钢琴演奏中的音色审美

钢琴演奏中的音色审美（精选11篇）

钢琴演奏中的音色审美 第1篇

一、音色控制中的触键技巧

触键技巧是音色控制的决定性因素, 演奏者的演奏技巧是否高超就在于是否拥有娴熟的触键技巧。钢琴演奏者要将不同难度的钢琴曲目演奏出来, 就需要对自身的触键控制勤加练习, 触键控制主要从三个方面入手:第一, 演奏时小臂及手掌的正确位置。演奏者在钢琴演奏过程中, 应该注意保持小臂的水平状态, 小臂应与键面保持平行, 在弹奏钢琴时, 要注意手指应触在白键的中间位置, 触在黑键的三分之一处;第二, 手型的灵活控制。在钢琴演奏过程中, 手型并不是一成不变的, 而是根据曲谱中的音符变化而不断变化的, 因此, 演奏者应该具备灵活的手型控制;第三, 根据不同的作品采用不同的触键方案。每一个钢琴作品都有不同的听觉效果和音色要求, 演奏者应该采用不同的触键方案来达到作品的要求, 保证钢琴作品的完美呈现。触键是钢琴演奏者演奏钢琴曲的必备条件, 也是创造出完美音色的前提, 钢琴演奏者只有在具备高超的触键技巧之后, 才能从音色审美的角度来提升自己的演奏水平。

二、钢琴演奏中音色审美的体现

(一) 虚静审美。在钢琴演奏中, 虚静并不是说在演奏技巧上达到虚静, 虚静是一种心境, 是从精神层面上来理解的。虚静是指钢琴演奏者在演奏时去除烦杂的现实感情, 保持心理上的平静, 以一种空明的心态去弹奏。虚静主要可以从两个角度来理解:第一, 宁静。钢琴演奏者在演奏时保持内心的宁静, 忘掉凡尘中一些令人心乱的事, 使自己在心静时去感受钢琴曲目中的感情, 感悟钢琴作品所需要的触键技巧。第二, 专注。在演奏时, 钢琴演奏者应将自己的情感都注入演奏之中, 使自己的感情通过琴键的触动传送, 让听众真切感受到钢琴音乐中的思想感情。钢琴演奏者在演奏时保持“虚静”的心境, 才能在演奏的过程中真实地感受到钢琴音乐的情绪, 才能更为细腻地控制自己的触键, 使自己的触键技巧符合曲目的音色要求, 完美地呈现钢琴作品的美感, 也使自己能在演奏的过程中获得一次精彩的审美体验。

(二) 情感审美。音乐往往具有情感渲染的作用, 在听到清新的音乐时, 听众会变得放松, 在听到哀婉的音乐时, 听众会变得悲伤。音乐对于听众的情感触发作用不仅仅是针对于人类, 对动物也是如此, 比如奶牛在产奶的时候听轻快的音乐, 产奶速度也会变快。因此, 音乐是有情感的。在钢琴演奏中, 钢琴演奏者应该学会感受钢琴作品的情感, 将钢琴作品的情感通过自己手指的律动向听众呈现。演奏者感受钢琴作品的情感, 其实就是一次情感的共鸣, 从审美角度上来讲, 情感的共鸣是一种审美的移情。演奏者要将钢琴作品的情感呈现出来, 并不仅仅是将钢琴作品完整地弹奏出来, 还要注意控制自己在弹奏时的指法组合、触键速度、触键力度, 比如在演唱歌曲时, 一个巧妙的转音, 一次音量的转换, 都可以改变音乐的感觉, 改变音乐的情感。在钢琴演奏中也是如此, 演奏者要根据自己对钢琴作品的感受来控制自己的触键, 触发音乐的情感。

(三) 神思境界。神思境界是非常抽象的, 它不仅仅是一种心境、一种情感, 还是一种物我合一的状态。对于神思境界的解释, 难以用文字描述出来, 笔者只能介绍达到神思境界的要求。达到神思境界主要有两大要求:第一, 达到“虚静”, 由“虚静”引发。前文已经较为详细地介绍了“虚静”, 钢琴演奏者在拥有“虚静”的心境时, 自身的情感会随着钢琴曲目的变化而变化, 而神思境界就是在这种变化最为细腻时出现的。第二, 艺术想象。演奏者在演奏的过程中通过自己的艺术想象, 在表达钢琴音乐的情感时, 引发自己的心灵共鸣, 从而传达出更为深远的思想, 这也是达到神思境界的要求。

三、总结

总而言之, 音色是一种抽象但不可或缺的音乐概念, 钢琴演奏者要使自己的演奏水平提高, 就要重视自己正确的音色审美培养。钢琴演奏者应在具备娴熟的触键技巧的前提下, 从虚静审美、情感审美、神思境界三个角度来审视自己的音色审美。

摘要：在钢琴演奏中, 最为重要的就是对音色的掌控。钢琴演奏中音色的质量由演奏者的触键技巧来体现, 而钢琴演奏者的演奏水平则是由演奏者的演奏技巧、情感投入以及艺术想象共同决定。因此, 对于钢琴演奏中音色审美问题的研究是非常有必要的。

关键词：钢琴,演奏,音色审美

参考文献

[1]刘晓婧.钢琴演奏中音色审美研究[J].戏剧之家, 2014, (7) :128-128.

[2]王莹.音色审美在钢琴演奏中的探讨[J].现代交际, 2014, (6) :73-73.

钢琴音色特点与演奏技巧的浅议 第2篇

[论文关键词]钢琴 音色 表现力 演奏技巧

[论文摘要]通过钢琴丰富的音色表现力和音色特点,阐述如何表现、如何改变音色的方法,分析改变音色的演奏技巧。

音色是由发音体的性质、形态以及其产生泛音数目的不同而呈现出的不同声音,即音的色彩和特征。优美的音色是音乐表演者必须持续不断追求的目标。只有演奏出优美的音色才能打动听众的心,实现音乐感人肺腑之功能。着名钢琴教育家涅高兹说“钢琴的艺术也是声音的艺术,通过弹奏音色的变化产生的音响可以表现出愤怒的狂号、疾风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果断刚烈等强烈的情感,也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰、爱抚、叹息、抽泣、甜蜜、微笑、幸福、爱情等内心的复杂情感,也可以表达空谷回声、黄昏钟声、高山流水、粼粼水波等大自然的奇观美景以及阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之,所有称之为音乐的东西都可以在钢琴上弹奏出来, 而音色的变化使音乐的表现具有广阔的想象空间和表现范围。

一、钢琴独特的音色美

在辽阔的音乐世界,乐器的品种类别数以千百,但人们却对钢琴情有独钟,那是因为钢琴本身所具有的独特性能和审美价值。钢琴的气势宏大,没有哪件乐器可以与之相比。它既有辽亮辉煌的音响,又有绚丽多彩极具丰富的音色。钢琴音域广达6-7个八度,力度变化从最弱到最强,体现了大幅度、多层次音响特征,其丰富的表现力可以与一个交响乐队媲美。通过弹奏等技术处理又可以使音乐变化多彩„„钢琴这种乐器在笔者的印象中是最理智的,弹奏时脑海里总是浮现各种更感性的、更具体的声音形象,包括人声和世界上所有乐器所表现出来的各种各样的色彩。因此钢琴演奏者不需要任何人的帮助,一个人就可以单独在钢琴上塑造出绝对完整的形象,创造出某种完整和完美的钢琴作品。

钢琴有它独特的音色美,有它的“自我”,无法与其他东西混淆。我们应当了解并喜爱钢琴独特的“自我”,从而彻底理解它、掌握它。音色美给人以官能上的快感,这种源于物理属性的生理反应,是一种初级的灵感。但从键盘上流淌出来的音乐,却蕴涵着丰富的音乐美的内涵,这种有旋律、和声、调式、调性、肢体、曲式、速度、力度等音乐表现要素交织在一起所构成的音响美,不仅给人以情绪的感染和精神的愉悦,而且还具有一定的启迪智慧、完善品格的效应。只有当你在钢琴上弹出不可能的东西时,你才能弹出钢琴上一切可能表现的东西。心理学家认为,概念、想象、愿望是可以跑在实际的东西前面的。贝多芬耳聋后创作了他听不见的钢琴音响并且预示了钢琴在数十年后的发展。作曲家的创作精神为钢琴音响探索出了新的规律,而钢琴就逐渐地适应了这些规律。

从钢琴弹奏的原理上看,钢琴是键盘乐器,是通过琴槌击弦发出声音的,因此颗粒性声音是钢琴的特色和所长。弹跳音、弹连奏就特别能显示钢琴的优势。在弹奏运指的同时,自肩起贯通至臂腕部,力量从上至下,无阻隔的传递到指间,这需要学生上部身躯各个部位能够相互协调并运用自如。尤其是臂腕部尽量放松,整体投入、上通下点、手指站立,这样所发出的音响通透亮丽,松弛而有弹性,富有光泽。在节奏旋律上有脉动感,有活力,更有清澈的颗粒性。所谓“大珠小珠落玉盘”就是钢琴效果的精妙写照。要训练好手指,使其独立、主动、灵活;使弹奏的声音清晰、流畅、均匀。这对展现出钢琴所长是关键性的步骤。

二、正确的触键方式是获得良好音色的前提

钢琴演奏中的触键技巧与音色效果 第3篇

关键词：钢琴演奏 触键技巧 音色效果

钢琴被称作为乐器之王，无论在音量，还是音色，或者是音域方面都有着其他乐器难以企及的效果，因此在音乐表现力和艺术魅力方面有着更加突出的特点。但是，要想发挥出钢琴的音乐效能，还需要高度重视钢琴弹奏中触键技巧和音色效果。

一、钢琴演奏中触键技巧

钢琴演奏中触键技巧可以归结为以下三个方面的内容：其一，高抬指弹奏。科学的钢琴弹奏不仅仅是手指的艺术节奏，更多的情况下需要动用全身的肢体。这对于初学者来讲是很重要的。立足根本，坐姿笔直，手臂自然下垂，手指保持高高抬起的状态的同时，避免过度紧张；在手指弹奏的过程中，第一指关节应该保持相应的弧度，处理好手腕的平稳和肩膀的放松之间的关系，保持平行移动的节奏；手臂保持弯曲状态，尽量朝向自己的方向，屏住呼吸，双脚并拢，以渐进的方式去进行释放的同时，以耸肩的动作重复动作，已达到比较好的手臂放松的状态。其二，单一高抬指弹奏。为了达到理想的演奏效果，强化自己手指的练习是很重要的。单一高抬指法是以高抬指弹法为基础，保持单一手指的高高抬起状态的同时，保证其他手指也处于键面上，保证手指的独立性的同时，使得整个手的协调性不断提高。其三，不抬指弹奏法。一般情况下，会运用到下键部位，是促进音乐运用表现能力提升的关键环节。在进行抒情缓慢音乐表演的时候，手达到完全放松的状态，以自然重力的作用处于落下状态，可以将这样的作用力转移到手指上去，此过程的放松状态是必然的，使得动作是由手指自然反弹去实现的，使得音速得以提升。

二、钢琴演奏的音色效果

所谓音色，是指音乐的感觉特性。钢琴演奏的音色效果的达成，需要从以下几个角度入手：其一，保持良好的心理素质。钢琴演奏过程中，良好的演奏技巧和表现能力是很重要的，但是在此过程中如果不能保持良好的心理素质，往往会影响到钢琴演奏效果的发挥。因此，作为钢琴演奏者应该高度重视自我心理素质的培养，避免因为心理负担，使得自身的动作节奏处于混乱状态，从而影响到整体的演奏效果。其二，优秀的个人表现能力。钢琴演奏虽然是以声音表现出来的，但是在此过程中演奏者的肢体语言的表达，也慢慢融入到演奏过程中，成为演奏不可分割的一部分，可以给予听众更多信息，以使得其与个人演奏者产生共鸣，这在促进演奏效果提升方面有着很大的帮助。为此，作为钢琴演奏者应该做到全身心去体会曲子的内涵，将自己融入到弹奏过程中去，以此去感染听众。其三，掌握踏板对于音色效果的影响。从理论上来讲，踏板会对于钢琴的音色产生影响，应该高度重视踏板的运用，是实现对于音色的准确把握。如果在演奏的过程中，踏板踩得过多，就会使得音色处于浑浊的状态，从而给予弹奏质量造成影响。因此应该积极结合不同的作品特点，制定明确的踏板使用方案，并且勤加练习，使得动作形成连贯性节奏，以保证踏板可以在音色饱满方面发挥效能。

三、钢琴演奏中触键对于音色效果的影响

杠杆原理是钢琴发音机制，在击打弦机的同时，带动琴弦，由此发出声音，在这样的原理规律下，钢琴的弹奏技巧就成为影响发音音色的重要因素。简单来讲，触键技巧是高质量音色的关键所在，这就是为什么在钢琴教学过程中倡导掌握触键技巧的原因。不同的键位触发方式，可以获得不同的音色效果、音量、速度和力度，由此使得音乐的表现力表现出变化性，这对于表现钢琴曲目的情感是很有帮助的。除此之外，手指触键的面积的不同也会对于音色造成影响，在进行钢琴弹奏的时候，可以通过力度的不同，使得接触的面积发生变化，由此使得下键的力度和速度产生变化，这对于表达更加细腻的情感是很有帮助的。在深刻理解触键对于音色效果的影响之后，可以更加好的引导我们去进行锻炼，去进行演奏。

四、“歌唱性”的触键

音乐其实就是等于歌唱。我们在弹奏中可以通过手指的触键来发出一种我们想要的声音，这声音或柔和，或抒情，或喜悦，或悲伤，或是具有一定的美感，人们在聆听到这样的音乐时会有审美感觉在其中，这样的音乐就是赋予歌唱性的。但往往有很多钢琴教育中忽视了“歌唱”的重要性。我们要在孩子最开始学习钢琴时就要让他们懂得什么是“歌唱”和怎样去“歌唱”，要强化歌唱性，强化技术要服从音乐的理念。在诸多钢琴文献中，作曲家早已为我们精心构架了通往赋予歌唱性演奏的一条道路，即使在一些有人认为是比较枯燥的练习曲中，我们也可以发现赋予歌唱性的片段，没有一首作品是单纯的为了技术而训练的。技巧，应该是为音乐服务的。钢琴音乐的实际内涵就是使钢琴发出一种带有歌唱性的声音。在钢琴演奏中歌唱性尤其重要，它可能会通过我们的手指、内心、感觉这三点合成一起，在演奏中共同表现出来，这种综合性的表现就是有音乐的、有歌唱性的。做到了以上这些要求，注重“起点——发展——高点——起点”的乐句阐释过程，歌唱性便会更好的体现出来。总的来说，触键的力度、速度，是影响音色最重要的因素，而各种触键方法的目的正是为了改变触键的力度和速度，从而影响音色。

五、结语

综上所述，钢琴弹奏中触键技巧与音色效果之间本来就有着深层次的关联，掌握两者之间的关系，并且在实践演奏中不断总结和归纳技巧，锻炼自身心理素质，提升自身钢琴演奏表现力，是每一位钢琴演奏者需要不断去探索的关键所在。相信，通过这样的锻炼，触键技巧将会越发娴熟，音色效果会越来越理想，由此使得钢琴弹奏的质量得以不断提高。

参考文献：

[1]潘汉超.高师钢琴即兴伴奏与编配应注重的几个问题[J].文学教育（中），2010，（04）.

[2]李浪.论钢琴演奏中心理情绪的紧张与放松[J].音乐探索，2010，（01）.

[3]陈旭.钢琴音色谈[J].钢琴艺术，1996，（06）.

钢琴演奏中音色审美研究 第4篇

一、钢琴演奏中音色的情感审美

音乐是人们表达思想感情、反映现实生活的艺术, 是声音和听觉的艺术。在钢琴演奏中, 音色的共鸣是通过演奏技术将人与琴的统一通过琴弦的作用传递给听众, 表演出各种音色色彩的最佳共鸣效果, 传播演奏者的心灵情感, 将音色的审美体现在演奏者的审美思想上。音色折射出的是一种演奏者和听众的一种审美共鸣。将音色的审美集中体现在演奏者和听众之间的思想感情的交流和共鸣上面。音乐和感情的 完美结合是艺术表现的最高境界。钢琴的演奏是音乐和感情高度结合, 是音乐和感情在艺术中统一的表现。

音色之所以能够激发情感共鸣, 是因为音乐的音调结构和人的情感在逻辑上具有一致性。人的情感可以增强、减弱, 可以加速、减速, 可以平缓、激动, 音乐也是如此。这种一致并不是因为单纯的情感, 而是因为两者在感受生命、理解生命、表达生命的深刻程度上是一样的。是对生命中感受到的一切事物的感情是一样的。音乐是用纯粹的声音组成的情感表达的形式, 是感情生活的音调描写。之所以可以达到情感共鸣, 是因为音乐作品具有的深刻的内涵所决定的。

二、钢琴演奏中音色的想象审美

音色共鸣在钢琴演奏中的实现, 能过对一种无法言传的微妙情感进行传达, 其是一种审美的思想, 是一种情感交融的艺术思维境界。在纯净、没有杂念的审美心态下产生的音色共鸣, 所反映的是一种发自心灵的振动。是心灵受到振动的一瞬间, 把演奏者的神态、思绪通过振动波的共鸣表达出来, 是瞬间爆发的一种情感。一种来源于心底的情感, 其表达可以是一个眼神, 也可以是一个动作, 又可以是一瞬间的表情, 它们是独立存在的。在钢琴演奏中, 不管旋律起伏有多大, 不管演奏有多复杂, 只要有了共鸣的音色, 共鸣中就有心灵的振动。音乐是一种想象的艺术, 音乐作品没有具体的现实原型, 只有五线谱和音乐符号。完全靠着人们的想象来丰富音乐的形象和思想。因此同一个作品, 每个人都会有自己的理解。就算是一个人在演奏同一作品的时候, 也会因为时间和心态的不同, 而产生不同的理解。因此在音乐表演中, 想象力对于演奏者来说非常重要, 尤其是钢琴演奏, 要在演奏过程中融入大量的想象力, 这种想象力也可以说是演奏者在演奏过程中的一种心理思维。对于音乐作品来说, 钢琴演奏就是演奏者对作品的理解, 因为乐谱不可能吧作曲家心中的思想感情完全的精准的记录下来, 也不可能把音乐作品的全部活动都容纳进去。因此钢琴演奏者只能够借助于自己的想象, 在演奏过程中融入自己的情感和情绪, 以求达到创作音乐形象程度, 通过音乐, 对一个真实的音乐形象进行传递, 让听众在音乐形象中, 展开自己的想象, 从而得到和演奏者情感共鸣的效果。因此音乐形象具有一定的不确定性和模糊性, 关于情感表达方式也没有具体的要求和内涵。但是即便如此, 音乐还是能够轻易地引起人们的情感共鸣, 这也是因为在人们内心深处, 始终存在着一种本质力量, 这种力量对于人们思想上的共鸣, 情感的共鸣更容易实现。

音乐是“言有尽而意无穷”的艺术。是要靠自己领悟, 探索的一种艺术。在倾听同一首音乐的时候, 不同的人会产生不同的想象和联想。音乐具有虚拟性。虚拟可以超越现实, 让个体的思维进入到一个没有束缚的空间。这个空间没有杂念, 在这个空间里, 每个个体都可以让自己的精神世界提升到纯自由的状态, 是一个理想的世界, 是思维可以做出无限可能的自由的空间。音乐的主要表现手法就是虚拟的思维方式。音乐可以形成人类对美的欣赏的一种心灵的满足, 可以营造出人们所向往的而现实生活中不存在的事物。是人类获得心灵的满足的一种有效的方式。因而在钢琴演奏中, 音色共鸣所出现的情感共鸣, 就是个人情感思维发散的表现。

三、总结

综上所述, 在钢琴演奏中, 只有用心灵去创造美的音色, 只有用心灵去体会音乐中的美, 才能达到感人的境界, 才能弹奏出真正的振动人心的好音乐。真正的演奏家是能对作品进入深入细致的研究, 完全理解作品, 产生出深刻的感情, 并将这种感情融入到演奏中去, 从而激发听众的情感, 将自己的感情通过音乐传递到听众的心中, 让听众和演奏者产生情感共鸣, 才是一个演奏者真正的成功。

摘要：在钢琴演奏中, 音色折射出的是一种演奏者和听众的一种审美共鸣。不同的感情有不同的表现方式, 音色的共鸣是通过演奏技术将人与琴的统一通过琴弦的作用传递给听众, 将音色的审美体现在演奏者的审美思想上。

关键词：钢琴,演奏,音色审美

参考文献

[1]李治隆、齐东海、杨林兰.音乐文化与音乐人生[M].北京大学出版社, 2010.

钢琴演奏音色的多层面因素探究 第5篇

关键词：钢琴演奏 音色 多层面 因素 探究

音色它既是我们看不到的音符也是优美的旋律的主题，更是钢琴演奏者在演奏时的重心和灵魂。演奏者为了加强音色必须经过长时间地刻苦练习。但有很多因素影响着音色，使其发生变化，例如：演奏者手腕和手臂的力度运用、演奏者对曲子的理解和演奏者自身感情的融入、踏板的运用和触键的技巧以及钢琴自身的音色等等方面。在本文中会对钢琴演奏音色进行多层次方面的探究。

1.钢琴的自身音色问题

钢琴音色，顾名思义就是钢琴在弹奏中所发出的声音的色彩。一个优秀的钢琴演奏者，他对钢琴音色有独特的认知和把握，只有注重音色才能使演奏者达到一个更高的层面。将钢琴音色作为自己持续不断追求的目标，也是钢琴演奏者必须具备的能力。我们可以把这种能力分为两个方面来说：一方面是钢琴演奏者自身对钢琴的驾驭能力，通俗的说是在任何一台钢琴上都可以用最快的速度来找到最佳的音色并且能很好的去控制；第二方面是建立在第一方面之上，是对演奏作品的理解，能很精准的将作品中最佳音色找到并很好的运用的能力。这二者缺一不可。若只有其一，那也是一种缺乏灵魂的美感。

2.关于触键技巧问题

钢琴音色的变化是钢琴触键直接决定，同样音色也是触键所要达到的目的，不同触键方法能够将钢琴音色变化表达出来，也产生出美妙的音色。我们从以下三个方面详细的讲解触键对钢琴音色有影响的因素：

2.1调整心态

对于一个在舞台上或者在任何地方展示自己才能的人来说，学会自我调整状态是必不可少的一门技术。我们有些人可能觉得放松并不是一种技术，其实这是错的想法。在一个舞台上学会放松自己，这样演出的完美性将会大大提高。在进行钢琴演奏时，我们可以通过一定程度的演奏练习来放松。精神和身体上的放松是必备的，这两者是同样存在但放松过程不同，但这两者也是密不可分。

身体放松是心里放松的前奏，要通过意志使身体放松，将背部、肩膀、腰部、手臂、手腕和手指逐渐放松。身体上的放松也使得心理得到缓解。我们在钢琴的演奏中，没有相对的紧张和放松。有的只是演奏者对自身的控制，一个好的钢琴演奏者应该是松紧适当，不能过于放松也不能过于紧张。所以在钢琴演奏中，演奏者的身心放松以及演奏技巧的運用都是在演奏过程中必不可少。演奏者心理越是轻松，他的键位就会越加的放松，手指就会变得很灵活。如此一来弹奏出的音色也就会有更好的吸引力。

2.2触键的灵活

钢琴演奏需要是需要手指支撑，若是没有手指的支撑力，那么也就没有钢琴演奏的出现。手指支撑方式的各样致使钢琴演奏的音质音色的变化，在钢琴演奏中，手指触键的力度和支撑方式以及手指对触键的速度直接关系到音色变化。

在钢琴的演奏中，指尖承担着演奏中大部分的任务。将身体的力量都汇聚到了指尖，用指尖控制音色。现在很多的钢琴学习者都急于求成，在自身对演奏技巧还没有完全的熟练时，一味的去追求演奏的速度，忽略了触键方式和方法的学习领悟，这样就使得在进行演奏时达不到效果，在弹奏重音时音色毫无灵气可言，演奏弱音时，音色给人一种“虚”的感觉。手指的快速触键常常是在弹奏时用手指的第三关节作为发力点，以带动手指快速的击键，通过这种弹奏方法，以获得清澈、干净、明亮和具有“颗粒性”的音色效果。

2.3触键的力量和频率

钢琴演奏者的触键速度和力度是钢琴音色变化的因素之一。而触键速度影响着声音的强弱，触键速度快慢与声音力度强弱成正比：触键速度又影响着声音的音质，决定声音的明暗、刚柔、颗粒性与连贯柔和性等。

“触键的速度十分重要。需有一定的速度来达到良好的支撑，这样可得出一个饱满、坚定、有力而不呆板的声音。如同用小槌敲击水晶杯，既要力量集中在极短促的一瞬间，又不能把力量用死，才能发出振动充分、共鸣丰富的迷人音响”。钢琴触键的速度和基本的触键方法是相关联的。若弹奏出的声音是明亮时，则需要手指弯曲的明显，指尖快速触键并离键，若弹奏出的声音是连贯音时，则需要手指伸平，指尖附在键盘上的倾向下键动作就慢。

3.踏板的巧妙运用

踏板在钢琴演奏中，能够调节钢琴演奏的音色，使其变得丰富持续，它对钢琴音色的影响同样也是非常大的。钢琴演奏者会通过借助踏板，增强自己对音色的把握从而使得音色变得更加的丰富。在演奏时演奏者对踏板的应用是必不可少的。但现如今，能够对踏板在使用方面做出详细而深入研究的音乐人却是少之又少。对踏板的运用会直接影响到钢琴的音色，风格以及特点等等。我认为踏板有很多方面是需要进行深入了解。

3.1踏板运用时应注意的方面

若想将踏板的技巧熟悉掌握，和老师们一样能够将每一个细节都运用到，是不可能达到的，唯一永远的老师只能是自己的耳朵，经过老师的指导和训练，要使自己的耳朵能够敏锐地察觉到踩在踏板上的脚或大或小的动作所引起的声音的任何反应。

3.2注意和声的变化

和声的基础在于和弦，我们不需要特别的训练，用我们的耳朵便能清楚地听出踏板对和弦的“美化”作用。在很多作品当中，大家都应该知道乐曲中要随着和声的变化而变换踏板。演奏者在演奏时要对乐曲的和声变换有所了解，以选择正确的踏板使用方法，如果对乐曲的和声没有分析好，那么就有可能在踏板使用方法上不恰当，造成声音混杂，破坏音乐的美感，因此正确而恰当的和声分析可以关系到踏板的正确使用。

3.3重视作品的风格 每一首钢琴音乐作品都会有其独特的风格，然而有些随着作品风格的不同，所需的音色也会随之而改变。在作品风格这一方面，我们是应该引起注意和重视的。

踏板可以美化一个音，也可以美化一条旋律，同时也可以为我们的作品起到一个“润色”的作用。对踏板实际上的全部意义是难以说清的，所以“钢琴的灵魂”这句形容踏板特殊作用的话，足可以说明它为音乐增添了不少色彩，也为我们弹奏的音色变得更加滋润、和谐。

参考文献

【1】.魏廷格著.钢琴学习指南——答钢琴学习388问. 人民音乐出版社

【2】.美·约瑟夫·班诺维茨.钢琴踏板法指导. 上海：上海音乐出版社

论钢琴演奏中的触键技巧与音色效果 第6篇

不同时代,不同作曲家不同风格的作品,其触键方法都不尽相同。德彪西是一位19世纪法国作曲家,又是印象主义乐派的创始者。作为有名的一位的钢琴家,他创立了新的钢琴演奏技巧。德彪西的音乐又与别的音乐家完全不同,亦有他独特的、他不常使用那些传统古典音乐中所用的大调和小调音阶。德彪西受“印象主义”绘画在艺术观念上的影响,他在作品中追求光和影的美感以及自然细腻的色彩变化,以视觉感受表达听觉效果,既浪漫又写实。因此,在作品中的音响效果也是如同绘画般,方法多变,方式多样,细致形象。

钢琴独奏曲《月光》是德彪西创作于1890年的作品。这首钢琴独奏曲《月光》(又名《明月之光》),是他居停在意大利时创作的钢琴组曲《贝加摩组曲》中的第三首。《贝加摩组曲》是由四首小曲组成,这一组曲不但旋律柔和优美,而且使用了色彩更加具有丰富的和声,它又是德彪西逐渐进入成熟时期的过渡性作品。在这首组曲中最为人熟悉的就是第三首《月光》。这首作品的取材是受到诗人吉罗的叙事诗《月光比埃罗》的影响,描写了意大利北部的贝加摩地区有一位比埃罗的青年陶醉在象征理想的月光下,他因为沉湎于物质生活而为月光所杀。最后,由于他认识到了自己的错误,并得到了月光的宽恕,又回到了人间。钢琴曲《月光》是很有表情的行板优美的旋律提示了对月光的印象,极弱和弦的反复更加深了这一刻印象。

我国著名钢琴家教育家朱工一教授在关于如何演奏德彪西钢琴作品时曾指出:“弹奏印象派的作品应注重音色、色彩的美。德彪西的作品不能弹得太富有激情,要注意音色变化,色彩要丰富,这是画面的需要。”德彪西想要的音响效果是与众不同的。演奏德彪西作品时,犹如雨中观景,雾里看花。触键技法多用于摸、拢、抚、挑、抓、勾、捻、抹等手法。在朦胧中透出清晰,在模糊中隐显轮廓,若隐若现,若即若离,在似与不似之间去找定位最为合适。因此,我们必须通过不同以往的触键方法来获得这种全新的音响。

演奏钢琴独奏曲《月光》作品,不但要飘逸、朦胧、富有变幻的音色和丰富的音乐表现力,还要有坦诚和安静的心态,用细腻的触键,寻找正确的声音色彩,把握住印象派作品的声音特点。德彪西的权威诠释者吉泽金认为一个钢琴家在演奏德彪西的作品时必须把美妙的声音放在首位。可见音色在此作品中占有至关重要的地位。在演奏《月光》这首作品时,触键要注重从手指到肩膀以及全身的放松、柔和、从而在手指第一关节有一定紧张度的状态下“抚摸键盘”,进行柔和而有控制的慢触键来弹奏,指尖用力的部位根据所需的音色调整。

《月光》曲,一开始出现的大三和弦宁静又饱满,高低声部为两组同样的三度音程旋律像似把人带入到一幅宁静幽暗的景致,仰头望着夜空,看到月亮从远处慢慢升起。在这段一定要掌握好乐句的弱起,准确弹奏二连音。演奏时手指触键要稍稍向前,声音立起来的同时又要避免生硬敲击的音质。第9至第14小节为第一句的平行乐句,但和声色彩更加浓郁,触键要应更加有深度。紧接着从第15小节开始的织体排列较密,开始很弱,音色朦胧,弹奏时速度较为自由,在渐强中逐渐活泼起来,注意音色统一,和弦的触键要整齐,音与音之间要连接,弹奏时以指腹触键,掌关节很牢固,手腕放低,紧贴键面指尖扒住琴键横向转移,以达到声音粘连、共鸣好的效果。从渐强到减弱的过程,必须调整指尖力度的控制。从第27小节开始,活跃而流畅,似云在流动,要弹的紧凑些。

第37小节转到E大调。从第37小节到4小节是全曲的最高点,随着情绪的高涨,音色也逐渐要变。也就是出现了短暂的力度为f的高潮部。这部分演奏要有足极大的音量,同时也要有饱满的并不是生硬的敲击,要用内在的力量,弹出足够、柔和的音色。第41小节声音要明朗些,这里要求触键弹出柔和的强奏。德彪西的音乐中往往没有这种形成高潮的发展过程,即使在高潮出现处,也总是一闪而过,因为其目的并不是为了造成音乐情绪的紧张感,而只是一种丰富音乐色彩的手法,必须掌握好此曲的高潮点。第43小节转回降D大调,音色柔美,进行平稳。

从第51小节至65小节是再现第一段,一切又回复到了平静,音色要更柔和、清淡。一开始出现ppp,左手就应该是pppp。要演奏逐步多层次的弱奏,这时触键非常有难度的。先要内在的浓厚的想象力,即能浮现出你要演奏的音响效果。对这种音色的内心听觉是演奏德彪西作品的重要因素。演奏者掌握好这种想象力和心态,才能感到相应的演奏技巧来表现它。这时要求全神贯注的控制每个手指的触键。要得到很弱的声音,手指用肉垫而不是指尖触键,同时改变触键方向,向前或向后平抹触键,并可以借助腕部进行力量缓冲,以奏出更加优美、柔和的音色。最后尾声,以三度音从明亮悠长逐渐减弱到渐慢直道曲终。此时的音响在演奏者的手中被运用自如,浮现出一幅幅画面,并演绎出一曲曲美仑美奂、动人心弦的作品。总之,正确的触键使每一个音符奏出的音量大小、停留的时值及速度、相应的力度及音响的效果都能恰到好处,使各种音之间成为融为一体的。

钢琴演奏中的音色审美 第7篇

音色对于琵琶刻画意境、营造韵味和塑造形象有着重要作用,也是彰显演奏者艺术造诣和音乐表现力的重要标志。保持对 “音”的追求,才能演奏出“乐”。笔者认为音色美需具备以下三点:

1.干净通透谓之美

琵琶是一件个性鲜明的“点”状弹拨乐器,其音色清脆明亮,由不同的“点” 在一定时间内以均匀的力度大小来组合成 “线”状旋律。由于其弹拨特性与特殊技法,琵琶演奏的颗粒性较强,旋律性就不如弦乐那么好控制。客观上使琵琶弹奏较容易出现噪音,但主观上我们可以通过训练有效遏制噪音超越乐音的现象。

首先,点与点间隙的把握尤为重要。 点与点间隔过长,则构不成旋律线条;点与点之间连接过于密集就会出现“噪音”。两者不可偏废,要根据音乐需要来追求“点” 与“线”的和谐统一,使音乐兼具颗粒感与流畅之美。

其次,演奏技法不当导致噪音的出现。

左手技法方面:左手按弦位置不准确。左手按音位置应该在品峰或相峰上方约1毫米处,不可按在正峰上或离峰过远。按在正峰上,弦不能有效振动,造成音色木而硬;按音离峰过远,则会产生弦撞击品或相发出的噪音。

左手按音不实。原因有二:一是按弦力度过虚,使琴弦与相和品的振动无法达到一个平衡值而产生噪音;二是按弦速度过慢,当前音的振动还在进行时,手指触弦产生噪音。

右手技法方面:指甲触弦面大,入弦过深。指甲击弦时经过弦的面积小,则发音干净利落,不易产生噪音;反之,指甲击弦时经过弦的面积大,则容易出现甲面与琴弦摩擦而产生的噪音。

轮指缺乏独立性。食、中、无名、小指指触弦间隔不均造成的前一个音未完全发声,后一个音便触弦。以无名指和小指的噪音最为常见,它们有着天生的独立性差的特点。

落于弦上的力度过重,超出琴弦震动悦耳范围内的振幅。琴弦有其自身的特定张力,当演奏者给予它的压力过大时,琴弦也会反弹更高,而这个反弹也就与品相的阻碍一同构成了噪音。

然而,噪音运用到特定的情绪情感表现需要时,也并非“不美”。如传统琵琶乐曲《赶花会》中就运用了摘弹的噪音类指法来模仿马蹄声,表现得惟妙惟肖。古曲《十面埋伏》中也运用了煞的指法,来模仿战场中的击鼓声和刀枪剑戟互相碰撞之声。噪音有时也具有乐音所不具备的表现力。

2.张弛有度谓之美

人类的听觉属性决定了悦耳的音乐才更具吸引力。悦耳的音色必然是不刺耳、不干涩、有弹性的。物理学上,弹性指物体于外力作用下发生形变,外力撤消后能恢复原本大小和形状的性质。琵琶音色的弹性,就是指演奏者施于琴弦的力度适中,使琴弦振幅始终处于平衡范围内,以此产生的乐音既不虚也不紧绷。

琵琶演奏中音色的弹性如何把握呢? 触弦的速度、力度与角度不同,发出音响的音色也不同。演奏者要时刻体会与保持指甲触弦时的弹性阻力感,张弛有度的音色才是和谐悦耳的音色。

3.恰如其分谓之美

具备随乐曲情感表现而变化的音色才是美的。那么,琵琶演奏中的音色变化与情感表现的关系如何呢?

“音乐运动与情感运动之间存在着运动这个共同因素。它们在运动形式上都存在着高低的起伏、节奏的张弛、力度的强弱、 色彩的浓淡等”。琵琶演奏中的音色变化与情感表现都体现了一定的波动性,两者互为依托。音色根据情感表达需要来变化,情感表现又需要不同的音色变化来表达其内涵。 演奏者要以对技巧的熟练运用和对不同音色的掌握为前提,寻求与音乐作品情感表现相对应的音色、力度和幅度变化来表现乐曲的意境。

此外,演奏者还可以通过联想、想象来把握音色与情感表现,再通过理性思维与感性体验将琵琶的不同音色和与之对应的音乐形象统一起来,将头脑中想象的音色转化为实际音响。

琵琶演奏的音色变化必须要以音乐作品的情感表达为依托,通过对不同音色变化的掌握和对音乐作品情感的理解,运用联想和想象的方式,恰如其分的将两者统一结合,才能表现出具有一定高度的审美价值的音乐。

摘要：琵琶演奏者作为音乐表演的主体,在对原作传达再现和丰富补充后,实质上又成为自己二度创作的首位音乐欣赏者。为满足音乐欣赏者的审美需求,演奏者要换位审视其音乐表演。此时,音色美则成为音乐欣赏者的根本需求。本文以避免噪音、把握音色的弹性和音色变化与情感表现的关系三方面来探讨琵琶演奏中应该追求的音色美。

钢琴演奏技巧与钢琴音色的关系 第8篇

关键词：钢琴演奏,演奏技巧,钢琴音色

钢琴,享有“乐器之王”的美誉,自鸦片战争后流入中国,至今已有接近两百年的历史,与中国传统乐器不同,它属于一种键盘乐器。顾名思义,钢琴这种键盘乐器意味着演奏者通过利用不同的演奏技巧,例如:触键的方式、踏板的运用、演奏者自身的心理素质等,并伴随着钢琴独特的音色来弹奏出一首优美动人的作品。而所谓钢琴音色,即钢琴弹奏时所发出的声音的色彩与特征,其中,音色的完美发挥一直以来都是演奏者持之以恒的追求目标。良好的音色是衡量钢琴演奏的基本尺度,同时也是营造钢琴作品意境、渲染表演者情绪、突出作品韵味的直接手段,对整个钢琴演奏过程起着举足轻重的作用。下面将继续探讨不同的钢琴演奏技巧与钢琴音色密切的关系。

一、恰当的触键技巧是创造良好音色的必备前提

一般而言,触键技巧运用得是否恰当对音色的完美发挥起决定性作用,往往这也是评价演奏者演奏技巧纯熟性的基本标准。由于触键技巧的多种多样,所对应带来的钢琴音色也是绚烂多姿的。以下将简要介绍几种不同的触键技巧对创造音色的影响。

(一)触键的弧度和力度对创造音色的影响

触键弧度有两种形式,一是垂直触键,二是水平触键。垂直触键在一定程度上是指钢琴演奏时,手指与琴键呈90度,且利用指尖直接触碰键盘。而在这种触键弧度下所表现的音色一般显得清澈而明快,具有“颗粒性”的特征。此外,对于水平触键,从一定意义上是指钢琴演奏时,手指与琴键呈50度锐角,在这种情况下所发出的音色,连贯性和柔和感比较强,达到出色的缓冲效果。

触键力度不难想象是发展良好音色空间的基本前提,指尖、小臂或某个身体部位自然重量的合理运用是良好音色发挥其多样性,官能立体性的基本条件。实践证明,随着演奏者施加不同的触键力度,钢琴音色的表现效果也相应发生变化。当触键力度愈强时,音色对应地显得更沉重,铿锵有力,从而更容易渲染钢琴作品的氛围和引起听众的共鸣;当触键力度稍弱时,音色对应地显得更迷离,柔婉多情,这样同样有助于加深钢琴作品的意境和带动听众的情绪。

(二)触键的灵活性对创造音色的影响

触键的灵活性可归因于两方面,一是以演奏者能否一气呵成地完成手指离键和下键这一连串行动为衡量条件,二是看演奏者能否在钢琴演奏中快速连贯钢琴的每一个触键。通常,当演奏者缺乏敏捷的指尖控制力时,会出现音色表达不清,连音中断,并瓦解整体音响效果的情况。所以说,富有灵活性的触键是考验演奏者演奏技巧的关键,也是弹奏一首完整的钢琴作品的最低限度。

二、准确的踏板是饱满钢琴音色的调色板

钢琴的踏板分左踏板和右踏板,两者对整体音色效果的作用也各不相同,左踏板主柔音,右踏板主延音。准确而巧妙地运用踏板不仅可以饱满,润色钢琴音色,更是能焕发整首钢琴作品的生机和灵感。但是,反之亦然,踏板的不正确使用会对整体音色效果起负面影响,例如:和声分析错误会造成音色混淆进而破坏作品的美感;对不同时期的作品风格理解不当从而影响作品的完整诠释;踩左右踏板的频率不当会降低钢琴演奏效果等。而为了发挥踏板对美化音色的表现力,演奏者必须尽其所能地利用自己的听觉来感受每一次踩踏板后,整体音色效果发生的变化,追求一种深层次的钢琴演奏时的“人琴合一”的契合感,此外,演奏者仍需注重每一次和声的变化时所对应的左右踏板交换,并加深对各种不同时期的钢琴作品音乐风格不同的认识,譬如:当演奏巴洛克时期与古典音乐时期的作品时,踩踏板的次数要减少,而相反,对于浪漫派时期过后的音乐作品,踩踏板的次数要渐增。

三、演奏者的外在表现是烘托钢琴音色的感染剂

在钢琴演奏中,演奏者自身的表现也是对整体音色效果能否完美发挥的重要因素。演奏者随着跌宕起伏的音色而自然地绷紧背部,加宽手臂的阔度,凝聚手指的力度,或是随着轻柔飘渺的音色而惬意地转换手型,扭动上身,甚至投入地闭上双眼等等这些举动,毫无例外地都会不知不觉地引导听众走进曲子的世界,从而达到高层次的演奏者与听众的情感交流。听众透过演奏家动情的肢体语言,不光体会到了作品本身的节奏与旋律,也进一步使听众的审美感知和情感知觉发生变化。所以,演奏者动情的外在个人表现实际上点缀了整个钢琴演奏的音色效果,而一般来说,在弹奏时,演奏者身心的放松和每个乐音的正确使用,都会潜移默化地帮助演奏者投入到作品中,进而推动作品的演奏。

四、结语

怎样演奏好钢琴的音色 第9篇

训练用自己的耳朵仔细的聆听:

学生从练第一个单音断奏开始就要去听, 当手指保持在琴键上站立时, 耳朵要倾听声音的持续和延长, 音乐是否连贯, 线条是否有意义, 整首乐曲是否充满了音乐的起伏与流动。教师应要求学生在一开始就要学会把正确的动作与正确的声音结合起来, 这样的开端对以后的钢琴学习会受益无穷。音乐在所有的语言中是最富有想象力、最扣人心弦的, 正因如此, 音乐也是最难表达的和最难捉摸的。我们只能通过对乐谱的提示来理解其内涵, 而没有办法得到像文字般清楚的说明。这就需要我们要假想自己是一个听众, 全神贯注的倾听自己所弹奏出的每一个音符, 让每一个弹奏出来的音符都具有意义。

巴洛克时期的音色

在现代的钢琴上演奏巴赫作品, 就不能像弹现代作品时那样弹奏巴洛克钢琴作品。弹奏时要减少指尖触键的面积, 在手指弹性的触键时留有余地, 但瞬间必须跳跃开, 使音色饱满圆润却不张扬, 热情, 积极向上, 颗粒性饱满, 又有流畅性。同时, 巴洛克时期的音乐基本主要以复调音乐横向线条为走向, 几条旋律线互相穿插。复调音乐通常比主调音乐更凝炼、更集中。演奏复调作品, 歌唱性是至关重要的, 更要重视每个音符的触键。

在演奏中为使旋律更具歌唱性, 演奏的圆润、有方向、从头至尾不中断, 不过分地夸张地弹奏乐句的最高点, 不在渐强与渐弱的乐句中失去方向, 更不可有任何生硬的起伏。音乐的表达, 永远都要以自然的流动为依据。学习者要在这个方面付出相当大的努力才能达到。

指、腕、臂、身诸部位与声音的关系择要

(1) 十指是钢琴演奏最直接最敏感的部位, 因此, 是值得力量、灵敏、速度、以及千变万化的触键方式和控制能力, 是基础之基础。五个手指都有它天生的弱点, 要对症下药进行目的明确的训练。例如:将哈农移至所有调上进行弹奏练习;肖邦位置:大指、五指在白键, 中间三个手指在三个黑键位置 (#F, #G, #A) 。

(2) 腕臂的训练与声音的关系, 手腕是手指与手臂之间承上启下的枢纽。手腕有许多上下, 左右的动作方式, 其中有些是手腕独立完成的, 有些是和手臂结合起来协调完成的。手臂的任何动作必须是坚挺与弹性的结合, 支撑于顺活的结合, 阳刚与阴柔的结合, 只有在二者结合的弹簧状态中, 手臂才能做到灵活平和, 收放自如, 转和顺柔。

(3) 身体协调与声音。在弹琴时, 从身体接触琴凳开始到手指接触键盘, 应该是一个可以灵活调节的整体。当我们的身体处于自然积极状态时, 声音必然会丰润宽厚, 使人听起来顺畅, 舒展。全身的协调一致, 气息贯通, 极端放松, 由此构成一个漫长的“气息爆发放松链条”。放松应一直贯通始终, 好的音色才能确保更好的弹奏出来。

变缺憾为优势

钢琴演奏中的音色审美 第10篇

【关键词】 钢琴演奏；触键；音色表现；影响

[中图分类号]J60 [文献标识码]A

钢琴演奏作为艺术领域的重要表现形式，对演奏者的综合能力具有较高的要求，演奏者在掌握正确的演奏技巧和方式的基础上，要注重触键对音色表现的影响。钢琴演奏的实质，是通过演奏者触键一瞬间所迸发的灵感，进而提升音色效果，以此来实现钢琴演奏效果的最优化。钢琴演奏中触键和音色的有效结合，需要坚持整体和部分相结合的原则，在理解的基础上融入新的思维元素，并侧重于演奏作品本身的严谨性，为演奏作品赋予新的活力和生命，同时为其后期的自创作提供巨大的空间。为此，演奏者要重视触键对音色表现的影响，通过适当控制手指的力度以及身体其他触键部位的协调，使得演奏的音色对倾听者产生强有力的情感震撼。

一、钢琴演奏中音色的认识与鉴别

钢琴演奏中对音色的有效认识和科学辨别，是保证演奏音色质量的重要内容，也是建立演奏音色思维模式的基础。钢琴演奏者在头脑中要对作品形成一个整体的基本框架，以认知为途径对整个钢琴作品的思想内涵、人文精神、各部分的内在联系等方面进行综合性考量，实现感性认知和理性认知的融会贯通。为此，钢琴演奏者首先要阅读并了解大量的钢琴演奏作品，对不同类型、风格的钢琴家的音乐作品进行区分，通过类比、推理、研究、观察等方式洞察音乐作品的深层次内涵，要善于总结和分析，不断提升钢琴演奏的认知水平和质量。其次，要了解钢琴作品中的各组成部分，对作品的创作背景、情感诉求、思想内涵进行了解，不断谋求演奏者与作品的精神契合，提高对音乐的敏感度。第三，要在理解的基础上融入自身的情感感悟，并以极具中国特色的音乐元素丰富和发展演奏作品，将抽象思维转化为定形思想，以作品本身为出发点，对相关内容、结构、整体构成情况进行解读和重铸，并以此为主线，经过主观精神到情感升华的概念性飞跃，进而增强演奏的真实性和感染力。

由于钢琴演奏者对音色的鉴别主要是通过感觉这一途径，演奏者要加强听力练习，根据音色的不同有效地辨别指尖触碰的旋律，同时，可以对自我演奏过程中音色存在的不足加以改进和创新，进一步提高钢琴演奏水平和质量。因此，钢琴演奏者要正确认识音色，对直觉感知的作用、本质属性、特点等方面要有明确清晰的认识，明确直觉是思维模式构建的助推剂，它对于某些音乐作品可以在第一时间做出理解。钢琴演奏者要提高直觉判断能力，在演奏过程中通过长时间的意识培养，逐渐形成一种自动化的转换判断意识，对钢琴音乐作品的整体动态能有更为准确的把握。演奏者還要善于反思和总结，在演奏过程中要提高对音色的辨别能力，提高对音色的敏感度，进而寻求一种更为高效的演奏模式。

不同钢琴演奏作品中所彰显的音色特征是不尽相同的，如肖邦的《夜曲》具有冲淡平和的特点，音色方面以优雅、柔和为主；而彪德西的《月光》构建的则是一个寂静别样的晚上，演奏的音色要具有较强的穿透力，才能进一步突出月光的清幽特点。由此可见，钢琴演奏者除了要具备较高的演奏技巧，加强对音色的有效认识和科学辨别也是至关重要的。

二、钢琴演奏中身体其他触键部位对音色表现的影响

（一）手掌的运动

在钢琴演奏中要注重身体中手掌的科学运动，通过手掌的合理调节强化对钢琴演奏音色表现力的影响。在钢琴演奏过程中，手掌是钢琴触键部位的主要支撑点和着力点，因此，要重视对手掌力量的正确调节，保证手掌的稳定性和牢固性，借助手掌的支撑作用，实现钢琴演奏强音音色和弱音音色效果的最优化。在钢琴弱音音色的表现过程中，手掌的力度要稍弱于强音控制力度，在处于塌陷状的同时，手掌的力度不能实现根本性的放松，一旦力度掌握不足，钢琴作品的音色就极易处于某一个点之中，穿透性不强且音色脉络模糊。因此，即便是在演奏浪漫主义钢琴作品时，手掌力度仍要保持在固定的空间之中，实现力度的有效控制和准确把握。由此可见，在钢琴演奏过程中，若想实现音色表现力的最优化，则需要在初始阶段就做好钢琴弹奏的手掌姿势调整。

（二）腕臂的运动

在钢琴演奏中要注重身体中腕臂的科学运动，通过腕臂的合理调节强化对钢琴演奏音色表现力的影响。腕臂是连接手指和手臂的中间力量，在某些情况下，需要两者的有效配合方可完成钢琴作品的演奏。在钢琴演奏过程中，演奏者的腕臂要处于平衡状态自重，要借助手腕的力量实现对手指力度的有效按压，换句话说，演奏者手指距钢琴琴键的距离要保持在合理的空间范围之内。以《梁祝》钢琴演奏曲为例，就其曲目的高潮部分来说，演奏者的手腕要做到轻柔舒缓，同时又不乏刚劲有力，也就是我们俗称的“柔中带刚，刚柔并济”。如果腕臂的运动僵硬死板，则势必会造成手指的生硬，无法达到曲目的最佳演奏效果，并且极易使腕臂处于疲劳状态。

（三）身体的协调

在钢琴演奏中要注重身体各个部位的协调运作，通过各部位的高效配合强化对钢琴演奏音色表现力的影响。相关研究资料显示，钢琴演奏者在处于“自然的紧张”状态之中，则会实现钢琴音色演奏效果的最大化，作为倾听者则会听到饱满有力、顺畅灵活的钢琴音色，而在钢琴演奏过程中，身体的协调性主要集中于表演者的腰部。因此，如何实现腰部力量的有效带动则是整个身体协调发展的关键所在。在演奏音色表现力较大的作品时，演奏者可以通过上身的直立，借助腰部的协调力量，将音色自然地表现出来。同时，在这一过程中也要注意身体其他部位的配合，如臂力力度的输送张驰度、手掌关节的密切配合、指尖感觉的强化等。由此可见，身体不同位置的相互渗透对钢琴演奏音色的效果极为重要。

三、钢琴演奏中触键技巧对音色表现的影响

（一）手指独立性

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在钢琴演奏中要注重手指的独立性，通过手指的独立弹奏强化对钢琴演奏音色表现力的影响。钢琴演奏的音色具有颗粒性的明显特征，在演奏过程中可以通过指尖的连续、间断展现钢琴演奏作品的别样特色，并通过有效的间断不断赋予钢琴演奏作品新的音色内涵。在演奏过程中，指尖发力的力度和时机要掌握得恰到好处，通过手指的独立提升臂腕的灵活性，进一步凸显音色的集中特征，使其更加具有穿透力和明亮性，同时还可以提升钢琴演奏者的演奏速度。手指独立性的练习作为钢琴演奏的入门内容，演奏者要做到放松和紧张并存，按键动作轻且快，通过这种方式弹奏出来的音色可以给人一种舒适感。

（二）手指灵活性

在钢琴演奏中要注重手指的灵活性，通过手指演奏的灵活性强化对钢琴演奏音色表现力的影响。从钢琴演奏者进入学琴的初始阶段，手指的灵活性就存在于钢琴演奏的各个环节之中，手指弹奏过程中的灵活将直接关系到钢琴演奏作品音色的好坏。手指的灵活性要做到下键和离键的准确无误，动作要快而准。同时，钢琴演奏者要具有较高的演奏素养，能准确判断钢琴演奏的音色变化。一般来说，钢琴演奏的指法训练以高抬指为主，主要训练手指的灵活性、主动性和独立性。此外，在日常练习过程中，钢琴演奏者需要勤加练习，进一步巩固基本演奏技巧，将快速指法训练和低触键指法训练相结合，提高钢琴演奏速度，在时间的积累之下实现钢琴演奏音色变化的跨越式发展。

（三）手指稳定性

在钢琴演奏中要注重手指的稳定性，通过手指演奏的稳定性强化对钢琴演奏音色表现力的影响。在钢琴日常练习和演奏过程中，手腕动作要保持连贯，特别是在八度的练习上要提高速度，动作幅度要做到收放自如。钢琴演奏者在作品演奏过程中对音色的掌握要有足够的力度。一般来说，在弹完一个音色之后要在快速放松的基础上，进入下一个音色的弹奏状态之中，借助手指实现钢琴弹奏力量的转换，但是在这一过程中切勿有意识地下压手指，因为这样极易造成音色的不稳。对此，钢琴演奏者的演奏力量要以手指为中心，实现手臂、手肘、手腕、手指四方面的和谐统一。此外，在演奏过程中要重视手指的支撑力，将其控制在合理范围之内，手臂的压力应不超过手指的支撑力，演奏者要格外注意小手指稳定性的有效训练，在保证每个手指独立性的同时，实现放松与紧张并存，由此提高音色的水平和质量，将钢琴作品的内涵和艺术性表现得更为透彻。

（四）指尖触碰技巧

在钢琴演奏中要注重指尖碰触技巧，通过指尖碰触技巧的提升强化对钢琴演奏音色表现力的影响。在钢琴演奏过程中，音色的好坏是通过触键薄弱表现出来的，这与演奏者指尖的触碰技巧有着直接关系。一般来说，演奏者指尖触碰技巧应用良好，触键程度深、用力大、速度快，音色则会表现出深厚有利、节奏清晰的特点。此外，钢琴表演者要在“放松理论”的指导之下，实现肢体动作、指法技能、弹奏技巧及心理状态的有效结合，使得这四方面处于协调发展的状态之中。“放松理论”认为，钢琴演奏者的弹奏效果与其自身的心理素质有着直接关系。要通過一系列的方式和途径消除演奏者内心的不安，进而避免因心理不适而造成肢体行为的僵硬，减少弹奏力度不足、演奏空挡、表演停顿等情况的出现。例如，在钢琴表演之前，钢琴表演者可以通过适当的手臂活动实现肢体的放松，实现音色效果的最大化。

综上所述，钢琴演奏作为一门重要的艺术，关于其演奏技巧的研究始终是重点课题。触键对于钢琴演奏音色的表现有着直接的影响，毕竟作为键盘乐器，钢琴触键直接决定着钢琴演奏音色的好坏以及音色变化的灵性。如果触键技巧掌握不足，就会使钢琴演奏的音色大打折扣；如果触键没有变化，钢琴的音色也就难以动人。可见，要想提高钢琴的演奏效果，需要表演者对触键技巧给予高度的重视，要下足功夫提高触键的灵活性、独立性、稳定性，确保钢琴演奏音色表现力的不断增强。

参考文献：

[1]袁茵.论钢琴演奏思维模式的构建[J].赤峰学院学报，2016（08）.

试论钢琴演奏中音色的调控 第11篇

一、钢琴音色的划分

钢琴的音色可以划分为基本音色和情感音色两种,这两种音色是演奏者使用钢琴表现出的声音特色,它们是互相联系、共同作用,是钢琴音乐发挥整体情感的重要手段。

(一)基本音色

基本音色是指演奏者通过对钢琴琴键的触摸,而发出的基本的响声。高品质的音色是通过演奏者的严格训练,正确的演奏方法演奏出来的。钢琴的发声原理是:钢琴演奏者通过触键使琴槌击弦后,钢琴音色发出声音,声音随着空气的传播慢慢的消失。演奏者可以通过钢琴的发声原理,运用不同的力度、速度、角度对钢琴的琴键进行触键控制,得到不同的钢琴音色。

(二)情感音色

情感音色是演奏者运用不同的演奏方法对琴键做出不同触摸的变化控制,加上音乐作品的内涵、演奏者的情感、演奏的风格等实现的。情感音色在基本音色的基础上,进行对音乐作品的进一步处理,添加了外界因素的影响而得到的不同音色。

高品质的钢琴音色是两种音色的完美结合,共同作用的结果。 基本音色是音乐表达的手段,情感音色表达的是音乐结构的分层, 是情感的升华。演奏者只有将基本音色与情感音色完美的结合,才能演奏出更加美妙的乐曲。两种音色技巧的调控是运用科学的方法对基本音色掌控,运用理解的方法对情感音色进行音乐作品的内涵、风格和情感深入了解。

二、钢琴的发音及特点

(一)钢琴的构造

钢琴的功能部分是由发音部分、弹奏机构、外装三部分组成的,发音部分主要是琴弦,由于琴弦的震动,发出了声音,通过空气的流通,传出洪亮的琴音。弹奏机构是把琴键的位置转移到琴槌的位置的过程,是演奏者的手指动作转化为琴弦动作的过程。外装是钢琴的外部包装结构,是钢琴结构支架和功能部分的保护壳。

(二)钢琴的发音过程和特点

由于琴槌敲击琴弦的瞬间产生的声音就是钢琴的发音,钢琴发音的性质是由击弦的条件决定的,原始的音色特点,不受后续共鸣体的影响。钢琴初始发音之后,会立刻进入到音乐的衰减期,而音乐的衰减期是由钢琴的踏板决定的。

钢琴的发音是运用了杠杆与弹簧的原理进行的,通过演奏者手指在钢琴的琴键上的移动位置,通过原理的转换,变成琴槌的弹性位置,并且敲击琴弦,发出声响。再由内部的结构将琴弦发出的声音扩大到音板与共鸣箱的共振,形成音响的共振效果。

三、科学方法调控钢琴的音色

(一)利用琴槌运动调控音色

利用杠杆原理,钢琴琴键的位移大约会转化五倍的琴槌位移, 机构在联动的过程中使它们拥有相同的运动时间,因此说,琴槌是以琴键五倍的速度敲击钢琴的琴弦。琴槌在敲击琴弦的过程中,会产生琴弦有移动幅度的偏移,琴弦振幅是受到琴槌的影响,震动频率受到振幅的影响。

(二)利用踏板对音色调控

钢琴分为左中右三个踏板,分别对制音器有不同的作用。左踏板的使用是为了减小琴槌与琴弦的距离,降低了琴槌的敲击力度, 使音色变得柔和,又被称为柔音踏板。左踏板会产生一定的泛音, 加强音色的朦胧感觉。中踏板起到的作用是在三角琴中打开制音器,延长了乐音的衰减;在立式钢琴中,中踏板不能延长乐音的衰减的效果,相反的,会减弱音量。右踏板的作用是使制音器脱离琴弦,增强其他琴弦的共振泛音,生成一定的和弦效果,大大的加强了音色的丰富性。但是,假如右踏板的幅度太大,就会产生比较大的杂音。

四、结语

综上所述,钢琴的声音控制是一个非常复杂的问题,钢琴曲在演奏的过程中,音色的控制是非常重要的。不同的音乐表现形式, 演奏出不同的乐曲,不同的演奏者运用不同的演奏风格,展现出的音乐意境也是不相同的。熟练的掌握钢琴的基础知识和重要的要领,结合演奏者自身的情感寄托,演奏出独具特色的钢琴音乐,将演奏者的激情与对美好生活的追求完美的结合,才能充分的演奏出优美的音乐作品。

摘要：在钢琴的演奏过程中,演奏者要充分表现出自身的演奏技巧,和对音色的控制能力,触键方法的不同,就会产生不同的钢琴音色效果。运用不同的表现手法,展现丰富优美的音乐作品,是钢琴演奏者的追求。本文通过对钢琴音色的划分,钢琴的发音及特点,科学方法调控钢琴的音色进行了简单的论述。