后印象派范文

后印象派范文（精选9篇）

后印象派 第1篇

在此之前的各大流派, 象古典派、浪漫派、到写实派以及初期印象派都不外乎以物像的客观事实为主进行描绘的, 少有主观成分。但到了19世纪末的后期印象派, 在西洋画坛上发生了根本变化, 从原来的客观描写转变为开始注重画家的主观内心世界的表现了。并融入了某些东方绘画风格。这是20世纪以来一切新兴美术的起点, 为西洋画界打开了新纪元, 也有人称后期印象派为“表现派”。把他们的作品视为表现艺术的绘画。这是因为他们的作品是内心情感与外界物像的结合;是画家个人情感所生的新的创造;是自我情感的宣泄的表现。

后期印象派画家之一的凡高尤是如此, 并被人们称为“火焰的画家”。凡高的杰作最具有代表性。他所描绘的向日葵, 是一种个性的表现, 是以向日葵的一种外界的存在物为基因而发的一种新的创造物。凡高是著名的充满激情与狂暴的画家, 在他的画中向我们展示的对麦田、天空、房屋、街道等物的描绘如同他心里狂暴的情感一样成波浪式的起伏。这些成波浪形、螺旋状的线条, 明亮、豪放、狂野, 具有强烈的节奏感, 充满心灵的震撼。灼灼逼人的线条与色彩令人过目不忘, 仿佛世界都在燃烧。这种自发性激情的有力笔触, 既非是事物固有的肌理, 也不是对象本身的动态, 而是从大自然中抽取出来的心灵象征。如他自己所说的:“我不是企图把我眼前的世界一丝不变地描绘下来, 而是通过更为强烈的色彩去表现我自己”。

凡高是使用画笔来传达其内心火一般的情感世界痛楚与欢乐, 并通过画笔而猛烈地爆发出来。凭借沸腾的生命力和对事物特有的敏感反应, 孜孜不倦地创造属于心灵世界的作品。凡高是现代艺术主观表现倾向的创始人, 而这一倾向正是对个体价值的全面认可为前提的。

在油画的世界里, 凡高常常被视为西方艺术自我表现的推崇者, 他的作品突出的个人风格和强烈的主观表现都会给人以这种印象。他在自我表现的过程中总是追求高于自身的东西, 以致在精神崩溃的边缘仍然保持着最强悍的自制力。他的一生是悲剧的, 但他的绘画艺术留给后人的是无穷的财富。

谈到后期印象派的时候, 我们不能不提到另一个油画大师塞尚。他的艺术魅力也是相当独特的。在他所有的作品中, 我们都可以看到团块状的几何型构造的画面。这是因为他在观念上想把一切自然物都还原为几何形。而实际上, 塞尚是以传统造型的手段创造了新的画面结构, 新的艺术语言。他所画的静物画典型地代表了他的艺术观念。他对不同的视点、不同的角度的观察结果的处理非常独特。那就是都服从于统一的画面结构中, 使整幅画面倾向于坚实、稳定、自律和完整。塞尚的这种独特的绘画风格, 为立体派的诞生奠定了基础。另一方面, 他善于使用色彩来造型, 不依靠明暗对立的效果来表现体积和深度。他是利用色彩冷暖的处理来表达的。正象他所说的那样:“用色彩来造型。”画中的色彩温暖、厚重、质感强。他尊重画面中的每一部分色彩与块面的相互依存, 并从这种复杂的关系中找到他所寻求的整体。然而这种特殊的色彩与团块的表现, 无非是塞尚的个性的一种表现自我性和主观性。

塞尚以其创作更以其观念为绘画找到了新的结构方式, 使之能够清除一切非艺术性的因素而创造出纯艺术的独特性, 即“结构的观念”。所以他被视为新型艺术的建造者和立体派形式的开拓者。这是他后来被称为“现代绘画之父”的原因。

后期印象派画家的第三位代表人物是具有文明人的敏感却逃离了文明世界都会的人高更。他离开了巴黎, 远渡重洋来到了塔西提岛这个太平洋的“世外桃源”。在那里找到了他所梦想的生命源泉和他想度过的“自由自在”的生活。

在这个没有人工粉饰的世界里, 高更的画一发不可收, 这里一切都是纯美和天真的, 毫无矫揉造作。他得以追求更自由、更朴素的画境。纯朴的塔西提少女;玻利尼西亚的美丽风光;这些都是高更画不完的丰富主题。他的画色彩绚丽、造型纯朴、极富装饰性, 充分显示了他的绘画理念, 那就是综合性。正如阿尔贝奥利艾认为的那样:“他的作品是理想的、象征的、综合的、主观的和装饰的”。高更的创作对纳比派、野兽派和表现主义等艺术流派都产生了多方面的影响。

高更的艺术呈现出一种“多样性”, 而在这种表面多样的风格之下隐藏着他对精神世界的好奇心。他的著名画题, 取名为《我们从何处来?我们是谁?我们往何处去?》最明显地反映了他想探索这个神秘的精神世界的愿望。

高更在绘画中企图摆脱传统的规则, 企图超越绘画自身的欲望。因此在他的作品上采用技术简略的手法。在朔造形体时不靠明暗渐变, 而是运用对立色调, 以扁平、单纯的色彩和轮廓线的转折来处理, 画出坚定、厚重的形体。并产生出前后远近的空间感。

为了表达出他要表达的东西, 高更采用一种“朴素”的画法。这里包含着现代艺术中最深刻、最具反叛性的思想:不是以“完善”的技法去接近“完美”, 也不是用“分离”的手段去寻求“极端”。而是以简化、取消以至破坏的方式去创造一种新的艺术价值。他想用他自己的主观观念来支配现实与客观。由此可见那时他已经是一个不妥协、具有激进与反抗精神的现代人。

谈到上述后印象派时期的三位画家, 这里也不能不谈到卢梭。虽然他的绘画风格与高更、凡高、塞尚完全不同, 但他也是一个表现浓厚的主观主义创作观念的大画家。

没有受过任何绘画方面教育的卢梭, 是无师自通、凭任天性的艺术家。永远学不会那些学派所宣扬的完美技法。也许正是这一点成就了他。使他的作品完全与众不同, 独树一帜。因为艺术的追求不是技术的堆砌。天真与纯朴对艺术来说更能满足人们对美的要求。而在这方面, 卢梭的天分是最富有的。他的作品出于天然的敏感, 几乎接近于儿童或人类艺术萌芽时代的创作思维。不管他画的是人物、树木、花草或建筑物, 通过他的眼睛大都成为正面排列。天真、质朴, 给人以亲切、贴近的感觉。他是一个不注重传统的透视法而将色彩平涂在画布上的创作者。他的特殊的造型能力能够把对象组织在一个复杂而单纯的画面中, 然后不分远近主辅地逐一、饶有兴趣地加以描绘。而这种描绘能让人感受到身心投入的专注和虔诚。尽管他经常用物体的固有色来对照笔下的色彩, 但总能将各种鲜艳的颜色统一在暗绿色和深褐色的调子里。

卢梭的作品几乎都显示出静止的、平面的、贴纸似的效果, 多少有一点象中国的工笔画。另外还充满着幻想神秘的情调, 似乎在梦中或在冥界。那种怪异的造型、凝固的动态、静穆的境界, 都给人留下异样的感觉。这样的境界只有卢梭的作品才有。他的稚拙艺术给后来的西方绘画以重要的影响。突出个体精神的主动性, 也就是说突出个性的表达, 成为不少艺术家的追求。他的作品引发了超现实主义主观性艺术的发展。最明显的例子是原为印象派的, 后来成为超现实主义画派的比利时画家德尔沃, 他画的《森林》几乎与卢梭的《梦》是同一个题材, 同一个气氛。德尔沃一生中的超现实主义作品, 大部分是离不开卢梭最初所描绘的那种静止的、梦中无声的或黑暗夜间的极具神秘感意境的启发。卢梭的绘画给后人带来了无尽的启发和说不完的趣味。

上述这四位画家, 都被视为后印象派时期的代表人物。但他们在艺术表现手法上是各不相同的。虽然他们都被归入后印象派当中, 然而这个名称原是个性的自由表现的意思, 故在他们的艺术上除同为“表现”的概念以外, 几乎他们之间唯一可以确定的共同点就是他们创造了主观主义艺术。是主观美术的先驱者。他们是从19世纪的绘画艺术进入20世纪新兴艺术不可轻视的过渡人物。他们的绘画风格为后来的野兽派、立体派、现代派和超现实主义派打下了坚实的基础。

后印象派 第2篇

印象派、后印象派绘画与色彩写生教学

本文对印象派、后印象派绘画的色彩理论进行了阐述,说明了二者对现代绘画色彩的.写生教学有直接的指导意义,以期达到理想的色彩写生教学效果.

作 者：王昌德  作者单位：景德镇陶瓷学院,设计艺术学院,江西,景德镇,333001 刊 名：考试周刊 英文刊名：KAOSHI ZHOUKAN 年，卷(期)： “”(12) 分类号：G63 关键词：印象派   后印象派   色彩写生  

后印象派 第3篇

关键词：张爱玲  小说创作  后印象派绘画  影响

一  小说家张爱玲与绘画艺术的关系

张爱玲作为一个小说家，她与绘画艺术之间存在着不解的情缘。她出生在一个特殊的大家庭里，家境优越，自小受到了艺术的熏陶，并身处上海和香港这样两个繁华的都市环境中，很容易就与绘画结下了深厚的情缘，逐步形成了一定的绘画艺术修养。在这些绘画艺术中，她尤其对西方的后印象派绘画情有独钟，有着较为独特的绘画艺术感悟。她非常崇拜塞尚、高更等后印象派画家的绘画创作，并从中获得了大量的小说创作灵感，在两种艺术形式相互沟通的渠道打開后让张爱玲的小说创作获得了新生的力量与源泉。她成为了具有绘画艺术特质的小说家。

因此，我们可以这么说，张爱玲的小说创作中具有一定的绘画性。她让诗画巧妙地结合在一起，可以让读者获得一种鲜明的视觉效果。张爱玲擅长于运用文字来进行绘画创作，人物的塑造或者场景的描绘都具有强烈的画面感，她把人的各种感官知觉融汇在一起，运用通感的手法进行具体化和物象化。这些都离不开她深厚的绘画功底。她在长期的绘画艺术浸染下积累了丰富的艺术感知力与品画意识，并自觉不自觉地运用到了自己的小说创作中，是绘画性形象思维模式在小说创作中运用的典范作家。

二  张爱玲对后印象派绘画的感悟与共鸣

1  感知现代气息。后印象派绘画艺术作品中往往体现的是一种苦闷、彷徨、悲观的情绪，这与当时的社会状况有关。作为当时后印象派绘画的代表人物之一的塞尚，更是被誉为“西方现代艺术之父”。他的绘画作品饱含现代气息，具有独特的画面形式感。虽然说他的作品有一种怪诞之美，但是，它在触动观者的同时引发了思考，引领观者来审视人精神层面的东西。它实际上就是现代人生存困境尤其是心理状况的反映。那么，作为小说家的张爱玲，她由于特殊的出身与所处的社会环境，她能够对后印象派绘画作品中的现代韵味一览无余。她是从小说创作的角度来审视塞尚画里的人物、神情形态，并从中感悟更多的精神意味。她把这些现代人的迷茫与惶恐与后印象派绘画的现代气息联系起来，感知到现代人的生存状况与精神压力，并把这些现代人塑造到了自己的小说创作中。

2  体味世俗风情。后印象派绘画家的代表人物塞尚开始引领大家为了艺术而艺术。他所创作的《抱着基督尸身的圣母像》中的圣母形象就像一个最为普通的妇人，与传统的高贵的圣母形象相去甚远，甚至可以看到圣母不仅是一个清贫的妇人，脸上还有着狭隘的痛苦表情。塞尚笔下的圣母就是一个褪去了光环的落入凡间的圣母形象，并容易引起人们内心里的共鸣，引导人们进行深刻的反思与无尽的品味。因此，张爱玲偏爱塞尚偏重于世俗的艺术表达，认为以他为代表的后印象派绘画作品中基本上都是朴素真实的生活片段特写。那么，张爱玲就把对后印象派绘画作品的俗世艺术表达方法巧妙地应用到了自己的小说创作中，因此，她小说中更多涉及到的是普通人过的日常生活，但是，就是这样的小事情也能够给人一种深远的启示。这就是张爱玲的独特之处，即通过庸人俗事来引发人们进行生命思考的高超小说创作技巧。

3  品读苍凉内心。后印象派的画家之一高更为了探求人们的内心世界而孤身前往塔西提岛作画，试图具体的表现出现代文明人内心的真实状态。因此，他的画作中充满了一股阴郁和忧伤的悲凉气息。张爱玲对他的画作有着强大的感悟力，还专门为他的一幅画《永远不再》写了一篇散文《忘不了的画》。而张爱玲也从中吸取了很多创作理念，并把它们折射到了自己的小说创作中。张爱玲深刻体会到了后印象派绘画中的苍凉美学，并引发了心灵深处的情感共鸣。她的小说中有种化不开的悲伤情结，这与后印象派绘画作品的悲凉气质不谋而合，它再现了现代人空虚的内心以及人性中的劣根性，进而说明了悲剧的无法避免。

三  张爱玲小说创作中对后印象派绘画的应用

1  奸诈小人的人物形象刻画。张爱玲非常喜欢塞尚的画册，并对其中人物的那种小奸小坏感到可笑。她在对这些奸诈小人的丑陋外表感到妙趣横生的同时，实际上也触发了她小说创作中人物形象的塑造灵感。因此，她的小说中人物形象塑造，在很多情况下都与塞尚画作中的人物形象有着一种艺术神韵方面的相通之处。比如，她的小说《红玫瑰与白玫瑰》里的佟振保，他与玫瑰相恋时还有着自己的小算盘，在爱情面前还有着诸多的计较，并对热情的王娇蕊又充满了怀疑的态度，不断试探与猜测她的心态。而当两人的私情暴露后，他编了很多谎言来为自己脱身，从而让一个懦弱虚伪的又奸又坏的男人形象变得饱满而生动。

很多人都认为，张爱玲的小说中偏爱刻画那些小奸小坏的市民形象。正如张爱玲自己所言，她认为在沉重的现实世界中，真正有着极端病态或极端觉悟的人们仍然是少数。很多人不太可能大彻大悟，正是这些不彻底的人物特点，才让这些人物显得更为真实，他们的小奸小坏才可以让读者读起来觉得更接近于现实人物。从某个侧面来分析，张爱玲小说中的这些坏人形象与后印象派画家大师塞尚画作中的人物形象有着极大的类似之处，甚至可以说在艺术层面上达到了一定的契合与关联。实际上，塞尚画作中的人物形象往往流露出一种较为强烈的讽刺意味，但又不失人性与温情。张爱玲在自己的小说创作中也敏感地捕捉到了这个艺术特质，并把其用于自己的小说创作中。比如，在张爱玲的小说《连环套》里有一个女性形象霓喜，就与塞尚画作中的苍老妇人形象有些类似之处。塞尚在表现这个老妇人人性中丑的一面的同时，还给予了一定的温情。因此，张爱玲笔下的霓喜一生也在拼命地获得一切。尽管作家笔下的这个女人是贪婪的，但是，张爱玲在讽刺她的同时，也在故事结尾之处给了她一些充满了温情的描绘，引发了读者的同情之心。因此，张爱玲小说中的人物形象刻画是兼顾讽刺与温情双重特质的手法，可以让读者阅读的过程中，不仅可以更为真切地感受到这些人物的真实存在，还可以让他们久久品味这些人物形象，引发自身对于人性的重新思考与探寻。这是张爱玲具有温情特色的讽刺艺术，更具长久的艺术感染力。

2  寓意深远的象征艺术运用。张爱玲在对后印象派画家高更的画作进行欣赏时，学会了其中的苍凉的艺术创作手法，希望从远古时期的孤独世界中来勾勒出自己的艺术王国。高更深入原始部落来寻找艺术的本源，探寻生命的本质，并试图揭开艺术的真谛。他认为土著人是艺术创作的源泉，并创作了以土著人作为主要对象的画作。这是后印象派画家高更对于原始世界与大自然风情的大胆挖掘与艺术再现。那么，张爱玲作为后印象派画家的忠实粉丝，她小说中的人物形象基本都是一些旧式家庭中的没落人物。这是她试图从远古的封建时代中来构建一个独特的张爱玲艺术世界。她往往选取了发生在很多年前的故事。比如，《倾城之恋》里就有一个老钟，它跟不上时代的发展，人物形象是一些旧式家庭里的男女老少。而在她的小说《第一炉香》中，女主人公葛薇龙出场时的衣服与面部表情基本上都带有一种浓郁的古中国情调。

事實上，后印象派画家高更常常运用象征的手法来表达个人体验或哲学思考。在他的代表画作《我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？》中，画家描绘了形形色色的男女老少形象，并使用象征性语言讲述了他们的人生经历。它激发了读者对于人性的永久思考，是对整个人类生命本质含义的真切拷问。而张爱玲则对这些后印象派画作有着深刻的洞察力，她透过画面里看似简单的事物与人物，体会到了其中所蕴含的深刻象征意义。张爱玲还把此象征手法大胆地运用到了自己的小说创作中，即使用了大量象征性事物与语言。她比较喜欢使用的一个意象就是月亮，这个意象物在小说《金锁记》里出现了若干次，象征了小说中人物的特定心境与情绪变化。在《第二炉香》里也出现了“小蓝牙齿”的意象。它第一次出现在描述愫细的姐姐时，第二次出现在婚前愫细描述中，第三次则出现在小说结尾处。小蓝牙齿看似普通，但是在特定的情况下去却可以变成尖利的獠牙，能够让人声名狼藉，甚至导致生命的悲剧。因此，它留给人们无尽的思考，并让小说中的普通事物更具深远的寓意。

3  绚丽色彩的丰富情感传达。后印象派绘画中一个较为显著的特点就是擅长于使用鲜艳明丽的色彩，梵高是最为突出的画家代表之一。在他的画作中，各种绚烂的色彩让人感到眩晕，但却把画作品质提高到了一个新境界。而张爱玲作为后印象派绘画艺术的拥护者与欣赏者，她本人对于颜色也有着源自内心的喜爱之情，并表现出独特的色彩理解力。她认为桃红色可以闻得到香气，人名中还有颜色蕴含于其中等。正如她自己所言，她对于各种色彩有着极为敏感的洞察力，还喜欢在小说创作中运用各种浓厚的色彩。有学者认为，张爱玲的小说叙事空间中悬挂着浓重的色彩，甚至可以把她的小说当作是一幅画作，包含了中国画的飘逸和西方画的丰满简约，并透过色彩的恰当布局而显得更为细腻。

在她的小说《第一炉香》里，姑母家的房子就是五颜六色的，各种颜色搭配在一起让人感到一种灼力的艳丽感。整部小说中充满了刺目的颜色。而在小说《倾城之恋》里，白流苏站在甲板上看到的海景也是色彩斑斓的，各种色素冲击在一起，让整个海水显得异常热闹。另外，白流苏的伞也是颜色鲜明的。整个小说中充斥着绚烂的颜色，就像是一部颜色交响曲。读者似乎沉溺在一个颜料盒里，到处都是五颜六色的颜色，给了我们读者一次次的视觉冲击力。后印象派绘画中还常常把主观精神融入到颜色描绘中，这是它的最大创造性所在。而张爱玲也传承了这样的创作理念，因为她认为这几乎就是自我完成的创造手法，并不是单调地实事实物的简单复写。她通过各种色彩来表现心灵的真实情感，让读者体会到其中更深的意味与感染力，是作家主观精神在小说创作中通过颜色传达出来的艺术手法。比如，张爱玲的小说《传奇》中，色彩的运用几乎都带有刺激性与撩拨的诱惑，但是，它能够给人启发，让读者看透其中蕴含的语言内蕴。有学者认为，张爱玲小说中的色彩运用实际上就是一个主观情感表达的艺术方式，可以把复杂的心理内容形象直观的表现出来，是属于张爱玲自己的心灵创造物，时时刻刻传达着张爱玲的小说创作意图与作家强烈的主观精神，不仅带给读者强烈的色彩视觉冲击力，同时还可以让读者感到一种悠长的艺术品位。

参考文献：

[1] 艾红红、宫承波：《试论张爱玲小说的绘画效果》，《广西师范大学学报》（社科版），1996年第2期。

[2] 王文艳：《张爱玲与西方现代绘画》，《社会科学家》，2002年第1期。

[3] 王喜绒：《张爱玲的〈传奇〉与绘画艺术》，《中国现代文学研究丛刊》，1996年第4期。

[4] 王雪媛：《张爱玲小说视觉艺术新探》，青岛大学硕士论文，2005年。

[5] 周翔华：《中国现代画境小说探索》，广西师范大学硕士论文，2005年。

论后印象派绘画中的色彩 第4篇

一、后印象派画家对色彩的全新运用

后印象派的画家们反对一味地追求光与色,他们更注重各元素之间的相互联系和谐统一,他们主张摆脱客观现实和传统绘画观念对绘画的束缚,他们将幻想和想象充分地体现在作品中,强调个性化。

(一)塞尚

塞尚被称为“现代绘画之父”,他画面结构的和谐统一以及对色彩的独特运用,是其贡献之一。他认为印象派过于注重色彩,结果导致色彩支配了形式。塞尚坚持“用色彩来表现透视”,他的绘画结构严谨而厚重,关注物体的几何形状,为了不破坏形、色、光之间的和谐,塞尚将光让位于画面的结构。他的艺术个性体现在“用色彩造型”。他在注重光色统一的同时更加注重形的存在,他追求光色与形体、构图之间的完美关系。塞尚运用色彩的冷暖来塑造形象表现空间,在构图中有意地改变线和块,从不同角度诠释各对象元素之间的关系。塞尚的绘画注重各元素的和谐,充满生机,富有装饰味,色调明净。

(二)梵高

梵高是具有探索精神的一位后印象派画家,他认为在绘画中最主要的就是色彩,他的色彩能激起人内心的澎湃,震撼人们的心灵。梵高用冷暖色的对比凸显暗示的心理功能,《夜间的咖啡屋》是其具有个性化风格的代表作品,画面中运用了补色的对比,补色之间界限分明,对比强烈,使人产生强烈的压迫感,这种强烈的色彩对比,是画家经过深思熟虑而安排的。作品《星夜》中用大面积的冷色调表现透气凝重的感觉,将画面中的星星和月亮处理为暖色调并与天空和山脉的冷色调形成对比,使画面产生跳跃的感觉,画面中的柏树是一个大三角形的色块,在画面中起到稳定的作用,由于考虑到它的孤立,梵高在柏树的不远处设有一个白色尖顶的教堂,在画面中起到了至关重要的作用,使画面产生一种平衡感。为了形成呼应,画家在画面中使用大量的饱和色。

梵高善于运用色彩符号,《向日葵》就是其中典型的代表之一,这种色彩的符号与具象的物体相比更具有视觉冲击力,在艺术审美上更是一种挑战。他运用了夸张的手法,将向日葵进行扭曲化处理,将熟悉的事物陌生化,更能吸引人们的注意力。在色彩的构图上梵高进行了精心处理,他强调色彩的对比效果,而忽视立体感和空间感。梵高并不是客观地表现自然界的向日葵,而是进行了一系列的主观处理。观众只有走进画家的内心世界,才能感受到《向日葵》不同寻常的色彩。

(三)高更

高更是把精神与理性放在首位的一位后印象派画家,高更善于思考,大胆创新,他拒绝再现自然,而将平涂色块和象征意义充分地体现在画面中。高更的绘画有着浓烈的装饰意味,色彩鲜艳,他用黑色和深色对轮廓线进行处理。高更认为艺术不是对自然的模仿,而是一种抽象的概括。

作品《坐在毯子上的裸女》中的显得人物被简化并未表现出人体的解剖关系,却显得很合理,并与画面中平涂的色彩相呼应。画中黄色的礼花和紫色的毯子是画面中的点睛之笔。在色彩上这幅画运用了大量的原色,摒弃了立体法、明暗对比、光影效果等,追求造型的自由,营造了独特的色彩氛围。在《塔希提妇女》中高更用平涂的手法描绘了坐在沙滩上的两位塔希提妇女,鲜艳的衣服、黄色的地面、碧绿的大海、深色的轮廓线,交织在一起给人强烈的装饰感。高更绘画中的色彩充满神秘感,具有象征意味,他将形式构成运用在画面中并强调艺术要主观化不能照搬自然。他的绘画作品还具有神秘的宗教意味。

二、后印象派绘画色彩对中国现代油画的影响

后印象派的色彩对中国当代油画产生了深远的影响,它的美学价值至今仍被人们不断挖掘,我们应当把后印象派当成一面镜子,从中寻找自我,结合中国艺术特色,创作具有民族特色的中国油画。

(一)中国现代油画对后印象派色彩的运用与融合

后印象派绘画对当代油画产生了深远的影响,主要体现在他的创新精神上。艺术家在绘画创作中需要不断创新,主动向传统陈规戒律挑战。后印象派的画家打破了传统的创作理念,冲出了思想的牢笼,他们大胆创新,用独特的思想去表现事物。一种新的艺术形式被认可需要一个过程,这个过程也许是痛苦的,印象派就是在不断的嘲讽中成长起来,并逐渐被认可的。当代中国画家应该秉承后印象派的创新精神,努力创作出具有中国特色的独特色彩。

1887年李铁夫赴西方学习油画,之后有徐悲鸿、潘玉良、林风眠等一批画家也陆续赴西方学习。20世纪20~30年代,一些从海外归来的画家,将西方的油画介绍到中国,并创办美术学院。50~60年代中国油画家远赴东欧、苏联学习,进行学术交流,这一时期中国油画得到了很大的发展。70年代后期,中国的画家已经能很好地掌握油画的色彩语言。21世纪,中国主张自主创新。世界竞争日益激烈,中国的油画必须要大胆创新才能屹立于世界艺术之林。后印象派那种大胆创新的精神,恰恰是我们油画改革中所需要的。后印象派梦幻般的色彩,可以为现代人提供精神栖息,在那里人们可以得到暂时的安静,可以缓解社会生活带来的压力。后印象派画家艰苦不懈的探索精神一直鼓舞着中国画家。

进入21世纪,中国画家对后印象派色彩的研究仍然是一个重点,我们要从中寻找新的创作之路,就不能把后印象派仅仅当作一个画派、画种去看待,而是要把它提升到精神的层面去思考。中国油画现在呈现“百花齐放,百家争鸣”的局面。这是中国艺术家将西方外来文化与中国传统艺术整合的结果。

(二)创作具有民族特色的中国油画色彩

色彩可以表现艺术家的精神世界和情绪变化,也可以表现一个民族精神文化。在中西文化的交流中,打破了中国绘画长久以来的封闭式状态。在中国传统的壁画中,运用了蓝紫色表现对佛教的虔诚。唐代绘画中运用红黄绿、金粉勾染色彩,表现了那个时代的审美追求和精神风貌。中国油画发展时间并不长,西方绘画为中国油画提供了良好的发展空间。中国画家将有机会把中国画色彩中的优秀成分与油画相结合。中国画的色彩具有很高的艺术水平,但却缺乏科学的色彩规律,存在明显的不足,所以我们要学习西方绘画中富有激情的色彩,我们要将二者相结合,运用到中国的油画创作中,创作出具有中国民族特色的油画。

三、结语

后印象派的画家一生执着于对色彩精神的探索,并带来了一场划时代的色彩变革。他们的努力为之后的现代艺术带来了巨大的影响,也对中国现代的油画发展起到了至关重要的作用。

摘要：后印象派的画家们敢于向传统挑战,大胆创新,他们的这种精神鼓舞着众多的艺术家。他们的艺术精神生生不息,不会因时代变迁而湮灭。

后印象派 第5篇

 作者：王洪业

 单位：肥城市第一高级中学

 更新时间：2016-10-30 21:12

 浏览量：3 一． 学情与教材分析：

（一）学情分析：

吴冠中回忆他少年时期听到人们对欧洲现代绘画的评价是“远看西洋画，近看鬼打架”；他去参观刘海粟画展，展览会上有文字提醒观者“须离画十一步半”观赏„„国人逐步接受印象派，就有一个挺漫长的过程。因为中国绘画都是线性思维，可是现代绘画却是拿着一个大笔刷子，走进看就是一个笔触，所以这是很难接受，这是东西方两种不同的思维方式。50年代的时候其中有一个争议，就是关于印象派要不要发生很大的变动？是不是带有资产及生活方式？我们无产阶级要不要接受它？一直到改革开放以后我们的美术又重新开始接受印象派，艺术对西方现代艺术又开始重新评价，中国人是一波三折的接受现代派艺术。陈丹青在他的著作中说，中国的人民实际上对艺术是非常饥渴的，中国普通的老百姓对现在艺术的认知度几乎为零。。。

由此可见，本课内容对于成人来说都是很难理解的，对于很少接触第十二课

后印象主义与西方现代派美术的高一学生来说，其难度也就不言而喻。但是，学生学习本课内容也有他们有利的一面，那就是现在学生见多识广，求知欲强，对新鲜事务接受能力强，再加上现代媒体的普及，老师如果能够抓住本课学习的要点，还是能够完成教学目标的。由此看来，能否围绕教学目标讲好本课的关键在于――如何根据学情而不是单凭课本内容来确定本课的教学重点，并且既简练又要点明确的完成教学内容。

（二）教材分析 1．教学目标：

学生通过学习第10课和第11课，对各种类型美术作品已有了一个大致了解，本课内容即是上两节课内容的延续，又是为以上学习内容提供一个关于西方现代艺术的背景知识。因此，本节课的目的就是围绕本课的主题“西方现代艺术”，对西方现代艺术进行一个历史性的概括性的梳理，使学生对西方现代艺术有一个整体的了解和把握，并让他们知道，西方艺术的发生和发展是与西方的历史情景相关的。在掌握这些知识的同时，使学生学会鉴赏具体的现代艺术作品。2．内容结构：

本课由两大部分构成：

第一部分首先对后印象主义给予一个时间上的界定及其画派特点和代表画家。

第二部分简述了现代艺术的产生发展及其部分代表性的流派，但没有很具体的内容。

（三）教学难点

本课教学难点存在几个方面：一，对教师而言，本课涉及大量的流派，而这些流派又涉及丰富复杂的背景知识，教材几乎没有对作品的鉴赏文字，所以要求教师必须要掌握大量的有关知识，讲述既简练又要点明确；二，对学生而言，本课内容较多，短短三页课本，涉及了几乎近两个世纪的艺术内容，要在45分钟内掌握基本的背景知识并初步学会鉴赏一件具体作品，并非易事。

（四）教学重点

根据学情及其教材特点，我认为本课的重点在于：

1、掌握后印象主义对后世的影响，及其主要代表人物、作品特点。

2、掌握现代派美术的主要流派及其代表人物。

二、教具：多媒体设备、后印象派典型作品幻灯片、现代派部分作品幻灯片

三、学具：纸、笔

四、教学过程

（一）组织教学

按常规组织教学

（二）故事法导入新课 讲述后印象派名称的由来，引入课题。1910年伦敦准备举办一个现代法国画展，临近开幕的时候，受邀请的社会名流及大量的爱好者云集画展门外，但是画展的名称还没有确定下来。作为展览组织者的英国人罗杰。弗莱一时没有办法，便不耐烦地对工作人员说：‘那就先把它叫作后印象主义吧！（板书：后印象主义，引入课题。）以后，‘后印象主义’便被用来泛指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，从而形成独特艺术风格的画家，其中杰出者有这里的塞尚、凡高、高更等。开创了西方现代美术的历史。（板书课题：与西方现代派美术），指出：这就是我们本节课的学习内容。

（三）讲述新课

引导学生看屏幕作品《向日葵》《我们从哪里来？我们是谁？我们向哪里去？》《静物》三幅作品。引导提问：从画面上看到了什么？有什么感受？画面上描绘的景物是否忠实与自然？风格是否相同？

学生回答自己的感受。。。（1）脱离了自然（2）风格不同。师总结：以上我们看到的作品，就是西方后印象主义画派（板书：

一、后印象主义。特点）的典型代表作品，他们有一个共同的特点，就如同学们所观察到的，画面脱离了对自然现象的依赖，具有强烈的主观性的形象和色彩。实际上，后印象主义并不是一个社团或派别，也没有共同的美学纲领，他们的艺术风格也是千差万别。之所以被称为‘后印象主义’，主要是美术史论家为了从风格上将其与印象主义明确区别开来的原因。后印象主义实际上是个大杂烩，风格根本不同。”

后印象主义对后世有什么影响？我们又如何来欣赏他们的作品呢？下面我们就凡高、高更的作品走入后印象主义的内心世界吧！

凡高作《星空》等作品欣赏：

（凡高生平简介）这是他的“夜咖啡馆”，咖啡馆是一个很快活的地方，但是在梵高的笔下，他认为咖啡馆是一个苦闷的地方，或者让人堕落的地方。他用了黄色的地面，红色的墙，台球桌子很绿很绿，所以让人觉得这个地方非常的不可思议，有点儿像地域一样的感觉。这也是他画的夜间露天咖啡馆。梵高一生是非常痛苦的一生，因为没有人理解他，他是太富有爱心的人，爱到了让人受不了的地步。他曾经收留了一个被人遗弃的妇女，跟她结婚了，生了小孩。这一切都是处于同情，但是这个女人最后还是不能忍受，也离开了他。最后进了精神病院。他的精神状态是处于一个正常人和一个精神病人之间，所以在他的表现上，在他眼中看到的世界也是这样，带有非常强烈的情绪感在里面。每次看到这幅画，都会让人 心中都会感到一阵酸楚，那种虚幻与不确定让人心痛――― 不是那个时代抛弃了这位天才，而是他跑的太快抛弃了那个时代。

（播放凡高作品）梵高——这个名字让你想起什么？金色的向日葵、燃烧般的丝柏、风吹过的麦田、夜幕中的咖啡厅，灿烂迷人的星光„„，每一个细节都散发出温暖和动荡的激情，一幅幅狂嚣般的画面，都是梵高孤独内心底层最深的呐喊。正如他所说：“生活对我来说就是一次艰难的航行，但是我又怎么会知道潮水会不会上涨，及至淹没嘴唇，甚至会涨得更高呢？但我将奋斗，我将生活得有价值，我将努力战胜，并赢得生活”。——希望同学们在学习中也要有这种锲而不舍的精神。简要介绍高更作品。。

师总结：（板书：意义）从以上作品看来，后印象主义抛弃了传统的包括印象主义的客观性和自然主义的创作态度，转而转向更高的对形式结构、色彩的情感表现。应该说，正是后印象主义，把绘画与真实终于分离出来，成为一个与现实真实并行存在的的艺术现实了。并产生了以批又一批杰出的艺术家和艺术杰作，为我们展现了西方艺术史上最绚丽，辉煌的一页，从而开创了西方20世纪现代艺术新纪元。

（板书：

二、现代派美术）

学生观察蒙可、马蒂斯、毕加索、康定斯基、达利的作品，并思考一下问题： 你所看到的作品。美不美？像不像？真不真？ 板书：

1． 美术不一定是“美”。

野兽派作画笔法狂放、色彩主观、形象简化，不讲究所画对象的形式美。野兽派代表马蒂斯的《马蒂斯夫人像》，其夫人形象不论从肤色、衣饰还是神态情感看，都称不上美。2． 美术不一定要“像”。

立体主义画家毕加索画《哭泣的女人》《亚为农的少女》，人物的头、身躯、两脚忽大忽小，不讲透视比例，只求突出时空的重叠叠加。它先把一切物象加以破坏和肢解，把自然形体分解为各种几何切面，然后加以主观的组合，甚至发展到把同一物体的几个不同方面组合在同一画面上，借以表达四维空间。引起了绘画造型的革命。

3． 美术不一定求“真”。

超现实主义画家达利的《记忆的永恒》，把时钟画得像个大薄饼，并将其对半相折半平半垂地挂放在桌沿上或树枝上，时钟竟也能运走自如。4． 美术不一定要“笔”。

西方有所谓“行动派”画家在自己身上或模特儿身上裸体涂满颜料，然后往摊在地上的白画布上打“狗滚”，让躯体、手脚留下色痕以成画作。5． 美术可以是极端。

法国观念派美术家伊夫·克莱举办一个“空无”展览，画厅里一无所有，观众所见的只有三堵白墙和临街一面的空橱窗。其主要的展品是一个出奇的观念。6． 美术可以是梦幻。

意大利画家契里可《街道上的神秘与哀愁》，内容具有梦幻特点，其中梦一般的天空梦一般的人物都体现了梦幻特点。

7． 美术可以是行动。

法国行动派画家马蒂尔在1956年当众作了一幅高4．2米，横宽12米的大画，只用20分钟时间完成，在当时成了一种惊人的新闻报道。表演完了，作品也就取消了。行动派认为生活与艺术的界限越含混越好，没有必要有作品，美术家应该和歌唱家、舞蹈家一样表演完了，作品也就消失了。8． 美术可以是符号。

1901年前后，经过俄国画家康定斯基，荷兰画家蒙德里安等人的数年摸索，抽象主义终于形成。艺术家摆脱造型艺术再现视觉感受的传统，把点，线，面视作自主的表现力愿素，使之变成有象征意义的符号，从而把艺术家的情感传达给观众。二战后，美国人波洛克开始转向抽象表现主义。他不用笔画，而是在画布上乱撒颜料；画面上没有任何具体形象和生活内容，只有斑点状的东西扩散开去，从而超越了有框绘画的狭小范围，是画面具有一种无限空间的感觉。

由上可见，西方现代主义美术的内容与形式包罗万象，任何东西都可以成为艺术品，任何人都可以成为艺术家，就看你如何去欣赏？如何去实现？艺术是创造，艺术是翻新，艺术创造的可能性是极其广阔的，艺术品的每一种成分和艺术活动的每一种成分都是我们研究、翻新的对象。是否现代美术是摸不着边际的？生活中有没有这样的现象存在？

同学们都知道，当前流行的一则商品广告的艺术设计：名牌耐克（nike），其商标为一个“半象月牙半象钩”的毛笔挑钩，形象简练至极，人们仔细思考后，觉得这倒很有些像遮阳帽的长长帽舌，再一深思，这一钩也可说是遮阳帽的抽象吧！

由上可见，西方现代主义美术也不是奥妙莫测的，我们应该用一个正确的观点去对待，拓宽思路，提高审美素养和鉴别能力。

（四）小结：

师总结：这就是进入二十世纪以来，西方美术在十九世纪先后产生的浪漫主义、现实主义、印象主义和后印象主义的基础上，发展并形成了内容纷繁复杂，形态千姿万变，手法奇特的“现代主义美术”。其最大特点是努力突破以至完全摆脱或否定西方写实美术的传统，强调表现美术家的主观精神和艺术形成方面的种种探索。主要流派（板书：主要流派）有野兽派、表现主义、立体主义、超现实主义和抽象主义等。此外，还有行动派、观念派、风格派、借实主义等等。“西方现代美术”已为人类艺术世界构筑了一座庞杂的令人眼花缭乱、思幻莫测的艺术迷宫。

该如何看待当今二十世纪的西方现代派美术？意义何在？（板书：意义）确实有相当数量的作品画面模糊，变形，甚至荒诞离奇，令人不可思议，表现了部分流派的唯心主义艺术趣味和颓废思想；但更多现代派艺术家通过创作体现他们的叛逆性格，强调自身的价值，表现艺术家的主观心灵，也创造了不少值得我们借鉴的艺术表现方法和新材料。

（五）作业：

后印象主义对康定斯基的影响探究 第6篇

关键词：后印象主义；康定斯基；影响探究

中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1671-864X（2016）10-0196-02

后印象主义认为传统绘画妨碍艺术家表达事物内在精神，不再满足于“看山是山”的客观形象呈现境界，力求山的内部精神，鼓励艺术家追求对于山的本身想象，如此一来，“山”就作为艺术家表达思想与情感的媒介或工具，后印象主义认为艺术家笔下的事物需要以一种具有生命力的新形式区别于传统环境，重新现于画面中。

一、康定斯基理论及抽象艺术

（一）形成。

20世纪美术瞬息万变，作品主题、内容题材各不相同，除此以外，绘画表现形式本质相同。艺术表现形式从实质上来看就是抽象的，艺术抽象特性必不可少，艺术就是将客观物象“抽离”出现实物质世界并对其有意识的实施再创造，以此形成新式艺术表现形式。抽象艺术由康定斯基、马列维奇及蒙德里安共同缔造，“艺术并不对可见的东西仿造，而是创造不可见的东西”，因此抽象艺术摒弃描绘客观世界，专注于创造不可见于现实的东西。康定斯基于19140年创作出抽象水彩画，这也是现代绘画史上的第一幅，在画中，康定斯基并未描绘出任何清晰、具体的客观形象，其以纯粹线条与色彩表达画作，摒弃传统绘画中存在的所有绘画性因素。这幅水彩画的诞生使康定斯基明确绘画方向，与此同时，这同样是抽象艺术发展于世界艺术史的序幕。

抽象艺术产生历经探索，受到同期各流派影响，作为表现主义的一员，康定斯基受后印象主义艺术家高更影响。高更艺术形式倾向于传统，力求将内心真实面貌表达出来，使绘画元素脱离自然形态，康定斯基受高更追求艺术的理论及思想影响，绘画作品中的艺术主体偏向原始，其作品外在形体与色彩表现更为纯粹，脱离客观形态，在此基础上形成自身独有艺术美学理论，并为建立抽象艺术奠定良好、纯粹的理论基础。

（二）艺术特征。

康定斯基于1923年将《点、线到面》出版，给予作品组成基础的点线面及其关系以定义，作为抽象艺术家，康定斯基认为点、线、面具有绘画基本美学含义，其在书中详细描述绘画元素，高度评价“点”，认为其是消极的因素，是一种非存在的象征，是事物发展中项，是两个存在的连接桥梁，是一种非物质存在，在纯粹绘画汇总，其蕴含着无限之大的含义，不具有扩张力，并没有倾向方向。抽象艺术中，绘画元素点线面可以将艺术家内心情感充分表现，在创作画面中作为纯粹几何图形并未代表任何意义，以最纯粹的形态现于作品中，在抽象绘画中以方向的、运动着的形态表现，在无限大空间中具有强烈力量与情绪，不依附于客观物质存在，点线面的纯粹就是最重要的力量。

哲学、心理学、宗教及音乐等不同方向都对康定斯基形成期色彩理论产生影响，在康定斯基绘画作品中及绘画上的探究发展相辅相成，其色彩理论作为抽象艺术美学十分重要的组成之一，表现出康定斯基自由大胆的色彩尝试。在抽象艺术中，康定斯基充分运用绘画元素，艺术抽象元素并不仅限于艺术家界定，其由观众、艺术家及社会整体共同完成，画面准确见解的表现由点线面完成，其表现形式能够直击观众心灵，使其与创作者产生强烈共鸣。直击内心的、纯粹的色彩表现力可以激发观众情绪，使观众感受到艺术和谐与内在精神。艺术家可以使用原始绘画元素将内在情感极致表现，将作品中悲伤或快乐的情绪传达给观众，抽象艺术能够试管中深入内心感受作品，这就是抽象艺术的出发点。

（三）内在特征。

绘画内容表现在抽象艺术中不再是单纯模仿自然，需要将艺术家内心需求表达出来，艺术中发展美的重点由外在形式表达转变为内在思考，传统审美方式逐渐转变。在艺术创作中，抽象艺术主体不收任何客体及观念制约，艺术家能够将人的情感世界自由表达，使创作者内在需求与情感成为绘画主体。康定斯基十分肯定，人类内心中存在一种可以与精神共鸣的契机，这就是“内在需要”，其强调艺术家自身个人体验，由于其仅能为艺术创作者本人感受，因此十分神秘莫测，完全处于主观心理需求。康定斯基理论中认为“内在需要”本质即为情感，作为一种潜在冲动，内在需要是艺术家本身的体验，其并未依附于客观载体，是脱离于艺术之上的。“内在需要”贯穿康定斯基理论，作为重要核心，内在需要是抽象艺术的关键性内容。

艺术作品诞生即为奥秘，绘画的价值并非艺术家在其作品中注入的定义，有了艺术性，就并不需要其他逻辑或理论指导画家进行创作活动了。艺术家内在需求会指引他以何种形式开始创作，因此艺术家总是充满激情创作，他们懂得正确艺术创作形式不期而至。必须明确，艺术创作冲动不在于客观形象，其源于创作者内在需要，不用于传统方法，抽象艺术需要重新处理对象，在创作中，康定斯基更多考虑作品形体及色彩的内在和谐。对于选择客观对象，艺术家必须从内心感触及需求出发，满足人们深层次的内训需要。人们内心具有怎样的需要，就会怎样去表现。康定斯基处于各类艺术形式转瞬即逝或融合或分裂的时代中，其仅仅观察自身精神活动，倾听内在需求，并寻找表现手段，以此表达内心情绪与内在情感。康定斯基理论“内在需要”本质即为情感，所有的艺术现象追根溯源都以内在需要最终解释。康定斯基开拓抽象艺术，抽象艺术随精神意志创造出不同的形式，使艺术创造力发展出无限自由，推动艺术打破物质存在，唯有凭借感情指引，观众与艺术家才能沿着明确的方向前进。

二、影响

后印象主义的代表人物之一即为保罗·高更，其作品中蕴含的“抽象冲动”理论以主观角度将艺术分为两种，即抽象倾向与移情倾向。康定斯基同样将艺术分为两类，即精神与物质。精神的艺术以艺术家内心激荡引发观者共鸣，物质的艺术以神经刺激感染观者。

高更艺术并非简单以自身投入外物并获取感受，而是追求内心安定的需求结果，其与康定斯基理论中“艺术绝对价值”存在相似之处，在其抽象论著中，康定斯基运用的“内在需要”、“精神”等概念深刻联系高更“抽象冲动”中蕴含的“安定需求”、“精神恐惧”。以康定斯基角度看来，艺术家内在需求形成形式，形式关联以“精神震颤”原则构建，人们通过此类形式将内在需求外显，使多样内在需求与多样外在形式对应，而艺术家需要以自身内心调整并改变作品外在。

后印象主义中高更的“抽象冲动”表明，无论是几何抽象还是生命充盈形式，只要观者自身内心需求与作品传达感觉相同，就能从艺术品中汲取满足感并体会美。康定斯基同样并不在意艺术是否将生命充盈感表现出来，他认为形式是内在的外显，只要发自内心，基于“有目的激荡人类灵魂”原则，即为美。

康定斯基认为艺术源自抽象的概念，这种艺术语言可以将人类精神的本质需求描述并只能以这种形式描述出来。可以两个步骤概括形式，首先消解物体意义，随后重构象征意义。后印象主义抽取物体内部符合特征的因素，将其提炼成形式概括，以此更为广阔的传达象征意义及特征。后印象主义的高更恢复不可控的偶然及反复的空间，在混沌钟抽取抽象化物体以实现秩序化世界。康定斯基“内在需求”类似于此，不以视觉震撼内心，具体可以将其作用分为“遮蔽”与“截取”两种方法，使用无直接意义的色彩模糊对象，简化对象外形，从中截取特征显示形式，即以简化提炼物体外形抽出特征形式，转换象征或符号，形成物体及简化结构二者间的对应关系。

几何化构成（无意义）源于秩序化混沌空间需求，康定斯基的精神渴望基于理性思维能力缺乏，类似于后印象主义对安定的需求，人们希冀自社会动荡与精神危机中寻找秩序化外在世界的形式，等同于后印象主义，康定斯基理论认为人们渴望秩序化的程度随理性把握能力提升而减弱。康定斯基认为人们存在的内心精神恐惧最终可以由理性发展安抚。类似于后印象主义，康定斯基理论认为自然物表面需要传达的意义与具体表现特征并无太多联系，而是一种随内心冲突强烈诞生的几何化形式。

结语：

康定斯基在思想理论领域中将后印象主义思想挥发到极致，对纯粹精神世界进行追求，彻底放弃“物象”，其表达方式更为富有想象力、率真、直接，在画面构成中，康定斯基理性研究分析点、线、面关系，赋予其新的意义，注重色的表现，欣赏并借鉴大师高更，以此达到崭新艺术追求，丰富作品韵律感，由此可见，后印象主义以其创造性思维、艺术性坚持及感染性作品成功为后世开辟出新的艺术道路。

参考文献：

[1]于林冉.后印象主义对康定斯基的影响[J].美术大观，2015（12）.

[2]孙衍.论高更艺术中的“抽象冲动”[D].安徽大学，2015.

[3]马海峰.绘画的具象程度——从安格尔到康定斯基[D].河北师范大学，2011.

[4]马芝璐.康定斯基的抽象与移情[D].大连工业大学，2015.

[5]王慧，孙虹.探析现代美术家康定斯基的绘画艺术风格[J].现代装饰：理论，2015（07）.

后印象派 第7篇

16世纪哥伦布海上航道的伟大开创和基督教远征东方各国之举,加强了中西方经济文化的交流,促使了18世纪后“中学西渐”局面的形成。西方文明在无情的自然规律中感受到人类灵魂的窒息,渴求通过东方文明的启示得到再生。19世纪,自印象派出现后,美术家开始把目光转移到中国、日本和印度的绘画及工艺品的表现语言上,探索写意的表现手法,主张在美术创作中领悟东方的审美哲学思想。于是,当印象派将再现性写实绘画语言延伸发展到穷尽时,便出现了后印象派。后印象派偏离了西方客观再现的艺术传统,重视自我的感觉表现,在绘画中加入了更多的主观成分,以“表现个性”作为绘画的目的,表达绘画者对艺术的种种理解。它又启迪了两大现代主义艺术潮流,即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等),成为西方现代艺术的源头。

后印象派代表人物有着各自的艺术主张和追求。塞尚信奉英国哲学家培根的“双重真理”学说,认为艺术创作“并不意味着盲目地去复制现实,它意味着寻求各种关系的和谐”,他把人的因素放在自然之上并指出:“人们不须再现自然,而是代表自然”。高更则认为“艺术是一种抽象,它从自然中分离出来而较少考虑自然”,他把绘画的本质看成是某种独立于自然之外的东西,当成记忆中经验的一种“综合”,认为绘画应表现“思想的神秘核心”,表现“跟人的激情相似的某种强有力的东西”(贡布里奇语)。然而,梵高为表达自己的思想感情,又充分发挥了色彩的情感因素,他说:“殊不知我并不着力谋求准确表现我眼睛所见的事物,我是用有力的色彩,更有力地表现我自己”,他的艺术是心灵的表现。他们将艺术主张付诸于各自的绘画创作,塞尚强调绘画的纯粹性,他的画不加任何修饰,重视形式构成美,在事物表象下挖掘其简单形式,将眼见的散乱物象构成秩序化图像,不断的追求他心目中永恒性的形体和坚实的构图。如在《一篮苹果》中他非常认真地寻求每一个苹果的体面结构、色彩,不受固定光线的约束,依靠色彩的对比来塑造物体,通过白色的桌布与鲜艳水果的强烈对比,反衬出色彩的冷暖对比,强化了物体的体积感和空间感,在现实物体的整体中体现出画家内在的精神气质。高更则以其原始性与象征性的倾向以及所谓“综合主义”的画风在西方现代绘画史上独树一帜,他用不加调和而并置的色彩来表现海岛居民的生活,弱化明暗变化与立体效果,以浓厚色调的平涂和装饰性构图创造一种原始性氛围,画面给人以潜在生命的蠕动感和原始的诗意。如他在《海边的两个塔希提妇女》中给人们最深的印象是原始异国情调和强烈色块组合所形成的装饰性,单纯而强烈的色彩画法,包含着画家强烈的宗教情感,他把和谐的色彩和线条当成抽象表现的形式,向往获得一种表达方式,到自然中去寻找真理。而梵高为了能更充分地表现内在的情感,探索出一种表现主义的绘画语言,他认为颜色不是要达到局部的真实,而是要启示某种激情。在他画中浓重响亮的色彩对比往往达到极限,那富于激情的旋转、跃动的笔触,使他笔下的麦田、柏树、星空等犹如火苗颤动,震撼着观者的心灵,强烈的情感完全融化在色彩与笔触的“交响乐”中。如在《向日葵》中,梵高用奔放如火焰般升腾的笔触,不仅表现出事物的自身形态,但更多地宣泄着梵高对生命的独特体验。他对色彩及造型的种种描绘,让我们感受到他作画时的激情就像《向日葵》中绚烂多彩的颜色一样,表现出伟大的生命力。“立体派”画家毕加索等受到塞尚“用几何体来处理自然”的思想启示,在画中创造结构美而转向一种新画风的探索;“野兽派”画家马蒂斯在《生活的欢乐》中平涂的色彩、弯曲起伏的线条以及那些富于原始的人体造型,甚至连画中的主题人在大自然中的生活状态,也让人联想到高更在塔希提岛所向往的那种理想生活。

综上所述,不难看出在后印象派绘画中,无论是塞尚所追求的“心目中永恒性的形体”,还是高更“和谐的色彩和线条”,或是梵高奔放如火焰般升腾的笔触,绘画中的物象与各种元素,不仅表现出事物的自身特征和内在气质,更注入了画家的主观情感,是画家“代表自然”并“回到自然中寻找真理”的人格追求。而中国文化语境中的产物写意就是借物抒情、象中有意、意由象生,是物我相观、物我兼容、主客观的统一,是心灵深处情感的自然流淌。中国写意性绘画通过“意象造型”手法,传达人的内在精神和生命意志,中国绘画的写意性正是源于其哲学上的人格追求。所以,后印象派及西方现代绘画注重精神和人文历史内涵,强调人内心感受的表现等都与中国传统绘画具有观念上的同构性。西方现代绘画的表现性介于具象与抽象之间,与中国绘画审美范畴中的“似与不似”、“不似之似”的意象造型观念相融通。

后印象派 第8篇

在西方传统绘画观念中, 色彩和线条被用来叙述轶事、暗示观念, 以及表现一个时代的行为方式和风俗习惯, 并没有用来唤起人们的审美情感。绘画成了启迪、插画、解释说明的工具。1913年英国艺术评论家克莱夫贝尔提出一个重要的美学命题“有意味的形式”。它出现于后印象派刚结束和现代艺术即将兴起的历史承接时期, 贝尔认为:“在每件作品中, 以某种独特的方式组合起来的线条和色彩, 特定的形式和形式关系激发了我们的审美情感。我们把线条与颜色的这些组合关系, 以及这些在审美上打动人的形式称作有意味的形式’”。[2]4从贝尔给出的定义中, 可以看出, “有意味的形式”强调的是情感意味, 突出的是审美情感, 离开了情感意味, “有意味的形式”也就不复存在了。艺术家的工作就是“根据某些未知的、神秘的法则安排和组合起来的形式”[2]5来打动欣赏者。按照贝尔的话来说, 就是描述性的绘画可能以一百种不同的方式来打动我们, 但却不能从审美上来打动我们;它可能在传达信息或是表达观念上有很高的价值, 但在摄影技术及其艺术等高端科技文化极为发达的今天, 这样的绘画似乎意义就不是很大。后印象派便是在摄影技术已经产生的情况下, 以其独特的、直接性的、不可重复的绘画艺术语言教人们“在艺术作品本身当中寻找艺术的意味, 而不是在外部世界的情感和利害关系中寻找这种意味”。[2]113他们寻找大自然的生命与自己的生命之间的和谐, 不讲究细节的准确性, 打破传统定点透视的方法, 不受光影的限制, 采用色彩平涂, 用粗线条勾勒轮廓, 大胆使用主观色彩来寻求这一和谐。

在绘画中, 构成形式的要素不外乎线条和色彩, 而形式具有自身的美的法则:如对称、均衡、比例、节奏、韵律、多样统一 (亦和谐) 等等。像一切事物一样, 绘画作品以其某种形式的面貌彰显出来, 但这种形式并不是偶然出现的, 而是一种经过画家刻意追求和“有意味的组织”, 使其符合审美法则的美的形式。画家面对一切事物时, 总是把对象当作有生命的整体, 让自己深入到事物的灵魂中去, 以情感和心灵的笔触把内心的的审美思想表现出来, 这就是艺术作品之所以具备感染力的其中一个原因。下面主要就后印象派三位大师塞尚、凡高、高更的作品中均衡的构图、流动的色彩及装饰的意味, 这些不同的形式风格来分析后印象派艺术的“有意味的形式”。塞尚被尊称为“现代绘画之父”, 从绘画风格上我们很容易看出凡高、高更均不同程度地受其影响并受益良多, 因此, 本文就先从塞尚作品开始依次展开来论述。

一、均衡的构图塞尚

塞尚 (Paul Cezanne, 1839-1906) 是对景写生的最忠实的画家, 他用符合逻辑的视角观察自然, 理性地去分析绘画对象的结构关系, 他反对传统绘画以固定的视点观察物象, 认为从多个视点去观察能够更全面、更完整地认识事物, 他说:“万物都处在一定的透视关系中, 所以一个物体或一个平面的每一边都趋向一个中心点”。[3]18他在创作中采用多视点来表现空间, 从不同位置、不同角度使所表现的空间统一在一个画面中, 而这些又导致他以简化形体结构来突显形式的意味。贝尔在《艺术》中写到:“简洁乃是一切艺术所具备的。没有简洁艺术就无法存在, 因为艺术就是创造有意味的形式’, 只有简化才能把有意味的形式’从无意味的形式中解放出来”。[2]128自文艺复兴以来, 绘画中的“意味”都是隐涵在复杂且微妙的构图背后, 有时几乎被内容所掩盖, 如果没有指导性的信息, 对于没有敏锐观察力的人来说, 作品形式的意味是很难被理解的。塞尚通过其敏锐的观察力准确地捕捉到潜藏在物体形式中的“意味”并把所有与艺术创作无关的枝节去掉, 而保留“有意味的形式”。人们不必辨认物象和其中的故事情节, 就能通过视觉直接感受到形式中蕴涵着的人的精神世界。其次, 塞尚还常常将同一题材的事物通过不同的视角来表现, 并创造了许多耐人寻味的艺术作品, 如他大量的《浴女图》《圣维克多山》等。从他的这些作品中我们可以清晰地看到, 严谨的构图具有一种内聚力, 它不是简单的线条与色彩的堆积, 而是作为一个整体来唤起人的审美感受, 为了达到形式之间的均衡, 弱化了形体结构和明暗关系, 使画面变得简洁且紧凑, 彰显出一种张力与力量。因此我们可以看出塞尚的艺术创作不是单纯的制作图画, 而是更多的倾心于捕捉潜藏在形式后面的可以给人带来审美情感的神秘意味。

二、流动的色彩凡高

与塞尚不同, 凡高 (Vincent van Gogh, 1853-1890) 是用色彩来召唤作品中的“意味”, 他不仅深受印象派绘画的影响, 也受日本浮世绘绘画和新印象主义点彩画法的影响。他偏爱阳光和丰富的色彩, 认为加强色彩的明度可以获得更多的宁静与和谐。通过没有一定的格式, 完全即兴的、不规则的笔触和强烈的色彩构成, 让人感到其作品中体现出的焦躁不安、心烦意乱, 但却又真实地再现了他的激情和生气, 这给人强烈和紧张的审美感受。对比强烈的色彩和流动的笔触充盈着整个画面, 营造了视觉上的动感, 在这里形式专注地引发了一种非同寻常的快感, 也即是形式里隐藏的“意味”。如《星夜》中像音乐符号般流动的笔触, 橙色与蓝色、紫色与黄色的强烈对比, 正如凡高所说, 在这“难以言状和波澜壮阔的大自然完美景色面前会感到自己力不从心”。[3]44凡高一直喜欢用强烈的色彩对比来表达其内心强烈的情感冲动, 他给在安特卫普的一位英国画家的信中说道:“我在寻找蓝色与橘红色、红色、绿色, 黄色与紫色的对比, 以便让低沉的与中间色调及最强烈的色调取得和谐。我想表现最强烈的色彩, 而不是灰色的和谐, ”“我的正确的说法是:在色彩中寻找生命, 真正的素描是用色彩塑造出来的”。[1]48如《阿尔的卧室》 (1988年) 门和墙用的是淡紫色与椅子的黄色形成对比, 红色的地板、绯红色的床罩与绿色窗户的对比, 还有在橙色的梳妆台上放了一个蓝色的脸盆等, 这一切的色彩对比在“有意味的组织”中得到了和谐的统一。其中“意味”就隐藏在这和谐的形式后面, 即表面上“观看这幅画应使人的大脑, 确切地说应使想象力得到休息”, 而画面表现出的绝对安静与强烈的色彩、悸动的笔触之间的鲜明对比则是“为了对这种强制性休息进行报复”。[3]63凡高用形与色把自己心灵表现出来, 他的作品没有矫揉造作的风雅, 啰嗦的令人听不懂的语言, 表现出来的全是他充满热情与灵感的“有意味的形式”。

三、装饰的意味高更

高更 (P.Gauguin, 1848-1903) 似乎受塞尚影响很大, 在他的作品中, 形式较之后者进一步简化, 色彩平涂且明度很高, 无论是线条、色彩, 还是形体均具有装饰趣味。为了使形体、色彩在画面中达到和谐, 他常常理性地去分析线条、色彩及它们之间的关系, 甚至通过改变绘画对象的形体结构来协调诸形式的关系。这一过程也即是对形式的组织过程, 正如贝尔所说:“艺术作品中的每种形式在审美上必须是有意味的, 而每种形式必须成为一个有意味的整体的一部分。一般而言, 组成一个整体的各个部分的价值比这些部分加起来的价值要大得多。”[2]113他在塔希提岛上创作的作品, 不仅色彩平涂, 画面没有远近的透视, 人物也缺乏立体感, 但是其中质朴的色调和强烈的装饰性意味表现了土人淳朴的生活和性格, 充满了原始、神秘及和谐之美。这些作品通过大量明度很高的红、黄、蓝、绿等色块甚至是不加调和的白色和黑色及适量的灰色来表现塔希提岛的居民们那种保持着原始人的朴实特质, 及丝毫没有文明人的矫饰。《我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去?》是高更最具代表性的作品, 这是一件虚幻的、不可企及的作品, 仅凭色彩、线条及构成, 含蓄地示意了那种明净如水的纯洁, 没有“文明”污点的原始。米尔博这样赞扬高更的作品:“在他的创作中, 既有野蛮的华美, 天主教的弥散, 印度教徒的幻想, 哥特式的生动性和强烈的理想腾飞, 高更运用这些方法创造了深刻的具有个性的和完全新颖的艺术画家与诗人、圣徒与魔鬼的艺术, 唤发痛苦的艺术”[1]高更用色彩和调子的相互作用, 和谐的线条让这一切激发着观者的思想情感, 情节和内容在此没有任何意义。他的作品吸引人的不是绘画技巧、不是情节、也不是叙事内容, 而是能触动人心灵的东西, 即绘画语言中的“意味”。

小结

从后印象派三位大师的作品我们可以看出, 它与文艺复兴以来所追求的那种巧妙与优雅的艺术风格相比, 显得笨拙及粗野。他们扬弃传统具象思维所带来的局限, 在绘画中高扬情感和张扬个性。他们把绘画对象当作有生命的整体, 让自己深入到事物的灵魂中去, 用情感和心灵的笔触把内心的审美思想彰显出来。人们不必费力地弄清物象与故事情节的关系, 而只需通过视觉直接去感知色彩与线条中渗透的人的精神世界。是的, 艺术毫无疑问的是“有意味的形式”, 而其中的“意味”却是一种不可名状又能够被人感知的审美情感。不同于日常生活中的喜怒哀乐之情, 它需要具有审美能力的人通过敏锐的观察力去捕捉并以最简洁的形式表现出来。这正是作为“有意味的形式”的艺术作品的魅力之所在它那磁石般的凝聚力, 向观众传递着一种纯粹的审美情感, 令人如痴如醉, 留连忘返!

参考文献

[1]约翰.雷德华著, 平野等译.后印象派绘画史[M].桂林:广西师范大学出版社, 2002.

[2]克莱夫.贝尔著, 薛华译.艺术[M].南京:江苏教育出版社, 2004.

后印象派 第9篇

关键词：后印象派,油画,色彩语言,精神展现,高更,梵高,塞尚

色彩语言打破了时间和空间的约束, 打破了二维进而三维空间的限制。色彩语言的表达形式主要是由画家自我的感受和画面的构成。色彩语言的表达出的是个人视觉感受和外在事物的统一。油画色彩语言的主观性和抽象性融合度越高, 色彩的隐喻就对色彩的主观发挥更加充分, 色彩的主体精神就会得到详细的展现。

一、后印象派油画色彩语言

后印象派画家的色彩表达主要是以感性意识为基础的, 画家们所看重的并不是真实自然事物的真实色彩的写照, 而是参考的油画所表达的主体和画面的需求, 再一次的进行创造, 画家所强调的是艺术语言的特色和艺术表达的主观性, 把主体意识和画家感情表现出来。油画的色彩的运用是艺术精神重要的标记, 画家把看到的自然事物与心中产生的真实情感结合起来, 形成一副画面色彩, 在借助自己在对自然事物所产生的体验和情感的使用, 借助色彩的重新塑造和转变, 创造出符合画家自身情感意识的一副新的画面效果。这样, 画家主观意识表现出的主观性色彩画面使油画本身更具魅力, 而且进一步把画家的精神价值和油画色彩具体的表现出来。后印象派油画在对色彩的运用上面主要是展现画家自身的主观意识, 画家把主观情感融合自然事物中, 使油画作品的视觉效果更加打动人心, 并且在油画中流露出画家本身的精神情感, 画家通过对色彩的对比、相似色彩的对比、冷暖色彩的对比, 使画面产生更加和谐和强烈的感觉。

二、印象派油画色彩语言的精神展现——以高更、梵高、塞尚为例

(一) 高更单纯的象征色彩。高更本来是一名商人, 后来受到毕萨罗的影响, 逐渐成为一名优异的画家, 高更参加了两次印象主义的画展, 对中西方的作品有着一定的探索。对于高更来说, 油画是人内心情感的表达方式, 是心灵的写照。高更的作品是由主观情感而出发的艺术精神, 更加重视重新塑造因素的独特性。高更以简单的形体、简单有力的线条和单纯丰富的色彩变现组成画面, 致力打造有深刻艺术内涵的装饰艺术。在《高更先生, 你早》的作品中, 高更以独特的感情色彩表现出内心的情感色彩, 虽然来源于自然, 但不拘束于自然色彩。高更的作品多是用红、黄、蓝黑和白色为基准展现出一幅幅色彩斑斓的画面, 在《我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去?》, 高更表达出的是内心对现代文明的反叛, 渴望在无人开发之地找到没有变化的人性, 但是最终高更也没有找到自己梦想中的伊甸园。

(二) 梵高炙热的色彩和激情。梵高在成为画家之前曾经从事过很多职业, 商人、老师和牧师等, 到了27岁时候, 梵高选择的艺术。梵高在1886年到法国巴黎学习绘画, 他不断加强对后印象派作品的学习, 通过对亚洲的艺术特征和修拉的色彩研究, 开创出丰富的色彩和线条的变化。梵高是人类社会历史上对色彩使用最专注的画家, 在情感的驱使下, 梵高对色彩的使用更加执着。我们所熟知的梵高作品《向日葵》, 在这幅作品中梵高以黄色为主色调, 简单的进行绘画, 独特性和象征性的色彩成为他内心情感精神的流露, 画笔强劲有力, 并且敢于对色彩夸张的提炼和使用。

(三) 塞尚色彩的理性秩序。塞尚在1886年在巴黎学习画展, 多次参加印象派画展。塞尚并没有完全受到印象派风格的作用和影响, 而是超越了印象主义作品那种令视觉舒服的色彩画面, 创造出色彩感觉和坚实的造型风格相融合的画面色彩感觉。塞尚的作品与自然事物联系, 但不受到事物的限制, 以统一的造型线条分割, 用一片片的色彩相互转换, 塑造出坚实的画面形象。在《圣维克多山》作品中很强烈的体现出这种绘画精神, 塞尚观察和实现事物的真实色彩形象, 万物是基本的要素, 它们以一些几何图形:圆锥、正方体等为边缘, 利用画面色彩的融合和重叠获得强烈的视觉效果。塞尚观察自然事物色彩形象, 是他创作的根基, 是关于绘画的真实感受、塞尚就表现形式说过“只有抓住你看到事物的关键点, 在尽力的以一种合理的方式表达出自我意识。”塞尚的绘画作品没有脱离过现实生活, 但是并不以几何图形为最终的表现结果, 并不会把景物作为最后的抽象形式。

参考文献

[1]刘农“.表现性”油画语言的艺术特点研究[M].前沿, 2012 (8) .

[2]王少欣.意象油画之于当代审美取向[M].南京艺术学院硕士学位论文, 2013.