第九交响曲范文

第九交响曲范文（精选7篇）

第九交响曲 第1篇

其实早在1793年贝多芬就想要将席勒的《欢乐颂》谱上音乐, 贝多芬个人是非常钦佩席勒的, 他早期的一些钢琴奏鸣曲很多是在看过席勒的文章后产生灵感创作而成的。在他1811年的草稿本中我们发现贝多芬有意将《欢乐颂》作为合唱谱写为终曲, 代替管弦乐乐章。但交响曲原是纯器乐作品, 如果贸然地将人声加入进来, 可能会使听众感到难以接受。对于这个问题的解决办法体现在第四乐章里, 此乐章始于一连串愤怒的, 混乱的声音, 然后重述前三个乐章, 每次中断使用器乐宣叙调。最后, 一个新的主题, 开始是比较迟疑的加入, 在被慢慢地接受之后, 以一个欢欣鼓舞的新主题结束在D大调上。之前的器乐宣叙调则变成了真正的宣叙调, 伴随着一个男中音独唱:“啊, 朋友, 抛开这些音调, 让我们唱更多的愉悦和快乐的歌。”柏辽兹称之为“合唱与管弦乐之间的同盟条约。”之后更为欢乐的音调是诗的第一行的内容。贝多芬主要强调了两个理想:一是全人类团结友爱, 四海之内皆兄弟;二是对神父的爱。

想要充分了解这部交响曲的内涵, 首先要了解贝多芬三个创作时期的不同风格。他使用《欢乐颂》的想法来自于他想把它做成音乐的渴望, 这个想法从他创作的第一个时期就开始发展, 当时他对很多哲学家的著作都有着浓厚的兴趣。第一和第二及第四乐章中的部分乐段与他第二个时期——“英雄主义”时代的风格相呼应。这个富有力量的时期和他的第三个时期的风格有着巨大差异。关于风格的突然变化主要原因是由于贝多芬听力的逐渐恶化, 这直接导致了他这个时期的创作失去了英雄主义力量, 促成了一个更为安静、茫然, 和内省的贝多芬。约瑟夫·克尔曼描述他这一时期音乐“是神奇的, 不可思议的, 不仅包括他所有早期音乐中的力量, 而且还有一种新的温柔高贵和精神性。”而与席勒的《欢乐颂》结合后的这部作品明显的体现出他向浪漫主义音乐风格的转变。

第一乐章的开头写于1816年, 先是在A和E之间极弱的沙沙声, 快速渐强后是一个伴着d小调琶音的较强的主题。戴维赖特在对1996年11月23日的交响乐团在卡耐基音乐厅的演出评论说:“你感觉到一些鼓舞人心的弱音, 但神秘的降五度音, 既不是大调, 也不是小调, 我们甚至不知道应该喜欢它还是排斥它。”这些降五度最终在d小调上形成一个“来势汹汹”强音的主题。很重要的一点是, 这一乐章远离了古典奏鸣曲式结构, 有向浪漫主义时期过渡的趋势。最后, 一个挥之不去的, 给人以强烈感受的主题由低音演奏出来, 然后向上蔓延, 最终是整个管弦乐队演奏。

第二乐章是对第一乐章的模仿, 谐谑曲开始是一个降五度, 然后转化成一个连奏, 再插入整个音阶。直到短暂的插曲出现谐谑曲才中断;谐谑曲最初试图压制它们, 但随后由三重奏代替。三重奏在音色上的变化让人听起来很舒心, 它由一个受欢迎的民间曲调的改编而成, 之后谐谑曲更为盛大的重新进入。

第三乐章慢板乐章与充满活力的谐谑曲和三重奏形成了一个鲜明的对比。可以说第三乐章是“最深刻的歌, 充满了温暖, 流淌着浓郁的悲伤。”在这里可以听到第一乐章回声, 随着旋律变得更为自由, 伴以琴弦轻轻地拨奏, 营造出一种空灵的、轻飘飘的气氛。之后旋律的更快的发展, 音量增加, 当我们觉得它似乎即将结束时, 一个在降E大调上响亮的号角声侵入, 这时是第一乐章回声的调性。

终曲的引子, 从一系列乐器演奏的冲动的不和谐的音开始, 随即, 使用大提琴和低音提琴演奏戏剧性的宣叙调, 暗示某种“声乐和器乐之间的亲密关系。”紧接着, 回忆了前面三个乐章的主题, 然后用低音提琴的宣叙调一一加以否定。最后, 一个由管弦乐队演奏的新主题出现, 但是, 这次却没有以低音提琴和大提琴来与之对比。最终, 其他乐器的加入, 使D大调明朗的、欢欣鼓舞的主题浮现。当这一切看起来都很好的时候, 贝多芬重新演奏了终曲开头所表现的对抗的场面。不过这一次, 大提琴和低音提琴的戏剧性的宣叙调被真正的宣叙调–人声所替代:一个男中音。接着精致优美的管弦乐合唱将席勒的《欢乐颂》分四段演绎出来。这时经历一个很长的管弦乐间奏, 然后到一个双主题的赋格曲。最后是像祈祷一样以一种冥想的状态唱的合唱。戴维赖特对此有这样的解释“…[它]思考神秘而美丽的神的恩典。然后每个人都竭力全力的接近欢乐和激动人心的结尾。”

简单地欣赏贝多芬的《第九交响曲》是任何人都可以做到的, 但其实这其中有着复杂的审美标准, 如果想真正了解该作品, 就要对其创作过程、历史背景、曲式结构等方面仔细研究之后我们才能够更完善的、更深入的理解这部伟大的音乐。

参考文献

[1]钱仁康.《欢乐颂》的创作历程.

《第九(自新大陆)交响曲》教案 第2篇

教学目标：

1、通过听、奏、分析等多种形式的参与，提高学生感受、鉴赏音乐作品的能力，培养学生的音乐想象力。

2、通过欣赏，了解捷克作曲家德沃夏克；了解《自新大陆交响曲》，培养学生热爱祖国、热爱家乡的情感。

教学重点：

通过欣赏，培养学生热爱祖国、热爱家乡的情感。

教学难点：

通过听、奏、分析等多种形式的参与，提高学生感受、鉴赏音乐作品的能力，培养学生的音乐想象力。

教具准备：

钢琴、多媒体。

教学过程：

一、导入 播放片段。

二、欣赏

1、介绍德沃夏克

德沃夏克是捷克著名钢琴家、作曲家、捷克民族乐派的奠基人之一。他一生写有许多优秀的作品，其代表作有《自新大陆交响曲》、歌剧《水仙女)等。他的作品始终贯串了热爱祖国、热爱生活、怀念家乡的深切感情，富有浓郁的斯拉夫民族色彩。

2、介绍《自新大陆交响曲》及第二乐章

《自新大陆交响曲》是德沃夏克在美国任纽约音乐学院院长时所作。新大陆原指南北美洲大陆，作者在这里指美国。他一踏上美国国土，来到纽约这个新兴的工业城市，脑海里就翻腾着许多新奇、鲜明的印象；他特别关心美国被压迫的黑人和印第安人的生活和命运；他独处异国，十分思念自己的祖国和家乡，百感交集，写下了这部著名的四个乐章的《自新大陆交响曲》。其中第二乐章被称为“一切交响乐慢板乐章中最动人的一个”。其中的音乐形象同诗人朗费罗的叙事诗《海华沙之歌》中的第二十章“饥荒”有联系，诗中的海华沙是印第安人的一位民族英雄，他的妻子敏妮海哈在饥饿中死去，人们在阴森森的密林里为她掘好坟墓，与她的遗体告别。

3、听、辨、分析音乐主题

（1）听引子，分辨是何类乐器、在哪个音区奏出了几个和弦？表现了何种情绪？烘托了何种气氛？

（管乐器在低音区奏出了七个和弦，表现了低沉、忧郁的情感，烘托了故事的悲惨、凄切的气氛。）

（2）唱a主题，讲故事。

英国管演奏的悲凉、伤感的主题，歌曲《念故乡》就是由这个主题发展而来，现在请同学们再次演唱并感受一下。这个主题既像是揭示海华沙的孤独和痛苦，又像是奄奄一息的敏妮海哈对海华沙的思念，但更多的是寄寓作者对遥远祖国的怀念。

三、课堂小结

第九交响曲 第3篇

关键词：德沃夏克 民族 民歌 民间舞蹈 黑人音乐

《e小调第九交响曲（自新大陆）》是捷克作曲家德沃夏克全部音乐作品中最具有代表性和最重要的一部，作品抒写了他对美国新大陆的印象和感受，倾注了对祖国和家乡无法抑制的思念之情。作品的主题汲取了许多民族特色以及民歌的旋律和节奏特点，又具有捷克民族舞蹈歌曲的因素，接下来，让我们一起分析这部作品的创作来源和题材。

一、民族作曲家——安东·利奥波德·德沃夏克

安东·利奥波德·德沃夏克，出生于1841年，卒于1904年，19世纪捷克著名民族作曲家。捷克，东欧国家，东面挨着斯洛伐克，南面接壤奥地利，北面邻接波兰，由波西米亚、摩拉维亚和西里西亚三个部分组成，美丽而安逸，具有浓厚的历史文化气息，人民彬彬有礼，丰富的名胜特色，历史掌故和风土人情，在这样环境成长下的德沃夏克，自幼就倾听故乡的民歌，学习小提琴。他作为捷克的音乐活动家，受到民族文化影响和西欧古典、浪漫主义乐派的作品影响，为了祖国的民族复兴，为了本国民族民间音乐发展，并开始积极从事创作。

二、《e小调第九交响曲（自新大陆）》

1891年德沃夏克获得了音乐学博士学位，1892年9月27日，德沃夏克踏上了美利坚合众国的土地，到美国三个月后，德沃夏克开始为一部新的交響曲起稿，美国音乐界的朋友希望他能够写一部代表美国精神的作品，1893年5月，《自新大陆》完成。同年12月在纽约首演取得了巨大的成功，“属于美国自己的交响曲”诞生了。

整首交响作品共四个乐章，受古典主义的影响，作品结构严谨，框架性强，由于德沃夏克具有音乐天赋，对于音乐旋律有丰富敏锐的观察力，所以作品具有很强的旋律性，这就是德沃夏克交响曲的独具一格之处。作品中用的配器，对于当代潮流虽然没有强烈反映，没有华丽炫技，但是民族意味浓重，简单朴实，所以他的交响乐曲不仅能够发挥各种西洋乐器的特性，并且运用合理，有意味深长的妙味。

三、作品中的民族音乐元素

（一）波西米亚音乐元素

在乐曲的第一乐章中，因为是奏鸣曲式，所以出现两个主题，乐章的引子由弦乐组、打击乐、管乐组共同演奏热烈而欢快的节奏，表现出美国人忙忙碌碌、紧张的生活。这源于他刚来到美国时，有合唱团和管弦乐团共同演奏欢迎他，人数不容小觑，这让他意识到，美国的繁荣与安然闲适的布拉格形成强烈的反差。之后的一个悲伤的曲调，采用民歌惯有窄音程和曲调反复的手法，在乐队宁静的背景下由长笛和双簧管奏出。居住在匈牙利边境有一个马扎儿民族，他们的民俗音乐便是他创作的根源，他把民俗音乐巧妙地运用到作品当中，使旋律产生了很强烈的震撼效果，并且旋律的发展也是围绕着这一个主题，作曲家已经离乡背井很久，对于祖国的思念使他无限惆怅，所以引用儿时他耳熟能详的民歌，来表达自己的思乡之情。

（二）《恋故乡》

第二乐章是整部交响曲中最为著名的乐章，已经被世人演奏了很多版本，主题就是表达其浓烈的乡愁之情，恰恰是得沃夏克身处他乡，对祖国无限眷恋之情的体现，木管组故意在低音位置共同吹奏出几个和弦，和弦的感觉是忧伤的，最后再选择一种独奏乐器吹出充满奇妙而浪漫的主题，这个主题是柔美的，充满无限忧愁的美丽旋律，之后被众多音乐家填上歌词，改编成了著名的歌曲《恋故乡》。

（三）美国黑人音乐

德沃夏克作为著名的民族作曲家，以民间音乐家的角度观察事物，在美国他很快注意到了黑人音乐，并且想要在这一类音乐的基础上产生属于美国的新音乐。在纽约音乐学院的作曲课上，他尽力把学生引向民族主义乐派，在第一乐章主题创作中复杂的节奏特点也是受到黑人音乐的影响。第二乐章中的旋律，源于在一次散步中，德沃夏克不经意走到了贫民窟，听到一段优美的歌声，女中音深沉而忧伤，这是一首黑人常唱的歌谣，是对家乡的追忆，优美、惆怅。

（四）“海华沙的婚宴”中的印第安舞蹈

海华沙，奥农多加部落印第安人的传奇领袖，根据传说，海华沙教会它的族人农业、航海、医学和艺术，使用他强大的魔法征服所有自然和超自然的敌人，西方人对海华沙事迹了解主要来自于美国作家朗费罗的《海华沙之歌》，作曲家从中选取“海华沙的婚宴”，用大量的舞蹈音乐，表现出印第安舞蹈的特点，由快而慢，又由慢而快，并且舞蹈不停旋转，音乐出现两个主题，第一主题轻快活泼，节奏跳跃，情绪饱满，第二主题活泼，清丽，富有五声调性特点，两个主题相互辉映，交融。

参考文献：

[1]周世斌.音乐欣赏[M].重庆：西南师范大学出版社，2007.

[2]章志光.心理学[M].北京：人民教育出版社，1984.

第九交响曲 第4篇

一、作品结构, 全曲共分为四个乐章

第一乐章。奏鸣曲式, 慢板, e小调, 4/8 拍子。乐章的引子部分由弦乐器、定音鼓和管乐器竞相奏出强烈而热情的节奏, 暗喻了美国那种紧张、忙碌的快节奏生活。乐章的主部主题贯穿了全曲的四个乐章, 其特性与居住于匈牙利和波西米亚境内的马札儿民族固有的民俗音乐具有共通的性质。这一特殊主题靠着巧妙发展, 转达了不同于以往音乐世界的“新世界”的消息, 具有强烈的震撼效果。

第二乐章。复三部曲式, 极慢板, 降D大调, 4/4 拍子, 复合三段体。这就是本乐章的第一主题, 此部分被誉为所有交响曲中最为动人的慢板乐章, 经常被提出来单独演奏, 其浓烈的乡愁之情, 恰恰是德沃夏克本人身处他乡时, 对祖国无限眷恋之情的体现。整个乐队的木管部分在低音区合奏出充满哀伤气氛的几个和弦之后, 由英国管独奏出充满奇异美感和神妙情趣的慢板主题。

第三乐章。回旋与复三的混合, 谐谑曲, 从“海华沙的婚宴”中的印第安舞蹈中得到启发, 舞蹈由快而慢地不停旋转。音乐有两个主题, 第一主题轻快而活泼, 带有跳跃的情绪;第二主题清丽、明快, 富有五声音阶特色。两个主题彼此应和、模仿。

第四乐章。快板, 奏鸣曲式。气势宏大而雄伟, 这个总结性的乐章将前面乐章的主要主题一一再现, 同时孕育出新的主题, 彼此交织成一股感情的洪流, 抒发了作者想象中和家人聚首时的欢乐情景。乐章的主部主题由圆号和小号共同奏出, 威武而雄壮;副部主题则是柔美、抒情性旋律, 由单簧管奏出。这一切经过发展之后, 形成辉煌的结尾。

二、作品特点

( 一) 和声布局。《e小调第九交响曲》以大小调功能和声为基础, 强调主调性和中心和弦的主导地位。德沃夏克始终选用稳定的调性和传统和声技法进行, 作品中大量使用了主三和弦, 突出了鲜明调式特点。

( 二) 清晰的织体。《e小调第九交响曲》中以简单的和声背景烘托出一条清晰的旋律线条。民族元素只隐约出现但与全曲完全融为一体, 向非捷克听众, 准确传达出捷克民族特点。德沃夏克所采用的复调织体经常使用对一个旋律片段的模仿来发展音乐, 使音乐保持了一定的内在动机。

( 三) 色彩配器。德沃夏克采用了传统的双管交响乐队编制:长笛、双簧管、单簧管、大管、圆号、长号、小号定音鼓、三角铁。作曲家最大限度发挥了乐器的音色特点和表现力。1. 弦乐器。《e小调第九交响曲》第二乐章的副部主题首先由长笛奏出具有黑人民歌特点的旋律, 然后小提琴用唱歌性的音色进行重复演奏, 使得这段黑人旋律得以充分体现。2. 木管乐器。德沃夏克使用长笛和双簧管, 既能演奏如歌的旋律, 也能演奏活泼的乐句。3. 铜管乐器。作者在本曲中运用了2 支小号、3 支长号和4 支圆号, 气势宏大, 具有强烈的感召性。4. 打击乐器。《e小调第九交响曲》各乐章的引子与结尾处多使用了定音鼓, 丰富了交响乐队的演奏音响。整首乐曲配器简约但色彩非常丰富。

《e小调第九交响曲 (自新大陆) 》是一部带标题的交响音乐作品, 不仅研究和借鉴多民族的音乐文化, 且运用纯熟的技巧创作了许多经久不衰的作品, 在它身上所表现的民族性是多元的、开放的。在《e小调第九交响曲》中, 作曲家利用浪漫主义表现手法将斯拉夫舞曲音调巧妙地融合于作品之中, 作为浪漫主义时期民族乐派的杰出代表性人物, 德沃夏克不仅继承了民族风格, 深刻地挖掘了民族音乐艺术宝藏, 使作品具有鲜明的民族烙印, 还将其民族的优秀文化展示给全世界人民。

参考文献

[1]许莹莹.德沃夏克e小调第九交响曲 (自新大陆) [D].硕士论文.

贝多芬《第九交响曲》第四乐章欣赏 第5篇

第一部分：一阵快板的大提琴中高音拉开贝9第四乐章的序幕，这个过程持续大约3个音节！然后就是低音大提琴的少数弹奏！并伴随着小号的间歇性吹奏，此过程持续3分30秒以上，该区间主要以低音和少数乐器的交错实用为主！直到第4分30秒才在大提琴的低音伴奏下音乐引出合唱主题，合唱主题的引出是在分贝接近于0时引出的，（贝多芬出色的变调技术和各个主题的衔接堪称绝对完美，这种感觉在反复欣赏的过程中愈发强烈！）贝多芬合唱（既欢乐颂）的主题在大提琴的低音伴奏下持续至少2分钟，该主题一共有4个周期性循环，大提琴低音在4个周期循环下慢慢升调，最后在长号的中高音吹奏下引出该乐章的第一个小高潮。高潮在持续1分钟后引出幽雅低沉的长笛遂再次进入短暂群体管弦乐的高潮，高潮很快停止，此时在接近于无声的状态下由男中音继续管弦乐的主题。至此交响乐成功实现了声乐和器乐的过度！该乐章三分之一的被完成！

合唱部分：在小合唱部分有男女高音的混合合唱，并展示了欢乐颂的局部大高潮，最后在类似于宗教式的合唱高音的叹悀调的庄严中趋于平静………………

第二部分：时间在罕见的平静中慢慢停滞，但不久便隐约听到铃声从远方传来，声音越发强烈，它是欢快喜庆的乐调，仿佛一年一度的圣诞节再次降临。男中音的合唱以及和弦乐的结合唱出了欢乐的希望，欢乐的气味弥漫在空气当中。然而由于作曲家超高的过度技巧音乐很快由欢快的气氛转变为弦乐高频拉弦所产生的难以附加的急迫与紧张！弦乐的狂风阴霾持续了85秒，接下来令人震惊的一幕发生了！

欢乐女神,圣洁美丽,灿烂光芒照大地.我们心中,充满热情,来到你的圣殿里你的力量能使人们清除一切分歧在你光辉照耀下面人们团结成兄弟.==== 该乐章进入了最为高潮的欢乐颂部分！

欢乐颂部分持续1分钟随后好像再次进入教堂叹咏调式虔诚的歌颂当中，200秒后，欢快的气氛再次点燃，女声合唱引领听众进入心灵的深处，她们给予所有人前所未有的安详！

在集体合唱的不断层起叠涌下音乐走向结束！

在演出前的排练过程中，又出现了很多问题。贝多芬的这部作品，确实是对乐团乐手的严峻考验，有不少段落演奏起来颇具难度，需要乐手有扎实的功底和优秀的技巧。而且《第九交响曲》也是贝多芬唯一一部引入人声的交响曲作品，其中一些高难度的段落令当时参加首演排练的歌唱家的表现不够完美，而使贝多芬恼怒。综合这些因素，第一次合练的效果很差，有人甚至建议贝多芬改动某些段落，以减小

表现上的难度。但是对艺术追求完美的乐圣坚持自己的理念，没有改动一个音符。为此，演出日期不得不一改再改。

演奏贝多芬第九交响曲时，正指挥由乌姆劳夫担任，贝多芬也手执指挥棒站在指挥台上担任副指挥。但是，耳聋的贝多芬不可能听见乐队和合唱，队员们盯着乌姆劳夫的指挥棒，贝多芬的挥挥棒只是在空中徒劳地划着圆弧。幸好随着时间的推移，排练逐渐有了起色，并且越来越好！终于，在1824年5月7日，维也纳凯伦特纳托尔剧院，《贝多芬第九交响曲》的首演音乐会隆重举行！这次演出可谓盛况空前，久违的欢呼、久违的热烈，重新回到贝多芬的周围。当整部作品演奏完毕之后，出现了很多令人惊异的场面，或许这是我们这代人一生都难以看到的音乐会场景——观众们近乎疯狂的鼓掌、欢呼，很多人留下了激动的泪水，人群不住的朝着舞台的方向拥去，人们被这恢宏的旋律所打动，已经顾不得礼仪。而作曲家本人虽然因为耳聋，已经听不到任何欢呼声和掌声，却依旧被这超乎寻常的热情场面激动得晕厥过去，一度不省人事……

如今距离1823年的首演盛况，已经过去近两百年了，但是贝多芬的《第九交响曲》和《欢乐颂》却成为了长盛不衰的经典作品。在这两百年岁月中，几乎所有的后辈音乐家、作曲家都被这部宏伟的作品所倾倒；更有无数业余的听众被这部作品所带来的音乐哲理、音乐气度所感染！因为这部作品，贝多芬成了神一样的人物，《欢乐颂》成为了人类历史长河中永远不灭的自由、和平之明灯。

虽然那都是历史，已是过去，但是歌曲还在，精神还在。在日常的学习、生活中，都会遇到这样或那样的一些挫折与困难，如何正确的面对这些挫折、困难？或许你已经从贝多芬以及他的作品当中，得到了一些启示……。

真心的希望我们每位同学都能够树立远大的理想，培养良好的学习心态，勇敢地去面对困难与挑战。用坚实的脚步走出一条成功的道路！

贝多芬 音乐作品集

交响曲C大调第一交响曲D大调第二交响曲bE大调第三交响曲（英雄）bB 大调第四交响曲c小调第五交响曲（命运）F大调第六交响曲（田园）A大调第七交响曲 贝多芬 F大调第八交响曲d小调第九交响曲（合唱）

协奏曲D大调小提琴协奏曲 贝多芬 C大调第一钢琴协奏曲 贝多芬 c小调第三钢琴协奏曲 贝多芬 bE大调第五钢琴协奏曲(皇帝)

序 曲 贝多芬 《科里奥兰》《莱奥诺拉》《菲岱里奥》《爱格蒙特》

其 他 贝多芬 G大调小提琴浪漫曲 贝多芬 F大调小提琴浪漫曲

钢琴奏鸣曲《悲怆》《月光》《热情》《黎明》《田园》《暴风雨》

第九交响曲 第6篇

一、“音”“画”的内涵

“音”是指作曲家采用自己的配器手段 (本文主要谈音色的组合) 所产生的音响效果, 而“画”则指音乐产生之前以及之后所产生的种种画面, 其中包括德沃夏克创作音乐时可能在其头脑中产生画面, 以及听众在听到作品之后可能产生的画面。

由于“音”以及“音”的运动具有表情性、模仿性、象征性等基本特征, 所以, 它会刺激人的大脑以及心理使人产生想象。想象无论是在“音”的创作还是在“音”的聆听中都是不可或缺的一个重要环节。

二、作品总的“音”“画”构思

《自新世界》交响曲中, 音画的结合是通过作者丰富的想象力表现出来的, 而落实到创作中时, 丰富的配器手法和独特的艺术构思是作者展现其丰富想象力的主要手段。

1、特意安排的浓淡构思

整个作品的四个乐章分别表达了作者不同的情感, 从对新世界的描述, 到对家乡的思念, 到对黑人的同情以及和他们友好的情感, 再到对未来的期盼。作者是怀着这样的情感来安排整个乐队的浓淡的, 所以, 第一乐章和第四乐章相对较为浓烈, 而中间两个乐章比较清淡。像这样浓淡布局的前后呼应, 是作曲家的特意安排, 他用浓烈的乐队来表现表现新世界的精彩, 又用淡淡的乐队来表现对家乡的思恋以及描述家乡的美好, 最后用越来越厚的乐队来表达作者越来越浓烈的回国欲望以及他越来越坚定的回国思想。

把四个乐章的速度和浓淡结合起来看, 我们就能够发现, 第一, 三, 四的速度都为快板, 但是在音乐的情绪和音乐的形象上却有相当大的差距, 所以, 对画面的想象, 才是作者安排浓淡的主要因素。

2、巧妙地安排乐器

或许是思乡的感情十分强烈, 也或许是民族精神十分强烈。总之, 作者在乐器的使用上采用的法国号和英国管这样具有一定象征意义的乐器来表达自己的情感, 也是整个作品相当杰出的部分。另外, 低音乐器, 如大提琴, 大管, 与高音乐器, 如长笛, 双簧管的相互交替像是在表达两个感情的极限, 却又感觉这感情表达得合情合理并能深入人心。

法国号圆润柔和的中音, 长笛双簧管清澈婉转的高音, 大提琴, 大管略显沉着的低音以及小提琴暗含忧伤的线条相互交织, 不断地穿梭来表达情感, 不仅不会使旋律单调反而让听众也会跟着丰富的配器充满无限的想象。另外, 作曲家是用不同的乐器呈示的主题来安排乐队的浓淡并表达音乐的情绪的。四个乐章都采用了这样的配器手法例如从低音独奏到合奏, 再到高音独奏, 再到高音合奏使乐队配器一步一步变浓, 音乐的情绪也通过这样的方式得到对比, 笔者认为这是配器十分独特的地方。不管是什么样的速度, 不管乐队的织体是浓还是淡, 主题乐器都十分明显, 主题的表达都十分清晰, 这也是作曲家利用他丰富的想象力, 把这么优美的旋律与乐器表现的画面结合起来的主要手段。例如:当所有的乐器加上定音鼓都作为伴奏来表现辉煌的气势时, 作者会选择用长号嘹亮的音色来表现主题, 这样, 不仅把音乐的情绪推向高潮, 音乐的主题同样会十分清晰。

三、乐章内部的音响点滴及听众的丰富想象

所有的音响都是作曲家丰富想象力的结晶, 有“画”再有“音”, 用“音”来反映“画”。这就能体现出作者所使用的音色组合的细致和具体。

第一乐章的引子部分的配器是十分精细的, 并且足以让人充满想象。音乐在低音弦乐上开始了, 接着大管出来, 当圆号的两个音出现的时候, 我们就可以展开想象了, 那是船开始启动, 作曲家要远离家乡的场景。接着, 长笛在高音区的音调, 仿佛远离家乡的一种心情, 十分具体, 十分形象。然后, 弦乐、整个乐队合奏、打击乐在强力度上依次演奏并不断重复的零星的音乐片段急促而有力, 仿佛是想表达一种不安的想象以及对新世界的恐惧。紧接着在低提和倍低提上出现的几个低音仿佛是一种冷静的思考。接着木管的高音与圆号、中提、大提的交织和对比仿佛是作者内心起伏的生活态度以及接着庞大的气势更是对这种态度的肯定以及一种积极向上的精神。这短短的前奏不仅制造了场景还缩现了整个音乐的精神内涵。同时, 在前奏了就体现了“音”“画”结合的思想。

第一乐章的主要主题首先在圆号上出现, 接着在双簧管上出现, 接着随着音乐情绪不断升华, 乐队越来越浓, 分别在弦乐和铜管上奏出主题变形。主部主题这样的安排让人可以想象成事对所有心情包括对祖国对新世界的一个整体的描述。接着乐队有渐渐变淡, 剩下木管的长音和弦以及弦乐来先现副部主题作为连接的时候之后欢快活泼的副部主题在长笛和单簧管上出现, 接着在第二小提琴上出现, 第一小提琴反而在高音区作为背景来营造氛围。音乐的突然变弱, 并在弱的力度上用独奏长笛那悠长的音色吹出优美的第二副部主题, 似乎在诉说着自己对祖国的思念。或许每一个配器细节都有作者自己想象以及特意的安排, 但或许, 作曲家也会想当听众听到作品并了解他的意思之后, 带着自己的想象和感情来欣赏音乐, 它的配器在情理之中, 但是你却可以深深的被音乐感动。第一乐章出现在我脑海里的画面像是作曲家来到一个新的地方, 对新地方充满的无限想象, 仿佛有美国的繁华, 也有捷克以及自己家乡的引子。这“画”是作曲家用“音”来表现表现情感的方式。

第二乐章的旋律是大家所熟悉的, 但是当人们听到交响乐队来演奏这个旋律的时候, 也不得不说这感情的表达与乐器的使用有很深的联系。英国管那柔和、圆润又并不张扬的音色来演奏旋律, 仿佛是一个人在倾诉自己的心情。或许英国管的使用和作者的性格有关, 也或许是为了借用稍具名族色彩的乐器来表达自己对祖国的思念。总之, 英国管得使用时十分具有意义的。第二乐章中间那稍微浓烈的第二部分似乎是感情的一个高潮, 不仅弦乐和木管的音比较密集, 同时还有铜管在不停地做节奏运动, 在这样的速度里面表达这样的感情, 不仅不过分, 反而能表现做着那种强烈的思乡情, 同时还能形成对比。最后, 音乐主题在英国管上再现, 接着由小提琴来演奏主题, 把作曲家那种思乡的情绪推向高潮。听这个乐章时, 你可以轻轻闭上眼睛想象着作曲家独自思恋家乡的情景, 或许还会引发听众的思恋。与情感保持一致的音响组合, 恰到好处且几近完美的乐器构思, 或许可以更好的理解作者的心情。木管似乎不是那么沉重, 但是当这个主题一次一次被重复, 并在不同情绪上重复的时候, 你几乎可以感觉到作者这种思恋情绪的变化。木管、弦乐、管乐似乎是分别在表达作者那不一样的思恋。这也是“音”“画”之间深刻的联系。

第三乐章是生动而急速的快板, 三拍子固定的节奏型, 明显的舞曲风格。但是整个乐章的配器比较淡, 显得有些轻盈, 并且主题清晰明了。长笛在高音区奏出那么悠扬的主题时, 其他的伴奏声部还是保留零星的音乐片段, 这样的结合不仅保留了音乐本身舞曲的风格, 还可以利用长笛来表达自己的感情。这个乐章可以理解为作曲家专为黑人朋友而作, 表达了自己对黑人朋友的同情, 同时也想念着同样处于压迫状态下的自己的国土。[2]另外, 三角铁的使用也是非常有特色的, 尤其在第三乐章使用三角铁, 那清脆, 明亮、充满童真的声音, 有可能是表达自己对祖国的回忆, 也可能是表达自己与黑人朋友的友谊。听到这样的音乐你可能会想象出作曲家和黑人一起舞蹈的场面。

第四乐章是整个作品的高潮, 是各个主题的融合。音乐首先在弦乐上奏出不断上行的旋律, 整个弦乐的合奏出来就使音乐显得很有气势, 接着, 整个乐队强力度上奏出的和弦引出了铜号演奏的旋律。作者使整个音乐磅礴的配器方式是:在不同的乐器群里使用不一样的节奏性互相催促, 铜管除了偶尔演奏旋律之外, 也一直在中音区做节奏支撑, 定音鼓的大量使用等等。整个第四乐章基本上就是在这样激烈的气氛之中, 中间也有极少的清淡的地方来作为对比。作者把这样激昂的音乐放在第四个乐章, 是因为作者坚定了自己回国的希望, 坚信自己的祖国会强大的爱国情怀。听到这个乐章, 可以想象到在不久的将来, 世界一片和谐、极其宏伟的景象, 作曲家用这样的音色组合来表现希望。

纵观整个作品的配器, 所有的方式都在情理之中, 但又都在想象之外。所以只有当听众带着想象, 带着感情去听的时候, 才会发现那么多精彩的细节。

四、“音”“画”之间的相互联系及影响

听完整个作品, 听众能产生丰富的想象, 无论作者是表达哪一种情感, 似乎都会有与之相对应的画面。大到整个音乐的浓淡对比, 小到每个乐章内部个别小节的音色安排, 都似乎在表达作者内心的情感, 以及那丰富多彩的画面。音色的组合虽然作为配器乃至整个作品的一个小部分, 但是却在表达情感以及理解作品上有着举足轻重的作用。作曲家可以通过自己的想象定格到某个画面, 然后用与之相对的音色组合把自己想象中的画面表达出来;听众则根据这些音响来产生自己的想象, 并根据音色组合的不同来想象某个具体的画面。“音”“画”的结合联系或许可以使作曲家的创作更加丰富, 更加独特。或许, 正是由于德沃夏克有这样的一种创作思维, 他才能做出那么精细的配器, 才能让人有那么丰富的想象。无论从宏观还是微观, 似乎各个想象各个画面之间都有其内在的逻辑, 似乎是以感情为基础的一幅交响画卷。■

参考文献

[1]秦子超《.爱乐—德沃夏克》.2009年第5期.中国出版集团

第九交响曲 第7篇

《第九交响曲》为全世界公认的交响乐领域的最高成就。它体现了贝多芬的个人思想和艺术追求, 成为人类崇高理想的标志。正如瓦格纳所说:“第九交响曲是贝多芬的颠峰之作我确信, 贝多芬之后, 任何人都无法在交响曲方面有所逾越。”贝多芬《第九交响曲》之所以会有这样伟大的历史地位和艺术成就, 原因是多种多样的, 如果我们对《第九交响曲》进行深入的分析和研究后可以发现, 它与辩证法哲学不无关系, 其中蕴含着辩证法的哲学理念, 无不体现出辩证法的哲学规律, 在此, 笔者用哲学辩证法对《第九交响曲》的结构进行分析, 对其中所蕴含着的辩证法的哲学规律进行研究, 以使我们对这部作品能够有更深的认知和感受。

一、贝多芬《第九交响曲》思想和历史背景

《第九交响曲》是留给后世的宝贵财富, 这部交响曲在许多国家都进行过演出, 对后世的影响不言而喻。《第九交响曲》是写给全人类的自由平等的宣言, 表达了贝多芬对理想世界的期盼。贝多芬对贵族一向是充满鄙视的, 他常常讽刺地说:“比我们的大人物更渺小的人应该是没有了, 他们是宫廷的奴隶, 而又想做人民的主人。”而当1815年维也纳会议以后, 欧洲的反动势力破坏了法国大革命带来的成果, 奥地利首相梅特涅以极端反动的血腥统治来镇压人民的时候, 贝多芬没有向黑暗势力妥协, 他憎恨统治阶级对人民的压迫。他曾经说过:“一年的自由比一百年的专制主义对人类有用得多。”他的这种反抗精神是伟大的。

贝多芬的作品具有为大众服务的思想, 他曾说:“我的艺术只应该为穷苦的人民服务。”他希望通过音乐来表达人们对和平和自由的愿望, 他用音乐号召人们通过克服重重困难来争取自由之路。

早在波恩时期贝多芬就已经开始对这部交响曲进行构思了, 他把德国诗人弗里德里希席勒的诗用合唱的形式完美的展现给了世人, 他曾经说过:“把席勒的《欢乐颂》谱成歌曲, 是我20年来的愿望!”伴随着激情的唱词和雄壮的旋律, 《欢乐颂》唱出了人们对自由、平等、博爱精神的追求和向往, 表达了人类追求自由的斗争意志, 并预示了最终的胜利人类必将得到欢乐、团结和友爱。

二、奏鸣曲式结构完美地演绎了矛盾发展的对立统一规律

第一乐章是 (allegro, ma non troppo, un poco maestoso) 稍稍庄严的不过分的快板, 2/4拍, d小调奏鸣曲式, 包含着抗争和悲叹两种不同的音乐形象。第一主题和第二主题的结构形式, 分别写出了英雄的形象与黑暗统治之间的矛盾斗争, 揭示了对立统一斗争的规律。第一乐章就是在对立统一规律的发展中, 反映出了矛盾的斗争性和统一性的辩证关系, 体现了事物发展的辩证法。

在呈示部开始的引子部分中, 弦乐组出现了A和E的震音, 用了纯五度的进行;第一小提琴、中提琴和低音提琴奏出下行五度和四度的进行, 形成了战斗的节奏, 预示着斗争的开始, 这应该说是暴风雨来临前的平静, 这样空洞的音响与主题强有力的出现产生了明显的对比, 这种由弱到强, 由平静到爆发, 给人以无比的震撼。而且引子部分的动机型, 在第一乐章各个部分都有所体现, 这个引子是全乐章矛盾斗争发展的序曲, 有了这个引子就为以后结构的发展做了铺垫。

主部主题由乐队的全奏而带入, 明确在d小调上。这个主题带有强烈的英雄气概, 表现了一种反抗的精神。而之后的副部主题, 在降B大调上出现, 表现了内心痛苦的哀叹。副部主题与主部主题相对应, 形成了矛盾的发展。在结构上体现出来的就是内部事物之间矛盾的对立统一关系。一切存在的事物都由既相互对立、又相互统一的矛盾组合而成。矛盾是事物存在的客观基础, 也是事物发展的内在源泉和动力, 在这里主部主题和副部主题揭示出的就是这种矛盾发展的源泉和动力。

副部主题表现的悲叹的情绪是短暂的, 英雄般的音调在其后突然出现, 打破了这种悲叹的情绪。这表明主部主题是主要矛盾, 而副部主题是次要矛盾, 在这样的主次矛盾中, 双方相互贯通, 相互联系、相互吸引表现为矛盾的统一性, 双方的互相对立又表现为矛盾的斗争性, 主次矛盾的发展, 构成了强烈的矛盾冲突, 产生了扣人心弦的音响效果。

之后的整个展开部, 都是围绕着主部主题与副部主题之间对立统一矛盾斗争的展开而发展的。主部主题与副部主题是一对矛盾统一体, 两种情绪始终处于又斗争又统一的对立矛盾中, 在这种矛盾的统一性和斗争性的作用下, 两种情绪在展开部中的斗争更为剧烈, 同时也推动了展开部结构的运动、变化和发展。

第一主题有两个展开段, 在结构中展开部中占有很大的比重。而副部主题只用了一个展开段, 因此副部主题所占的比重是其次的, 从这也可以看出那种悲伤和不满的情绪是短暂的。这说明斗争性和统一性在矛盾发展的不同阶段, 不同条件下的不同作用, 这个不同的作用中体现在结构上就是斗争性为主, 悲伤和不满的情绪为辅的特点。

再现部仍是以呈示部的引子开始, 但是改变了和声和配器形式。这是对主部主题的一种肯定。而副部主题改为在D大调上再现, 显示了斗争的明朗化, 哀伤的情绪被冲淡了。再现部的再现使主部主题得到强化, 副部主题冲淡, 这些特点也体现出斗争是起主导作用的, 而哀伤的情绪是起次要作用的。这里也可以看出它预示着英雄的斗争一定会取得胜利的结局。

从以上的分析中, 我们可以看出, 第一乐章奏鸣曲式的这种曲式结构, 本身就体现了矛盾是不可调和的、是持续斗争的哲学思想。通过曲式结构不断的运动发展, 再现了对立统一的斗争规律, 这非常符合辩证法的哲学原理。第一主题和第二主题之间的对立, 给我们带来了深刻的印象。再经过展开部的不断发展, 调性关系的对比, 使矛盾更加极具化。而再现部调性的一致, 又说明了事物的发展不但有对立, 在对立之中还存在统一的关系。主题的出现, 再到展开部的发展, 直到再现部的重新出现, 无不都是通过结构的展开揭露矛盾、发展矛盾, 直到最后找到矛盾解决方法的。通过第一乐章整体结构的设置和展开, 我们可以了解到:如何运用结构的技术去刻画矛盾的运动, 使音乐形象达到动人心魄的艺术效果。第一乐章就是通过这样的方法, 让我们看到了一种阶级的斗争, 同时也使我们看到了胜利的预示。

三、复三段式的大型谐谑曲呈现了继承和发展的哲学法则

第二乐章是 (Molto vivace) 十分活泼的快板, d小调, 3/4拍, 是一首庞大的谐谑曲, 复三段式。在这个乐章中, 贝多芬有意的运用了把传统交响曲第二乐章的慢板调换为快板;使用俄罗斯民歌牧歌式的材料;运用奥地利民间的“楞得勒”圆舞曲的节奏型;在同一材料中使用不同的技术手法展开回旋变奏等手段, 这些都表明了第二乐章中作者在作品中的继承与发展的辩证关系的哲学理念。

在传统的交响曲中, 第二乐章一般是慢板, 而第三乐章是小步舞曲或者是谐谑曲, 是快板。而贝多芬有意的把它们调换过来, 把第三乐章写成慢板, 这不但为第四乐章强的出现埋了伏笔, 而且还使第三乐章与第四乐章形成一种“抑”和“扬”的形态。这是贝多芬的音乐构思。

第二乐章的第一部分是奏鸣曲式, 主部的主题依然是d小调, 用赋格的手法, 弦乐组各声部出现主题和答题。这里运用了一种很有特点的节奏型, 类似奥地利民间的“楞得勒”圆舞曲的节奏型。副部主题在C大调上出现, 由于弦乐组采用“楞得勒”式的节奏型作为铺垫, 使乐曲得到了高度的统一, 而这个节奏型也几乎贯穿了整个乐章。

第二乐章的第二部分是回旋变奏曲式, 有一种俄罗斯民歌的味道, 一种牧歌式的主题, 充满了田园的风味。正如柏辽兹所说:“洋溢着明朗的, 十足乡村式的愉快情调。”

在主题插部, 用的是主题的变型。例如, 第一插部是主题的倒影, 而第二插部是主题的材料加以配器上的变化。贝多芬用同一音乐材料通过配器声部交换、音色的对比、五度移位、节奏模仿, 对位声部交换、改变配器手法、声部互换的技术手法进行反复的模仿, 在同一音乐材料的基础上, 采取不同的技术手法进行反复模仿, 这是贝多芬的特色。

通过第二乐章, 我们看到了贝多芬在结构的上很好处理了以上这些方面继承与发展的辩证关系, 显示出了继承与发展在音乐创作中的重要性。继承就是汲取前人的精华, 发展就是创新, 音乐作品本身就需要做到继承和创新, 继承是创新的前提, 创新是最好的继承, 没有继承, 就没有创新, 继承是为创新而存在的, 继承是手段, 创新才是目的, 没有创新, 继承也就失去了意义, 处理好继承与创新的辩证关系会给音乐作品带来无穷的动因和魅力, 在音乐创作的实践中, 很多音乐作品都是在汲取动机、素材, 技法, 结构等原有音乐材料上加以发展后形成的。这就是第二乐章通过继承与发展体现出来的辩证法哲学。

四、双主题变奏曲式在普遍联系中寻求结构发展的最大统一

第三乐章是 (Adgio molto e cantabile) 歌唱似的极慢板, 降B大调, 4/4拍。这是个双主题的变奏曲式, 这个乐章是思索的乐章, 是对生活的思索, 对苦难人民的同情。这种变奏的主题充分反映出了主题之间的联系。第三乐章是一个普遍联系的统一整体, 他通过第一主题的变奏、内部的扩充和变形, 第二主题的省略、再省略诠释了第一主题和第二主题内部的相互影响、相互制约和相互作用的辩证规律。第三章变奏的同时为第四乐章主题的出现还奠定了基础, 表现了节奏内部变化的普遍联系, 这就是第三章所表现出来的哲学辩证法。

第三章有两个主题, 但变奏主要是在第一主题上, 看起来是一种歌唱性的旋律, 体现沉思而忧愁情绪。在第二主题出现之后, 第一主题出现了第一次变奏, 这是个装饰性的变奏;第二变奏先由单簧管吹出, 法国号隔开两个小节进行八度模仿, 第三变奏的时候, 节拍变为12/8拍, 由木管组奏出主题, 第一小提琴奏出连续的16分音符, 非常的流畅。最后, 音乐突然出现了呼唤战斗的情绪, 但思索仍在继续, 这反映出了主题与主题之间、主题与变奏之间的内在联系, 根据主题内部的扩充变化, 第二主题的两次省略, 两个主题的变形, 通过变奏的运动变化, 体现出了结构上的普遍联系的辩证法的哲学特征。

我们还可以从变奏的过程中看出:变奏的形式是有内在联系的, 没有内在的联系也不可能有这样的变奏形式的出现。而这里的变奏使主题得到了变化和发展, 通过这些可以看出, 即使音乐主题反复出现, 我们也不会有单调之感。这就是变奏的魅力之处, 既肯定了主题, 又丰富了主题。而这里就包含了普遍联系的辩证法的哲学思想。

主题的一次次的变奏, 还说明了事物的联系具有客观性。联系是事物本身所固有的, 不以人的意志为转移。人们既不能否定事物的联系, 也不能把主观联系强加给事物, 人们可以根据事物的联系去改变事物, 然后再建立新的联系, 事物本身的内在联系体现的就是事物发展的自然规律。

通过主题这个内在的联系, 又体现了主题的统一性, 整个乐章通过主题紧密联系在一起, 形成不可分割的整体和高度的统一, 同时由于主题体现出来的内在联系的规律, 才使主题所展现的田园风格, 持续在我们的脑海里。这本身也是在建立联系。

第三乐章反映出普遍联系的辩证法的哲学规律, 对我们的音乐创作应该有所启发, 正确认识音乐创作中普遍联系规律, 正确把握其中的内在联系, 在内在联系的基础上, 运用作曲技术手法来创作我们的音乐, 才能提高创作者实践活动的自觉性和预见性, 创作出富有现代意义的精品来。

五、《欢乐颂》的主题在否定之否定的辩证规律中得到矛盾的解决

第四乐章是全曲最辉煌的部分, 这个乐章给了人们最深刻的记忆。而在创作的时候, 当时的乐曲结构和表现形式已经不能符合贝多芬的需要了, 所以, 在这里他加入了人声合唱, 这在当时也属先例。这个乐章大致可分为两个部分, 第一个部分是通过对前三乐章回忆的否定, 而达到的对主题的肯定, 欢乐颂的主题在此出现。而第二部分是用不断变奏的形式对欢乐颂主题的肯定, 这是一种深化的过程。正因为这样不断的变奏才使主题深入人心。永远不变的, 静止的事物一般是不会给人以深刻印象的。不断的变奏扬弃了不需要的东西, 发展了合理性, 实现了主题变奏的自我完善。经过否定否定之否肯定的规律演变, 而出现并叙述出来的欢乐颂的主题, 揭示了主题结构发展的总趋势, 也展现了发展是前进性和曲折性的对立统一的哲学理念。

首先是引子以一种强烈震撼的音响开头。紧接着是大提琴和低音提琴演奏的宣叙调, 而这一段, 原本贝多芬是要用声乐来表现, 在他的原稿上的歌词是这样的:“不, 这将使我们想起绝望的时候, 今天是胜利的日子应该用歌曲和舞蹈来庆祝。”但是贝多芬没有用歌唱来表现, 这是很有哲学性的, 他一定要把最想表达的内容的放到最合适表达它的地方。

在这之后, 出现了对前面三个乐章的主题的回忆, 但是只是一闪而过, 每次都被宣叙调打断。第一乐章的主题出现之后, 宣叙调的歌词是:“不, 不要这个, 要别的更愉快的。”当然, 这里的歌词还是被贝多芬删掉了;第二乐章的主题被打断之后的宣叙调的歌词大意是:“也不要这个, 这只是戏谑, 要更好的、更高尚的”;第三乐章主题之后, 宣叙调的大意:“这还是老样子, 太伤感了, 一定要找出一些强有力的东西, 我想, 还是让我唱给你听吧, 但是要请你应和着我”。对三个主题的回忆不断被宣叙调所打断, 表达出内在矛盾引起的自我否定, 否定使主题不断处于自我扬弃的状态, 主题的发展正是通过它自身的辩证否定规律来实现的。

大提琴和低音提琴的音色是深沉而有思想的, 他在这里是告诉大家不要一味的回忆过去, 而是要有新的未来, 而这种新的未来又是什么?这就是欢乐颂, 所以随后紧接着出现了欢乐颂的主题。主题从弱奏一步一步渐强到强奏的过程, 就是否定之否定的过程, 最后变为了对《欢乐颂》主题的肯定。事物运动全过程都必须符合否定之否定的周期性规律, 只有这样才能使矛盾得到的完全解决。《欢乐颂》主题的出现说明事物的发展就是一个过程连着一个过程的周期, 过程的更替就是要通过否定之否定来实现。在主题一步一步发展的长链条中, 否定之否定规律揭示了事物发展的趋势和道路。需要特别指出的是:否定之否定后的状态并不是原有的肯定的状态, 而是一种螺旋式上升的“扬弃”。事物发展的总趋势是前进的、上升的, 而道路却是迂回曲折的, 这也是一个否定之否定的过程。正由于存在对前面三个乐章主题的否定, 才会有《欢乐颂》主题肯定的出现。贝多芬在处理《欢乐颂》主题高潮出现的时候, 经过了不断的否定之否定的过程, 才终于迎来了主题高潮的到来, 人们在高潮中体验到了胜利的喜悦, 也感受到了这部作品强大的震撼力。

第二部分是合唱与乐队的混合表演形式, 这部分就是对《欢乐颂》主题的变奏。这里是用不同的表现形式强调主题的过程, 是对主题一步步的加深。这是全曲矛盾斗争发展的集中体现。在对立统一的矛盾运动过程中, 《欢乐颂》主题经过合唱部分的不同演唱形式的变化, 以变奏体的方式结束了终曲。使《欢乐颂》主题更加深入人心, 最后给人以十分完美的音乐体验, 同时也把人们带入到了一个人类必将得到欢乐、团结和友爱的伟大胜利的境界之中。

根据以上的分析, 可以看出, 《第九交响曲》在演绎作曲家思想内涵的同时, 在结构上也体现出哲学辩证法的客观规律。它通过对立统一的矛盾铺垫和展开, 在继承与发展的基础上, 紧紧抓住结构的内在联系, 不断的经过否定之否定的探索, 展现了作曲者辩证法的哲学思维。《第九交响曲》这部音乐作品的创作遵循了辩证法的哲学规律, 这也是这部作品成为艺术珍品的最为重要的原因之一。我们通过对这部音乐作品中蕴含着的辩证法的哲学规律进行分析和研究, 目的就是使我们能够更加深刻的理解这部音乐作品的思想内涵, 更加懂得它具有如此之高的艺术成就的原因, 更加明白这部作品的伟大之处。同时, 也通过研究和分析《第九交响曲》所表现出来的辩证法哲学规律, 给我们现代音乐创作一些有益的启示。

参考文献

[1]《西方音乐中的文明》, (美) 保罗·亨利·朗, 顾连李等译, 贵州人民出版社, 2001年

[2]《简明牛津音乐史》, (英) 杰拉尔德·亚伯拉罕, 顾犇译, 上海人民音乐出版社, 1999年

[3]《西方音乐通史》, 于润洋主编, 上海音乐出版社, 2004年

[4]贝多芬《第九交响曲》的音乐结构分析, 毛青南, 《音乐探索.四川音乐学报》1996年第3期

[5]《大型曲式学》, 柏西·该丘斯著, 人民音乐出版社, 1982年