二度创作范文

二度创作范文（精选12篇）

二度创作 第1篇

一、声乐训练就是为了“二度创作”

声乐训练无非是能够使歌唱者的声音更加圆润、有光泽, 有弹性, 更加有表现力, 最后终究要落实到演唱音乐作品中。任何音乐作品都是靠具体的“声音”来体现的。所以我们常把演唱表现音乐作品称为“二度创作”。这个“二度创作”是歌唱者的试金石。历史上很多经典作品, 一开始往往并不为人们所接受, 后来, 经过某歌唱家的精彩演绎而大放光辉。这样的例子枚不胜举。当代一首新作品的问世, 更加仰赖歌唱家的“二度创作”。同样有的歌者, 终其一生只会唱练声曲, 即使演唱人们耳熟能详的作品, 也只是唱得没有错误, 声音好而已, 没有表现力, 感染力, 更谈不上个性化的创造发挥了。

作为中国的声乐工作者, 毫无疑问地首先要会演唱中国作品。无论是继承传统的需要, 还是现实音乐生活的需要乃至未来发展的需要, 中国的广大听众还是最需要聆听中国歌唱家演唱中国音乐作品, 这里绝没有排斥、贬低学习外来唱法、忽视外国作品的意思。恰恰相反, 我们不仅要学习、借鉴外国唱法、外国作品而且还要更进一步的深入研究, 与时俱进地观察、了解、学习研究国外的最新成果。这一切的宗旨始终是为我所用, 从而造就一批具有中国特点风格的为中国广大听众所喜闻乐见, 进而矗立于世界歌坛之林的中国歌唱家。作为声乐训练的目标, 这样要求应该说是理所当然的。

事实上, 把这样的要求作为声乐训练的最终目标, 也许很多人都不会反对, 有些教师和学生还做了很多有益的探索和尝试, 也取得了不小的进步和收获。但是, 我们也不得不承认, 在不很多时候, 在很多教与学以及演唱的实践中, 并没有真正把此作为最终目标, 有意无意之间, 谈化了这个认识, 以致于在实践中基本游离于这样的目标, 尤其在声音训练的时候, 照搬照抄现代的练声曲, 把声音训练和“二度创作”割裂开来, 造成很多有“声音”但不会“歌唱”的歌唱家, 由此看来, 再强调一点学习声乐的最终目标, 并且努力去探索实践, 不但不是多余的, 而且确有必要。

二、声乐训练与“二度创作”的有机结合

关于声音的训练, 这些年已有了很大的进步, 也有很多声音训练的教材和理论文章, 很多歌唱家还在国际声乐比赛中获奖。这此基本原则和基本观点已为绝大多数人所接受和认可, 不在这里赘述。关于声乐的“二度创作”也就是如何演唱作品, 如何把已有的乐谱旋律以恰当的方式 (这里当然包括声音) 演绎成活生生的可听的动人音乐的问题, 都少有论述也没有可鉴学习的专门教材。在练声之余, 学唱某首歌曲时, 有时作为“歌曲处理”会被提及到演唱表现的问题, 不过是模仿而已, 最终还是归结到强调声音上来。声音的训练和歌唱的表现本来是不可分割的有机整体, 却被人为的分开了, 而且声音训练成了对声音的片面追逐, 甚至于妨碍了音乐表现。声音教材中的练声曲, 本来就是为外国“美声唱法”所编写的, 而“美声唱法”又是从演唱外国音乐作品的需要所逐步发展建立完美起来的, 这其中很多合理有益的作用自不待言, 但是, 如此训练出来歌者演唱中国作品自然会有很多不相适应的地方。须承认的是, 中国作品的风格显然与外国作品的风格不同的, 中国作品的曲调、旋法、结构与外国作品也是不同的, 中国人的欣赏趣味, 美学追求与外国人也是不同的。随着不断深入广泛的交流, 会有越来越多的共同点, 会有相对稳定的欣赏外国作品的受众, 但是上述的种种不同点, 在相当长的历史时期内仍会以各种可能变化的形式存在下去。既然目标不同, 就要有实现不同目标的路径, 我们不妨先看一看中外声乐作品有哪些不同的地方, 为了叙述方便, 这里主要指的是具有汉民族的特点作品。

中国音乐作品有哪些不同的特点呢?能否将这些不同特点融会进声乐训练呢?

首先, 我们都知道汉语的语言与外语不同。咬字吐字在传统的戏曲、曲艺、民歌等曲调里不会因为“声音”而要求成为独立的问题的, 但是在通行的声乐训练中却成了问题。依字母进行声音训练是有利的, 如果不结合汉字的“声”“韵”训练, 久而久之, 声音美化了但不会“讲话”了也就是听众俗称的“大舌头”。这样当然谈不上有表现力, 更不要说“二度创作”了。汉语语音依普通话为标准, 大约有四百一十六个不同的读音, (不包括声调) 这其中还函盖了部分单韵的读音。将这些不同的读音分门别类归入到发声练习中, 使声音训练具体的汉字读音结合起来, 让美化的声音总是依附于具体的读音上。为此一来或可收到事半功倍的效果, 自然也就克服了“大舌头”的弊端。也许有些读音特别不容易发生好的声音, 如quan、zui、ri等, 可以先从一些便于发音的读音开始, 有了一定的认识和感觉后再针对那些特别难发的读音强化训练。如果将那些特别困难的读音练好了, 基本功岂不是更加的扎实了。

第二, 汉语语音的四声声调而衍生的曲调的旋法不同。中国传统的声乐作品中主意的声调和旋律的结合是非常自然贴切的, 在戏曲、曲艺、民歌中比比皆是。当把这些旋律抽象出来以后, 就形成了特有的中国风格的旋法。五声调式为基础的旋律与西洋大小调式的旋律就很不一样。在外国声乐作品中, 音阶式、琶音式的进行很多, 中国声乐作品就比较少见;严格模进、转调、大小调式交替也比较常见, 中国声乐作品也比较少见。在声音训练的时候, 不仅用大调式音队, 也引进五声调式音阶, 不仅用三和弦琶音, 也引用中国调式分解和弦。如中国声乐作品的另一显著特点是句逗、句尾常有委婉起伏的“润腔” (也称“拖腔”) 如洪湖水浪打浪这些“润腔”对作品的风格、韵味起着至关重要的作用, 作为句子或段落的结束尤其显得重要。如果把各种不同起伏走向的、长短高低不一的动机、乐节、乐句整理归纳再配以合适声调的文字融合在声音训练中, 一面可以巩固提高“声音”的美化控制力, 一面可以使声带轻松自如、灵活地游走于各种音调、旋律之间, 提高对各种复杂旋律线条 (包括各种节奏) 的驾驭能力。哪就好比把机器的各个零部件从基质到细节, 都打磨的完美无暇。那么, 如果把一首作品比做一架完整的机器组装成一架优秀完好的机器也就不再那么困难了。这样做, 可能会增加声音训练的难度, 同样可以用上由短到长, 由简到繁、由易到难的办法逐步克服。经过这样的训练, 不仅发声问题解决了, 也为“二度创作”打下了最坚实的可靠基础。

汉语的语音声调不以明确表达某种意义, 音乐旋律则着重表现情感、性格、情绪、氛围。这二者的结合是相互依存的。但音乐旋律又不可能始终严格按照语音声调来谱曲。那样不仅呆板、没有生气, 也使音乐旋律成了歌词的生物, 失去了音乐存在的意义。于是, 声调与曲调不相吻合的情况就会发生, 也就是我们常说的“倒字”。如果机械地按谱表达, 听到这些“倒字”的地方就会让人感觉很不悦耳。古体诗词中对不合格律的地方有“救拗”一说, 似乎对歌唱中的“倒字”也有启发。如:就要可以考虑在每个字的第一个音符前加一装饰音并把第一字音符唱的略重略长一点, 就明显地改善“倒字”的不悦之感。类似的技术处理还有很多, 也可考虑在声音训练时有意识地试唱各种不同的处理办法, 同时结合声音的要求。

这些似乎已经超出了声音训练的范畴, 然而正是这些问题的被忽视, 或者说在声音训练时只用那些便于发声的材料, 最终导致了虽有“声音”不会“歌唱”的困境。

蒙古族风格歌曲的二度创作论文 第2篇

就蒙古族风格的歌曲而言，作品的风格大多以优美舒缓，赞美自然，抒发胸怀的歌曲为主，这也体现草原上的人们用歌声来歌唱生活，祈祷未来。在了解作品的风格后，我们还要知道这首作品的内涵。当我们拿到一首歌曲时，第一要做的是应该将歌词反复不断认真地朗读，目的是要从字面上首先理解这首歌曲讲的是什么，情感基调是怎样的;其次，在深入了解作曲者创作这首歌的目的、作曲者的生活背景及他所处的时代背景。一首歌曲无论长短，都集聚着作曲家的强烈感情，每一个音符中都流露出作曲家的深厚情感，这就需要演唱者认真地去体会和领悟。只有演唱者对作品的理解越深，感受越深，演唱时的情感表达才会更加纯真、感同身受。所以演唱者在演唱这类歌曲时，一定要准确地领会歌曲所要达到的艺术境界。同时还得通过自己的再创作挖掘歌曲里某些潜在的隐含的东西，才会表达得更加生动形象。作曲家在创作一部作品时不会向演唱者提出应该用怎样的方法将歌曲的韵味表达出来，歌曲的韵味必须由演唱者自己去体会和理解。在熟唱一首新歌后，演唱者可以根据歌词的内容、情感变化、音高变化，自然地在旋律上加上一些装饰音，这样演唱者演唱出来的歌曲就会更加动听，也会更有味道。味的表达往往有很多方面，譬如声音、情感、语言、润腔等等，都可以通过它们传递出不同的韵味来。有时一些人唱出来的蒙古族歌曲就没有蒙古族歌曲本身的“味”了，原因是多样的，但最主要的原因是:(1)对歌曲发源地生活情况、传统文化不了解;(2)对歌曲的内涵理解不深;(3)不了解所演唱的蒙古族歌曲的特有音乐语汇的表现方式等等。因此，要表现出歌曲的风格和韵味，首先要深入了解蒙古族特有的文化，创造体验生活的机会，更多地参与到生活实践中;再次，要设身处地地站在创作者和传唱者的立场上，理解作品本身所蕴含的思想情感，犹如身临其境，才能有感而发，将作品中最真实的快乐、热情、思念、悲伤、痛苦等情绪表达出来;再次，蒙古族民歌的“故乡”所特有的综合的音乐语汇是表现风格的媒介，需要我们恰当地选择与运用，这样才能达到展现蒙古族歌曲风格的目的。此外，演唱者还应该在把握作品的基本风格基础上融入自己的特点，体现出自己对作品的独特认识与见解，因而会更好地演绎出个人演唱的风格和韵味来。演唱者个性风格的形成有赖于平时的积累，应脚踏实地向自身艺术成熟阶段迈进，在符合作品原有风格基础上，形成自己对作品的独到见解，并能根据自身条件扬长避短，找到最佳的演唱方式，形成个人表现的风格和韵味。

二、培养意境想象的能力

想象是人类心理活动的高级阶段，是改造旧世界、创造新世界的动力和源泉。人类的想象力越大，创造力也就越强。在歌唱中，演唱者应该随时具有创造想象的能力。同时，演唱者应该根据歌词的内容，旋律的起伏变化，在自己的头脑中产生一幅活动的画面，并把自己想象成是这幅画里面的主人公，歌词里面的内容描述的就是自己，让自己身临其境在这个作品中。换句话说，就是要向戏剧演员一样去身临其境。现象是生活的反映，所以我们平时一定要吸收积累生活中的丰富经验，捕捉记忆中那些最刺激人心、令人激动、富于诗情画意的生活画面，以便能够充分发挥想象力。蒙古族风格的歌曲中，大多数都是描写广袤的草原、飞驰的骏马、雪白的毡房、悠扬的笛声、轻轻的晚风、皎洁的月光等等。这样的歌词确实是非常的有意境，需要我们仔细的品味，这样唱出来才会更加的有味道，这就需要演唱者去想象这样的一幅幅画面。

三、演唱者的艺术修养

在声乐演唱中需要情感，它需要生活经验的不断积累，丰富的人生阅历。要以生活为依据，有句话说得好:艺术来源于生活，又高于生活，生活就是创作的源泉。演唱者要善于观察、体验生活，善于发现生活中的美，从生活中积累经验，同时还要丰富和加强自身文化艺术修养。因为演唱者对作品内涵理解得深浅，很大部分是由演唱者的自身文化艺术修养所决定的，所以演唱者要尽可能地接触学习各种不同门类不同的风格、体裁的作品，来扩大自己的艺术视野，从而能较准确地将作品特定的情感和风格表现出来。这需要一个长期的过程，不断积累，才能理解作品的深刻内涵，把自己完全融入到作品的情感世界之中，使自己的歌唱日臻完美。

四、歌唱的情感与内容的表现

第一要准确把握作品主要情感。演唱者在演唱一首作品前，要对作品进行深刻的了解分析，包括词曲作者的简介，作品的创作时代背景，作者的创作意图和创作风格等。我国著名声乐教授喻宜萱说过“如果对作品一无所知，或知之甚微，那么就无法理解作品，更达不到艺术表现的境界”。无论是哪位作曲家在创作作品时，丰富的情感内容和复杂的声乐技巧都会清晰地呈现在他所创作的.作品中，这就需要演唱者要在旋律起伏中把握住作品丰富的情感要素，从而更好地把作品完整的艺术形象表现出来。第二是抓住作品的情感基调。演唱要想感动别人，首先要感动自己。心灵的投入与真情的流露是使演唱达到声情并茂的艺术效果最重要的方法之一。“深入到唱词的情景中”，就是需要将歌词内容认真、细致地分析，有哪些是叙述事物的，哪些是刻画环境的，哪些是抒发情感的都要弄得一清二楚，要把歌词的意境深刻地理解，其中牢记在脑子里，才能焕发出激情，将作品演绎得声情并茂。

五、演唱的技术与艺术的处理

演唱的技术包括发声、咬字、吐字、气息、情感的表达等等。演唱者在演唱时靠的不仅仅是嗓子、气息、共鸣就能完成，歌唱是人的身体在歌唱，以全身为乐器，包括你的灵魂。演唱者要唱出打动人心的歌曲，就必须要使自己处于兴奋而又激动的歌唱状态，找准兴奋点，消除一切紧张的因素，并使自己一直保持最佳歌唱状态进行演唱。所谓艺术处理，就是旨在演唱时加入情感，有了真情实感后再加入其他的处理方法，例如有速度处理、力度处理、音色处理、咬字吐字的语气处理、伴奏处理等等，这些都可以称为歌曲艺术的处理。对于歌曲的处理可以从歌曲的结构、调式、旋律的起伏发展、表情记号，节奏等要素中找到提示，而不是对歌曲盲目地或为所欲为的去进行处理。音乐表演艺术之所以打动人，还有一个重要法则就是对比原则。这里的对比包括强弱的对比，有人说对比是艺术的生命，通过快慢的对比，速度的对比，力度的对比，叙述性与说唱性的对比等等，使看似平淡的歌曲，进行处理加工后，便能产生不平淡的艺术效果。这就是处理作品的目的。如一首歌曲的叙述性和歌唱性对比，强弱对比，轻重变化，其中关键是找到歌曲的高潮处和低点。处理歌曲时的画龙点睛的部分一般都会在词性上有所提示，像动词、形容词，因此演唱时重点的词句要更加强调咬字吐字上及情感。即要一字一句地，乃至在每一个经过音上反复推敲，不断练习，这样才会形成自然、流畅而又优美的歌声。

音乐，是一种声音的艺术，对于那些著名的歌唱家来说，他们之所以受到热烈欢迎，是因为他们把歌曲唱的太动听感人的缘故。一首完整的好的歌曲，必须通过歌唱者创造性的劳动，才能使歌曲让人产生共鸣。对于歌曲的处理，仁者见仁、智者见智，演唱者对歌曲的理解不同、表现方式不同，演唱效果也不可能相同。因此，声乐学习者应避免用一种模式去处理所有的作品。而是应该根据作品风格、内容的不同，结合自己的演唱特点灵活运用，表现出自己演唱的独特性来。一位好的歌唱者应该利用自己的人生阅历、丰富的想象力、文化修养来对歌曲进行二度创作，在理解歌曲的内容与情感的基础上，在加入自己对作品的独到见解，使歌曲完美呈现在观众眼前。

[参考文献]

[1]张晓娟.歌唱的艺术处理[N].音乐生活报，-9-17.

[2]吴天球.让你的歌声更美妙[M].北京:人民音乐出版社，.

[3]喻宜宣.声乐表演艺术文选[C].中央音乐学院图书馆，1980.

[4]田玉斌.谈美声歌唱艺术[J].中国音乐家协会杂志，1995.

谈声乐作品的“二度创作” 第3篇

关键词：声乐作品；内涵；风格；韵味

声乐是运用艺术化的语言与科学化的歌喉相结合，塑造出形象鲜明、娓娓动听的歌声，来表现语意高度精炼的歌词与典型化，情感化的旋律音调来学声乐，借以抒发作品思想感情并进行二度创作的一门音乐表演艺术。由于声乐是文学和音乐相结合的艺术，是人类共享的情感艺术之一。声乐不但包含了极其丰富的内涵，多姿多彩的形式和表现各异，风格不同的特点。而且声乐也是听觉艺术，它的艺术感染力要通过演唱进行体现。所以说演唱者把文字符号和音乐符号变成情深意切和娓娓动听的声音，而这样的一个艺术再创造的过程，就是声乐艺术的“二度创作”过程。

一、充分理解音乐作品的内涵

音乐作品的内涵就是音乐作品的内在含义，即音乐作品所要表达的思想感情。理解音乐作品的内涵，是演唱的基础。因为每一首声乐作品所表达的时代背景，故事情节和思想感情是不一样的。每一个音符都经过作曲家的深思熟虑与深厚的情结，所以，演唱者需要正确的、深刻的去领悟和把握作曲家所要表达的思想与情感。演唱者对作品的理解越深，感受就越深，在演唱时就能把音乐作品的内涵表达的淋漓尽致，才能在广大听众和观众的心目中留下深刻的印象，才能使音乐作品经久不衰、源遠流长。因此，演唱者在平时的学习和生活中，要增强人文修养，多阅读一些书籍，多参加一些音乐界的交流活动，多上网开阔视野。这样才能够丰富我们的知识，开阔我们的视野，有助我们理解和演绎作品。只有在理解音乐作品内涵的基础上，才能做到真情的表达，才能把音乐作品演绎得娓娓动听、脍炙人口。

二、对音乐作品进行意境的想象

在演唱之前，演唱者不但要理解音乐作品内涵，而且要根据歌曲的内容和音乐形象对音乐作品进行意境的想象。在自己脑海中勾勒出一幅幅栩栩如生的画面，像电影演员要进入角色之前去体验生活一样。演唱者只有将一首歌曲的基本内容和表达的意境理解的深刻了，才能将所演唱的歌曲表达的淋漓尽致，才能演唱得脍炙人口。然而，演唱者表达音乐作品的能力需要经过长期的生活体验与情感积累，这种积累越丰富，“灵感”也就越丰富多彩。因此，作为一名优秀的演唱者，应与社会实践紧密结合，要探索古今中外的经典的影视作品中的人物形象与思想感情，要赏析古今中外经典的影视作品中的音乐作品的创新案例。只有这样，才能丰富演唱者的想象能力，才能启发演唱者的理解能力，才能使我们演唱的作品经久不衰。

三、科学的运用声音

声音是为表达人类各种情感而形成和产生的，而歌声是散发着人类艺术创造力的声音，是人类具有审美价值的语言，散发着人性的魅力。所以，我们在演唱一首声乐作品时，要运用符合音乐作品的思想内容和感情的歌声，要科学设计和创新运用。作为一名优秀的演唱者，不能只凭自身的先天嗓音的甜美或浑厚，就不假思索地进行演唱。而要运用科学的发声方法和演唱技巧，把握各种声音和音色的变化。当然，不同风格与内容的音乐作品，应运用不同的声音和音色。如：进行曲，应该表达得简短、迅速与铿锵有力，演唱者要运用激情、雄壮与坚不可摧的声音。再如：摇篮曲，多为温柔、舒缓，演唱者应运用柔美、甜蜜与较弱的声音。所以，根据作品的风格与内涵，演唱者要科学的运用声音，科学地表达歌曲的思想感情。

四、把握音乐作品的风格

如果演唱者在演唱音乐作品时不能准确地把握音乐作品的风格，只凭自己的好音质，只能把任何作品都表达得一成不变，只能让听众听了转耳即忘。如果演唱者把各种类型的歌曲都混淆在一起，就会使其演唱的音乐作品与原作品所表达的风格背道而驰。所以，演唱者应认真、准确地把握和理解音乐作品的时代背景、民族特征、地域风貌和人物特点，将作曲家的创作灵感和音乐作品的风格淋漓尽致的表达给观众，与听众产生情感上的共鸣。

五、体现作品的韵味

演唱者对声乐作品的“二度创作”是一个很丰富多彩的过程，一个成功的演唱者不但要准确地把握与领会歌曲的内涵与意境，同时，还要通过自己的“二度创作”，发现歌曲里潜在的内涵，而这些内涵有的时候是连曲作者都没有想到的元素。因此，声乐作品的作者是无法提供作品的韵味与科学的表达形式的，这些需要演唱者自己去细细地品味与创造。演唱者不但要熟练地唱会一首歌曲，而且要根据歌曲语言的风格与感情的要求，在一些音调的旋律音上补充一些装饰音，这样唱起来就会娓娓动听，就会脍炙人口。如果一首声乐作品能够惟妙惟肖地将其韵味体现出来，那么这样的声乐作品将会经久不衰。

六、对作品进行艺术处理

在我们在歌唱之前，不但要把握声乐作品的内涵、风格、意蕴，而且要选择科学的声音，并且将这些要素科学融入到声乐作品之中，然后就可以对声乐作品有一个科学的总体设计。总体设计包括：速度的快慢、音量的大小与伴奏的类型等。根据歌曲的结构、曲体、调式旋律的发展与变化，控制好层次。在声乐演唱中，我们不但要注意感情表达的准确性，而且要注意演唱的技巧性。演唱歌曲时，科学的发声虽然重要，但一些重点字、词、句往往是画龙点睛的部分，演唱者要在这些部分抒发感情，就要在咬字技术上下功夫。当然，由于每个人都有各自的性格特征与嗓音特点，以及对声乐作品的理解和感受不同，所以对歌曲的艺术处理也就不同。比如，歌唱家李谷一和雷佳演唱的《妹妹找哥泪花流》。我们就可发现两个人对声乐作品的演绎有着明显的不同，产生了两种不同的听觉效果。李谷一把《妹妹找哥泪花流》演唱得情真意切、如泣如诉，而雷佳则把《妹妹找哥泪花流》演唱得跌宕澎湃中带着质朴无华，有把观众的心“柔”碎的感觉。所以说每个演唱者都应在尊重原声乐作品的基础上，结合自己嗓音特点而对声乐作品进行特殊处理后形成的演唱风格。因此，艺术贵在创新而独具特色，而不是一味地去模仿他人。

另外，就是忘我的演唱。若要以歌声感动听众，就要先感动自己，使自己处于激情高涨的演唱状态之中。为了避免在演唱时紧张，我们就要在日后的学习中，多进行心理素质方面的锻炼。歌唱时要抛开脑中的私心杂念，将自己的声、心、思想融完全融入到歌曲中，以充满激情而又放松自如的状态进入演唱。只有情感得到了解放，才能得到自然而舒畅的声音效果，才能有更科学的情感表达。

综上所述，任何艺术作品都是艺术家对生活的观察、体验、思考、审美判断的结晶和情感的凝聚，可以说，没有感情就没有音乐，没有感情就没有艺术。作为演唱者，最高目的不是要将作品唱的多么好听，而是要通过自身的修养将作品艺术处理后，运用正确的声音和真挚的感情将它完整的演绎出来，赋予它新的“生命”、这样才能称之为科学的演唱。

【参考文献】

[1]李雷.浅谈声乐作品二度创作的实现途径[J].北方音乐，2011（05）.

[2]马千里.浅谈在声乐作品中二度创作的重要性[J].大众文艺，2012（06）.

[3]欧阳式建.浅论声乐作品中“二度创作”的准备[J].通俗歌曲，2014（02）.

浅谈声乐演唱“二度创作” 第4篇

关键词：声乐,二度创作,能力

一、充分分析准确把握声乐作品

在对声乐作品进行二度创作的时候, 首先, 要能够通过对作品本身的词、曲、谱的分析了解到作品想要表达的内涵。任何一个声乐作品的词和曲都是一个整体, 是密不可分的, 通过词曲的有机结合来让声乐作品更加有表现力。所以, 演唱者需要通过对词曲进行深度分析, 从创作风格、词曲内容中去了解到声乐作品背后的故事, 进而通过二度创作来将故事以新的方式呈现给听众, 引起共鸣。其次, 要对声乐作品产生的年代进行分析, 因为创作人在创作音乐的时候往往受到当时时代的很大影响, 所以要注意把握作品的时代背景, 通过对时代的特点的把握, 来进入到作品内涵之中。最后, 要掌握住声乐作品的表达方法。不论怎么样的音乐作品, 其内涵想要充分表达出来需要通过一定的表现方式来进行。所以演唱者要对作品的旋律、节奏等要素进行全方位分析, 领会作品的精髓。例如:想要表达情绪低落的作品, 就需要缓慢的旋律, 想要体现情绪激动的作品, 就需要有强烈的旋律来支撑。

二、体验作品在作品中寻找自我

对声乐作品的内涵进行深入分析是我们进行二度创作的第一步, 接下来第二部就是要反复的体验作品, 从不断的体验之中来找到自己的表现风格, 从而对作品进行在创作。

(一) 在体验作品的过程中发挥表演者的想象

声乐表演者拥有自己的独特的想象力是很重要的, 通过对作品的体验并同时发挥自己的想象来让自己有创作的灵感。每一个声乐表演者都有自己独特的表现形式, 都有自己的审美观, 通过不断捕捉声乐作品中的情绪关键点来不断提升个人的审美观和想象力, 并将自己的情感融入到作品进行二度创作, 这样一来, 二度创作的作品不再是单调乏味, 而是充满了丰富的情感。

(二) 在体验作品的过程中融入表演者自身的表演特征

声乐表演者在对作品进行体验的时候要学会保持自我并不断突破自我。将自我的特征融入到作品当中才能让整个作品有新的滋味在融入自我风格的同时要注意不能表现与原创相悖的曲风和内涵, 我们不难看到很多声乐表演者在对作品进行二度创作时, 将声乐作品演绎得跟原创完全相悖的时候, 整个声乐作品已经面目全非, 所以, 在进行表现的时候要注意整个作品不要与原创相悖。

三、运用演唱技巧来表现作品的内涵

声乐表演者善于运用自己的演唱技巧来表现声乐作品这也是声乐表演者进行二度创作的技能之一。首先, 声乐表演者在平时对声乐作品的练习时, 要不断的在进行发音吐字上下苦功夫, 要严格要求自己用准确、生动的词语和准确、合适的旋律来表现声乐作品的内涵。另外, 声乐表演者还需要学会运用不同的表现手法来对歌曲的情感、意境和风格等方面进行巧妙的表现, 准确把握住歌曲音调的强弱、节拍的准确度、咬字的清晰度等。同时, 在歌曲的行腔上, 要善于运用各种技巧来表现。比如拖腔, 声乐表演者就需要通过自己独特的演唱技巧来表现作品的词曲和作品的情感。同时, 还需要根据作品的情感、意境和风格等来对作品进行一个全方位的创作, 让歌曲变得有层次感并且有完美的艺术形象。当然, 在进行这一系列设计的同时要把握住作品的内涵是关键。

四、投入自身情感向欣赏者传递美感在完成对作品的体验

在二度创作过程中, 声乐表演者需要运用自己的演唱风格和演唱技巧, 除此之外, 还有一个很重要的就是要充分投入自己的情感, 这样才能让二度创作不失内涵, 让二度创作的美感更加强烈。首先, 声乐表演者除了可以运用唱腔、发音、旋律、节拍等来表现自己的情感意外, 还可以通过肢体语言等来辅助自己的情感, 这样一来, 二度创作的美感就会加强。比如, 在歌剧塞尔维亚的理发师里有一个选段叫《快给大忙人让路》, 它是当年在西欧歌剧史上著名的首演失败的作品之一。为什么呢, 因为整首歌给人的感觉就是幽默诙谐, 所以演唱者在表现这首歌的时候就需要强有力的表现力, 如果表演者不具备这样的表现力, 那么注定是失败的作品。所以我们能够看出, 不同的作品由不同的人演绎, 效果肯定是不一样的。

五、结语

通过以上分析, 我们能够了解到对声乐作品进行二度创作能够让声乐表演艺术更加有意义。当然, 作为声乐表演者, 在对作品进行二度创作的时候, 尊重原创, 把握二度创作的原则是非常重要的。声乐表演者需要不断提高自身的文化底蕴、个人修养、审美观和演唱技巧, 这样才能在进行二度创作的时候更加有效, 从而在进行声乐演唱的时候更加全面的体现自我。所以, 声乐表演者在进行二度创作的时候一定要认真的对声乐作品进行分析, 把握住声乐作品的时代背景和内涵意义, 通过分析原创作者创作的意图来把握住声乐作品的内涵, 并进行反复的体验, 从体验中发挥自己独特的想象、融入自己的情感, 同时充分的运用声乐表演的技巧, 这样一来, 通过全方位的结合来实现对声乐演唱的二度创作, 从而让声乐作品的二度创作更加有魅力。

参考文献

[1]雷倩.声乐演唱的二度创作研究[D].陕西师范大学, 2014.

[2]牛月莹.声乐作品演唱的“二度创作”探究[J].辽宁高职学报, 2010, 02.

[3]党宇娜.加强声乐演唱中的二度创作能力[J].大众文艺, 2010, 23.

二度创作 第5篇

1.音符

每部声乐作品的每个音符都是作曲家的心血,是他们心中情感的倾诉和流露.演唱者在进行二度创作时一定要认真对待每一个音符,因为它们是有着生命力的.不要随意添加,画蛇添足.

2.休止符

虽然不发声音,但是它的重要性不比任何一个音符差.休止符的作用主要是属于后面乐句的.在休止符的时值内是充满情感的,有时甚至比其他音符更强烈.唱休止符是声停情不断、无声胜有声,更需要丰富的内心情感方能表达好.

3.速度

速度在音乐中的作用非常明显,最主要的就是直接形成或影响音乐性格以及音乐的基本形象.一般来说,快的速度通常是和 、兴奋、欢快,紧张等情绪情感特征联系在一起,慢的速度则多与安详、抒情、忧愁、沉思等联系在一起.速度的适当掌握将有助于增强音乐的艺术感染力,但如果采用不恰当的速度,往往会破坏音乐形象.

4.节奏

每一部作品都一定会有它的节奏特点,节奏是音乐的支柱,乐感的核心,音乐可以没有音调,不用乐音,但永远离不开节奏.人类最初的音乐就是只有节奏或以节奏为主的.它能赋予旋律以鲜明的表情意义.节奏既要求准确,稳定,更需富有动感,充满活力.譬如:舒伯特《圣母颂》节奏舒缓宽广,音乐柔美婉转,约翰施特劳斯《春之声圆舞曲》节奏欢快轻捷,音乐充满了青春气息和盎然生气.

5.力度

就是音量,就是声音强弱的程度.轻重的程度,大小的程度,任何歌曲中,实际上或多或少,或显或隐,都会有力度的变化.不同的声音力度所体现的艺术效果是不同的,其在音乐表现上的一般意义是:力度越大,越使人感到音乐紧张性的增加,力度越小,则减少音乐的紧张性.在演唱时,要注意力度的合理分配,什么地方开始渐弱或是渐强,强弱是相对而言而不是绝

歌唱艺术类论文范文对的,强与弱只有在它们的互相对比中,方能得到体现.譬如:我们不能用唱《摇篮曲》的力度来唱《英雄赞歌》,也不能用唱《跑马溜溜的山上》的力度来演唱《红豆词》.

歌唱艺术职称论文撰写技巧

二度创作，给学生新的感受 第6篇

在现代音乐中，歌者们通过对经典歌曲进行二度创作，唱出新的味道而备受欢迎的不在少数。如《中国好声音》、《我是歌手》的舞台上，老歌新唱、重新编曲、再度创作确实成为了节目的看点和卖点。音乐旋律的共鸣、歌声牵引出的怀旧情绪，以及配器、伴奏中的新设计，这些加在一起，呈现出全新的面貌，让我们见识了歌曲二度创作的魅力。

每一首歌都有它独特的生命力，改变其中的任何一种音乐要素，都会引起音乐形象的变化。往往孩子们在学唱完原曲后还会对歌曲出现更深层次的创作需要，这种创作的需要便是我们可以利用的教学资源，积极发挥学生的创造性，对歌曲本身进行二度创作，让学生通过大胆创作把歌曲的思想内容，充分表现出来，实现歌曲教学的动态生成，这是对学生的音乐能力及创作能力的培养和提高。

一、速度节奏的创作

音乐的速度与音乐所表达的情绪、情感有密切的关系，同一首歌曲或乐曲，如果使用不同的速度来进行演奏（演唱），就会有不同的音乐形象，它所表达的情绪、情感也会有很大的区别，甚至是天壤之别。速度不一样的时候，抒情的可以变为跳跃、悲伤的也可以体现出欢乐来。我经常在歌曲教学后启发学生尝试着改变该歌曲的速度来演唱，让他们说出自己的感受。例如：《大鹿》这首歌曲，前半部分表现了大鹿悠闲自得的在家里看风景，后半部分则是小兔急切求救的场面。学生在演唱时都会感受到前后两种不同的气氛，因而歌曲演唱速度就会随之改变，前半部分是中速，后半部分则为快速。速度的改变令歌曲马上变得生动活泼起来。

节奏是音乐的支柱、乐感的核心。我们在掌握歌曲的节奏时，既要做到准确稳定，更需富有动感，充满活力。我们对某些合适的歌曲可以进行节奏和节拍的改编，以达到运用简单的手段来丰富音乐形象的目的。例如《草原就是我的家》，原来歌曲情绪是明快活泼的，表现了内蒙小朋友骑在马上在大草原上快乐地飞驰，学会歌曲后，我们可以对歌曲进行改编，改成3/4拍后，歌曲情绪马上发生了改变。三拍子的强弱规律有着旋转、摇曳的律动，天生就有舞蹈的性质，对于表现一些轻巧、优美、诙谐、田园、安详的气氛和情感是比较理想的选择。学生说他们感觉内蒙小朋友骑马累了在休息，也有说他们在夜晚的草原上看星星等。

二、力度的创作

对歌曲的力度处理是音乐表现的最重要手段。它可以表达丰富的情感，并造成音乐的对比和发展。通过力度变化产生的音响可以表达愤怒呼号、急风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果敢刚烈等强烈的情感，也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰爱抚、叹息抽泣、甜蜜幸福等内心的微妙感受，还可以表达空谷回声、黄昏钟鸣、高山流水、小溪潺潺等大自然的奇观美景甚至阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之，力度的处理是相当丰富的，可以说它是一种富有"魔力"的音乐要素，是音乐表现的重要手段。比如：在上《牧羊女》一课时，我们可以清楚的体会到力度的变化，以及力度处理对于音乐表现的意义。在这首歌曲中，力度记号运用的非常丰富，有p、f、PP、ff、渐强、减弱等，小羊那可爱、调皮、惹人喜爱的音乐形象在力度记号的处理下一览无余。如果没有力度变化处理，那么歌曲将是苍白无力的、更谈不上感染人的作用。

三、和声伴唱的创作

给歌曲加一点伴唱能大大加深学生对歌曲的感受和印象，使歌曲的形象更丰满、更有纵向的空间感。如《夜晚多美好》的教学，请个别学生领唱，其余的学生用哼鸣“m”或“lu”来伴唱，全体学生合作营造出的气氛让教师感动不已，学生明显非常地投入，而且相当动情，不用教师再多说一句话，歌曲所表达的感情已表现得淋漓尽致！学生一旦掌握了这种方法，在以后的音乐课上他们就经常用到，甚至用得相当有创意！

四、装饰音的创作

民歌是小学音乐教材中的一个重要内容，由于民歌起源于生活，并在生活的演变中不断地有所更新，它的记谱会有各种不同的版本。一般我们课本上选用的版本尽可能的简洁，让学生易于接受。教师可以引导学生根据自己不同的理解，对歌曲进行大胆的改造，使歌曲别具另一番风格。如《杨柳青》的教学，当学生能够熟练地哼唱出歌曲旋律后，根据民间的演唱习惯，教师又给歌曲的第一句加了几个波音，并让学生听辨哪一种唱法更好听、更富有民歌的风格。效果是非常明显的，学生对这种方法很感兴趣，还能够触类旁通地在歌曲的其他几句上也加上了适当的装饰音。对歌曲的改造非但没有破坏歌曲原有的感觉，唱起来反而更是韵味浓郁，颇具风格。

综上所述，对歌曲的二度创作在歌曲教学的过程中，其给学生带来的收获层出不穷。作为教师，我们不仅要尊重教材，也要不断地对教材进行挖掘和一定深度的思考，从中找到突破口，体现到教学中去，就能给学生以新的刺激和感受。创造性是一个人的本性，教师要给学生创设环境，给学生创造条件，提供正确的方法，使学生掌握对歌曲进行二度创作的手段，拿到学习音乐的金钥匙，让音乐课堂走入一个新天地！

剪辑——影视的二度创作 第7篇

关键词：剪辑,影视,二度,创作

近年来,随着国民经济不断发展,人民生活水平日渐提升,对自身精神层面的需求给予了更大关注。影视艺术作为一种集画面、声音等多元内容为一体的文化表现形式,在丰富人们生活、传递正确思想和观念等方面占据了非常重要的位置。其中剪辑作为影片制作的关键环节,其效果好坏直接影响影视作品的质量。现阶段,剪辑节奏以及蒙太奇理论在其中的运用,很大程度上丰富了剪辑体系,实现了对影视作品的二度创作,将更加优质的作品呈现给受众。因此加强对剪辑相关内容的研究具有重要的现实意义。

一、剪辑发展史背景

就技术层面来看,影视剪辑发展到今天经历了三个阶段。第一阶段是手工阶段,即无声电影,通过手工技术,对影视作品进行剪接。第二阶段是机器制作阶段,此时,进入到有声电影阶段,简易的机器代替了手工操作,能够对影片进行剪辑处理。[1]第三阶段是计算机制作阶段,上个世纪末,随着科学技术在各领域的渗透,专业人员加大了对剪辑技术的研究力度,并提出了非线性编辑,即数码剪辑概念。由此,电影观念、艺术手法等发生了深刻变化,正因拥有了技术的大力支持,使得影视剪辑艺术朝着更广的范围、更深的层次发展,为影视艺术创作提供了极大支持。经历了漫长的发展历程,剪辑在影片中的运用开始朝着信息化、现代化方向发展。

二、剪辑原理和蒙太奇理论的应用

对于影视作品的制作,剪辑在其中的应用,其原理是将影片制作拍摄获得的大量素材,进行选择、取舍及分解等一系列处理后,最终形成一个流程连贯、主题明确,且具有极强艺术感染力的影视作品。[2]蒙太奇理论,是指根据剧本、影片主题思想,分别拍摄多个镜头,然后将不同的画面有机、艺术地整合到一起,实现其连贯性,向受众传递思想。从本质上来看,蒙太奇就是电影艺术的表现方法。蒙太奇理论在影片创作中的应用,能够吸引受众注意力,将观众带入到影片当中,激发观众的主人公意识。现阶段,很多经典影片中都运用了蒙太奇制作手法,本文将以奥森·威尔斯的《公民凯恩》作为案例,对其中的蒙太奇手法进行分析和研究。

该部影视作品拍摄于20世纪40年代。无论是内容还是形式都表现出独特的新颖性。因此在世界电影史上占据非常重要的位置。详细来说,影片中经典的长镜头有很多,如片首拍摄凯恩庄园外景逐渐向里推,节奏缓慢、且稳定,当人们看到“禁止入内”的门牌,能够感受到复杂的心灵奥秘悄然开启。[3]而对于短镜头来说也具有独特之处。如苏珊在拼图时,导演采用了六个短接镜头,对不同的图画进行拍摄。这些长镜头、短镜头正是蒙太奇手法的运用。通过对画面的剪辑处理,能够让人们感受到影片所要传递的内涵。

另外,在声音方面也可以采用蒙太奇手法。如梅尔·吉布森的《勇敢的心》。该部影片描述了苏格兰民族英雄威廉·华莱士反抗殖民的事迹。影片时长三个多小时,其中三分之二以上的时间都是音乐,但是经过导演的剪辑和处理后,并不会让观众感到厌倦。如影片开头呈现的是苏格兰自然景色,此时主题音乐响起,导演选择的是民族器乐——风笛,带着观众了解故事发生的时空背景,增强观众的历史沉重感。音乐作为一种特殊的艺术表现形式,能够将人们内心中的情感充分表达出来。如影片中威廉在父亲葬礼上接受小女孩的鲜花时,背景音乐姗然到来,营造了浪漫、哀怨的氛围,使得观众能够感受到主人公失去至亲的感受。

三、剪辑节奏的建立是影片的灵魂

一部影片的创作离不开人物设定、情节表现及结构方式等多项内容。导演利用蒙太奇等手段,将人们的视听感受、心理节奏恰如其分地呈现出来,能够将创作主体、客观世界等有机整合到一起,提升影片的艺术价值。[4]从根本上来说,对于剪辑节奏的控制,能够给观众一种强迫的心理效应,且能够帮助观众对影片的理解产生一种重要的推动力。因此,剪辑结构是建立影片的灵魂。

叙事、图像及声音是剪辑节奏的主要构成。要想获得更加完美的影视作品,我们需要从影片的内部和外部节奏入手,准确地呈现出不同节奏强度,以此来增强影片的魅力。就前者来说,应关注故事情节发展,适当增加悬念,制作扣人心弦的紧张结构。另外,还可以强调对细节的处理,突出情感节奏。如《无耻混蛋》中,导演对主人公性格特点、内心表现、气氛渲染等进行了细致化处理,并采用了很多特写镜头,实现对影片节奏的高效处理。[5]而对于后者来说,应确保其能够与内部节奏相契合,立足于影片的基本素材,实现对影片的二度创作。现阶段,人们感知认知愈发强烈,加之关注自身精神需求,审美观念也朝着多元化、个性化方向发展。因此在剪辑过程中,可以借助现代数字技术实现对影片的创作。如MTV声电技术的应用,能够给受众视觉上的冲击,按照影片既定的节奏进行观赏。如《罗拉快跑》中,影片节奏张弛有度,观看后具有一种酣畅淋漓的感觉。综上所述,剪辑对于节奏的把握非常重要,也是影视作品创作的重中之重。

四、结合近期影片分析剪辑的风格走向

随着科学技术的发展,对于影片的剪辑将朝着更加多样的方向发展,形成前期、中期及后期三者高度结合的剪辑形式。非线性编辑具有较强的灵活性,能够对演员的走位、表演等进行剪辑,为后续影片的制作奠定了坚实基础,如《X战警》《美国队长3》等作品中引用了数字特技等,使得影片效果更加震撼。中期剪辑主要是运用摄像机运动轨迹映射至虚拟的时空当中,并配合数字绘景,使得时空表现更加逼真。如在战争片中,海战中追逐的战舰,为了将画面呈现更加真实,通过软件对参数进行调整,最终制造了手持拍摄的真实效果,给观众留下了深刻印象,赋予影视作品更强的生命力。后期剪辑则是对影片前期拍摄的不足进行有效弥补,丰富影片内容,且能够节省影视制作成本。综合来看,剪辑的风格走向将朝着更加多元、现代的方向发展。

五、结语

不可否认,剪辑在影片创作中占据的重要地位不容忽视。业内人员在对影片进行创作过程中,应明确认识到剪辑的关键作用,并立足于影片主题,采取科学、合理的剪辑手段和方式,采用蒙太奇理论,对影片各个元素进行重新调整和优化,形成优质的影视作品,提高影视作品艺术价值的同时,为观众呈现更加独特的视听盛宴,满足观众个性化、多元化需求,从而促进电影艺术更快更好发展。随着影视行业不断发展,我们还需要进行深入研究,创新剪辑技术,在提高剪辑技术水平的同时,丰富剪辑手段,为影视作品质量提升及艺术价值的实现提供更多支持与帮助。

参考文献

[1]汤文平.论指导性案例之文本剪辑——尤以指导案例1号为例[J].法制与社会发展,2013,(2):47-56.

[2]郑汉民.经典与现代的完美平衡——电影《逃离德黑兰》剪辑艺术分析[J].北京电影学院学报,2013,(5):40-47.

[3]郑汉民.碎片剪辑,动作剪辑的另一种可能——以《谍影重重》系列电影为例[J].北京电影学院学报,2012,(3):83-89.

[4]周新霞.现代电影剪辑思维的发展——从《保镖》到《贫民窟的百万富翁》[J].北京电影学院学报,2010,(6):63-70.

谈器乐演奏的二度创作 第8篇

演奏者的演奏水平亦是不可忽视的, 演奏者在正确理解作品情况下的再创作, 应该是直接体现作品内容的重要因素。

作曲家对作品的说明、解释, 是必要的, 尤其是在某些容易被忽视的方面做一些说明更为必要。但过于详细地说明也并不是永远有益的, 因为他限制了演奏员的再创作。那些反映作曲家个人特性的演奏意图, 不能强加于演奏者, 要让演奏者更有热情去深入到作品的思想艺术中去, 再创作、再体会, 可能会收到意想不到的效果。

作曲家的作品不同于画家的画作, 可以说它是通过演奏者和听众来双重解释的。音乐形象在时间上的不稳定, 也使其对演奏者和听众的个性作用特别敏感。人们常说演奏者是“媒介”, 在我看来, 不管他应该是个什么样的演奏者, 他的责任绝不仅仅是个简单的“媒介”作用, 他应该是能对作品作解释的再创作者。有人说作曲家才是一切, 他是拥有作品创作主权的主人, 而演奏员则是雇员。这话不对, 演奏员的任务就是让那些死板的音符复活, 让它们行动起来, 寻找自己的个性, 进而准确地表现作品的风格。旅行向导要向旅行者介绍沿途的风光, 而演奏员要用自己的技巧去为听众阐明那种模糊不清的东西, 清楚地揭示音乐作品的含义。音乐作品是作为现实的因素而生存着和发展着的, 这种发展主要是通过演奏来进行, 因此, 每一次创作性的演奏都标志着音乐作品生命的一个阶段。卓越的演奏者都力图最完满地表现出音乐的客观的成分, 深入到音乐作品的本质中去, 把它揭示出来。而作品的色彩和饱满的生机只有在演奏者的有魅力的支配下才能得以诞生。

作品的每次演奏, 都是独一无二的创作行动, 作品的美学价值只有通过演奏才能体现出来, 演奏必须要深入到作品的内容中去, 让作品的感情丰满起来, 这样才能感动听众。也有的时候, 演奏者把音乐作品曲解了, 就像同样的语言有时表达的意思不一样, 音乐语言中的音符, 也能发出各不相同的音响。演奏者每次演奏下来, 都会有一些新的感受, 每一次演奏都会向作品的深处探索, 也就会把作品的思想和作者的形象世界淋漓尽致地表现出来。演奏员文化修养的高低, 是他正确理解作品的基础, 修养越高就越能深入到作品的思想深处, 他的演奏的个性就表现得越发鲜明, 越富有特色。为什么演奏技巧同样高的人, 往往演奏的效果不一样?这里面就存在一个文化修养的问题, 文化修养直接影响到演奏员的再创作能力。所以, 作为一名演奏员理应加强自己的文化修养。还有一个不容忽视的方面, 就是演奏员的再创作必须围绕作品的中心思想内容来筹划, 要细心揣摩作曲家的意图, 不能主观臆断, 不能离开作品的精神实质去创作, 否则必然会走入歧途, 必然会使作品的艺术价值得不到应有的体现。一部音乐作品如果没有人感兴趣, 没有人欣赏, 那证明这部作品没有艺术价值。因为无论是作曲家还是演奏员都能从演奏成功中获得创作的喜悦, 听众的反应能证明作品是否成熟, 这对我们的再创作是有极大的帮助的。

演奏员的演奏是个再创作的过程, 如何认识这个过程是个值得思考的问题。有的人认为无所谓, 觉得我只要按照作品上的音符如实的演奏出来就可以了, 这是一种错误认识, 这样演奏出来的作品是死板的, 没有生命力的。演奏员的再创作必须建立在深入了解作品的思想内容, 领会其精神实质的基础上才能有活力。所以, 作为演奏员必须明确认识到再创作的意义和作用。

总之, 乐器演奏只有做到理智与情感因素的有机结合, 才能不断加强和提高演奏者的创造能力, 充分揭示作品的内涵才能在尊重原作的基础上反映自然社会。感情的科学创造才能使自己的演奏水平不断提高。

论声乐演唱的二度创作 第9篇

那么, 什么是二度创作?

凡不仅把谱子上的标记和基本情绪唱对, 而且在演唱中提示了作品深层内涵, 显示了自己与他人有别的艺术个性, 从而使作品因其演唱而增色的声乐表演都被称为二度创作。

如果说一度创作称为盖房子, 那么二度创作就是房子的装修, 也是演唱者所能够征服观众的重要手段, 尤其是声乐的二度创作就是在尊重一度创作、不违背原作者创作初衷的前提下, 融进个人独有的生活理解和艺术感知, 然后通过精湛的演唱技巧和富有感染力的声乐艺术形象, 将原创作品的广度和深度充分的演绎出来, 赋予歌曲以更鲜活的生命力, 使欣赏者得到美的遐想和享受, 更好的展现声乐作品的艺术魅力。所以, 学会如何为声乐作品进行二度创作对歌唱者显得至关重要。

那应该怎样对作品进行二度创作?

一、熟悉作品。

1、分析歌曲的时代特征和民族风格。每一首歌曲都有其显著的时代特征和思想反映着当时的时代变化。例如:革命时代的歌曲《闪闪的红星》, 《映山红》等反映了革命年代人们的思想感情。它们与当代的流行歌曲《双截棍》, 《七里香》等肯定有着截然不同的风格和思想差异。

2当拿到一首歌曲时, 先不要急于唱歌谱, 而应该将歌词反复朗诵几遍, 进行读字和分句。歌唱者一方面要表现思想感情的优美的歌声, 也要求要有清晰, 准确, 生动的读字和语言表达能力。只片面的强调唱准音符而忽略歌曲的读字和朗诵是错误的。

3、要熟读作品的曲谱, 唱熟曲调, 从而准确的把握作品的音准, 节奏, 速度以及乐谱中的各种标记符号等。在歌曲演唱中特别要注意的是节奏和速度, 就像人们说的那样:“节奏是音乐的生命, 速度是音乐的灵魂。”音乐就是运用千变万化的节奏, 声音的长短和强弱来表现生活的思想感情。因此, 如果不按照规定的节奏演唱, 就不可避免的损害到作曲者本来的意图, 从而歪曲了字的声音形象。

二、分析处理作品。

当我们对一首歌基本上唱会, 对其思想感情和形象有了初步的认识之后, 这时候根据歌曲的内容选择演唱手段, 并用演唱手段表达歌曲内容, 使其达到表现歌曲思想内容的目的。

1、准确把握歌曲作品的演唱风格。歌曲艺术的演唱风格, 是歌曲作品的艺术风格与演唱的艺术风格高度完美的统一的体现。这就要求演唱者在遵循作品风格的基础上, 进一步去探索, 通过自己的演唱表现出来, 达到作品分割与演唱风格融为一体。

2、选择适合歌曲风格的演唱方法。歌唱方法要为歌曲的风格表现服务, 它是对歌曲进行二度创作的基本原则之一。为了表达不同的艺术风格, 必须要在正确的发声基础状态上进行调整, 绝不能靠一味的模仿, 这样反而破坏了歌曲风格的表现,

3、要深入细致地研究歌曲的思想内容和歌曲的音乐曲调结构。调性布局与分析。每一首优秀的歌舞之所以能扣人心弦, 引起人们心灵上的共鸣。最重要的因素是歌曲所表达的思想主体与内涵和变化无穷的优美的旋律音乐, 随着音乐的情绪时而上扬, 节奏加快;时而低沉缠绵, 节奏缓慢。而不同的歌曲的调式, 调性和曲式结构也不相同。一般来说, 大调式的歌曲热情奔放, 宏伟明朗, 而小调式的歌曲抒情优美, 含蓄委婉。所以歌曲的调式, 调性不同, 那么它表现的情绪也就不同。

4、研究歌曲的处理。在歌唱中, 要注意歌曲抑扬顿挫, 缓急刚柔的变化。例如中国民歌《孟姜女》中, “过年关”共16拍, 单一个“过”字就占满了8拍, 所以有些人为了突出这一段孟姜女寻夫的急切心情, 用很硬的语气来演唱, 当唱完“年关”二字词, 还用很响亮的声音去唱“过”, 其结果往往是“过”字唱不足8拍, 而且与演唱所想要的效果相反, 没有突出该段所要表达的情感。所以, “过”字的处理应该是由强渐弱弱渐强强的过程。在技巧上, 气息可以随着音高的逐渐上动, 气息点下移;气息点越下移, 声音就越饱满, 振动幅度也就越大, 这样也更突出了作品的意境。

5、准确的塑造歌曲作品的人物形象。形象的认知和刻画

每一部歌曲都有明确的人物, 即抒情主人公, 且每一个人物都是该作品形成的线索, 只是这些人物在作品中没有名字。因此, 演唱者如要成功地演唱好一首歌曲作品, 就必须准确、深刻地了解、把握人物的音乐形象、性格以及与此相关的背景、情景。作品《钗头凤》, 讲的是陆游与唐婉的爱情受到当时封建制度的压迫, 最终有情人无缘的悲惨结局。因此, 陆游与唐婉分别写出了诗句《钗头凤》, 表达他们刻骨铭心的爱情。此外, 还有大家熟悉的作品《遍插茱萸少一人》, 借用的是王维的《九月九日忆山东兄弟》, 表达了九九重阳节一人独自在他乡不能与亲人欢聚的惆怅。

三、完善作品。

当我们把一首歌曲经过细致的研究刻画之后, 能用自己良好的声音生动地表现歌曲所蕴涵的感情, 使作品焕发生机, 与听者形成共鸣, 那么在歌曲的“二度创作”上可以说已经进入了完善阶段。

可以说二度创作赋予了作品强大的生命力, 不仅仅在于对歌曲进行二度创作的过程, 在于声乐表演中时时体现出来, 令我们感染和向往。

声乐作品的内涵广阔, 丰富又深邃, 而且音乐的内涵往往只可意会不可言传。正如作曲家圣桑所说:“音乐始于词尽之处, 音乐能说出非语言所能表达的东西, 使我们发现自身最神秘深奥之处, 它能传达出任何词语住所不能表达的那些印象, 心灵状态”。如演唱《又唱浏阳河》, 将开头到“千家万户都唱过”作为全曲的静点, 然后对浏阳河有一个大概的描述, 以平静、细腻为主;技巧上, 气息不需要太深, 音量不需要太大, 只要胸前点和声音位置点清楚即可。从“它染绿过湘江水”至“歌声飞遍全中国”, 将其作为全曲的转折点。从技巧上来说, 音乐流动性的加大, 胸腔振动的程度必然加大。也就是说, 胸前点与声音位置的距离加宽, 让气息充分振动, 在方法上有利于高潮点的准备, 情感上有利于高潮点的表达。从“浏阳河”到最后, 将其作为全曲的高潮点, 这既是全曲情感最浓的环节, 也是最能体现音乐张力的部分。从技巧上讲, 声音越高, 气息越往下沉, 尤其是“阳”字, 这个字的处理就是把口腔打开, 用齿前说y, 在软腭处说ang, 把韵归在ang上, 给足气息, 把声音充分透出去。这样, 不但声音统一、情感丰富, 也会给人亲近的感觉和如诗如画的境界。一个好的演唱者充分发挥自己的想像, 如同戏剧演员一样进入角色, 塑造出一个个鲜活的形象。

综上所述, 二度创作不只是一个作品的完成, 还要求在其原有的基础上要有演唱者对作品的独到见解, 并充分发挥出演唱者对作品的处理 (包括情感, 表演以及创作作品背景的了解) 。对于相同的作品, 不同的演员二度创作的意图和方法不同, 效果也不同, 这主要取决于演员的自身素质和能力。而二度创作, 其正确方向在于从生活的真实出发, 从作品的情感需要出发, 从自己对作品的正确理解出发, 并使其在演唱中加入自己的情感。总之, 优秀的音乐素养和个性特点, 将使作品更富于生命力和色彩。

参考文献

[1]《声乐学基础》石惟正著人民音乐出版社

浅谈歌曲的二度创作 第10篇

对于歌曲的再创作, 笔者认为可以从以下几个方面去把握:

一、把握作品难度, 选择适唱歌曲

我们大致可以把歌曲分成难度大的和难度小的两类。

难度大的歌曲指:1、音域较宽, 旋律起伏较大, 如《英雄赞歌》, 《江河水》、改编的《兰花花》和《孟姜女》等。2、情感表现丰富有变化、如《唱支山歌给党听》、《看天下劳苦大众都解放》3、情感表现内在含蓄, 如《怀念战友》《叫我如何不想他》等。4、风格鲜明突出, 如《故乡是北京》、《前门情丝大碗茶》《一湾湾流水》等。

难度小的歌曲的含义是:1、音域不宽, 如《康地定情歌》等。2、感情表现单一, 如《在那遥远的地方》等。3、情感表现直接, 如《咱当兵的人》等。

选择歌曲应该适合自己的音域范围, 如果选择了超出自己音域范围的歌曲, 势必难以轻松自在地歌唱, 既用不上自己所掌握的歌唱技能, 更谈不上去表现歌曲的情感。

二、熟悉作品内容, 展开丰富想象

要唱好一首歌, 首先要熟悉它、了解它, 将它唱准确。如果不能把歌曲唱熟, 要想准确地将它的内容风格表现出来, 是难以想象的。因此, 在学一首新歌之前, 我们第一步就是熟读作品, 从唱准和熟读词曲两方面入手, 直观了解词情曲意、基本结构、艺术特色等。熟读要达到两个目的:一是了解和熟悉原作的风格, 包括作品的时代风格、民族风格、地区风格、个人风格等, 以及形成这些风格的诸多因素, 如词作者的生活环境、生活经历、生活态度、个人特征、审美观念、审美情趣和对作品题材的处理手法与表现手法等;二是在了解和熟悉作品风格特点的基础上, 进一步从作品中去探索和琢磨:如何恰如其分地运用自己的歌唱技巧与艺术表现手法, 准确地表达作品的风格和鲜明地体现作品的时代特征与民族特征, 从而将作品的风格与演唱的风格融为一体。

演唱中, 在忠实地再现歌曲意境和内容的同时, 把个人对歌曲的理解和感受融在歌声中表现出来, 这就是一个艺术的创造过程。

接下来就是对歌曲在艺术处理上有一个整体的构思和布局。在对歌曲进行整体构思的艺术处理时, 首先要根据作品的思想内容确定演唱的基调, 即以什么情绪作为表达歌曲的基本感情。例如同属歌颂祖国题材的歌曲, 有以热爱之情的歌颂;有以崇高之爱的歌颂;有以思念之恋的歌颂, 也有以赞美之情的歌颂等。又如都属爱情题材的歌曲, 有表现爱的喜悦、欢乐、美好、幸福之情;也有倾诉爱的忧郁、哀怨、痛苦之情, 在整体构思的艺术处理时, 就要对作品的演唱基调做一个准确的定位。

在对歌曲进行整体构思的艺术处理时, 要根据作品的风格特点确定其演唱风格。例如先要看所演唱的作品是属颂歌还是进行曲, 是抒情歌曲还是叙事歌曲, 是谐谑歌曲还是讽刺歌曲等。只有弄清了作品的个人、时代、民族等风格, 才能在整体构思的艺术处理时, 对作品的演唱风格作一个准确的定位。

在对歌曲进行整体构思艺术处理时, 还要根据作品描绘的情景确定演唱的意境, 就是说演唱者是在一个什么特定的意境中抒发歌曲的思想情感的。例如, 唱王世光作曲、胡宏伟填词的《长江之歌》, 脑海里要有万里长江奔腾不息、一泻千里的壮观画面。这样的画面会让你产生一种高歌赞美的欲望。只有“身临其境”、充满激情地去演唱, 才能展示出长江的恢弘气势。

三、把握作品风格, 用好演唱技巧

由于歌曲的风格各不相同, 在演唱时的咬字吐字也应各有特色。通常在演唱激昂有力的歌曲时, 咬字吐字应该结实有力。演唱节奏欢快、情绪热烈的歌曲时, 吐字有轻快、敏捷, 又要出口分明, 字字清晰, 不能拖泥带水;而唱一些委婉、深情的歌曲时, 咬字则应该柔和、连贯等等。

字的咬法分:硬咬和软咬。在情感比较强烈的歌曲中, 要硬咬字、刚发音。咬字发音时口咽腔的部位比较集中、突出, 动作感觉比较硬, 字的头腹尾转换的过程比较快, 歌曲线条的棱角比较大, 声音以刚为主, 如《怒吼吧!黄河》等。在情感内在含蓄的抒情歌曲中, 要软咬字、柔发音。咬字发音时口腔的动作感觉比较绵缓, 字的头腹尾转换的全过程比较慢, 字音衔接圆润轻柔, 歌曲线条没有棱角而滑润细腻, 声音以柔为主, 如歌曲《边疆的泉水清又纯》等。

有时巧妙地运用吐字、咬字能收到很好的效果, 例如字头喷口的运用, 往往极能表现出感情的强烈程度。如陕北民歌《兰花花》中有一句“你要死来你就早早[死]”, “死”字的声母 (字头) 是“S”, 就可以有力、夸张地利用“喷口”吐字的技巧, 充分表现出兰花花对地主猴老子的仇恨。

细腻、流畅的行腔犹如歌曲的肌肤。“唱曲之妙, 全在顿挫, 必一唱而形神毕出, 隔垣听之, 人之装束形容, 颜色气象, 及举止瞻顾, 宛然如见, 方是曲之境界”。

我们在唱每一首歌时, 应对它的行腔的抑扬顿挫作一番研究, 合理安排各种强弱音, 使演唱有起伏, 层次鲜明, 还可运用哭音、漱音、滑音、颤音等等来丰富演唱的行腔。

四、把握作品力度, 充分演绎情感

力度是音乐中音响的强弱程度与变化。歌曲中的力度与歌曲的内容和情感有密切的关系, 它是演唱者表达情感和塑造音乐形象的有力手段。在演唱中运用声音力度的变化, 能塑造各种不同的音乐形象, 表达各种不同的情绪与情感。一般表现强烈的情绪时, 多用较强的声音, 表达温柔的情绪时, 多用较弱的声音, 但有时用弱音表现强烈的感情往往比强音更生动、更感人、更深刻。

歌曲中常见的力度标记有:MF、F、FF、FFF、P、MP、PP、PPP等, 力度越大越增加声音的强度和音乐的紧张性, 力度越小越减少声音的强度和音乐的紧张性。例如《嘉陵江上》 (端木蕻良词贺绿汀曲) 是一首创作于抗日战争时期的佳作, 歌曲表现了中国人民保家卫国、奋勇杀敌的必胜信念。在歌曲的第二段中的“我必须回去”至结尾标明了从MFFFF的力度变化。在演唱时, 充分地运用声音与情绪表现出这三个不同的层次的力度变化与对比, 不但使激奋的情绪逐次递增, 将歌曲推向高潮, 而且以强烈的戏剧性抒发出收复失地的决心。

五、把握作品结构, 唱好歌曲高潮

歌唱艺术最本质的是唱出歌曲作品的思想感情, 而歌曲感情发展的顶峰就是高潮, 为展现作品最强烈的感情顶峰, 就需要用突出高潮的的艺术处理手法。歌曲中的高潮是作曲家对各种表现手法分别使用或综合运用造成的结果, 常具有音区高、节奏宽、时值长、力度强的特点。

高潮在歌曲中, 常以下面几种情况出现:

(1) 高潮在歌曲的结尾处或接近结束的地方出现。这种情况在歌曲中比较常见。如《玛依拉》最后“哈拉库拉依拉呀拉, 啦啦啦, [啊]”。《松花江上》“才能[欢]聚在一堂”。

(2) 高潮在歌曲的中间。有的在四分之三处, 有的在五分之三处, 等等。如《绿树成荫》在第39小节处 (全曲是52小节) ;《我爱你》 (贝多芬曲) 在第3031小节处 (全曲是41小节) 。

(3) 没有高潮, 这类歌曲也较多见。旋律只是微微起伏, 无大的波动和高潮。如《摇篮曲》 (舒伯特曲) , 《二月里来》 (冼星海曲) 。

(4) 有一个以上的高潮。在演唱多高潮的歌曲时, 要分清主次。无论主高潮在前, 次高潮在后, 还是次高潮在前, 主高潮在后, 要首先突出主高潮。如《清晰的记忆》“激动的泪花呀, [泪]花呀”, 其中“泪”为次高潮;最后“来自[伟大]的七月一”, 其中的“伟大”便是全曲的主高潮。

演唱高潮的方法多种多样, 大体可以根据歌曲的不同而分为以下几种: (1) 、渐进式演唱者的感情和声音力度可随着乐句的渐进式逐渐加强, 直接到高潮。如《嘎达梅林》“南方飞来的小鸿雁啊, 不落长江, 不起飞。” (2) 、突发式演唱突发式的高潮, 往往在情绪上是因为需要一种强烈对比。如《我亲爱的爸爸》“那青年英俊美丽”, 以八度大跳表现剧中男女强烈的爱情。 (3) 、“突然切住”式这种唱法是在高潮中戛然而止, 富有强烈的感染力。如《祝酒歌》 (施光南曲) 结尾“咱重摆美酒啊, 再相会”。此外, 还有两种比较特殊的高潮演唱方法:A、花腔华彩中的高潮主要是女高音花腔歌曲中的华彩段落, 是为了渲染欢快或激动的情绪而设置的。有时有字, 有时无字, 以“啊”为主。演唱这种高潮, 要求充分发挥花腔的音色特点和灵巧、快速的技巧。如《好妈妈》 (波兰民歌) 后的花腔唱段。B、高潮的弱声唱法这是歌曲中的较为特殊的处理, 有时可以把感情表达的更深刻、更强烈。如《索尔维格之歌》结尾“啊”, 就是用的弱声唱法, 表现出思念的情深意切。

结束语:

“唱曲之法, 不但声声宜讲, 而得曲之情为尤重”, 歌唱者要演唱成功, 除了应具备一定的技术技能外, 还必须在艺术表现处理歌曲上大做文章, 也就是对歌曲内容、风格、力度和结构等的细心剖析, 在准确地把音乐的节奏、速度、音准、音势, 语言的吐字、字调、句法所形成的高低起伏, 快慢松紧综合表现出来的基础上, 还要“赋之灵魂“, 才能化歌唱者为文人, 才能变“死音”为“活曲”, 使演唱曲尽其妙。

参考文献

[1]李晋玮, 李晋媛.《沈湘声乐教学艺术》[M].北京:华乐出版社, 2003.

浅谈声乐作品的二度创作 第11篇

[关键词] 速度；节奏；音准设计；背景分析

【中图分类号】 J61 【文献标识码】 A 【文章编号】 1007-4244（2013）12-338-1

演唱者在进行声乐的二度创作之前，應该了解二度创作的一些基本原则 。作曲家创作作品的过程我们叫做一度创作，二度创作应该在一度创作的基础之上进行。因此，在进行二度创作时，首要原则就是要尊重一度创作的“作词与作曲”不能随意的去更改，即使更改也要以一度创作的基本内容与思想内涵为原则，切不可出现与一度创作思想相反的大篇幅更改；其次，二度创作要尊重一度创作的时代背景、作品风格。处在不同的时代，作曲家的创作也会受到当时时代背景的影响，从而也会影响到作品风格。

一、选择适合自己的作品

在选择歌曲时，一定要选择适合自己的音域，并且在自己的能力范围之内。比如由于右任诗、陆在易曲的《望乡词》中“呣”的那几小节，需要演唱者以弱音的效果去演唱，并且音的时值也比较长，所以，对于演唱者的歌唱技巧和气息要求都比较高。如果演唱者的能力不够，在这里很可能会出现破音或者乐句之间不连贯的情况，从而导致二度创作的失败。由此可见，想要进行完美的二度创作，第一步就是要选择自己能力范围之内的作品。

二、把握好作品的感情基调和风格

当演唱者拿到了新作品时，首先要熟悉作品的词曲作者。把握好整个作品的感情基调和风格。其次是旋律、歌词。比如对由张寒晖作词作曲的《松花江上》进行再创作，首先我们要了解词曲作者张寒晖，张寒晖（1902～1946）革命音乐家。其次是作曲家创作时所生活的时代背景，1931年9月18日，日本关东军进攻东北三省，而张学良却消极对待，致使老百姓家破人亡，有家不能回的状况。正是在这样的背景下，革命音乐家张寒晖谱写出了反映当时广大东三省甚至是全中国人民共同心声的声乐作品《松花江上》。

三、分析作品、做好谱面上的音乐表情记号

把握好声乐作品的感情基调和风格后，就应该仔细的分析谱面。个人认为，这是二度创作中最为重要的一个环节。笔者认为分析谱面大致可以从以下几个方面来进行。

（一）速度。任何一首音乐作品，不管是声乐作品还是器乐作品作曲家通常都会给一个特定的速度标记，但是谱面上所给的速度标记演唱者可以根据对作品的理解进行小幅度的调整。比如中速，每分钟拍数为88拍，如果演唱者感觉作品比较严肃、庄严的话可以把速度调整到中速的下限，或者感觉比较急切的话，可以将速度调整到中速的上限，但切不可将中速调整到慢速或快速。否则这就违背了一度创作的原则。

（二）节奏。除了把握整体上的速度外，个别地方的节奏更应该值得演唱者去考虑。二度创作最大的敌人就是完全按照谱面上的节奏去进行演唱，那样唱出来的歌曲时是没有生命没有灵性的。演唱者对于中国的古代音乐作品和民间音乐要格外谨慎的去进行二度创作。

（三）旋律。在声乐作品二度创作当中，首先是要把旋律唱准，然后才能考虑如何让旋律更加的好听。现在大多数演唱者都是依附于钢琴在学歌。但钢琴是为十二平均律乐器，每个半音之间都是100音分值，如果演唱者这样去进行演唱的话，所唱出来的声音会过于古板。对于声乐独唱，它只是一条单旋律，更适合它的是五度相生律，需要演唱者进行“音准设计”。

（四）语气与力度。在做好以上三点后，演唱者需要把具体的作品呈现到听众的耳朵里，用什么样的力度与语气去演唱这也是演唱者需要注意的一个问题。一首很抒情的歌曲演唱者就不能用戏剧的语气与力度去演唱，那样只会破坏了歌曲原有的意境。比如由易茗词、赵季平曲谭晶演唱的《远情》，歌曲刚开始，给人的感觉就是在诉说。因此，谭晶清唱时，利用气息先把音乐送出去然后再慢慢收回来，让听众的脑海里形成更多的联想和想象。再比如说由宋代苏轼词，青主曲莫华伦演唱的《大江东去》，其中有句歌词“故垒西边人倒是…….”如果按照乐谱原来记谱来演唱，就凸显不出歌词的语气，因此，莫华伦在演唱时，将“是”这个歌词稍微延长了一会，从而突出歌词的语气。

四、多听声乐名家与他人的再创作

每个人对声乐作品的感觉不同，因此，对于声乐作品的二度创作也各不相同，但是声乐名家之所以能够成为名家是有一定道理的，他们能够被人们熟知便是因为他们的二度创作被人们所接受，所喜爱。而声乐的再创作就是要在相互借鉴的同时融入自己对于作品的理解，从而达到自己想要追求的那份完美。

总的来说，二度创作就是要在一些细小的方面去进行再创作，作曲家的一度创作已经大致把歌曲的风格、意境等确定下来了。演唱者的二度创作就是要通过改变一些小的细节让歌曲的风格更加风格化，意境更加意境化。同一首歌曲不同的人去演唱，给听众留下的印象是各不相同的，只要演唱者能够全身心的去进行二度创作，给听众留下好的联想和想象，能够引起听者的共鸣并给听者带来正能量就足够了，也就达到了二度创作的目标。

参考文献：

[1]石惟正.声乐学基础[M].北京：人民音乐出版社，2002.

[2]王宏建.艺术概论[M].北京：文化艺术出版社，2010.

[3]刘忠，薛松梅.中国音乐史[M].兰州：兰州大学出版社，2010.

声乐演唱的二度创作初探 第12篇

一、对作品的创作背景、作者创作初衷与作品的民族风格进行深入了解

声乐演唱中,演唱者要了解作品的创作背景,领会词曲作者作品创作的初衷所在,对歌曲作品中的民族意蕴给予尊重,只有如此,才能更好地进行二度创作。

1. 了解作品的创作背景

演唱者在进行歌曲个性化演绎和诠释过程中,必须把握一个度,即最大程度地保持对原创歌曲的尊重,因此,作为演唱者而言,首先应当对词曲作者的生活背景做到详尽地了解,其次,必须对该首歌曲作品的创作背景形成完整认知,唯有如此,方才能够在对歌曲作品进行二度创作过程中确保对演绎歌曲的主题不至于发生偏移。如演唱冼星海的作品《在太行山》,就要了解作品当时的创作背景,在得知背景之后根据当时的历史背景来融入自己的情感,才能进行二度创作。

2. 领会词曲作者作品创作的初衷所在

演唱者在对歌曲进行演绎之前,应当充分领会词曲作者的创作意图。任何歌曲作品的问世,必然承载了词曲作者凝结于其中的真情实感,考虑到演唱者同词曲作者的经历、角色不同,因而二者难免在对词曲内涵的见解层面存在显著的差异,有鉴于此,演唱者应当认真从作品中洞悉和探知词曲作者的真实创作意图,如此方能在二度创作过程中实现对作品主旨的完美诠释。《天路》这首曲子是在青藏铁路通车的背景下创作出来的。由于西藏人民把青藏铁路形容是共产党为藏族人民修的天路,因此作者就把歌曲的名字定为《天路》。了解到这些,才能懂得如何把握作品。

3. 对歌曲作品中的民族意蕴给予尊重

在演唱者对民族歌曲进行演绎之前,应当对作品中所承载的民族意蕴加以尊重,并体悟作品中所寄托的深厚民族感情,如此方能在歌曲演绎过程中彰显出鲜明的民族音乐特质。因此,我们强调二度创作是表现时代精神和思想的艺术实践,它必须在尊重一度创作的前提下,从历史背景、时代风格等方面把握作品的特点。以当代人的审美意识,发现作品中新的元素,以新的时代风貌对音乐作品加以扩充与丰富,进而使歌曲作品焕发出卓越的艺术生命力和感染力。

二、注重演唱技巧的运用

演唱者在进行歌曲作品演绎过程中应当遴选正确的演唱技巧,也就是说,只有演唱者运用正确的演唱技巧实现对歌曲作品的演绎和诠释,方才能够将作品的魅力呈现在世人面前。钢琴大师霍夫曼曾说过:“艺术上的自由需要有充分地运用技巧的能力。”因此,只有把扎实的歌唱技术技巧融合到深刻的艺术表现中,在二度创作时才能更加自由,才能给人以美的享受,展现动人心弦的精神内涵。因此,,演唱者在进行声乐作品演绎过程中,不但要采取正确的演唱技法实现对作品的完美诠释,还应当结合作品所承载的情感、内涵,遴选最能够展示作品艺术感染力的演唱技巧,将声乐作品的艺术之美奉献给听众,唯有这般,才能够确保演唱者在进行二度创作时实现对声乐作品艺术魅力的最佳展现。

三、注重想象与联想的运用

演唱者在进行声乐作品演绎时,应当借助想象与联想的方式,实现对作品内涵的精准理解与艺术升华,通过这样的方式,将使演唱者所二度创作的声乐作品更具生命力和艺术力。可以说,如若一个演唱者具备了丰富的想象空间,则他对作品的艺术形象塑造,即音乐的内涵就越清晰,演唱表演者对音乐作品的情感体验离不开想象,同时也能够使听众感同身受地体验到作品的独特艺术魅力。

以《加罗的婚礼》中的咏叹调《求爱神给我安慰》为例,演唱者在进行该咏叹调的演绎过程中,应当结合作品中的人物,展开充分地想象,进而诠释出伯爵夫人紧张的内心,使听众的情绪被歌剧中的人物命运牢牢吸引。可见,要想充分发挥联想和想象在声乐演唱表演中的作用,演唱表演者的情感体验与生活体验的积累至关重要。一个优秀的歌唱家应该具有观察敏锐、热爱生活、爱好广泛、善良真诚等优秀品质,而且不断地丰富自己的形象感受和生活经验,要善于通过各种途径,形成生动的内心视像,以供演唱时随机提取出来,并将其储存在自己的记忆库中,最终便收到生动感人的艺术效果。

四、注重旋律上的再加工

任何词曲作者对于其所创作的作品无能为力的是,无法为作品设定韵味,而只能由演唱者在用心揣摩后方才能够精准地体察和把握作品的韵味。好的歌唱并不满足于曲谱中所记下的音而必定会在音外的腔上下工夫(腔也就是韵味),并用得恰到好处。

在你能够熟练地演唱一首歌曲之后,便会结合歌曲的词曲以及演唱歌曲时的不同心境,在演唱过程中自然地添加入其它音符,从而让作品更富美感,此即独特地韵味所赋予歌曲的感召力。

台湾歌手迪克牛仔相貌普通,原创作品也较为鲜见,然而却在海峡两岸拥有一大批忠实的拥趸,其为何能够在流行乐坛占有一席之地?台湾流行乐天王周杰伦,批评者指责其吐字含混,难以从其口中听清歌词,可是为什么他自出道以来一直大红大紫到现在被称为通俗歌坛小天王呢?原因只有一个,就是他们的演唱都有自己的风格,自己的“味”。他们在吸收别人优秀东西的同时加入了自己的东西,换句话说他们是在创新。万事万物若要发展向前就必须要有创新。

综上所述,演唱者在对歌曲进行二度创作过程之中,必须沉下心来,去体悟词曲作者的创作本意以及歌曲中所承载的真情实感,唯有这样,方才能够在歌曲演绎过程中,将歌曲作品的艺术魅力展现给广大听众,使听众在一曲听罢之后久久难以忘怀。

参考文献

[1]徐承跃.关于对歌唱二度创作问题的思考[J].山东教育学院学报,2006(2).

[2]刘振华.再谈声乐作品的二度创作——针对不同风格歌曲的演唱谈二度创作[J].北方音乐,2014(7).

[3]吴李红,向琛子.浅析对声乐作品的选择及二度创作[J].音乐探索,2011(2).

[4]辛杰.浅析声乐作品《你是这样的人》在二度创作中的情感处理[J].群文天地,2011(18).

[5]熊念桃.论声乐表演艺术中二度创作的重要性[J].华中师范大学研究生学报,2008(1).

[6]周丹.歌曲二度创作中声乐技巧的运用[J].浙江万里学院学报,2007(2).

[7]王硕.关于声乐作品的二度创作——如何演唱新作品的几点提示[J].民族音乐,2007(2).