欧洲古典园林范文

欧洲古典园林范文（精选7篇）

欧洲古典园林 第1篇

1亚里斯多德的美学思想

亚里斯多德(Aristoteles,前384～前322)是古希腊美学思想的集大成者,是欧洲哲学与美学思想的奠基人,也是第一个以独立体系阐明美学概念的人。公元前336年亚里斯多德在吕克昂创办了一个学园,被人们称为“逍遥学派”(Peripatetikos)。亚里斯多德被称为古代第一个“百科全书式”的学者。朱光潜先生在评价亚里斯多德的美学思想时说:“最显著的是他从生物学里带来了有机整体的概念,从心理学里带来了艺术的心理根源和艺术对观众的心理影响两个重要的观点,从历史学里带来了艺术种类的起源、发展与转变的观点。”其美学思想主要在《诗学》《修辞学》《形而上学》以及《政治学》等著作中。具体说来,亚里斯多德的美学思想主要表现在以下几个方面:

1)美的体现。认为美不是理念,美只存在于具体的美的事物之中,美首先取决于客观事物的属性。即体积的大小适中和各部分之间有机的和谐统一。他在《形而上学》中说:“美的主要形式是秩序、匀称和明确”。亚里斯多德认识到了美同人对客观事物的感受有关,指出容易感受的对象才是美的。他在《诗学》中说:“一个美的事物不但它的各部分应有一定的安排,而且它的体积也应有一定的大小,因为美要依靠体积与安排”。由此可见,他非常强调美的“适中”“合度”。亚里斯多德也曾说:“美要靠体积和安排”,他的这种美学时空观念在西方造园艺术中得到充分的体现。2)艺术的起源,摹仿的意义。亚里斯多德认为艺术的本质在于摹仿,而摹仿又分为三种:a.按事物本来的样子去摹仿;b.按照事物为人们所想的样子去摹仿;c.按照事物应有的样子去摹仿。他认为第三种摹仿方式最可取,因为艺术应当比现实更美。“艺术的真实”并非对现实作绝对准确的、自然主义的再现,要有艺术家的主观创造,既要从事物的原型出发,又应对事物加以理想化和提高。这种艺术观念对今天的艺术实践仍有价值。3)在艺术的审美作用上,亚里斯多德认为,追求快感的满足是出于人的天性,是人区别于禽兽的地方,快感是正常现象,不是一种罪恶,不应当压制。艺术应当引起快感,使人喜爱,从而得到审美满足,这样的艺术对社会无害而有益,并能促进人的健康、和谐、全面发展。因而艺术是一项正当的有益的高尚的活动。这种思想对此后西方艺术思想及创造有深远影响。

2欧洲园林的发展历程

欧洲古典园林的出现可以追溯到公元前的古希腊时期,与中国的园林景观一样,西方的园林艺术也有着悠久的历史和传统,是世界园林艺术的瑰宝。不同的是,欧洲的园林艺术不像中国的园林艺术与历史一脉相承,它是欧洲各国园林艺术交融发展的结果。在欧洲三千多年的园林发展史中,大致经历了6个代表时期:古希腊时期、古罗马时期、中世纪时期、文艺复兴时期、17世纪的法国、18世纪的英国。其中,直到18世纪英国风景式园林的出现,之前的欧洲古典园林可谓如出一辙。

古希腊是欧洲文明的摇篮,于公元前5世纪兴盛起来,哲学思想家、文人、市民的民主精神兴起,各地都大兴土木,建造园林,由于受到特殊的自然植被条件和人文因素的影响,出现了许多艺术风格的园林:庭院园林、圣林、公共园林和学院等,这些类型的园林是后来欧洲园林的雏形,从这个时期开始就奠定了欧洲规则式园林的基础。

公元前190年罗马征服了希腊,但却继承了希腊文化,罗马人在学习希腊的建筑、雕塑以及园林艺术的基础上,进一步的发展了古希腊园林艺术。这一时期,最具有代表性的类型是庄园。选址大多环境优美、群山环绕、树木葱茏,建筑规模宏大,装饰豪华,有的贵族庄园的华丽程度可与东方王侯的宫苑媲美。宅院一般有列柱廊式中厅,中厅面积不是很大,但有水池、水渠、喷泉、雕塑等,加上花草的点缀,创造出清凉宜人的生活环境。受古希腊园林艺术的影响,古罗马的园林艺术一般都体现出井然有序的人工美。

从公元500年罗马帝国灭亡到文艺复兴开始前的中世纪时期,这一千年中,古代文化的辉煌泯灭殆尽,欧洲陷入了黑暗时代,人们到宗教中寻找慰藉,因此促进了基督教的发展,与此相应的,这个时期主要是教堂庭院的发展。

基督教文明之后,欧洲进入了文艺复兴时期,是新兴资产阶级的思想文化运动,文艺复兴让人们迎来了欧洲园林艺术的新时代。这一时期的最主要的园林景观类型,以意大利庄园为代表。意大利庄园多建在郊外的山坡上,依山势建造成若干台层,形成独具特色的台地园。

17世纪的欧洲园林是勒诺特式的辉煌时代。闻名于世的凡尔赛宫使勒·诺特名垂青史。凡尔赛宫规模宏大、风格突出、内容丰富,完美体现了古典主义的园林艺术设计原则。正是由于勒·诺特刻苦自学建筑、透视知识和亚里斯多德哲学、美学理论,为他以后成为园林艺术大师奠定了雄厚的实力。也因此“勒·诺特式”造园风格风靡欧洲长达一个世纪之久,对欧洲的园林艺术产生了极其深远的影响。

3亚里斯多德美学思想在欧洲古典园林中的体现

以文艺复兴时期著名的意大利台地园——兰特庄园(Villa Lante)为例。兰特庄园是1547年由著名的建筑家、造园大师维尼奥拉设计,修筑于美丽的风景如画的巴涅亚小镇,地处高爽干燥的丘陵地带,是一座堪称意大利典范的台地花园。整个庄园风格统一,全园建筑、水系、绿化整体统一协调。有明确的中轴线贯穿全园,并联系各个台层使之成为统一的整体。中轴线上有水池、喷泉、雕像、坡道等,水景造型丰富,动静结合、趣味性强。而四层台地都十分完整,在空间的大小、形状、水景等方面都是有节奏的变化着,形成一个和谐的整体。而这正是以亚里斯多德的“美的主要形式是秩序、匀称和明确”“美要靠体积和安排”的美学时空观为宗旨的。在兰特庄园的设计中强调的是和谐、适中与合度,强调的是对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律,对比与统一,包括几何形体中圆形、方形等轴对称图形的运用,在方形的花坛或水池的设计上,长短边的比例,以及尺度的把握。包括建筑的设计也只是作为造景的要素之一,建筑形体的对称等,都完美的诠释亚里斯多德美学思想中“美的体现”的概念。

再就著名的法国凡尔赛宫(Le Jardin Du Chateau De Versailles)为例,除了整体规模的统一和谐、对称均衡以及比例协调、尺度适中之外,最值得一谈的是植物景观以及水体景观的设计。在绿化方面,布置在府邸近旁的刺绣花坛是法国园林的独创之一,在法国温和的气候条件下,适应以花卉为主的大型刺绣花坛,以追求鲜艳、明快、富丽的效果。在黄杨矮篱组成的图案中,底衬用彩色的砂石或碎砖,富有装饰性,犹如图案精美的地毯;而大运河的运用更是使凡尔赛宫名垂青史,勒诺特在园林中采用超尺度的十字形大运河,他认为巨大的运河像伸出双臂的巨人,可以给人以无比深刻的印象,在中轴线上,大运河纵向长1 650 m,宽62 m,横向上长1 013 m,在东西两端及纵横轴交汇处,大运河拓宽成轮廓优美的水池;中轴中心的阿波罗大喷水池主塑像阿波罗,路易14别号“太阳国王”,故对阿波罗神形象格外重视,也因此被路易14拿来比喻自己;在园林的整体设计上,它是被作为府邸的“露天客厅”来修建的,占用很大场地,地形平坦或略有起伏,中轴两侧对称均衡,整体上平缓而舒展。这些,绝非是对现实作绝对准确的、自然主义的再现,而是加入了艺术家的主观创造,既从事物的原型出发,又对事物加以理想化和提高。也正体现了“艺术来源于生活却高于生活”的本质。无不深刻体现出“摹仿的意义”。

在艺术的审美作用上,亚里斯多德认为,“追求快感的满足是出于人的天性,是人区别于禽兽的地方,快感是正常现象,不是一种罪恶,不应当压制。”这一观点在兰特庄园、凡尔赛宫以及其他欧洲古典园林的壁画、雕塑作品设计上被表现的淋漓尽致。无论是在建筑主体外观上的雕塑、园林中的雕塑或是建筑内部顶面及立面的绘画作品都给人一种愉悦的快感。如凡尔赛宫花园内描写美丽的神话或传说的雕塑作品,多为全裸或半裸的男女人体像。这种艺术给人们带来的快感是高尚纯洁的、有益无害的、健康和谐的。而此,正是亚里斯多德美学思想在“艺术的审美作用”上的精神所在,也因此对后来西方的艺术思想和艺术创造产生了巨大的影响作用。

总之,欧洲古典造园艺术无论是在总体布局,还是局部要素设计等各个层面上反映了“唯理”的宗旨,认为美是靠体积、安排、适中、匀称、明确、摹仿和快感来实现的,充分见证了亚里斯多德美学思想对整个欧洲古典造园艺术的深远影响,让我们深切感受到亚里斯多德美学思想的博大与精深。

摘要：简要介绍了亚里斯多德的美学思想,总结了欧洲古典园林的发展历程与造园风格,并分析了亚里斯多德美学思想的各个层面在欧洲古典园林中的体现及其对欧洲古典园林艺术的影响,以期引导人们深刻领会亚里斯多德美学思想的博大精深。

关键词：亚里斯多德美学思想,欧洲古典园林,造园风格

参考文献

[1][意]克罗齐(Croce,B.).美学原理[M].朱光潜,译.上海:上海人民出版社,2007.

[2]贾涛.美学教程[M].北京:中国环境科学出版社,2006.

[3]李泽厚.美的历程[M].天津:天津社会科学院出版社,2009.

[4]赵书彬.中外园林史[M].北京:机械工业出版社,2011.

[5]袁新华.中外建筑史[M].北京:北京大学出版社,2009.

欧洲古典油画技术美的形式因素 第2篇

关键词：古典油画,技术美,形式因素

古典油画技法始自公元14世纪, 主要指欧洲15、16世纪尼德兰和意大利的油画技法[1]。技术是人类在利用和改造自然过程中形成的经验、知识和技能[2]。在古典油画中, 技术指其材料、形式和精神等因素。技术美指技术领域里存在的美, 是美的本质的直接展现。油画技术美的形式是指作品的造型、色彩、素描等技术手段和审美价值。

古典油画写实造型体系的技术美

西方油画自文艺复兴时期开始承袭古希腊的写实美学传统, 并结合自然科学建立起透视解剖、明暗法则、色彩规律等写实技法理论, 我们谓之“西方写实油画”。

其实写实油画并不仅仅是对事物作表象上的再现, 而是在展现画家对写实语言与描绘对象的理解, 是一种思维方式, 只有运用这种思维方式才能真正地作好写实, 画出“实”的内容和“实”的情趣。同时, 这也是一种整体的思维方式, 是艺术家明确的艺术追求与科学理解、切实感受的浑然统一, 它不仅包含了比例、空间、构成等要素, 还有最重要的、贯穿于艺术家整个生命的精神格调, 它是一种思想和信念, 是从严谨的科学性出发并高于其上的, 对科学性的理解。所以杰作是高尚的精神格调和卓越的艺术技巧的统一体。

对于写实, 每个人都有自己的认识, 但是“实”不仅仅等于“细”, 细有头, 而实无限, 而且表象上的实也要和精神上的实结合地恰到好处。历代大师很多都采用写实手法, 但是他们各有自己表达“实”的方式, 并形成完美的风格。比如伦勃朗的思想情感就不能用达芬奇的“实”来表现, 卡拉瓦乔的气质就不能以提香的“实”来代替。所以精神和技巧是要浑然一体的, 否则画面就会不协调, 失去整体的艺术效果。

古典油画以“实”的具体面貌出现, 但画面中的整体结构如色块比例、黑白分布等抽象因素都被巧妙地隐藏了, 而这些, 正是古典绘画深厚传统的精华, 也是决定古典油画完整性的重要部分, 需要我们特别地加以关注和研究。

古典油画明暗素描体系的技术美

西方古典写实油画的特征之一是讲究明暗调子, 借此在二维平面上显示物体的三维立体感。西欧中世纪绘画的明暗表现不太成熟。明暗法在文艺复兴盛期才达到成熟, 达芬奇对此起了十分重要的作用, 他认为既然客观世界中的物体受光照以明暗方式显现形象, 那么绘画也应以明暗表现为主, 他使用圆球体受光变化的原理, 首创明暗渐进法, 即物体上由明到暗的过渡是连续渐变的, 没有截然的分界。

明暗画法既包括通过描绘客观事物的光影关系和固有色深浅, 来表现体积感和质感, 也包括主观处理的黑白关系, 如卡拉瓦乔是画面明暗处理卓越的大师, 他作品中的明暗不仅体现了客观的光影关系, 而且很好地形成了画面的几何构成, 将偶然的光照效果与必然的画面构成完美结合, 表达了形体和结构;而且, 他常通过光影关系对细节作概括处理, 让细部隐藏起来, 因为琐碎的细节会削弱画面的整体感。因此明暗画法是一种重要的素描能力, 它使画家通过刻画适度的明暗关系来解决表现明度、质感、画面结构等问题, 所以凡是明暗素描基础扎实的画家都能自如地把握形体, 并使色彩表现适度到位, 较好地达到写实描绘的目的。

古典油画固有色体系的技术美

固有色, 是指一个物体不同于另一个物体的特有色彩, 即一个物体在完全脱离其环境影响下的色彩。在绘画实践中, 固有色是指画家描绘时仅注重对象色彩的明暗深浅变化, 而忽视环境色彩对所绘事物色彩影响的画法。严格地说, 在19世纪60年代法国印象派产生之前的油画色彩都属于固有色体系, 如中世纪的画家用固有色作画, 而且因为尚未掌握透视法则和明暗规律, 画面形象是平面化的;14世纪意大利画家乔托开始把写实风格和明暗远近法结合起来, 迈出了写实绘画的关键性一步;16世纪的达芬奇以独特的明暗画法创造了二维画面上的立体感。但是在认识色彩方面, 他们多少都把暗部理解为仅仅是光线变暗而不存在色彩, 即暗部色彩是亮部色彩的简单变深。

其实, 古典写实油画的固有色体系与之描绘技法密不可分, 当时的主要技法是透明罩染技法, 就是先画单色素描, 然后在其上层层罩染, 即采用透明单色多次薄涂, 通过颜色的重叠得到复色, 表现了单纯、饱和的物体固有色彩;而印象派画家则是直接调和多种颜料, 并以小色点的交织来得到复色, 捕捉和表现丰富多变的条件色彩。就技术性而言, 采用罩色媒介与透明纯色的技法称为“间接画法”, 作画程序复杂、速度缓慢, 但稳定性好, 历经几百年色彩依然如新;而调和并置色彩的画法称为“直接画法”, 作画简便, 可以畅快地表达画家的即时情感, 但使用此法不慎容易造成颜料之间的化学反应等不良后果, 有些作品未经百年就已变色龟裂, 损坏严重。

综上所述, 古典油画历经数百年的传承, 在造型、素描和色彩等方面形成了成熟的体系, 其再现真实的表现力是其他材料技法所无法企及的, 是世界美术的重要组成部分。在当今科技进步、摄影技术高度发达的图像时代, 人们反而更加注重手工操作能力而越来越亲睐古典写实风格的油画, 所以它也越来越成为精英艺术而长盛不衰。

参考文献

[1]钟肇恒编, 朱伯雄校.英汉美术词典.上海:上海外语教育出版社, 1984.[1]钟肇恒编, 朱伯雄校.英汉美术词典.上海:上海外语教育出版社, 1984.

欧洲古典园林 第3篇

文艺复兴时期是欧洲封建社会向资本主义社会过渡的历史变革时期, 最早发源于14世纪末的意大利, 其原意为“重新发现古代”。但是它却绝非单纯的复古, 实质上是通过学习古典的途径创造新的文化和新的艺术。欧洲文艺复兴时期主要的社会思潮为人文主义。它的核心是肯定人性和道德, 要求把人们从宗教束缚中解放出来。体现在欧洲文艺复兴家具上的文化艺术则强调实用与美观相结合, 以人为本, 追求舒适和安乐, 赋予家具更多的理性和人情味, 形成了实用、和谐、精致、平衡、华美的风格特征。

欧洲文艺复兴家具在古代希腊古罗马家具的古典文化基础上, 吸收了东方中国家具文化, 并结合各国不同的历史背景、不同的经济社会结构以及不同的民族特性, 形成了各个国家各自不同的文艺复兴家具文化艺术的风格特征。如严谨、华丽的意大利文艺复兴式;稳重、挺拔的德国文艺复兴式;简洁、单纯的西班牙文艺复兴式和刚劲、质朴的英国文艺复兴式, 这些特点又都融于欧洲文艺复兴文化艺术总的风格特征之中。

文艺复兴时期的家具根据装饰内容和材料的不同还分为早期、中期和晚期。

早期的装饰图案多是生活场景和古典神话, 雕刻为浅浮雕, 材料大多用胡桃木, 注重结构需要和材料特性, 使形式设计得到更多的自由性和正确性;中期装饰图案为人体美或兽爪脚, 雕刻为深浮雕和圆雕两种, 完全以模仿古罗马石质制品的形式为主, 阻碍了家具的正常发展;晚期的装饰图案为蔓藤花环和彩绘人物, 雕刻为灰泥模塑细工装饰, 材料为胡桃木, 晚期哥特式窗格装饰与文艺复兴的形式结合, 形成了一种综合风味, 同时灰泥模塑细工装饰产生高雅优美的效果。

2 巴洛克风格的家具

巴洛克文化艺术是16世纪末开始于意大利, 17世纪和18世纪初遍布欧洲和拉丁美洲大部分地区的一种艺术潮流。巴洛克艺术风格是在文艺复兴基础上发展起来的, 但却一反文艺复兴艺术的静止、挺拔、空间感、豪华感、激情感, 追求浮夸、奇异和怪诞, 把建筑、家具、雕塑、绘画等艺术形式融为一体的艺术风格。

巴洛克风格的最大特点是以浪漫主义精神作为形式设计的基础, 在造型意识上与古典主义大相径庭。它创造于意大利, 影响遍布整个欧洲大陆。巴洛克风格家具的最大特点是舍弃了文艺复兴时期复杂的装饰, 将富于表现力的细部相对集中, 简化不必要的部分而着重于整体结构塑造。由于这些改变, 使坐椅已不再采用圆形旋木与方木相间的椅腿, 代之以整体的回栏状椅腿、椅坐、扶手和椅背, 并采用织物或皮革包衬来替代原来的装饰。这种改革不仅使家具造型在视觉上产生更为华贵而统一的效果, 同时在功能上也更具舒适感。

历代建筑文化艺术都是家具文化艺术产生和发展的重要源泉, 巴洛克建筑艺术上的一些特征如动感曲线、涡卷装饰、圆柱、壁柱、三角楣、人柱像、圆拱等都十分广泛地应用于家具中。尤其是家居设计往往由建筑师为适应建筑和室内的装饰而设计制作的, 家具在构成要素上多考虑适用的需要及新材料和新技术的运用, 采用建筑形式来创造具有统一整体的家居效果。因此, 使家具更多地表现出巴洛克建筑艺术风格特点, 并且也深深地影响着以后欧洲各时期的家具文化艺术。从法国路易十四时期的巴洛克家具文化艺术开始, 欧洲已经形成了以法国为中心的家具文化艺术发展运动, 但是各国又有其独自的特点:意大利巴洛克家具华丽;荷兰巴洛克家具典雅;法国巴洛克家具豪华;德国巴洛克家具端庄;英国巴洛克家具精细;西班牙巴洛克家具单纯。

欧洲巴洛克家具文化艺术总的趋势是打破古典主义严肃、端正的静止状态, 形成浪漫的曲直相间、曲线多变的生动形象, 并集雕刻、拼贴、镶嵌、旋木等多种技法为一体, 雅致优美重于舒适, 追求豪华、宏伟、奔放、庄严和浪漫的艺术效果。巴洛克风格家具的艺术性、观赏性是无可比拟的, 除了本身强烈的欧洲宫廷华贵气势, 也会使整个室内空间更加具有艺术氛围, 把每一件家具的抒情色彩表达得十分强烈, 强烈的舒适感与细腻温馨的色调处理, 把热情浪漫的艺术效果表达得十分成功。

3 洛可可风格的家具

法国是一个艺术至上的民族, 艺术在生活中的延伸也更加细致和到位, 我们可以从法国家具的细节读到它的历史。18世纪的法国处在浪漫主义时期, 当时法国宫殿中滋长了一种洛可可风气, 主要表现在绘画、建筑、室内装饰和家具等艺术上, 由法国路易十五宫廷形成而流行开来, 相继波及英国、意大利、荷兰、德国、俄国、美国等国家并具有各自不同的艺术特色:法国洛可可家具柔软优美;英国洛可可家具轻巧典雅;意大利洛可可家具精致柔丽;德国洛可可家具精巧华丽;荷兰洛可可家具严谨端庄;俄国洛可可家具精密鲜明;美国洛可可家具简洁单纯。

洛可可艺术的特征是以其华丽纤细的曲线著称, 相对于庄严、宏伟的巴洛克艺术而言, 洛可可艺术则打破了艺术上的对称、均衡、朴实的规律, 具有秀丽、柔婉、活泼的女人气质。

在造型手法上, 洛可可家具流动自如的曲线和曲面的应用, 是巴洛克艺术曲线造型的升华, 从而在18世纪中期成为了一种在欧洲占据统治地位的家具艺术形式。

其坐椅的风格特点是:轻巧、舒适和线条协调。椅腿间的横档没有了, 椅腿呈S形, 造型醒目, 扶手不再和椅腿呈直角, 而是稍往后缩, 常呈喇叭口状, 这是为了适应当时流行的带群环的长裙。装饰题材有:小花、粽叶、贝壳、卷边牌匾和叶涡旋饰。

洛可可家具的最大成就是在巴洛克家具的基础上进一步将优美的艺术造型与功能的舒适效果巧妙地结合在一起, 形成完美的工艺作品。特别值得一提的是家具的形式和室内陈设、室内墙壁的装饰完全一致, 形成一个完整的室内设计的新概念。通常以优美的曲线框架, 配以织锦缎, 并用珍木贴片、表面镀金装饰, 使得这时期的家具, 不仅在视觉上形成极端华贵的整体感觉, 而且在实用和装饰效果的配合上也达到了空前完美的程度。

18世纪, 英国的家具设计大师奇朋代尔 (17181779年) 将中国的塔、苏州园林技术等东方元素与西方家具制作技艺相融合。奇朋代尔在家具史上就是洛可可家具的同义词, 他是洛可可风格的缔造者。以复杂的波浪曲线模仿贝壳和岩石的外形, 并配以纤巧的雕饰, 以追求运动中的纤巧和华丽, 给人以流畅的动感。

4 结论

总的来说, 这三个时期的家具是欧洲古典家具的典型代表, 在古希腊古罗马家具和现代家具之间承前启后, 起着重要的桥梁作用。其造型手法有着鲜明的特点, 体现了当时欧洲的艺术特色和文化经济水平。既有继承又有创新, 传承了古代希腊古罗马时期家具的造型, 同时也受到了我国明式家具的影响, 有着很高的艺术价值、象征价值和历史价值, 已经成为了世界家具历史上的经典, 以致几百年后的今天这三种风格的家具依然很受欢迎。

摘要：欧洲古典家具, 一般是指文艺复兴时期到工业革命之前这一历史时期改变日常生活风格、内涵和标准的家具及装饰的仿古复制品。这种家具精益求精, 通常以实木为材料, 既有相当的硬度, 结实耐用, 又具很好的柔韧性、舒适性。装饰图案生动形象, 精致华美。浓厚的文化气息使其超越了“流行”的概念, 成为经典, 成为一种品位的象征。

关键词：文艺复兴,洛可可,巴洛克,浪漫主义

参考文献

[1]何人可.工业设计史[M].北京:北京理工大学出版社, 2008.

[2]董玉库.西方历代家具风格[M].哈尔滨:黑龙江科学技术出版社, 1996.

欧洲古典园林 第4篇

古典音乐, 在乐界, 因其主要体现理性的情感表达方式, 而被更多的学者认为是所谓的“严肃音乐”。[1]在我国, 80后、90后这些从出身就带有强烈自由主义色彩的一代, 更多地把个人喜好放在了情感宣泄自由的浪漫主义音乐上, 逐步远离了带有强烈“严肃”色彩的古典音乐。因此, 在自由主义蔓延的当代, 如何正确引导和培养年轻的音乐人对古典音乐的兴趣, 也就成了音乐教育中一个急需解决的教学难题。[2]

多元化的教学方式往往因其耳目一新的授课方式, 而更容易被学生所关注和接受。通过对古典音乐深厚的文化背景的研究, 本人采用以下的教学方式, 取得了良好的授课效果。

在古典音乐的教学课程中引入欧洲古典文学赏析课程

1750-1820年的欧洲, 恰逢古典主义文学和启蒙文学盛行的时代, 从莎士比亚、塞万提斯到巴洛克文学的兴起, 无不体现当时新文化新思潮的改革, 随即出现了昌盛一时的古典主义文学, 兴起于当时文化科技繁荣的法国, 随后扩展到欧洲其他国家。古典主义文学思潮是新兴的资产阶级和当时封建贵族在政治上妥协的产物。它和古典音乐的特点类似, 有着鲜明的时代特色。

因此, 在课堂教学中, 加入古典文学课程赏析, 通过对时代背景的理解, 对当时文化意识形态的理解, 更容易加深学生对音乐旋律背后诠释的文化的融会贯通。往往可以通过鼓励学生用自己的想象力复原文学作品中表达的大时代, 同时鼓励学生用自己对于音乐的理解力通过自己独有的方式呈现当时的文学作品以及那个时代的特征, 再对比古典音乐的表现形式, 不仅可以激发自我的创作能力, 同时通过对比和创作, 更有效地吸收了古典音乐的精华, 且达到了学以致用的效果。

在古典音乐的教学课程中引入欧洲古典舞蹈赏析课程

舞蹈是在三度空间内用身体为语言的一种交流方式, 是用人体的运动来体现的一种艺术形式。而且舞蹈往往借助音乐伴奏, 用形体的动作更加丰富地诠释音乐的力量。舞蹈赏析是通过观赏舞蹈时, 对舞蹈作品的感受、体验以及理解思考的整个过程, 其本质上是一种认识活动同时伴有自我思维的升华过程。舞蹈作品很直接很形象地反映当时的社会生活、人物的情感特点、舞者对于生活的自我审美, 是一种全方位多人共同参与表达的艺术形态。

在意大利文艺复兴时代, 芭蕾作为欧洲古典舞蹈的经典流行并逐渐职业化。芭蕾在发展过程中有严格的规范和结构形式, 要求女演员穿特制的足尖鞋立起用脚尖起舞。在古典芭蕾舞剧的赏析课程上, 我们要求学生尽量重现18世纪的场景。我们的课程设计上, 尽量模拟18世纪的欧洲剧场, 前10分钟, 学生通过阅读相关舞剧简介, 对接下来赏析的舞剧有个最基本的了解, 接着通过对《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》等经典芭蕾舞的赏析, 有一个全面直观丰富的体验。最后, 在课程结束前通过简短的讨论和提问来对比古典舞蹈配乐和整个舞台效果与真实的古典音乐之间的差异, 理解所谓的欧洲现实生活和欧洲当时理想的意识形态之间的差异, 从而轻松地理解所谓古典音乐严肃背后的理想主义色彩, 通过讨论和提问的形式来达到每个学生的自我理解消化, 且所提问题不当堂解决, 留为下一节课程的授课中心, 学生和老师共同准备下一堂的教学内容。

在古典音乐的教学课程中引入绘画赏析课程

在中世纪的欧洲, 人们常常将绘画称为“猴子的艺术”, 指的是人类如同猴子一样通过绘画的方式模仿人类活动, 因此绘画是一种临摹自然的艺术, 因为每个人对自然的理解有偏差也有自我的独特性, 绘画里面通过夹杂了画者不同的自我风格, 而体现不同的意识流。

在教学中, 我们主要加入对理性主义的“拉斐尔前派”作品的赏析, 因为这个学派往往取材于神话、宗教传说以及一些文学作品, 通过画者的理解和幻想而表达出来的, 如《世界之光》、《盲女》、《基督家庭》等代表作。通过对这些作品的赏析, 不但可以通过作品了解到当时西方很多的神话、宗教故事等文化起源的故事, 同时还可以了解到18世纪欧洲的画家对于文化起源的理解和自我剖析, 可以更全面地理解当时文化时代的意义, 也理解到所谓“严肃”音乐在那种特定的时代大背景下为何“严肃”的原因。[3]

只要音乐教育者肯下功夫, 结合时代特色, 采用多元化教学, 古典音乐也必将冲破“严肃”音乐的局限性, 被年轻的音乐人和更多的音乐爱好者所喜爱和接受。

参考文献

[1]宋莉莉.西方音乐简史与欣赏[M].济南:山东大学出版社, 2007.

[2]周佳毅.浅谈中国古典音乐现状及发展前景[J].声乐舞蹈, 2012, 09:119.

中国古典园林审美初探 第5篇

关键词：古典园林,审美,社会因素,文化因素

园林的发展, 经历了一个由重实用到重审美, 由不成熟到成熟, 由不自觉走向自觉的过程。古典园林的审美体现了造园者的学识修养, 德才情思, 它的形成与发展受当时社会方方面面的因素影响。

1 古典园林审美形成的社会因素

1.1 衣食足而知荣辱———物质基础

自公元前3世纪的秦代直到公元19世纪末叶的清代, 这个漫长的封建社会时段是古典园林发展历史上最辉煌的时期, 在此期间, 以农业为立国之本的小农经济体制决定了农耕生产成为创造社会物质财富的主要模式, 作为大量土地拥有者的地主阶级便可以通过财富的积累脱离体力劳动, 成为首先掌握文化的知识分子[1]。这便是耕读传家模式形成的经济因素。而一家一户的分散性经营于日后广泛渗透于私家园林的发展中, 古典园林尤其是私家园林的审美就是建立在这种由物质积累为根本的传承基础上的。

物质条件对园林审美发展的影响还体现在“一方水土养一方人”, 物资的丰饶多寡、粗细精良之别, 直接影响了人们造园活动的审美情趣。南国四季气候温和, 降雨充沛, 河流如织, 植物繁茂, 使设计精巧雅致的园林成为可能。物产的丰盈使人们的闲情逸趣得以从容培养。而在千里冰封的北国, 一年两季的收成使时间变得多余, 寒冷的冬闲日, 围坐火炉, 喝酒啖肉, 激发出豪迈直爽的性情。连年战事又熏陶出狂放不羁的性格, 宽广的胸怀和豪爽不羁的气度使人们认为, 即使面对死亡, 也只有尺度硕大、造型宏伟有力的陵墓才能与之相匹配。正是这些地域差异, 才造就了“青砖小瓦马头墙, 回廊挂落花格窗”的江南私家园林式的审美和“纳千顷之汪洋, 收四时之浪漫”以气魄见长的皇家园林式审美。

1.2 学而优则仕———政治因素

封建社会中, 中央集权的政治体制使得士、农、工、商的社会等级序列决定着国民的社会地位, 学而优则仕的科举考试制度诞生了大量由文人和官僚合流的“士”。兼具道儒两家思想的“士”们同时强调修身与治国, 所谓“达则兼济天下, 穷则独善其身”。一方面他们努力的参加科举, 为官执政, 将自己的理想尽可能的现实化;另一方面他们吟诗作画, 在各个艺术领域达到高超的造诣。其中由他们主导建造的古典园林, 融入了他们对自然、生命以及美的理解。他们把高雅的品位赋予园林, 其所经营的文人园林乃成为民间造园活动的主流[2]。

2 古典园林审美形成的文化因素

2.1 审美基础———儒、道、禅的哲学审美观

华夏美学的三大支柱是儒家美学、道家美学和禅宗美学。

儒家强调“天人合一”, 倡导“万物与吾一体”的说法, 主张人与自然的和谐共融。这样的哲学理念致使中国人的艺术心境完全融合于自然, “师法自然”也就成为中国园林所遵循的一条不可动摇的原则[3]。

道家认为人通过对自然的观察, 可以领悟到宇宙之间万物的关联与奥秘, 这就是所谓的道。道德领悟是一种至善至美的境界。这种思想引导下的古典园林不仅仅模仿自然, 更希望通过对于自然的追求领略其中的“道”与“理”。

比起儒家与道家, 禅宗美学的精神则更加超脱。它力求舍去一切实体的存在, 追寻心灵的空虚自在、无所束缚。在其超然旷达的哲理思想影响下中唐以后士大夫注重内心感悟体验, 开始景慕追求小中见大、壶中天地的园林模式和艺术观念, 在思想深度上建立了人文园林小中见大、咫尺山林的设计理念。

无论儒家美学、道家美学还是禅宗美学都立足于心性的修养, 造园者将其对世界、自然的理解, 对艺术文化的造诣, 对情感心灵的探求融汇于古典园林的建造中, 创造了一座座灵动优美、耐人寻味的城市山林。

2.2 审美共识———自然山水审美观

古代文人造园, 追求的是一种自然天成的美, 追求的是一种“不出城廓而获山水之怡, 身居闹市而得林泉之趣”的诗意栖居方式。儒家的美、善合一的自然观和“人化自然”的哲理, 使得中国古典园林在其生成之际便十分重视筑山和理水。早先寄情山水的思想意识潜移默化影响了士人们的山水情节。而山水文学、山水画、山水风景对古典园林的深厚影响, 自是不言而喻。中国历史上, 山水风景、山水画、山水文学、山水园林的同步发展, 形成了一种独特的文化现象———“山水文化”。山水文化几乎涵盖了士大夫生活的一切物质环境和精神环境[1]。妙造自然的意识被体现在造园活动的方方面面, 《浮生六记》中作者沈复记述儿时观察渺小微物之心得:夏蚊成雷, 私拟作群鹤舞空。心之所向, 则或千或百果鹤也。于土墙凹凸处, 花台小草从杂处, 常蹲其身, 使与台齐;定神细视, 以丛草为林, 以虫蚁为兽, 以土砾凸着为丘, 凹着为壑, 神游其中, 怡然自得[4]。张潮《幽梦影》中有“花不可以无蝶, 山不可以无泉, 石不可以无苔, 水不可以无藻, 乔木不可以无藤萝, 人不可以无癖”之说。山泉、石苔、水藻皆自然之物, 人力为之, 体现了造园者“移天缩地入君怀”妙造自然的园林审美情趣。

2.3 审美相融———书画曲艺的渗透

古典园林的审美向来和诗词曲艺、画境文心密不可分。这些艺术可以体现出人们对园林审美积极的参与性, 并且在当时的社会, 这种参与性往往惠及全民, 盛极一时, 成为大众审美的中流砥柱。比如被认为集音乐、舞蹈、戏曲、文学之美于一身的昆曲表演艺术兴起之时, 正逢江南造园活动空前繁荣, 艺术水平日趋成熟的时期, 就是如今这门曲高和寡的表演艺术在当年也有过“家家收拾起, 户户不提防”的鼎盛时期, 清代的苏州城甚至有城中只许唱昆曲, 不许唱京戏的禁令。不仅缙绅子弟和读书人喜欢拍曲的很多, 就连城中贩夫走卒都能哼上几句, 小巷深处的“水磨腔”此起彼伏, 极尽风雅。而园林作为美好的生活场所每每成为戏曲描写的主要场所。曲中唱园林, 园中也唱曲。一方面, 园林从戏曲借鉴了亦动亦静, 以少胜多, 婉约含蓄的表现手法;另一方面, 它又为小规模的戏曲表现和清唱提供了理想的地点。明清两代, 在园林中边顾曲边赏景是骚人墨客很喜爱的娱乐活动[5]。那水殿风来, 余音绕梁, 隔院笙歌, 月下笛声都是园林美和昆曲美令人神往的结合。中个妙处, 不可言传, 在这种全民普及式的审美熏陶下, 古典园林的精神内涵逐渐成为了当时人们深为企盼和共同赏识的审美追求。

3 对现代审美观的启示

吴冠中说过:如今我们中国文盲减少了, 美盲还很多。一个和谐的社会最终将走向艺术的归途。古典园林之审美是民族文化千年积淀和传承的结果, 19世纪鸦片战争以来, 列强入侵, 连年战乱, 加之建国后文革十年动荡, 无疑是将中国文化连根拔起, 白先勇说, 民族自信心丧失的重要表现之一是对本土文化及美学的自信的丧失, 人们不懂得什么叫好, 什么是美, 这个最糟糕。为何我国千年博大精深的传统文化会遭受漠视, 日渐式微。不仅因为文化传承的历史断层, 也因为国民审美传承在当代的断层所致。比如在英国等西方国家, 人们从家中随手拉出一把椅子就是前面几代人传下来的, 走进一家小酒吧或许它就有着上千年的历史, 历史就在每个人生活中得到延续, 而我们国家的历史仅仅是藏在博物馆里。对于个人而言, 审美观的发展由早期的环境影响熏陶至后来的个人探索发现, 是一个广而后深, 博而后专的过程, 没有早期广博基础的影响, 个人的探索便成无源之水无本之木, 所以当代人们的审美更注重的是自我发挥, 而不是在对传统美学理解基础上的传承和发展。

城市的发展也深受审美的影响, 城市建设大一统的局面的产生除了经济方面的因素外, 还在于人们对城市发展的理解定位在打造城市, 而不是在历史中的从容成长, 无中生有的城市缺乏文化底蕴、自身特色也就不足为奇了。

参考文献

[1]周维权.中国古典园林发展的人文背景[J].中国园林, 2004 (9) :59-62.

[2]闫力, 赵劲松.文士园林“虚与实”的美[J].天津城市建设学院学报, 2002, 8 (1) :53-54.

[3]周武忠.论中国古典园林美学观[J].扬州大学学报 (人文社会科学版) , 2003, 7 (4) :116-118.

[4]沈复.浮生六记[M].南京:江苏古籍出版社, 2002.

中国古典园林营造要素 第6篇

关键词：古典园林,山水布局,植物配置

中国古典园林是一种既有实用功能又更具艺术审美的空间艺术作品, 其园景空间布局有一定的章法可循。其空间布局尤如清代文人钱咏所讲: “造园如作诗文, 必使曲折有法, 前后呼应, 最忌错杂, 方称佳构。”此营造结构即为园林艺术理论的“理”“法”“式”。“理”是其基本理论, “法”是其创作手法, “式”是其具体样式。造园的营造要素, 由以下八个方面组成。

1 山水布局

山和水是自然界基本景观的两大要素, 极富艺术魅力。“山水”是传统园林地形的简称, 山水布局构成园林景观的基本轮廓。山水地形是自然美与人工美的高度统一。

“假山”是中国人对园林里人工创作山的通称, 假山不同于大自然中由于地壳运动形成的山峦岩石, 古典园林中的湖泊, 瀑布, 溪流等水景, 大多数也不是自然形成的。然而, 这种构成过程的“假”却是艺术的“真”, 是依照自然山水的特点, 加以艺术的提炼, 形成典型化, 成为真山真水的艺术再现。

古典园林的山景分土山和石山。土山效果首先有较厚土壤覆盖层, 其次要有自然石的配置, 常在覆土中露出内部岩石, 尤其在山顶、山涧、山麓等部位更见石骨, 第三用植物来衬托山林景观气氛。石山注重游人身临其境的感受, 或曲折、或崎岖、或深邃、或迷惘。石山另外一种表现手法为自然叠置, 来表达山林环境的趣味。山体给人以亲切感, 可以丰富园林的游乐活动。山体, 植物, 建筑的有机配合, 构成生动活泼, 丰富多彩的景观画面。

在园林风景中, 水体一般比山体更给人亲切感, 因而成为园林造景的第二大重要景观因素。水体可以丰富园林游艺活动, 水体与山体, 植物, 建筑的有机组合, 能形成生动活泼的景观效果。理水方式常有: 泉涌、飞瀑、溪涧、池塘、湖泊, 以模拟自然, 山水相依, 水与岸尽量接近, 岸边常设沙滩、石矶, 水中水岸配以相应植物, 水中放养观赏鱼类, 再显自然野趣情调。

“聚散有序, 自然得体”是理水的基本章法, 湖岸线要曲折变化, 常形成港湾, 增加透视水域广阔, 极目不尽的效果, 水常用桥梁连接, 湖中常设岛屿, 增加空间变化和景深层次。

2 建筑创作

园林是一种与自然充分接近的理想境域, 而其中建筑既有满足游憩的实用功能, 在山水花木映衬下, 轮廓鲜明, 形象突出, 又成为观赏视线的集中焦点, 常成为园景构图中心和游赏主景色。

古典园林非常重视园林建筑的经营, 各类景观建筑, 首先布置在景观欣赏的最佳位置, 同时园林建筑也是优美的景观元素, 建筑是凝固的音乐, 立体的画卷。

根据使用功能, 园林建筑可分为四类:

1) 风景游览建筑。结合地形、山水布局于园林环境中, 自身也构成园林景观, 如厅、堂、舍、馆、楼、阁、亭、廊、轩、榭、舫。

2) 庭院建筑。庭院是中国传统建筑的重要组合形式, 其布置形式为以一组建筑组合成自我独立的庭院空间, 院中布置花草树木, 内外空间渗透, 体现园居生活的游憩情趣。

3) 交通景观建筑。各种园路、桥梁、蹬道、码头等, 同时兼有交通与景观的作用。

4) 小品建筑。小品建筑是园林中雕饰建筑, 例如景门、景窗、座椅、园灯、云墙、花架等相关建筑, 也包含露天陈设, 家具, 雕塑, 建筑细部装饰等点缀物。

中国园林讲究诗情画意, 体现建筑与自然景观的和谐融洽。园林建筑作为景观视觉中心, 对自然山水起到画龙点睛的艺术作用。

3 植物配置

园林中植物景观的功能效果, 就是创造变幻有趣的园林空间, 使园林建筑与自然山水产生尺度宜人, 比例适当, 优雅幽静的空间环境。

古代造园名著《园冶》中, “远山一带翠屏, 近水两岸垂柳”“当庭一树浓荫, 窗前几盆花木”“晓风杨柳, 夜雨芭蕉”“绕池柳借翠, 隔院花分香”, 这些动人的植物景观是植物姿态、色彩、光影、气味等特征的生动写照。在中国园林中, 观赏植物有许多独特的艺术功能, 如: 装点山水, 衬托建筑, 丰富色彩, 表现季节。

古典名著《红楼梦》描绘“大观园”里植物造景, “转过山坡, 穿花度柳, 扶石依泉, 过荼蘼架, 入木香棚, 越牡丹亭, 度芍药圃, 到蔷薇院, 停芭蕉坞, 盘旋曲折, 忽闻水声潺潺, 出于石洞口, 上则罗薛侧垂, 下则落花浮荡。”

4 动物之趣

作为自然生态的重要内容, 动物可与山水、植物、建筑等造园要素在园景艺术中达到有机和谐统一。中国园林艺术, 既讲究对植物的配置, 也注重动物的点缀。

三千年前的商纣王在苑囿中已圈养“狗马奇物”“野兽蜚鸟”。西周时, “文王有囿, 方七十里”, 里面有野生的雉、兔、鹿、水禽和鱼类。秦汉时期上林苑里已设有“虚圈馆”“射熊馆”“鹿观”“走狗观”等。

中国古典园林欣赏动物, 常见的有以下几类: 湖池景区多放养水禽和观赏鱼类, 山林景区多放养鸣禽和走兽, 也有结合空间尺度点缀昆虫和飞禽, 自然而然的戏水栖息, 与环境极为和谐。

5 天象季相

天象季相在园林艺术中有两重含义, 一是借景天象, 将日月星辰, 天光云影, 阴晴雨雪等自然因素巧妙的纳入园林景观, 二是依据季相特征进行园林植物形态与色彩的配置。

春暖花开, 万象更新, 枝翠叶绿, 点点花红, “动人春色不须多, 嫩绿指头一点花。”夏花灿烂, 百花争艳, 琳琅满目, 美不胜收。秋高气爽, 枫叶片片, 黄菊丛丛, 色彩绚烂, 天空湛蓝, 冬雪季节, 红梅斗霜, 青竹傲雪。“春发嫩绿, 夏被浓荫, 秋叶胜春花, 冬枝有枯木”, 是园林艺术的四季画意。

6 景线组织

景点、景区及景线是中国园林园景结构的三大要素, 景线是景素的线性形态, 园路是最重要的景线, 既有交通功能, 还兼组景作用。园路一般具有以下特征:

1) 游览引导, 即将游园流线贯穿于园林景观之中, 将景点布置在游览线路上。游人沿线游览, 如入自然画图。

2) 依景布线, “因景设路, 因路得景, 步移景异”是中国传统造园理论布线原则, 园林景观的观赏角度、距离获得于合理的园路组织。

3) 回环曲折, 依据园林山水环境, 将园林道路布置为回环曲折形式, 来增加空间层次, 拓展游园范围, 在有限园地上创造无限风光。

4) 形态丰富, 传统园林的园路基本形态为甬道, 分别拓展为庭院, 广场, 游廊, 穿堂, 过厅, 蹬道, 步石, 桥梁等。

5) 精巧装饰, 传统造园为配合对周围景物的观赏, 经常对路面进行铺装处理, 以使游人感受景观空间特有情调。多采用条石和块石铺装登山道, 采用卵石铺装湖畔、游路等。

中国传统园林中, 常运用障景, 对景, 点景等手法布局园路与景观的空间关系。

障景, 障景是对景观要素的遮挡或隔断。通过对障景的处理形成所谓的“园中园”, 曲径通幽, 峰回路转等景观效果。

对景, 对景又被称为“框景”, 对景处理常用园林建筑门框, 门洞所形成的框架作为取景边框进行景点间连接呼应。

点景, 点景是指造型要素在景线上的布局点缀, 多采用花草, 树木, 叠石, 石刻等。

7 诗文点染

中国画构图常在画面空白之处, 书写诗文, 加题落款且加盖印章, 这些内容不仅完成了画面构图, 文字内涵也与画面融汇贯通, 起到了提升画面意境的作用。

中国传统园林也是通过对景观主题的诗文表达形成景题。一座园林常有景题, 且园中景点也有情景交融的诗文题咏。景题诗文与景观要素相结合, 可阐明具体景观形象的创作理念和审美情趣, 并作为古雅文物的鉴赏。

8 装饰陈设

欧洲古典园林 第7篇

关键词：中国,古典园林,现代园林,启示

改革开放以来, 随着人们物质生活水平的提高, 人们对良好的生产生活环境的需求与日俱增, 恢复了大量的名胜古迹, 新建了大量的城市公园、风景名胜区、森林公园和地质公园, 我国的园林事业得到了空前的发展。因此, 中国园林现在的首要任务是找回自己丢失的具有中国特色独特审美的造园理念, 分清有哪些传统是不适应现代社会发展人们生活需求的, 有哪些是应该继承和发扬光大的。对于我们来说, 这些艺术文明都是中华文化的瑰宝, 这是西方园林所没有的。我们

1中国古典园林的自然观给现代园林的启示

中国5000多年的文明史, 为我们留下了丰富的的园林遗产。中国的古典园林, 尤其是私家园林, 在明清时达到登峰造极的程度, 在造园上深受绘画、诗歌的影响, 讲求师法自然, 重在诗情画意, 以创造意境为园林设计的核心, 表达了古人顺应自然、利用自然, 将人工美融入自然美, 使园林成为大自然的组成部分的天人合一的园林观。中国古典园林强调“虽由人作、宛自天开”的哲学理念, 也强调“源于自然而高于自然”的造园思想。

中国古典园林的设计讲究以人为本, 人与自然要素 (建筑、山石、水体、植物) 以及自然要素之间的有机结合, 形成一系列的景观构图, 彼此协调互补, 达到人与自然高度和谐的境界, 园林中的各个物质构成全部都来源于人类的需要, 人类不理性地对自然的索取, 打破了人与自然的和平。但是对于中国古典园林来说, 天人合一的自然观是我国的一种传统文化, 具有十分悠久的历史, 天人合一不仅是中国传统哲学的根本观念, 更是一种指导方法, 它既能引领人们的生存发展, 又能保证自然环境健康有序的发展。在中国古典园林中, 人把自然看成了审美对象, 通过对自然的艺术加工创作出山水园林, 山水就是它的构成主体。

老子在《道德经》中说:“人法地, 地法天, 天法道, 道法自然”揭示了人对自然的深刻敬意, 在这一思想的指导下, 将个人情感以恰当的方式找到寄托给自然, 成为了艺术的最高目标, 从而最终获得精神上的解放。在中国古典园林中, 我们经常可以看到在山林中铺设的山石小路, 还有园中假山石间的绿植, 看似随意的摆放, 但又和周围的景观相得益彰。这就是“道法自然”不需要人工地刻意设计, 胜似随意却有意。

承德避暑山庄是我国最大的古典皇家园林, 始建于清朝康熙四十二年, 避暑山庄在选址时主要依据的就是人与自然和谐相处。康熙兴建行宫时, 经过多次的考察, 最后定在热河周围的一片山水修建热河行宫, 由于周围湖水、山林、草原、瀑布、溪流等丰富的自然资源, 形成了园内清新的空气和清爽宜人的气候, 夏季气温在20~26℃之间, 是少有的避暑圣地, 非常适合人居住。山庄内的有高有凹、有平有坦、有曲有深、自成一趣, 不用过多的人工雕琢。地形北高南低, 四周的群山好似一条长龙窝在西面。北边有蒙古草原风光, 西边有江南山水风光, 避暑山庄之所以在造园史上经久不衰, 主要就是当时的造园家善于将周围的美景借到园内并进行艺术加工, 形成了这种天时地利的自然美景。

由于山庄本身已经具备了山、水、林、地形的优势, 所以在造园时直接选取捷径, 充分利用了自然资源和地理条件来布局, 不用因为造园而破坏周边的自然环境。山庄内水源的非常丰富, 直接把武烈河水引入了园中, 因此园中的植物长得很茂密, 各类植物遍布在园中的每个角落。山庄内汇集了瀑布、山泉、溪水, 凭借这些自然的水体给山庄创造了很多园林景观, 其中最为有名的是“泉源石壁”, 借助天然的山势形成落差, 悬崖之下, 溪流从石壁涌出, 为了更好的角度观瀑, 在瀑布对面还建造了观瀑亭, 瀑布和亭子衬托周围的景色更加秀丽。自然环境所提供的环境是康熙选址的主要依据, 这不仅为山庄打下了良好的基础, 还为人们提供了舒适的生活环境。

中国园林现代景观设计也应如此, 一块场地有它自身的特点及其所处的环境, 我们的设计目的不是大面积的改造和破坏它的特点, 也不应对其所处的环境视若无睹, 而应在原有场地基础上进行园林的规划设计。

2 中国古典园林的意境之美给现代园林的启示

意境是我国传统美学的重要概念, 是中国画的最高品味, 也是古典园林的象征。中国山水画的意境是画家借景抒情表达思想情感的艺术境界, 意在笔先。画家通过对山水景物的观赏后对眼前事物进行联想而引发了自己情感上的共鸣, 表现在画面中的山水风景已经不再是人们眼见得景物, 而是画家情感和自然风景的结合, 是经过了画家艺术加工后的艺术景观。

造园如作画, 都讲究“意在笔先, 画尽意在”, 意境是园林创作的点睛之笔。造园者把自己的情感和精力在脑中进行提炼, 以“心境”进行营造, 然后再纳入园中, 这是古人最常用的营造意境的方法, 如避暑山庄内的月色江声, 取意为苏轼的《赤壁赋》, 每当月上东山, 满湖青光, 万籁俱寂, 只有湖中微波拍岸, 声音悦耳。“主人”在造园时, 早已把构想存在脑中, 而后直接就地取景, 一气呵成。直到今天我们站在湖边, 虽然空中没有明月, 但是仍可以感受这样的心境。

古人在造园时还会通过对水体的应用和建筑的灵活布局, 以及借景、框景、对景等创作技法的应用来创造园林的意境, 避暑山庄就在造园时巧妙地使用了借景手法, 收集了当时有名的美景并将它们纳入园中, 通过后期的改造, 不仅形似而且神似。在借景的同时, 不光把景观照搬到园内, 造园家还将其本来的意境加以营造, 与山庄的环境和气候相融合。如模仿嘉兴南湖的烟雨楼、镇江的金山寺、苏州的狮子林等, 这些都是山庄里著名的景点, 它们不仅形神兼备还超越了它原本的意境。但随着承德城市化的快速发展, 城市化元素已经蔓延至景区的内部, 而建筑物穿越了山庄湖泊区的林冠线, 钢筋混凝土的现代建筑和景观破坏了山庄本来的“归田园居”和“山野成趣”的美好意境, 使山庄看起来更多的像是一个在城市中的公园, 而非自然野趣的世外桃源。因此在后期修建时降低了周边一定范围内建筑物的高度, 以免城市化破坏了避暑山庄自古以来“隐归山林”的思想主题文化。

中国现代园林的设计受到西方园林景观设计的深刻影响, 西方的园林设计理念随处可见, 到处是罗马柱和欧式雕塑, 植物景观和水体分布多为规则式, 这与中国古典园林的造园风格大相径庭。这种现代园林没有文化内涵, 只是一个活动场所, 并不能给人们带来身心的放松和精神上的愉悦。这倒不是说西方园林不好, 任何地域的园林都应该有自己的设计思想和造园理论。现在我们在学习西方园林的过程中把它的本质和精神丢掉了, 只是盲目模仿照搬西方园林的造园形式。这种盲目的照搬没有文化内涵做支撑, 没有了“意在笔先”的内在而显得肤浅没有乐趣, 无法激起游人的共鸣。

现代的景观设计者应该认识到没有思想主题和文化底蕴的园林是没有生命的, 没有意境美的园林, 那只能是由花草、树木、石头、溪流等元素堆砌而成的, 充其量不过是毫无美感的景物, 并不能算是艺术。我们不能丢弃属于自己民族特色的造园理论, 作为设计师应该结合现代社会的变化和中国传统精神的营造手法, 设计出既满足人们生活的需求又具有中国特色的优秀园林, 中国古典园林无论在继承中国传统精神上还是具体的营造手法上都给我们重要的启示。

3 中国古典园林的空间布局给现代园林的启示

要使园林的空间具有丰富的层次和景深, 空间的曲折变化很重要, 在私家园林里, “曲”是非常典型的园林特征[4]。在古典园林中, 这种曲折变化直接影响了园路的走向, 如留园的入口设计, 本来可以上下南北贯通, 但是却设计了很多狭窄的天井、长廊、很多的转折, 最后才引至“古木交柯”处。在留园中部石林小院, 约有10多处小的空间组成, 均与长廊、空窗、门庭等相连接, 庭院中部还设置了很多假山, 种了很多翠竹芭蕉。站在庭院中部, 向四面环视, 视线穿过空窗门庭长廊可以看到相邻小园中的美景。这种曲折巧妙的布局使室内外空间相互贯通, 形成空间的多层次变化, 使远景看起来深远幽邃, 为园林增添了空间层次多变的优美景色。

连接建筑之间的曲径主要以曲廊为主。江南园林中的廊, 宜曲宜长, 随形而弯, 依势而曲。曲廊分爬山廊、空廊、水廊、回廊、楼廊、复廊等, 不管建在何处、以什么样的形态曲折, 都能给人带来美的感受。江南园林中最美的曲廊要属拙政园中的波形水廊, 这段曲廊完全是建在水上的, 视线是外向、通透的。远看水廊, 似长虹卧波, 气势非凡。

避暑山庄是服务于帝王的, 所以并没有很规则的景观轴线, 总体采用的是大分小散集中的“集锦式”建筑布局, 并形成了一种随处可赏、可观、可憩的平面构图, 布局比较松散, 游览更为随意, 道路也多为石子铺成的小路, 园中很少见宽敞的大路。避暑山庄分为行宫区和园林区, 行宫区内以中轴线贯穿整个园区, 布局严整, 不失皇家气派。园林区中的湖区是主景区, 是由武烈河、热河泉和附近的河流汇聚而成, 周围山峦起伏, 将湖区包围在中心。湖区空间并没有完全依照一池三山的规则来划分空间, 如月色江声、水心榭、意州等等。它们直接将湖区分为几个部分, 分别为澄湖、上湖、下湖、银湖、镜湖等, 其中以澄湖、上湖、下湖三部分为主要湖区, 其余部分都散布在主要湖区的周围。每个部分之间利用桥梁相连接, 这样聚散有致的手法, 避免了大面积水体的空旷感, 同时在湖中建小岛, 也起了障景的作用。山岳区占园面积最大, 但是由于山岳区位置偏远, 因此人流量较少。平原区居中, 地势较为宽广, 有大片的草场, 在清朝时期主要用来招待宾客, 现在的平原区用来供人们休息。

“园中园”是避暑山庄常见的空间处理方法, 它可以解决大型园林中出现的空间混乱和空间没有层次、景观单调等问题, 可以取得亲切怡人、幽静安宁的效果, 在避暑山庄的72景中, 独立成园的景区很多, 宫殿区为帝王的行政中心, 围绕它的金山、青莲岛、文园狮子林等景观群都是独立成群的景观, 这些景观的布局生动又简明。现代园林空间中通常出现的弊病是空矿、单调, 其主耍原因是由于园内空间布局缺乏疏密相间, 主次不分明。如果能吸取古典园林中常用的“园中园”手法, 就能使园内景色丰富多采。

在现代园林一些面积较小的景区中, 可以使用江南私家园林中的小中见大的造园手法, 使园内布局疏密相见, 有曲折变化。现代园林更加注重的是实用性, 它服务于广大的群众, 有的人追求热闹的气氛, 有的喜欢幽静隐秘的空间, 有的则向往自然的野趣, 因此应该适当地借鉴江南园林中优秀的造园手法, 满足人们的需求, 使我们的园林不光使用价值高, 而且还具有艺术欣赏价值。

4 中国古典园林的植物配置给现代园林的启示

古典园林中的植物不仅丰富了造园艺术, 还是造园者一种心灵的寄托。比如常出现的松柏, 它们象征了文人的坚贞, 孤傲耿直的品格。梅花象征了文人刚强不屈的意志。荷花象征了文人出淤泥而不染的高洁品质。竹象征了气节, 自古以来, 受到人们的普遍喜爱。古人常以“玉可碎而不改其白, 竹可焚而不毁其节”来比喻人的气节, 这些都是文人常用来造园的植物。植物摆放遵循“三远”、疏密相间、藏露结合的原则, 林木在摆放上应分层次, 近处的树和远处的树在姿态、色彩、高低上都有对比。树木的放置位置和间隔都不能太规则, 古典园林中的植物多以三五株成林。

避暑山庄土地肥沃, 土壤含水量较高, 保水保肥性能较好, 是天然的草场, 因此园中原有植被保留比较完好。树木群中属松树数量最多, 松树群中大部分都是天然松树, 只有少数行道树是人工栽植的。园中树木多以孤植或林植的形式栽植, 它们或围绕在建筑周围, 或独立成林, 或稀疏分布在平原区, 给建筑和平园景色增添了肃穆和威严的气氛。清帝把松树作为观赏主题, 因此建造了很多以松树为品题的殿堂, 如万壑松风、松壑清爽、松岩亭等数不胜数, 清帝主要是借松树来表达自己正直、坚韧不屈的内在品质。后因为山庄重建, 又增添了很多新的外来植物进行补充, 在不改变山庄原有植物特色的同时, 增添了新的色彩。如枫树和栎树在秋天叶子会变红, 这一片红点缀在松林中, 显得生动活泼。还有梨树峪上的白梨, 到了春天漫山遍野的梨花, 像雪一样装点了山坡, 香气袭人。“四面有山皆入画, 一年无时不看花”这是清人对避暑山庄的真实写照, 可见造园者对山庄内植物配置应用已达到了炉火纯青的境界。

避暑山庄在造景时, 十分注重景观四周环境与植物的搭配, 比如烟雨楼所在的青莲岛四周都被荷花围绕, 衬托得烟雨楼更加飘渺富有情趣。还有宫殿区植物选择以松树为主, 寝宫区在其基础上又散缀了玫瑰、白芍等植物, 在庄严肃穆的同时又添加了少许的生气。正如乾隆所描述的“若夫崇山峻岭, 水态林姿, 鹤鹿之游, 鸢鱼之乐, 加之岩斋溪阁, 芳草古木, 物有天然之趣, 人忘尘世之怀, 较之汉唐离宫别苑, 有过之无不及也。”

植物是园林造景的重要组成, 也是园林中的主要色彩。在园林属于不断变化的景观构成物质, 它会因季节的变化而变化, 因生理周期的变化而变化, 这些变化给园林增加了趣味和生机。在设计园林时, 不应该忽视对植物的应用。植物配置时, 一定要遵循因地制宜的原则。现在很多园林设计者盲目地栽种植物, 只注重美观忽略了植物的生长特性, 把很多不适宜在北方生长的南方植物移植到园中, 导致了很多死树死花。植物配置应与环境中其他要素和谐协调, 根据周围环境的建筑的风格和色彩, 有选择地进行合理配置, 如常绿树与色叶树相结合, 能产生画龙点睛的效果。在面积较大的广场或公共绿地中, 实施草坪铺底, 香樟、桂花等常绿乔木散植或丛植, 再点缀几棵红枫、银杏等色叶木, 形成乔、灌、草结合, 层次分明、绚丽多姿的疏朗园林绿地。

5 结语

现代社会, 人们越来越离不开园林了。中国园林景观的发展不能一味地仿效西方的造园风格, 丢弃了自己民族的文化精华, 应当通过对传统园林文化的继承和发扬, 对西方园林的借鉴, 创造出符合人们需求的现代园林。现代园林设计要源于自然而高于自然, 不能简单地模仿自然, 要突出主题, 发扬中国古典园林的自然观、意境之美、创作手法等造园精髓, 提高现代园林的艺术性, 使现代园林与城市建筑、街道等城市设施形成相互联系的有机整体。

参考文献

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