教学歌剧的舞台

教学歌剧的舞台（精选6篇）

教学歌剧的舞台 第1篇

一、舞台表演艺术在民族歌剧中的相关概述

舞台表演艺术在民族歌剧中表现为歌剧演员的歌唱与表演等方面。民族歌剧创作者运用戏曲板腔体的音乐结构进行音乐创作, 并以作为剧中人物的核心咏叹调, 突出人物的形象和内心活动[1]。在观众的评价与反映中进行二次创作, 逐步将歌唱与表演进行统一融合, 将民族唱法和现代化唱法进行综合, 将写意与写实进行兼顾与创新, 力求让民族歌剧既能绽放民族特色与风采, 又能体现改革开放和新常态的时代精神, 让民族歌剧的表演艺术更加丰富、多变, 不仅能够适合中国大众的审美理念, 也能逐步走出国门, 让世界看到中国民族歌剧独特的表演艺术和独特的文化传统, 与西方欣赏习惯逐渐“相容”。

二、民族歌剧中舞台表演的人物刻画分析

我国幅员辽阔, 民族歌剧也常由于地域形成不同的风格。各地民族歌剧在进行舞台艺术形象创作时, 常常选择具有本土典型特色的人物形象, 选择当地群众喜闻乐见的故事情节, 培养歌剧演员全方位、多才能的综合性表演技能来突出舞台中的形象, 为启迪人民思考、丰富人民精神生活, 达到雅俗共赏、在思想内涵上体现高水平的审美价值的目的。在民族歌剧舞台表演中, 歌剧演员通过演唱来刻画人物形象, 推动故事情节发展[2]。我国民族歌剧在刻画舞台表演人物形象时, 具有“神形统一、塑形丰满”的特点, 歌剧演员通过将真实的情感融入到人物性格特征, 将提高舞台审美情趣和表现效果的艺术手段发挥到最佳水平。歌剧演员对人物角色的分析和定位通常受到个人观念、前辈经验和生活环境的影响, 并通过特定的语言、声调、姿势等力求在客观、准确、细腻的原则下重现人物形象, 通过深厚的演唱功底和丰富的形体表现能力来演绎出歌剧内容。歌剧演员在进行自我扮演的过程中, 也会更加注重于其他演员的配合以及与舞台表演环境的融合, 促进歌剧整体的表演效果。

三、民族歌剧中舞台表演的演唱风格分析

我国民族歌剧在舞台表演中选用了多种多样的音乐素材, 例如歌剧《江姐》就运用了川剧的唱腔, 更加注重表演的节奏和音乐韵律, 形式为群众喜闻乐见;演唱风格也逐渐变得丰富多彩, 在各地区、不同群体之间呈现百花齐放、风采各异的特点, 形成了婉约、怡人的演唱风格, 尤其是在表现人物真情实感方面, 民族歌剧在舞台表演上使用的亲切的吐字、优美的韵律、婉转的曲调, 将人物丰富细腻的心理活动刻画的入木三分, 令人感动;积极向上、崇德向善、明德惟馨、精忠报国等民族精神也在舞台中得到充分的表现, 使强烈的民族风格和浓郁的地域色彩呈现在观众的面前, 让观众感受到东方风情和地方特色。例如民族歌剧《白毛女》就具有鲜明的民族色彩。《白毛女》中的歌剧演员通过戏曲板腔体的音乐唱调和丰富的表现手法, 通过歌舞演绎出了白毛女的故事, 在白毛女的不同阶段安排了不同的唱段, 让故事情节、曲调和人物心理活动与性格达到了高度的统一。《白毛女》中有一段故事, 杨白劳内心恐慌而躲帐回家, 歌剧才用了低沉哀怨的曲风;随着喜儿性格的细腻变化, 舞台时而采用欢快明亮的曲风, 时而采取抑郁伤感的曲风, 让不同的唱段各司其职, 发挥展现民族歌剧中人物思想和感情的作用。

舞台表演的演唱风格也会受到民族歌剧体裁等影响, 表演者需要了解不同体裁下的表演要求, 学习不同风格的戏剧歌曲、民俗音乐, 借鉴国内外不同风格的美声唱法, 了解东西方不同的文化特点, 更好地驾驭不同地域、不同体裁、不同风格的民族歌剧[3]。

但是, 民族歌剧的舞台演唱方面也存在着一些问题。民族歌剧的舞台表演唱腔因为受到地方戏曲影响较大, 在舞台表演形式上出现了唱腔分配的失衡, 表现在独唱、合唱、男女生唱腔的比例不合理, 男女生唱腔比例较小, 独唱比例较大, 导致歌剧多声部合唱的音效和美感都无法达到表演的最佳效果。

四、民族歌剧中舞台表演的美术设计分析

民族歌剧在舞台表演时对美术设计的要求较高, 要通过舞美设计刺激观众感官, 引发观众感情共鸣。只有将舞台场景布置、演员服装与化妆、表演道具、舞台灯光与音响等高度融合成一体, 才能随着歌剧情节的展开, 将歌剧思想文化内涵、情绪表达、剧情展开的节奏、剧情需要的环境与氛围淋漓尽致的呈现在观众面前。民族歌剧的舞台设计非常重视象征写实和写意的交替, 通过灯光等作用加强表演舞台的整体和谐感和观众人物代入感, 通过精心处理的音乐效果、细致入微的颜色变化、强弱差别大的声调等手段创造特定的场面情感, 体现舞台表演艺术独特的魅力。

五、结语

我国民族歌剧在舞台表演艺术方面形成了具有东方特色和民族特色的独特魅力, 充分体现了上下五千年的华夏文明与精神, 体现了民族歌剧的包容性与先进性。今后, 我们要更加注重加强精密严格的专业训练和技术理论学习, 让民族歌剧的舞台表演形式更加专业化, 体现民族性和时代性。

参考文献

[1]王洁.民族歌剧《苍原》的舞台创作艺术探析[J].赤峰学院报, 2010, 06:31.

[2]李扬, 郭丽微.我国民族歌剧的特点[J].音乐, 2013, 06.

我的纽约大都会歌剧舞台梦 第2篇

第一次接触西洋歌剧

初二时，我第一次接触西洋歌剧。有一天，父亲下班逛音像店，给我买了几张帕瓦罗蒂等歌剧大师演唱的CD，以及歌剧女神卡拉斯的生平传记。我被一股强大的力量吸引，深深地喜欢上了从音响里传来的我并不熟知的语言和旋律。当时，我已打算和南通师范学院的声乐教授刘宁妹学习声乐，谁知刘教授才听我唱完一首《大海啊故乡》就对我的父母说：“这个孩子能走得很远。”听了刘教授的话，我心中漾起了一种莫名的兴奋和憧憬。

父亲对我学声乐非常支持，也是我最好的听众。在闷热的夏天，因为觉得开空调练声对声带不好，我坚持要在一个没有空调的小房间练习。父亲为了给我反馈意见，每次都忍着酷暑陪我练声。因为练声需要消耗大量的体力，要用到全身的力量和丹田气息，于是每天练完声后，我和父亲都是汗流浃背，但其间的乐趣，我和父亲还是很享受的。记得那时，我总是拿一个小板凳站在上面唱歌，假装是舞台，父亲很配合地充当观众，当他觉得我唱得还不错时，就报以热烈的掌声，在我唱得不是很好时，就和我一起分析原因。父亲让我对歌唱保持着浓厚的兴趣和热爱，他在我的歌唱道路上给予我鼓励和信心。

哺育我的刘若娥教授

我考入梦寐以求的上海音乐学院，师从德高望重的刘若娥教授。她是一位做人非常严谨、教学造诣很深的老教授。她在决定收我为学生之前，得知我是江苏省重点高中的学生，文化课成绩也不错，便认真地对我说：“如果你成绩还不错，我劝你还是读普通大学吧，因为音乐这条路并不是一般人能走下去的，你需要忍受许多常人无法忍受的孤独和寂寞，还会遇到很多困难。你是一个有天赋的孩子，但如果你对这门艺术没有那么深的爱，我奉劝你尽早选择别的更容易谋生的事业。” 我很认真地回答：“老师，因为我喜欢音乐，喜欢唱歌，我会一直走下去的。”那一刻，我真正明白了音乐对于歌者来说，就是一个触及灵魂的誓言。

刘教授是音乐圈里受人尊敬和爱戴的老教授，有着四十多年的教学经验，像黄玮、郭森等活跃在海外舞台上的出色女高音都得到过刘教授的真谛。我非常珍惜在上音跟刘教授学习的五年时光，在这五年里，我的学习成绩在班里总是名列前茅，那是我人生中最快乐和最难忘的青春时光。之后，经过七年国外的继续深造，我得出一个结论：好的发声基础和演唱技巧是一个歌者的命脉，在上海本科期间，从刘教授那里学到的声音技巧是我强有力的基石。

在国外的学习更多的是对自己音乐风格的完善和对西方文化的吸收，所以有一个好的声音基础是至关重要的，而有一个能够激发学生学习热情的启蒙老师则是重中之重。刘教授慈爱而严谨，她常常对我们说：“对艺术的爱不能掺杂任何杂质，做

艺术要干干净净，就像做人一样，来不得半点虚假，你的努力和真情会在你的歌声中体现，同样，你的懒惰和虚情假意也会在歌声中呈现。”

大三时，我考入周小燕歌剧中心，在被国外媒体盛赞为“中国歌剧界第一夫人”的周小燕先生的悉心指导下，我出演了许多经典歌剧中的女主角，渐渐积累了一些舞台经验，自信心也与日俱增，更激发自己要向更高的目标迈进。

临近毕业，在得知被保研的同时，我偷偷报考了素有“音乐界的哈佛”之称的纽约茱莉亚音乐学院，一路过五关斩六将，成为这个学院在全球每年仅招十二名歌剧表演研究生中的一员，于是，我真正迈出国门，开始走向国际舞台。

如今，能够走到这一步，我有许多要感谢的人。如果不是我在不同的人生阶段遇到不同重量级的音乐导师和精神导师，我不会走得如此坚定。尤其是我的启蒙恩师刘若娥教授和詹姆斯·莱文先生，前者教会我如何科学地运用我的声音，更用她的言传身教赋予我严肃对待音乐的态度，后者则是我在音乐上的导师，同时也是我的精神导师。

不得不说的詹姆斯·莱文

作为大都会歌剧院音乐总监和首席指挥的詹姆斯·莱文先生已有四十多年的音乐指导经验，他和歌剧黄金时代的许多歌唱家都合作过，也是如今许多顶尖歌唱家最渴望合作的导师和指挥家。他把大量的时间和精力放在指导青年艺术家身上，给我们上课，与我们交谈，传授他四十余年在歌剧舞台上的智慧。如果要列举他在音乐上的造诣，无数经典音像资料可以告诉你答案。

在我通往大都会歌剧院的路上，肯·诺达先生更值得一提，他是詹姆斯·莱文先生的音乐助理以及大都会青年艺术家培训计划的负责人和音乐指导，莱文先生在大都会指挥歌剧歌手的所有音乐准备工作都是由诺达先生全权负责。如果说好的指挥是一部歌剧成功与否的决定因素，那么优秀的艺术指导则能够让指挥的工作事半功倍，他们通常需要负责所有歌手的音乐准确性，而这其中不单单包括节奏和音准，还需要带领歌手挖掘角色的深度以及保持不同作品的精准度。他们通常弹得一手好钢琴，更熟知歌剧的唱段，通晓多国语言，并帮助歌手把握角色的定位。因为工作的繁重和多元化，一位优秀音乐指导的培养可谓难上加难。诺达先生就是这样一位全能型的音乐指导，他在一次帮茱莉亚音乐学院的学生排歌剧时，听到了我的演唱（当时我唱的是莫扎特歌剧《伊多梅纽斯》的女主角伊丽娅），便邀请我报考大都会的青年艺术家培训计划，可以说他更是莱文先生的“耳朵”，帮助他在全球招揽音乐人才。

在大都会歌剧院的第一次演出

大都会歌剧院的青年艺术家培训计划是自上世纪八十年代指挥大师詹姆斯·莱文开办的一个致力于培养世界歌剧演员中坚力量的机构。我是第一个进入这一机构的中国女高音，在这三年半的时间里，我非常努力

地把握每一次学习和演出的机会。我现在对自己最满意的就是，我有独立学习一部歌剧的方式方法，积累了许多舞台经验，还聆听了莱文大师对自己的指导和建议。

印象最深的是，2009年在大都会歌剧院的第一次演出，我和著名歌唱家多明戈同台。他是我非常崇敬的艺术家，而这样一位举世闻名的艺术家待人非常和蔼可亲。他自豪地告诉我，作为一个歌者，最幸福的事就是不断挑战自己的极限。当时已经七十岁高龄的他在同年接到一部歌剧，导演和整个制作团队希望他能够吊着威亚在墙上行走，他欣然接受，并且对我说：“很高兴自己能够完成这个挑战，并且很享受这个过程，也学到了很多。”他还说：“一个真正的歌剧演员要活到老学到老，所以我才不停地增加自己的剧目，唱以前未曾唱过的角色，尝试以前没有过的表演方式。” 他的一番话让我深深地感到歌剧事业不仅仅是歌唱，更是一种人生态度、一种职业精神。

在国外的七年

在国外的七年中，我真正明白了当初刘若娥教授所说的常人无法忍受的孤独和寂寞。我还比较幸运，凭借着自己在高中时打下的英语基础，在国外学习期间语言交流基本没有问题，但繁重的课业压得我有些喘不过气来。每天光写各科论文、做音乐理论的题目就要写到半夜一两点，白天还要铆足精神和专业课老师、音乐指导老师上课，加上形体课、表演课、歌剧排练等等，让我无暇去做别的事。

硕士毕业后，我考入了大都会歌剧院的青年艺术家一职，于是纷至沓来的演出合同让我兴奋，同时我也很希望身在国内的亲人和朋友们能够和我一起分享，这种乡愁只有漂泊在海外的游子才能深深体会到。

有一次，我同时接到几场演出邀请，因为身体太累，得了急性支气管炎，不得不取消一场非常重要的演出，失去了一次很好的机会。病好之后，声音还需要一段时间的恢复，后面的演出却接踵而来，我花了很长一段时间，才使自己的身心调整到一个满意的状态。 而这次的教训也告诉我，“拼命三郎”的精神固然需要，但一个优秀的歌者更要保护好自己的身体，这也是音乐修养的一部分，有健康的身体才能使自己的艺术生命更长。

其实我的目标很简单，就是快乐地唱歌，认真地做人，简单地生活，和更多的人分享音乐带来的快乐，成为连接东西方文化的友好使者。

教学歌剧的舞台 第3篇

演唱穆塞塔, 我们可以通过声音、表情和形体三个角度来分析和把握。另外, 在最近一百多年以来, 普契尼的这部歌剧成为了全世界演出最多的十部歌剧之一。从诸多的演出版本中我们可以发现许多优秀的、可借鉴的演出, 对我们的演唱和表演都是很好的参考和启发。

一、把握演唱的声音特点

普契尼所创作的歌剧作品, 很好的继承了威尔第以及意大利古老的歌剧传统, 即非常重视人声在歌剧中的主导地位。他的咏叹调宽广抒情, 旋律优美, 富于表现力。演唱普契尼的作品, 声音上不需要威尔第一般的雄浑结实, 也不能像莫扎特一样的柔美轻巧。他的作品, 对于演唱者的嗓音要求上, 同样要求宽广抒情的女高音。他的高音一般在B左右, 很适合中等偏上程度的歌者进行练习和演唱。“倘若你想从次女高音转型到女高音, 演唱《艺术家的生涯》中的穆赛塔 (Musetta) 的唱段会很有帮助。”1由此可见, 这首咏叹调是很多人可以尝试的过渡性角色。穆赛塔第二幕的咏叹调“漫步街上”是一个表现她的性格基调和心理活动的著名唱段, 从谱面上的要求来看, 不可以用太重太饱满的音量来演唱, 但却需要充分展示出人物的光彩和魅力, 这就要求演唱者要尤其注意声音的泛音。

二、把握音乐的表情处理

杰出的女高音歌唱家卡拉斯在回忆指挥家塞拉分对她的影响时说:“他教导我, 凡在音乐上所做的一切都必须为音乐服务。如果你真正爱护作曲家而不只为自己个人成就着想, 你就必须将为一个颤音, 一个音阶找到意义, 而据此正确表达快乐、忧愁或悲伤的感情。”2因此在演唱每一个唱段时, 都要试图尽量赋予每个音以表情。为了准确的表达作品的形象, 歌唱者就必须调动声乐艺术的各种表现方法, 在演唱旋律音时就可以运用声音的力度、声音的音色、节拍速度、咬字吐字的语气、正确的呼吸等等各种变化的表现手段, 将音乐艺术形象生动、准确的表现出来。我们在演唱他的作品, 尤其是演唱穆赛塔的唱段时, 要注意谱面上标记的各种表情记号, 把握作曲家作品的风格特点, 还要注意通过舞台上的各种形体表情全面的来诠释人物。

(一) 把握音乐的表情处理, 首先要注意作曲家在其音乐写作上体现的突出特点。

普契尼特别善于在他的咏叹调中使用不同的拍子、看似随意多变的节奏, 巧妙的与各种伸缩性的变化和强弱交替相融合。普契尼是一个性格活跃敏感又不拘小节的人, 同时穆赛塔身上也带有此类随性、不羁、与神经质的元素。另外, 无拘无束的抒情性也是普契尼的一大特长, “漫步街上”, 完美的体现出了普契尼的抒情天才。大量同音反复与级进的运用, 是作曲家将咏叹调与宣叙调完美结合的体现。因此, 我们除了对谱面、剧情作深入的分析, 更要尽可能得深入作者的内心, 把握作者与作品人物的“魂”, 演唱时要把自己融入到作品中, 与人物、作曲家“三位一体”, 投入的表达。

(二) 把握音乐的表情处理, 注意作曲家谱面上所标记的各种表情记号, 包括表情、节奏、速度力度等。

如“漫步街上”唱词第一句, 作者标记的是“Tempo di valzer lento”要求我们在一个“柔板的、流动的速度中开始她的华尔兹”。第一句的重复歌词处加了一个“quasi rit”的渐慢处理, 一小节后紧接着“a Tempo”回原速, 下一小节又是一个“quasi rit”, 紧接着再次“a Tempo”, 频繁的速度变化, 展现了一个漂亮妖娆又随心所欲的女性形象。因此我们在演唱时要特别注意谱面上的标记, 体会作曲家的心思。唱词的第一句是在一个P的提示下展开的, 因此我们在演唱此处时不能太急躁, 更不能太饱满, 在华尔兹的韵律中唱出引诱的魅力。这一点笔者所提到的注意谱面, 实质上就是忠实原作。例如这一唱段中第一段的第一个B, 我们演唱时就不可以为了自我技巧的发挥和炫耀将其延长, 频繁的强弱交替也是为我们更好的展现人物形象做的及时提示。因此, 在演唱之初, 必须仔细的阅读曲谱。

(三) 把握音乐的表情处理, 同时要注意人物性格在剧情变化中展现的不同特点。

剧情是靠内容来体现的, 内容在歌唱演员身上又主要体现在歌词上, 因此, 清晰的咬字发音、准确的把握歌词背后的潜台词显得尤为重要。如“tutta ricercain me ricer cain me da ca po a pie”一句, (大意是“因为我是一个漂亮又浪漫的姑娘”)

谱例1:《漫步街上》第1216小节

看似是在自我陶醉, 实则在挖苦马切罗, “我就不信你就不被我吸引”, “ri”上的装饰音, 以及me的高音B, 似乎是要去挠马切罗的脸, 而“tutta”这个词上, 双辅音“tt”在意大利语中需要重读, 加之旋律的节奏重音, 对玛切罗的不理不睬表示了鄙视和怨气;再如中间一段“felice mifa, ”从歌词看, 是她因为她为自己身上无穷的魅力吸引着那么多人而骄傲和自傲“我多开心, 我多欢快!”

谱例2:《漫步街上》第2832小节

我们通常的思维是这样的歌词运用上行音阶比较多, 而恰恰相反的是, 作者运用了连续音阶的下行级进, 由mf的力度, 到p, 似乎暗示了她表面欢愉、内心失落的情感。“他们对我再多的仰慕也抵不上你马切罗对我的爱”。因此, 我们不仅要理解歌词, 更要弄懂作曲家究竟需要用这个歌词表达什么样的含义。

三、把握人物的形体特点

通过对作品中人物性格的分析, 我们可以发现, 穆赛塔放荡的行为背后, 隐藏着的是对爱情的执着。穆赛塔是拉丁区美丽的歌女, 她最突出的特点是张扬。因此我们在演唱和饰演穆赛塔时, 无论是衣着还是形体的表演, 要尽可能的洒脱投入和大胆。《艺术家的生涯》在诞生后的一百多年间, 世界各大歌剧院频繁上演。无数的歌唱家演唱过她的唱段。同时也赋予了导演与歌唱家们对这个人物的而不同理解和演绎。“尤其是在第二幕中, 唱主角的不再是两个含情脉脉的男女主人公, 而是放肆泼辣几近妖冶的穆赛塔, 这也是一个可以给优秀演员提供绝好表演机会的角色, 无论是唱功还是表演。”3如:1967年卡拉扬执导, 弗雷妮主演, 马汀诺饰演的穆赛塔, 热情奔放、收放自如, 很好的展示了穆赛塔的漂亮、张扬, 热情和泼辣, 她在唱“漫步街上”时, 身着漂亮的大红袍从玛切罗身边走过跑到吧台的桌子上坐着唱, 每一个细节的小动作都充溢着“穆赛塔”无尽的魅力;而1977年由帕瓦罗蒂担纲主演, 露琪亚波普饰演的穆赛塔则稍显含蓄。唱“漫步街上”时, 她就坐在玛切罗的旁边, 较少的动作表演更投入的演唱似乎把潜台词一起表达, 更深入的诠释了穆赛塔对爱情追求的大胆和执着, 声音也更加抒情。当然我们在演唱时都可以有不同的形体设计, 通过观摩不同版本的演出增进对此人物形象跟深入的认识, 为今后更好的演唱和表演提供一定的参考和启发。

普契尼的风格明显的表现在他为歌唱家提供了绝好的发挥机会。不同演唱者心灵的感受和情感的表达以及对作曲家的更深入的理解也往往会给音乐带来难以置信的变化。因此, 笔者认为, 真正放到歌剧的剧情当中, 把一个有着多重性格特点的人完整的表达, 声音、感情和形体担任着各不相同却都举足轻重的作用, 我们无法通过其中的任何一个方面来表达出所有的内涵。作为一门综合的舞台艺术, 完成一场成功的演出又岂止如此呢。

摘要：意大利歌剧大师普契尼是一位以旋律与女性人物塑造见长的作曲家, 他的作品《艺术家的生涯》很好的体现了这一特点。本文通过结合他该部作品其中的一首咏叹调“漫步街上”, 解析作为演唱者如何通过把握声音、表情、形体三个方面来更好的将歌剧人物诠释于舞台。

关键词：歌剧,穆塞塔,漫步街上,演唱

参考文献

[1].《完美的准备——歌剧咏叹调演唱试听 (应考) 指南》, 人民音乐出版社, 琼·纳门玛利亚·契亚切亚著, 罗抒冬等译, 田浩江审定

[2].《卡拉斯的歌唱》[美]约翰·阿尔多因, 《外国音乐参考资料》, 中央音乐学院, 1979年第4～5期, 109页

中国歌剧史的另一舞台 第4篇

国家大剧院自2007年开幕以来，集中了国内顶尖的艺术人才，吸收世界艺术精英，运用自身的品牌号召力，开辟了生产自主品牌艺术产品的道路，包括制作歌剧、交响乐、合唱会等。其中，笔者认为成绩最优秀、完全可以达到世界顶级水平的就包括国家大剧院制作的歌剧，如国家大剧院独立制作的《图兰朵》（2008年），《艺术家的生涯》（2009年），《卡门》、《茶花女》、《贾尼·斯基基》、《爱之甘醇》（2010年），《托斯卡》、《蝙蝠》、《灰姑娘》（2011年），《假面舞会》、《漂泊的荷兰人》、《罗恩格林》（2012年），《奥赛罗》、《纳布科》、《霍夫曼的故事》、《费加罗的婚礼》、《意大利女郎在阿尔及尔》（2013年）等，以及国家大剧院以联合制作方式生产的《魔笛》、《弄臣》、《蝴蝶夫人》（2009年），《塞维利亚理发师》（2011年），《叶甫盖尼·奥涅金》、《唐·帕斯夸莱》（2014年）等。可以说，短短几年间，北京已成为世界歌剧演出水平最高、剧种最丰富、场次最多的中心之一。

从国家大剧院开始制作歌剧起，笔者就是幸运的观众。而笔者收藏的《蝙蝠》（2011年）、《奥赛罗》（2013年）、《纳布科》（2013年）、《叶甫盖尼·奥涅金》（2014年）等节目单，由于得到国家大剧院院长陈平等人的热心关照，都留下了编演人员比较全的签名。

作为最著名的轻歌剧之一，《蝙蝠》可以说是约翰·施特劳斯的圆舞曲音乐大全。国家大剧院推出的这一版《蝙蝠》至少有两大看点，一是著名喜剧演员陈佩斯跨界演出了剧中的狱卒弗罗什，一是当今活跃在国际歌剧舞台上最成功的女中音之一梁宁反串男角，饰演了奥洛夫斯基亲王。陈佩斯和梁宁在笔者收藏的节目单上签了名。

2013年恰好是歌剧大师威尔第诞辰200周年，国家大剧院制作了威尔第晚年呕心创作16年之久才完成的《奥赛罗》。在歌剧史上，《奥赛罗》颇具革命意义，是威尔第中晚期最成熟的代表作之一。其中，传统的咏叹调、二重唱，以及歌剧合唱曲都完美地融入旋律和戏剧的交响中，形成了歌剧有机的整体。但由于该剧排练难度大，所以长期以来《奥赛罗》上演的机会比较少。国家大剧院推出的《奥赛罗》成了当年歌剧节的开幕大戏。

《纳布科》是威尔第的第三部歌剧，也是其迈向成熟阶段的一部杰作。国家大剧院制作的《纳布科》中，最引人关注的是多明戈大师倾力加盟，出演主角纳布科。笔者欣赏了《纳布科》首演，纳布科的饰演者即为多明戈。后来，笔者得到了包括多明戈在内的几乎全部主创人员签名的节目单。

《叶甫盖尼·奥涅金》是国家大剧院和俄罗斯马林斯基剧院联合制作的。该剧是柴可夫斯基根据普希金同名诗体小说改编的，问世以来130年间在世界各地长演不衰。值得一提的是，《叶甫盖尼·奥涅金》是国家大剧院制作的第27部歌剧，同时也是国家大剧院推出的第一部俄语歌剧。笔者欣赏了《叶甫盖尼·奥涅金》的首演后得到了多数主创人员的签名。

《艺术家生涯》则由国家大剧院与中央歌剧院联合制作。此版《艺术家生涯》2009年首演，2011年是复排重演。笔者请著名指挥家李心草在节目单上签了名。李心草还专门写道：“愿音乐永远带给您快乐！”

教学歌剧的舞台 第5篇

建党90周年前夕，经过空政文工团第五次复拍，精心打造的新版经典民族歌剧《江姐》登陆成都锦城艺术宫，为蓉城的观众带来了精彩的文化大餐。四川是江姐的故乡，其原型江竹筠出生于四川自贡，所以在这样一个特殊的日子里，《江姐》选择在成都上演，是有特殊意义的。我有幸观看了6月27日晚的演出，可以说真的被震撼了。当晚的演出全部由A角儿担纲，阵容豪华，真可谓是精彩绝伦，气势恢宏。每一位演员都是全身心地投入演出，使得高潮不断，精彩频出。由于是经典剧目，所以其中的许多旋律观众可说是耳熟能详，于是在整场演出的过程中多次出现了台上台下齐声高唱的动人场面。尤其是《红梅赞》这段，更是激起了大家的共鸣，许多观众甚至站起来和台上的演员齐声高唱，观众中许多人热泪盈眶，使现场气氛达到了高潮。由此可以看出，江姐深受人民的爱戴，在人民心目中有着崇高的地位。整体来看，此剧相当的成功。不愧是空政文工团精心打造的力作。从演员对人物的塑造与把握，故事情节的发展铺陈，矛盾冲突的出现，舞台置景、道具的使用、转换，灯光、音响、交响乐队、合唱队的渲染、烘托等诸方面都有良好的表现。而且在高科技现代化的传媒、影像技术的使用上都有所突破。因此，《江姐》的成功可以视为经典剧目经过重新打造升级成功的典范。我们原创的歌剧的未来发展方向，应当沿着这一模式走下去，一定能够打造出更多的精品剧目。

二观看《江姐》后的剧评分析

1．人物塑造个性鲜明

对于一个剧目来说人物塑造应该是一个核心的任务。因为一切故事的发展，矛盾的冲突都是通过剧中人物来表现的。人物塑造成功了，就会满盘皆活。因此从这一点上来说，《江姐》剧目中几位主演都有着突出的精彩的表现。首先拿江姐的扮演者王莉来说，她对江姐这个人物的把握、形象的塑造、人物性格特点的展现以及对唱腔的运用，对音色变化的掌握，强弱的处理，都做得很到位，真的是难能可贵。因为，王莉属于“80后”，这样年轻的演员来表现江姐这样的革命历史人物是有很大的挑战性的，但王莉用自己的实力和勤奋证明了自己就是江姐。所以，女一号的成功就首先奠定了此剧成功的基础，因为整个剧目都是围绕着江姐这个主人公来展开的。因此，主人公的形象鲜活了，对于整部戏的发展、走向以及其他演员的表演无疑就像吃了定心丸。她可以带动其他人的创作热情、表演的欲望。当然，有一点美中不足的是江姐在与剧中人物的对白中，王莉在力度的把握上稍有瑕疵，显得有些软，这可能会对江姐这个人物形象的塑造有一定的影响。当然，瑕不掩瑜，王莉整场的表现还是相当优秀的，尤其是声音的掌控，强弱的对比，呼吸的控制都很精彩。声音饱满，气息通畅，把美声学派的发声方法与民族音乐的风格、特点，结合得非常巧妙到位。所以她精彩的表演使得江姐这个人物形象很鲜明，在这一点上王莉是非常值得称道的。王莉本身是学美声的，她曾先后拿过青歌赛和中国音乐金钟奖美声唱法的金奖。可喜的是在与民族声乐作品的结合上她把握得很好。声音流畅、音区统一，音色优美、张力很好，但又听不出有美声的痕迹。既做到了具有美声唱法柔和、统一、连贯的优点，又没让观众觉得有“洋味儿”，而是地道的中国民族风格，说明王莉在美声唱法的民族化上是下过苦功的。我们有理由相信年轻的王莉在今后的艺术道路上能为我们中国观众塑造更多的经典形象，我们期待着!

除了王莉塑造的江姐这一主角外，剧中其他主要人物如蓝洪顺、沈养斋及叛徒甫志高等形象塑造也很成功。蓝洪顺的扮演者梁召今是我原先在河北工作的同事。梁召今曾获得2000年青歌赛美声唱法的金奖，过去我们经常一起演出。后来，梁召今获奖后，空政文工团特招他入伍，给予很高的待遇，让我们大家都很羡慕。从他赴京后，我后来也因工作调动到了成都，我们就很少见面了。那天的演出我留心观察了梁召今的舞台表演，他的声音依然是那么浑厚、通畅，高音充满了金属质感，是中国男高音中难得一见的戏剧性男高音，声音绝对一流，表演也很精彩，对于蓝洪顺这一人物性格特点的把握很到位。整个人物有血有肉，一举手、一投足都很传神，处处体现出蓝洪顺这一革命者形象的精气神，可以说是栩栩如生。在河北时，表演一直是他的弱项，没想到几年没见他在舞台表演上有了突飞猛进的进步。后来听空政的孙团长介绍说：“召今扮演的蓝洪顺被认为是有史以来最成功的蓝洪顺了!”能够得到大家如此高的评价，真为他由衷地感到高兴。看来空政文工团的确是锻造人才的大熔炉。

还有值得一提的是特务头子沈养斋的扮演者是空政文工团的孙伟国副团长，男高音歌唱家。孙团长真是业务、行政两不耽误，不但管理工作做得好，业务也很出色。所扮演的沈养斋真是活灵活现，把双手沾满了革命者鲜血的刽子手的阴险、狡诈，而又道貌岸然的丑恶嘴脸刻画得入木三分、淋漓尽致。分寸拿捏得恰到好处，不愧是实力派老演员。还有叛徒甫志高的扮演者陈小涛也给我留下了深刻的印象。陈小涛是四川人，有“川歌王子”之称。剧中他一口地道的川话韵味十足。活脱脱一副叛徒嘴脸，使人不由得恨从中来。难能可贵的是，在剧中他一人扮演两个角色，如果不是节目单上打出来说剧中的那个老人也是由他扮演的，真的一点也看不出来这两个反差这么大的角色竟出自他一人。这只能说明他具有出众的表演才华。

2．情节铺陈、矛盾冲突发展环环紧扣、场景转换衔接流畅

在整部歌剧的演出进程中，突出的就是这个特点。人物的出现、剧情的发展，矛盾冲突都很紧凑。随着剧情的发展，演员的表演也越来越出神入化，高潮迭起，观众中不时爆发出热烈的掌声。我想这掌声既是为剧中的人物，也是为演员精彩的表演。舞台场景的转换也非常流畅，从而保证了剧情的连续性、完整性，这体现了空政文工团舞美人员工作的细致、高效和高度的敬业精神。

3．现代化高科技的声光电手段的使用恰到好处

此剧中运用了许多现代化的高科技手段，来烘托舞台的效果。比如：在各个场景之间使用了LED大屏幕。这就在渲染氛围、制造环境上起了很大的烘托作用。还有一些高科技的灯光，使舞台看上去显得很有立体感，有3D的效果。使观众感觉身临其境，增加了真实感，也有强烈的视觉冲击力。有些许遗憾的是，音响的效果稍微差了些，使得有些地方不够震撼，从总体上削弱了整部剧的效果。但总体来说，空政文工团的这部经典民族歌剧不愧是一部精心打造的力作，在一个相当长的时间内注定是舞台艺术上的高峰!

三结束语

莫扎特未完成歌剧将搬上舞台 第6篇

塞拉斯是以对莫扎特的诠译引起人们争论而出了名的，他曾经把《唐璜》塑造成纽约黑人区哈莱姆贩卖毒品的大毒枭。看来，他的这部《扎伊德》也不会例外。他说：“我要把它编导成完全现代的作品，与莫扎特当年想的一样。”

塞拉斯说：“莫扎特写的是他那个时代欧洲人在穆斯林世界的生活情况。那个时候，欧洲人也为穆斯林世界‘威胁’而烦恼。故事从积极的一面来说是表现欧洲人如何与穆斯林人相处，而仁慈的概念是要来自双方。”

莫扎特开始创作这部作品时才20岁。但未完成。《扎伊德》故事的地点取在土耳其，讲的是苏丹王的女儿与一个奴隶的爱情故事，这种爱情是绝对不允许的。序曲和最后一幕丢失了，约翰·安德烈斯·沙克特纳的一段歌词也找不到了。但塞拉斯认为缺一点没有关系的。他说：“看来像这样表演对我们来说不成其为问题。20世纪的电影和小说使我们养成习惯，喜欢不完满的事物。它以祈求仁慈作为结局，却十分完美，让人留下无穷的想象。我们今天进入了21世纪，而21世纪才开始，穆斯林世界与西方的关系如何，你就有话可说了。”

塞拉斯说：“在人们根本不知道莫扎特写过这样的音乐的地方演出，观众对剧中出场的每一个人物都感到新奇，这才真了不起。有一首咏叹调是很迷人，用乐队伴奏唱出。其余的音乐都是听众第一次听到的。”

塞拉斯的这出剧将先在维也纳首演，然后再到纽约演出，而且是作为林肯中心每年的全部莫扎特作品节的重点剧目。

由乐队演奏的该剧的音乐会，还将于7月份在伦敦巴比坎剧院演出。