服装服饰艺术范文

服装服饰艺术范文（精选12篇）

服装服饰艺术 第1篇

戏剧舞台上演出的戏曲, 包括歌舞、杂技等表演中人物所穿的各种剧装和盔帽, 可以说种类繁多, 色彩绚丽, 光怪陆离。虽说中国戏剧服装经历数百年来逐渐形成至今的模式, 但它的服装制样式、规格、尺寸很大一部分还沿用明、清时代的服饰为基本。也吸收历史服装之典型, 不断加以综合和美化并在传统戏剧服装式样上做了大量的改进, 并增添了很多新款式。这是经过长辈戏装设计者和制作者, 同演员们长期合作研讨、改进创造、衍变、夸张形成了一套有程式化的舞台通用舞台艺术的戏剧服装。这些装扮程式上所以能长期存在和发展至今。它有一个前提, 就是有很强的美和群众性, 观众喜欢看。这就是达到审美思想境界最高水平。

我再来谈谈戏剧服装装饰美的直观性。戏剧服装直观性是戏剧发生学的特征之一, 戏剧直观性就是让观众充分领略丰美的外部形象, 舞台传统服装承担了创造外部形象的任务, 并与戏剧美学契合。

舞台服装的象征成功可从主、客体两方面来看, 作为主体的舞台服装及舞台服装设计师, 将“可看性”“可演性”的服饰形象生动做了舞台展示, 角色的相貌性格, 虚拟的结构与色彩构成了多姿多彩的形式意味。舞台服装的象征功能在戏曲服装中占重要位置、它以款式与色彩告诉于观众的直观情感, 就是戏曲艺术的程式化于观众心里反应的结合。舞台服装的象征, 就是主、客体对服饰共同的心里积淀与评判, 而且最终在角色上反应, 对揭示角色有独到的效果。如这次我团在六月份到美国演出的《老鼠嫁女》、我是应用了戏剧传统的服饰来设计了这十一个人物的小戏, 小老鼠是个活泼可爱的少女, 在戏中是花旦的角色, 我给她设计穿的袄裤, 它的规格一般是明间少女, (即所谓“小家碧玉”) 具有简洁之美也很适应于形体身段的表现, 它的装饰配有饭旦的四喜带。

大老鼠、 (母老鼠) 是个比较贪财的角色。我给他定的是丑旦的人物性格, 用彩旦衣, 大襟、立领、宽衣肥袖、镶大沿边, 由于这种服装造型给人以一种滑稽可笑的感觉, 用于喜剧人物却正是十分适宜的。而且在色彩上也比较亮。再配个大红腰巾子, 更有喜剧人物的感觉。

男老鼠:是个比较侠客、义士的青年, 热爱生活, 向往美好的爱情, 给他设计是白绣花抱衣裤。这套服装有很强的装饰性, 表现出英俊、侠客、义士的青年人。

黑猫:是个贪色, 比较狡奸, 属于反面人物吧。我让他穿黑色的绣花抱衣裤。

四个小老鼠, 让他们穿男兵衣裤, 大红坎肩, 带红毡帽。

虽然是传统的戏曲服装, 可是我给他, 她的帽子上缀上两耳朵, 服装缀上长尾巴, 通过服装艺术装饰, 来展示外部形象的造型。为演员塑造剧中人物性格。把他们这些活泼、可爱的老鼠形象展现给了观众。戏装除了塑造剧中人物以外, 还能帮助演员在表现动作更自由舒展, 更优美。舞台服装的象征功能还表现在具有渲染气氛、揭示风格、烘托主题等价值。

戏曲服装造型中装饰, 是用来在舞台上产生服装艺术效应, 特别表现在服装上刺绣。服装与刺绣艺术结合在一起, 使之成为精美的工艺美术品。在西方人看来。我们中国的戏曲服装是非常富有东方民族特色。

在戏剧服装上刺绣是服装的特点。由于纹样 (图案) 的装饰性强, 更加丰富了戏剧服装的色彩, 这些纹样除了装饰的作用外, 还有一定程度的表现人物的作用。同样一件道袍, 绣花与不绣花, 就显示不同的身份。不同的纹样 (图案) 就显示出不同的地位。 (下接第209页) 如:公子哥, 就穿有刺绣的道袍, 素色的就是贫寒的书生。绣团花的是武小生。同样一件襟, 可以从纹样中看出是文官还是武官, 官位几品。在女披上绣团花的多为老旦和青衣, 绣散花的披多为大家闺秀。也有男女对披, 就是女的与男的是一样的, 多用富贵人家的老两口, 和大红即是新婚人所穿的。

戏曲服装是为演员在舞台上表演所提供的初步造型, 当舞台大幕刚拉开, 演员一出场, 观众就可以从剧中人物的穿着上便可知道剧中人物的性别、年龄、身份等重要信息。特别是有些成功的戏装, 还能够给观众许多启发和想象, 以帮助观众了解人物的精神面貌。戏装并不是一个单纯的穿红、穿绿的问题, 能否使一出戏的剧装配置正确与否, 就会直接影响到剧目内容的好坏和舞台艺术的完整。

多年来关于戏剧中演出少数民族人物时, 他们所穿的服装和服饰, 也有了很大的创新和改变。可以说现在已经初步形成了一套程式化的装扮。当然戏剧服装艺术有它的独立性和美观性, 不可能太重视历史生活和考究。只能取其重要的某个特征, 而是要略其琐细之区分。还有部分戏装和盔帽的名称用途则是约定俗成的, 很难作出历史考证, 还待研究探讨。

服装艺术设计简历 第2篇

户口所在：  国 籍： 中国

婚姻状况： 未婚 民 族： 汉族

诚信徽章： 未申请  身 高： 168 cm

人才测评： 未测评  体 重： 58 kg

应聘职位：

工作年限： 1 职 称：

求职类型： 实习可到职日期： 一个星期

月薪要求：  希望工作地区： ,,

工作经历

郑州市中艺墙体彩绘有限公司 起止年月：-01 ～ 2012-02

公司性质： 所属行业：

担任职位： 画师

工作描述： 绘画场所：酒店、宾馆经典壁画及家庭客厅装饰画，绘画类型及风格：人物、风景写实、写意等

离职原因： 我的专业是服装设计

教育背景

毕业院校： 中原工学院信息商务学院

最高学历： 获得学位: 学士学位 毕业日期： 2012-06

专 业 一： 服装艺术设计 专 业 二：

起始年月 终止年月 学校（机构） 所学专业 获得证书 证书编号

语言能力

外语： 粤语水平：

其它外语能力：

国语水平：    (本文信息来源于/大学生个人简历网请注明)

工作能力及其他专长

精通Coreldraw， Photoshop等软件,电脑绘制时装效果图及款式图，具有较强的时尚感悟能力、自学能力、适应能力和应变能力，在工作中，有着强烈的责任心，开拓创新意识强，并能保持不断学习，不断进取的精神。绘画功底强、热爱艺术，会书法，懂摄影

个人自传

我叫邓振忠、中原工学院信息商务学院08及服装艺术设计专业学生，男，汉族，1988年02月09日出生于海南省儋州市。

浅析服装艺术的构成 第3篇

点通常是指小的东西，在几何学中的概念被理解为没有长度、宽度或厚度，不占任何面积。位置是点的属性，两条直线的交点或线段的两端都可以看作是点。

从造型意义上来说，点是整体中的局部，是视觉的中心。点的形状不是固定的，它可以是规则的圆形、三角形、多边形，也可以是无规则的其他形状。点在造型中的作用是举足轻重的，这主要表现在它的形状、位置、数量、排列等方面。当点在构成中由于排列的数量、大小等因素发生改变时，便会产生不同组合的图形，给观者以不同的心理感受。

从点的数量上来看，一个点可以吸引人的注意力，形成视觉中心；两个点可以形成视觉的稳定感；三个点可以增加其力度；多个点可以形成聚散关系，使视线分散或集中。从点的位置上看，点的位置配合大小、色彩的改变有着引导视线的作用。

点在服装造型中的运用常表现在如下几个方面。

1.“点”形饰物的运用：服装“点”形饰物主要包括纽扣、耳环、胸花、项链、蝴蝶结、皮带扣等。“点”形饰物在服装中往往起到“画龙点睛”的作用。其运用一般表现在饰物的位置、大小、材质、聚敌以及色彩配置上。在这种形式的运用中需注意其设计目的的主次关系，否则将会产生喧宾夺主的效果。例如，不论是成衣设计还是高级时装的设计中，纽扣不但具有连接服装部件的功能，还有着重要的装饰功能。

2.款式结构中的“点”：首先，点表现为服装外轮廓处的肩、腰、下摆等线的端点上，连接这些点可以显示出服装的外轮廓形。另外，“点”表现为局部结构中的口袋、袖育克、衣领等。这种点具有相对性，相对于形态较小的纽扣而言，它可理解为面，但相对于形态较大的衣片而言，它又是点。

3.“点”状图案的运用：表现在服装中的“点”图案，可以是单纯的点，也可以是小面积几何图案、碎花图案、装饰亮片、水钻等。在设计的过程中，在对点的使用上，应注意点的排列、组合要有主次和疏密之分，以保证设计的和谐感。

线的使用

款式构成中的线，在平面状态下代表的是位置、长度，而无宽度和厚度。线分为曲线与直线两种。其中直线分为水平线、垂直线和斜线；曲线则分为几何形曲线和自由曲线两种。线具有丰富的变化空间，是设计中常用的视觉元素。在服装中多表现为分割线、省道线、线迹线、衣边线、装饰线等。其特征如下。

（1）直线：直线在视觉中表现得坚决、单纯，给人以规整、硬挺、坚强的感觉。它包括水平线、斜线、拆线、垂直线等。

A、水平线：具有安稳、宽广、冷静的特点，在服装中常用于男装肩部、胸部等处分割线和装饰线的使用，以强调男性宽阔的体格特征和阳刚之气。

B、斜线：具有不稳定、活泼、动感的特性。在使用中表现为中性特征。常用于男女休闲装、运动装的设计中，以表现服装运动、活跃的状态。

C、垂直线：具有高耸、庄严、挺拔、上升的感觉。在设计运用中可增加人体的修长感。常见于造型线的使用以及条形图案的使用。

（2）曲线：曲线与直线相比，表现为飘逸、起伏、委婉且具有流动、回转、丰润的特征，它包括几何形曲线、自由曲线等。

A、几何形曲线：表现为圆、椭圆、半圆、抛物线等，具有圆润、饱满的特点。常用于袖子、帽子、裙摆、圆形图案等的设计，用于女性服装设计会给人以柔美的视觉效果。

B、自由曲线：自由曲线是种无规则的、奔放的曲线，它具有一定的随意性，它在服装中使用常表现出极富个性特征的视觉效果，给人以无限的想象空间。其特有的柔和、优雅感使这种线常用于女装中的裙摆、领口、袖口等处，表现为荷叶边等造型。

另外，线带给人们的视觉感受还与它的粗细、宽窄有着密切的联系。如粗线会给我们粗犷、醒目的感觉；细直线会给人以细腻、尖锐的感觉；流动线会给人以婉约、舒缓的感觉。服装造型中线的使用，要求完整、流畅，尽量避免出现发涩、断开的线条，线的使用要注意与面的衔接关系，做到协调一致。

面的使用

从几何角度理解，是线的转动产生了面。面大体分为曲面和平面两种形式，在其基本形上又衍生出正方形、长方形、三角形、圆形、不规则形等多种形式的面。不同形态的面具备不同的特性，带给人们视觉和心理上不同的感觉。例如，方形的面给人以安定的感觉；圆形的面给人以圆润、丰富的感觉；曲面则给人以活泼、富于变化的感觉；自由形的面会带给我们多变、神秘的感觉。服装造型中的面主要指衣物的裁片、分割面等。面的形态大体包括几何形，如圆形、正方形、多边形等；不规则形，如形体较为随意、不规则的形状；偶然形，如吹墨、泥点等偶然出现的形态；有机形，如来自于自然的石头、植物等的状态。不同的面应用于服装造型中，其表现手法多种多样，也使服装呈现出多变的造型风格。在设计过程中，同一件衣服中会出现多个面的形态，应注意到面的大小、疏密等对比关系以及穿插关系。

结语

服装服饰艺术 第4篇

品牌定位是品牌建设的基础,是品牌经营成功的前提,它的最终目标是实现产品销售,是企业将自己的产品推向市场,塑造自己的品牌形象,经过精心设计策划,将其融入消费者的购买意识和购买过程中,以争取目标消费者的认同,从而形成确切的市场定位。成功的品牌定位能够使企业建立良好的声誉,增强品牌竞争力,赢得消费者的青睐。

服装的发展进入了品牌竞争化的今天,一个品牌要想得到长久的发展就必须靠卖场终端陈列风格的不同来体现品牌间的差别,同其它品牌同类产品做区隔,避免同质化竞争。只有个性鲜明的品牌形象才能给顾客留下深刻印象。在产品定位上做到标新立异,根据服装市场的消费需求,运用服装陈列设计的方法和技巧对服装产品进行重新搭配,建立优质的购物环境,突出服装商品的优点和特点,形成具有特色的与品牌定位相符的陈列组合方式,来吸引消费者的注意力,赢得消费者的喜爱和关注,在目标顾客群中起到很好的标识作用,打造自己品牌独特的个性和内涵,为服装风格的建立起到良好的开端作用,体现了服装品牌附加值,促进服装终端市场的销售额,提升店面销售业绩。

橱窗是品牌的信息窗口,是卖场服装陈列设计的组成部分,也是卖场的灵魂,最能吸引目标顾客,卖场的主题和服装的风格等都体现在橱窗里。橱窗对于卖场具有直观展示的效果,比广告具有更强的真实性和说服力,可以反映品牌的风格和个性,它用无声的语言和含蓄的方式作为产品促销及文化传播的有效武器。

欧洲品牌Zara瞄准的就是那些喜欢国际化时尚设计却买不起国际一线服装品牌的年轻男女,它的品牌定位中端,新品推出的速度极快,服装陈列也颇具特色。 每款设计在店铺的陈列周期不超过两周,款多量少频率多是品牌陈列的定位,将服装商品轮换摆放,人为造成一种“稀缺”感和新鲜感,让消费者觉得店里的服装款式总是新的。

二、服装陈列设计对消费者的影响

在现代社会中,消费已经成为了人们寄托情感、 寻找快乐的一种方式,是对旧的购物观念的一种颠覆。人们把购物当成了一种休闲的方式,他们对服装的追求不仅仅停留在量的满足层面,人们更注重的是在购买服装时所得到的心理满足程度,购买服装已成为一种审美体验和视觉享受的过程。消费者关心的不仅仅是基本需求得到满足,他们会把注意力集中在一些新颖、具有独创性又富有特色的产品和服务上。购物环境和氛围对消费者的吸引力影响是很重要的。尤其是冲动性的购买, 通过陈列设计创造出美的形式,使服装的视觉审美功能更加突出,购物氛围和购物环境更优于其它的品牌,会决定消费者的购买决策,在短时间内得到消费者的信任,因为很多购买决定都是消费者进店之后才决定的。

服装陈列通常用主题陈列、定位陈列、盘式陈列、整体陈列等不同的陈列方法来展示商品、刺激销售、方便购买、节约空间、美化购物环境,便于顾客识别和接受品牌引导的生活态度、产品主题,通过陈列与消费者进行情感交流,给他们以无限的遐想,品牌文化通过陈列更加准确地传达,使消费者能够通过视觉与产品进行有效沟通,在心灵深处与品牌产生共鸣,完成一次成功的视觉审美体验,满足了消费者的消费满足感。

三、服装陈列设计如何向消费者传播品牌文化

有句法国谚语曾经说过:“即使是水果蔬菜也要像静物写生画那样艺术地排列。陈列设计对服装的作用也是如此,设计和谐统一的服装陈列是体现和提升品牌形象的最佳途径。用服装陈列的形式呈现服装的美感, 赋予其独有的个性美,引起人们的注意,让消费者读懂这些语言并接受它,实现其价值。

不同的服装品牌的陈列手法不同,会体现出不同的品牌风格,因不同的消费者的需要,每个品牌都要根据自身的市场地位目标消费人群来进行陈列设计,通过提高陈列的艺术形式来体现本品牌的附加值。多样的陈列形式赋予服装独特的艺术语言去打动消费者的心,服装陈列设计通过改变卖场货架的排列组合,改变卖场服饰的陈列形态,改变卖场服饰的色彩搭配,呈现给消费者的是容易观看、容易选择、容易购买的终端销售卖场,让富有新鲜魅力的商品展示刺激顾客购买,满足个性化、差异化的消费群。随着社会的不断发展,使得服装的内容变得越来越丰富起来,服装的内容发展在经历着多样化的同时也呈现出了向更深层面发展的趋势。

结语

第十五课 现代服饰艺术教案 第5篇

现代服饰艺术

一、教学目标

1、使学生了解服饰的概念，以及服装作为一门艺术所具有的特性。

2、向学生介绍一些设计师的作品和风格。

3、通过以上服饰知识的学习，提高学生的着装品位和审美素养。

二、教学重点

1、如何正确欣赏和穿着服装。

2、传统文化对于服装艺术的重要意义，以及中国传统文化在服装艺术中的作用。

3、服饰艺术的表现手段。

4、服饰搭配的方法。

三、教学难点：

使本课学习与生活实践相结合，从总体上提升学生对服饰文化的理解和认识。

四、教学过程

（1）导入：

我国在几十年以前男的流行穿中山装、解放衣。而女的就是一些小碎花和格子的衣服。随着生活的改善和经济水平的提高，人们的着装发生了哪些明显的变化？（2）引入新课：

1、现代服饰讲究款式、追求时尚和个性化，面料质感的多样化趋势，色彩更加大胆，服装与饰品搭配，增加装饰纹样和配饰等。

2、师：服装有什么作用？

生：服装在满足基本的遮盖和保暖功能后更重要的是展示人的修养、品味、个性等审美功能。

3、服饰的概念：

4、服饰的分类：

按功能分：内衣，外衣，礼服，学生装，工作服，运动装和军装。内衣：大家看到的这只是内衣的一种形式。

外衣：外衣并不单纯的指外套，除了内衣以外的都属于外衣。

晚礼服：裙长长及脚背，面料追求飘逸、垂感好，颜色以黑色最为隆重。西式的长礼服袒胸露背，呈现女性风韵，中式晚礼服高贵典雅，塑造特有的东方风韵。小礼服：裙长在膝盖上下五厘米处，适宜年轻女性穿着。与小礼服搭配的服饰适宜选择简洁，流畅的款式，着重呼应服装所表现的风格。

裙套装礼服：裙套装礼服显现的是优雅、端庄、干练的职业女性风采。

学生装：也分为很多种类，按不同的国家，不同地区乃至不同学校进行分类。

工作服：工作服分不同的职业，每种职业的工作服都各部一样。例如：厨师、医生、服务员等。

运动转：专用于体育竞赛的服装。广义上还包括从事户外体育活动穿用的服装。运动服分为田径装，球类运动装，水上运动转，举重装，摔跤装，体操服，冰上运动装，登上服，击剑服等等。

军装：就是军队的制服。不同的军中所穿的军装也是不一样的。按形式分，服装分为成衣和时装。

成衣是指按照统一的号型、统一的式样，大批量生产，适合大多数人穿着的成品服装，我们一般穿着的都是成衣。

时装是服装的另一个重要组成部分。时装是表现设计师的设计理念、提供未来流行趋势、展现服装艺术美的重要手段。时装设计师可以不受实用的限制，尽情地展现设计师丰富的想象力和创造力，因而时装更能体现服装作为一门艺术所具有的魅力。

5、服装设计主要有哪些手段？

服装艺术注重对材料、色彩的运用。

图片的服装可以看出是有丝绸制成的，图案也是有江南风景组成的。脖子上绿色的装饰就像柳条垂下来的感觉，服装的色彩和材料的运用时非常协调统一的。

服装艺术注重式样的组合与创新

这是一件高腰迷你裙。迷你装曾经疯狂的流行于上世纪六十年代，现在带着百变的面貌回归。高腰短款的设计吸收了韩国服装的特点，领口处又吸收了民族服饰的特色。将我们带入娃娃装的时尚风潮中。

服装艺术注重对不同时期、不同地域文化的借鉴

波西米亚风格：指一种保留着某种游牧民族特色的服装风格，其特点是鲜艳的手工装饰和粗狂厚重的面料。波西米亚风格服装是近年来比较盛行的一种风格。波西米亚服装提倡自由和放荡不羁的叛逆精神，追求反传统的生活方式。

民族风格：随着波西米亚在时尚界的兴起，民族风格的印花和刺绣已不再让我们惊讶，从外套到内衣，我们都能发现民族风格印花和刺绣的影子。它们的主要特点是明亮的色彩和复杂的花纹图案。灵感主要来自东方（非洲、泰国和印度的传统服饰以及俄罗斯）的民族图案。面料基本采用棉、麻、丝。民族风格的服装一般来说都较受青年们的喜爱。

波普风格：并不是一种单纯的、一致性的风格，而是各种风格的混合。他追求大众化下的通俗的趣味，反对现代主义自命不凡的清高，在设计中强调新奇与独特，并大胆运用艳俗的色彩。波普时装另一个重要元素就是绘画涂鸦，只要你愿意，波普其实很简单。

6、近年来，具有中国服饰特色的色彩和样式也越来越受到国际设计界的重视，一些国际设计师对中国传统文化情有独钟，将中国文化元素与现代审美情趣相结合，设计出了具有东方神韵的时装作品，使中国传统文化得以在国际舞台上弘扬。

7、中国风服饰

《1》 服装的花纹采用的是牡丹花，牡丹花是花中之王。将它运用到服装上表现的是一种高贵的气质。

《2》 这件衣服最大的特点就是腰间的绳子采用的是手工编织的中国结。

《3》 这是由Dior设计师设计的服装，以花草为主题的刺绣在时装上绽放。抢眼的刺绣已经盖过了巴黎的气息。

8、色彩在服装设计中有什么作用？

暖色：红、橙、黄、紫红色，让人联想到太阳，火焰，热血等物象。冷色：蓝、蓝紫、蓝绿等色。让人联想到太空、冰雪、海洋等物象。

《1》 这件红色的衣服让人感觉像一团火焰，表现出热情和奔放。《2》 这件蓝色的服装让人感觉站在冰山下的感觉，用它来表达含蓄。《3》 这件衣服是一件香奈儿的衣服，米色表达的优雅高贵的气质。

《4》 黑白两种颜色名对对比很强烈，而黑白配永不过时，黑白配也是经典配。《5》 在这件衣服中，黑色面积为主，白色面积为辅。让人感觉单纯而不单调，这件衣服作为晚礼服整体也非常的优雅。

9、面料质感与服装设计的关系

《1》 这是2010年巴黎时装周所展示的用纱制成的衣服，给人轻柔，飘逸的感觉。《2》 这是一件男士裘皮大衣，表现的是雍容，富贵的感觉。《3》 亚麻的衣服看上去非常有亲切感，表现闲适，恬静的气质。

《4》 用金属亮片装饰的衣服给人一种华丽，闪亮的感觉。一般是一些明星穿着出席某些活动和庆典时穿着。、师问：同学们知道的一些世界知名品牌有哪些？

学：乔治.阿玛尼，香奈儿，路易.威登，PRADA

师：世界上很多著名品牌都是以创始人的名字命名的，但不同的品牌风格也不一样。例如乔治.阿玛尼的服装风格优雅含蓄，富有高贵的气质。路易威登从设计到现在，伴随着丰富的传奇色彩和雅典的设计成为时尚之经典。Prada可谓是一个老字号，它的作品追求完美，所以无论老少，对此品牌的认知度绝不逊于其他任何牌子。

11、我们了解了一些著名的品牌的服装设计，日常生活中着装应注意哪些问题?

《1》服装尺寸要合体：例如我们买一条裤子，腰围大一点，小一点都会不合身。特别是男士的西装对尺寸的要求更高，所以很多男士的西服都是量身定做的。

《2》服装的款式要大方：不是款式月复杂就越好看，有时简洁大方的款式更适合自己，更能体现自己的性格。《3》服装配色要协调： 《5》 穿着要适时 《6》 穿着要适度

《7》 服装选择还应考虑体形的因素。

12、你认为他们的搭配合理吗？

《1》里面宽大的毛衣和长款的无袖风衣以及一双球鞋的搭配整体都不和谐。

《2》芙蓉姐姐身穿的是阿玛尼旗下的缪缪品牌的一件公主裙，由于体形本就偏胖，穿着带有宽大横条纹的衣服更加胖。右边是我国著名的台球选手潘婷婷穿着的同一件衣服，《3》日本街头一穿着奇怪的潮男。

五、总结

探秘水浒服饰，寻访艺术匠心 第6篇

服饰即人物的衣着穿戴。日常生活中，通过对服饰的观察，我们可以推知一个人的性格、职业等等。文学作品中，人物的服饰描写虽然只是只言片语，但往往被赋予了深刻的内涵。今天，我们就一起走进《水浒传》，去研究这部名著中描绘服饰的句子，进而探究作者艺术创作的匠心所在。

服饰是一种有“个性的语言”。《水浒传》中的服饰，包括“服装”与“饰品”两个部分。服装类包括巾帽、衣袍、鞋靴等；饰品则包括簪花、文身、巾环等。

一、服装类

1.巾帽类

巾帽是头巾和帽子的统称。宋代文人雅士多裹巾。巾是由乌纱发展而来，因可随意裹成，天冷时还可以翻下来保暖，故被人们，特别是一般文人、儒生所喜爱。苏轼有“高人著屐踏冷冽，飘拂巾帽真仙姿”的诗句，说的就是大家都喜欢佩戴头巾。《水浒传》一书，巾的记录比较多，上至皇帝，下至黎民百姓，都有记录。第2回和第72回都描绘皇帝头戴“软纱唐巾”的记录。这种头巾又叫软翅纱巾，外形与乌纱帽相似，巾后垂有软脚，左右缀巾一对，应当比较高级。普通百姓所带的头巾档次低，形式多样，也比较随便，有猪嘴头巾、垫角巾等等，如第62回描写杨雄“戴顶猪嘴头巾”，以及铁臂膊蔡福“腰间紧系青鸾带，头上高悬垫角巾”。

帽子。宋人帽子已经千姿万态，但其装饰和保暖功能没有发生变化。不同的季节，人们所戴的帽子会有所变化。第2回中史太公“须发尽白，头戴遮尘暖帽”，第11回写道“林冲看那人时，头戴深檐暖帽”，这里的暖帽指的是冬季所戴的帽子。夏季戴的帽子与冬季有所不同。第15回中阮小七“头戴一顶遮日黑箬笠”，笠是指用竹叶或竹篾编成的宽边帽，颜色或青或黑，箬笠则是用箬竹叶编成。这样的帽子既可以遮阳，又轻便凉爽。

2.衣袍类

衫和对襟大袖的袍是宋代男性的常服，这些服装皆从唐发展而来，融入了中国的传统思想和宋代的时代特点，融聚的是当时人们的审美情趣。其中，衫为单上衣，衫的袖口没有袪。有作为内衣的短小的衫，也有作为外衣的长大的衫。夹衣和绵衣叫襦和袄，宋代还流行在衣衫外面加罩一件不加横襕的宽大外衣，斜领交裾的叫直身，直领对襟的叫鹤氅。女装外衣以襦衫和裙为主。

袍是长衣服的通称，其形制不分上衣下裳，是人们身上最具代表性的服饰。宋代官员所穿的多为圆领衣袍。例如第56回中金枪班教师徐宁所穿的衣服“一领紫绣圆领”，第62回中柴进“身穿鸦翅青圆领，腰系羊脂玉闹装”，这两处的圆领衣袍是宋代官员朝服的标准样式。一般百姓多穿交领或圆领的长袍，做事的时候就把衣服往上塞在腰带上。比如第15回写公孙胜的装扮“身穿一领巴山短褐袍，腰系杂色彩丝绦”。

3.鞋靴类

宋人多穿鞋和靴。靴多为皮革和棉毡等制成，又称“马靴”或“高统靴”，原为北方游牧民族所穿，有旱靴、花靴、皮靴、毡靴、单靴、棉靴、云头靴、鹅顶靴等之分。宋代亦普遍流行皮制的皮鞋，男性多穿小头皮鞋，女性多为圆头、平头或翘头，上面也饰各式花鸟图纹。吊墩靴是小说中常见的靴式之一。它是一种连着胫衣的靴子，靴筒长至膝下。如第2回跳涧虎陈达“脚穿一对吊墩靴”。第3回鲁智深“足穿一双鹰爪皮四缝干黄靴”。这里的“四缝”是因为靴面由五块皮子拼成，故留有四条缝线，通常用于乐舞之士或者小官吏。官员的常靴为皂靴，是一种用乌皮或黑绢做成的靴子，皇帝百官都可以穿。比如第7回林冲“穿一对磕瓜头朝样皂靴”，第9回柴进“足穿一双金线抹绿皂朝靴”，第54回公孙胜“穿一双云头点翠皂朝靴”，等等。

宋代鞋有草鞋、布鞋、棕鞋等，是根据其材料来定名的，多为劳动者所穿着。一些贵族和士大夫们在平时外出游玩时也穿，但比较精美，样式繁多。比如第62回写柴进“足蹑珍珠履一双”，这里的珍珠履是指“缀珠之履”，较华贵。文人所穿的鞋子为布履或丝鞋，为用丝、麻做成。第61回吴用“着一双方头青布履”应当是用青布做成的，鞋子的样式为方头。

二、饰品类

爱美之心，人皆有之。宋代人爱美，除穿着漂亮之外，还在装饰上下功夫。也就是在头上，在身体上，在衣服上补加饰品。通常有以下几种方法：

1.簪花

又称“戴花”、“插花”，是宋代一种很流行的装饰。杨万里有诗云：“春色何须羯鼓催，君王元日领春回。牡丹芍药蔷薇朵，都向千官帽上开。”是说鲜花都盛开到官员的帽子上了，就是因为当时的人，包括男人都喜欢在头上戴花。

小说第15回阮小五“斜戴着一顶破头巾，鬓边插朵石榴花”。“破头巾”还要配“石榴红”，可见阮小五爱美心之强。“浪子”燕青更是出了名的爱美，他的经典装扮是“腰间斜插名人扇，鬓边常簪四季花”。“四季花”，说的是季节在变，花在变，不变的是爱美插花的本性。也正是这种爱美之心，让女性粉丝着迷，就连超级大腕李师师也为之倾倒。

2.文身

文身，又称纹身、刺青，宋代又有花绣、文绣、刺绣、锦体等别称。是指使用颜料或用针刺等方式在人体肌肤上进行描绘，以到达装饰的效果。文身是一种非常原始的装饰风俗，过去多发生在南方少数民族地区。据学者应劭解释，因南方人常与水打交道，故而断其发而文其身，“以象龙子”，意在模拟同类之形，以“避蛟龙之害”。宋代文身比较盛行。据宋元之际方回说，“井市人喜文身，称为刺绣”。有时也叫雕题、雕青。宋代文身起始于军中，多为下等军士运用，给人一种剽悍的恐怖感，让见者躲避不迭。后流行于民间成为一种时尚。

梁山好汉中，刺青文身者也很多：史进因其“肩膀胸膛总有九条龙，满县人口顺，都叫他做九纹龙”；阮小五胸前刺着“青郁郁一个豹子”；杨志看到鲁智深“脱得赤条条的，背上刺着花绣”；病关索杨雄也“露出蓝靛般一身花绣”；而燕青的纹身更是美不胜收，“一身雪练也似白肉”，“遍体花绣却似玉亭柱上铺着软翠，若赛锦体，由你是谁，都输于他”。这些都是比较有名的文身。

3.巾环

所谓巾环，是指为固定巾帽穿拉绳带所用的环形物，材质多为金环、银环、玉环，宋代多为武人所用。《宋史·舆服志六》：“碾玉巾环一，桦皮龙饰角弓一，金龙环刀一……皆非臣庶服用之物。”既说明此事。

巾环本为辽金服饰，后由北及南，由辽金而至宋元明，巾环也逐渐由实用变成了装饰。《水浒传》中有许多关于巾环的描写。比如第2回中鲁智深“头裹芝麻罗万字顶头巾，脑后两个太原府钮丝金环”，第7回中林冲“头戴一顶青纱抓角儿头巾，脑后两个白玉圈连珠鬓环”，第35回中石勇“裹一顶猪嘴头巾，脑后两个太原府金不换纽丝铜环”。这些人巾帽上都带有一对环，有的是金环，有的是白玉环，有的是银环，还有的是铜环，虽然它们在质料上有所差别，但都可以看出当时在巾帽上装饰双环的盛行。

服饰，是在特定的社会生活及自然环境中形成的，一个民族政治、经济、思想、文化的反映。它承载着一定的民族元素，符合民族的生活习惯和审美意识，体现着的是民族的心理素质和审美情趣。反过来透过民族服饰的研究，我们也能探寻其蕴含的文化内涵。

1.欣赏服饰描写，推知展现人物性格

如果说语言是人物内心世界的表白，那么服饰则是无声语言。文学作品中人物的着装，往往能够体现人物的性格。例如第五十四回中写已经是副将的宋江：“头顶茜红巾，腰系狮蛮带。锦征袍大鹏贴背，水银盔彩凤飞檐。抹绿靴斜踏宝镫，黄金甲光动龙鳞。描金随定紫丝鞭，锦鞍稳称桃花马。”服饰中有大鹏，更有龙凤，这和当时各级文官的穿着差不多。宋江穿着这些服饰，就隐含着他希望做官，渴望得到重用的心理。

2.借助服饰描写，了解人物社会地位

不同的社会地位，所穿着的服饰也不尽相同。特别是在等级制度森严的宋代，服饰更能显示一个人的社会地位。比如龙形图案，在封建社会为帝王专用，普通百姓若穿戴或收藏，都是死罪。小说第99回“阮小七杀入内苑深宫里面，搜出一箱，却是方腊伪造的平天冠、衮龙袍、碧玉带、白玉圭、无忧履……跳上马，手执鞭，跑出宫前”。这其中的平天冠、衮龙袍、碧玉带、白玉圭、无忧履都是皇帝专用的服饰，禁止其他人使用。阮小七因为贸然穿戴，险些为此丧了性命，最后被朝廷追回了官诰，贬为庶民了事，这体现了封建服饰制度的森严。

3.探秘服饰描写，推知人物生存环境

服饰是时代的产物，透过服饰，自然也能推知人物的生活环境和方式。小说第15回阮氏三兄弟的打扮，阮小二“头戴破头巾，身穿一领旧衣服，赤着双脚”，阮小五“斜戴着一顶破头巾，鬓边插朵石榴花，披着一领旧布衫，露着胸前刺着的青郁郁一个豹子来，里面匾扎起裤子，上面围着一头间道棋子布手巾”，阮小七“头戴一顶遮日黑箬笠，身上穿个棋子布背心，腰系着一条生布裙”。这三兄弟的打扮是当时穷苦打渔人的典型穿着，也反映了他们长期生活在水边，以打渔为生的生活方式。另外，解珍、解宝“虎皮磕脑豹皮裩，衬甲衣笼细织金。手内钢叉光闪闪，腰间利剑冷森森”，这些衣着，展现的是猎户的基本包装。

4.感知服饰描写，了解当时民风民俗

服饰，是民俗的标志之一。感知《水浒传》服饰描写，我们能推知当时社会的民风民俗和生产力发展。例如，整个《水浒传》，人物衣着五花八门，有丝织品，有麻织品，迎来送往，也都是赠送丝绸。例如第2回史进让庄客买了三匹红锦，做了三领棉袄子送给少华山寨的头领。第23回柴进取出绸绢，让人做了称体衣裳送给了武松。第24回“武松取一匹彩色缎子与嫂嫂做衣裳”，这反映了当时社会棉花并没有在全国推广种植，丝、麻仍是重要的服饰材质。丝绸，则是送礼的重要物品。另外，宋江“锦征袍花朵簇阳春，锟铻剑腰悬光喷。绣腿絣绒圈翡翠，玉玲珑带束麒麟”，衣着如此复杂，也传达出当时纺织、印染、刺绣等技艺的高超水平，从一个侧面展现出当时社会生产力的发展和社会经济的繁荣。

谈艺术戏曲舞台与服饰 第7篇

戏曲服装如果离开了戏剧内容离开了演员的唱作表演, 它只是一件衣服, 也可以讲是件工艺品。服装要表现出个性, 但这种表现是有一定的限度, 还应当考虑人物的个性特征。这在现代戏曲中反映的特别强, 比如曲剧《酷情》中三个媳妇的服装反映出三个人得人物性格, 恶、毒、善。首先, 我们明确地认识到服装设计必须从生活中出发, 它来源于生活, 并又高于生活。只有在深入生活的基础上进行探索和艺术加工, 才能展现在艺术舞台上。

如何决定一个角色服装的套数, 什么时候换服装, 一个角色在整台戏中应该换多少次?一般地说服装套数的多少, 应该从剧情出发, 从剧情中加以考虑。可是有些演员曲解了这种情况, 来为形式主义和唯美自我炫耀, 在舞台上大翻“行头”“我的角色身份是富有的, 家里怎么怎么有钱。如果服装换的不多, 就显示不了人物等。”按剧情的需要来换服装, 当剧情的时间、地点、内容变动, 服装也就是要换了。一般什么时候换?我认为下列情况可以换。

1.同一个人物, 事隔多年, 人物苍老了, 或成长了, 人物的形象有了很大的变化, 服装得随着岁月的变迁而变换。

2.剧中人得身份发生了变化, 如升官了、或削职为民、或乔装改扮等, 服装也必须随着换。

3.剧情人物碰到大的礼节, 或婚、丧、或出征等。

4.剧情中表现出季节的变化, 服装应该有所变换。

有些场合 , 虽然剧情有点急剧变化, 但是也不一定需要变换服装, 没有必要而乱换服装, 不仅造成浪费, 而且对戏里起到破坏作用, 因此, 我们要在设计时很好的研究掌握服装问题, 不能让人们随意自流。

再来谈一下戏曲服装的色彩。色彩 (红、橙、黄、青、蓝、紫) 。传统戏曲服装的用色规律, 是有它一定的生活根据。它既然是在一个历史条件下形成的。在封建社会中, 统治阶级为了维护自己的尊严, 对服装式样、色彩有严格的制度。所有臣民必须按照制度不能乱穿乱戴, 否则就要犯王法。例如:黄色, 只限于帝王、王族们专用, 谁要是在当时穿一件黄龙袍, 就有谋朝篡位的罪名, 是要杀头的。统治者把黄色象征着神圣不可侵犯的尊严。又如红色, 只限于上层社会的将相豪门, 红色 (包括紫红) 成为雍容华贵的代表。在统治者统治之下, 劳动人民没有穿黄、穿红的自由。只有在三种情况下老百姓可以穿红。——结婚、中状元、最后临刑。戏曲传统服装的色彩多半是反映了当时历史真实的。由于多年来人们对这些历史服装有了一种固定的概念, 在今天戏曲历史服装设计中, 某些地方还必须遵循它, 不能任意否定, 不然观众不会批准的。如果皇帝在舞台上让他穿一件绿龙袍, 观众不会相信那是皇帝。戏剧服装色彩既要有生活根据, 又要作艺术上的加工和渲染。如果机械地生活中原来的样子, 无分析地搬上舞台, 那就不是舞台艺术了。如我团演出的《红娘》论当时的生活实际情况, 它不可能像舞台上穿的那样美。但我认为红娘是个富于热情, 有正义感, 那样机智、勇敢, 如果不用较为鲜艳的色彩, 是不足以表达红娘的性格人物的。因此我在设计服装时, 用了大红、橙色、玫红色, 内穿粉红。显出了红娘的活泼可爱。所以红娘可以美化。但从总的艺术效果上来看她还是丫鬟, 不是小姐, 不能搞得“穷小姐, 阔丫鬟”。在舞台服装用色还必须考虑, 舞台色彩的整体效果, 如果不把舞台上的色彩作整体的, 统一的考虑, 各搞各的去发挥自己的色彩, 就会弄得杂乱无章, 破坏了戏。因此在考虑服装色彩的同时, 必须研究整个舞台上的色彩的相互关系, 这里有人物与人物之间的色彩关系, 有服装与布景之间的色彩关系, 还有服装色彩通过灯光的变化关系。

戏曲服装色调, 除了少数的特殊情况不能随便更改外, 一般来说色彩的靠明靠暗, 或深或浅是大有伸缩余地的, 譬如说皇帝的服装色彩必须用黄色的, 如果遇到布景的主调也是黄色, 那么服装和布景二者之间的色彩可以稍微加深或减淡。预先决定的服装色彩的基调, 是可以有所变动。是布景的色彩让服装, 或是服装的色彩让布景, 就是看相互构成的总的色彩调子是不是符合戏的内容。总的要看舞台艺术的整体效果。

传统戏曲服装的色彩是丰富多彩的。它配上精美的刺绣图案, 也可说是民间的工艺美术精品。

再来说说, 戏曲服装的时代感。有种传统服装不分朝代, 可以表现上、下数千年的历史, 一般在观众的眼里就是书生穿道袍, 小姐穿袄裙披, 文武官员穿蟒、襟等传统的古装戏。戏曲所要表现的内容将越来越多, 戏曲服装要不断的丰富不断充实, 就是要不断的发展, 即使历史剧, 服装也可以革新, 才能适应新的内容。现在的艺术舞台, 戏曲服装也不是一层不变的冬服装。有很多从歌舞上鉴戒吸收过来的新式样, 给观众以新的感光。

如何处理戏曲服装的时代特点, 我有这样一些体会。

戏曲服装自然不必要像历史学家那样作细致的考据。戏曲服装与历史服装可以有较大的不同, 因为真正的历史考证的服装, 从今天的审美角度来看不一定美, 历史生活服装也不适合戏曲表演。所以戏曲服装也决不是历史生活服装的翻版。一般戏曲传统曲目, 服装扮相可以按照原来规制, 不必去作多大的改动, 可以有原有的基础上, 对色彩、图案、原料作些丰富的加工。但如果是一个新创作的历史剧目, 在表演上又有很多的发展, 就有必要考虑设计一些新的服装式样。也可吸收歌舞中优美的服饰, 来丰富戏曲服装的创作, 但设计出来的应当还是戏曲舞台服装。我们可以根据剧目的需要, 吸收某些远古时代的服饰、特征, 加以创造, 以便让观众领会我们所要表现的时代气氛。当然像一些传统剧目, 观众很熟, 一般可以不改, 如需要改, 也应当保留原服装中优秀成分。戏曲服装包括有近代和现代的, 都需要作进一步的加工、改造, 我们要努力表现新的观众时代。

戏曲服装与表演的关系, 戏曲服装不同于话剧、歌剧, 这是由戏曲唱、念、做、打相结合的表演特点所决定的所在戏曲服装中, 有很多东西由于表演需要而与生活中的摸样不一样。戏曲服装设计者有必须熟悉剧中表演的特色。各个剧种的不同, 表演形式要求在服装式样和色彩的处理上也有不同。例如:豫剧, 唱腔高昂、动作夸张。因此它的服装在样式上, 色彩、花纹图案各个方面都随着强烈一些, 夸张一些。曲剧的唱念婉转, 动作较细腻, 因为它的服装要求色彩调和, 线条柔软。

湘西苗族服饰刺绣艺术初探 第8篇

关键词：湘西,苗族,服饰,刺绣,探析

1 湘西苗族服饰刺绣文化概述

苗族的刺绣简称苗绣, 苗绣艺术, 最初与古代少数民族雕题纹身不无关系。雕题纹身是古代少数民族仿造危害人的一些动物花纹, 想象中的鬼神形象, 在身上刺破皮肤, 涂以朱砂或其它色彩, 以避兽妖之害。从而产生了一种残酷的护身艺术。后来由“织绩木皮”到发明了养蚕抽丝纺织做衣, 苗族人民便在布上、衣服上描绘、刺绣花样, 形成了一种风格独特的民族艺术。

苗绣是苗族最主要、最普遍的服饰装饰手法, 也是苗族妇女勤劳、智慧的结晶, 同时代表了中国少数民族刺绣的最高水平。湘西苗绣是一种美化服饰的古老手工艺, 苗族妇女使用彩色丝线将独特、古朴和繁复美丽的图案刺绣在服装上, 其绣品色彩艳丽、对比强烈。湘西苗绣具有强烈的表意功能, 没有文字的苗族, 则运用了苗绣这种挑绣的绘画功能来描绘原始图腾、宗教信仰、伦理道德、记述历史、再现民俗风情和寄寓精神向往等。因而它作为一种文化载体被苗族世代沿袭下来。

2 湘西苗族服饰刺绣艺术探析

2.1 刺绣图案的题材

湘西苗绣, 是祖国灿烂文化艺苑中的一朵奇葩。苗绣图案题材大多是以动物、花草及表现苗族祖籍故土及迁徙史的图案, 极少有描绘人物的。动物刺绣图案有蟠龙、飞鸟、蝶、鱼和虾等;植物花卉刺绣图案有牡丹、石榴、桃花、莲花、李花和梅花等。骏马飞渡、江河波涛、苗王印、星宿花和蝴蝶花等则表现了苗族的族源史、战争史和迁徙史。这些图案都富有鲜明的现代气息, 并且造型夸张而生动。苗绣是借助丰富的物象来反映喜庆、吉祥、人寿、年丰、友谊和爱情等美好的愿望, 表达苗族同胞对美好未来的憧憬和向往, 都是对大自然的美好赞歌。

2.2 刺绣的表现技法

综观湘西苗绣技法丰富多样, 大致有平绣、辫绣、牵线绣、打籽绣、挑纱、贴布、锁绣和散绣等。花垣、凤凰等地多采用“平绣”, “平绣”是用纸剪成各种花样贴在绣片上, 然后用丝线刺绣即成。平绣是以碎小、纤细的连续纹样为主。吉首的寨阳、丹青等地多采用辫绣, 以色线织辫, 把辫盘成花形用丝线钉牢即成“辫绣”。而保靖的中心、水田等地多采用牵线绣。辫绣、牵线绣以宽绰、粗犷、饱满而著称。贴布绣、散绣与平绣是凤凰苗服中的特色绣法, 用这三种方法制作的上衣均为“盛装”, 上衣的前襟、后背、衣袖钉上许多四方形、方形、半团形的银泡、银铃盛装便成为“银衣”, 这种绣饰精美的银衣是我国民族服饰中最为精美的绣衣。还有的地方用打结的“打籽绣”或纵横纱线交叉反复挑成“X”形的“挑花”。

苗绣技法, 其针脚形式大致分为绣、插、捆、洒、点、挑和串等。大面积以绣针平绣, 其中需要显出深浅色调的, 则用插针将彩色深浅不同的丝线插进去, 形成几种色彩的连结平面;需要显出立体感的地方则使用捆针, 使其形体在绣面上突出来;绣面上需要显出立体感的细小部分, 则使用洒针、点针和挑针;绣料正面和背面均需要显出一致的效果, 则采用串针。一幅绣品, 常综合运用几种针脚, 或配合粘花、贴花、补花和堆花等手法来完成。

3 刺绣图案的构成形式及配色方式

3.1 刺绣图案的构成形式

湘西苗绣的图案构成形式可归纳为具象式、抽象式和表象式。具象式图案构成形式中, 其整体造型形象逼真, 体型明确。一幅完整的作品, 可汇聚各种物象而成, 配色艳丽, 给人以神秘感。这主要表现在各种动物、植物的混合式图案。一个动物的身子可以添加花草、果实, 一个动物的脸庞可用人的五官来描绘。这种运用夸张、变形等手法, 形成一种“借喻”的表现手法突出特征, 达到美化形象的效果, 表现出对丰富多彩的大自然浓缩凝结而成的一个新的造型样式。抽象式构成形式中, 其图案构成整体上呈抽象化, 局部则参照自然物象加工制作, 在很大程度上图案纹样被形式化了。典型的例子是洋溢着浓郁历史意义的江河故土、先祖迁徙的“弥埋“和“浪务”的象征性图案。表象式图案构成形式是根据装饰、表现和象征等艺术形式的需要, 并结合本民族的民族性格、审美习惯和宗教信仰等将物象形体进行肢解或予以变形。使形成的新的艺术境界充满着神性, 充分表达出苗族同胞的图腾崇拜意愿。

纵观苗绣图案, 其造型是不讲究结构和透视关系的, 甚至于不顾比例与虚实, 不求形似, 不讲事理逻辑, 全凭着苗族人民的美好愿望与幻想, 自由发挥大胆创意。图案以点、线、面因素将民族意识进行抽象、概括、变形, 形成有规律的“回”形纹、“并”字纹、“令”形纹、“十”字纹和“之”字纹等基本骨式, 古朴多姿。其图案又因所绣材料大小与形状不同, 又可分为单独纹样、二方连续纹样、四方连续纹样、角隅纹样和适合纹样等。绣品则按布的经纬“挑针走线”, 形成多曲线和折角, 故刺绣作品中多出现折枝花鸟图案。苗族妇女刺绣不用打底稿, 也不必先描绘草图, 她们全凭借丰富的想象力, 布局谋篇, 将一个个单独的局部的图形巧妙组合, 形成一个丰满的刺绣作品也竟能达到美观大方、和谐完美的境地。

3.2 刺绣图案的配色方式

苗绣在用色上不分高低贵贱, 只因地域、场合、性别、年龄不同而使用不同色彩。苗族妇女钟情红、绿、蓝、黄、紫和黑等色。色彩夸张变化对比强烈, 配色时既着意客观对象的表现, 又揉进梦幻的幻想色彩, 形成了苗绣独特的艺术风格。最具代表性的是胸前花、衣袖花、裤脚花和加花披肩等的用色。苗族女性尚红, 因为红色代表青春、生命, 是吉祥如意和富贵的象征, 红色多用于未婚姑娘和儿童身上;蓝色庄重、沉稳, 象征成熟美, 多用于已婚妇女身上;而黑色深邃、凝重和神秘, 多用作基本色和男装服饰。

苗族刺绣的配色很注意与生活环境的协调和与日常生活的相适应。湘西苗族多傍山而居, 所以在装饰选择颜色时多选用与环境色彩一致的自然色彩, 刺绣作品中大多以黑色或湖蓝色、深绿色布为底, 纹色是彩虹式点缀。这种设色方法能使色彩多而不杂, 艳而不跳, 色调和谐高纯度的强烈对比, 使人不由得想起漆器和漆画。如图1所示。也许是因为渊源于楚文化, 苗绣犹如梦幻中镶嵌的彩霞, 那充满神秘意味的深色底, 加上晕变的针法处理使平面的色彩变得层次感更强。

4 刺绣图案的意蕴

苗绣图案中作品大多含有象征意义, 喻富贵、意避邪和表生命繁衍, 不同题材采用不同造型表现技法, 运用了赋、比、兴等手法, 表述了民族的精神状态。

4.1 图腾崇拜的意蕴

在苗族诸多灿烂的文化中, 图腾文化是整个苗族文化中最重要的部分。由于苗族没有文字, 他们的服饰图案也就起到了记叙图腾历史的作用。“龙”作为苗族的图腾崇拜物, 是多种动物、多种功能的综合化身, 龙在苗族心目中享有崇高地位, 认为龙能赐予人们风调雨顺、五谷丰登、家道兴隆、普泽万民, 更深层的含义则把龙作为民族的始祖。如图2所示。

虔诚的善织绣妇在龙的形象中赋予了祥和、善良的心愿和审美的感情。苗族刺绣中龙造型千姿百态。如有的龙长着许多足, 足爪张扬, 鳞片层次分明;而有的龙则环节组成无爪无鳞, 甚至有的龙身人首, 展翅飞翔, 人、鸟、龙合为一体。这样就形成苗族服饰以龙纹为主的特点。

蝴蝶在服饰纹样中出现也比较多。蝴蝶是苗族祖先的起源传说, 是美丽和自由的象征。蝴蝶图腾最主要的是突出母性化崇拜, 图案中与女性生殖繁衍有关的蝶恋式结构到处可见。至今从流行在苗族民间丰富多彩的传统文化中可窥视到苗族蝴蝶图腾的文化遗风。从整体上看, 苗族刺绣除了表达苗族人民对美好生活的追求外, 也体现了人与动物辅助共存、和谐相处的愿望, 释放出生态文明信息能量, 具有现代的生态文明价值观。

4.2 祖先崇拜的意蕴

在凤凰、古丈地区, 苗绣非常盛行的图案纹样是“弥埋”和“浪务”, 这两种图案是苗族妇女服饰盛装诸图案中的母本。“弥埋”图案由无数个似马的图案组成横跨在河水中, 苗语叫“大埋挡务”意为“骏马飞渡”;两边是花塔, 表示崇山峻岭层层相叠相间排列, 苗语叫做“高本高介”意为“金山银山”;外层两边各用一条折线式纹样镶嵌着, 苗语称“乃勾阿登”, 意思是“大陆上的脚印”, 整个纹样象征着苗族祖先迁徙时翻山越岭、骑马飞渡时的情景。如图3所示。

“浪务”图案是两条折线形白色横带, 中间是一些细小的星点花纹苗语称为“欧多民务”, 表示黄河、长江奔流直下, 一边是小山苗语叫秀高忍一;另一边由许多立形的像花、像树、又像人乘船的花簇, 花簇下方是水波式纹样, 苗语称“一昂务乃本”, 意为经过大风大浪的妈妈花;再外层是两条直线和一排小树, 象征茂密的森林;整个图案表示苗族先民曾住在黄河、长江边上, 那里土地肥沃水草充足, 森林茂密。这两种图案更多地表示对苗族先祖的祭祀和敬仰。见图4所示。

4.3 自然崇拜的意蕴

苗族信奉“天人合一”、“万物神灵”, 把人与大自然融为一体, 认为人能创造出客观存在的自然现象, 拥有超自然在力量, 这是人类最原始的思想意识。至今, 苗族把对天、地以及组成天地的山川河流、日月星辰的自然崇拜仍然逐一体现在妇女刺绣作品上。刺绣图案中动物纹样有龙、凤、蝴蝶、鸟、蝙蝠、牛、狗、猪、马、羊和青蛙等;牡丹、石榴、桃花、莲花、李花和梅花等花卉在苗族绣片中也比比皆是。经过优化组合, 神化了人、动物、花草、果木形象在苗族刺绣作品中的超自然形象。如“鲤鱼跳龙门”、“龙凤呈祥”等图案表达传统的升官发财、盛世祥和的意愿:如在小孩的衣帽、肚兜、背带上绣上娱蛤、蜂子、壁虎、蛇、蟾蛛五毒图案以表达辟邪、消灾、祛病的意念。果木花草则表现出充沛的生命象征生命的动力、源泉;葫芦寓含新的生命;花卉象征少女、青春。

4.4 生殖崇拜的意蕴

苗族是一个敢于崇拜、善于崇拜的民族, 对生命意义的理解有其本民族独到之处。在苗族刺绣中公开张扬生殖意念, 推崇人类生殖繁衍;她们通过刺绣把对生殖的繁衍崇拜以借喻、隐喻表达出来, 让子子孙孙认识人类起源和生命意义。苗族认为龙代表妇女生殖器, 象征人类生命之门, 生育是鸟进入妇女体内的结果。“一鸟占牡丹”、“鸟啄石榴”图案寓意生殖的方式。牛和鹿是生命与阳气之象征, 表示生命之延续。万物之祖的蝴蝶则是苗族刺绣上必须保留的纹样。“莲花”、“石榴”、“鱼”、“青蛙”等图案, 使人联想到生命繁衍, 石榴多籽, 青蛙的繁殖力更强。表达了传统的多子多福、金玉满堂、多子为孝的封建意识。鱼、虾、花、草, 象征虾生鱼养, 子孙发达;花开草绿、欣欣向荣以表现其向往自由繁荣的幻想境界。如图5所示。

5 结语

5.1湘西苗绣依附于本土文化、宗教信仰、伦理道德和民俗活动而存在, 在艺术表现中所呈现出来的是苗族人民乐天知命、开朗豁达的精神品质。苗绣是物质的实用性与精神的审美功能相统一的一种审美创造。

5.2苗绣是一种中国浑厚传统的民俗文化的发展程式。在设计思维中塑造了传统文化艺术史上独特的艺术风格和精神价值, 同时又具有强烈的现代感与现代人的艺术情趣, 具有丰富的现代文化艺术内涵。其独特的民族性和审美风格, 透视出了苗族社会历史和民族文化发展的轨迹, 也折射出苗族人民的审美追求和价值观念。湘西各地不同风格的苗绣作品构成了苗族苗绣总的审美风貌, 并成为苗族文化的具象载体。

5.3随着社会的进步、汉文化的渗透, 苗族苗绣作为剪纸的传统功能正面临严峻的挑战和限制, 如不加以改革和创新, 苗族苗绣这一非物质文化遗产将面临失传的厄运。探讨苗族苗绣艺术, 进一步开发其新的功用, 将其转型为现代装饰艺术并作为文化礼品和旅游产品, 这是苗族苗绣艺术得以再生和发展的有效途径。

参考文献

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[5]田鲁.苗族服饰艺术中的氏族象征符号[J].装饰, 2003, (9) .

舞台服装设计的美学艺术 第9篇

舞台服装可通过优美的款式来塑造演员角色的形象美感, 通过服装的色彩来营造舞台良好的氛围, 以及通过面料和精湛的工艺来展现艺术的美感。本文对以上几个方面做出了具体的阐述, 以期理论指导实践, 进一步推动舞台服装设计的快速发展和创新。

二、舞台服装设计的美学艺术

1. 舞台服装款式可以塑造角色的形象美感

塑造舞台上的人物, 一般比较注重外部形象, 适合表演者的服装不仅可以让演员获得更多的自信, 还可增加观众对角色的认同感。服装设计需满足舞台的人物形象要求, 结构和款式是较为关键的因素, 一般舞台服装设计可采用以下对比方式:收紧对比、窄宽对比、长短对比、不对称和对称对比等;服装结构设计采用长短、松紧不同等方式;服装设计的风格可采用如下表现手法:现代和古代、写意和写实等表现手法, 使角色特点得到充分展示。

部分舞台服装用夸张的表现方式来进行设计, 实现与时尚接轨, 其能进一步提升演员的表演力及形象。设计师在设计的前期, 应认识到导演在塑造人物时的思想, 如导演一贯的指导风格、历史背景、情绪中涵盖的音乐元素、任务角色具有的特征以及任务演员自身特点等方面。在舞台服装的设计中, 所涉及的主题包括服装是否与剧情相符、是否具有鲜明的人物特征、现代与传统是否具有明显的划分以及繁杂或是简约设计风格是否确定等。为了设计出比较好的舞台效果, 设计师应深层次了解和掌握以上主题元素。

2. 舞台服装色彩可营造舞台的气氛

舞台服装是舞台表演者重要的语言表达符号, 舞台演员可借助繁杂的服装张显不同角色的表演, 设计师应对重点掌控服装的颜色。在日常的生活中进行服装设计, 可以采用不同的色彩来展现舞台演员的喜好、性格以及审美情趣, 可进一步依靠色彩不同的搭配来展现人们的修养与情感。另外, 还应和人物性格所处环境匹配, 而且还应兼顾美观和舞台功能的需要, 舞台的色彩其决定性作用的是灯光和布景, 服饰是细节, 舞台主题、色彩风格都可通过服装来体现, 服装作为一种流动式色彩板块, 能很好的营造气氛。以舞台作为特色的表现手法, 颜色搭配应根据不同的主题变化来决定, 如冷色调的赈灾晚会;暖色调的国庆晚会, 两种主题采用的基调和风格是完全不同的, 舞台服装色彩的饱和度以及明暗度都是为了舞台画面背景而服务的。

3. 舞台服装应选择合适的面料

舞台服装面料在选择上也较为讲究, 一般选择吸收光源能力较强的面料, 一般以棉、麻、丝、缎为面料。并要求结合不同的工艺来进行选择, 也可以把材料进行二度的制作, 以达到展现更多材质肌理的目的。为了满足舞台的演员角色表演的目的需求, 面料选材具有相当高的要求, 材料的厚薄、轻重、密透、光亚、垂挺、软硬以及弹性的高低等都是面料选择时应考虑的因素, 它们必须依靠服装来展现效果、表演方式以及角色动作。随着科学技术的不断发展, 舞台负责的材料也有了更多的选择, 例如金属、塑料制品以及丝织品等都可以用来制作材料。

4. 审美基础是精湛的工艺技巧

服装工艺的划分主要包括制作和裁剪, 精湛的裁剪手法能创造出合身的服装进而展现出更加自如的形体美。每一种舞台艺术的表现过程都无法离开服装的辅助表现, 舞台人物可以通过语言表达、肢体动作、音乐唱歌等的不相同的艺术表现的形式来塑造主角特征。另外, 角色的性格和特色是通过把舞台服装当成是一种外表的符号来展示的, 这起到有效塑造人物的作用。设计师在设计时应把握好分割线与结构设计, 舞蹈服装增加舒适感必须兼顾运动和表演两个方面, 舞蹈艺术作为重要表现形式的舞台上, 对服装的舒适度显得更加注重。舞剧是集时间、空间以及综合因素为一体具有动态性的艺术的表演, 舞剧演员一般通过夸大肢体的动作来展现任务的特征。

在舞台上服装设计中用得较多的还有立体裁剪方法和平面裁剪方法, 设计师在裁剪时都是将人体结构排在第一位的, 需贴近人体的不同部位进行裁剪, 并尽量做到准确和细致。实用性较强的服装一般缝制工艺的手法和结构设计都是固定的, 舞台服装应打破这种束缚, 为设计出与演员气质和身体相协调且符合舞台需要的服装, 应注重裁剪手法, 缝制工艺以及结构设计等方面, 以求不断创新, 推动舞台服装艺术的快速发展。

三、结语

现代的舞台服装设计更加关注美学艺术, 它是一个交叉性和综合性都较强的学科, 从一定程度上继承传统风奠基现代的服装设计。舞台的服装设计涵盖了不同时期的精神意境以及文化背景, 舞台艺术的表现力为服装设计提供了辅助展现作用, 这一环节是为了剧情需要、气氛营造以及角色塑造而服务的, 能进一步展现舞台服装的艺术美感。

摘要：舞台服装设计和普通服装设计存在较大的区别, 主要表现在实用性和展示性上。舞台演出的特性决定了其服装设计的要求, 因而舞台服装设计对色彩、款式、面料工艺等方面的要求都比较高。本文从美学角度出发, 深入探讨舞台服装设计中的美学艺术。

关键词：舞台,服装设计,美学艺术

参考文献

[1]严卿月.舞台服装设计的美学艺术探讨[J].大众文艺, 2012 (19) .

[2]周朝晖.现代舞台服装设计的艺术美形式探究[J].艺海, 2011 (11) .

服饰是影视艺术无声的语言 第10篇

一、服饰设计表现人物性格特征

在我们的日常生活中, 不同的穿着会给人留下不同的印象。假如让你对一个仅有一面之缘的人作出评价时, 我想大部分人会通过外表来推断。而我们的身体有90%的面积被服饰所遮盖, 那么服饰往往会给人们重要的提示。影视作品中服饰大多也被用在对人物形象的塑造和衬托上, 因此在影视作品中服饰的设计, 应根据人物的年龄、性格、爱好、身份、处境和情绪选择具有某种特征与象征意义的服饰, 表现人物的形象气质和精神面貌。受观众一致好评的电视连续剧《闯关东》, 是一部平民传奇史诗, 描述的是底层人的求生运动。展现出当时“闯关东”人们的敢于与艰苦磨难、人生命运进行抗争的奋斗精神。“鲜儿”是《闯关东》中比较传奇的一个女性角色, 她做过童养媳、唱过二人转、拉过排子、当过土匪, 经历命运的坎坷曲折, “闯”的精神在她身上表现的淋漓尽致。剧中, 当她被国民党抓走处死的时候, 她要求上刑场时坐在马车上披红挂绿。在生命悠关的时刻她不进行任何肢体上的反抗, 然而身上的衣服却强烈的表现出她不畏惧死亡、不屈服于黑暗势力压迫的精神, 放着刺眼的光芒, 让人感到非常震撼。《闯关东》中另一个人物那文, 下嫁的格格, 鬼精灵, 性格乐观开朗, 思想前卫。那文虽然家庭破落, 但是自幼在王爷府中过惯了奢华的生活, 加上格格的身份使她养成了对穿着有着特别的要求。因此在服饰造型上, 她与其他人有着明显的区别, 与众人的蓝袍大褂相比, 她的衣服总是颜色鲜亮, 款式与时俱进, 这与她的性格相得益彰。

二、服饰设计表现人物处境及情绪的联系

人物的服饰除了随着时间、场合、季节的变化进行正常的更换外, 也受人物处境及情绪的影响。其中色彩更换是最能深刻表达作品思想的一种手段, 它就像影视作品的灵魂一样, 无论是心情愉悦, 还是忧心忡忡, 都能通过服饰色彩表现出来。色有冷暖两个体系:暖色系为红、橙、黄等色, 可使人联想到鲜活的生命, 丰收的田野, 给人以温暖、有生气、兴奋的感觉。冷色系为青、蓝、紫等色, 可使人联想到茂密的森林, 蔚蓝的天空, 给人以寂静、凉爽、抑郁的感觉。因此在服饰色彩处理中, 可利用色彩冷暖特性构成情绪因素使剧情内容和形象特征得到强化。

如《闯关东》中, “秀儿”在少女时期对“朱”家老二“传武”十分爱慕, 并大胆向他示爱, 一心想要嫁给他, 这段时期她穿着漂亮的粉色衣服, 表现出她对这段感情充满希望的心情。终于“传武”娶了“秀”, 但是“传武”心里一直爱着“鲜儿”不肯接纳“秀儿”, “秀儿”开始默默地等待“传武”回心转意, 等待的心情是痛苦的, 受煎熬的, 并且结果是飘渺的, 她也跟着换成了颜色深暗, 款式老旧、宽大的衣服, 烘托出她苦闷的心情。然而, 当她遇到“一郎”, 被“一郎”热烈的爱感动后, 固执的心开始慢慢转变, 最终改嫁于“一郎”, 此时她的衣服也换成了红色束身旗袍, 并佩带上漂亮的首饰, 衬托出她内心的喜悦与幸福。

三、服饰设计揭示影视作品中的时代氛围

一个国家的发展方向是与当时的历史背景和社会文化分不开的, 服饰当然也是这个社会文化和制度的体现, 可以说服饰的形制与社会文化和历史背景是相辅相成的, 它可以清楚的反映出当时民族和社会的时代特征。《满城尽带黄金甲》是华语电影上最昂贵的电影, 其中制作演员的服饰就用去大部分资金。剧中服饰无不展示了盛唐时期的奢华大气, 也着力刻画了当时女性对展现风骚之美的喜爱, 使人们在关注剧情的同时, 也了解了唐代的服饰与历史。唐代是社会历史上的巅峰时代, 那时疆域辽阔、政治开明、经济发达、文化繁荣。统治阶层以开阔的胸襟、广交宾朋、睦邻友邦, 对外来文化更是兼收并蓄, 最终成就了气象万千、辉煌夺目的大唐文化。在这样的社会历史背景下, 唐代妇女的生活呈现出一种在中国封建社会历史中空前绝后的开放形态。妇女服饰较少受封建礼教的影响, 出现了袒露的衣服, 以表现唐代妇女丰满之美。唐代妇女多着深衣制的长裙装, 领口开得很低, 使胸半露于外, 袖口很窄, 是比较开放的, 唐诗有云“胸前瑞雪灯斜照”就是当时的一个写照。

《夜宴》中章子仪是以画小嘴的妆饰出现, 让人对这种妆饰产生怀疑。其实唐代妇女在服装之外对自身美丽颜面的妆扮更是手法多样, 不甘人后, 化妆与贴戴饰物成了她们每一天美好生活的开端。饰唇之风, 先秦已有, 到唐代, 画唇用品唇脂已被作成条状, 使用十分方便。著名的爱情故事《莺莺传》中, 崔莺莺给张生的复信中就有“兼惠花胜一合, 口脂五寸”的说法。唐时妇女饰唇, 胭脂与口脂并用, 嘴唇以小巧为美, 大诗人白居易所谓“樱桃樊素口, 杨柳小蛮腰”便是伺婢乐伎一时的时髦标准。

《神探狄仁杰3》中女演员“薇儿”精致的女扮男装和所穿的翻领镶边窄袖开叉的胡袍, 戴胡帽的装束紧扣住了唐代服饰中胡服和女扮男装盛行的这一特点。民族之间文化习俗最直接、最简捷的传播方式就是通过服饰进行。胡服的流行可以使观众联想到在当时的长安城里有成千上万的波斯、吐藩、南诏以及日本、新罗、罗马、阿拉伯人学习经商, 显示出唐代的繁荣昌盛, 此景象在剧中也有体现。女扮男装是盛唐时期妇女服饰文化中流行的一种风气。早在唐高宗时, 其妹妹太平公主就已穿紫衫系玉带扎幞头在高宗面前歌舞, 到玄宗开元年间, 妇女身穿丈夫衣服行走已经是十分常见的现象。此装束使女人俏丽之外又增添一种英俊潇洒的风采。

四、影视作品中人物服饰的设计应遵循和谐美的原则

和谐美包括服饰与环境的和谐、服饰与人的和谐。与环境和谐是指服饰与影视作品中的自然环境和人文环境的和谐。与人的和谐是指服饰与影视作品中塑造的人物的性格、气质、民族等的外在与内在的因素的和谐。只有做到这些和谐原则, 才能使服饰达到美的效果, 那么影视作品的画面也就会有美的效果。比如, 影片《英雄》, 它的唯美画面给观众留下了深刻的印象, 其中人物的服饰就起到不可代替的作用。影片中张曼玉与章子仪在树林打斗的场面给我们留下了深刻的印象, 两位女主角都穿着大袖口、束腰身、叠层下摆的衣服, 所不同的是张穿的衣服是热烈意欲燃烧的红色, 而章的则是平静但不甘寂寞的白色, 两种颜色所产生的视觉冲击效果, 不得不让我佩服导演的煞费苦心, 而且又加之是在以耀眼的黄色为背景的树林里打斗, 更加彰显出人物的质感, 让观众深切的感受到人物思想跳动的脉搏, 这无疑又是对观众进行思想上的冲击。

综上, 服饰具有一定的文化特性, 能够拓展影视艺术的语言表达空间。所以, 服饰作为影视艺术中人物塑造的一个重要环节, 就必须具有真实感, 这样观众才会觉得有可信性, 才会符合观众的审美接受心理, 而不是一味的绝对主观化、作者化、导演化, 不顾及观众的审美要求, 这样做不仅会失去市场, 而且也会丧失影视艺术本身的文化价值。

参考文献

[1]王继平:《服饰文化学》, 华中理工大学出版社, 1998年版。

[2]周锡保:《中国古代服饰史》, 中国戏剧出版社, 1984年版。

[3]倪祥保:《影视艺术概论》, 南京大学出版社, 2004年版。

舞台化妆艺术与服装表现 第11篇

关键词：舞台化妆艺术；服装；曲剧

中图分类号：J815文献标识码：A文章编号：1671-864X（2016）08-0269-02

在舞台上演表演的种类非常的多，曲剧就是舞台表演的一种，而想要衬托曲剧表演的魅力就需要利用环境和场地气氛以及演员的表演。在舞台上的表演人员也需要利用服装和化妆艺术对自己进行造型，在化妆和服装造型的过程中工作人员要对所饰演的角色进行揣摩，掌握好角色的性格定位，并配合化妆的效果，完美的展现曲剧中的人物形象。

一、舞台化妆艺术与服装表现的重要性

（一）增加角色的亲和力。

在曲剧表演的过程中，所有的故事情节都需要演员利用自身的演技推动人物的发展，所以在曲剧的表达过程中，人物就是整个剧场的灵魂，在人物身上所体现的魅力是无法用其他辅助道具能够表现的。为此，曲剧需要不断增加整体舞台的效果，以便更加突出人物的亲和力，而服装表现与化妆技术也需提升一个档次，将人物描述的更加真实。

在曲剧表演的过程中，人物可以通过不同的服装造型和化妆技术，展现不同的人物性格和职业，而好的化妆技术和服装造型也能够让人物展现的更加活现，这是因为化妆和服装是一种无声的描绘方式，也是塑造形象的手段，这两种方式不仅能够让舞台更加丰富，也能够让舞台上表演的人员更加的贴近观众，让观看者从中了解到曲剧所表达的意义。

在曲剧舞台上，人物的年龄、性格特点都可以利用化妆来展现，而人物的地位、身份、民族等都能够利用服装来表现，再加上舞台中的灯光展现以及布景就能够将曲剧的剧情展现的淋淋尽致，让观众能切身的感受到曲剧中人物的喜怒哀乐，达到观众与演员境界合一目的[1]。

（二）增加人物的形象性格表现。

在任何曲剧的舞台上，舞台与观众都是有一定的距离，而且舞台的灯光一直都非常的亮和耀眼，所以演员在没有化妆的情况下或是淡妆都不能够让台下的观众看清楚演员的脸部轮廓，这样就影响了演员表演的效果，也失去了演出的意义。为此，演员通过化妆的手段加深刻画角色的形象，利用脸部彩妆达到放大人物形象增强人物性格的目的，也利用脸部色彩的深浅来调和场内灯光的明暗，协调演员的形象，让观众深刻的体会演员技能的表现。

再者，在曲剧中人物的性格都是演员通过个人的表演展现出来的，演员的外部形象对塑造的人物有非常大的影响，所以不难看出，演员的服装以及化妆的水平对于演员的形象是非常的重要。

（三）吸引观众达到演出效果。

曲剧的表演最终的目的就是吸引更多的观看者，而能够吸引观众的目光的方式，就是让舞台上人物的形象和色彩的表演更加的鲜明，并能够利用更加真实的舞台表演让观众融合到曲剧的表演情节中。这些单靠演员的表演是不能够达到的，而是需要将演员进行完美的包装，利用服装以及化妆技术让演员能够更加完美的展现自身。当曲剧表演者达到一定的水准的时候，舞台下的观众的情绪就能被深深的感染出现变化，让观看者有种身临其境视觉感官效果。

二、舞台化妆艺术与服装表现的主要特点

（一）多元化。

人们在观看曲剧的时候，对曲剧的表演环境和装饰要求越来越多，这个表现了观众的审美观点在不断的提高，同时也让曲剧的表演艺术不断的发展前进[2]。就现在曲剧的表演情况来看，化妆艺术与服装艺术已经出现了多元化的发展趋势，曲剧为了能够体现更加绚丽的舞台效果，服装上已经是百花齐放的现状，而化妆艺术也受到了一定的影响，在这样的曲剧舞台效果下，多元化的舞台展现形式已经成为了未来发展的主流。

在曲剧的表演过程中，从最初一个人物的服装只有固定的一套到现在有很多种，都是多元化的表现，这样的形式不仅让演员在表演的过程中更加深刻的刻画人物的形象和性格，也能够通过化妆的配合，将人物的形象深深的印刻在观众的心理，并让观众能够记住角色。这样多元化的追求也并不是随意进行的，需要针对曲剧剧目的情况以及现场的情况而定，避免误导观众的审美和欣赏。

（二）个性化。

我国现在的社会正在慢慢的进入到一个个性化的时代，而曲剧也受到了社会发展的影响，在表演的过程中针对化妆和服装方面也突出了个性的表现，以此形成了自身独有的特点。最明显的就是曲剧中女性的眉毛，在上个世纪30年代的时候，女性的眉毛都是以柳叶眉为主，无论是在生活中还是在曲剧的表演中，都体现了柳叶眉的存在；而在60年代的时候，人们的思想发生了变化，眉毛的形状也发展成为了更加妩媚的弯月眉，直接展现了女性的阴柔美；而在现在，女性的眉毛已经是个性展现的标志，在曲剧中的横眉也是一种个性的标志，也是曲剧在追求符合现代标志个性的展现。

（三）重现经典。

曲剧所展现的都是过去人们在生活中的琐事和经典的案件，以及英雄事迹，而曲剧对经典的描述是拥有自己独特的方式，在传统的舞台上面进行创新和突破，在尊重经典事实的基础上，将剧情表现的更加清晰和细致，也通过服装和化妆艺术的展现，将经典重现在人们的视野中。曲剧的表演不同于影视表演，影视能够通过风景以及实际的建筑对历史和事件进行描写，而曲剧只能够通过舞台这样一个浓缩的场景进行阐述事件，所以想要将经典展现的更加的真实，就需要利用服装以及人物的化妆技术进行装饰，将民族的特点，以及经典曲目中的亮点都展示在服装或是妆容上，这样就更加完善了整体的曲剧表演，也让观看者体会到了经典曲目在曲剧中的表现以及魅力[3]。

三、加强舞台化妆艺术与服装表现的对策

（一）让化妆与服装更加真实。

化妆师在曲剧中是是非常重要的角色，不仅需要针对剧本进行细致的了解，也需要了解人物的时代以及人物的职位等方面，这样才能够通过装扮展现历史，让人物更加真实。对此，建议曲剧中的化妆师和造型师应该认真的了解剧目中的历史情节，并在工作的过程中多查阅相应的历史依据，让人物的装束能够在展现艺术美的同时更加贴近历史，让曲剧表演更加现实。而在创新的过程中，需要注意的是，服装与化妆是否考虑到了现实观众的审美要求，再者就是需要符合历史的真实，不能够因为追求现实的美感而忽略了真实。例如，在曲剧演绎的过程中，服装方面不能为了追求舞台的效果，而让清朝的人员穿着上唐朝的服饰，这样就显得不伦不类，让观看的人员贻笑大方，这样的曲剧就不能够得到观众的认可，反而会误导观众对历史的认知。

（二）提高舞台整体的表演效果。

在曲剧的表演中，舞台上整体的表现效果是能够直接表现曲剧情节，并结合对人物的形象将曲剧展现在广大观众的眼前。在曲剧的表演中，工作人员为了能够让舞台的效果看起来更加的逼真，都会针对周围的环境进行布置，而且也严格的要求演出人员的服装与化妆能够更加特近人物的形象和性格[4]。下面分几个方面来建议如何提高舞台整体的表演效果：

第一，在曲剧上演之前，化妆师与服装造型师应该积极的与导演进行沟通，及时的了解曲剧的曲目，然后能够从深层次的解析剧目所需要表达的意义，最后针对剧目对演出人员进行定位，而服装师则需要针对剧目的情景和朝代来对演员进行服装的搭配。

第二，服装师和化妆师在对演员进行装扮的过程中，应该以整体的舞台效果为基础，与整体的布景以及表现手法相呼应，不仅要突出演员的形象美感也要突出整体搭配的效果。

第三，一定要注意美丑的尺度，不能够只追求人物的美而忽略场景及舞台的设计，整个表演的过程中是一种综合性的表现效果而不是单独的场景表现。

（三）利用化妆和服装塑造舞台灵魂。

化妆师和服装师是演员的有利后台支柱，演员的形象都是由后台的工作人员进行装扮，所以化妆师和服装师不仅能够提升人物的整体价值，也能够提升舞台的整体效果。

化妆师和服装师也是随着社会时尚的前进思想随之而变化，这样的思想在曲剧演员的造型中有所体现。他们在服装中添加了时尚的元素，却又能展现古代的气息，就如质地精良的红纱、红色的丝线、以及精美的银饰品等。在曲剧的舞台上，人物的形象是剧目的标志也是时代的代表，而化妆师和服装师则是时代的前沿者，只有化妆师和服装师充分的展现自己的能力，才能够让舞台充满灵性，让舞台充满活力，也能够让整个舞台更加有灵魂。

（四）充分展现舞台人员的价值。

曲剧表演不同于影视剧，曲剧的表演时间比较短，而且场地有限，布置也受到了局限，演员就只能够通过有限的资源进行精湛的表演。那么演员的形象塑造也成为了重点的工作内容，化妆师和服装造型师都需要将曲剧中的人物塑造成有价值体现的人物[5]。所以想要充分的展现演员的价值，就需要化妆师与服装师能够准确的把握剧目中的人物的性格，并不断的研究和探讨寻找人物的细节，帮助演员表演的更加形象与生动。

结语

在曲剧的发展过程中，人物塑造是重要的话题之一，如何能够利用化妆技巧和服装造型将演员所塑造的人物表现的更加活灵活现，也是重要的研究对象，所以本文针对人物的服装以及化妆艺术进行分析，让曲剧人物在舞台上能够展现出自身的魅力，并利用化妆技术和服装造型让人物的形象更加鲜明，让观看者的情绪和舞台塑造的环境融合到一起，突出曲剧的魅力。

参考文献：

[1]李莉.戏剧服装设计与舞台表现之和谐——浅谈戏剧服装的舞台表现[J].才智，2014.

[2]张恒，郭亚楠.爱丁堡戏剧节剧目《仲夏夜之梦》的人物化妆造型设计[J].四川戏剧，2015.

[3]黄世智.中国话剧写实舞台美术的第一个范本——论《少奶奶的扇子》演出的舞美设计[J].贵州大学学报（艺术版），2011.

[4]杨红薇.戏剧服装的产生发展及设计与管理[J].艺海，2011.

浅析服装平面广告的艺术表现 第12篇

一、幽默诙谐法

幽默是一种充满智慧的表现形式之一, 也是服装广告中吸引和打动消费者的重要手法之一。幽默是“一种饱含智慧和情趣的领域, 令人畅怀, 回味和神往”。幽默性广告的创作技巧, 在于运用饶有风趣的情节, 把某些需要肯定的事物无限延伸到漫画程度, 造成一种充满情趣而又耐人寻味的语境, 勾起受众会心的微笑, 从而刺激起人们的注意与兴趣, 增强广告的吸引力。 (如右图) 是KOOKAI服饰广告。它向来以大胆、前卫刺激而倍受争议。海报以戏谑的手法, 把男性当成玩偶, 让女主角去嘲弄、摆布、指挥着, 从而打破传统男性主流社会的价值观, 展现出KOOKAI消费群大胆反叛, 有自己个性的性格特点以及生活主张, K00KAI也因此倍受女权主义和年轻时尚女性的强烈钟爱。

二、性暗示

社会现代化的新进程, 在不断打破传统道德观念和批判传统理性主义的基础上, 大大推动了身体的全面解放, 特别是性的解放。过去被各种道德观念视为禁忌的感官要求, 越来越成为身体进一步解放的障碍, 因而也成为现代化进程的重要批判对象。同时, 当代商业的发展也直接或间接地将身体和性纳入商业战争中, 使身体和性成为发展商业和控制消费者的重要手段。性作为一种文化现象, 在服饰发展的不同时期打下深深的烙印。 (如下页上图) 。

性暗示所展现的服装平面广告是具有一定审美价值的艺术表现形式。身体和性感在时尚中的运作, 很大程度上是通过广告和媒体系统的中介来进行的。服装是两性吸引的媒介, 已摆脱了过去只是为了遮羞、蔽体、御寒的功效, 取而代之的是性感, 吸引异性成了服装设计的主流。无论是上衣还是裤裙, 可以说遮蔽的地方越来越少。通过广告中模特性感展示的引导, 吊带、露脐、紧身、低腰等服装类型和穿着方式, 已不再是某些特殊女性的专利, 普通女性的服装也已大幅度地向这些性感的、充满诱惑的方向靠拢。从审美主体的欣赏话语来说, 丰满、野性等这些有着充满性感内涵的词语也不再羞于出口, 而是脱口而出的司空见惯的概念。在文化的动态发展过程中, 现代人不再压抑自己对性感的态度, 选择了更加直白地表现自己的所感。例如GUCCI品牌采用的广告战术:将女模特Aurber Valletta和两个男人放在一起, 并在照片下面写上“三口之家”。还有两个穿着GUCCI服装的女人互相注视, 这些都弥漫着一种朦胧的同性恋气氛。美国一家杂志的主编认为GUCCI的广告包含同性恋主义的诉求, 尤其是两个女人相互注视的平面广告。在这个广告中, 两个女人面对面相拥, 一个女人的手放在另一女人的臀部, 另一个女人注视着第一个女人的胸部, 而且她的手正在抚弄着对方胸前一块裸露的地方。这些广告正是体现了古驰品牌奢糜、性感、颓废的特点。

但性的问题向来是人类伦理道德的敏感区, 特别是在国内, 由于道德观念和文化背景的差异, 在运用性感进行广告表现时, 应慎之又慎, 以维护社会道德为前提, 掌握好一定的表现程度和方式。

三、情感诉求

“撼人心者, 莫先于情”这句话已表明了感情因素在艺术创造中的作用, 艺术的感染力最有直接作用的是感情因素。广告的情感式表现是指广告设计时, 将主题通过各种艺术手段对受众进行情感诱发, 使受众产生情感共鸣[1]。艺术有传达感情的特征, 在表现手法上侧重选择具有感情倾向的内容, 以美好的感情来烘托主题, 真实而生动地反映这种审美感情就能获得以情动人, 发挥艺术感染人的力量, 这是广告设计的文学侧重和美的意境与情趣的追求。

在生活节奏很快的现代生活中, 人们越来越紧张繁忙, 加之来自各方面的负担, 使人产生一种疲惫和寂寞的感觉, 因而产生寻求心灵的慰藉, 情感的回归和精神家园的渴求。很多服装平面广告正是契合了这种心理, 给广告赋予丰富的情感色彩和浓郁的人情味。

在环境污染等现代问题日益严重的今天, 人们逐渐对现状进行反思。消费者已经认识到人与物的关系应该建立在双向发展、良性循环的基础上, 抵制那些以破坏自然和生态和谐而片面取悦于人的做法。服饰平面广告的本质是引导衣着风尚, 引导时尚潮流, 而我们一直在关注那些严峻的、但尚未被社会所关注的各种现实问题, 这同样也是一种潮流。在大家熟知的贝纳通平面广告中, 将“发生在广告之外的”事情拉进了广告, 将艾滋病、环境污染种族歧视、战争、废除死刑、宗教间的和平共处等等都被收纳入广告中, 将强烈的现代意识演绎成一种另类的时尚潮流, 更反映了人们的抵制心理。

四、后现代风格

后现代风格是对现代风格中纯理性主义倾向的批判, 同时也是一个从理论上难以准确下定论的一种概念, 因为后现代主要理论家, 均反对以各种约定成俗的形式, 它从总体上表现出一种打破传统、离析规范的特征。后现代艺术表现否定了传统的美学原则, 和谐、统一、简洁等被新的元素取代, 其突出的特点为“解构性”和“重构性”。表现为不确定性、零散性、非原则性、反讽、多元、模糊等, 充满矛盾性、复杂性和不连贯性[2]。在传统平面广告面临困境之时, 后现代风格平面广告应运而生, 进行了创意风格上的另类发展, 使对产品同质化年代深感厌烦的消费者感受到了全新的平面广告创意风格。服装平面广告在其创意表现中强调装饰性, 讲究娱乐性和消费性, 还表现为注重自然复归, 注重对作品赋予人文因素和情感因素, 使得其广告创意具有深厚的文化意蕴和审美内涵。比如在充满颓废、讽刺意味的D&G服装平面广告中, 不管是模特还是明星, 大都行为癫狂, 表情充满了神经质, 时尚而暖昧, 但正是因为这样, 人们也就更容易记住画面, 记住品牌。

五、游戏手法

服装平面广告是一种目的性很强的造型艺术, 当人们在欣赏一件服装广告作品时, 对它们所呈现出的视觉效果, 根据各种不同的心理感觉作出“优雅”、“冷酷”、“奔放”、“柔美”等不同评价, 同时从作品形式中可将某些符号转化、升华而产生的一种强烈的情感意蕴。服装平面广告的游戏表现手法, 初始使人对广告画面不解题意, 使观众从心理上掀起层层波澜, 驱动消费者的好奇心和强烈举动, 再通过广告标题或正文把广告的主题点明出来, 使悬念得以解除, 给人留下难忘的心理感受。

国外一些知名服装品牌的平面广告, 经常以游戏手法故弄玄虚, 布下疑阵来吸人眼球、表现创意。比如路易威登品牌商品广告, 就常常以大胆的视觉表现牢牢地抓住消费者的视线, 并使其更显时尚风采。它有一款颇带游戏创意的女鞋广告, 将一双修长的女人的腿安排在标靶中心, 用飞刀这种极富刺激的表演形式来吸引观众的注意力。在西方社会, 游戏意味着休闲和审美, 是人的一种天性, 同时还给人以恶作剧的心理快感。当人们看到这种扣人心弦的画面时, 既会自然产生强烈的回应, 然后根据标靶、飞刀、腿这几种形式的构成要素, 将最后的注意力集中于广告的诉求重点路易威登女鞋。

总结语:服装平面广告充分发挥艺术的感染力和影响力, 以独特的审美价值化解商业功利的痕迹, 以有效的审美文化沟通、引领消费潮流。它已经深深地影响着人们的生活, 同时影响人们的消费观念以及对某些问题的思考与看法。它不仅仅只为服装的销售服务, 它更是一件艺术品, 成为人们生活中不可分割的一部分。服装平面广告的艺术表现形式很多, 并且随着科技创新, 它的艺术表现会更加多姿多彩, 会转化成一种心理攻势的力量撞击人们的感情, 并给人以审美感受。

参考文献

[1]马建青.现代广告心理学[M].杭州:浙江大学出版社, 1997

[2]许南亭, 曾晓明.中国服饰史话[M].北京:轻工业出版社, 1989