钢琴音色演奏技巧

钢琴音色演奏技巧（精选11篇）

钢琴音色演奏技巧 第1篇

中国的琵琶艺术在近两千年的历史进程中百经磨砺与积淀，经过数代艺术家的传承与努力，留下了许多名曲，在这些名曲中有很多都曾运用过戏曲和说唱艺术的元素，如：《霸王卸甲》、《龙船》、《春雨》、《虚籁》等，它们是数代作曲家和演奏家在创作过程中，汲取了戏曲、说唱艺术元素的精华创作而成的，是艺术家们智慧的结晶。这也成为了琵琶乐曲创作中的一个特点，也正是因为不同艺术形式间的相互借鉴融合，使得琵琶艺术更具神韵与光彩。本文通过《龙船》、《霸王卸甲》、《春雨》、《虚籁》等乐曲为例，来进行阐述。

一、戏曲和说唱元素在琵琶乐曲中的具体运用

1、京剧中的音乐节奏、板鼓技法等元素在琵琶曲《霸王卸甲》中的运用

京剧的伴奏乐器分为打击乐与管弦乐。其中，打击乐是京剧伴奏乐器中的灵魂。京剧的“唱”、“念”、“做”、“打”完全按照规定的节奏进行，“唱”需有板有眼;“念”需抑扬顿挫;“做”即是舞蹈，进行时必须表现出鲜明的韵律;控制和体现节奏的则是打击乐。

京剧的这种音乐特性和琵琶有许多相关联的地方，如琵琶传统大套武曲《霸王卸甲》是一首以楚汉相争时的垓下之战为题材而创作的琵琶曲。乐曲着重渲染了楚霸王交战失利，而至别姬自刎的悲剧故事，对项羽这个悲剧性的英雄给予了同情。传统的版本大多以描述战场、战争为主，而对于项羽这位英雄的内心情感的描述却不够细腻，王范地先生的演奏版本着重描写了人物的人性，展现了在这场战争中项羽和虞姬在生死的关键时间人性美的一面。因此，在乐曲的艺术处理上采用了“武曲文弹”的方式，强调了抒情。这和京剧中“武戏文唱”的处理方式不谋而合。使听众既能感觉到战争的残酷与紧张，又能更深切地感受到英雄有血有肉的儿女本性，使这首琵琶名曲在继承传统的基础之上获得了发展，从而被更多的人们理解和喜爱。

王范地先生的演奏版本，吸取了很多戏曲音乐元素。乐曲中第八段楚歌和第九段别姬部分是着重描写英雄项羽与爱妃虞姬内心诀别的痛苦，作者在这段音乐中，将琵琶的轮指、揉弦技巧与音乐情感紧密结合，把京剧中的音乐节奏、板鼓技法、唱腔等都融入到了琵琶的技巧与音乐中。琵琶轮指与推拉弦的速度变化，恰似京剧板鼓由单键到双键，再到撕边的技法，这种戏剧性的节奏变化，使乐曲更加扣人心弦。如：

左手的揉弦、推拉弦，揉入京剧唱腔中的韵律感，使演奏者和听众的内心波澜起伏。如：

以上这两段音乐，戏曲语言与琵琶语言相互交融，使得戏剧性的矛盾冲突更加鲜明突出，人物内心情感表现得更加哀婉动人、催人泪下，更具艺术感染力。

2、京剧锣鼓经在琵琶曲《龙船》中的运用

戏曲演员的感情表达需要锣鼓，由锣鼓(节奏、音响)引导、渲染，使其更富有激情。除此之外，有了锣鼓的配合，可以增强戏曲演唱和表演的节奏感，帮助人物情绪准确地表达、点染戏剧色彩，烘托舞台的气氛。

琵琶乐曲《龙船》，是一首存活于民间，经久不衰的民间乐曲。每年农历五月初五端午节时，在我国许多地方都有赛龙船的风俗习惯。届时，龙船的龙头用彩球装扮，参赛者头扎布巾，身穿彩衣，精神抖擞，挥桨如飞。船头上有一、两个人边敲锣鼓、边唱歌，指挥划手划桨。岸上观众则以鞭炮声、欢呼声为比赛者鼓劲加油。琵琶乐曲《龙船》非常生动地表现了这一热闹场面。乐曲共分为九段，其中约五个音乐段落中都运用了模拟锣鼓的手法，如：

锣鼓的模拟是《龙船》这首乐曲的重要组成部分。而若使这些音符演奏出锣鼓的神采，演奏者必须懂得其所反映的锣鼓原意，必须学会唱奏这些“锣鼓经” (请看谱例第二行的文字谱) ，唯有把这些音符和左、右手的指法融入到锣鼓经中去，才能使乐曲具有鲜明的特点。锣鼓音乐的运用，使得赛龙舟时你追我赶的那种节日欢快、热闹的场面形象、逼真地展现出来，使人仿佛置身其中、身临其境。只有会唱奏出锣鼓经的各种节奏劲头，演奏时才能把握住乐曲的核心。如果对戏曲锣鼓经神韵的理解和把握不足，乐曲的演奏将索然无味、平淡无奇，也就失去了其独特的艺术魅力。

二、说唱艺术元素在琵琶乐曲中的运用

1、苏州评弹在琵琶曲《春雨》中的运用

苏州评弹是苏州平话和弹词的总称。它产生并流行于苏州及江、浙、沪一带，用苏州方言演唱。弹词的历史悠久，清乾隆时期已颇为流行。唱腔音乐为板式变化体，主要曲调为能演唱不同风格内容的书调，同时也吸收许多曲牌及民歌小调，如费伽调、乱鸡啼等。

琵琶曲《春雨》即取材于苏州评弹曲调，运用变奏手法，描绘出一幅江南春季的雨中画卷，抒发了对大自然的无限赞美之情。乐曲的第一部分大量地运用了苏州评弹元素，如：

《春雨》：

2、京韵大鼓元素在琵琶曲《虚籁》中的运用

京韵大鼓是用北京语言声调演唱的一种北方鼓曲，广泛流行于华北、东北地区，在全国的说唱音乐曲种中占有相当重要的地位。京韵大鼓由河北的沧州、河间一带流行的“木板大鼓”演变而来，在清末民初时期形成于北京、天津等地。大鼓的音乐比较简单为五声音阶，节拍形式为一板一眼，唱词基本是七字句，唱腔为板腔体结构，说白占有较大的比重。

琵琶曲《虚籁》由刘天华创作于1 9 2 9年2月。静谧的夜晚，刘天华陷入对中国民族音乐改革的深深思索中而创作了此曲，表现了在万籁俱寂中一个充满着勃勃生机的未来将诞生。乐曲融入了传统说唱的艺术元素，使音乐动静相宜，刚柔相济，富有张力。如：

连续绰注音演奏手法的运用，似北方大鼓的单弦曲牌，力度变化明显。每一句之间，都由类似大鼓的过门音型来连接。如：

结语

本文列举的几首琵琶乐曲是比较有创造性和代表性地运用了戏曲和说唱元素的曲目。由于中国的戏曲和说唱是一种高度综合的艺术。因此，本文仅摘取几个比较有特色的元素来加以说明。

本文试图将多种艺术形式间相互借鉴运用，通过浅显的阐述使其更为直观，也希望这几种艺术形式间的相互借鉴融合，能让大家更深地感受到，戏曲和说唱元素融入琵琶乐曲创作之后，带来的独有韵味之美。前辈们在创作中，大量运用戏曲和说唱艺术元素，留下了极其宝贵的琵琶经典曲目。我们只有做到全面了解戏曲和说唱艺术的知识与特点，才能让这些经典之乐在我们手中得以准确地传承和发展。这种美的独特感受也让我们深深地感到，作为一名琵琶演奏者和学习者，只是追求琵琶本身所有的技巧和技艺是不够的，还应该对其他的艺术形式，其他的交叉学科，努力地吸纳和有效地利用，才能提高自身的音乐修养，使琵琶艺术保持长久的生命力，使之根深叶茂、万古长青。

摘要：本文通过对古曲王范地演奏谱《霸王卸甲》中京剧音乐节奏、板鼓技法的运用;张步蟾传谱张正秋整理改编王范地演奏谱《龙船》中京剧锣鼓经的运用;朱毅、文博的《春雨》中苏州评弹的运用;刘天华曲王范地演奏谱《虚籁》中北方大鼓的运用来浅析说明戏曲、说唱艺术元素与琵琶乐曲结合所体现出的传统艺术的独特之美。

关键词：琵琶曲,锣鼓经,苏州评弹,京韵大鼓

参考文献

[1]王范地著.《王范地琵琶演奏谱》.2003年10月.伟确华粹出版社

[2]王超慧编著.《琵琶考级实用教程》.2009年12月.金盾出版社

[3]林石城著.《琵琶名曲选浅说》.1999年3月.人民音乐出版社

[4]任鸿翔著.《琵琶曲论选》.1999年12月.人民音乐出版社

[5]张秀艳著.《当代北京说唱史话》.2009年1月.当代中国出版社

[6]张赣生著.《中国戏曲艺术》.1982年6月.百花文艺出版社

[7]姜永泰著.《戏曲艺术节奏论》.1990年7月.文化艺术出版社

[8]蒋菁著.《中国戏曲音乐》.1995年5月.人民音乐出版社

论钢琴演奏中的触键与音色论文 第2篇

一、听觉是科学触键与优美音色的前提

一个人会弹钢琴,首要的是要会聆听,聆听自己的音乐,要让自

己的手指打动钢琴进而产生共鸣,这样才能带给自己美好的享受,才 能打动听众,在弹奏的时候,首先要学会的就是听,听什么是正确的 声音,什么是错误的,只有会听才能打好科学触键的基础,这也是科 学触键的必要前提。另外,在弹奏曲子时会听也能把我们快速的带入 作者想要表达的意境当中,你能从曲子当中体会作者想要表达的思想 情感和他当时的内心活动,会听还能让你更好的而且更准确的去把握 这首曲子的弹奏和处理其中的情感技巧。

涅高兹在《论钢琴表演艺术》中说:“声音的掌握是钢琴家应该 解决的技术问题中最首要的一个。“他接着又谈道:“我毫不夸张, 在我授课时,四分之三的劳动花在音色的探索上。它们之间的因果关 系自然是这样排列的:首先是艺术形象 ; 其次是有时值的声音 , 亦即 形象的物质化、具体化;最后是整个技术” 可见音色对于钢琴演 奏是何等重要!

音乐是声音的艺术,其中没有看得见的形象,它也不是用文字和 概念来表达的。它只用声音来表达。可是声音也像文字、概念和可见 的形象一样,能够表达的清晰易懂。既然音乐即声音,那么每一个演 奏首先应当关心的是声音的训练。

钢琴的音色变化说到底是演奏者的指触差别造成的,而这种细微 变化又是由演奏者的内心感觉的不同所引起的。学琴者从练第一个单 音开始就要去听,听声音是否有良好的震动与共鸣;当手指在琴键上 保持站立态势时,耳朵要倾听声音的持续和延长,并要学会辨别好听 的声音和不好听的声音。

二、触键的方式及其特点

在实际演奏中,很难把不同触键分为若干互相分割的类型。在具体使用不同触键、建立不同指感、获得不同音色的过程中,只有细心 体察各种基本触键类别之间的相互渗透、相互组合,才能真正获得无 限的、丰富的、多样的、钢琴音色千变万化的动人魅力。

1、断奏触键。由于断奏时所有的重量要集中在指尖上,所以手指 的三个关节及掌部、腕部都必须有坚定的支撑感,腕部要稳定而有支 持感,手掌必须把架子撑牢,不能松垮。断奏有大臂、下臂、腕部等 不同用力部位。三个不同部位的断奏以手腕的速度最快,重量最轻, 肘部次之,臂部的重量最重,速度最慢。

2、快速的颗粒性触键。这种广泛使用的触键实际是手指的快速断 奏,需要手指下键的有力的爆发力。手指触键的部位靠前,指尖下键 要快,放松亦快,音与音之间有相对较大的空隙,利用指尖反弹的力 量发出有力、结实、明亮、清脆的声音。

3、轻快纤巧的触键。指尖触键的份量既轻又匀,以极快而精巧的 指触将琴键击下三分之二或四分之三(不到键底,要留下一点缝隙), 音与音之间的力量传递仿佛一条无形的丝线将颗颗珍珠曳牵成串。这 种触键一要轻、二要快――下键快、放松快。动作要尽可能小而又小, 力量要尽可能集中又集中,指尖就如针尖一般轻刺下去。

4、手指跳音的触键(简称指跳)。指跳的触键比上述颗粒性触键

和轻快纤巧的触键更短促、更集中。这类跳音重要的是练习手指第一 关节灵敏、快速、集中、轻盈、尖锐的触键方式。为了追求短、尖、亮、 轻巧的声音,即要把手指训练的敏感有力,又要可以快速的收缩。

5、手腕跳音的触键(简称腕跳)。手腕跳音比指跳的速度略慢, 但更有力。手腕迅速地向下又迅速反弹。手腕跳音的眼点是:手掌有 良好的架子支撑牢,动作要敏捷,手腕有力而富有弹性,不能疲软、 松垮。腕跳的指触应集中而牢固由指尖承接手腕弹跳的力量。这也是 现在我们学生所接触的跳音,但很多学生不能掌握其要领,不能真正 做到力量的反弹,只是单纯的手往上提。

6、下臂挑音的触键。肘部跳音与下臂断奏的区别在于,前者需要 极强劲而迅速的反弹力,手指触键后立即被下臂有力的弹力反弹离键, 不在键上停留时间过长。而断奏的支撑更稳,在键上停留时间也略长些, 且无反弹力。肘部跳音除去用下臂发力及手掌“抓”键的动作相配合。 惟有如此,下臂的重力才能集中到键上,产生坚实有力弹性十足的良 好音质。与手腕跳音相比较,前臂跳音的力量更大,但速度略慢。

7、轻、虚、漂浮的触键。在浪漫主义作曲家、尤其印象主义作曲 家的作品中,时常需要一种神秘、遥远、空旷、朦胧、虚无飘渺的效果。 这种效果特别需要手指的特殊触键方式。这种触键的特征可归结为摸、 推、揉、飘四法。

8、打击性的触键。不少二十世界现代钢琴音乐作品中,需要尖锐 强烈富有打击性的效果,有时甚至近乎粗暴、野蛮而干涩。但必须强 调指出,即使富于打击性音响的触键,仍需良好而有效的控制,并非 真正的“砸琴”。自然,这类触键需要坚挺的手指,有力的爆发,坚 挺的腕部,肩臂力量猛然集中指尖。例如:《翻身的日子》引子和结 尾部分就表现了热烈,欢腾的锣鼓节奏。

9、哑键。这也是印象派乃至现代派作品中常用的一种触键手段。 其方法为;用手或用其他物体按下但不发出声音。

10、手掌前臂触键。在现代钢琴作品中,手掌和前臂也是有效的 触键部位。手掌和前臂也有种种力度、速度、重量的变化,奏出从轻 盈到响亮、从朦胧到尖利的不同层次不同色彩不同效果。因此,“指感” 的概念被扩大为“掌感”,也应有极敏感的知觉与音乐所需要的不同 效果相结合。

十种基本触键,深浅有分,浓淡各异,一切触键的`方法都依靠音 乐的需要而决定,要用耳朵仔细聆听,不断调整指触的感觉,提高全 身各部位的积极性与敏感性。

三、触键方式对钢琴音色的影响

1、触键高度对钢琴音色的影响。长期以来,在触键技术上有两种 不同的观点:1、认为手指贴近键盘是弹出好听的声音的必要条件或重 要条件;2、认为“高抬指”是使手指干净利索的唯一方法。强调高抬 指的练习方法是有意义的,因为适度的高抬指练习可以使手指第三关 节充分打开,积极运动,是手指动作逐步达到迅捷有力的目标。但若 片面强调高抬指,则会造成音与音之间缺乏联系,音质粗糙,漏音, 手指不能把力量集中到键上之类的毛病。为克服这类弊病,还需要采

用手指贴近键面的练习方法。

2、触键速度对钢琴音色的影响。触键速度在钢琴演奏中是个十分 特殊的问题。钢琴的机械发声原理,要求触键的速度缩短到极快的一 瞬间。如果说,指触太高、重量太大都可能发生问题,那么触键速度 却永远不会嫌太快。无论快速音群还是柔美歌唱,都需要快速的触键。 问题在于放松要快。千万不能发出声音后继续施加压力,而只是让手 指像衣服挂在衣架上那样,“挂”在琴键上。在弹连奏时,在手迅速 放松的同时,要在手掌内保持“内应力”,准备发出下一个音。

3、触键深度对钢琴音色的影响。触键深度对音色的变化,影响极 大。尤其在学习钢琴的基础阶段,手指不具备最基本的功力时,琴键 弹不到底,弹出的声音只会是又虚又浮,钢琴纯正的声音无法表现出来。 究其原因,主要有以下几点:

1)对放松的错误理解。形式上表现为:松得哪儿都不积极行动。 比如掌关节积极动作时,手指却懒洋洋的,不能把琴键弹到底。

2)手型、指型没有保持在稳定的弧线上,“塌指”、“折指”,

触键点不够集中。 3)在触键的瞬间,只想用手指力量,没有同时吸引、集中与借助

超出手部范围的重量。原因之一是腕部位置偏高,弹每一个音时都由 手腕加压力,手腕随着每个音的弹奏而上下颠动。从暂时的效果看似 乎弹得很“扎实”,实际上声音很重浊。更致命的是,这种弹法只在 较慢弹奏时能造成假象,稍快一点便会使声音变得断续、跳动和不连贯。

由此,我们不难看到只有正确的触键技术才能发出好的音色。好 听的声音应是明亮、宽厚,能产生共鸣的。而敲砸的声音是由于手臂 过高过猛、过于用力地向键盘冲去而造成的;闷暗的声音是因为下键 的速度不当造成的;挤压的声音是由于在钢琴发声后,手还继续对键 盘施加压力而造成的。

钢琴音色演奏技巧 第3篇

关键词：触键技术  钢琴演奏  音色效果  影响

在钢琴音乐中，触键是重要的课题，也是基本的手段，能极好地表现音乐的特质。每一位钢琴演奏家会有不同的触键方法，由此会产生变化万千的音量和因色。触键技术是钢琴演奏技术的核心，而正确地触动键方法会对钢琴的力度、速度和音色等诸多指标产生影响，进而会对音色的表现力产生影响。

一、触键角度对钢琴音色的影响

在钢琴这一乐器的演奏中，手指与琴键有越小的接触角度，二者就会产生越大的接触面积，最后触键角度就会对琴键产生越小的压强。这一点符合物理学中压强与受力面积成反比的原理，在这个角度下会产生非常柔和的音色。反之，若是手指与琴键有越大的接触角度，最后就会产生极强的富有穿透力的、相对集中的音色。

（一）垂直触键方式

垂直触键方式是指手指指尖与琴键垂直，这样会弹奏出集中而明亮的钢琴音色。若力度相同，触键速度和音响效果会成正比。触键速度越快，音色也越集中和锋利。触键速度越慢，则音色越精致和柔和。

（二）水平触键方式

水平触键方式是指手指与琴键形成锐角，若与不同的速度和力度进行配合进行触键，就会产生或阴沉或圆满的的音色效果。通常情况下，钢琴演奏者都会结合不同的作品需求，对不同的力度来选择，对作品进行更好地演绎，如让手指和琴键保持在50-70度之间的夹角。对琴键触碰，是用指尖与指肚的中间部分，这样的演奏方式，适合浪漫时期蕴含丰富感情的作品。而对于古典时期的，具有精致的演奏风格的作品，也比较适合。如果演奏者具有丰富的经验，则在触键时，指肚的面积会很大，而且手指与琴键低于50度的角度，这样会将浪漫时期作品朦胧、晦暗的特色淋漓尽致地表现出来。

二、触键的力度对音色的影响

对音色产生影响的另一个因素，就是触键盘的力度，因此钢琴的演奏者要很好地掌控触键的力度。不同的力度对钢琴音色所产生的影响也是不同的，钢琴的演奏需要跳跃的音符，这样才能组成华美的乐章，由此触键的力度将发挥重要的作用。演奏者会通过掌控手臂质量，而产生不同的力度，由此会使钢琴音色改变。

钢琴演奏者除了要调控钢琴力度外，还应注重发力点。不同的发力点会调节和改变力度的大小。在人体部位，有肘关节、掌关节等不同的发力点，遵循地心引力原理，使用靠下的关节进行发力，就会产生浑厚而又响亮的声音。

（一）指力触键

通常情况下，钢琴演奏的过程中，借助触键的演奏方式，所演绎出来的钢琴音量较小。指力触键就是演奏者在触碰琴键时，仅依靠手指前面的力度和重量。根据触键不同的速度，指力触键盘又可分为两类，即速度慢和速度快的指力触键。如果钢琴演奏者是对古典时期维亚纳作品进行演绎，可采用速度快的指力触键，这样所产生的音色清脆而又细小。在对印象派和浪漫派作品进行演奏时，结合作品朦胧缥缈的音色特征，可采用速度慢的指力触键。

（二）手力触键

为了实现不同层次的音响效果，主要是借助腕部的运动，并且与触键速度相结合。可将垂直的手力触键的速度加快，以产生锋锐和清亮的音色效果。钢琴演奏者在对《车尼尔599练习曲集》中的68首时进行演奏时，需要通过抖动手腕，依靠演奏者自身的手掌的重量，弹奏出明亮清脆的钢琴曲中比较适中的快速跳音。而钢琴演奏者在对巴洛克时期的作品时进行演奏时，则需要运用非常小手腕震动幅度，纯靠手掌的力度对琴键进行勾、抓。之所以运用这种演奏方式，是由于那个时期钢琴音乐的跳音比较弱，需要演奏者有轻柔和低调的动作。这种演奏方式具有非常广泛的运用范围，同时也是最基本的技能之一，要求钢琴演奏者必备。

三、下键对音色影响

（一）下键弧度对钢琴音色的影响

在演奏钢琴的过程中，对钢琴音色产生影响的，还有手指下键的弧度。不同的下键方式的选择，能使钢琴发音的音色改变。若想表达的感情急促、强烈而昂扬，可采用垂直下键，这样会强烈的冲击到钢琴，产生比较响亮的音色效果。若想表达的情绪是蓝色调的、忧伤的，则可采用圆弧下键的方式，这样能起到缓冲力度的作用，进而发出比较柔美的音色。

（二）下键的高度对音色的影响

在钢琴弹奏的过程中，如果手指下键时和键盘之间有较高的距离，对键盘就会产生强烈的冲击力，这样就会发出沉重的音色。反之，如果手指与键盘琴弦之间有越近的距离，就会产生柔和与自然的音色。

四、触键的速度对音色的影响

立足于科学的角度，触键盘的技术之所以会对音色产生影响，是由于物体的受力程度和事物的加速度是成正比的。手指触键的速度越快，就会产生越来越明亮和急促的音色。反之，如果放慢手指触键的速度，就会呈现出悠远而柔和的音色。

参考文献：

[1]高华曼.论钢琴演奏中触键技巧对音色效果的影响[J].黄河之声，2015，（02）.

[2]苏晓辉.探讨钢琴演奏中的触键技巧对音色效果的影响[J].通俗歌曲，2014，（09）.

钢琴演奏技巧与钢琴音色的关系 第4篇

关键词：钢琴演奏,演奏技巧,钢琴音色

钢琴,享有“乐器之王”的美誉,自鸦片战争后流入中国,至今已有接近两百年的历史,与中国传统乐器不同,它属于一种键盘乐器。顾名思义,钢琴这种键盘乐器意味着演奏者通过利用不同的演奏技巧,例如:触键的方式、踏板的运用、演奏者自身的心理素质等,并伴随着钢琴独特的音色来弹奏出一首优美动人的作品。而所谓钢琴音色,即钢琴弹奏时所发出的声音的色彩与特征,其中,音色的完美发挥一直以来都是演奏者持之以恒的追求目标。良好的音色是衡量钢琴演奏的基本尺度,同时也是营造钢琴作品意境、渲染表演者情绪、突出作品韵味的直接手段,对整个钢琴演奏过程起着举足轻重的作用。下面将继续探讨不同的钢琴演奏技巧与钢琴音色密切的关系。

一、恰当的触键技巧是创造良好音色的必备前提

一般而言,触键技巧运用得是否恰当对音色的完美发挥起决定性作用,往往这也是评价演奏者演奏技巧纯熟性的基本标准。由于触键技巧的多种多样,所对应带来的钢琴音色也是绚烂多姿的。以下将简要介绍几种不同的触键技巧对创造音色的影响。

(一)触键的弧度和力度对创造音色的影响

触键弧度有两种形式,一是垂直触键,二是水平触键。垂直触键在一定程度上是指钢琴演奏时,手指与琴键呈90度,且利用指尖直接触碰键盘。而在这种触键弧度下所表现的音色一般显得清澈而明快,具有“颗粒性”的特征。此外,对于水平触键,从一定意义上是指钢琴演奏时,手指与琴键呈50度锐角,在这种情况下所发出的音色,连贯性和柔和感比较强,达到出色的缓冲效果。

触键力度不难想象是发展良好音色空间的基本前提,指尖、小臂或某个身体部位自然重量的合理运用是良好音色发挥其多样性,官能立体性的基本条件。实践证明,随着演奏者施加不同的触键力度,钢琴音色的表现效果也相应发生变化。当触键力度愈强时,音色对应地显得更沉重,铿锵有力,从而更容易渲染钢琴作品的氛围和引起听众的共鸣;当触键力度稍弱时,音色对应地显得更迷离,柔婉多情,这样同样有助于加深钢琴作品的意境和带动听众的情绪。

(二)触键的灵活性对创造音色的影响

触键的灵活性可归因于两方面,一是以演奏者能否一气呵成地完成手指离键和下键这一连串行动为衡量条件,二是看演奏者能否在钢琴演奏中快速连贯钢琴的每一个触键。通常,当演奏者缺乏敏捷的指尖控制力时,会出现音色表达不清,连音中断,并瓦解整体音响效果的情况。所以说,富有灵活性的触键是考验演奏者演奏技巧的关键,也是弹奏一首完整的钢琴作品的最低限度。

二、准确的踏板是饱满钢琴音色的调色板

钢琴的踏板分左踏板和右踏板,两者对整体音色效果的作用也各不相同,左踏板主柔音,右踏板主延音。准确而巧妙地运用踏板不仅可以饱满,润色钢琴音色,更是能焕发整首钢琴作品的生机和灵感。但是,反之亦然,踏板的不正确使用会对整体音色效果起负面影响,例如:和声分析错误会造成音色混淆进而破坏作品的美感;对不同时期的作品风格理解不当从而影响作品的完整诠释;踩左右踏板的频率不当会降低钢琴演奏效果等。而为了发挥踏板对美化音色的表现力,演奏者必须尽其所能地利用自己的听觉来感受每一次踩踏板后,整体音色效果发生的变化,追求一种深层次的钢琴演奏时的“人琴合一”的契合感,此外,演奏者仍需注重每一次和声的变化时所对应的左右踏板交换,并加深对各种不同时期的钢琴作品音乐风格不同的认识,譬如:当演奏巴洛克时期与古典音乐时期的作品时,踩踏板的次数要减少,而相反,对于浪漫派时期过后的音乐作品,踩踏板的次数要渐增。

三、演奏者的外在表现是烘托钢琴音色的感染剂

在钢琴演奏中,演奏者自身的表现也是对整体音色效果能否完美发挥的重要因素。演奏者随着跌宕起伏的音色而自然地绷紧背部,加宽手臂的阔度,凝聚手指的力度,或是随着轻柔飘渺的音色而惬意地转换手型,扭动上身,甚至投入地闭上双眼等等这些举动,毫无例外地都会不知不觉地引导听众走进曲子的世界,从而达到高层次的演奏者与听众的情感交流。听众透过演奏家动情的肢体语言,不光体会到了作品本身的节奏与旋律,也进一步使听众的审美感知和情感知觉发生变化。所以,演奏者动情的外在个人表现实际上点缀了整个钢琴演奏的音色效果,而一般来说,在弹奏时,演奏者身心的放松和每个乐音的正确使用,都会潜移默化地帮助演奏者投入到作品中,进而推动作品的演奏。

四、结语

钢琴演奏音色的多层面因素探究 第5篇

关键词：钢琴演奏 音色 多层面 因素 探究

音色它既是我们看不到的音符也是优美的旋律的主题，更是钢琴演奏者在演奏时的重心和灵魂。演奏者为了加强音色必须经过长时间地刻苦练习。但有很多因素影响着音色，使其发生变化，例如：演奏者手腕和手臂的力度运用、演奏者对曲子的理解和演奏者自身感情的融入、踏板的运用和触键的技巧以及钢琴自身的音色等等方面。在本文中会对钢琴演奏音色进行多层次方面的探究。

1.钢琴的自身音色问题

钢琴音色，顾名思义就是钢琴在弹奏中所发出的声音的色彩。一个优秀的钢琴演奏者，他对钢琴音色有独特的认知和把握，只有注重音色才能使演奏者达到一个更高的层面。将钢琴音色作为自己持续不断追求的目标，也是钢琴演奏者必须具备的能力。我们可以把这种能力分为两个方面来说：一方面是钢琴演奏者自身对钢琴的驾驭能力，通俗的说是在任何一台钢琴上都可以用最快的速度来找到最佳的音色并且能很好的去控制；第二方面是建立在第一方面之上，是对演奏作品的理解，能很精准的将作品中最佳音色找到并很好的运用的能力。这二者缺一不可。若只有其一，那也是一种缺乏灵魂的美感。

2.关于触键技巧问题

钢琴音色的变化是钢琴触键直接决定，同样音色也是触键所要达到的目的，不同触键方法能够将钢琴音色变化表达出来，也产生出美妙的音色。我们从以下三个方面详细的讲解触键对钢琴音色有影响的因素：

2.1调整心态

对于一个在舞台上或者在任何地方展示自己才能的人来说，学会自我调整状态是必不可少的一门技术。我们有些人可能觉得放松并不是一种技术，其实这是错的想法。在一个舞台上学会放松自己，这样演出的完美性将会大大提高。在进行钢琴演奏时，我们可以通过一定程度的演奏练习来放松。精神和身体上的放松是必备的，这两者是同样存在但放松过程不同，但这两者也是密不可分。

身体放松是心里放松的前奏，要通过意志使身体放松，将背部、肩膀、腰部、手臂、手腕和手指逐渐放松。身体上的放松也使得心理得到缓解。我们在钢琴的演奏中，没有相对的紧张和放松。有的只是演奏者对自身的控制，一个好的钢琴演奏者应该是松紧适当，不能过于放松也不能过于紧张。所以在钢琴演奏中，演奏者的身心放松以及演奏技巧的運用都是在演奏过程中必不可少。演奏者心理越是轻松，他的键位就会越加的放松，手指就会变得很灵活。如此一来弹奏出的音色也就会有更好的吸引力。

2.2触键的灵活

钢琴演奏需要是需要手指支撑，若是没有手指的支撑力，那么也就没有钢琴演奏的出现。手指支撑方式的各样致使钢琴演奏的音质音色的变化，在钢琴演奏中，手指触键的力度和支撑方式以及手指对触键的速度直接关系到音色变化。

在钢琴的演奏中，指尖承担着演奏中大部分的任务。将身体的力量都汇聚到了指尖，用指尖控制音色。现在很多的钢琴学习者都急于求成，在自身对演奏技巧还没有完全的熟练时，一味的去追求演奏的速度，忽略了触键方式和方法的学习领悟，这样就使得在进行演奏时达不到效果，在弹奏重音时音色毫无灵气可言，演奏弱音时，音色给人一种“虚”的感觉。手指的快速触键常常是在弹奏时用手指的第三关节作为发力点，以带动手指快速的击键，通过这种弹奏方法，以获得清澈、干净、明亮和具有“颗粒性”的音色效果。

2.3触键的力量和频率

钢琴演奏者的触键速度和力度是钢琴音色变化的因素之一。而触键速度影响着声音的强弱，触键速度快慢与声音力度强弱成正比：触键速度又影响着声音的音质，决定声音的明暗、刚柔、颗粒性与连贯柔和性等。

“触键的速度十分重要。需有一定的速度来达到良好的支撑，这样可得出一个饱满、坚定、有力而不呆板的声音。如同用小槌敲击水晶杯，既要力量集中在极短促的一瞬间，又不能把力量用死，才能发出振动充分、共鸣丰富的迷人音响”。钢琴触键的速度和基本的触键方法是相关联的。若弹奏出的声音是明亮时，则需要手指弯曲的明显，指尖快速触键并离键，若弹奏出的声音是连贯音时，则需要手指伸平，指尖附在键盘上的倾向下键动作就慢。

3.踏板的巧妙运用

踏板在钢琴演奏中，能够调节钢琴演奏的音色，使其变得丰富持续，它对钢琴音色的影响同样也是非常大的。钢琴演奏者会通过借助踏板，增强自己对音色的把握从而使得音色变得更加的丰富。在演奏时演奏者对踏板的应用是必不可少的。但现如今，能够对踏板在使用方面做出详细而深入研究的音乐人却是少之又少。对踏板的运用会直接影响到钢琴的音色，风格以及特点等等。我认为踏板有很多方面是需要进行深入了解。

3.1踏板运用时应注意的方面

若想将踏板的技巧熟悉掌握，和老师们一样能够将每一个细节都运用到，是不可能达到的，唯一永远的老师只能是自己的耳朵，经过老师的指导和训练，要使自己的耳朵能够敏锐地察觉到踩在踏板上的脚或大或小的动作所引起的声音的任何反应。

3.2注意和声的变化

和声的基础在于和弦，我们不需要特别的训练，用我们的耳朵便能清楚地听出踏板对和弦的“美化”作用。在很多作品当中，大家都应该知道乐曲中要随着和声的变化而变换踏板。演奏者在演奏时要对乐曲的和声变换有所了解，以选择正确的踏板使用方法，如果对乐曲的和声没有分析好，那么就有可能在踏板使用方法上不恰当，造成声音混杂，破坏音乐的美感，因此正确而恰当的和声分析可以关系到踏板的正确使用。

3.3重视作品的风格 每一首钢琴音乐作品都会有其独特的风格，然而有些随着作品风格的不同，所需的音色也会随之而改变。在作品风格这一方面，我们是应该引起注意和重视的。

踏板可以美化一个音，也可以美化一条旋律，同时也可以为我们的作品起到一个“润色”的作用。对踏板实际上的全部意义是难以说清的，所以“钢琴的灵魂”这句形容踏板特殊作用的话，足可以说明它为音乐增添了不少色彩，也为我们弹奏的音色变得更加滋润、和谐。

参考文献

【1】.魏廷格著.钢琴学习指南——答钢琴学习388问. 人民音乐出版社

【2】.美·约瑟夫·班诺维茨.钢琴踏板法指导. 上海：上海音乐出版社

探讨钢琴演奏中触键技巧和音色效果 第6篇

一、钢琴演奏中触键技巧和音色效果的关系

将不同的触键方法运用过来,给人的音色效果也存在着差异,触键力度的不同,会出现强弱差异的音响,曲目音质也会受到触键速度和角度的影响。在钢琴演奏中,触键技巧和音色效果有着十分密切的关系。很多钢琴作品中的触键方式有很多种,结合创作方法的差异,将针对性的触键方式给运用过来,触键方式决定了音色效果。如在对渐强部分进行演奏时,会用指力向手力、前臂等逐渐过渡;因此,在日常的演奏训练中,就需要结合音色变化,对触键面积和速度进行差异化的改变。为了促使音色得到丰富,钢琴作品中包含的触键变化十分丰富,对于演奏者也提出了较高要求,需要对多样化的演奏技巧熟练运用。

二、钢琴演奏的触键方法

在钢琴演奏中,出现了多样化的弹奏方式,包括压力触键法、锤式触键法等,而最为主要的演奏方式是重量弹奏法,在运用重量弹奏法时,需要科学应用重力,弹奏者在钢琴演奏中比较的放松,演奏效果方可以获得提升。但是,经过不断的发展,演奏人员会根据自己的想法来对演奏技巧不断改变,这样就出现了多样化的钢琴触键方法。具体来讲,重要的触键方法包括这些方面:

(一)高抬指弹奏法

在抒情类的钢琴曲中,经常会采取这种弹奏方法,将手指最大限度的抬起来,在演奏过程中,要坐直身体,手臂自然下垂,抬起和放松手指,在抬起右手手指时,还需要顺便抬起其他手指,在下键过程中,需要在琴键上有弧度的落下第一指关节。本种弹奏方法有着较大的工作幅度,需要慢速弹奏,这样演奏人员的紧张感也可以得到有效放松。

(二)不抬指弹奏法

在钢琴演奏中,最为常见的方式是这种方法,不管是初学者,还是钢琴大师,都会不自觉的运用到本种方法,在对舒缓曲目进行演奏时,完全放松弹奏的手指。在演奏节奏较快的昂琴曲中,通过本种方法,可以实现手指的自然反弹,有效转换不同的音节。在本种演奏方法中,需要保证在琴键上自然落下弹奏的手指,将自然重力给利用起来,不断的练习,促使手指力度得到稳定,科学转换力量。

三、钢琴演奏音色效果分析

钢琴演奏要想感染到受众,演奏人员就需要对自己的弹奏进行聆听,以便对钢琴演奏中的音色科学处理,将良好的听觉感受带给听众。下面详细分析了钢琴演奏音色效果的影响因素,以便帮助钢琴演奏人员不断调整,促使演奏效果得到有效提升。

(一)心理素质和音色效果

对于每一个钢琴演奏人员来讲,心理协调能力是都需要具备的;如果演奏技巧很高,但是心理素质不够良好,那么演奏的效果也会大打折扣。因此,音色效果会直接受到心理素质的影响。有良好的心理素质,可以将自己的钢琴演奏实力给充分发挥出来;因此,在日常练习和演出过程中,都需要调节自己的心理状态。

(二)踏板与音色效果

音色效果还会受到钢琴踏板的直接影响,通常情况下,钢琴的踏板有两个,分别是柔音踏板和延音踏板,如果没有踩够踏板,作品音色的连续性就会受到影响,演奏效果得不到保证。但是,如果踩了过多的踏板,音色就会不明显,也会影响到演奏效果。因此,在具体演奏过程中,就需要科学分析钢琴曲目,合理使用踏板。以贝多芬的作品为例,踏板标记有很多,而只有很少的标记存在于莫扎特的钢琴曲目中。在近些年的钢琴演奏中,音色效果依然会受到踏板的影响。那么在日常练习中,就需要大力训练自身能力,对每一个演奏细节充分重视,对演奏中出现的失误及时总结,促使钢琴演奏效果得到不断提高。

四、结语

论钢琴演奏中的触键技巧与音色效果 第7篇

不同时代,不同作曲家不同风格的作品,其触键方法都不尽相同。德彪西是一位19世纪法国作曲家,又是印象主义乐派的创始者。作为有名的一位的钢琴家,他创立了新的钢琴演奏技巧。德彪西的音乐又与别的音乐家完全不同,亦有他独特的、他不常使用那些传统古典音乐中所用的大调和小调音阶。德彪西受“印象主义”绘画在艺术观念上的影响,他在作品中追求光和影的美感以及自然细腻的色彩变化,以视觉感受表达听觉效果,既浪漫又写实。因此,在作品中的音响效果也是如同绘画般,方法多变,方式多样,细致形象。

钢琴独奏曲《月光》是德彪西创作于1890年的作品。这首钢琴独奏曲《月光》(又名《明月之光》),是他居停在意大利时创作的钢琴组曲《贝加摩组曲》中的第三首。《贝加摩组曲》是由四首小曲组成,这一组曲不但旋律柔和优美,而且使用了色彩更加具有丰富的和声,它又是德彪西逐渐进入成熟时期的过渡性作品。在这首组曲中最为人熟悉的就是第三首《月光》。这首作品的取材是受到诗人吉罗的叙事诗《月光比埃罗》的影响,描写了意大利北部的贝加摩地区有一位比埃罗的青年陶醉在象征理想的月光下,他因为沉湎于物质生活而为月光所杀。最后,由于他认识到了自己的错误,并得到了月光的宽恕,又回到了人间。钢琴曲《月光》是很有表情的行板优美的旋律提示了对月光的印象,极弱和弦的反复更加深了这一刻印象。

我国著名钢琴家教育家朱工一教授在关于如何演奏德彪西钢琴作品时曾指出:“弹奏印象派的作品应注重音色、色彩的美。德彪西的作品不能弹得太富有激情,要注意音色变化,色彩要丰富,这是画面的需要。”德彪西想要的音响效果是与众不同的。演奏德彪西作品时,犹如雨中观景,雾里看花。触键技法多用于摸、拢、抚、挑、抓、勾、捻、抹等手法。在朦胧中透出清晰,在模糊中隐显轮廓,若隐若现,若即若离,在似与不似之间去找定位最为合适。因此,我们必须通过不同以往的触键方法来获得这种全新的音响。

演奏钢琴独奏曲《月光》作品,不但要飘逸、朦胧、富有变幻的音色和丰富的音乐表现力,还要有坦诚和安静的心态,用细腻的触键,寻找正确的声音色彩,把握住印象派作品的声音特点。德彪西的权威诠释者吉泽金认为一个钢琴家在演奏德彪西的作品时必须把美妙的声音放在首位。可见音色在此作品中占有至关重要的地位。在演奏《月光》这首作品时,触键要注重从手指到肩膀以及全身的放松、柔和、从而在手指第一关节有一定紧张度的状态下“抚摸键盘”,进行柔和而有控制的慢触键来弹奏,指尖用力的部位根据所需的音色调整。

《月光》曲,一开始出现的大三和弦宁静又饱满,高低声部为两组同样的三度音程旋律像似把人带入到一幅宁静幽暗的景致,仰头望着夜空,看到月亮从远处慢慢升起。在这段一定要掌握好乐句的弱起,准确弹奏二连音。演奏时手指触键要稍稍向前,声音立起来的同时又要避免生硬敲击的音质。第9至第14小节为第一句的平行乐句,但和声色彩更加浓郁,触键要应更加有深度。紧接着从第15小节开始的织体排列较密,开始很弱,音色朦胧,弹奏时速度较为自由,在渐强中逐渐活泼起来,注意音色统一,和弦的触键要整齐,音与音之间要连接,弹奏时以指腹触键,掌关节很牢固,手腕放低,紧贴键面指尖扒住琴键横向转移,以达到声音粘连、共鸣好的效果。从渐强到减弱的过程,必须调整指尖力度的控制。从第27小节开始,活跃而流畅,似云在流动,要弹的紧凑些。

第37小节转到E大调。从第37小节到4小节是全曲的最高点,随着情绪的高涨,音色也逐渐要变。也就是出现了短暂的力度为f的高潮部。这部分演奏要有足极大的音量,同时也要有饱满的并不是生硬的敲击,要用内在的力量,弹出足够、柔和的音色。第41小节声音要明朗些,这里要求触键弹出柔和的强奏。德彪西的音乐中往往没有这种形成高潮的发展过程,即使在高潮出现处,也总是一闪而过,因为其目的并不是为了造成音乐情绪的紧张感,而只是一种丰富音乐色彩的手法,必须掌握好此曲的高潮点。第43小节转回降D大调,音色柔美,进行平稳。

从第51小节至65小节是再现第一段,一切又回复到了平静,音色要更柔和、清淡。一开始出现ppp,左手就应该是pppp。要演奏逐步多层次的弱奏,这时触键非常有难度的。先要内在的浓厚的想象力,即能浮现出你要演奏的音响效果。对这种音色的内心听觉是演奏德彪西作品的重要因素。演奏者掌握好这种想象力和心态,才能感到相应的演奏技巧来表现它。这时要求全神贯注的控制每个手指的触键。要得到很弱的声音,手指用肉垫而不是指尖触键,同时改变触键方向,向前或向后平抹触键,并可以借助腕部进行力量缓冲,以奏出更加优美、柔和的音色。最后尾声,以三度音从明亮悠长逐渐减弱到渐慢直道曲终。此时的音响在演奏者的手中被运用自如,浮现出一幅幅画面,并演绎出一曲曲美仑美奂、动人心弦的作品。总之,正确的触键使每一个音符奏出的音量大小、停留的时值及速度、相应的力度及音响的效果都能恰到好处,使各种音之间成为融为一体的。

钢琴音色演奏技巧 第8篇

一、触键力度

钢琴的触键力度是指钢琴演奏者在演奏钢琴时,触到琴键的刹那,其施加在琴键的用力的部位和强度。根据演奏者对琴键用力强度的差异,由弱到强分为指力触键、手力触键、前臂触键和全臂触键四类。

(一)指力触键

钢琴的较小的音量多数时候是钢琴演奏者通过指力触键的演奏方式所演绎出来的。所谓的指力触键就是演奏者仅用自身手指的前面三个手指关节的重量和力度来触碰琴键。指力触键根据触键的速度不同,又分为速度快的指力触键和速度慢的指力触键两类。例如在演绎古典主义时期维也纳学派的作品时,钢琴演奏者可采用速度快的指力触键来演绎这些作品中细小而又清脆的音色。而在演奏浪漫派和印象派的作品时,由于这些作品的音色飘渺朦胧,钢琴演奏者可采用速度慢的指力触键,因为该种触键模式速度缓慢,大幅度地削弱了触键的力度,所以即使触键面积很小也不会发出或尖锐或明亮的声音。

(二)手力触键

手力触键顾名思义,是指钢琴演奏者利用手掌的力度和重量并偶然地借助腕部的运动,再联合用不同的触键速度和面积以达到不同层次的音响效果的要求。如果钢琴演奏者要达到弹奏出中等强度的清亮且锋锐的音色效果目的,可加快垂直的手力触键的速度。

在弹奏《车尼尔599练习曲集》中的68首时,钢琴演奏者需要通过手腕的抖动来使手掌上下运动即靠演奏者自身的手掌的重量来演绎钢琴曲中那适中、清脆明亮的快速跳音。而在演奏巴洛克时期的作品时,钢琴演奏者的手腕震动幅度必须非常小,小到似乎钢琴演奏的手腕没有振动,看起来就像是纯靠手掌的力度去勾、抓琴键。钢琴演奏者用这样的演奏方式是因为巴洛克时期的音乐有很多较弱的跳音,因此演奏时动作要求要低调轻柔。这种演奏方式运用范围非常广泛,是作为钢琴学习者必须掌握的最基本的技能之一。

钢琴演奏者在弹奏巴赫和莫扎特的作品时,由于他们的音乐作品中包含了很多弱音程和和弦部分,钢琴演奏者假如单纯利用指尖触键的方式是得不到两个及两个以上的琴键同时且整齐落下的音色和音质,所以演奏者需要利用手力触键中速度慢的垂直触键方式。

(三)前臂触键

所谓的前臂触键方式就是钢琴演奏者运用双手前臂以及手碗和手掌部分的重量及力量触键,演奏者手臂运动是通过肘部来带动的,以取得理想中的音色效果。速度较快的连音或者音程及和弦的跳音需要演奏者采用速度快的垂直触键方式且联合上述触键方式共同演绎。多音和弦则需钢琴演奏者用速度较慢的前臂触键及联合运用垂直触键方式来演奏。因为此种触键方式较慢,触键的力度也会相应的削弱,前臂的垂直触键方式所产生的力量会被抵消掉,因此不用此种演奏方法演奏单音。若是需要演奏例如肖邦的《幻想即兴曲》等浪漫派作品时应该首选前臂触键中速度快的水平演奏方式,因为这种演奏方式能够产生既饱满又柔和的音色。在使用这种演奏方式时要注意与演奏印象派时的触键方式相区别,这里不需要过多的用指腹触键,用水平触键中的触键面积小的指腹触键方式即可取得满意的音效效果,即在同时得到快速音符、饱满柔和的音色、充满质感的音色。

(四)全臂触键

所谓全臂触键方式就是钢琴演奏者调动全身或者是整个胳膊的重量和力量来触键,这样巨大的力量可以达到重大的音响效果。全臂触键方式的触键速度相对而言速度较快,其音色之间的变化是通过演奏者手指的触键面积改变来达到目的。因为全臂触键是所有演奏方式中用力最强的一种,没必要与削弱力度的慢触键方式相结合,所以全臂触键方式只有快速的垂直触键和水平触键方式两种类型。全臂触键中的快速的垂直触键方式需要演奏者将全臂甚至全身的力量集中在指尖部位,这样能使触键更具有爆发力。演奏贝多芬等音乐家的交响曲中最激烈最强烈的部分以及具有敲击性音响的音乐时可采用上述触键方式。全臂触键中快速的水平触键方式可以使音色饱满、响亮,能给人带来既含蓄又深沉的激情感受,因此被广泛运用于浪漫派的作品中。

二、触键速度

所谓的触键速度是指钢琴演奏者的手指从接触琴键到使琴键到底所用的时间,按所用时间的长短分为快速触键与慢速触键两种。虽然触键速度只分为简单的两类,但是触键速度哪怕只有毫秒的区别,产生的音色效果都会具有显著差异。

垂直触键且触键速度快时可产生清晰明亮的音色效果,而若是水平触键方式且触键速度快时则带来厚重的音色效果。而演奏钢琴时为了表达不同层次的音响效果,我们需要通过改变触键力度的强弱来达到目的。快速触键中的垂直触键方式在演奏钢琴曲时运用的范围极其广泛。它可以演绎轻快的跳音,激烈的单音、音程、和弦等多个方面。快速触键中水平触键方式可以为音乐增添诗意与朦胧美,常被用于浪漫派的作品。

钢琴演奏者在演绎较弱的断奏或连奏中,需要使用慢速触键中的垂直触键,这样演绎出来的音色虽然柔弱却不失精致集中。在演奏浪漫派和印象派的作品时,慢速触键中的水平触键方式被演奏者广泛的运用,以获得柔美而神秘的音色。可见,钢琴演奏者需要根据不同的作品以及同一部作品中不同部分所需要达到的不同音色效果,来调节自己的触键速度。

三、触键角度

所谓钢琴的触键角度就是触键时演奏者手指与琴键所形成的夹角,根据角度的差异,分为垂直触键和水平触键两大类。

垂直触键方式就是弹奏时演奏者的手指指尖与琴键垂直,只用手指指腹最前端触键称为垂直触键,这种演奏方式演奏出来的钢琴音色表现为明亮和集中。在相同力度下,垂直触键的速度与音响效果强烈程度成正比。快速垂直的全臂触键方式常常用于锋利集中的音色。而在弹奏时值较长或慢速的音符时,则采用慢速垂直的手力触键及前臂触键方式。这样才能弹出既快又不失柔和且精致集中的音色。

水平触键方式是钢琴演奏者的手指与琴键形成的角度为锐角,且用手指指尖到指肚极为狭小的面积来触键。若配合不同的力度和速度来触键,就会产生不同的音色效果,或圆满,或隐约,或浪漫,或阴沉。

就算同是水平触键,手指与琴键也可在一定的范围内形成不同的夹角。钢琴演奏者一般会根据不同的作品需要的不同的效果来选择不同的用力角度演绎作品。例如钢琴演奏者一般会让手指与琴键的形成的夹角保持在50度到70度之间,然后用指尖与指肚的中间部分接触琴键,以演绎浪漫时期作品的感情丰富的特点,又不会失去古典时期的精致。经验丰富的演奏者会用较大的面积的指肚触键,并让手指与琴键的角度小于50度,这样就可以演绎出浪漫时期作品的晦暗、朦胧特点。

四、结语

几乎所有的钢琴作品都需要钢琴演奏者切换不同的触键模式来完成,每部作品都会随其表达的情感的跌宕起伏而采用不同的创作手法,因此完整地演绎出一首钢琴作品需要多种不同的触键方法配合起来。因此一个成功的钢琴演奏者,需要熟练掌握各种不同的触键方式的技巧,以及明确不同的触键方式所演绎出的不同音色效果,根据作品的特点,采取正确的触键方式,演奏出理想的音色,完美地演绎出钢琴作品。

摘要：作为乐器之王的钢琴,其音色特点高贵华丽大气,被众多人多喜爱。很多人勤学苦练钢琴多年,虽然能够熟练地弹奏钢琴曲,但是却不能完美地演绎出钢琴独有的音色特征。由此可见,钢琴弹奏着能否将钢琴的音色淋漓尽致地发挥出来,决定了钢琴演奏者的优秀与否。钢琴演奏则的触键技能对钢琴的音色有着直接的影响。因此,本文从触键力度、触键速度以及触键角度三个方面浅析触键技巧对于音色效果的影响。

怎样演奏好钢琴的音色 第9篇

训练用自己的耳朵仔细的聆听:

学生从练第一个单音断奏开始就要去听, 当手指保持在琴键上站立时, 耳朵要倾听声音的持续和延长, 音乐是否连贯, 线条是否有意义, 整首乐曲是否充满了音乐的起伏与流动。教师应要求学生在一开始就要学会把正确的动作与正确的声音结合起来, 这样的开端对以后的钢琴学习会受益无穷。音乐在所有的语言中是最富有想象力、最扣人心弦的, 正因如此, 音乐也是最难表达的和最难捉摸的。我们只能通过对乐谱的提示来理解其内涵, 而没有办法得到像文字般清楚的说明。这就需要我们要假想自己是一个听众, 全神贯注的倾听自己所弹奏出的每一个音符, 让每一个弹奏出来的音符都具有意义。

巴洛克时期的音色

在现代的钢琴上演奏巴赫作品, 就不能像弹现代作品时那样弹奏巴洛克钢琴作品。弹奏时要减少指尖触键的面积, 在手指弹性的触键时留有余地, 但瞬间必须跳跃开, 使音色饱满圆润却不张扬, 热情, 积极向上, 颗粒性饱满, 又有流畅性。同时, 巴洛克时期的音乐基本主要以复调音乐横向线条为走向, 几条旋律线互相穿插。复调音乐通常比主调音乐更凝炼、更集中。演奏复调作品, 歌唱性是至关重要的, 更要重视每个音符的触键。

在演奏中为使旋律更具歌唱性, 演奏的圆润、有方向、从头至尾不中断, 不过分地夸张地弹奏乐句的最高点, 不在渐强与渐弱的乐句中失去方向, 更不可有任何生硬的起伏。音乐的表达, 永远都要以自然的流动为依据。学习者要在这个方面付出相当大的努力才能达到。

指、腕、臂、身诸部位与声音的关系择要

(1) 十指是钢琴演奏最直接最敏感的部位, 因此, 是值得力量、灵敏、速度、以及千变万化的触键方式和控制能力, 是基础之基础。五个手指都有它天生的弱点, 要对症下药进行目的明确的训练。例如:将哈农移至所有调上进行弹奏练习;肖邦位置:大指、五指在白键, 中间三个手指在三个黑键位置 (#F, #G, #A) 。

(2) 腕臂的训练与声音的关系, 手腕是手指与手臂之间承上启下的枢纽。手腕有许多上下, 左右的动作方式, 其中有些是手腕独立完成的, 有些是和手臂结合起来协调完成的。手臂的任何动作必须是坚挺与弹性的结合, 支撑于顺活的结合, 阳刚与阴柔的结合, 只有在二者结合的弹簧状态中, 手臂才能做到灵活平和, 收放自如, 转和顺柔。

(3) 身体协调与声音。在弹琴时, 从身体接触琴凳开始到手指接触键盘, 应该是一个可以灵活调节的整体。当我们的身体处于自然积极状态时, 声音必然会丰润宽厚, 使人听起来顺畅, 舒展。全身的协调一致, 气息贯通, 极端放松, 由此构成一个漫长的“气息爆发放松链条”。放松应一直贯通始终, 好的音色才能确保更好的弹奏出来。

变缺憾为优势

钢琴音色演奏技巧 第10篇

【关键词】 钢琴演奏；触键；音色表现；影响

[中图分类号]J60 [文献标识码]A

钢琴演奏作为艺术领域的重要表现形式，对演奏者的综合能力具有较高的要求，演奏者在掌握正确的演奏技巧和方式的基础上，要注重触键对音色表现的影响。钢琴演奏的实质，是通过演奏者触键一瞬间所迸发的灵感，进而提升音色效果，以此来实现钢琴演奏效果的最优化。钢琴演奏中触键和音色的有效结合，需要坚持整体和部分相结合的原则，在理解的基础上融入新的思维元素，并侧重于演奏作品本身的严谨性，为演奏作品赋予新的活力和生命，同时为其后期的自创作提供巨大的空间。为此，演奏者要重视触键对音色表现的影响，通过适当控制手指的力度以及身体其他触键部位的协调，使得演奏的音色对倾听者产生强有力的情感震撼。

一、钢琴演奏中音色的认识与鉴别

钢琴演奏中对音色的有效认识和科学辨别，是保证演奏音色质量的重要内容，也是建立演奏音色思维模式的基础。钢琴演奏者在头脑中要对作品形成一个整体的基本框架，以认知为途径对整个钢琴作品的思想内涵、人文精神、各部分的内在联系等方面进行综合性考量，实现感性认知和理性认知的融会贯通。为此，钢琴演奏者首先要阅读并了解大量的钢琴演奏作品，对不同类型、风格的钢琴家的音乐作品进行区分，通过类比、推理、研究、观察等方式洞察音乐作品的深层次内涵，要善于总结和分析，不断提升钢琴演奏的认知水平和质量。其次，要了解钢琴作品中的各组成部分，对作品的创作背景、情感诉求、思想内涵进行了解，不断谋求演奏者与作品的精神契合，提高对音乐的敏感度。第三，要在理解的基础上融入自身的情感感悟，并以极具中国特色的音乐元素丰富和发展演奏作品，将抽象思维转化为定形思想，以作品本身为出发点，对相关内容、结构、整体构成情况进行解读和重铸，并以此为主线，经过主观精神到情感升华的概念性飞跃，进而增强演奏的真实性和感染力。

由于钢琴演奏者对音色的鉴别主要是通过感觉这一途径，演奏者要加强听力练习，根据音色的不同有效地辨别指尖触碰的旋律，同时，可以对自我演奏过程中音色存在的不足加以改进和创新，进一步提高钢琴演奏水平和质量。因此，钢琴演奏者要正确认识音色，对直觉感知的作用、本质属性、特点等方面要有明确清晰的认识，明确直觉是思维模式构建的助推剂，它对于某些音乐作品可以在第一时间做出理解。钢琴演奏者要提高直觉判断能力，在演奏过程中通过长时间的意识培养，逐渐形成一种自动化的转换判断意识，对钢琴音乐作品的整体动态能有更为准确的把握。演奏者還要善于反思和总结，在演奏过程中要提高对音色的辨别能力，提高对音色的敏感度，进而寻求一种更为高效的演奏模式。

不同钢琴演奏作品中所彰显的音色特征是不尽相同的，如肖邦的《夜曲》具有冲淡平和的特点，音色方面以优雅、柔和为主；而彪德西的《月光》构建的则是一个寂静别样的晚上，演奏的音色要具有较强的穿透力，才能进一步突出月光的清幽特点。由此可见，钢琴演奏者除了要具备较高的演奏技巧，加强对音色的有效认识和科学辨别也是至关重要的。

二、钢琴演奏中身体其他触键部位对音色表现的影响

（一）手掌的运动

在钢琴演奏中要注重身体中手掌的科学运动，通过手掌的合理调节强化对钢琴演奏音色表现力的影响。在钢琴演奏过程中，手掌是钢琴触键部位的主要支撑点和着力点，因此，要重视对手掌力量的正确调节，保证手掌的稳定性和牢固性，借助手掌的支撑作用，实现钢琴演奏强音音色和弱音音色效果的最优化。在钢琴弱音音色的表现过程中，手掌的力度要稍弱于强音控制力度，在处于塌陷状的同时，手掌的力度不能实现根本性的放松，一旦力度掌握不足，钢琴作品的音色就极易处于某一个点之中，穿透性不强且音色脉络模糊。因此，即便是在演奏浪漫主义钢琴作品时，手掌力度仍要保持在固定的空间之中，实现力度的有效控制和准确把握。由此可见，在钢琴演奏过程中，若想实现音色表现力的最优化，则需要在初始阶段就做好钢琴弹奏的手掌姿势调整。

（二）腕臂的运动

在钢琴演奏中要注重身体中腕臂的科学运动，通过腕臂的合理调节强化对钢琴演奏音色表现力的影响。腕臂是连接手指和手臂的中间力量，在某些情况下，需要两者的有效配合方可完成钢琴作品的演奏。在钢琴演奏过程中，演奏者的腕臂要处于平衡状态自重，要借助手腕的力量实现对手指力度的有效按压，换句话说，演奏者手指距钢琴琴键的距离要保持在合理的空间范围之内。以《梁祝》钢琴演奏曲为例，就其曲目的高潮部分来说，演奏者的手腕要做到轻柔舒缓，同时又不乏刚劲有力，也就是我们俗称的“柔中带刚，刚柔并济”。如果腕臂的运动僵硬死板，则势必会造成手指的生硬，无法达到曲目的最佳演奏效果，并且极易使腕臂处于疲劳状态。

（三）身体的协调

在钢琴演奏中要注重身体各个部位的协调运作，通过各部位的高效配合强化对钢琴演奏音色表现力的影响。相关研究资料显示，钢琴演奏者在处于“自然的紧张”状态之中，则会实现钢琴音色演奏效果的最大化，作为倾听者则会听到饱满有力、顺畅灵活的钢琴音色，而在钢琴演奏过程中，身体的协调性主要集中于表演者的腰部。因此，如何实现腰部力量的有效带动则是整个身体协调发展的关键所在。在演奏音色表现力较大的作品时，演奏者可以通过上身的直立，借助腰部的协调力量，将音色自然地表现出来。同时，在这一过程中也要注意身体其他部位的配合，如臂力力度的输送张驰度、手掌关节的密切配合、指尖感觉的强化等。由此可见，身体不同位置的相互渗透对钢琴演奏音色的效果极为重要。

三、钢琴演奏中触键技巧对音色表现的影响

（一）手指独立性

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在钢琴演奏中要注重手指的独立性，通过手指的独立弹奏强化对钢琴演奏音色表现力的影响。钢琴演奏的音色具有颗粒性的明显特征，在演奏过程中可以通过指尖的连续、间断展现钢琴演奏作品的别样特色，并通过有效的间断不断赋予钢琴演奏作品新的音色内涵。在演奏过程中，指尖发力的力度和时机要掌握得恰到好处，通过手指的独立提升臂腕的灵活性，进一步凸显音色的集中特征，使其更加具有穿透力和明亮性，同时还可以提升钢琴演奏者的演奏速度。手指独立性的练习作为钢琴演奏的入门内容，演奏者要做到放松和紧张并存，按键动作轻且快，通过这种方式弹奏出来的音色可以给人一种舒适感。

（二）手指灵活性

在钢琴演奏中要注重手指的灵活性，通过手指演奏的灵活性强化对钢琴演奏音色表现力的影响。从钢琴演奏者进入学琴的初始阶段，手指的灵活性就存在于钢琴演奏的各个环节之中，手指弹奏过程中的灵活将直接关系到钢琴演奏作品音色的好坏。手指的灵活性要做到下键和离键的准确无误，动作要快而准。同时，钢琴演奏者要具有较高的演奏素养，能准确判断钢琴演奏的音色变化。一般来说，钢琴演奏的指法训练以高抬指为主，主要训练手指的灵活性、主动性和独立性。此外，在日常练习过程中，钢琴演奏者需要勤加练习，进一步巩固基本演奏技巧，将快速指法训练和低触键指法训练相结合，提高钢琴演奏速度，在时间的积累之下实现钢琴演奏音色变化的跨越式发展。

（三）手指稳定性

在钢琴演奏中要注重手指的稳定性，通过手指演奏的稳定性强化对钢琴演奏音色表现力的影响。在钢琴日常练习和演奏过程中，手腕动作要保持连贯，特别是在八度的练习上要提高速度，动作幅度要做到收放自如。钢琴演奏者在作品演奏过程中对音色的掌握要有足够的力度。一般来说，在弹完一个音色之后要在快速放松的基础上，进入下一个音色的弹奏状态之中，借助手指实现钢琴弹奏力量的转换，但是在这一过程中切勿有意识地下压手指，因为这样极易造成音色的不稳。对此，钢琴演奏者的演奏力量要以手指为中心，实现手臂、手肘、手腕、手指四方面的和谐统一。此外，在演奏过程中要重视手指的支撑力，将其控制在合理范围之内，手臂的压力应不超过手指的支撑力，演奏者要格外注意小手指稳定性的有效训练，在保证每个手指独立性的同时，实现放松与紧张并存，由此提高音色的水平和质量，将钢琴作品的内涵和艺术性表现得更为透彻。

（四）指尖触碰技巧

在钢琴演奏中要注重指尖碰触技巧，通过指尖碰触技巧的提升强化对钢琴演奏音色表现力的影响。在钢琴演奏过程中，音色的好坏是通过触键薄弱表现出来的，这与演奏者指尖的触碰技巧有着直接关系。一般来说，演奏者指尖触碰技巧应用良好，触键程度深、用力大、速度快，音色则会表现出深厚有利、节奏清晰的特点。此外，钢琴表演者要在“放松理论”的指导之下，实现肢体动作、指法技能、弹奏技巧及心理状态的有效结合，使得这四方面处于协调发展的状态之中。“放松理论”认为，钢琴演奏者的弹奏效果与其自身的心理素质有着直接关系。要通過一系列的方式和途径消除演奏者内心的不安，进而避免因心理不适而造成肢体行为的僵硬，减少弹奏力度不足、演奏空挡、表演停顿等情况的出现。例如，在钢琴表演之前，钢琴表演者可以通过适当的手臂活动实现肢体的放松，实现音色效果的最大化。

综上所述，钢琴演奏作为一门重要的艺术，关于其演奏技巧的研究始终是重点课题。触键对于钢琴演奏音色的表现有着直接的影响，毕竟作为键盘乐器，钢琴触键直接决定着钢琴演奏音色的好坏以及音色变化的灵性。如果触键技巧掌握不足，就会使钢琴演奏的音色大打折扣；如果触键没有变化，钢琴的音色也就难以动人。可见，要想提高钢琴的演奏效果，需要表演者对触键技巧给予高度的重视，要下足功夫提高触键的灵活性、独立性、稳定性，确保钢琴演奏音色表现力的不断增强。

参考文献：

[1]袁茵.论钢琴演奏思维模式的构建[J].赤峰学院学报，2016（08）.

论钢琴演奏中的音色 第11篇

在钢琴的学习中, 要想获得优美的音色首先我们要先具备控制手指的能力。要想弹出完美的音色, 那么手指首先要灵活, 演奏者可以随意支配自己的手指, 从而达到自己想要的音色。这就需要学生多多的去练习基本功, 加强练习手指的独立性、颗粒性、结实程度、灵活程度等等。在练习的过程中, 要多弹断奏、变奏以及慢速练习。手指的基本能力, 就好像一个建筑物的地基一样, 地基越是牢固, 那么这个建筑就越结实。世界上的一切现象都有它的起点和终点。钢琴的声音也是如此。要想弹奏出优美的音色, 那么必要的先决条件是从肩部到指尖, 包括手臂、手腕和手在内, 全部放松, 丝毫不紧张;然后手指却应当总是准备好的, 就像是冲在最前线的士兵一样。要知道, 音色的决定性关键是指尖的触键, 而其余的部分:手、手腕、手臂、肩胛、背部都是“后方”, 但是后方必须要组织好, 才能全力的支持前方。这种手指的控制能力要运用到乐曲中, 当弹奏那些优美的富于旋律性的句子时, 我会建议学生用很慢的速度来练习, 在这些深情的句子中, 要求手指的触键较深, 手指肚接触到琴键较多。在弹奏快速跑动的句子时, 要求手指尖接触琴键, 这样的声音会充满灵活性和颗粒性。另一种练习声音层次的方法是复调作品, 巴赫的复调作品中, 多个声部同时进行, 在进行的过程中, 就要求学生用两只手去弹奏出多个声部, 我们要用横向的思维去控制每个声部的旋律线条, 但是往往很多学生只会纵向读谱, 这样会影响到声部和音色的完整性。

(二) 具备敏锐的听觉能力才能获得完美的音色

在弹奏过程中, 我们要想达到完美的音色, 那么我们还要具备的是敏锐的听觉。在教学过程中, 我经常告诫学生要用耳朵去听。在音乐理论课程中, 我们都学习了视唱练耳, 从小就开始训练对调性、音程、和弦的辨别能力。这些基本的能力都要运用到钢琴练习中来, 我会让学生做一个这样的练习, 用f的力度弹一个音或者同时几个音下去, 按住它们直到耳朵再也察觉不出琴弦的延续, 直到这个音完全消失, 在这个过程中让学生去感受其中音色的变化, 只有能再钢琴音的延续震动过程中清楚的听到所有力度变化的人, 才能正确评价钢琴声音的美及其可贵之处。并且只有这样才能掌握音的必要的变化, 这变化绝不仅仅是在表演复调音乐时才需要, 在明确的表达和声, 表达旋律和伴奏之间的关系, 都必须仔细聆听。我经常会把钢琴比喻成是乐器中最好的演员, 钢琴的声音很具体而且具有表现力的, 我们可以在钢琴上模仿很多声音, 如车轮声, 流水声, 钟声, 民族乐器的音效等等。因此, 钢琴可以说是包括了最广阔的天地和无限的音乐意境。在演奏作品时, 内心要有丰富的感情和联想这样才能弹奏出动人的音色、自然的语调、连贯流畅的旋律线条。内心一定要有歌唱, 才能使其声情并茂。音乐演奏中只有溶进了内心情感, 音乐才有生命活力。而耳朵聆听即是运用听觉对音色进行鉴析和检验。以修正不足, 从而获得正确的有情感的声音。弹奏单旋律时要听是否连贯清晰, 弹奏和弦时, 要听发出的和声是否响亮、整齐。

(三) 通过不同时期的作品分析音色的运用

弹奏一部钢琴作品时我们要了解这首作品的创作背景, 了解作品的演奏风格。多样的音色能够展示不同音乐流派的创作风格。克劳迪奥, 阿劳说过:“每个作曲家所需的音质都不相同。艺术家对每个作曲家要求的音质要处理正确。声音是为解释曲子服务的。”良好的音色能够拨动人们的心弦, 唤起潜藏于心中的某种情愫。在西方音乐发展史中, 巴罗克时期与古典乐派时期的声音结构较严谨、清新典雅、音色要求干净、淳朴。其代表人物塞巴斯蒂安.巴赫, 他所创作的《钢琴平均律曲集》对音色的要求是手指弹奏的声音应做到既变化又统一。声部间错落有致, 多声部交替进行形成各个声部的旋律线条平稳流动。莫扎特的钢琴奏鸣曲要求声音颗粒均匀, 以表现其自然流畅、轻松典雅的气质特点。而弹奏贝多芬的作品时, 我们要追求明亮辉煌的音色、气势磅礴, 情绪中悲喜交加。中国钢琴音乐自解放初期以来涌现出了许多优秀的作曲家创作的钢琴作品, 其中不少由民族器乐曲改编而来。弹奏时模仿民族乐器的独特音色。在弹奏中国作品储望华根据华彦钧的二胡曲改编的钢琴曲《二泉映月》时, 要模仿二胡弹奏出连绵柔和、如泣如诉的凄凉之情。有很多学生在音色练习的方面摸不到头绪, 在很多作品中都有多层次音色的练习, 例如, 浪漫派的作曲家肖邦作品第1 0号的第三首练习曲。第一层是旋律, 第二层是中声部, 由十六分音符组成, 第三层是切分音的伴奏。在弹奏的时候要分清楚这几个层次, 音乐中的最低音和最高音的界限就像图画的边框一样, 界限要是不清楚, 轮廓就模糊不清了。在这首作品中就要完成三个声部, 要有这几个声部构成立体化的音响效果。整首练习曲是单三部曲式, 弦乐四重奏音型和半音和弦组成的。曲子要弹奏的富有情感, 柔美深沉, 带有明显的沉思色彩和淡淡的思乡之情。这些就需要学生把学到的聆听和手指的控制能力运用到作品中来。像肖邦第三谐谑曲中的第二主题业是多层次的表达, 它要有音区的鲜明对比, 而且也要有横向的旋律排列。德彪西的作品《印象集》《版画集》等作品要求声音梦幻轻柔, 以呈现作者的不同作品中的情绪乐曲要弹得朦朦若隐若现.现代乐派钢琴音乐大多数节奏多变、和声复杂、奏法独特, 音色要求或尖锐生硬、或暗淡模糊。在近现代的音乐作品里, 在斯克里亚宾、拉赫马尼诺夫、普罗科菲耶夫等人的作品中可以找到许多特别鲜明的声音多层次的例子。在那些多层次的段落中, 应该建议学生单独挑出来练习, 每个声部都用横向的思维去弹奏。