创作与教学范文

创作与教学范文（精选12篇）

创作与教学 第1篇

而作为高校中开设的壁画专业, 正是在这样的时代背景下开创并不断发展起来的。这门古老而又年轻的艺术正在无时无刻地体验着古与今、传统与现代之间的相互转换。

说到“古老”与“年轻”, 壁画艺术是矛盾的。壁画是人类绘画史上最原始, 也是最古老的艺术, 在中国古代绘画盛世最辉煌的时代, 壁画艺术就代表着这其中的鼎盛成就。但随着时代发展, 壁画艺术非但没有延续这种辉煌, 反而是近百年来逐渐衰微的一个领域。

当代壁画创作与教学的再度兴起, 则是对壁画艺术的复兴承担着任重道远的历史使命, 我们必须对悠久的民族壁画传统进行传承, 更需要对世界各国的壁画艺术博采众长。更重要的是, 在当代, 要深刻地认识到当代壁画的公共性, 将公共环境作为当代壁画创作的首要前提条件进行创作, 这将对创作出具有我们中华民族特色并富有时代精神风貌的壁画艺术大有益处。

我们说, 每一种艺术表现形式的教学实践, 在教学方法的环节上, 都会体现出教学者对绘画语言的认知水准和文化审美的价值取向。壁画艺术特有的生命力在教学中体现为是与多门类艺术学科相结合的综合性造型艺术。而如何在壁画艺术教学实践中, 引导学生逐步形成自己的物象感受方式和自身的造型审美特点, 是教育者在教学之初就应该整体把握并贯穿于整个教学过程中的, 同时, 开阔学生多角度的文化视野, 着重培养学生丰富的艺术创造想象力也是艺术教学的重中之重, 这些教学要素都应当在教学实践中得到体现。

壁画创作教学是壁画专业学生经过基础知识学习后进入创作阶段的一个重要课程, 在教学中除了常规的讲授画面构成、色彩、表现形式等基本的绘画要素之外, 创作理念的渗入, 创作思维的启发, 同样是至关重要的, 其重要性甚至超过了之前提到的元素, 对壁画创作教学起到一定的决定指导作用。

然而, 在传统的壁画创作教学中, 却往往重画面而轻环境。也就是说往往只是单纯地从作品画面入手来进行创作教学, 在教学中只是脱离创作环境单纯地强调画面构图、画面色彩、表现形式以及运用材料等, 而对于壁画创作中“公共性”这一重要特点却往往忽略, 或是在教学中强调不够。

我们知道, 创作一幅壁画作品, 要考虑的因素很多, 采用什么题材、构图、表现形式和画面材料等, 但是这些并不是由艺术家或者画面本身决定的, 而是由壁画作品所处的公共环境决定的。也就是说, 当代壁画创作的“公共性”决定着“艺术性”。在实际的教学过程中, 教学者更多的是从画面的来谈创作理念, 而脱离创作环境, 忽视公共环境, 并没有强调“公共性”在当代壁画创作中担当一个怎样的重要角色, 这在壁画创作教学中是有失偏颇的。

如果教育者本身对壁画的概念都知之半解, 理解不够透彻, 何以做好教学者应尽到的传业、授道、解惑的义务和职责, 而这样的观点往往更会让学生们进入到一个不可逆转的误区, 以至于他们在大学四年的专业学习之后, 依然对有关壁画的特性、概念和壁画的创作思维、创作理念产生模糊印象, 对问题知之半解, 不知所云, 这也将严重影响到我国高校年轻的壁画专业的发展。

在当代, 高校壁画艺术专业中的创作教学应该不断优化教学方法、授课形式, 尤其是注重教学观念的更新与提高。否则, 如果对一些基本概念的模糊和不明确, 将导致教学目标要求上的不明确。同时, 也会让壁画专业在教学上与其他架上绘画专业教学无本质上的区别, 从而让学生逐渐丧失了对本专业学习的热情以及对壁画专业的正确理解和认识, 这将是我们作为壁画教育工作者不愿意看到的, 同时这也不利于壁画艺术专业的教学发展, 失去了它应有的特色和魅力,

我们应该意识到, 壁画艺术是公共环境艺术, 它的公共性决定了壁画艺术创作是为公共环境服务的, 这是壁画构思的出发点。它必须有与广大公众可以交流的语言, 必须有从精神方面展示环境空间的功用目的和文化内涵的作用, 它赋予建筑环境空间以生命和灵魂, 在创作之初就应该整体考虑到建筑环境空间的特色、风格、材质、色调等问题。这是当代壁画创作的时代要求, 同时也是壁画教学的根本。

在20世纪之前人们认为的“公共艺术”还只是在共有的空间中设置雕塑等艺术作品而已, 人们开始谈论和关注公共艺术的概念, 也只是把公共艺术理解为对城市环境的“美化”和“补充”, 并没有作为一个独立的概念进行广泛的研究。现如今, 越来越多的人意识到“公共艺术”已经渗透到人们日常生活的路径与场景, 随着城市建设的发展, 我们应该认识到“公共艺术”不仅仅是物理空间的城市公共空间艺术品的简单摆设, 而是人类的行为与精神需求。一件公共艺术作品的完成是由人、艺术家、环境、时间、空间等综合的判断、感知所形成的, 公共艺术是通过物化的精神场景和一种动态的精神意象来引导人们怎么看待自己的城市和生活的艺术形式。

目前, 国内的公共艺术发展, 其理论和实践的构建都还十分不成熟, 公众对公共艺术创作发展的关注度依然不高。但随着中国经济的快速发展和城市化进程的加快, 以及各方文化艺术交流的频繁, 政府和社会公众已经开始更多地关注公众生活的权利和义务, 关注生存环境的持续发展, 所有的这一切都为公共艺术的发展创造了良好的机遇和环境。总有一天, 当代壁画创作的“公共性”和“艺术性”将得到充分的关注和发展, 这也是中国当代壁画创作发展的根本原因和直接动力。

纵观中国古代壁画的辉煌成就, 敦煌、永乐宫、法海寺这些代表着中国古代最高水平的壁画作品, 其构思之精绝, 气象之宏伟, 造型之独特而完美, 至今仍让世人叹服。这些国之瑰宝所显示的文明气度, 技巧的精湛以及画家们面对墙壁信手挥写的自信力, 都让我们不得不思考, 在那样悠远的岁月, 简陋恶劣的条件下, 何以产生如此不朽的力作?我想, 只有一种解释, 就是先贤们对待艺术如同对待祖神般神圣的情感, 这是一种精神, 一种敬畏, 甚或是一种信念, 一种信仰。而在西方, 像米开朗基罗那样的艺术巨匠, 是在调动他们身心的全部, 用他们的生命在创作, 在他们的世界里, 如此的忘我投入, 生命与信念都化成一种动力, 仿佛自己就是上帝, 正在主宰和创造世界。只有具备这样一种全身心投入的创作状态, 当然还有罕有的勤奋, 超人的毅力, 忘我的劳动, 才能出现这样的艺术巨人, 才能创作出这样的宏构巨制, 而这些恰恰是我们许多当代艺术家所缺乏的。

如今, 远在西域的敦煌成为每一个艺术家朝圣的境地, 西斯廷大教堂俨然已经成为米开朗基罗个人艺术的纪念碑, 壁画本身的文化影响力超出了地域与空间, 也超出了宗教的含义, 他们都成为了全世界人类共同接受的文化宝藏。这也许才是我们当代壁画创作与教学中最需要思考的问题, 我们要呼唤和培育一种精神, 一种情结, 一种理想, 这种思考对于我们在美术学院从事壁画创作与教学的人们来说, 其意义和影响是深远而广阔的。

《散文创作与教学》的学习总结 第2篇

散文是与诗歌、小说、戏剧并称的一种文学体裁，自古以来，散文就被历代文人所钟爱。如今在我们初中语文课本里就有很多散文。散文该教哪些内容，如何教，又怎样指导学生写好散文，一直以来是我困惑的问题。而这次培训中，《散文创作与初中散文教学》让我学得不少知识，现在就把这次学习心得总结如下：

首先，我明白了散文根据内容和性质可分为四类：叙事性散文，抒情散文，写景散文，哲理散文。在教学散文时要根据性质内容不同而有所侧重：叙事性散文偏重于些人叙事，教学时就要注重理清事情的来龙去脉和人物的性格特点；抒情散文注意教会学生体会作者的思想感情；写景散文则是注重作者优美语言的品析；哲理性散文则是偏重于文章中蕴含的深刻的道理的探讨。

其次，在以前教学散文时，我没能注意散文的格式，在教学时只是带着同学们感知课文内容，品析文章语言，感悟作者情感等。在这次学习中我明白了散文的教学内容应该是作者个性化的语言表达、语句章法以及作者所见所闻、所思所想的独特的情感认知等。而散文的教学策略应该是整体把握文章的意蕴和气脉，在这里首先要品析文章和寻找关键词；接着要入境，去体验那个有活气和生命的世界，只有学生进入了作者描绘的境界，才能与作者产生共鸣；再次要还原，要学会领会作者微妙而独特的内心世界，深刻理解作者的情感，进入作品；最后要填入，也就是教师介绍与作者、作品有关的资料，引导学生从含蓄隽永的文字，直视作品的中心，把握作者内心的微妙世界，从而全面的了解作者、作品。

再次，在这次学习中有幸听到了周国平老师的“与中学生谈写作”，更是受益匪浅。一直以来，学生都不喜欢写作文，更不能把作文写出色，我也是束手无策。但现在我知道了学生要想写好作文首先是应该多读书，读好书。现在的学生不爱读书，特别是一些经典著作，这就需要老师的及时引导，可推荐学生多读一些名家作品，或是读者、意林、文摘这些优秀的杂志而且在读书时要激发自己的创造力，不能只读，还要独立思考，有自己的独特的体验，同时积累足够的语言；平时要注意观察，留心身边小事，并勤于动笔，把自己的所见所闻所感及时的记录下来，可以以日记的形式，这样就可以积累足够的素材。做好充分准备后，就进行实际写作，还要注意不要人云亦云，写自己喜欢的、感兴趣的东西，要做到语言质朴平实，不要刻意雕琢，更不要弄虚作假，同时文章语言要简洁，要养成惜墨如金的习惯。此外，教师也要积极写“习作例文”，下载范文也可以，给学生一个提示，让学生知道怎样盘点自己的生活经历，怎样组织材料，怎样去突出中心，怎样去运用语言。

浅谈诗歌创作与教学 第3篇

关键词：诗歌 创作 教学

中图分类号：G71文献标识码：A 文章编号：1674-098X（2013）05（a）-0186-01

诗歌可以化作雨露滋养我们的心灵，诗歌可以成为信念让我们的生活变得幸福，诗歌可以是太阳，让我们的世界变得温暖，诗歌是一个时代的印记，诗歌是一个社会的记录，诗歌是一个人生的诠释，我们可以用诗歌来撼动天地。

如果你是诗人，就要用诗歌释放自己的情感，用诗歌表达自己的观点，用诗歌来描绘我们的时代。用诗歌来向社会传递出正能量，歌颂时代的辉煌。

作为一个诗人，我们要为读者来写诗歌，要为学者来写诗歌，要为我们自己来写诗歌，诗歌可以是文明的载体，可以是赞美的方式，可以是智慧的表现，可以是社会发展的痕迹，我们要写出能够沁入人心的诗歌。

那么，如何进行诗歌创作与教学呢？下面谈谈本人的一些感受。

1 学会欣赏诗歌、感受诗歌的魅力，是教好诗歌必要的前提

诗歌教学既可以让课堂的氛围变得和谐快乐，又能够向学生传递知识，用诗歌的优美来武装他们自己。

诗歌赏析就如同在细细品尝一道美味的菜，各人有个人的爱好和口味，酸甜苦辣样样都有人爱。当我们吃菜时，有人会偏向于甜食有人会偏向于辣菜，口感上的喜好也是各不相同，脆的、软的、弹的、硬的各有各滋味。而诗歌的鉴赏也是如此，正如有人喜好优雅古朴的，有的喜欢自由奔放的，有的则是喜好富有现实意义的，当然浪漫爱情的喜好的人也很多，从诗歌的形式上来看，有人偏好建筑美，有的喜欢音乐美，有的喜欢画面美，有的则是喜好抽象的。从语感来说，有的诗歌慷慨激昂，有的诗歌温婉，有的时抑时扬。诗歌的风味百般，各种滋味都有人爱，这也是诗歌艺术引人入胜的原因。

诗歌赏析我们有很多需要注意的地方，一方面我要能够坚持文艺服务于社会的理念，另一方面我们要坚定纯文学的品格审美；诗歌的作用除了要能够表达作者的思想，还应该要让阅读的人能够感受到诗歌的美和魅力，通过美来宣扬作者的精神和心灵，为读者坚定信念；诗歌要能够想民之所想，说民知所说，以文学艺术的方式来表达大众的想法，能够和大众产生共鸣；诗歌是用优美的语句来唤起读者逐渐淡薄的情感；诗歌是能够净化读者的心灵，提升他们的精神境界；诗歌是哲理的载体，是信念的载体。以文艺来为社会服务，以文艺来推动社会发展，以文艺来感化人的内心，关怀民众。歌颂民主、歌颂生活，为发展、和谐、繁荣喝彩，为维护公平、正义担当。

2 诗歌是文化品格的载体，富有自身的特点

以诗传情，以诗明志，诗歌是语言的延伸，是艺术化的语言。抒情的诗歌有多种情绪，赞美、劝谏、讽刺，还有咏物。

赞美的诗歌，语气措辞都是褒扬的，能够感受到其中的情感真挚。

劝谏的诗歌，旨在让人懂得辨是非、知好坏，具有教育意义。

讽喻诗，情感分明，爱恨表达的非常明显。

咏物诗是对事物的描绘，需要作者能够深入的了解事物，观察事物，以细致和细微的描写来深刻的描绘事物。

诗歌属于文学作品，所以文学作品所具有的内涵，诗歌也必须具有，文学作品所肩负的责任，诗歌也必须负责。文学等同于人学，是透过文学表达方式来展示时代特征和时代情感，是以美的形式来向人类传递情感信息，所以文学作品都很优美，都具有其特殊的内在意义，能够从中寻找到人生价值取向。诗歌创作约束很多，形式和内容都有相应的要求。面对诗歌创作的一些弊端，要直言不讳，敢于纠正。诗歌创作要心系国家百姓，要关心诗歌的未来。

诗歌需要让读者能够获得画面感，透过文字来获得视觉效果，想象力要丰富，不需要拘泥于框框内，要能够跳脱束缚，独具一格。诗歌要富有节奏感，犹如优美的旋律，让人久久难忘，这样才会有韵味。语言的分行排列不等同于诗歌。诗歌的创作需要实践来丰富，需要批评来成长。可以跳脱赋比兴的约束，但是诗歌的形式必须存在，我们鼓励诗歌创新，不提倡形式的思维僵化。

3 诗歌是作者情感、经历和思想的综合体，具有深刻的含义，是构筑在生活之上的

诗是心灵的传递者，诗是心灵的净化者，诗是生活哲理的体现，诗是生活的积累，是情感的宣泄，是思想的奔放，更是人生观的展现。诗歌是对过往经历的回顾，是对生活的顿悟，是一种正是的情感表达和流露。

意象美和意境美是诗歌的两个精髓，诗歌的诗句容易诵读记忆，诗歌的意境让人久久回味。诗歌的创作体现了诗人的个性，但是不代表诗歌就可以脱离社会责任的范畴，诗歌应该是以社会多数人的接受为大前提。形、意、情、象共同构建了诗歌，诗歌创作我们要避免口号式的无意义内容，语句精炼，能够表达中心思想。

对诗歌的学习也应该是比较个性化的行为。但我们的文学教育往往更注重主题开掘教学。建议充分利用图书室（馆）、阅览室和多媒体网络，解决文学教育教学途径问题。这样也可以解决文学教育中以人为本问题，真正成全“鱼在水中游，鸟在天上飞”，充分体现人本互动、人机互动。还可以举办诗歌朗诵会，注重传统文化传承，如传抄唐宋名句；也可以抄写当代名句，形成诗意教学的大课堂。

4 诗歌创作要遵循课堂教学与自主创作相结合的原则

诗歌创作离不开“用心”去抒写。用心，你就会发现：我们的生活是丰富多彩的，生活本身就具有强烈的艺术感染力。只要你能带着诗人的情怀，去积极参与生活，在参与中感悟、欣赏、创作，全身心地投入到生活、创作中，自觉发挥聪明才智，你就会为历史、为社会留下艺术的记录。能用“真诚”与“可爱”的艺术去抒写胸怀，塑造灵魂，表达对高尚的追求，对未来的向往，就是让自己的作品体现美的品格和力量，就是自觉树立家国情怀，就是不辜负时代对我们的厚爱。

诗歌教材是情感、价值、审美态度的载体，是教学的工具和样板。因此，应当重视、尊重教材本身而不拘泥于样板。如果你能用心聆听生活中的声音；用心阅读社会上的财富；用心感悟和享受学习、创作的快乐。眼中有色彩，心中有世界，加上自己独特的悟性、灵感参与，你才有可能纵情抒写自己的家国情怀，你也有可能创出新的时代经典。

浅析油画写生与创作教学 第4篇

谈及油画写生,我们必先追溯油画。油画诞生于15世纪欧洲,最早由凡·爱克兄弟俩创造了油画材料,他们首先使用油调和颜料作画,使画面的表现力产生一种全新的效果。这样的绘画方法此后风靡全球,西方早期很多社会名流人士都参与油画学习和探索中,对其发展有很大的推进,也足以见得油画艺术的魅力。当然,油画艺术的传播和发展还要归结于文艺复兴时代的推动,在文艺复兴期间画家改进原来的油调和颜料材质,开始使用亚麻油调和不透明的颜料在特殊的画布上描绘,更加凸显画面的真实感和立体感。画家根据不同的颜料以及上色顺序的不同,由深入浅地调色,使得人物的形象更加生动、活泼。通过对油画起源的认识,我们开始认识油画艺术创作。油画作为一门自然科学,它跟其他的自然科学不同点在于,它是感性和理性的统一。画家可以通过自己的想象力结合事物的特征以及环境特点,描绘出深层次的画面,因此也诞生出了各种油画绘画风格,如印象派、抽象派、野兽派等,这些不同的绘画风格都是画家在追求人与自然的融合。通过对油画理论的学习,深刻领悟到油画课程的教学方法,通过对油画课程的学习和探索,深入了解绘画艺术的魅力所在。

对于写生的定义非常广泛,目前公认的写生是一种面对客观事物的直观描绘方法。写生所描绘的对象可以是人物、风景,可以是动态景观,也可以是静物。可以说,写生是油画艺术不可或缺的重要组成部分,油画艺术的进步必然会带动写生艺术的进步和发展。

2 油画写生的目的

油画艺术的发展已经几百年的历史,画家在学习油画的道路上坚持不断探索与领悟,自古以来的画界巨匠无一不是从生活开始思考问题的,通过长期的技法演练和对美感的领悟,融合了自身的创作灵感,超脱自然形体的羁绊,将画师的情感注入作品中,使作品富有生机。教学过程当中,笔者发现不少写生都采用照相手段,通过照相技术采集样本,然后回画室对相片进行描摹绘画。显然这种方式加速了我们原有写生的速度,使得我们的写生过程更轻松。但是,长期依赖照相技术的写生并非真正的写生,照片的参考价值和画者自己身临其境去感受自然带来的冲击是两个完全不同的概念。一味地对照照片做画,只会使得油画创作更加僵硬化。

梅洛-庞蒂提出建立在“知觉”与“身体”上的美学,可知身体“同时是能看的和可见的”。他强调“知觉的首要性”,其指出“(知觉)让我们始终保持与世界的原初关系,对世界保持惊奇的姿态,而不是到处套用某种理智模式,并因此让世界祛魅”。①“知觉现象学”表明建立起人与世界的连续性关系。我们把身体类比镜子,万物在自身内部原封不动地映现出来,这也是身体具有的功能。存在即合理,自然即色彩。写生,很大程度上是身体在自然中寻找色彩,写生都能很好地与自然发生关联,也是体验色彩的最佳方式。有意识地加强写生在创作中的自身感受,通过对身体与自然生活中的感受兼用油画技法,表达艺术源于生活、高于生活。

马克思的唯物辩证法深刻揭示了每个人对于事物见解会随着内心情感的变化而变化,而内心又受到外界因素的影响。画家通过对事物的观察与了解,将自然与生活融入自己的绘画创作中,就会产生多种不同风格的艺术创作,那些风格不一的艺术作品就是画家思想认识的真实写照。

显然,油画与写生是“灵与肉”的结合,写生目的是探索和积累绘画语言,写生是强化人们对于生活和自然的态度,写生是画家创作的源泉。油画创作离不开正确的写生,写生的不断探索和素材的搜集,必然推动油画艺术的进步。

3 高校油画写生教学现状

3.1 油画写生教学重技轻艺

我国油画教学早期受苏联艺术教学影响呈现过于机械状态,使得我们对于油画的认识过于单一化、表现化,更无法真正领悟到写生对于油画创作的真正意义。长期以来,写生教学的目的一直存在误区。目前调查的情况显示,我国高校内部教师对于学生的油画教学方式相对单一,高校的油画教学中,写生强调的是技法的传授,基本上是以老师的审美摆置模特,设置好场景,然后学生再现描绘。中国古典审美延续当代,是中国美术界的结构性痼疾,审美掩饰了问题。描摹具象的审美普遍都作为教学考评的重要规则,这种现象在很多美院高校都常有出现,从外表造型、色彩和笔触等技法方面考量学生的作品,往往会让学生在油画学习中重视技法,而忽略了油画的艺术创作思维。

明确油画创作的训练通过研究色彩的基本规律之上的不可重复性,强调个人感情抒发。对此,油画创作教学,教师要引导学生通过对客观事物的全面认识,不仅仅是再现描绘的“写生”概念,更应深入对自然物象造型与色彩的认识与把握,通过对已经掌握的艺术表现技法的反复推敲,融合主观感性与客观理性的统一,以获得能自由驾驭油画创作实践的能力,最终呈现出富有生命力的作品。

写生是油画教学的基础,如果没有平时的油画写生训练就无法撑起后天的油画创作的艺术架构。高校对油画的教学,需要摒弃重技轻艺的写生教学模式,需要我们对写生目的重新正确探索。

3.2 传统油画写生教学思维单一

正如黑格尔所说,“真正的创造就是艺术想象的活动”,因为“艺术不仅可以利用自然界丰富多彩的形形色色,而且还可以用创造的想象自己去另外创造无穷无尽的形象”。高校的油画写生课程中,主要是教授油画写生的各种技法,然而教师自身亦有无法突破的油画创作瓶颈,从而很难对学生的作品进行正确的引导。长期以来的对照写生模式,束缚着学生的创造性思维和对艺术的嗅觉。能动性的想象力是对油画创作艺术的最好诠释。高校油画写生教学应该采用自主创作教学模式,放弃传统的技法训练模式,使学生摆脱以前的一些习惯画法,大胆创新,培养艺术创作思维方法,鼓励学生探索自己的绘画语言,注重强化写生感受,使写生与油画创作迈入一个新的台阶。从写生教学中要不断地给学生强调,我们不是在表现人、静物、建筑等,我们在表现美,用身体直接体现于油画表现生活的寓于世界中的生命活力。这个生命活力就是绘画者的感受和创造性。

油画创作是个创新思维培养的过程,一个开放的观念。通过对写生正确的学习拓宽思维,把握写生教学的本质。

高校油画教学在教学内容、方法上也寻求积极的改革探索。现在高校的油画写生更加注重学生的创新性思维方式,注重对油画语言的学习同时培养学生的符合时代的审美观念。那么首先我们需要面对的是在写生中我们如何观察事物。瑞士著名雕塑家和画家贾克梅蒂也说过:“绘画只是一种看的方法。”思维的方式不同,对事物观察的理解也大相径庭,草间弥生由于自身体的原因对世界的认识是网点线的,梵高亦是。优秀的作品都是独一无二的展现,观察要结合画者的认识与把握世界的能力,要用辩证的观点看待事物。在油画写生中,我们可以采用另一种教学思想。将其原本事物的造型与意境相分离,通过对造型的不断深化打造,从而超脱原本的事物。深入观察事物的特征结合画者对于事物的主观感知,强调画者与事物的认知和沟通,重新对事物进行重组,运用独具匠心的艺术表现手法重新创造出一个凌驾于真实事物之上的理想事物。

思维是观察世界的直接反应,是物质世界与精神世界的统一。因此,在油画创作教学中,应对美学、创新思维方法等知识重新融合,拓展和提升在艺术上的发展空间的知识修养。

4 结论

传统的油画教学都是建立在学生具象写实能力之上的培养,而平时传统的写实方式的观察方法,色与光的处理运用和万能模式上的趋势,造成的结果便是图式单一、画风雷同、观念僵化,这是背离艺术精神的。随着图像时代的来临,单纯的再现已经成为一种绘画技巧的训练方法而已,油画创作应该赋予作品新思维观念。要加强学生对艺术与生活的思考,明确油画写生教学的目的,发掘学生对现实与艺术的感受并有效地进行艺术表达的潜力。

注释

创作与教学 第5篇

【摘要】笔者认为兴趣和信心是靠每获得一点点成功慢慢累积的。在儿童美术教学中也是如此，写生训练能培养学生的观察能力、感知能力、对生活状态的敏锐体验能力，它是学生获得点滴成功的基石；美术创作更多的是一种自我的表达和一种情感的宣泄，它是学生建起高楼大厦的砖瓦。写生训练与美术创作统一的教学无疑会带来儿童美术教学上质的飞跃。通过这样一段时间的美术学习和创造过程，使儿童的审美感受，情感经验，自由精神，创造才能，伦理能力等在内的人格得到全面发展。

【关键词】写生训练美术创作统一

一、研究的背景和意义

在现阶段儿童美术教学中，强调记忆、创造和想象。但是，我们首先已面临着一大挑战：儿童的生活环境，社区家庭文化逐渐把孩子培育成“温室里的花朵”以及商业经济社会的飞速发展为我们提供的一切便利产品让孩子无法看到对象本来的样子和本质的东西。长此以往，孩子对大自然的印象也越来越模糊。若单从言语和知识方面去传达，并未让孩子亲身感知，试问他们能拿什么来记忆和想象？他们能创造什么？他们拿什么去热爱、去流露和发泄自身的情感以至成为一个完善的人？然而，美术活动的意义之一，在于极大地发展了儿童的感知觉、观察力、记忆力和用自己的语言来表达心理活动的一种能力（绘画技能和想像创意）。经过一段时间的实践和研究，写生训练与美术创作的统一可作为我们儿童美术教学过程中的一次尝试。

众所周知，儿童对美术的热情与渴望是与生俱来的。他们往往用画笔不厌其烦地阐释他们眼中的世界。然而，几年儿童美术教学以后，我们发现：他们中的多数人普遍对绘画的热情退却了，甚至连拿起画笔的信心也丧失了。作为小学美术教学工作者，我们有责任去探讨现阶段儿童美术教学中存在的问题：

1、儿童自身美术水平的发展带给美术教学的问题

根据我国美术教育家王大根对儿童美术发展的划分来看，小学阶段的儿童正处于符号期向写实期的过渡时期，他们随着年龄的增大，接触美术作品和阅历的增加，有了空间深度的感觉，逐渐摆脱了儿童画的天真、大胆、稚拙的作画特点，他们本能地认为绘画应讲究逼真、具体、实感，即“象”。所以在表现对象时，绘 1

画风格不自觉地倾向拘谨、工细。这一阶段，教师本应以学生为中心，供给学生一些必须掌握的绘画基础知识和基本技法，帮助儿童顺利地从符号期过渡到写实期。但是现阶段的美术教学，往往没有把握这一重要时机，疏于技法的传授。在他们进入高年级以后，留下了一时难以弥补的缺陷。儿童由于缺少了向高一级绘画攀登的阶梯，只能长期处于“眼高手低”水平，这将直接导致儿童对美术失去信心和兴趣。

2、儿童美术教学中缺乏写生训练

美术更多的是一种视觉艺术，它首先必须借助于观察。我们知道，写生是提高儿童观察能力的重要途径。但在具体的教学中，由于时间、场地等教学条件的限制等种种原因不能充分地开展写生教学，使儿童美术创作指导依然凭借已有的经验和模式进行，作品中所表现的人物、动物等形象往往只是重复自己的过去，呈概念化和程式化。所谓的想象和记忆也只不过是对画面情节的设计和内容的重组或被简化成了一种单调的拼图游戏。因此，对于儿童而言，美术也失去了它特有的创新、发展、审美等功能和意义。

3、对儿童美术创作认识的偏差

我们认为，儿童美术创作的完整内涵主要应包括美术技能技法和创作灵感两个方面，而且两者之间存在着天然的联系，单独地强调某一方面都会影响儿童美术创作的发展。所以，我们既要大力提倡培养学生的创造意识和创作灵感，又要加强儿童绘画技能技法的培养。这并不是要回到以往我国儿童美术教育片面强调技能技法的老路上去，而是让美术技能技法的训练与创作灵感的挖掘之间达到一种更和谐的状态。但在当今的美术教学中的部分美术教师片面认为儿童美术教学要重在发展学生的个性，如果讲究技能技法就会束缚儿童的手脚，因此，在儿童美术教学上形成了一种不良的态势：对那些“天真无邪”的作品，无论年龄大小，一律倍加赞赏，甚至到高年级仍疏于技能技法的指导。由于方法上缺少基本技能技法的指导，许多儿童就在自身的困惑和教学存在的问题的矛盾中丢失了原先那种对美术的热情。

二、如何进行写生训练与美术创作统一的教学

当儿童美术教学存在的这几点问题摆在我们面前时，我们的责任首先是培养学生科学的观察方法和观察能力，发现美，再是创造美。即我们如何对儿童美术进行写生训练和美术创作统一的教学？

1、让儿童明确写生训练和美术创作的理解。

写生是直接面对对象进行描绘的一种绘画方法，是训练人的观察能力、分析能力和造型能力的重要手段，还是美术与现实生活相联系的重要途径。其根据描绘对象不同分为“风景写生”、“静物写生”和“人像写生”等。写生训练也是初学者最重要的训练方法。

美术创作是对现实生活的主观反映。儿童美术创作是学生自由想象和创造的载体。美术创作的形式有： 意象画、联想画、抽象画、变形画、自由画、记忆画、想象画。

2、让儿童懂得写生训练与美术创作统一教学的合理性。

我们知道，儿童写生训练是低年级美术教育教学过程中的一个重要组成部分。它在一定程度上解决了美术创作的难点。（1）由于写生训练是培养科学观察方法的重要手段，能培养学生的观察能力、感知能力、对生活状态的敏锐体验能力，并引导全面、仔细而且深刻地观察以便在头脑中积累大量的真实事物形象。解决“画什么”的问题：就是要将头脑中的种种意象转化为画面，构思落实到构图当中的问题。那些形象便成为美术创作的素材和发挥一切想象力进行创作的根本。

（2）由于写生训练是掌握美术技法的重要途径之一。解决“怎么画”的问题：即如何造形、如何用色等，最终创作出“美”的作品来。

美术创作离不开写生训练，它的主要特征是情感表现，其情感的内容来源于他们对生活的体验与感受。我们通过写生训练使学生在艺术创作上达到一定水平后更好地流露自己的情感。经过多次的写生训练，将大大地改造了儿童的知觉，把知觉提高到一个更高的水平，儿童们逐步形成了自己的感知觉体系，再进行艺术创作，再进行写生，反复锻炼学生的耐心和毅力及踏实认真的品格，促进儿童智力的全面发展和对美术的可持续发展，是个人品质形成的重要途径之一。

3、让儿童懂得写生训练与美术创作统一教学的可行性。

王大根在《美术教学论》中提到，“如果课程采取让学生实际观察苹果、鸭梨，再自己动手作画的方式，感性的认识、初步的写生意识培养所形成的概括表现方法就能在实际活动的基础上主动形成，这会使儿童认知体系在现有水平上，经过教师的启发引导，形成独立的系统。”可见，两者统一教学是有利于儿童提高综合素质的。

在两者统一的教学过程中，师生应共同关注写生训练和艺术创作有机统一的每一“过程”——由简到繁、循序渐进。从写生到创作再到写生都有一个过程，每个过程都是实现了“质的飞跃”的重要因素。其中，需要教师的启发、引导或

讲解，向学生提供各种思路，指出画面中在构思、构图、造型、色彩等各方面要注意的问题，最终要让学生独立去想、去画、去创造或是学生小组合作一起完成。笔者通过亲身的体验和实践，深刻地感受到它所体现的优越性，并为解决现阶段儿童美术教学存在的问题提供了一条切实可行的途径。

三、儿童美术写生训练与美术创作统一教学的基本步骤：

首先，要为写生训练与艺术创作统一教学创设条件。硬件设施：有一个宽敞的美术室和比较齐全的美术器具及教材；师生共同拥有一个收集废旧生活用品的百宝箱或真实物品图片，如电筒、水壶、杯子、书包等，便于写生训练。软件方面：结合现阶段儿童美术教学存在的问题，具体拿一物体让儿童观察（如苹果）并动用各个感官功能尽可能掌握物体的特征，了解儿童观察能力和认知水平，要求他们在已有的认知水平上进行美术想象创作，以此制订适合儿童能力水平的写生训练和美术创作统一教学的一套计划。具体教学步骤如下：

1、学会观察。师生一同在校园“寻宝”，以自由宽松的氛围开展教学。对观察对象有所选择，一般以较为简单的形象开始入画。当找到一个“合适对象”，教师以速写形式进行示范指导（附1：范作《可口可乐瓶》），让儿童了解写生是怎样实施的，并在示范过程中用幽默且通俗的语言概括带过写生的概念、写生的好处等，进行“启发教育”。

教学体会：儿童对写生教学很有新鲜感。他们在此教学中比在其他学科领域中能更大程度地调整自身的行为。尤其是对美术失去兴趣的五、六年级儿童对美术也重新投以热情，教师在这个时候“趁热打铁”，使儿童目睹这一从选择对象到快速写生的过程，使学生发觉写生不难，而且发现生活中可入画的东西很多，逐渐使他们无形中加倍注意生活中的事物，进而培养自身的观察能力。另外，对于好动的一、二年级儿童，写生使他们变得安静些；对于其中粗心的，写生可以培养他们的细心；对于有坚持写生的习惯的儿童，可培养他们的毅力、恒心和好奇心。

2、树立信心，观察生活。对儿童进行写生训练时，必须注意儿童的身心特点，不能讲过多地道理，写生物也不能变动太大，被观察物体由简单到复杂的训练开始，如先通过观察写生我们身边的杯子、门窗、文具盒、桌子、椅子、书包、电话机、自行车等等（附2：

一、二年级儿童习作《妈妈的包》、《茶壶》、《电话机》、《自行车》等），让儿童能很好的把握，体验每一次成功的喜悦，然后再到路旁的电话亭，街道，房子，树木，山川，河流等。对能从不同的角度去画的学生大力

夸奖，鼓励他们自己说，说说发现了什么。这样一来，下次写生就会增加几张从不同角度画的作业。到小学中年级，我就明确提出从不同角度去观察分析和表现的要求。有了科学的观察方法后，儿童画起来一点也不吃力，比例、结构、轮廓都容易画准确并能深入刻画了。

教学体会：在儿童美术教学中，让儿童找到成功的感觉，其实就在于教师对儿童的了解情况。进行一段时间的教学后，儿童主动地从生活中去发现美，并独立地完成了写生作业。同时，他们也从中学会感受身边美好事物的来之不易，并懂得珍惜，进而培养高尚的人格品质。

3、想象和创造美。教师可以对话式的教学入手，旨在对儿童的人文素养进行全方位的培育，要求他们大胆进行儿童美术创作。创作的命题的基本要求能够适合学生的年龄、知识和兴趣，有一定的宽容度。技法要求贴近童真本性；突出主题的“儿童味”（即“童趣”）； 突出画面布局的整体性；突出表现手法的夸张性。

教学体会：由于儿童经过一段教学时日后，头脑有了丰富的创作素材积累。在只要教师稍做引导，他们便可在接下去的创作过程中顺利开展。这利于学生身心发展，发挥自己的个性，使创作作品更具“儿童味”。这也是我们儿童美术教学的真正意义。

4、在多元性评价中体现儿童美术作品的价值。让儿童在全班介绍自己作品的创作思路以及心得；教师作适当的引导和点评或进行同学间互评；布置一些小型的展览，供儿童参观互相欣赏、评价和交流；组织儿童参加一些赛事活动，进一步发挥儿童的命题创作潜力。

教学体会：作品的欣赏与评价既是一次写生创作过程的终结，又为下一次写生创作提供了丰富经验，提供了一种新的潜在的审美意识。我们在点评儿童的过程中，要注意尊重儿童的看法，绝不能以成人的眼光和标准去欣赏和评价作品，要站在孩子的立场，以发展的眼光来看待他们的作品。教师的态度和评价对孩子会有相当的影响。如果评价不好，可能会打击、挫伤儿童绘画创作的积极性。另外，教师在布置展览的时候，要注意作品选择的广泛性。因为，当一个学生的作品被展览，被同学认可，对他而言，这种精神的满足远比作品的本身有着更大的意义。（附3：儿童获奖作品《哥哥的生日》、《爱劳动》、《小雷锋》）

四、写生训练与艺术创作统一教学打破了哪些格局。

总的来说，两者的统一打破了以教师为主的传统灌输式教育模式，代之以启

发式教学，调动儿童个人的发现能力和创造力。主要表现在：

1、打破儿童美术作品成人化趋向的格局：儿童美术与儿童智力成长是同步发展的。保持儿童画的个性特色，在创作理论和实践上取得突破。儿童是独立的个体，也有自己特定年龄所表现出的思想，指导儿童画创作应该是以学生为中心，作品终究是要由儿童自己来画。我们成人不能一味地想成全自身的视觉感受而抹杀了儿童美术的童真本性。两者的统一给了学生更多的空间和表现自身的机会。

2、打破儿童美术作品空洞性的格局：在的教学实践中，我总结出每一件优秀的儿童美术作品必须有可看的东西在里面，它可能包含了一个故事或一个情节，表达的是小作者的一份心思和情绪。另外，写生素材的积累能在学生在美术创作中发挥实效。两者的统一，更大程度上地使学生的身心得到全面发展。

3、打破儿童美术作品、“千篇一律”、“万变不离其中”的格局：那种跟着老师看一点画一点的传统教学方法或者“手把手教”的方法已不适合这个时代了，我们的儿童美术作品决不能没了创新和想象。最佳的方法就是让学生在教师的指引下走进生活，观察体验生活中的人和事。写生训练与美术创作的有机统一适合于各个年龄段，只是各个年龄段它们所表现出来的东西不一样。

我们的教学目标不是要每个孩子都能成为画家，但是要使每个孩子都能成为一个爱观察、爱生活的人，一个有感情的人。我认为一个爱观察、爱生活的人，一定是一个综合素质发展较全面的人。三十年代初，著名的美术教育理论家丰子恺就艺术教育做过这样的表述“我教艺术科主张不求直接效果，而注重间接效果，不求学生能直接有用之画，但求涵养其爱美之心，能用作画一般的心来处理生活，对付人生，则生活美化，人世和平，此为艺术的最大效果。”

[参考文献]：

1、李力加著：《萌动与发展——儿童美术教育学研究》

2、王大根著：《美术教学论》

例谈童诗教学的选材与创作 第6篇

“操千曲而后晓声，观千剑而后识器。”刘勰的话告诉我们，要做好一件事情必须得先进行了解。童诗创作的有效途径方式，也应该从欣赏开始。让孩子们多读一些好的童诗作品，让诗和他们亲密接触，在欣赏中，发现诗原来就在自己的身边;在欣赏中，激活他们对生活的深层感知;在欣赏中，引导他们进行诗意的表达。

由欣赏到创作，有着两个重要的前提条件：其一就是一定要让学生阅读好的童诗，因为好的童诗才能够联系学生的生活体验，唤醒他们的生活意象，激活他们的诗意表达动机。其二，作为儿童成长的“接引者”，教师也必须善于把童诗所传达出来的意象和美感，让儿童能够感知到，甚至能够触摸到、体验到，这样才能够帮助儿童打开诗意想象的大门，让他们蕴藏在心中的生活景象喷薄而出，成为诗的语言，成就诗的意蕴。

本文拟以《柳树醒了》和《柳树的头发》为例，来谈谈童诗创作的选材和教学。我们先来看看雪兵的这首小诗《柳树醒了》：

春雷跟柳树说話了，说着说着，小柳树呀，醒了。

春雨给柳树洗澡了，洗着洗着，小柳枝哟，软了。

春风给柳树梳头了，梳着梳着，小柳梢啊，绿了。

春燕跟柳树捉迷藏了，藏着藏着，小柳絮呀，飞了。

柳树跟孩子们玩耍了，玩着玩着，小朋友们，长高了……

小诗运用了拟人的手法，春雷、春雨、春风都是扶持小柳树长大的爷爷、奶奶和好伙伴，孩子们感受到大自然的风雷雨燕，都是他们的好朋友，孩子乐在画图中，投入到大自然的怀抱中，仿佛一家人，和乐融融。这首小诗的文辞、意境都很优美，诗情饱满，耐人寻味。不需要字词句段的讲解，让儿童读一读、诵一诵、画一画、想一想，就可以为儿童带来一双审美的眼睛，为儿童铺垫读诗、赏诗的能力。

如果在童诗教学中采用主题阅读的方法，多找一首题材相近的作品来进行对比细赏，那么，就会发现更多的阅读和思维的乐趣。比如林武宪的《柳树的头发》这首诗：

柳树的头发又细又软，他舍不得剪短，就越留越长，越留越长……把脸遮住了，把身体遮住了。

风来帮他梳理的时候说：老柳啊，你的头发怎么不理一理啊？柳树说：人家理发，是为了漂亮，我不理发，也是为了漂亮啊。

《柳树的头发》有和别人不一样的独特视角，写活了风和柳树之间的关系，也写出了不少让人思考甚至是值得争议的话题，例如：究竟什么是美？凌乱还是整齐的就是美？生活中有没有凌乱就是美的例子？什么是个人的意见？什么是大家的意见？在什么情形下要接受别人的意见？在什么情形下要保留自己的意见？

让孩子们的思维充分活跃起来后，可以试写一首富于想象的小诗。如《沙发与靠垫》他们如何相处？怎样对话？《植物和花盆》，他们又是如何相处，怎样对话的，又或是孩子们喜欢找谁和谁对话？他们看到什么？想起什么？听到物与物之间说了什么话？让学生想一想、议一议、动动笔，就在真实的说写活动中，进行有创意的表达。

英国美学史家李斯托威尔认为：儿童会把无生命的东西与有生命的自我混淆在一起，这种混淆在儿童的游戏中尤为突出。当孩子的想象力充分发展，把自己体现在诗歌作品中，或者把无生命的东西加以生命化的时候，恰恰充分张扬了儿童内在的游戏精神。因为童诗本身就是语言的艺术，它具有音乐、意境、语言和情感等多重美感。反复诵读、仔细品味，就可以进入其中的意境，获得美的享受。欣赏诗歌的过程，其实就是培养学生审美的过程。

所以我们说：如果教学要教出创意，只用一些“说得巧”的作品来教，却不用“想得巧”的作品来教，学生的创意如何激发出来呢？从上面的童诗教学选材和欣赏中，让我想到，语文教学很重要的目的是丰富我们的感受，激发我们的思考。如果我们说，童诗教学要教出创意，那么，我们在童诗教学中可以采用同一主题，大量阅读的方式，进行参照对比的欣赏，我们对生活的认识，就开阔跳跃得多。

参考文献：

[1]朱光潜.谈读诗与趣味的培养[A].语文：全国中等职业技术学校通用教材[C].中国劳动社会保障出版社，2003.

[2]周宏兴.诗歌创作艺术[M].作家出版社，1986.

动画联合创作课程教学实践与思考 第7篇

关键词：动画联合创作,课程教学,实践

动画联合创作课程是按照动画制作的流程安排课程进度,采取联合导师制教学模式,将动画专业所学的基础理论知识和动画技能技法有效地应用于动画短片的设计和制作过程中,通过完成动画短片的创作与制作内容,探索适合动画创作类课程的教学方法与教学形式。同时,能够结合学生的专业特长和专业技能水平,最终由学生完成动画短片的制作。

动画联合创作课程通过构建专业导师团队,形成前期策划、中期制作以及后期特效之间的有效衔接。学生从剧本创作开始就要对动画短片的类型、制作周期、制作难度、制作方式等加以系统、全面的认知。此外,通过组建学生创作团队,以分工合作的方式完成动画短片的创作。学生可以通过阶段性集中训练的方式熟知动画创作的基本过程,并依据各自专业所学的特长及个人的特点选择完成相应的工作环节。在这个教学过程中,通过师生之间的互动教学方式以及学生之间相互协作共同完成教学任务。

1 建构团队协作型动画联合创作课程教学模式

在动画联合创作课程中,内容设置是依据动画短片制作流程,将课程内容设置分为前期策划、中期制作和后期合成三个基本教学环节。每个环节由一名教师负责,整个制作过程中三名教师统筹协调。然后,导师组依据学生动画制作的实践能力分组,每组按照动画制作流程配置相关人员,以团队合作的方式共同完成动画作品。

前期策划将创作特点与剧本策划、角色设定等设计环节与动画作品的类型、风格特点、美学形式、创作手法等方面进行综合考虑。剧本设定充分考虑学生实际制作能力,有效地完成教学目的,确保动画短片的完整性。

中期制作以实时督管的方式,细化教学进度和教师指导制作环节,保障教学质量。一方面,教师分阶段辅导、群组分工、小组研讨的方式合理综合高效地发挥每位教师的教学优势。另一方面,学生通过专项训练与实践,汲取专业教师的动画制作经验和特点,掌握相关的教学核心技术及技巧,定时定量完成每阶段的教学任务。

后期制作与合成过程中,教师按学生的工作量完成情况进行综合教学评估。在测评过程中对教学实践、实训环节的运作方式及运作步骤进行适当调整,有利于提高教学效果。通过该阶段的训练,让学生清晰地了解动画制作流程相互之间的关系,并深刻认识到每个人的工作任务完成状况对整个动画制作的进度和质量产生的不利影响。

通过团队化教学模式的组建,有利于教学资源的合理配置。而且,联合创作课程中实行联合导师制,这种团队协作上课的方式也有利于教师之间的交流与合作,促进教师之间的学术交流与学术研讨。

2 动画联合创作教学内容和教学方法

动画联合创作教学鼓励学生制作动画原创作品。学生通常需要从剧本创作开始就对动画短片的类型、制作周期、制作难度、制作方式等方面有系统、全面的认知。学生能够根据各自的喜好和专业特长组建一个创作团队,通过相互协作完成一个相对完整的动画短片是教学的最终任务。

动画联合创作偏向于实践教学,是实现知识与能力相结合、理论与实际相结合的教学方式,其目的在于训练技能,提高专业制作和创作能力。学生通过精学多练,创作出更多的作品,对所学的专业有更全面的认知,还能够让学生更好地认识自己的实际能力,寻找契合个人能力和专业水准的就业机会。

2.1确定教学周期,制定教学时间表,均衡教学资源

动画联合创作适合集中时间进行教学及教学创作辅导。每组3—5五人,在一个学期的9周时间内完成动画短片制作。

1至3周,完成前期策划。确定动画风格、制作方式、剧本创作,角色设计,分镜头创作以及场景设定。在前期策划和中期制作过程中,导师组要对学生的实际制作能力、组织能力、协调能力和合作方式做好基本的评估,制定有效的辅导方案。

前期策划的教学指导过程中,教师的学科背景不同,教学专长和特点存在差异性,擅长的教学内容和善于应用的动画制作软件不同,学生在使用教学资源和接受教学辅导的形式需要改进和加强。

4 至6周,学生制作的核心阶段。导师组根据学生的动画创作能力及制作水平和技能及时调整剧本内容和角色造型方案,衔接好前期、中期、后期的制作环节,提高制作效率并规范验收标准。

这个阶段是最艰难的过程,学生相互的配合和协调容易出现问题,学生之间的矛盾容易激化,甚至会导致小组无法继续合作。为此,导师组不仅要制定严格的教学质量检查监控措施,更要科学合理地进行综合测评,完善评价体系。根据完成的工作量以及完成的质量水准给每个小组成员进行打分,按比例计入总分成绩。导师组要定期依据学生的总体状况开展教学研讨,并以公开展示的方式进行小组与小组之间的研讨,相互提出修改建议,提升动画作品的品质,提高教学质量。

7 至9周,后期制作及合成阶段。处理好声音与画面的关系,完成动画短片的剪辑及视觉效果的合成。

动画联合创作的最后阶段需要根据实际状况及学生特点及时调整细节,提高学生解决问题的能力,提高学习的主动性。教师明确学生各自在目标体系中的位置和责任,实行自我控制,充分运用自己的能力行使自己的权利,努力实现自己的预期设计目标。

最后动画短片的验收、检验和品质控制采用自查报告和教师巡视指导相结合的方法。自查,以动画导演监制的形式验收每个环节的工作任务。验收合格后各导演向该阶段巡视的指导教师进行阶段性工作总结,最终由小组完成教学任务总结报告,导师组的所有指导教师完成评估报告,总结教学经验。

3动画联合创作课程的教学意义

动画联合创作的整个课程内容贯穿了动画前期策划、中期制作及后期合成的整个动画项目制作的流程。在此期间学生能够更好地对自己所学的专业有全方位整体的认识。学生通过阶段性集训,能够判断出个人的实际制作能力和创作水准,选择并承担完成相应的动画制作任务。通过模拟动画行业的制作过程,熟悉制作流程,熟知各项制作环节,明确动画设计要求,完成动画短片的制作。学生在承担相应岗位职责的过程中,对个人的专业定位有了深入而细致的了解,对动画制作的团队协助精神有了深刻的体会。

通过分组制作,团队内部之间的组织及协调能力有所加强。而且,理顺了分工合作与团体协作的关系,有助于学生自我管理能力及组织协调能力的提高。

另外,动画联合创作课程鼓励学生对动画的美学观念的探索,侧重动画形式与内容的关系,提炼动画创作的特点等。目的是在学生正式跨入动画行业前,能够了解行业准入条件,起到缓冲的作用。这类教学体验有助于开发学生对于动画艺术的创作热情,激发创作灵感,也有助于学生认识到自主创作与行业程式化标准生产之间的差异。

期间可邀请动画公司的专职人员与教师一起拟定工作任务分配表并核对每个环节相应的行业任职标准作为教学考核的参考依据。动画创作类课程的实践教学与动画公司实际运营的模式形成呼应。将日常动画制作进度以及阶段性教学任务相对照,尽可能实现知识与能力相结合、理论与实际相结合的教学方式。目的在于训练动画制作技能技巧,提高动画创意以及动画创作能力。动画公司的专业人士与导师组通过观摩学生作品以研讨的方式作为集体评审、集体评判的依据。而且,在教学进度控制及教学验收等环节加强了学生工作量和工作进度等方面的有效管理,使教学效果及教学评价更为客观。

在整个学习过程中,学生扮演了动画导演、编剧、动画镜头设计以及后期剪辑等多种角色。学生通过模拟实践的工作岗位,获得了实际的工作体会,对于个人未来的专业定位及专业发展方向有了全面的认识。

参考文献

[1]刘娴.互动式动画教学模式初探[J].北京电影学院学报,2012,(3).

创作与教学 第8篇

一

剧作类课程的设置方式因开课专业的具体性质、人才培养目标、生源、学生数量等因素的不同而有所区别。戏剧影视文学专业以剧作为核心设置课程体系, 以系统地、有层次地培养影视或戏剧剧本创作型人才以及剧作理论研究型人才为目标。该专业一般采取小班教学模式, 重视动手实践, 教师大多有比较丰富的创作经验, 还能为学生提供剧作实践与就业的机会。其他非剧作专业开设此类课程的方式和目的一般有两种:一是《剧本创作概论》或《剧本创作基础》等概论类课程, 旨在通过对剧作理论和技巧的课堂讲授, 使学生对剧作理论和剧作家创作活动的基本面貌有较为全面的了解, 从而能对剧本或影视作品的剧作进行分析和评价。这种课程实质上属于影视通识教育的范畴, 有利于培养学生的影视鉴赏力, 但无法真正起到拓展专业技能的作用。另一种方式是剧本创作实践课, 一般称为《剧本创作》或《影视文学写作》。任课老师针对某一项具体的创作作业, 进行选材、构思、写作等诸多方面的具体指导和讲评, 使学生由浅入深地完成一系列的创作实践。剧作实践课将编剧理论和技巧的学习与创作实践结合起来, 能够实实在在地拓展学生的专业技能, 起到开设剧作类课程的目的。非剧作专业在学时数允许的情况下一般会先后开设这两类课程, 遵循学理上的循序渐进;在学时有限的情况下, 则多数选择开设剧作实践课而非剧作概论课。因此, 下文主要围绕剧作实践课即《剧本创作》课为核心展开教学探索。

剧作实践课教学需要与之匹配的高度专业化师资、实训平台和优质生源。正如北京电影学院文学系教授潘若简所言:“从创作中来, 到创作中去是基本的教育思路。这种教学方式的成功首先依赖于有一个高度专业化的教师队伍, 同时要求有比较悟性的学生和比较丰富的教学实践资源。”1潘若简提及的这些开设剧作实践课的必备教学资源恰恰是大部分非艺术院校在实施影视艺术教育中所缺少的。一些重点综合性大学和一般普通院校的影视艺术专业, 开办之初, 师资多是“由大中文专业转向过来边教边学, 无论是影视专业理论素养还是实际创作积累都相对缺乏”2。经过十年多的发展, 具备影视艺术学历的专业教师比例不断增加, 缓解了专业理论素养不足这一教学尴尬, 但缺乏丰富创作经验这一问题并未出现多大改观。原因在于:虽然创办影视专业是从南到北、从东到西、从沿海到内地、从重点综合性大学到一般普通院校遍地开花, 但影视创作的实践与就业机会, 影视创作的绝大多数顶尖人才依然汇聚在北京和上海这两处。导致其他城市的影视专业无论教师还是学生都很少获得真正的有价值的剧作实践机会。创作经验与创作业绩的匮乏使教师无法从容不迫地掏出大量“干货”, 给予学生真实有效的技能指导, 从而陷入纸上谈兵、与时代、市场脱节的教学尴尬。同时, 他们也无法为有志以剧作为发展方向的学生提供有价值的职业训练平台。剧作等影视专业的学生在进入影视行业时经常依靠师从关系。换句话说, 教师本身在行业内的技术水平和地位是学生职业发展的重要平台支撑。剧作教师创作经验和业绩的缺乏从客观上影响了教学效果和人才培养质量, 从主观上严重降低了教师的教学自信, 和学生对教师专业能力的信任感。

另一方面, 生源质量也是影响剧作课教学效果的重要因素。剧本创作的方法和技能虽然可以学习, 但学生的学习态度和创作悟性却可遇不可求。正因于此, 戏剧影视文学专业采取艺考方式招生, 以期选拔出具备基本创作基础和天赋的人才, 且以不超过30人的小班教学模式保证专业培养的有效性。而在非剧作专业中, 这种教学条件是不具备的。例如, 对广播电视编导、传播学、广播电视学等非剧作专业而言, 《剧本创作》课只是适应当前图像时代的发展需求, 拓展专业技能, 培养复合型人才的手段之一, 而非专业教学的核心。在这些专业的课程设置中, 剧作课一般采取大班授课模式, 师生之间几乎没有一对一交流的时间条件。最重要的是, 学生并未经过艺考的筛选, 学习剧作的热情和悟性难以保证。缺少丰富创作经验的教师, 面对着学习热情与悟性参差不齐且数量过多的学生, 是大学《剧本创作》课普遍存在的教学困境。从根源上说, 这是影视艺术从精英教育转向普及教育后必然面对的问题。

二

图像时代的来临推动着影视艺术教育的不断普及, 让更多人有了触及神秘光影梦想的机会。他们不需要再徘徊在精英教育的门外, 望门兴叹;或者以一年又一年重考的方式试图挤入那扇狭窄的门。影视艺术教育普及化的重要意义和价值, 促使教育工作者不断探索与之匹配的有效教学模式, 以期走出当下困境。对《剧本创作》课而言, 教师可采取以下方法弥补自身创作经验不足, 学生人数较多, 悟性参差不齐, 以及地域差异等教学劣势。

1. 集众家之长, 采取教材组合模式。

选择好的教材, 能带来事半功倍的教学效果。缺少创作经验的剧作课教师在教材选择上要注重实践性与理论性的结合, 避免单一化与模式化。悉得.菲尔德的《电影剧本写作基础》和罗伯特.麦基的《故事:材质、风格和银幕剧作原理》一直被国内编剧界奉为剧作教学的经典。然而这两本书并不适宜作为本科生使用的主要教材。前者属于编剧入门级教科书, 浅显易懂, 可作为辅助教材或学生必读书目融入教学中。后者对非剧作专业的本科生而言难度较大, 且内容设置不符合课堂讲解的习惯, 可作为教师自己的备课资料部分采用。事实上, 单凭任何一本书是无法上好剧作实践课的。教师需要通过广泛的教材研究, 集众家之长, 设计系统、由浅入深、循序渐进的知识点架构与实践训练来安排自己的教学内容。剧作教学需循序渐进地理清主题、情节、结构、人物、场景、对话、类型等知识点, 分专题讲授, 分专题练习, 培养学生的实际动手能力与解决实际问题的能力。结构讲解可选用《21天搞定电影剧本》、《电影剧本写作基础》等类型的书籍, 人物与情节设置部分可选用《作家之旅》, 主题、场景、对话的讲解可参看《故事》, 类型讲解可用《编剧的电影类型》。教师还可研究《千面神话》、《民间文学母题索引》等文献资料, 深入提升自己对“叙事”的认知。

2. 以研讨会模式促发学习主动性和参与度。

讲解为主, 交流、互动为辅的传统教学模式强调对知识的概念化灌输, 让学生对剧本创作的种种独特性, 只是“知道了”而不是“掌握了”。不妨从国外剧作教学的成熟模式中借鉴一二。仅以2016年《卫报》英国大学“媒体与电影研究专业”排名首位的南安普敦大学电影学系为例。电影学系开设的《电影剧本创作》 (Screenwriting) 课采取了研讨会+教师讲解+集体影片观摩+课外写作训练+课外小组互动的组合模式。在每次持续3个小时的课堂时间中, 教师的单独讲解不会超过半个小时, 剩下的时间就是讨论和交流的研讨会模式。每个学生分享自己的阶段创作情况, 教师提出建议, 并在建议中适时加入知识点的强化和补充。其他同学也会给出建议, 并通过别人的创作状况反查自己的创作问题。这类研讨会模式与“在创作中学习, 在学习中创作”的剧作教学理念相符, 避免了教师唱独角戏的尴尬, 督促了学生学习和创作的主动性。教师在研讨会中的作用看似不如传统教学模式那样重要, 但实际却是“功夫在诗外”。教师需要对剧作法和相关案例有透彻的把握和运用自如的能力, 才能准确识别学生的创作问题和精彩设计, 给予恰当的有效指导, 并在此过程中强化或补充相关知识点。

3. 强化创作实践与团队协作。

创作训练首先要从教师自身开始, 尝试运用相关技能完成一部以上长剧本和短剧本的创作。教师在创作中遇到的问题, 解决问题的方法都可成为教师于课堂教学的有力支撑, 避免了纸上谈兵的尴尬。对学生的创作训练要有计划有步骤地展开。可依循剧本创作的一般步骤, 从主题、主控思想3、梗概 (摘要) 、大纲、动点进度表 (卡片) 到详细故事步步为营, 以保证学生对剧本结构的控制和把握。学生独立完成剧本可与课外分组讨论、团队视频拍摄等训练模式相结合。分组讨论与团队拍摄不仅促发了学习的主动性, 避免了大班教学时学生人数众多, 师生之间缺少有效沟通, 学生参与度严重折扣等劣势, 还培养了学生注重交流与团队合作的意识。教师可以选取优秀的学生剧本, 让学生拍摄为视频短片, 促使他们在实际拍摄过程中理解剧本写作的特点, 检验剧本的可拍性。教师应积极鼓励学生将拍摄完成的原创视频参赛, 比如北京大学生电影节、各类省市的微电影大赛等。通过参赛这一方式, 学生不仅可以累积剧作与影视拍摄的经验, 还能有效突破域劣势, 为将来职业发展累积资源, 创造平台。

4. 采用与市场接轨的课程考评方式。

剧本创作本质上是一门技艺。剧作课的考核方式要注重与电影市场的实际相结合。制片人或导演挑选剧本时通常不会直接看数以万字的详细故事, 他们会从“一句话的描述”开始筛选, 历经梗概、大纲等层层通关后, 才会去读完整剧本。教师在制定考核方式时应该对应市场需求, 在原创剧本之外, 学生还要提供故事梗概、剧情大纲和创作总结作为考核内容。仍以南安普敦大学电影学系的《电影剧本创作》课为例。该课时长一学年, 分两学期进行。学期一结束后, 学生需提交600字左右的剧本摘要, 1200字左右的动点进度表 (beat sheet) , 以及相关支撑论述作为考核材料。学期二结束后, 则需要提交完整剧本的前40页, 剩余内容的剧情大纲 (附带一页摘要, 并标示出前40页中的所有变化) , 以及2000字左右从不同职业视角 (编剧、导演、摄像、制片人、影评人等) 出发的剧作评论。这种考核方式既符合剧本创作步骤的科学性, 也对应了成熟的电影工业规范要求。

大学《剧本创作》课的普遍开设打破了原有的专业壁垒, 为更多的人了解剧本创作, 实践剧本创作提供了机会, 从根本上有利于中国影视文化产业的健康发展和影视人才培养的良性循环。与此同时, 我们也应该积极思考, 建立起一种更为科学、规范的教学模式, 以解决影视艺术教育普及必然带来的的师资滞后, 生源质量下降、实践平台不完备等一系列问题。上文尝试提出了一些方法和策略, 并期待引发更多的关注和探讨。只有正确且及时地面对这些问题, 积极思考并实践解决方法, 才能最大限度地发挥影视艺术普及教育的价值和意义, 培养出精英人才。

摘要：《剧本创作》等影视类课程于全国高校的普遍开设, 必然带来教师专业性建设滞后和生源质量下降等一系列问题, 影响教学效果和人才培养质量。为此, 授课教师要在不断精研剧作理论的同时, 丰富自己的创作经验以满足剧作教学对专业性的依赖;吸纳研讨会等教学方法促发学生学习的主动性和积极性;在强化实践训练与团队协作中落实“从创作中来, 到创作中去”的教学理念;并采用与市场接轨的课程考评方式引导学生树立市场意识, 培养出符合市场要求的创作人才。

关键词：大学,剧本创作,教学,困境,出路

注释

11.潘若简.从精英教育到普及教育——关于电影教育的思考[J].北京电影学院学报, 2006 (1) :55-58.

22 .项仲平.中国影视艺术教育探索与影视艺术教学模式的建构[J].杭州师范大学学报:社会科学版, 2005 (6) 108-111.

浅谈中国画的欣赏与创作教学 第9篇

一、中国画的欣赏教学

正所谓, 没有无缘无故的爱。我认为要想让学生爱上中国画创作, 那么首先就要指导他们如何去欣赏中国画, 让他们发现中国画的美。

1. 分析意象, 走进画作

(1) 展开联想

中国画最典型的一个特征就是“景少意长”, 即物象少而意味长。就像齐白石的《蛙声十里出山泉》, 几只蝌蚪却能神奇地表现十里之外青蛙的吟唱。这就是“以少胜多”, 这就是联想的妙用。在中国画的欣赏中, 我们要鼓励学生大胆联想, 在心中对画作进行再创作。只有如此, 我们才能称得上“欣赏”, 而非“看”画。

(2) 利用诗文

苏东坡曾这样评价王维的诗画, “诗中有画, 画中有诗。”其实这不仅是王维的诗画特点, 更是大多山水诗画的特点。正所谓“诗画一体”“诗情画意”, 所以, 我们可以借助诗文来理解画作。我们能在欣赏中实实在在、真真切切地感受到审美的愉悦, 这才是至关重要的。

2. 运用比较, 发现异同

(1) 画作与生活的比较

艺术来源于生活, 但又高于生活, 这个道理大家都知道。但是不是太抽象、太形而上学了?那我们不妨去引导学生来把画作与其反映的生活本身做一对比, 这一道理就再形象不过了。如, 在欣赏《长江万里图》时, 我们可再调出一些自然景观图片与之对比, 不难发现艺术画作把生活本身表现得更集中、更典型了。相信经过这样一番训练, 学生不会在欣赏画作时用贫乏的“像不像”来评价画作了, 而是报以心领神会的点头或若有所思的蹙颦。

(2) 不同时代画作比较

我们在欣赏画作的时候, 不仅要知人, 还要论世。不同的时代会在画作中投下不同的影子。如能总结规律, 则对欣赏中国画大有裨益。学生在了解不同时代作品的特点后, 自然会感悟到, 无论时代如何变迁, 岁月如何流逝, 人们从未停止过对美的追求。同时也会发现, 不同的时代, 美的标准也不同, 大浪淘沙之后留下的才是“真金”。

二、中国画的创作教学

“眼”上得来终觉浅, 绝知此事要躬行。在欣赏教学课上, 我主张运用一切手段, 刺激学生的感官, 启发学生的感觉, 诱导学生的感知, 提升学生的感悟。学生怎能不爱上中国画, 怎能不跃跃欲试?下面我就来谈谈我对中国画创作教学的一点想法。

1. 积累素材, 训练记忆创作

春有豆蔻生, 夏有百花争, 秋有金硕果, 冬有傲雪松。生活本身就是一幅壮美的画卷。我们要鼓励学生, 让他们走出家门, 走进大自然, 多多接触生活, 不断开阔眼界, 丰富创作源泉。在这之后, 我们就可以水到渠成地开始记忆创作了。记忆创作, 顾名思义就是凭借对物象的记忆展开创作, 需要学生把看到的事物或经历过的事情凭记忆画出来。把美好的记忆通过画作留下纪念, 可以让学生再次品味这种难能可贵的幸福感。

2. 激发兴趣, 训练联想创作

记忆创作得在有一定的积累的基础上, 在学生有想把眼中所观通过画笔展现出来的欲望的前提下才能进行。那么在日常的教学中, 还有没有别的方法可以激起学生的创作兴趣呢?我认为联想创作法不失为一种好方法。如, 我布置给学生以月亮为联想源的创作任务。有的学生联想到了李白, 画了一幅《月下独酌》;有的学生联想到了中秋, 画了一幅《月圆人更圆》。这种联想创作课给学生以广阔的联想空间, 使学生敢于去想、大胆去画。当学生画完画作以后, 他不仅收获了一幅作品, 而且获得了一份成就感。

3. 尊重幻想, 训练想象创作

青少年就是爱幻想, 这是生理规律, 更是人之常情。我们不应一味打压, 逼迫他们少一点荒诞离奇的幻想, 多一点脚踏实地的成熟。因为很多奇迹的诞生都源于幻想。我们应尊重学生, 正确引导。教师要充分地鼓励, 让他们不顾及界限, 不顾及现实, 大胆地去想、去画。只有这样, 我们才能让学生的思想自由翱翔, 提高学生的创作能力。

艺术教学中写生、临摹与创作的关系 第10篇

做学问的人不是一开始就博学多才, 他是由最初的学习开始, 经历漫长的学习过程, 最终达到一定的文化高度, 然后才能探究和解决各类问题。绘画与做学问是一样的, 同样需要一个漫长的学习和研究的过程, 并且要亲身实践, 以自身经历来解决在绘画中遇到的问题。这就要求我们要持之以恒, 静下心来研究传统, 学习传统绘画中优秀的技法, 领会其中的精神, 最终用其来扩充自己的绘画基石。我们现在来学习中国山水画会受到很多方面的限制, 现在我们常用的书写工具不再使用毛笔, 所以我们要用更多的时间来练习山水画中的用笔, 我们现在的学习环境让我们很难长时间接触到传统的优秀绘画作品, 供我们研究的资料有限, 而且我们真正意义上全面的接触国画的时间较晚, 大部分都会在大学期间才能接触到国画并进行系统的学习。我们在研究和学习传统的理论与技法的同时, 我们也要研究与领会他们作品中所流露出来的一种精神状态。清“四僧”之一的石涛, 由于他特殊的身世背景造就了他多变的性情, 他有时冷傲孤高, 有时又悲凉凄楚。石涛将这样复杂矛盾却又无处倾诉的心理都倾注在他的画中。他的画就是他情绪的宣泄, 他的题诗更是辅助了画面情绪的表达。石涛在《云山图轴》中题云:“写画凡未落笔先以神会……以我襟合气度, 乃在山川林木之内, 其精神驾驰于山川林木之外。随意一落, 随意一发, 自成天蒙。处处通情, 处处醒透, 处处脱尘, 而生活自脱天地牢笼之手, 归于自然矣。”1在此我们能清晰的感受到石涛的强烈个性以及对艺术的独到见解, 这也是石涛画面中自我精神的所在, 我们在对画者进行了全面解析之后才能做到形似与神似的全面把握, 才能学到传统的精髓。

我们要正确、全面地看待传统, 看待临摹, 在当今社会, 由于受到社会各方面的影响, 有些年轻人不能安下心来学习和临摹传统, 就搞出一些背离传统的名堂, 美其名曰“创新”, 但像这种海市蜃楼般的“创新”又能在艺术历史的长河中走多远, 艺术是要不断创新, 但这种创新是建立在具有深厚的基本功和艺术修养的基础之上, 每一个能做到创新的艺术家, 他们都曾踏踏实实的临摹过传统优秀的作品。临摹是我们学习中国画的基础, 那怎么才能将通过临摹学到的技法转化为自己的独特风格呢?那我们就要依靠写生来达到这一目的了。

二、写生在临摹与创作中的作用

我们通过研究和学习传统, 并从中获得的绘画理论和绘画方法能否为我们所用, 是否适合我们现代的绘画, 那我们就要通过实践来验证一下。这就需要我们将自己置身于大自然中, 寻找并感受古人在绘画时的所观、所感。当我们真正置身于大山之中的时候, 我们也许会有一些疑问, 为什么我们所看到的画册上的山和这里的山的纹路并不一样呢?为什么同样的山会有那么多的皴法和技法呢?古人创作出这样的画面他们要表现什么呢?这些疑问虽然我们不能去向古人求证答案, 但是千年如一日的大山会告诉我们答案, 我们需要踏下心来去研究自然、感受自然、描绘自然, 在实践中寻找问题的答案。

在向自然学习这一观点上, 中西方的绘画理论有异曲同工之妙, 中国唐代张璪提出“外师造化, 中得心源”。西方与之类似的绘画理论就是达芬奇说的:“绘画是自然的嫡生女儿。”他们的绘画理论都要求在绘画之前要对自然进行充分的观察, 并融汇于心, 之后才能落笔绘画, 这也表明了写生是我们进行绘画创作的重要过程。

所谓“笔墨当随时代”, 要想使笔墨适应时代要求那就要求我们能创作出符合时代要求的笔墨语言, 而要有这样的笔墨语言并不能闭门造车, 我们要在充分研究和理解了古人的传统理论和技法, 然后到大自然中通过写生来验证这些理论和技法适不适合我们现在使用, 并在此基础上创作出新的笔墨语言, 发展我们的中国绘画。所以我们必须以临摹传统为基础, 通过写生对所学技法进行熟练应用和改进, 最后创作出带有自我个性的绘画作品。

至此我们都应该明白, 临摹和写生是我们进行中国画学习的重要过程, 只有理解了它们之间的关系, 才能找到正确的学习方法, 临摹和写生并不是特定的某个阶段, 并不能成为硬性规定, 它们是在我们学习中国画的过程中穿插出现的, 我们临摹一段时间就会有一些体会, 那这时需要我们到大山之中通过写生来验证并加深这些体悟, 然后进行创作, 当我们的创作遇到瓶颈的时候, 那这时就需要我们重新临摹传统, 而这时的临摹跟之前是不一样的, 我们的学识提高了, 我们再次临摹是学习的角度与深度都不一样了, 然后将这些更深一层的体悟再到写生之中去印证, 如此循环往复, 我们的绘画造诣才能不断提高, 才能创作出更有意义的作品。

石涛提出“搜尽奇峰打草稿”。这也是我们中国绘画中早期的写生了。古人讲求目识心记, 在游历名山大川的过程中感受自然山川的壮美, 探究当地的特征, 当回到居所进行创作之时, 画家会将最感动他的山川河流记录下来, 而自然的略掉一些细枝末节, 这样更有利于表现山的精神气息, 画面才更充满生机, 更易打动观者。我们现在可以带着绘画工具直接对景写生, 但这样容易受到细枝末节的影响致使我们的画面只是单纯的对景物的描绘而失去了精神意义, 所以我们要深入的体会大山的精神, 更多的融入个人情感, 这样我们的绘画作品才富有意境, 才更有生命力。

临摹、写生、创作在绘画过程中是密不可分的, 脱离传统与写生来谈创作, 那创作就如无源之水, 李可染先生在山水画的成就是被世人所肯定的, 但他仍坚持通过对山石的局部进行写生来研究山石, 这才是真正的学着, 真正的大师。而我们在学习研究古人的时候, 也不能完全的照搬照抄, 一味的“师古”, 而不进行写生, 那创作出来的作品也就没有新意可言。而没有了临摹基础与创作目的的写生, 虽处处都是新鲜, 处处都是生活, 但不知道从何而来, 要到何处。写生是沟通临摹与创作的桥梁, 用临摹而得的知识之泉, 通过写生这座桥, 来灌溉创作。因此我们时时刻刻都要提醒自己绘画的过程都是相辅相成的, 在绘画过程中要把握好每一个环节。

摘要：“写生”一词是由西方引进来的, 中国山水画也有写生活动, 只是画家不会携带绘画工具直接对景写生, 而是通过游历, 通过心的领悟, 而将打动自己的景致描绘出来。中国山水画水墨写生是进行山水画创作的重要过程, 是画家借以抒情表意的一种创作方式。中国山水画有着悠久的历史, 有很多传统的优秀作品, 我们要正确的认识传统、写生与创作之间的关系, 不能一味的“师古”或一股脑的“创新”, 我们要充分协调好三者之间的关系, 其中写生起着沟通临摹与创作的作用, 所以我们要重视写生在二者之间的重要作用。

关键词：传统,写生,临摹,创作,桥梁

注释

创作与教学 第11篇

微童话是微阅读时代的必然产物，著名儿童文学作家谭旭东认为：“微童话只是比一般童话小一点，字数少一点，童话的内涵和营养并没有任何的流失。如果说一般童话是大气球的话，那么微童话就是幻想的小泡泡，是一个很轻盈的幻想小世界。”

本教学设计分为“我爱读童话”、“初识微童话”、“寻找童话眼”、“创作微童话”、“一同来赏析”等几大部分，由浅入深，带着儿童走入奇幻的微童话世界。

【教学目标】

1、尝试创作微童话

2、学习品鉴微童话

【教学难点】创作有“童话眼”的微童话

【教学准备】

1、教师需阅读大量优秀微童话，也可将部分优秀微童话作为课外阅读书籍推荐给学生和家长。推荐书目：《谭旭东微童话》谭旭东著、《水晶靴子》冰波著、《住在树上的猫》王一梅著。

2、教学课件、印发课内讲到的优秀微童话作品等

【教学时间】建议根据实际情况，可安排三至五课时

【教学过程】

一、创作微童话

1、谈话导入：读了许多篇微童话，我们也来试试创作微童话吧，记住微童话的最大特征是“篇幅短+童话眼”。

2、出示分层创作要求，学生可根据自己实际情况选择相应级别，独立完成10至20分钟的微童话创作。

一级，创作难度一颗星：可仿写推荐的微童话中的一篇，注意相同之处不能超过一半。要有一处打动人的“童话眼”，可以是鲜活的童话人物、奇特的想象、美好意境或深刻寓意等。写完要把自己的作品有感情地读出来。

二级，创作难度两颗星：自由创作一篇微童话，注意篇幅要短，要有两处打动人的“童话眼”，可以是鲜活的童话人物、奇特的想象、美好意境或深刻寓意等。写完要把自己的作品有感情地读出来。

三级，创作难度三颗星：自由创作一篇微童话，注意篇幅要短，要有三处或三处以上打动人的“童话眼”，比如鲜活的童话人物、奇特的想象、美好意境或深刻寓意等。写完要把自己的作品有感情地读出来。

【设计意图及教学指导：此环节的设置目的是根据学生不同程度指导分层创作。教师应鼓励学生认真阅读创作要求，并根据自己实际情况选择创作级别。教师可建议表述能力较弱的学生通过仿写降低创作难度，可鼓励表述能力较强的学生跳起来摘桃。】

3、学生构思、创作微童话，教师巡堂

二、一同来赏析

1、小组成员互换作品交流，边看边将打动自己的“童话眼”画出来，并在自己喜欢的作品上部边角画上一颗星。

【设计意图及教学指导：此环节的设置目的是通过小组互换作品交流，形成学习伙伴的互助、取长补短，画星为下一步的活动做准备。教师可根据实际情况控制时间。】

2、各小组选出获得最多星的一篇作品贴在班级展板上。

3、学生自由阅读班级展板上的作品，在自己喜欢的作品上部边角画上一颗星。注意不能再给自己组的作品画星。

【设计意图及教学指导：此环节的设置目的是通过交换阅读他人的作品，形成学习伙伴的互助、取长补短，画星为下一步的活动做准备。教师可根据实际情况控制时间。】

4、教师选出获得最多星的三至五篇作品，请小作者有感情地读给大家听，并请其余同学评议一下这些作品。

【设计意图及教学指导：此环节的设置目的是培养和提高学生对文学作品的品鉴能力。教师可根据实际情况增减篇数。】

5、课外拓展：今天我们尝试了创作微童话，过了一把人人都是童话家的创作瘾。著名童话作家冰波说过，“好的微童话，要简短精悍、有智慧、大人小孩都爱看”。现在我们的作品只是在同学中传看，通过画星大家都知道自己的作品获得多少的认可。请同学们今天将自己的作品带回家去，也让家长、邻居给你的作品画星，看看自己的作品在大人中又能获得多少认可。别人的评价不一定全对，但如果能写出大人小孩都爱看的微童话不是更好吗？

【设计意图及教学指导：此环节的设置目的是将课堂活动延伸到课外，并帮助学生正视别人的点评，努力写出大人小孩都爱看的优秀作品。】

5、教师总结：中国童话大王郑渊洁曾说过：“写童话，我不如孩子。”只要我们平时注意积累生活中的创作素材，勤动笔多创作微童话，将来就能写出像《海的女儿》那样的长篇童话。老师期待中国的“安徒生”能在你们中间产生。

【设计意图及教学指导：此环节的设置目的是鼓励学生多积累、勤创作。不是每一个孩子都能成为“安徒生”，但能让更多的孩子爱上阅读童话、创作童话，就已是功德无量了。】

【板书设计】（略）

创作与教学 第12篇

作为首都师范大学“211工程”重点建设单位,首都师范大学美术学院2001年被教育部评定为“国家艺术人才培养培训基地”。2002年被评为北京市重点学科。在2003-2007年中国大学评价课题组发布的本科专业排行中,我院美术学专业连续五年在全国所开设该专业的大学中排名第一,并在2007年被评定为“全国重点培育学科”。油画专业是美术学院重点发展的专业,该专业方向目前拥有硕士学位授予权和博士学位授予权,并依托项目招收博士后研究人员。

首都师范大学美术学院的油画专业方向,拥有雄厚的师资力量与悠久的历史传统。在继承优秀传统的基础上,经过五十多年的发展,建立起由国内一流油画家和优秀的中青年骨干力量构成的教师团队,师资结构合理、教学理念先进、勇于开拓创新,形成自身的富于特色的教学与创作传统。在强调生活体验与基本功训练相结合的基础上,倡导艺术风格与观念的多元化,以油画写实性语言与表现性语言两个方向作为教学、创作、研究的重点与特色,并十分强调创作实践与理论研究的结合,在现代油画个性化语言研究、现代艺术综合媒介材料研究、古典油画技法研究等领域,已经形成了具有自身特色的教学体系。

首都师范大学美术学院的前身为1956-1964年间的北京艺术师范学院和北京艺术学院(简称“两院”)。“两院”时期的美术系油画专业拥有当时国内最为优秀的师资力量,包括卫天霖、李瑞年、张安治、吴冠中、彦涵等著名艺术家。他们或留学欧洲、日本,得到西方学院艺术的亲传,或曾在解放区进行美术创作与宣传,并在民国时期即已开始美术教学实践。其中李瑞年教授和卫天霖教授为中国油画早期发展做出过重要贡献。卫天霖教授曾留学日本,其作品将西方绘画技法与中国民族传统的审美追求、写意性精神相结合,独具民族特色,是中国重要的油画教育先驱和最具代表性的现代油画家之一。李瑞年教授于1933-1937年留学欧洲。其风景画风格质朴隽永、意境开阔,善于从平凡的自然风景中挖掘深沉的情感意境与精神象征意味。李瑞年教授也为中国油画教育做出了重要贡献,其教学探索曾获得徐悲鸿、吴作人、艾中信、冯法祀等人的一致赞誉。两位艺术家的创作与教学实践成为油画专业的重要传统与宝贵财富。

1964年,北京艺术学院撤消之际,美术系师资分流为三部分:李瑞年带领部分教师创立北京师范学院美术系(今首师大美术学院前身),张安治、李骏等教师调入中央美术学院,卫天霖、吴冠中等调入中央工艺美术学院。在此之后直至80年代末,首都师范大学美术系油画专业的教师们进行了重要的教学与创作探索。基本的教学思路为:强调基础训练与创作能力培养并重,重视教学的整体性与系统性,将色彩、素描、速写、创作等课程安排成为相互联系的有机整体,强调对学生的感受力、独立思考能力与创作能力的综合培养,积极探索灵活多样的教学方法。这些探索成为新中国油画教育领域的宝贵财富。这一时期的教师队伍主要包括李瑞年、刘亚兰、丁慈康、王、黄今声、戴克鉴、吴澈、董福章、冯怀荣、陈以禄等,他们的作品以表现民族风情、人物肖像与自然风景为主,在体现出扎实的写实功力的同时,注重生活体验与内在情感的传达、画面整体意境的营造。与此同时,他们的作品也体现出对个人风格的探索和对语言的细腻追求,在笔触的表现性、色彩的写意性等方面做出了可贵的探索。

近年来,美术学院进入新的发展阶段,陆续培养和引进了一批优秀的中青年教师和画家,包括尚扬、刘孔喜、段正渠、滕英、杨悠明、主玛于江、赵永康、袁广、武明中、段建伟、陈畏、张笑蕊、桂小虎、王晓彤等。在继承传统与融入新时代创作意识的同时,他们的创作以对本土文化资源的借鉴、对社会现实的关怀与时代精神的表达为整体取向,探寻现代人精神生活的内在线索,表达艺术家对现实生活的关注,对人与世界关系的思考,并探索艺术语言表达的丰富潜能。他们的作品,或致力于探求材质在扩展艺术的呈现方式和表达意涵上的可能性,或以隐喻的方式创造反映现实生存境况的冷峻形象,或从个体经验出发挖掘民族风情和自然景色中的独特内涵,或以富于想象的方式重构都市生活空间,或表现对当代都市女性生活的独特关注而无论运用清新的写实语言还是抽象的表现方式,无论使用超现实的意象还是象征性的观念,这些作品都从不同的视角出发,表达着对现实生活的关注和对艺术本体语言的探索。

油画写实性语言与表现性语言的教学、创作与研究,成为首都师范大学美术学院油画专业方向的发展特色。写实性与表现性这两个向度,不仅是油画创作重要的表达方式与语言形态,还体现出不同的现实视角与表达内涵。这两个向度的研究,是在明确语言表达与精神内涵内在联系的基础上,展开对油画本体语言特质与潜能的深入探索与把握。同时,这两端的研究也对教学起到了促进作用,使基础训练与创作能力的培养紧密相连,形成了油画专业富于自身特色的教学思想:基础训练与培养创作能力并重、表现技法与认知能力兼顾、追求“博”与“精”的统一。即对学生进行系统的专业基础训练,按照题材和风格流派进行扎实的技法研究,并从油画古典技法和现代创作语言两个方面提高学生的综合素质和创新能力。在基础训练所设置的系统化教学课程方面,在素描、色彩、解剖等传统课程的基础上,开设了更加深入的、颇具研究性质的课程,如油画人物写生技法与创作研究、油画风景写生等,依据表现对象的不同进行深入、扎实的技法训练。在创作方面,不仅开设有创作练习、创作主题形式与构图研究等课程,还特别依据艺术观念与流派风格的差异进行表现语言、技法的研究,开设了油画风格与流派研究、油画古典技法与材料研究、坦培拉技法研究、现代油画技法与创作等课程。这一思路表明,油画专业的教学超越了单纯的技法传授层面,将艺术精神与绘画语言、技法的研究结合起来,努力培养学生的认知与创造能力。这一教学结构使学生在对艺术作品的整体把握中系统、深入地进行语言学习,从而大大提高了技法训练及艺术创作的有效性。此外,面对当代艺术在发展形态和媒介传达方面的变化趋势,学院还开设有绘画综合材料研究、丙烯画创作、丝网版画技法与创作、铜版画创作、壁画临摹、陶艺、雕塑等课程,为学生提供实验各种艺术媒材的机会。