甚至是西方立体主义者持有的观点和使用的绘画手法, 在某些地方也和我国清朝的王原祁一样, 如王原祁通过将将山、石、水、竹等因素加以分解, 然后通过重新组合来绘造出一个有机的半抽象状态的整体。也有学者认为这种绘画手法和塞尚的绘画手法一致。虽然王原祁的绘画在中国艺术史上属于一个独特的种类, 但其中通过对客观物体进行变形却早就是元朝后中国文人们画画的共同风格。西方艺术家保罗曾指出, 只有对物象进行变形, 才可能产生出绘画的果实。而这比我国的王原祁都晚了200多年了。中国的绘画从来就不是对自然的再现, 而是将自己融入自然, 通过天人合一, 来将自然、自我、万物融为一体去创造。

东西方绘画内涵和技法的融合使东西方的绘画艺术都发生了巨大的革新, 并且在一些方面, 尤其是“意向性”方面达到了高度的一致。绘画最终摆脱了原有物象的束缚。用画家克里的话来说, 绘画的本质不是为了描绘可以看见的东西, 而是为了创造新的东西。在当今, 西方的许多画家已经将所谓的远近透视等画法抛掉, 甚至也不需要画框本身。因为他们的认识开始趋同与我国宋代的文人画家们, 即单纯的模仿客观物象并不能够达到真实, 反而是阻碍了真实的表达。在西方绘画开始敞开心扉学习中国传统绘画艺术的同时, 其它如诗歌、戏剧等的艺术形式, 也开始向我国为代表的东方艺术取经。

参考文献

[1]闻立鹏.二十世纪中国油画[M].北京出版社, 北京美术摄影出版社, 2001.