巴洛克时期范文

巴洛克时期范文（精选10篇）

巴洛克时期 第1篇

在音乐上, 音乐家们通过探索与创新, 使音乐艺术具有了新的生命力。这个时期音乐方面的主要成就及发展特点有以下几点。

1、歌剧的诞生。

歌剧最初是在意大利产生, 随后逐渐遍及到了欧洲各国。最初的歌剧中, 以朗诵式的宣叙调为主, 器乐主要起声乐的陪衬作用。后期那不勒斯乐派的A·斯卡拉蒂将歌唱技巧提高到一个新的高度, 确立了管弦乐队的编制, 并且确立了以快慢快为速度顺序的意大利序曲, 这奠定了后来交响乐结构的基础。

2、大小调式的确立。

巴洛克音乐, 调性取代调式。自中古以来的教会调式, 主要以音符的排列方式来决定曲调的性格, 也是横向思考的一种表达。在巴洛克早期开始出现以三和弦为基础的调性写作, 以各种大, 小调的和声特色, 表现乐曲个性。而调性系统的蓬勃发展, 给音乐表现带来无限的变化可能, 奠定往后三百年音乐的基础。另一方面是配器的均衡完美, 文艺复兴时期许多种乐器的发展还不完善。因此乐团的音色不是很协调 (除非是同一种家族的乐器) , 音乐的对比, 以音色、音量为表现方式。到了巴洛克时期, 乐器的发展已经相当成熟, 尤其是提琴家族的乐器, 可以发出足以和管乐器抗衡的洪沛音色。

3、声乐、器乐走上了各自独立的道路。

在文艺复兴时期, 合唱曲仅有少样的乐器伴奏, 甚至没有伴奏。即使乐器有登台露脸的机会, 也是重复某一个声部的旋律, 担任强化工作而已。纯粹器乐经常被演奏的只有舞曲等民间音乐的范畴了。还有人认为真正的音乐或能代表音乐的是那些有歌词的声乐, 是歌剧的咏叹调, 是庄严的弥撒或康塔塔, 器乐只不过是为了消遣, 为了娱乐, 尽管在实践中一些声乐作品早已包括了器乐的原则, 一些器乐作品也已初登大雅之堂, 单并没有真正独立与声乐艺术。然而随着巴洛克时代歌剧和宗教音乐的大型化, 戏剧化, 器乐所占的地位越来越重要了。例如歌剧、神剧等开头都会有纯器乐的序曲, 其间的伴奏, 也脱离重复声部旋律线的陪衬地位, 成为不可省略的独立部分。使声乐与器乐开始走向各自独立发展的道路。

4、现代和声体系的确立。此时期的法国作曲家拉莫与1722年发表的《和声学教程》, 总结的在他之前的丰富的和声实践, 把和声学归纳成以三度音程叠置的功能体系为基础、的、由原位和弦与转位和弦构成的功能体系——这就是古典或经典和声学的最基本特征。并提出“旋律来自和声”的理论, 实际上是提出了一个新兴的、器乐的主调音乐的美学原则。

5、十二平均律发现与实践。西方在此时发现了十二平均律, 而且巴赫在他的键盘音乐创作中, 对律学实践上也有突出贡献。拉莫和巴赫的实践共同标志了:在音乐艺术诞生数千年之后, 乐器的音乐成熟了, 从而结束了歌唱的音乐独霸的历史, 而且乐器的音乐又反过来强烈地影响了歌唱的音乐, 使音乐艺术的整个面貌发生了质的变化。

相比我国明, 清时期, 的是中国封建经济获得高度发展的时期。明中叶以后, 资本主义因素开始萌芽, 但在封建制度的严重束缚下, 发展缓慢。在民族政策方面联合了汉族地主阶级, 以压制汉族人民, 制造汉族内部矛盾;采取民族歧视政策, 由满洲贵族掌握政治实权, 只让满洲贵族、汉人地主、蒙古王公担任政府高级官吏。经济方面, 农民起义, 打击了旧地主阶级, 使清初的农业生产暂时得到恢复, 手工业也得到发展。但清政府害怕市民阶级抬头, 却采取了抑止市民的政策, 对正在萌芽的资本主义生产, 起了摧残和阻碍的作用。文化方面大力提倡程、朱理学和八股文, 大量篡改和禁毁书籍, 大兴文字狱, 迫害进步文人, 又鼓励文人钻进纸堆里, 去进行为考古而考古的工作。音乐上, 清政府及其御用文人, 大力提倡《雅乐》。在音乐理论上, 复古保守思想, 表现极为突出。

明末清初中国民族民间音乐的音乐成就及发展特点:

1、作为舞台性综合艺术的戏曲音乐由于受宋元杂剧、南戏的影响, 明清时戏曲艺术有了更繁荣的发展。比如新四大声腔的确立, 剧种的丰富, 剧目的增加, 表演家流派产生。

2、器乐独立于声乐。民族器乐最初也是担任其他民族民间音乐的伴奏作用, 即使是比较独立的情况下, 还是具有综合性较强的倾向。例如, 用民族器乐, 模仿戏曲人声的唱腔。

3、曲式体系模糊。

板腔变化体有四种方法:旋律润饰、结构变化、放慢加花、借字。这都是在原曲调的基础上的变化。具有一定的程式化。

曲牌连套体中把一个个完整的曲牌按照艺术表现的需要组合在一起。一个曲牌可能有着无数种变异, 但不是变奏也不是加工改变。因为它不是以保留、重复、装饰、发挥原有主题的原有乐曲为其主要任务, 而是根据所表达的新内容的需要, 采用一个曲牌形式, 参考其原曲, 作自由的处理。它与原曲的关系, 若即若离。处理非常自由。改变的幅度可大可小, 总之, 以能表达其所需内容为目的。

4、十二平均率的发现。

明代农业和手工业的发达, 促进了自然科学的发展。

我国早在日本、西方之前半个世纪左右, 朱栽育就发现了十二平均率。然而, 由于西方有钢琴、管风琴之类的键盘的乐曲, 他们是抱着在这类乐器上采用的目的而研究的。因而立即将其应用于实践。而在中国, 尽管发现的早, 由于并不具备可付诸实践的乐器, 因而只能作为是一个数理方面的问题, 没有实质性贡献。

5、传承方式还是以口传心受为主。

这是由中国传统音乐的民间性传播决定的。乐谱一般很少使用, 多半只起辅助和备忘的作用。

从以上比较中可以看出, 欧洲大文化中科学技术、数理的影响导致其音乐创作行为的精确性。而且理论的有效总结, 使一度创作与二度创作分家, 形成了作曲家体系。我国音乐技术的专业化不及欧洲, 很多民间艺人, 都是自生自灭的生存状态;因此中国传统音乐没有走向欧洲意义上的作曲家音乐体系。其一、二度创作混淆, 导致一种以表演家为创作主体的表演流派音乐体系。而形成忽略创作个体环节的表演家体系, 其主要原因就是在创作的手法上。试想, 程式化现象是大量使用原有音乐框架的变奏、加工式创作;曲牌连套体是拿已存在的曲牌拆零、取整重新编排、组合。在这种情况下, 等于每首新乐曲中都留有大量旧的痕迹, 那么, 创作成果究竟该算谁的?也就是说, 创作的个体环节如何显示?显然, 只能走向以表演家为创作主体的表演流派音乐体系。

摘要：巴洛克时期是复调音乐向主调音乐过度时期, 这一时期的音乐继承了中世纪以来复调音乐的理论并有了新的发展, 另外和声理学也在此时诞生, 而且此时期曲式的发展也奠定了西方音乐以后的发展基础。本文除对这一时期的音乐理论的发展作以梳理外, 还和中国同时期 (明末清初) 的音乐理论作以比较, 试从音乐理论方面分析中西音乐的差异。

关键词：音乐成就,发展特点,作曲家体系,流派体系

参考文献

[1]缪天瑞, 音乐百科词典[M].北京:人民音乐出版社, 1998.

[2]缪天瑞.中国音乐词典[M].北京:人民音乐出版社, 1992.

[3]保罗·亨利·朗.西方文明中的音乐[M].贵阳:贵州人民出版社, 2009.

巴洛克时期的钢琴音乐论文 第2篇

巴洛克时期的钢琴音乐论文【1】

摘 要：巴洛克时期在西方音乐的发展史上占有很重要的地位。

它为后来的钢琴音乐风格打下了坚定的基础。

阐释了巴洛克的概念，通过对巴洛克时期音乐创作，音乐风格，音乐体裁和音乐奏法上来论述巴洛克时期的音乐特征。

关键词：巴洛克 音乐特征

17世纪到18世纪上半叶的音乐发展时期，被称为巴洛克时期。

巴洛克音乐是指在文艺复兴之后兴起的，在之后很长一段时间流行的音乐，是通向古典音乐的桥梁。

巴洛克(Baroque)一词来源于葡萄牙语“Barocco”，意思是形态不够圆或不完美地珍珠，最初是建筑领域的术语，一复杂迂回的曲线形状，夸张地纹样形式和华丽的造型去表现动感和情调。

后逐渐用于艺术和音乐领域。

如果把文艺复兴的美学规则比作浑圆的珍珠，那巴洛克的美学规则就是形态不规则的珍珠，这也是为什么用巴洛克这个词语来形容这一时期，。

它反对文艺复兴时期的庄严、四平八稳、统一协调的艺术风格，崇尚奇特精雕细镂的风格。

巴洛克时期的音乐在这一时期得到了迅速发展，推进了整个西方音乐发展的历程。

器乐曲和声乐曲同时得到了发展，特别是古钢琴在这段时期得到了很大的提高和发展。

为钢琴之后的发展奠定了基础。

巴洛克时期，贵族掌权，乐师都为宫廷、教堂服务，他们所创作出的绝大部分的作品是为了取悦上流社会。

而宫廷音乐在这段时期占最主要地位，为了显示宫廷的富丽堂皇、贵族的奢华，宫廷乐师创作出的音乐都有着精致细腻和华丽的风格。

这一时期崇尚的美学观点是“情感论”，即音乐的目的在于直接引起听众或观众特定的情感，所以作曲家普遍强调作品的情感起伏，使用各种不同的创作手法、创作方式来表现不同的情感状态。

例如自然 音阶、大调式、简单的织体引起欢快的、向上的感情，而半音音阶、小调式、复杂的织体带来忧郁的、深沉的感情;大音程使人欢快，小音程使人忧伤;刺耳的和声配上急促的旋律可能引起愤怒，把几个高度独立的旋律作对位化的结合时使人固执。

而由于更多对音乐的需要和更多对情感的需求的出现，已有的音乐体裁已不能满足其要求，因此音乐作品中出现了许多新的曲式体裁，比如陆续出现了如托卡塔、前奏曲、幻想曲、奏鸣曲、协奏曲、组曲和赋格等重要体裁。

其中很多体裁在之后的时期不断地发展、演变，成为了经典的、成熟的.体裁形式，至今仍在使用。

而在作曲手法上，由于古钢琴的发展和改进，作曲家更加可以不断创造新的表达方式来表达自己所需的情感，如在旋律中加入大量装饰性的音符，节奏强烈、短促而律动，旋律精致、跳跃且持续不断。

作曲家们也开始使用节奏、旋律、调式、音色的变化和对比来引导听众们的感情。

这时乐谱中开始引入速度、力度的标记，但划分并不精细，而且同一速度一般贯穿一个乐章的始终。

这段时期复调音乐占据主导地位，大小调取代了教会调式，同时主调音乐也开始逐渐发展，但宗教音乐在西洋音乐中仍然占有很大的比重。

在奏法方面，巴洛克时期的作品总体说来，速度中庸，音乐平衡、庄严。

由于古钢琴音量非常小，钢片拨弦有局限性，所以力度上没有很大的变换，只是采用音区式力度和阶梯式力度，不能做渐强、渐弱起伏的变化。

和声上以复调音乐为主，产生了对位法，即在大小调式的基础上吧不同的旋律线条按一定原则组织起来，不仅要求横向线条独立，同时还要注意纵向的和声关系。

复调音乐史多层面、多线条、多重性的复杂思维，在声音上重视每个音的触键，不但每个音符要有良好的音质，同时还要注意每个线条的歌唱性。

奏法上也非常讲究。

当时古钢琴演奏强调表现力时靠奏法和装饰音，通常有两种奏法，即连奏和断奏。

在奏法上基本有两种基本原则1、音阶性-级进的音弹成连奏，三多以上的音处理成断奏2、八分音符弹成断奏，十六分音符弹成连奏。

装饰音是为了使旋律更美，更富趣味性，同时也是为了弥补当时古钢琴的局限性而大量出现的一种记法。

在演奏上有很大争议，如颤音是从这个音的上方音开始的，装饰音必须在拍子上开始。

古钢琴没有踏板，在现代钢琴上演奏巴赫等人的作品时可以尝试用一点踏板，以模仿古钢琴的音响，但一定要慎用，不要将踏板踩得太深，也不要将踏板踩得时间过长，以保持复调各声部的清晰。

在弹奏方法上，强调手指的单独弹奏，保持固定的手型与平静的手腕，后来转变为一种轻而浅的触键方法。

巴洛克时期最著名的古钢琴作曲家有法国的库普兰，拉莫，意大利的斯卡拉蒂，德国的巴赫，亨德尔。

但最具代表性的人物就是巴赫，他代表了巴洛克音乐的顶峰。

巴赫创作以复调手法为主，构思严密，感情内在，富裕哲理性和逻辑性，并在德国民族音乐的基础上，结合和吸收了当时流行于欧洲各国的音乐风格与形式，把巴洛克的音乐发展到了新的高度。

巴赫最突出的成就是把十二平均律运用到创作中，大大推动了键盘音乐的发展。

巴赫的作品不仅数量上浩如烟海，而且质量也很高，既有十分简洁而极有个性的主题，又有丰富的想象和强烈的表现，以及异常完美地音乐技巧。

主要作品有：200多部宗教及世俗“康塔塔”、若干部宗教《受难曲》、《平均律钢琴曲集》、《创意曲集》、《勃兰登堡协奏曲》及《赋格的艺术》等。

巴赫成为了巴洛克音乐的一个辉煌的终点，也为后来西方音乐的创作提供了重要的贡献。

因此，巴赫被世人称为“西方音乐之父”。

参考文献：

[1] 《巴洛克时期的音乐特征》刘湘，科技信息

[2] 《巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期、近现代钢琴演奏风格比较》吴英莲，锦州师范学院学报

巴洛克时期钢琴艺术风格的特色【2】

摘要：巴洛克时期是西方音乐的萌芽时期，乃至近代音乐文明的催生时期，在世界艺术发展史上具有重要的里程碑作用，这一时期的钢琴艺术风格特色可圈可点，值得细细品味。

关键词：巴洛克时期 钢琴艺术 风格特色

巴洛克时期是从公元1600年到公元1750年的150年时间，巴洛克时期是西方音乐史乃至世界音乐史发展历程中的重要时期，代表着一种艺术风格。

“巴洛克”源于西班牙语，译为汉语的意思是“变形的珍珠”，代表了与过去迥然不同的意思和别开生面的意味。

巴洛克时期正值西欧社会由封建主义向资本主义社会过渡时期，根深蒂固的封建社会虽然在这一时期已经摇摇欲坠，但当时的封建君主影响力还残留，皇权的威严还有市场，所以，此时的音乐艺术仍然在一定程度上为封建统治阶级服务。

因而，巴洛克时期的钢琴作品尽管从艺术风格的特点上有了恢弘大气、神圣庄严的重大变革，但在内容上，尚未脱离以皇室生活，重大的社会历史事件和神话传说为题材。

?这一时期的自然科学在欧洲发展迅猛，天文学、物理学、数学等科学定理的发现使人们前所未有地认识到宇宙的秩序之美和均衡之美。

所以反应宇宙的秩序和均衡之美成为当时艺术家争相追捧的创作潮流。

同时，接踵而来的启蒙运动，又引领人们崇尚理性，追求严谨和秩序，这一切又造成了这一时期的音乐作品在宗教神学和皇权的外衣下，表达着艺术家对个人享乐和精神满足的诉求。

一、节奏严谨平稳、律动周而复始

启蒙运动带来的理性之风影响到当时社会的方方面面，钢琴艺术创作同样受到了影响，理性信仰至上的思潮带给钢琴艺术创作以突出的结构严谨规整的艺术风格。

其中，巴赫的作品最有代表性。

他的作品的主基调从始至终都保持在一个基本的节奏之上，仿佛一直在叙述和沉思着什么，不再具有浪漫派的自由奔放、速度时快时慢的节奏特点。

浅谈巴洛克时期的音乐艺术 第3篇

关键词：巴洛克；音乐织体；巴洛克时期

公元17世纪到18世纪中叶在西方音乐史上被称为“巴洛克时期”。“巴洛克”一词来源于葡萄牙文Barroco，原意是指形状不规则的珍珠。此词最早出现在建筑与绘画方面，人们用它来嘲笑一些新奇怪异的不自然的风格。被应用在音乐上是在18世纪中叶以后，但此时已不具有嘲笑的意味。

巴洛克时期的音乐强调情感的表现与充满戏剧性的对比，在细节上注重装饰性，具有大胆的艺术观念和表现形式。因受16世纪人文主义思潮的影响而出现了许多新兴的体裁和风格。巴洛克时期的音乐还受科学、文化与宗教的影响。在这一时期出现了莫里哀、弥尔顿、伦勃朗、贝尼尼、牛顿、笛卡尔、伽利略等伟大的文学家、艺术家和科学家。他们所创造的新的观念和成就深刻地影响了音乐的发展。例如J.S.巴赫《创意曲集》的创作和《十二平均律钢琴曲集》的产生都反映了科学与文化对音乐的巨大推动作用。在宗教方面，巴洛克时期是一个宗教思想盛行和繁荣的时期，新教（基督教）与旧教（天主教）之间于17世纪上半叶进行了长达30年的宗教战争（1618—1648），这场战争平息之后，新教得以确立。新教的改革家马丁·路德信奉音乐并认为，音乐是人类情感的主人和统治者，音乐是通过耶酥之口以圣经的方式传达给上帝的圣音，音乐在宗教仪式、学校和家庭中都应占有重要的地位，具有仅次于神学的最高荣誉。[1]马丁·路德对音乐的这种思想极大地推动了巴洛克时期音乐艺术的发展。

巴洛克时期的音乐织体风格以复调音乐为主。复调音乐贯穿了整个巴洛克时期，并在巴洛克时期得到了最完善的发展，同时走向终结。J.S.巴赫是西方音乐史上复调音乐长期演进的终点，施威泽说：“巴赫是一个终点，一切都只是他的前导。”J.S.巴赫把百年来复调音乐的发展推向了最高峰，铸就了后世音乐家所不可企及的辉煌顶点。巴洛克时期的复调音乐风格高贵、典雅、繁复、精细，旋律流利酣畅，节奏生动活泼，强弱对比鲜明，尤其是装饰音的使用更使得音乐色彩更加华丽与奇异。

巴洛克时期的音乐可分为早、中、晚三个时期。1600年到1640年是早期，为巴洛克风格的形成期；1640年到1690年是中期，为巴洛克风格的定型期；1690年到1750年是晚期，也是最后一个阶段，亦可称为“巴洛克的全盛时期”。全盛时期的巴洛克音乐出现了许多伟大的音乐家，如J.S.巴赫、亨德尔、斯卡拉蒂等，也出现了许多音乐体裁，如歌剧、清唱剧、康塔塔等，同时声乐与器乐的发展在此时发生了巨大变化，器乐从对声乐作品的依赖中彻底解放出来，作曲家开始为特定的乐器写作且出现了大量的新曲目。奏鸣曲、赋格曲、前奏曲、幻想曲、托卡塔、舞曲等一些器乐体裁在此时得到了进一步发展，三重奏鸣曲、古组曲、大协奏曲、独奏协奏曲及其他多种独奏或重奏体裁得到了空前的繁荣。与此同时，还出现了大批优秀的器乐作曲家和演奏家，如J.S.巴赫、蒙特威尔第、吕利、科雷利、斯卡拉蒂、维瓦尔第等。在巴洛克时期键盘乐器有两种：一种是管风琴，一种是古钢琴。管风琴是德国音乐家最为喜欢的乐器，如J.S.巴赫就在一生中创作了大量的管风琴乐曲，在巴赫协会出版的四十六卷《巴赫全集》中，就有四卷是管风琴音乐作品。管风琴的构造在巴洛克时期有了突破性的进展，加入了变音音栓，大大提升了音乐的表现力，使音色变得丰富多样，同时音域也得到了最大程度的扩展。古钢琴有两种：一种是拨弦古钢琴（大键琴或羽管键琴），一种是击弦古钢琴（楔槌键琴）。拨弦古钢琴外形与现代三角钢琴相似，由羽管或皮制的弦子拨弦发声，它音色较硬，音值较短，长音不能保持，力度范围是p-f，音域根据琴的大小而定，一般的有三到五个八度。击弦古钢琴是一种小型的键盘乐器，靠琴键操纵楔槌击弦发声，音域为五个八度，力度范围是pp-mp，音色柔和，音量较小，通过触键可以使音色细微变化，这件乐器深得性格内向的德国人喜欢，J.S.巴赫也非常喜欢这件乐器，他认为这件乐器体现了演奏者手与键、耳与心之间最完美的结合。

总之，巴洛克时期的音乐强调情感的表现与充满戏剧性的对比，音乐织体风格以复调音乐为主，在细节上注重装饰性，具有大胆的艺术观念和表现形式。它的影响力是不可估量的，也是作为音乐学习者值得继承和研究的宝贵精神财富。

注释：

[1] 参见余志刚《音乐的大海——巴赫》，上海人民出版社1999年版，第28-130页。

巴洛克时期长笛音乐简述 第4篇

关键词：巴洛克,长笛形制,长笛音乐

从大约1600年 (也有人认为从1580年前后) 到1750年这一个半世纪, 在音乐史上被称为巴洛克时期。

在现代已知的乐器中, 长笛可以说是最古老的成员之一了, 与其他管乐器一样, 都属于舶来品。它的音色柔美、悠扬, 极善于演奏旋律优美, 技巧高超的音乐种类, 被称为是管弦乐队中的“花腔女高音”。巴洛克时期音乐的一个重要特征就是器乐的发展, 它的重要性甚至超越了声乐。在音乐史上, 器乐作品第一次获得了如此重要的地位, 出现了空前的繁荣。

一、乐器的发展

大约于16世纪, 长笛在欧洲开始被广泛使用, 在结构上由于两个基本的变化, 使它的历史被划分为两个阶段:首先, 在17世纪末, 长笛改革成为标准的巴洛克式长笛。其次是它的机械化, 经过一个世纪的机械装置试验后, 大约在1847年, 终于由泰奥巴尔德·波姆完美地完成设计。17世纪下半叶, 长笛可能被一些法国演奏者和工匠们进行了改进, 他们制作出了一种在18世纪的大部分时间被称为标准的长笛。这种长笛与早期长笛最大的区别在于, 新的管腔, 较之以前的要略微狭窄, 并且, 它的结构由原来的一个整管分成了独立的三个部分, 分别是圆柱、圆锥型管腔 (cylindro-cinical bore) 和用指键控制的第七个指控孔。这样的结构, 使得制作长笛相对容易起来, 工匠们能够更加准确地在管体上钻孔, 并且由于笛头与笛身之间的接缝, 可以方便地调整音准。长笛的材质, 在巴洛克时期也有所固定。虽然很多长笛用象牙、黑檀木或者其他一些硬木制成, 但从17~19世纪, 黄杨木是制作长笛最受欢迎的材料。基于这些改变, 让长笛更加易于控制, 音域有所扩展, 音色也较之前有很大改善, 使得它的地位越发的重要起来。

二、代表作曲家及其作品

从17世纪后期至18世纪中期, 为长笛写过曲子的人有很多, 如德国的亨德尔 (1685-1759) 、巴赫, 意大利的维瓦尔第 (1678-1741) , 德国的泰勒曼 (1681-1767) , 匡茨 (1697-1773) , 卡尔·斯塔密兹 (1745-1801) 等, 先后为长笛创作了数百首奏鸣曲、协奏曲、组曲。下面选取几位有代表性的作曲家及其长笛作品进行介绍。

1. 泰勒曼。

乔治·菲利普·泰勒曼于1681年3月14日在德国的马德堡出生。他的父亲和祖父都是路德派牧师。他不幸幼年失估, 母亲独自抚养他长大。泰勒曼的作品非常多, 仅在二十年间 (约从1720~1740年) , 他为所有礼拜日和节日创作了十二组完整的宗教音乐, 十九部受难曲, 而且部分诗文常常出自他的笔下;二十部歌剧和喜歌剧;二十部清唱剧;四十首小夜曲;六百部序曲、三重奏曲、协奏曲、古钢琴曲等;外加七百首歌曲……泰勒曼在很小的时候就能够演奏多种乐器, 长笛就是其中的一项。他为长笛创作了数量众多的作品, 有独奏、二重奏、三重奏、四重奏的奏鸣曲, 无伴奏的幻想曲、长笛二重奏、独奏协奏曲、合奏协奏曲等多种类型。主要作品有:十二首无伴奏幻想曲、a小调组曲、op2、op5、Mathodical奏鸣曲、“宴会音乐”曲集等。

2. 匡茨。

JJ.Quants匡茨, 1697年1月3日出生在汉诺威附近, 哥廷根的一个叫Scheden的村子里。父亲安德列斯·匡茨是村里的蹄铁工, 母亲安娜·比阿玛尼, 于1702年去世。匡茨最初是在叔叔的影响下接触到音乐的, 然而一经接触后, 他就深深的爱上了音乐。匡茨先后学习了小提琴、短号、长号、圆号、竖笛、大管、低音提琴、大键琴、巴洛克大提琴、管风琴等多种乐器。匡茨与长笛的渊源要追溯到1718年3月了, 起初他是作为一个双簧管演奏员进入了十二人编制的波兰乐团, 但由于受到老成员的排挤, 他开始认真研究起了以前只是自学的长笛。后来, 他跟著名长笛演奏家Buffardin学习了四个月。由于长笛, 他越发产生出作曲的信心, 由于当时长笛的作品很长, 基本都是依照自己的能力, 改变演奏一些双簧管和小提琴的作品, 所以他创作的长笛作品对后世有重要的影响。匡茨先后创作出300首左右的长笛曲和200多首其他类的乐曲, 还著有《长笛演奏法论稿》一书, 这是最早的西洋管乐器教程。他的演奏风格沉稳谦和, 在缤纷多彩的同时, 却又平易近人。匡茨对长笛的构造加以改良, 使其音色更为圆润, 是长笛演进历史的重要人物。

3. 维瓦尔第。

安东尼奥·维瓦尔第, 意大利著名的作曲家、小提琴家。他1678年生于威尼斯, 1741年7月28日葬于维也纳。维瓦尔第自幼随父亲学习音乐, 28岁时, 就任于圣马可大教堂, 由于他的头发为赤红色, 人们就昵称他为“红发神父”。维瓦尔第的作品数量惊人, 包括声乐、器乐、歌剧、宗教音乐等多种范畴, 而其中的管乐协奏曲的创作是维瓦尔第创作中一个极为重要的部分, 维瓦尔第的协奏曲有500多首, 其中独奏协奏曲大约有350首, 约三分之二是为独奏小提琴而作的, 其他则是为长笛、短笛、双簧管、大管、小号等各种乐器所作。维瓦尔第是最早为长笛写作协奏曲的作曲家。今天知道的, 有三十一首, 此外又有一首双长笛协奏曲和三首短笛协奏曲。1727年, 维瓦尔第《长笛协奏曲》Op.10在达木城正式出版, 这几乎是历史上最早的长笛协奏曲版本。维瓦尔第Op.10共有六首长笛协奏曲, 这个曲集, 究竟由何种原因出版, 现在已无记录可查, 但从曲集中的第一、二、三、六号四首作品可以看出, 都是由别的作品改编的, 所以这部作品可能是维瓦尔第受出版商委托, 将旧作改写成长笛曲的。这六首作品分别是, 《海上暴风雨》、《夜》、《金翅雀》、《G大调》、《F大调》、《G大调》。

4. 巴赫。

巴洛克时期德国作曲家, 巴洛克时期音乐艺术的集大成者, 他的创作涵盖了这一时期几乎所有的音乐体裁, 许多作品都成为同类作品的典范。他的作品体现了复调音乐向主调音乐的过渡。巴赫一生没有出过德国, 生前只是一位普通的管风琴师, 19世纪在门德尔松的影响下, 巴赫作品的价值才得以体现, 被后世称为“复调大师”、“近代音乐之父”。巴赫的作品数量巨大, 博大精深, 创作涵盖了这一时期几乎所有的音乐体裁, 创作领域主要是声乐和器乐。巴赫共为长笛创作了10首奏鸣曲作品, 按照其体裁可以分为四大类, 三重奏鸣曲、长笛与拨弦古钢琴奏鸣曲、长笛与通奏低音奏鸣曲和无伴奏长笛奏鸣曲。三重奏鸣曲包括:G大调长笛三重奏鸣曲 (BWV1038) 和G大调长笛三重奏鸣曲 (BWV1039) 。长笛与助奏拨弦古钢琴奏鸣曲包括:g小调奏鸣曲 (BWV1021) 、b小调奏鸣曲 (BWV1030) 、b E大调奏鸣曲 (BWV1031) 和A大调奏鸣曲 (BWV1032) 。长笛与通奏低音奏鸣曲包括:C大调奏鸣曲 (BWV1033) 、e小调奏鸣曲 (BWV1034) 、E大调奏鸣曲 (BWV1035) 。无伴奏长笛奏鸣曲是:a小调奏鸣曲 (BWV1013) 。

在这几首作品中, 《b小调长笛奏鸣曲》 (BWV1030) 是唯一保存有巴赫完整亲笔手稿的长笛奏鸣曲作品。这部作品将巴赫完美的作曲技巧表现得淋漓尽致, 被认为是巴洛克时期的长笛经典曲目之一。

巴洛克时期是西方音乐中一个非常重要的组成部分, 在这个时期, 器乐开始有了长足的发展, 音乐开始从复调音乐向主调音乐过渡, 更加注意表达人的情感, 在风格、语言形式结构等方面都有了更加明确的观念, 是西方音乐从文艺复兴向古典时期过渡的一个重要桥梁。而作为巴洛克时期的长笛音乐, 它同样具有举足轻重的地位, 由于巴洛克式长笛的出现, 使得它在这一时期, 无论是音色、音准、音域都有较大的提高, 为长笛艺术的发展奠定了雄厚的基础。

参考文献

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[4]章滨.欧洲长笛艺术发展历程一[J].黄钟, 2007, (4) .

巴洛克时期 第5篇

自中世纪以来，键盘音乐在乐器、乐谱以及体裁等方面都处于萌芽的发展状态，到巴洛克时期以后俨然成为一个成熟的体系，对后世的发展起到基石的作用，然而巴洛克键盘音乐之所以达到如此高峰与这个时期的政治、社会、文化等方面的环境息息相关的。比如与宗教的关系，我们知道在西洋音乐中的巴洛克与宗教的关系密不可分，也有人直接用宗教音乐直接代替巴洛克，也足以说明当时宗教对音乐的影响力，除此之外还有乐器的发展、体裁等因素对巴洛克键盘音乐风格的形成起到重要作用，接下来就这几种因素进行分析研究。

【关键词】巴洛克；宗教；复调；乐器；体裁

【中图分类号】J624.1 【文献标识码】A 【文章编号】2095-3089（2016）28-0228-02

一、宗教的影响

在巴洛克时期，与音乐艺术并驾齐驱的姊妹艺术有美术、雕刻、建筑等，它们经过文艺复兴的人文突破，到巴洛克时期也取得旷世的惊人成就，同时也对键盘音乐的艺术风格产生并列的影响，它们的产生在某些方面存在共同的因素，其中最重要的就是宗教的因素。长期以来，由于宗教的社会地位特殊，对国家政权、文化艺术等有着方向性及内容、风格产生重大影响，各种艺术为了谋求自己的生存发展空间在某种程度上要依附、迎合宗教的主张，表现出来的艺术形式及内容都离不开宗教的宗旨以及为宗教服务的内容，此时风行的键盘乐器为管风琴，对于表现宗教的精神地位及传播手段，管风琴音乐在当时的教堂唱诗班及教会、宫廷是必不可少的，同时教会也是键盘音乐的发展肥沃土壤，起到保驾护航的作用。

13世纪到15世纪末的德国处在中央统治无力，集权政策得不到有力推广，诸侯分权各自为政，整个国家的发展处在四分五裂的低谷阶段，贫富分化和城市显贵执掌政权，导致了城市的社区危机，其中深受其害要属处境最悲惨的农民，这时还出现教会的赎罪券，赎罪券产生于1313年由教皇颁布发行，是指用金钱就可以向上帝赎一切罪的方式，实际上也是教皇敛财的借口，这对当时社会局势可以说是雪上加霜。这时候的教堂作为精神信仰的权威性也受到质疑，人们的教堂活动显得比较慵懒而没有活力，因此、作为作为宗教活动基本内容的音乐不被重视，只是基本形式而已，没有被过多的要求及渴望。

由于这种严重的社会因素的存在，才产生后来的路德新教的改革。路德推行广泛的新教宣传，其《圣经》至上和“凡信徒皆祭司”的信念，也是极为重要的一点，路德又是一位新教众赞歌的创作者之一，采用有节奏的散文语体，分成段落，与宗教改革的战友创建了为百姓能接受的赞美歌形式，同时也出现了把德语和新形式的宗教音乐引进教堂的宗教歌集；此時的德国由于政治的因素、国家四分五裂、物质匮乏，人们在客观物质需求得不到满足的情况下，把主张宗教平民化的路德新教作为精神依靠，因此、这时候的教堂音乐比较活跃，平民信赖教堂并积极参加，教堂音乐家的创造性也得到最大的激发，从形式到内容上都得到很大提升、完善。随着宗教的改革与分裂，人们的思想认识变化以及艺术审美的转变，艺术的风格与口味也发生变化，并且随着宗教势力和宗教传播得到发展和发扬。

路德改革路线得到平民的广泛支持，对罗马天主教会构成极大的威胁，面对新教的挑战，罗马天主教会为了重新塑造自己的形象，除了自身的反省还通过招募知名的艺术家来为自己的教会宣传，这样一来，原本从属于教会的音乐艺术在这个时期彰显出更为突出的作用与地位。由此看出，当时的社会除了政府的机构更为重要的教会的影响力，而取得民众的支持是决定教会的权威性及合法性的主要因素，在信仰的方式中音乐活动是必不可少的。有效、直观的音乐行为对争取民众的信仰及认可是宗教必不可少的方法与手段，同时也促进音乐的快速发展。

音乐发展到巴洛克时期应该是比较成熟、丰富的，弥撒、经文歌、教会合唱以及器乐等宗教音乐都得到划时代的发展，这与当时的政治、宗教等社会环境有密切的关系，同时社会环境对宗教音乐也起到促进、不断完善的作用，这里面也是巴洛克键盘音乐风格形成的重要因素。

二、复调音乐的发展

复调音乐可以说是巴洛克时期键盘音乐的代名词，早在12世纪到13世纪的时候，器乐曲基本都是单声音乐，到14世纪出现最原始的多声音乐，这时期的复调音乐多采用最原始的复调形式“奥尔加农”的手法，其方法是在素歌单旋律上加一个或若干个平行八、五度的旋律，被后世称为巴黎圣母院乐派。这时的器乐曲大都不是键盘乐器，但是对以后键盘乐器的复调音乐也具有深远影响。

进入文艺复兴时期，西方音乐的发展更是精彩纷呈，由于文艺复兴运动倡导摆脱经院哲学的思想，提倡音乐表现自由，因此音乐的创造手法及表演风格也推陈出新，扩大音乐范围，引入半音体系及转调，创作理念逐渐向“同时进行”过渡，器乐的发展也更加独立起来，但是这时候的器乐的发展要远落后于声乐，15世纪的弗兰芒乐派是这时期复调音乐的代表，体裁大致分为经文歌、弥撒曲、世俗歌曲等，大都在教堂传播。

在德国，文艺复兴以前的音乐发展相对比较迟缓，只要传播途径是在当时的寺院，寺院里开办学校，教唱单声部的圣咏，对于复调音乐了解甚少，对复调音乐的影响主要是来自邻国，比如法国、意大利等，法国的复调音乐从12世纪开始就发展的较成熟，琉特琴曲、键盘乐曲及舞曲也受到人们的喜欢。管风琴是德国体现复调音乐的最佳表现形式，当时的德国自由化的城镇较多，在很多城镇都有管风琴，德国人就把复调音乐表现于管风琴之中，从而确立了键盘音乐复调的中心位置，这时的德国音乐的代表人物是管风琴家康拉德·保曼。文艺复兴时期对键盘音乐的发展也是一个黄金时期，古钢琴开始流行，在乐器上除了管风琴还出现了羽管键琴、楔槌键琴。

三、乐器的完善

首先，我们回顾键盘乐器的发展历程，一提键盘乐器最直接联系起来的乐器当属管风琴，管风琴是一种既古老又现代的键盘乐器，它是远古键盘乐器的起源又在现在的时代仍然发挥重要作用的乐器。公元8世纪以前任何乐器都被天主教视为“魔鬼的声音”，公元9世纪以后才允许进入教堂作为伴奏乐器存在。以此看来，器乐的发展要晚于声乐，并在在某种形式上依附于声乐。到中世纪，器乐普遍被贬低，也是不被上流社会看好的艺术形式，玩乐器是有失体面的事情，器乐只是江湖艺人为糊口而玩弄的道具，因此，这时期也没人为器乐写谱，这时期较早出现的是琉特琴，属键盘乐器的近亲。

巴洛克时期是器乐得到迅速发展的时期，其中键盘乐器脱颖而出，不再是声乐陪衬物而渐渐独立出来，成立自己的发展领域和空间，从此键盘乐器从单一主题逐步走向赋格，走向复调的辉煌。巴洛克时期的键盘乐器主要是管风琴和羽管键琴，最早的管风琴是公元前3世纪的水压式管风琴，也称水力风琴，到公元9世纪以后欧洲各地基督教陆续添置了管（下转230页）（上接228页）风琴，这时的管风琴都比较粗大，音管多的达几百个，风箱也有几十个，一个演奏者无法独立完成，因此这个时期的管风琴音乐也只能是教堂的号角，不能形成音乐的美感。到14、15世纪管风琴已经出现三排的收键盘及一排的脚键盘，但是这时的管风琴没有变音的音栓，管子的口径相同，因此没办法做到音色的变化。16世纪初管风琴已经出现现代管风琴的特征，乐器的完善给演奏家创造必要的条件。到巴洛克时期，管风琴进入黄金时代，这时的管风琴相当完善，有各种各样的音栓，已经具有4、5层手键盘和2层脚键盘，这对复调音乐发展到巅峰时期的巴洛克音乐来说是不可或缺的键盘乐器。

另一种主要乐器是羽管键琴，羽管键琴大概产生于14世纪末，与现在的钢琴比较相似，高低音的弦的长度不同，由羽管或拨子拨弦发声。到18世纪中叶，羽管键琴达到黄金时期，这时的羽管键琴长6到8英尺，包括两排5个8度的琴键，羽管键琴的音量及音色不是靠手指控制的，而是通过音栓控制，因此在音色及音量的变化不是很明显，但是在巴洛克时期羽管键琴受到当时的大家巴赫，亨德尔，斯卡拉蒂的亲睐并创作大量的作品，同时也是巴洛克教堂音乐的重要组成部分，知道19世纪才被钢琴所取代。键盘乐器的发展对这时期的音乐发展提供必不可少的条件，为新体裁、演奏技能的创新铺路搭桥。

四、体裁因素

键盘音乐的体裁到巴洛克时期已经很完善并具有一定的模式，对以后的键盘音乐的创作起到基石的作用并找到根据。在西方音樂史发展中，器乐的发展远落后于声乐，在中世纪以前的器乐完全依附于声乐，没有独立的地位，更不用说常用的体裁了。直到文艺复兴时期，器乐的各种体裁才发展的比较成熟，这在当时的欧洲各国的音乐形式中都有体现。早在14世纪的意大利已经有一些音乐爱好者热衷于学习琉特琴和古钢琴，当中有些人把目光转向代表世俗的民间音乐，并以舞曲的形式表现在器乐上，为器乐主调化多声音乐做出贡献，这时舞曲几乎是器乐创作的中心体裁，形式多样并且附有标题，如加亚尔德舞曲（galliard），是一种单三拍舞曲，流行于15世纪。音乐与舞蹈在当时是两种姊妹艺术并贯穿一起，会舞蹈的可能也精通器乐，因此舞曲在当时是一大器乐体裁。

舞曲在这个时期作为很重要的体裁在很多国家同时并存着，这体现当时的音乐文化的相通、共融的特点，不同的是在风格上，如在法国，舞曲的种类比较多，有帕凡、布朗来（branle）、也有加亚尔德和库朗特舞曲，法国的库朗特由三拍子和二拍子混合，而意大利则只有三拍子。其他体裁如前奏曲，在15、16世纪时把在管风琴、琉特琴上自由即兴发挥的独奏曲称为前奏曲，这种体裁也是比较大众化的，在很多国家都有，如波兰、西班牙、德国等。还有很多体裁在这个时期都已经很成熟了，如阿勒芒德舞曲，阿勒芒德起源于德国，是速度较慢的二拍子舞曲，在英国、法国都很流行。而把这些舞曲组合在一起就形成巴洛克键盘音乐的很重要的一大体裁—组曲，组曲通常表示一系列速度、节拍、情绪不同的舞曲组合，如：小步舞曲、阿勒芒德舞曲、萨拉班德舞曲、吉格舞曲等组成。除了组曲，变奏曲及赋格也是巴洛克时期的重要音乐体裁。

综上所述，巴洛克时期的键盘音乐特点的形成与上述四个方面的因素息息相关，也和当时的社会、文化背景的发展程度有着重要的关系。巴洛克键盘音乐在键盘音乐发展史中具有重要的意义，首先体现在划时代上，巴洛克以前的键盘音乐较为零散，在乐器的独立性，乐曲的体裁等方面都不能成为体系，从巴洛克开始键盘音乐有了系统化的发展并形成时代风格特点，同时与大师的出现有着密不可分的关系，最具代表性的要属约·塞·巴赫（1685-1750），他被称为集大成者，是巴洛克时期极具影响力的键盘音乐巅峰人物，对后世复调音乐的发展具有巨大贡献及影响，也是家喻户晓的大师。在巴赫的键盘作品中包括创意曲、平均律、组曲、协奏曲等作品，这些作品到现在无论作为演奏曲目或教学都是不可或缺的，具有深远的意义。此外，具有代表性的大家还有亨德尔、库普兰、拉莫、斯卡拉蒂等大师。

参考文献：

[1]《西方音乐一千年》廖叔同

[2]《西方钢琴艺术史》周薇

巴洛克时期的音乐创作美学 第6篇

在音乐史上, 巴赫历来被公认为巴洛克音乐最高艺术成就的代表者, 其原因主要在于:巴洛克理性主义的情感论美学思想在这位音乐大师的作品中得到了最充分、最完美的体现。他的音乐将严密的逻辑思维同深刻的情感表达完美地融为一体, 宏大中包含着精巧, 严谨而又不失洒脱, 高度理性化的形式结构中蕴藏着丰富的情感内涵, 使种种掩埋在人们内心深处无形的、无意识的情感体验在可知的、有意识安排的音乐形式中准确地体现出来。

就巴洛克理性音乐创作的思想价值而言, 音乐巨匠乔治弗里德里希亨德尔的作品也是一个典型的范例。他的艺术无懈可击, 曲体总是正确严密, 比例关系十分匀称, 即使是在感情最冲动、几乎汹涌澎湃时也是如此。亨德尔的创作风格致力于舍弃一切有损于作品的明朗或整体和谐的因素, 而侧重选用那些他所要表达的乐思。对于巴洛克时期理性主义的情感论音乐美学观念, 我们必须从历史发展的角度去看待它。首先应当肯定, 巴洛克音乐创作思想是在继承和发展文艺复兴时期音乐观念的基础上发展起来的, 其人文主义本质依然如旧。这一点在巴赫的宗教作品中得到了充分的体现。此外, 将音乐同具有表情功能的修辞学联系在一起, 而不再仅仅把音乐的本质理解为抽象的数学概念的理论实践, 表明了情感的感性的因素已经在理性主义的美学体系中占有一定的比重。

在巴洛克时期风靡一时的音乐修辞学中蕴涵着一种被称作“感情程式论”的美学理念。“感情程式论”是当时音乐领域最为重要的美学观念之一, “音乐修辞学”的创作原则也正是为达到这样的目的而设立的。音乐修辞的研究本身极富理性主义精神, 但同时还具有其情感的、直观的方面。

2. 从形态特征看巴洛克时期的音乐创作美学

巴洛克时期的音乐形态似乎发生了一场真正的革命。思想活跃的音乐家们对现实生活作了多方面的反映, 他们创造出了丰富多样的体裁和形式, 音乐开始从复调音乐向主调音乐过渡, 在风格、语言形式结构等各方面都有了更加明确的概念, 同时更加注意表达人的情感, 这些变化形成了巴洛克时期具有共同特征的音乐现象。

音乐艺术在创作性方面比其他任何艺术创作形式都表现得更为突出。音乐体裁 (即音乐作品的种类和样式) 作为音乐学和音乐美学的基本问题, 反映着音乐创作的内部特点, 例如曲式的类型、作曲的技法特点等等。

对比性是巴洛克音乐形式要素的通常特点, 巴洛克时期最重要的创造就是“对比”这个概念。“对比”可以表现在不同方面:音的高与低、速度的快与慢 (段落或声部间的对比) 、力度的强与弱、音色的变化、独唱与合唱, 等等。所有这些都在巴洛克时期的音乐结构中存在, 各有他们自己的地位。

巴洛克时期情感的表达并不是艺术家个人的情感, 而是一种普遍意义的情感。在许多巴洛克时期的音乐家心目中, 音乐体裁就是一种表达情感的特殊语言。当然, 我们还要认识到, 音乐的内容不仅蕴涵了作曲家的创作激情和情感, 而且通过人们的听觉器官去引起各种情绪反应和情感体验。音乐的价值在于被人们接受, 而音乐接受的最终意义是在感情体验的基础上进一步挖掘内在意蕴背后的深刻思想意义, 以此获得教化。

3、从时代特征看巴洛克时期音乐创作美学

音乐史上的巴洛克时期是一个宗教仍在发挥作用的时代, 所以这个时期音乐创作的时代特征就在于这一时期音乐与宗教之间密切的联系和同构统一性。人类通过音乐和宗教不断提供的全新意义模式共同展现被创造的知觉和意识构架, 解释其经验并规范其生活。宗教不仅成为音乐艺术孕生的母体与土壤, 而且直接与音乐创作有机地融合在一起, 成为音乐发展的无可争辩的因素。

无论是巴赫的教堂音乐, 还是他的世俗音乐, 其创作目的都是在于赞颂上帝, 对于巴赫来说, 一切音乐终归都是宗教。他对上帝的崇敬从头至尾指导着他的音乐, 创作音乐是虔诚的表现, 演奏音乐是崇敬的表示, 每一个音符都是奉献给上帝的。

巴赫所创造的灿烂音乐世界, 实质上是德意志民族用自己的理想世界来补充现实世界的一个重要组成部分。巴赫音乐所创造的世界, 曾使好几代德国知识分子在那里面感到了一种精神上的宁静、和谐和安稳, 即家园感。因为巴赫通过他的音乐世界绝妙地表述了民族和时代的精神:他的创作从音响这个重要侧面把路德的宗教自由观进一步变成了全民族的普遍意识。因为旋律语言的功能是直接地打进人们的灵魂深处, 他把音乐理解成是上帝为了使善男信女更容易学习赞美诗而赐给人们的礼物。巴赫的音乐则体现了新教的精神和德意志民族的灵魂:追求超越悲惨社会现实的美、自由和道德的王国。这是一个不能付诸于社会实践的精神家园和避难所。当物质、现实的家园破碎不堪, 绝无容身之地, 德意志民族便转向寻求精神家园;当在现实世界找不到和谐和安宁, 于是便到科学、艺术和哲学 (即真善美) 的王国中去寻觅。

巴洛克时期的作曲家在音乐创作中一个相当普遍的特征是他们力求在音乐中表现栩栩如生, 炽热强烈的表达大幅度的各种思想感情。歌剧的诞生与发展, 独立器乐曲体裁的确立和丰富, 适应了新的审美内容的表达。巴洛克音乐力求音乐技术的完善, 表现出从理性上去获得音乐价值和艺术魅力的审美追求。这一时期, 恢弘崇高的音乐风格与体现在音乐技术运用中的科学理性精神, 成为作曲家体现自身具有个性化的审美理想的载体。巴洛克时期的作曲家趋于专业化, 创作风格各异。其他乐器的发展也使得某些特定风格的巴洛克音乐其配器得以朝着多元化、大规模的方向发展。随着乐器的日益完善, 人们开始热衷于努力发挥乐器的性能和它所各种演奏的可能性, 促进了演奏技巧的发展, 这对于器乐的演奏风格产生重要的影响。对于任何一种艺术形式和社会现象来说, 它的发生发展轨迹及其背后深刻的人文渊源, 都是了解并认知它的最佳切入点, 巴洛克音乐创作亦是如此。这个时期代表着西方音乐创作发展的第一个高峰, 同时也是一个重视音乐美学价值的时代。随着社会形势的发展变化, 音乐家们开始寻求用新的音乐语言来表达新的情感及其精神境界, 并赋予音阶、调性、节奏、和声及曲式结构、旋律进行、配器色彩等音乐要素以感情内涵, 来不断满足听众的需求。当时种类繁多、数量巨大的音乐体裁作品也无不体现出那一时期音乐创作的思想价值、宗教价值、时代价值和审美价值。

4、结语

作为西方音乐发展史上第一个高峰巴洛克时期, 是一个非常重视美学价值的时代。巴洛克时期的音乐创作美学是从主观和客观两方面入手的, 是以一种全新的角度和眼光去认识音乐的审美现象与规律。在时代背景与社会现状的前提下, 从人的心理能力上着手研究音乐创作美学, 对后来西方音乐美学有着深远的影响。

参考文献

[1]于润洋.西方音乐通史[M].上海音乐出版社, 2001

[2]凌继尧.西方美学史[M].北京大学出版社, 2004

[3]张前.音乐美学教程[M].上海音乐出版社, 2002

[4]于润洋.音乐形式问题的美学探讨 (上) [J].中央音乐学院学报1994, 1.

[5]于润洋.音乐形式问题的美学探讨 (下) [J].中央音乐学院学报1994, 2

巴洛克时期键盘音乐特点概述 第7篇

自文艺复兴后期至1750年的一百多年时间里, 键盘乐器无论在制作工艺还是作品创作方面, 都是飞速发展的。这个时期的羽管键琴是最具代表性的乐器, 在器乐合奏或伴奏乐队中都是不可或缺的最重要的乐器。作曲家们于1650年后开始为羽管键琴创作大量作品, 其中不乏优秀之作。

巴洛克时期的键盘音乐具有一种有别于之前文艺复兴时期的特点, 既延续了之前音乐前人的细腻, 又大胆创新的把创作手法更具表现力。巴洛克时期的键盘音乐与文艺复兴时期的键盘音乐的区别:

1.调式方面:巴洛克时期之前那种教会调式逐渐被大、小调式所代替。在1650年后, 新的和声体系越来越成熟, 调性转换手法也越来越多样化和规范化。

2.旋律方面:文艺复兴时期的作品中, 旋律显得十分平稳, 并多由人声来咏唱。到巴洛克时期, 声乐的旋律逐渐被转移到键盘乐器上, 而且旋律中经常出现远距离的跳跃, 重复主题乐句成了一种经常使用的重要手段, 尤其在双排键羽管琴键的演奏上, 由于羽管键琴无法解决音量的渐强和渐弱, 为弥补这个弱点, 当时的作曲家想出了一个“回声“的办法, 即一个乐句在一排键上以强音演奏后, 在第二排键上加以重复, 以造成回声效果。

3.节奏方面:巴洛克音乐显得更加有生气, 更加生动和活跃。为了在没有强弱变化的羽管键琴上奏出重音, 作曲家往往会在时值长度、乐句设计、和声变换和装饰音运用上巧妙构想, 造成突出重音的效果。

4.织体方面:早期巴洛克即1650年前, 作曲家还沿用单纯的和弦伴奏旋律这样一种和声型风格。1650年之后, 这种风格渐渐与复调音乐相结合, 发展成新的音乐风格, 即和声复调风格, 这种风格后来在J.S.巴赫的手中得到最完美的体现。

巴洛克时期的后期至前古典时期 (1700-1750) , 意大利、法国作曲家们大部分作品风格都是“华丽风格”, 即作品旋律悦耳、织体简单、装饰音使用过量, 这个时期被音乐史上有些人称为“洛可可时期”。

巴洛克时期的音乐作品装饰音种类繁多, 装饰音的运用是这个时期音乐的一个重要特征。还有非常突出的一点就是, 当时的作曲家们都喜爱使用三种乐曲形式, 这三种重要的乐曲形式是:组曲 (与后来的奏鸣曲有很近的关系) , 变奏曲和赋格 (前奏曲、托卡塔或幻想曲) 。

组曲:巴洛克时期, 组曲通常表示一系列速度、节拍、情绪不同的舞曲的组合。一部组曲内的各个乐章, 都出现在同一个调上, 都是二部曲式结构。这种组曲的形式可追溯到14世纪法国、意大利、德国的琉特琴音乐, 这些国家的琉特琴家常用两个舞曲为一组进行演奏, 而第二个舞曲又常常是第一个舞曲的变奏, 节拍上两个舞曲可先后为三拍子和二拍子, 或反之。18世纪德国组曲逐渐定型为:1, 前奏曲 (可有可无, 也可选用类似短曲) ;2, 阿勒芒德舞曲;3, 库特朗舞曲;4, 萨拉班德舞曲;5, 小步舞曲或加亚尔德舞曲等 (可有可无, 也可选用类似短曲) ;6, 吉格舞曲。这样的顺序, 其他国家的作曲家后来逐渐引用德国组曲的乐章顺序, 形成典型的巴洛克组曲形式。

变奏曲:变奏曲的创作原则的先创作 (确定) 一个主题, 然后根据主题的旋律、和声、节奏等因素, 进行各种各样的, 有鲜明对比的变化。早期巴洛克或更早时代的变奏曲有两种形态, 一种是循环低音类型, 旋律是以四至八小节为一句, 三拍子, 小调, 无论旋律或织体如何变化, 低音旋律 (音型) 是固定不变的。另一种是循环旋律的变奏类型, 这种变奏曲主题旋律必须达到十六或三十二小节的长度, 二部曲式, 简单和弦伴奏音型。16世纪的西班牙键盘音乐家还为我们提供了另一种变奏类型, 它用复调手法呈现主题。

赋格:赋格曲式, 或称赋格手法, 起源于文艺复兴时期利切尔卡和坎佐纳。通常有三、四个声部, 间或也有两个或五个声部。主题一般比较短小, 以无伴奏形式在一个声部呈现, 然后在另一个声部 (通常在高五度上) 作答, 当主题在各个声部都出现一次时, 就形成另一个乐段, 叫呈示部。在呈示部主题依次出现之间的链接乐段叫插入部, 插入部中没有一个声部会出现完整的主题。随着赋格的展开, 有时会在两个声部同时或轮唱式的出现主题。到了赋格的结尾乐段, 主题必须要再现一次。

组曲、变奏曲、赋格是巴洛克时期作曲家们最常采用的音乐体裁, 在巴洛克时期之后, 除变奏曲还保留着它的地位外, 组曲渐渐被废弃, 只留下个别舞曲曲式。而赋格这种曲式在古典乐派时期和浪漫派时期, 则很少被采用。

摘要：巴洛克时期的键盘音乐较文艺复兴时期的键盘音乐是有较大区别的, 在调式、旋律、节奏、织体方面都有明显的体现。本文阐述了在巴洛克时期键盘音乐作品的时代特色及在各方面较之前作品的变化, 并对巴洛克时期作曲家们偏爱三种乐曲形式:组曲、变奏曲、赋格作出简要说明。

关键词：巴洛克,键盘,音乐特点

参考文献

[1]格劳特等著, 汪启璋等译.西方音乐史.人民音乐出版社, 1996.

论巴洛克时期艺术发展的共性特征 第8篇

巴洛克艺术首先在意大利出现, 当时正是反宗教改革的阶段, 而罗马又是教会的中心。在教会的影响下, 巴洛克艺术具有浓郁的宗教色彩和西方普遍的享乐主义。从总体来说巴洛克时期的艺术, 追求一种富丽堂皇、气势宏大、繁复夸饰的艺术境界, 注重强烈情感的表现, 而且极力强调艺术作品的流动性、戏剧性和夸张性。

首先, 就巴洛克时期的建筑艺术来说。建筑艺术是巴洛克艺术最具有代表性的艺术门类之一。当时的巴洛克艺术为宗教服务, 当时的建筑也多以教堂为主。这些教堂建筑, 在造型上大量使用曲面, 周围多用喷泉、雕像、庭院等作搭配, 强调对色彩的使用, 从外观来看, 富丽堂皇, 极其赏心悦目。著名的圣卡罗教堂就是一个很典型的巴洛克风格的建筑。圣卡罗教堂的殿堂平面近似橄榄形, 教堂室内的穹顶为椭圆形, 再加上天花装饰中对曲线的运用, 使整个庞大的建筑在这些圆滑线条的衬托下看上去非常有流动性。教堂周围的小祈祷室, 教堂外部庭院和小型广场的设计, 以及教堂内部满布雕像和复杂的装饰, 强烈的光影效果和墙面的凹凸程度的不同, 使整个教堂内部看起来复杂夸张, 再加上教堂的高度和面积, 使得教堂建筑气势宏大, 让人一眼望去就能感觉到教堂的威严和教会的神圣不可侵犯。除了圣卡罗教堂之外, 世界第一大教堂圣彼得大教堂也是巴洛克风格的建筑。这些建筑完全打破了文艺复兴时期制定的种种规律, 风格自由奔放, 体现了当时人们对自由的向往。

在巴洛克时期, 和建筑相互呼应的一个艺术门类便是雕塑了。这个时期的雕塑似乎更能体现巴洛克艺术的风格。作品中极具运动感的构图以及强烈的激情宣泄, 无不在向大家宣示它们是属于巴洛克时期的。巴洛克时期的雕刻艺术最杰出的代表人物则非意大利的贝尔尼尼莫属。他把建筑与雕刻结合在一起, 又在雕刻中运用绘画的手法, 创造了一种建筑、雕刻与绘画三合一的混合物。贝尔尼尼喜欢雕刻带有情节性的群像, 因此他的作品中更明显的体现了巴洛克艺术的戏剧性。强烈的运动感是贝尔尼尼雕像中一个很重要的特征。在作品《强夺普罗赛尔皮那》中, 贝尔尼尼用流动的曲线将冥王的满怀得意和普罗赛尔皮那挣扎哭喊的神态完美的刻画出来, 形成了非常鲜明的戏剧性对比。两个人的身体都成S型, 使作品具有强烈的运动感。这样赏心悦目的感官之美, 正是巴洛克艺术的最高追求。

如果说意大利的巴洛克风格是18世纪北欧最有表现力的建筑语言, 那音乐也是如此了。文艺复兴时期的音乐缺乏节奏感、没有强弱音变化, 而巴洛克时期的音乐有很大的不同。它的乐句长短不一、节奏的跳跃性比较强、旋律特别精致且很多为多旋律、还具有相当多的装饰音。另外, 巴洛克时期的作曲家都喜欢用生动热情的音乐来表现自己丰富的思想感情, 他们往往会通过对比的手法来加强音乐效果。巴洛克音乐对比强烈而略带夸张, 相比文艺复兴时期音乐作品和谐统一、舒缓流畅以及整体四平八稳的风格来说, 巴洛克音乐冲破了这种传统, 变得更加热烈张扬。巴赫就是巴洛克时期最负盛名的作曲家。听到巴赫的音乐, 我们就会想到宗教。巴赫创作的音乐有很多基督受难的宗教剧, 表达了一种庄严的简洁与深沉的宗教感情。那种高昂的复调音乐非常具有巴洛克建筑的性质, 运用其有控制的空间来调动我们的感情, 让我们完全沉浸在音乐的世界里。

说到巴洛克音乐, 就不得不提巴洛克时期的歌剧。当时的歌剧大多是为了宫廷的庆典或者贵族的聚会而创作的, 光其豪华奢侈的程度就会让我们大为惊叹。巴洛克歌剧舞台的设计非常巨大, 画师常把背景延伸至城市的拱门和街道, 观众的视野可拓宽至遥远的地平线, 再加上其中各种道具和舞台装饰的使用, 使得这些场景无论从何种角度审视都是一件精致的艺术品, 所以有人说巴洛克时期的歌剧是一种豪华而非理性的娱乐。巴洛克歌剧最有特色的就是阉人歌手。他们独一无二的声线、呼吸的控制能力以及对乐感的灵敏性将节奏的运动感和音乐的流动性发挥到了极致, 他们用独特的声音吸引了无数的听众。在巴洛克歌剧发展到后期的时候, 咏叹调被作曲家赋予了深刻的音乐性, 优美流畅的旋律, 歌手还经常把重复的段落加以即兴装饰, 形成了复杂却又不失浪漫的巴洛克风格。巴洛克歌剧综合了炫技、高贵与奢华, 是巴洛克艺术珍贵的瑰宝, 是一个辉煌时代的完美体现。

在巴洛克时期, 绘画艺术也是不可忽视的。这个时期的绘画作品是非常豪华的艺术品, 追求画面的运动感, 强调光线的运用和戏剧性夸张的效果, 也是非常具有巴洛克风格的艺术门类。鲁本斯则是绘画方面的巴洛克大师。鲁本斯的作品中有的只是幸福快乐和浪漫。这种快乐的激情, 加上富有运动感的构图、奔放的笔触和绚丽的色彩, 形成了他打动人心的巴洛克画风。在《美惠三女神》中, 他用柔和流动的线条、华丽的色彩勾勒出一幅三位女神携手起舞的欢快画面。这幅画中欢快的浪漫情调, 动态的人物造型和明亮的色彩构成, 无不显示出巴洛克风格的特征。

无论是建筑、雕塑、音乐还是绘画, 表面看艺术门类多种多样, 作品也是各有不同, 但是在这些纷繁奇异的表象下, 我们依然可以看出这一时期艺术发展的共性。巴洛克艺术打破了文艺复兴时期对艺术既定的规律, 力求富丽, 提倡复杂夸张, 推崇动态的奔放, 务求感性的刺激, 是欧洲一种非常伟大的艺术风格。

参考文献

[1]肯尼斯·克拉克著, 易英译:《艺术与文明》, 东方出版中心, 254—279。

[2]王端廷著:《西方美术史》, 中央广播电视大学出版社, 122—140。

巴洛克至古典乐派时期的钢琴艺术 第9篇

一、巴洛克时期的钢琴艺术

巴洛克时期(1600-1750年)以哥特式教堂的方整高大、繁复装饰及教堂尖顶为象征。文艺复兴唤起了追求突破、探寻科学的,充满着热情、狂热的动力感充沛的浪漫精神,同时又崇尚简朴、理性,注重概括、推理、秩序的结构美,“以格律的形式表现浪漫精神”就是巴洛克时期的艺术风格。

巴洛克时期的音乐动力充沛、气势宏伟、情感夸张,又崇尚理性和细节雕饰,讲究结构感、层次感。德国作曲家巴赫(J.S.Bach1685-1750),英国作曲家亨德尔(Handel 1685-1759),法国作曲家弗兰索瓦·科普兰(Kouperin1668-1733),意大利作曲家维瓦尔第(Vivaldi 1678-1741)和斯卡拉蒂(Scarlatti 1685-1757)等等都是那个属于巴洛克后期最为著名的音乐家,其作品至今仍广为流传,尤其是巴赫,对键盘音乐的发展起着无人可替代的重要作用。

巴赫长期在教堂任职,深受宗教氛围和宗教音乐影响,他的音乐把对宗教的信仰和对音乐的热爱融为一体,他众多管风琴和古钢琴曲中,都体现出以内向含蓄、静观冥想的方式来表现的对宗教的虔诚和浓厚的人情味以及马丁·路德宗教改革后释放出来的如火如荼的人文精神。

巴赫是一位键盘复调音乐长期演进的集大成者,他的音乐扎根于宗教文化和德国传统民间音乐的同时,也创造性的广泛吸取外民族的音乐,兼收并蓄、博采众长,“意大利小提琴家维瓦尔第音乐中富于动力性的线条运动及节奏感,法国羽管键琴乐派典雅的装饰音,英国维吉那琴乐派的炫技音型和变奏手法等,都可在他的古钢琴乐曲中见到。”1其作品以严密的逻辑性和均衡的结构感来体现哥特式教堂“宁静之中有张力,动势之中有平衡”之辩证统一的、寄托着浓厚宗教情感的恢弘肃穆、辉煌壮丽的风格。

他的古钢琴作品《平均律钢琴曲集》被誉为“钢琴音乐的旧约圣经”。乐曲由前奏曲与赋格连在一起既有对比又相互补充,前奏曲大多是形式自由的和声性音乐,赋格曲则是由较为精炼的素材来构筑出来的复调与和声内在逻辑严密而结构均衡的音乐作品。音乐中除主旋律以外的声部也具有一定的独立意义,在“伴奏”的低音声部,除了其和声功能以外,还包含具有相对独立意义的弹奏时需要采用相应有对比、有变化的不同触键方式来处理的复调旋律。

同时代的法国宫廷则盛行着崇尚纤细、奇巧的,代表着贵族社会美学趣味的“洛可可”风格艺术,他们喜欢用漩涡形曲线和贝壳形花样来取得华丽的装饰效果,以给人赏心悦目而妩媚秀丽的感受。

法国古钢琴曲以标题性小品和小品套曲为主,其代表人物是科普兰和让·菲利普·拉莫(Rameau 1683-1764)。科普兰和拉莫与巴赫为代表的巴洛克音乐不同,他们以世俗生活的田园牧歌、晚宴舞会等愉悦享受为主要内容,追求外表效果的华美胜于挖掘思想情感的深度,追求简朴精巧、精致玲珑而给人以更多轻松愉悦的享受的作品。科普兰不喜欢在羽管键琴上追求明亮辉煌音响效果的炫技性表现,更注意发挥羽管键琴轻巧、精致的功能和纯净、明晰的音色效果去表现音乐的内在神韵,这种风格的法国音乐随着法国宫廷文化对欧洲各国的影响而传播开来,由此奠定了欧洲古典时期主调音乐的基础。这种键盘音乐风格此后一直未曾间断地为后世法国钢琴家们所继承下来而成为法国钢琴学派的风格特点,也是19世纪的肖邦和后世印象派德彪西、拉威尔的音乐风格渊源所在。同属洛可可风格的拉莫继续发展了科普兰羽管键琴上的音乐成就,但由于受法国启蒙运动思想家卢梭等人的影响以及与科普兰长期担任宫廷乐师不同的经历而接触的社会阶层不同,其音乐作品中洛可可风格常见的装饰性和娱乐性较科普兰作品要少而显得较为严肃和深刻。

与巴赫、亨德尔同年出生的斯卡拉蒂受意大利文艺复兴以来的绘画、雕塑、文学的影响,其作品力求摆脱巴洛克音乐束缚,没有巴赫作品那样深刻的宗教哲理性,与法国洛可可音乐风格的纯主调音乐也不尽相同,他独树一帜地以自由清新、无拘无束地更直接诉诸感官方式与心灵自由沟通的情感宣泄。他的作品更广泛地吸收了其长期居住地西班牙和葡萄牙民间歌舞的旋律、节奏和民间乐器的成分,以鲜明的色彩“描绘性”塑造了充满着生活气息的、丰富多彩的音乐形象。当时的键盘演奏技术还处于手臂和身体保持相对静态的“手指学派”时代,而斯卡拉蒂的一些作品演奏技巧难度超过了巴赫的《平均律》等大多数作品,比如快速手指跑动、双手交叉、大跳、快速平行三六度、双三度颤音等高超的演奏技术,他的创作演奏实践创造、丰富了一些新的键盘音乐语汇和演奏技术,使他成为了新的键盘演奏技法奠基人,对后来古典钢琴奏鸣曲形式的形成和钢琴技巧的发展以及整个钢琴音乐史的发展都产生了巨大的影响。

二、古典乐派时期的钢琴艺术

18世纪后半叶法国启蒙运动兴起,人们的艺术趣味和审美进一步转变。“文艺复兴”反对神权,把人们从旧天主教的束缚下解放出来;“启蒙运动”反对君权,提倡回到自然的合乎人性的理性思考。新兴市民阶层要求音乐艺术作品冲破过去旧有宗教、宫廷的局限,用更通俗易懂的追求轻松愉悦、精致敏感的主调音乐去表现日常生活和普通人的情感。复杂深奥而庄严肃穆的纵向对位形式的巴洛克复调音乐就逐渐让位于音乐线条起伏更富有变化,旋律进行也更为流畅的、以旋律横向进行为主的主调和声音乐。这一时期意大利喜歌剧的影响也更为广泛,钢琴作品为了更多表现普通人的情感也融入了人物歌唱和说话的模仿音调而使钢琴音乐更具有了歌唱性和宣叙调的特点。

在这一时期,随着乐器制造技术不断改进,制造出了与过去楔椎琴和羽管键琴不同的、可依靠手指的弹奏来控制音量变化的现代意义上的钢琴,使得十八世纪曼海姆交响乐派演奏中音量的渐强、渐弱、突强、突弱等动力性风格的表现手段也得以在钢琴音乐中加以使用,巴洛克音乐统一、并置的美学原则也由新的对比性原则所取代。能够更充分体现启蒙精神与矛盾的对立统一的奏鸣曲式逐渐成为主流,巴洛克时期的即兴演奏相对减少,音乐作品的谱面记录也更为细致和明确,照谱演奏逐渐成为通行的方式。

在钢琴和古钢琴同时存在、巴洛克音乐向古典主义音乐过渡的这个时期,钢琴的制造和专为钢琴创作的音乐同时在发展,钢琴音乐作品也由复调音乐逐渐向着“主旋律加伴奏”的方面发展变化。这个时期的音乐创作和演奏较为崇尚理性,提倡趣味至上,分寸适度,反对过多个性情感发挥的激情流露,这一美学原则对后来维也纳古典乐派的海顿和莫扎特的创作、演奏都产生了深远的影响。此外,巴赫的儿子卡·菲·埃·巴赫的创作实践也奠定了古典奏鸣曲“快——慢——快”的三乐章结构形式,并在钢琴艺术史上以《论键盘演奏的真正艺术》为基础论述、建立了一套完整的有关钢琴演奏艺术的理论体系,为以后维也纳古典乐派的海顿、莫扎特、贝多芬的钢琴创作铺开了道路。

出生于奥地利的约瑟夫·海顿(Joseph Haydn 1732-1809)于29岁的年纪谋得亲王宫廷乐长职位后近30年服务于宫廷。其作品大多属于乐观明朗、富有幽默感和民间气息的愉悦性应景之作,没有强烈的矛盾冲突表现和真正的悲剧性体现。他最优秀的作品是在其摆脱宫廷羁绊后,受18世纪70年代德国文学“狂飙运动”和北部德国“情感风格”的影响下创作的。其作品中出现了激越慷慨的表现悲壮气概的宣叙性音调,主题的展开也更为严密而富有结构感,调性、织体、力度、音域都有了更戏剧性对比。后受莫扎特作品歌唱性的影响,在他的作品中也有了更多的歌唱性、抒情性成分。“海顿虽然不是约·塞·巴赫式虔诚的宗教神秘主义者,也不是贝多芬式惊天动地的巨人,但也绝不是被人误解了的写些玩具是钢琴作品的‘海顿爸爸’。”2后辈的贝多芬从其作品中吸取了不少的养分。

与海顿同属维也纳古典乐派大师的莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791)6岁开始以“神童”身份在维也纳及英、法、德、意等国旅行演出,此间得以广泛接触各国各种优秀音乐而开拓了艺术视野。莫扎特身兼歌剧、交响乐、室内乐、钢琴家、指挥大师一身,对各种音乐体裁驾轻就熟,在创作中将歌剧中各式人物性格刻画和对乐队中各种乐器的敏锐感受融为一体,很好地将个人情感体验和满足听众的要求统一起来,将音乐情感表达和演奏技术的发挥合二为一。以歌剧思维来构思创作音乐作品是莫扎特最为显著的特征,在他的钢琴协奏曲之中,钢琴与乐队之间和乐队内部各乐器之间有着生动的对比,但相互之间又不形成贝多芬式“生死搏斗”的激烈冲突,常用出人意料的即兴演奏式的音乐素材转换、对照来表现戏剧性的情感,使主奏钢琴和协奏乐队之间达到了最为和谐的平衡。

他的纯器乐作品中,各形象鲜明、大量对比的主题也犹如歌剧中栩栩如生的人物化身,生动细腻而富有戏剧性,其自然流畅的旋律之天才流露无不体现着莫扎特的机巧、乐观和深切的人情味。以“神童”扬名的莫扎特,以他精致典雅、纤巧细腻而富于歌唱性的演奏风格,一如其作品中从不用极端的力度标记而是倾向于中庸、适度、节制一样充分地体现了古典主义趣味高雅、分寸适度的理想,在他的作品和演奏中,廉价的炫技永远在“趣味第一”之后,他的演奏大体保留了古钢琴的演奏风格。

1789年爆发法国大革命,在“自由、平等、博爱”的资产阶级启蒙运动呼号之下,冲破传统贵族趣味和旧有形式的束缚,争取个性独立解放,在作品里表现人的主观情感就自然的成为艺术领域的主流,维也纳古典乐派最伟大的大师贝多芬(L.V.Beethoven 17701827)的一生就处于这样一个欧洲政治激烈动荡的时代。法国大革命、拿破仑的兴亡、德意志民族运动高涨、维也纳“神圣同盟”复辟等等一系列的、革命、流血、斗争、失败、反抗的时代风潮使贝多芬的音乐充满了前所未有的激情,把个人主观情感和个性表现提到前所未有的高度。作为交响乐大师的贝多芬无论在钢琴上创作或演奏都追求、探寻钢琴音乐“交响性”的效果,“无论从音响上、演奏技术上、曲式规模上、还是从主题的展开、和声的功能、织体的复杂以及节奏的动力性上也都远远超过了海顿和莫扎特所使用的传统手法。”3以对比性原则为主的古典奏鸣曲式成为贝多芬表现矛盾的冲突、对比和统一的最有力手段,他创作的三十二首钢琴奏鸣曲和站在复调音乐之巅的巴赫创作的《平均律钢琴曲集》被奉为钢琴音乐的“新约圣经”和“旧约圣经”。他的协奏曲中独奏钢琴与乐队的对话、抗争用更具有交响乐化的手法使音乐在钢琴与乐队的竟奏中情感充沛、动力十足。

莫扎特讲究“趣味”,贝多芬强调“表情”,在他早中期的作品里情感激烈、猛冲猛打,充满了自豪感和矛盾对比的“英雄”、“搏斗”之类的主题,凸显出其“扼住命运的咽喉”、“通过斗争达到胜利”的宣言。而晚期作品则超脱了个人痛苦,精神世界得到升华,从个人情感表现上升到了思考人类命运的哲学思维中,作品开始趋向内省宁静、自由浪漫。“贝多芬创造性想象力的巨大力量引发了技巧展现的新形式,并产生了对钢琴家和钢琴制造业的极高要求。一个新的声音典范开始形成。”4贝多芬为代表的作曲家们为表现丰富多样情感的富有更多创造性想象力的作品,要求钢琴家们具备更多能够以丰富多样的技巧来进行演奏的技术能力,钢琴制造者们对乐器的精巧设计不断改进也使乐器的音色和性能得到相应的发展进步,三者之间相互刺激,使钢琴作品和相应的演奏技巧更加丰富多样,也就促使基于羽管键琴时代的巴洛克“手指学派”为基础的、以莫扎特为代表的典雅的维也纳学派更进一步走向了衰落。

维也纳古典乐派的创作、演奏奠定了钢琴在乐坛的“乐器之王”地位,为钢琴音乐的发展开创了更为广阔和深远的空间,使钢琴更多地走入了民众的生活。

摘要：巴洛克时期和古典乐派时期都是西方音乐史上的重要时段,讲究纵向对位形式的复杂深奥而庄严肃穆的巴洛克复调音乐,后来发展成了音乐线条的起伏更富有变化,旋律进行也更为流畅的、以旋律横向进行为主的古典乐派时期“主旋律加伴奏”的主调和声音乐。对这两个时期钢琴艺术的发展、演变有一个基本的了解是钢琴师生所必须的。

巴洛克时期 第10篇

关键词：巴洛克,音乐,建筑结构,比较

音乐和建筑都有自己的结构组成部分, 虽然音乐是感性的, 但是“作为声音艺术的音乐, 是在时间的行进中通过系统的组合音来表现美的艺术。音的组合方式各种各样, 但音乐作品绝不是单纯音的杂乱无章的集合, 而是按某些规律规定次序的有机音的统一体。”音乐的结构也是有规律的, 我们可以用理性的思维认识把握这些结构规律。

托波特哈姆林说:“建筑师必须担当房屋可见的交响乐的作曲兼指挥, 由他引导着观者按照他的布局升堂入室决定观者先看什么、再看什么、后看什么。建筑物的成功, 往往正是依靠这些印象的正确序列”既然建筑师是“建筑”这类“音乐”的作曲与指挥, 那么要写一首乐曲、表现乐曲, 除了有感情, 有想象力外, 还必须熟悉所有的音符以及每样乐器它的音色、音域并掌握作曲的理论, 使音符不只是纸面上的一个个符号, 而是要使它们富有生命力, 流动起来, 与听者产生共鸣。一首音乐作品的思想内容和艺术美, 要通过多种要素才能表现出来。我们试着对巴洛克时期音乐和建筑的一些要素做比较:

一、节奏

节奏指各个乐音在推进时的长短关系和强弱关系, 节奏是音乐中的基本要素, 它是音乐的灵魂。巴洛克音乐中情绪的一致性首先由持续的节奏型所表现, 在乐曲开始所听到的节奏型往往重复于整首曲子。这种节奏的一致性带来一种恒久的动力和激情先前的情绪很少被中断。较之于大多数文艺复兴时的音乐, 巴洛克音乐更加强调节拍。相对与建筑来讲, 音乐中的节奏就像建筑中的人流特性, 人流的大小、均匀程度、行进速度决定了空间大小以及空间链接的方式。

二、旋律

旋律指音乐中的音高关系是通过音程来表现的, 音程连续进行的构成的线条, 称为音高线, 按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的乐音就叫旋律, 是塑造音乐形象的最主要手段。巴洛克作品的旋律同样形成一种连贯统一的感觉。一条开始的旋律线能在巴洛克时期的曲子中一再出现。甚至在变奏曲式中, 某条旋律的特征也趋向一致。旋律往往连续呈现、扩展与展开。这种直接的运动感觉常常来自于某些旋律的模进, 即乐思向较高音区或向较低音区不断的重复。很多巴洛克音乐的旋律十分精致, 充满了装饰, 所以它们不易上口也不易记忆。巴洛克音乐的旋律更多表现的是力度扩展的感觉, 而不是平衡与对称。一个开始的短句往往跟随一个悠长连绵的快速音符的长句。在巴洛克声乐作品中, 旋律总是要加强歌词的力量, 音程的大跳和变化音的使用都是为了强调感情色彩。于是就产生了以宽广的曲线勾勒出表情庄重而又情绪悲怆的风格壮丽的旋律。对于巴洛克时期的建筑来讲, 旋律在音乐上的特点类似于建筑类型在建筑上的表现, 建筑类型指建筑的功能类型决定的了建筑的空间组成并进一步决定了这些空间的组合方式。建筑类型决定建筑的基本性格。巴洛克时期的建筑也充满了旋律性, 巴洛克建筑师热爱以复杂的平面规划来组构建筑物, 并且排斥简朴、单调的平面设计, 因为他们认为建筑物是具有可塑性、可以任意发展的。这种想法甚至让他们摒弃了直线及平整的建筑表面, 而以曲线和凸凹平面来取代, 以使人们摆脱建筑物就是一个方正盒子的印象。在不规则的建筑表面之后, 波浪形的墙壁成了巴洛克建筑的典型特征之一。波浪形的墙壁不但符合“建筑的整体是可以被塑造的”这个基本概念, 并且也将巴洛克式建筑的另一项不朽特点“动感”带入了建筑这个感觉上最静态的艺术形式当中。波浪形的墙壁、能喷出不断变化形状的喷泉以及正在做剧烈运动或看起来动作很用力的物体, 它们都充满了旋律的动感。

三、力度

力度指乐音的强弱程度。乐音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。巴洛克时期音乐不知道使用音量的起伏变化, 巴洛克音乐在进行时采用相当稳定的音量, 一段始终响亮的乐段后面跟上一段始终低柔的乐段, 以此造成明暗对比的效果。在巴洛克的音乐中与连续的节奏与旋律相呼应的是前后一致的力度层次:在某个时间片段内, 音量趋向于保持一致。而当力度转换时, 这种转换往往是突然间的, 如同从一个层次跳进至另一个层次。这种在较强与较弱之间的力度突变称为阶梯型力度。渐强或渐弱的力度变化虽然也偶尔采用, 但不是巴洛克音乐的主要特征。不过, 演唱者或演奏者出于表达的需要无疑也使用一些细腻的力度波动。巴洛克时期最主要的键盘乐器是管风琴和羽管键琴, 二者都适合于一致的力度层次。对于建筑来说, 力度相当于建筑上的空间尺度, 是指空间的形状和三维尺度 (特别是高度) 的变化, 会在人心中产生强度不同的震撼。斯巴达主教府邸著名的圆柱廊 (或叫透视廊) , 将巴洛克式建筑对于空间干的独特思考, 以及利用透视法实验出来的惊奇效果发挥的淋漓尽致, 小走廊用灰泥修饰。站在庭院中, 透过府邸左边的两扇门望过去, 走廊显得很深很深, 但实际上只有九米, 这被尔宁.潘诺斯基称为“魔鬼之诈”。

总之, 巴洛克时期的音乐与建筑结构要素之间存在千丝万缕的联系, 研究二者之间的相通性对于我们今后利用各方面知识从不同角度看待事物、认识世界、创造未来具有一定的启发作用。

参考文献

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[7].许丽雯《你不可不知道的欧洲艺术》中国旅游出版社219-225

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