高师声乐教学艺术论文范文

高师声乐教学艺术论文范文第1篇

摘要：声乐表演是音乐创作、音乐欣赏的中介，即演唱者是作曲家和观众的中介。为了更好地呈现作曲家的作品及带给观众更好的欣赏效果，演唱者需加强自己文化修养与艺术内涵，形成自己的艺术表现力。本文从声乐表演的艺术表现入手，介绍了影响音乐表演艺术表现力的特征，探究了声乐表演声乐演唱艺术表现力形成途径，以期对自身演唱有些许帮助。

关键词：声乐表演;艺术表现;形成途径

当我们在问音乐表现了什么的时候，是从语言的这个角度来看“表现”一词，明显把其当作一个及物动词。艺术的表现既是及物又是不及物。艾德蒙·格雷试图重新以本质上的不及物来定义音乐的表现，他认为对表现的理解是渴望以这种或那种方式演唱或演奏它而构成的。这说明音乐的表现主要是在理解的基础上进行表现，每个人的理解方式不一样，表现出来的作品也不一样，呈现出来的表现力也不一样。

1艺术表现力

（1）呈共性特征的表现力呈共性特征的表现力即共性表现力，指音乐表演中的普遍规律，即艺术家普遍遵循的艺术原则。音乐表演中表演者们普遍遵循的规律，也是人性表演方式与机器表演方式（如MIDI演奏）的区别。但是在共性表现力的特征下，不同的艺术家还有不同的呈现其个性表现力的表演方式。

（2）呈个性特征的表现力呈个性特征的表现力体现在艺术家的个性风格中，且以共性表现力为基础表现出来。呈个性特征的表现力首先体现在艺术家的表演意图上。其次，呈个性特征的表现力还体现在艺术家丰富的艺术体验和精湛的表演技术相结合上面，音乐表演本就是艺术和技术的结合。其实艺术家们精湛的演唱（或演奏）技术本就是一种个性表现力的体现，高超的表演技巧产生令人惊叹与震惊的表演效果。

（3）呈多元特征的表现力随着时代的发展，音乐也呈现多元化的趋向，自然就需要呈多元特征的表现力。一方面，随着现代技术的发展，现代音乐不断进行突破，加入新颖的想法，多种作曲技巧的结合，使舞台表演方式呈现多元化的趋势。另一方面，观众的审美能力也逐渐变强，这就对音乐表演的要求不断提高，是音乐表演形式越来越不一样。

2声乐表演艺术表现力形成途径

声乐表演若缺乏表现力，那将毫无感染力，犹如“照本宣读”，根本无法将隐藏在作品背后的情感和故事通过自己的演唱表达出来，那么声乐演唱也毫无意义，故声乐学习者必须通过多种途径的学习，取长补短，培养自己的表现力，使自己能够更好地诠释音乐作品。

2.1以共性表现力为基础，培养乐感，提高演唱表现力

在表现力的培养过程中，共性表现力的学习是最基础的，强、弱、快、慢等力度速度记号的表现是最基本的，主要是要培养良好的乐感，这样才能更好地诠释音乐作品。乐感即对音乐的综合感受能力，包括音准感、节奏感、旋律感等[2]。

（1）音准感

音准感不仅包括演唱者外在演唱出来的音准，还包括演唱者的内心听觉，内心听觉好的演唱者音准也很好，因为他在还未演唱之前，脑海中已经把乐曲演唱过一遍了，内心对乐曲有较好的把握，声感影响乐感，这样对其更好地表现作品也有帮助作用。

（2）节奏感

节奏感的培养包括对各种基础节奏进行节奏训练，对节奏长短、强弱、快慢等都有准确的把握，例如新疆“切分”的风格性节奏和八七拍特色的节拍的把握，虽然乐谱上有明显的标识，但怎样对作品进行处理、具体呈现的演唱效果都会根据演唱者个人的表现力而不同。

（3）旋律感

其中旋律感的培养尤为重要，不同的旋律由不同的时值、节奏、音高构成，建立在不同的调式、节奏与节拍的基础上，如南方民歌主要使用的调式为五声调式，旋律级进较多，表现出委婉、细腻、抒情的感觉，节奏较规整;西北地区民歌则旋律中大跳较多，音调呈现高亢嘹亮的特点，淳朴中带着严峻和深沉。不同的旋律代表不同的风格，旋律线的变化体现情感的变化，旋律能表现作品背后蕴含的情感，所以旋律感的培养对演唱者个人表现力有极大的促进作用[3]。

2.2激发音乐想象力，突出个性表现力，提高演唱表现力

演唱者演唱一首作品，需要在自己理解的基础上揣摩并把握作者意图，然后表现出来。但有时部分作品太抽象，难以理解，这就需要演唱者充分发挥自己音乐想象力，把抽象的形象表达出来。

2.3树立多元观念，呈现多元表现力，提高演唱表现力

随着经济全球化的发展，世界各国交往密切，在政治、经济、文化等多方面都有所交流，音乐作为文化的一部分，也是各国进行友好交流的一个部分，各国的音乐涌入，每个国家和民族都有自己的演唱方法，这就需要演唱者树立多元的演唱观念，吸收优秀的理念和方法进行借鉴和学习。

3结语

声乐表演可以说是一种二度创作，演唱者通过自己的理解，把作曲家及作品背后的情感与内涵表达出来，使乐谱转化为真实音乐。所以演唱者要以共性表现力为基础，培养乐感;激发音乐想象力，突出个性表现力;树立多元观念，呈现多元表现力，以期能够更好地诠释作曲家的作品，使音乐作品具有更高的审美价值，给观众带来更好的欣赏效果。

参考文献

[1]高拂晓.论音乐表演的表现力[J].南京音樂学院学报（音乐与表演），2014（03）：9.

[2]崔飞.音乐表演的艺术风格和艺术表现[J].大舞台（音乐），2012（10）：87—88.

高师声乐教学艺术论文范文第2篇

由中国教育学会音乐教育专业委员会主办、西南师范大学承办的《全国高师声乐教学研讨会》于５月４日至５月８日在重庆北碚举行。来自全国高师院校音乐院系及专业音乐学院音乐教育系的声乐教师、研究生２００余人出席会议。

会议按照中国教育学会音乐教育专业委员会常务理事会关于组建高师学科学术委员会的决定，经会前会上反复酝酿，选举产生了高师声乐学术委员会。肖黎声任主任委员，余笃刚、戴雄、张锦华、温恒泰、有德乡、金顺爱任副主任委员，白萌等３２名全国高师声乐教授、副教授任委员。会议决定聘任王秉锐、石惟正教授为学术顾问并颁发了聘书。原声乐教育学会已在此之前集体转入中国教育学会音乐教育专业委员会，在本次会议组建声乐学术委员会中实现了整合。肖黎声代表声乐学术委员会向大会表示，将在中国教育学会音乐教育专业委员会的领导下，团结全国高师声乐教师队伍精诚团结，竭诚工作，努力为高师声乐学科学术及教学建设与发展做出积极贡献。

会议开幕式上，教育部艺术教育委员会副主任、中国教育学会音乐教育专业委员会理事长杨瑞敏就有关适应基础教育改革、促进高师声乐教学改革的问题发表了重要讲话。会议邀请全国教育科学十五规划国家重点课题主持人王耀华教授和音乐课程标准研制组组长王安国教授，就中小学音乐教育的发展对高师音乐教师培养的要求，以及我国基础教育课程的改革背景、高师音乐教育教学改革的基本思路等问题作了生动而深刻的专题报告。与会代表以分组讨论、大会发言的方式结合高师本、专科和研究生声乐教学实际畅所欲言，各抒己见，客观反映了目前高师声乐教学改革的实际问题，并对高师音乐教育及声乐教学改革、课程设置、教学规范、招生及评价体系等方面提出积极的建议。

高师声乐教学艺术论文范文第3篇

关键词：声乐艺术 构建形态 多种 艺术美 基因整合

声乐艺术源远流长，贯穿音乐历史发展，其独特的艺术魅力和表现力自古以来便深受人民群众所青睐。声乐艺术虽然通过人声这一媒介来表达，但其表演形式却往往综合了音乐、文学等，是由多种艺术美基因整合的一种综合性音乐艺术体裁形式及艺术类别。“丝不如竹，竹不如肉”的审美比喻，可以看出中国古代就已经对声乐艺术的审美有了正确认识。声乐艺术的美是由多种元素构成的，除了存在于文化传统中，还深藏于每个人的内心之感中，是外在形式与内心情感的碰撞产物。声乐艺术不仅与纯粹的文学诗歌有别，且不同于纯音乐的器乐演奏。声乐艺术的审美活动是一项具体的审美过程，是歌词、人声、表演、伴奏、乐感多种元素的构建。

一 声乐艺术的歌词美

声乐艺术是关于人声的艺术，通常都会具有明确的语义内容。歌词作为音乐文学中的基本形式，不仅是可以阅读的词，同时是可以歌唱的诗，是源于生活而又比生活高出一层的语言艺术存在。声乐艺术的语言往往要求词句洗练、词意隽永，与此同时还需兼具音韵和谐，歌唱之时应给人朗朗上口的韵律美感。所以，声乐艺术的歌词一般都寓意深邃且耐人寻味，比普通文学作品更加适合入曲咏歌。在人类历史进程的不断发展中，这一美学规律实际上早已被验证。人类最早的诗歌便是诗与歌舞的融合，通过诗来对情感加以表达。进入《诗经》时期后，几乎所有的诗都可以用来吟唱，音乐与诗歌的关系更加密切。到了后精神文明时代，专门用来演唱的歌词的出现，使得人们对歌词的要求进一步提高。虽然歌词以语言符号的形式存在，但歌词中蕴含着的深厚审美基因，一旦与音乐结合起来，歌词会发出与其他语言符号完全不同的精神力量。

从多种意义上来看，歌曲的形象作为一种艺术形象与情感表达、情感宣泄密切相关，听众通过歌词能够对歌曲形象有更加直观的理解和感受。因此，声乐艺术的歌词都会带有极强的美感和抒情性，对社会生活有更加集中、精炼和概括的反映，由此才能激起听者内心深处的情感共鸣。在声乐艺术中，必须指出的是歌唱是歌词美学价值的重要实现途径，没有歌唱歌词仅仅是一种可供阅读的文词存在，并不具有声乐艺术方面的价值。声乐艺术中的歌词美学价值，必须与歌唱家的二度创作结合起来才能实现。例如，在声乐艺术中，演唱者对歌词的咬字必须清晰、分明，只有将歌词转化为完整而准确的歌声，人们才能在声情并茂中感受到声乐艺术的美感，而声乐艺术的歌词美无疑也是声乐鉴赏的重要审美标准。

二 声乐艺术的人声美

声乐艺术的人声美，主要指的是声音音质的品质。音质的好坏很大程度地决定着乐器的好差，人声也是如此。人体构造的差别，使得声音音质存在显著差异性，有些人声音宽厚，有些人声音纤细，还有些人声音高亢或低沉。但不可否认，声音干净、富有弹性是好的嗓音中十分明确的一条标准。人的音质从生理角度来说是天生的，但并不是说缺乏先天条件的人声音无法达到音质美的境界。声乐艺术中的人声美，是可以通过后天努力来改变的。在声乐艺术中，人声美是必不可少的重要审美支撑。以乐器的声乐为例，可以得出好听的乐器声乐更能触及人的心灵，无论哪种乐器都必须具备优良的材质和精确的工艺才能促成良好音质的形成，而这些都是音乐美所需具备的基本元素。

在声乐艺术中，音质可以说是其艺术表现的基石。在很多场合，一个悦耳的声音都会使说话的人增添魅力，这是人们关于人声审美相对统一的必然选择。美妙的人生在自然人的交流中会让人觉得更加惬意，音质的本性体验以良好的嗓音为基础，在歌唱中这种基础重要性更加明显。歌唱的评价大多与声音的音质有关，声音的音高、焦点、声带状态都会决定声乐艺术水准的高低，好的音质以其明亮、自然的特点能够为声乐艺术加分很多。声音本质和技术，在各种术语中屡见不鲜，都表明了其对声乐艺术的重要性。人声美是声乐艺术必须具备的本质条件，是声乐艺术审美的重要组成部分。但人声音质是可变的，不恰当的使用或破坏，将会导致音质向不好的方向变化。在自然界的各种声音中，我们很容易便能分清声音的美妙与否，在声乐艺术中也是一样，人声音质本身的审美特质自然也就成为声乐艺术审美中的关键元素。

三 声乐艺术表演重要性

与所有音乐作品一样，声乐也是物质材料也是音响，其存在方式也是时间，其审美鉴赏也需要通过听觉感受来鉴赏。“听音乐”等术语在日常生活中的频频出现，就是对这一本质属性的认定和判断。我们需要看到的是，表演艺术涵盖了包括声乐在内的一切音乐。虽然进入二度创作时这一特征才得以体现和确立，但其观赏性的综合视觉听觉为一体是一种普遍现象与事实。声乐艺术是歌唱的提升，进入这一阶段后，歌唱的自娱性便会越来越小，表演则成为这种歌唱艺术表现和艺术创作的首要任务。这种演唱活动是一种面对面的表演形式，由歌唱家和听众共同参与，所以歌唱家的一切外在表演形象都会无可避免地在传送歌声过程中传达给听众。

在科技的不断发展中，人们可以通过各种无需与演唱者面对面的途径来鉴赏音乐，还可以利用录像等方式再现声乐表演。但这些声乐毕竟是克隆出来的复制品，它们不仅少了声乐艺术中鲜活的生命力，同时与观众的情感交流也大大减少。能够直接欣赏的声乐演出在市场价值方面，明显高于间接欣赏的文化产品。声乐艺术是一种视听综合艺术，其现场表演永远带有“原创性”特质且更加“原汤原汁”，观众的审美视野中会纳入声乐艺术歌唱表演的一切外观因素，声乐艺术的表演因此是必须列入声乐艺术审美鉴赏和评价范畴的因素。歌唱家的演出实践实际上早已对表演的重要性有过检验和证实，所以在声乐艺术中这些歌唱家都对个人舞台形象十分重视，通过各种本体包装和舞台布置等提高声乐艺术表演的美感，为人们呈现更好的视觉感受，使声乐艺术产生符合人们审美趣味的综合美感效应。

四 声乐艺术的伴奏

声乐艺术的歌唱属性，决定了其不能因循守旧，必须对广征博采的实践美学原则坚持践行。其中，将器乐纳入自身服务范畴就是声乐艺术的典型。声乐在音乐发展历史中比器乐要早出很多，原始社会时期就已经出现了混合实践活动的歌唱，这种歌唱仅仅是人声的单纯表现，并没有音响之类的伴奏，质朴纯净的同时带有单调的缺陷，在艺术表现力方面受到多方局限。乐器出现后，歌唱发现了其与自身相符的音乐共同语言，于是将其应用于声乐艺术中，通过乐器等伴奏来帮助自己提高艺术表现力。器乐曲的诞生有赖于歌唱旋律的铺路搭桥，歌唱在伴奏的帮助下不仅表现力得到极大丰富，且为声乐艺术这一专业性歌唱艺术的诞生创作了条件。发展到目前为止，虽然仍存在“无伴奏合唱”的声乐表演品种，但其他所有声乐作品都会借助伴奏进行，没有伴奏便不会有那些艺术表现力很强的声乐作品，没有伴奏就没有声乐成为当今声乐艺术舞台上默认的演出格局。

作为声乐艺术美的重要组成部分，伴奏在才能施展上的空间比较广阔。例如，在乐器法的原则实现对歌曲作品的配器，不仅能将不同乐器的音色美感充分发挥出来，同时能够通过各种表现手段使歌唱审美效应得到珠联璧合的效果。对乐器伴奏的选择，需要立足声乐作品内容、风格及演唱形式，如此才能使伴奏与声乐艺术得到最佳结合，促进声乐作品表现力的增强。还有某些大型声乐表演会请指挥家介入伴奏，在对指挥进一步处理的过程中促进音乐与演唱效果的增强，为声乐艺术提供更多的美学价值。因此，在声乐表演艺术中加入伴奏，一方面能够促进声乐艺术音乐性的强化，另一方面能够促进声乐多元化美学品格的增添。但为声乐艺术服务，是伴奏的基本目标，可以说伴奏是声乐艺术中声乐审美表演和创造的最忠实和可靠的助手。

五 声乐艺术的乐感

在声乐艺术中，如果说歌唱的音响是物质的，难么其乐感则属于精神和思想的。在音乐表现中，乐感不仅是其引领者，还是其歌唱的灵魂。乐感除了包含对物质的准确把握，还包含对内心的理解与反映，是声乐艺术中非常综合的体现。精神的感悟是很多艺术创作的源泉，艺术家的思维往往可以深入到人内心深处，是丰富而敏感的，正是在此基础上才能创作出触动人心的作品，饱含深情，让欣赏者产生高度的感受与冲动。对歌唱来说，乐感更多的是一种体验和感受，每一位声乐表演的参与者或欣赏者，都能够对不同的作品产生不同的感受和体验，例如，鲁迅所说，一千个人眼中有一千个哈姆雷特，这种结果多多少少便与乐感有关。在作品优秀的前提下，每一位表演者都能演绎出不同的声乐艺术风格，如何使其表演达到美感，是声乐艺术审美的重点。

声乐艺术是由多种形态构成的，这就要求声乐表演者必须对每个形态都有足够的敏感，乐感作为声乐艺术表达的契机，能够为演唱者乐思的表现提供更多营养和冲动。乐感有助于声乐表演者在不知觉中将感性的心灵呈现给观众，从而使观众达到感同身受的效果。在声乐艺术中，审美是通过许许多多的细节体现出来的，乐感能够使声乐演唱者的表演更有灵魂性和震撼力。乐感这种对音乐元素的敏感度，可反映出不同的生理反应和心理感应，使乐感体验呈现出一定的层次差异，对声乐艺术审美具有重要意义。

声乐艺术是一种综合性较强的艺术，在这个全面的音乐文化体验过程中不仅涉及到歌词、人声、表演，还涉及到伴奏、乐感等诸多元素。正是这些不同的构建形态，塑造了声乐艺术的审美范畴，使得人们对声乐艺术的美有了更加具体的认知和把握。

参考文献：

[1] 李莉：《声乐审美特征的整体理解》，《戏剧之家》（上半月），2011年第6期。

[2] 张德凯：《当代民族声乐审美取向的发展趋势》，《民族音乐》，2011年第5期。

[3] 阴琪：《浅谈歌词在声乐艺术中的重要作用》，《黑龙江科技信息》，2010年第26期。

[4] 孟影：《论民族声乐艺术之“声、情、美、韵”》，沈阳师范大学硕士论文，2013年。

[5] 王雅洁：《从声音构成的基本要素分析声乐用声与播音用声的不同》，《新天地：开拓教育新天地》，2011年第11期。

[6] 江涛：《声乐艺术审美要素及其培养与结合》，华中师范大学硕士论文，2013年。

[7] 吴琛：《浅析当前民族声乐艺术的审美内涵与基本标准》，《陕西教育》（高教版），2014年第3期。

[8] 韦家燕：《关于声乐艺术中“声”与“情”关系的哲学思考》，《黔西南民族师范高等专科学校学报》，2008年第3期。

[9] 杨洛：《继承和发展中国古代声乐艺术》，《大众文艺》，2010年第1期。

[10] 张新：《对声乐艺术美构成的分析》，《中国科技信息》，2008年第15期。

（李曦，武汉汉口学院音乐学院副教授）

高师声乐教学艺术论文范文第4篇

摘要：高师学前声乐教学的目的主要是培养学生演唱幼儿歌曲。然而训练学生运用什么唱法演唱儿歌在当下依然是个盲点。儿歌的清新、纯真、和快乐很显然是美声和民族唱法所无法表现的；鉴于高师学前专业生源的特殊性，在教学中，教师可以尝试运用直声唱法进行训练，这对学生迅速掌握幼儿歌曲的演唱特点大有裨益。

关键词：直声唱法 优越性 零基础

众所周知，童声是天然的直声，他们的音色纯净，有明显的头腔共鸣，高音无颤抖，假声不嘶哑。童声歌唱带给人轻快、活泼，明亮的感觉。然而，我们现在的高校培养出来的幼教老师多数是运用美声或者民族唱法在唱儿歌，经常听到孩子们说：狼来了！狼来了！显然，这种唱法不受孩子们得喜爱。究其原因，主要有两点，一是高师学前专业的声乐教师大多毕业于专业的音乐院校，在对学生的声音训练中，想当然的朝着美声或者民族方向进行，教唱几首艺术歌曲就完事；再一个原因是对幼儿园不了解，几乎不去幼儿园观摩实践，不清楚孩子的特点。因此无效教学现象严重，浪费了大量的人力和精力，培养出来的学生却没有做到与幼儿园“零接轨”。因此，在实践教学中，我们推举运用直声唱法来对学生进行训练，不仅能培养出受孩子们喜欢的幼教老师，还能达到事半功倍的教学效果。

一、直声唱法的界定和特点

直声唱法属于美声唱法的范畴，是美声唱法的一项技能。严格地说，它并不成为一种歌唱方法，而是一种歌唱发声状态，也就是没有美声唱法常用的颤音（vibrato）的一种发声状态。因为没有音的波动，能准确地发出固定的高音，以达到音色非常透明、纯洁的效果。

二、高师学前学生学习直声唱法的优越性

（一）直声唱法比较适合零基础的学前专业学生

高师学前教育本、专科学生生源多数来自高考文科生，甚至还有一些理科生，而且以第一自愿报学前专业的寥寥无几，几乎是服从分配调剂过来的学生。录取时没有经过任何技能测试。他们的音乐基础素养普遍较低，几乎是零基础。学习音乐的兴趣不高，主动性不强。对声乐演唱技巧更是感到陌生和无从下手。嗓音条件都很一般。针对这种情况，要让学生在两年内学会歌唱发声的技巧，学习美声或民族唱法，并达到熟练运用的程度是比较困难的。

人声原始的发声是直的，这从少年儿童的歌声中可以听到。其实，成人也是一样的。所以，直声唱法是发声的自然现象，是男女老少都能做到的。而这种直声在学前专业的学生中普遍存在，对于声乐几乎零基础的学生，把原有的直声训练完美是完全可能的。

（二）教学内容适合运用直声唱法进行训练

高师学前声乐教学目的不同于音乐系，他们以中外艺术歌曲为主，而学前专业应该以唱好幼儿歌曲为主。儿歌作为歌曲的一种形式，它有别于成人的艺术歌曲。在唱儿歌的时候，要注意在题材、韵律、节奏等方面围绕着童趣这一特征，来表达孩子的快乐，如果用美声或者民族唱法演唱儿歌，很难达到表现童趣的艺术效果。演唱儿歌不仅要有科学的发声方法，还要结合幼儿的心理特点，并多借助形体舞蹈动作来表现，歌唱中注意保持声音高位靠前，在气息支持下发出纯净的直声，充分展示幼儿歌曲。

（三）直声训练适用于大班教学

直声唱法是目前欧州合唱最通用的唱法，在合唱训练中，要摒弃个性化的音色，避免颤音。因此，在训练中，要求男女合唱队员模拟童声，力求直声，力求气息平稳。一旦有某個队员发出颤音音色，会影响到音准，很容易听出来。

随着我国教育事业的迅猛发展，各级大学院校每年的招生人数也是呈逐年递增态势，学前专业也不例外。在生源多，学时短，师资缺的现状，可采用以班为单位进行直声唱法的训练。我们学院有学前本、专课的学生五百多人，都采用的大班授课。经过一到两年的发声训练，学生基本可以掌握直声唱法，并运用到儿歌的演唱中。大班授课极大地缓解了师资紧缺的现状，而且教学效果不受影响。随着学生对直声唱法的逐渐掌握，课上唱着富有童趣的儿歌，课堂洋溢着愉快的氛围，再也看不到学生脸上以前那种对美声、民族唱法的茫然和不知所措，在儿歌的演唱中仿佛回到自己的儿童时代，让歌声真正做到与孩子“零距离”！

三、直声唱法训练中应注意的几个方面

（一）训练学生学会正确的均匀的呼吸

古人云，善歌者必先调其气。这道出了正确的呼吸是歌唱的基础。没有正确的吸气方式，哪有正确的发声呢？所以，训练呼吸很重要。可以让学生体会闻花的感觉，慢慢的用鼻子吸气，感觉腰围一带有扩张。之后保持几秒钟，再用嘴发“S”或“U”的声音，让气息均匀平稳呼出。注意吸气要深，控制好气息，在集体课上，判断学生吸气是否正确，主要看她们的肩部是否抬起，如果上抬就是错误的。

（二）在自然声区训练，选择从高音到低音的练声曲为主

儿童的音区很窄，大致在小字一组的C到小字二组的E之间，所以，对于没有基础的学前学生来说，当务之急就是要把自然声区练好。要训练声音保持高位靠前，让学生感觉声音是集中在硬腭上的。同时要注意口型，嘴要张开并微微竖起，有助于声音的圆润，帮助声音打在硬腭上；

在较高的音符上起音做发声练习，比如发U母音，训练头声，比较容易体会到头腔的最佳位置，并通过找到的头腔位置，从高到低的练声曲使低音也能保持在头腔位置上。用头声贯穿小字一组的C到小字二组的E。在直声训练中，注意要在意识上努力使气息保持均匀，听觉上严格监督自己的声音保持平直，多点练习，就自然会掌握了。

（三）注意发声时声音轻柔

一切声音的训练都要遵循轻声练习的原则。不要盲目追求音量，而是要注重音质。轻声练习有两个好处：一方面能比较容易找到头声，把真假声巧妙结合起来，不容易出现真假声的脱节；另一方面，对于零基础的学前教育专业的学生来说，轻声练习能保护声带不易疲劳、不易受损，从而保持良好的身心进行歌唱的训练。

希望从事高师学前音乐教育的教师同仁，多为学前音乐教育事业的发展努力，以期培养出更多符合社会需求的幼儿教师！

高师声乐教学艺术论文范文第5篇

摘要：解决歌唱的呼吸问题，是解决声乐教学的一个基本的问题，特别是对初学声乐者更为重要。文章从歌唱呼吸的重要性，呼、吸的生理技能和及时纠正不良的呼吸方法等方面进行论述。

关键词：歌唱呼吸 声乐教学 正确呼吸

歌唱的呼吸对初学声乐的歌唱者是一个大问题。笔者在多年的声乐教学中发现声乐教材较杂，而且教材上只有歌曲没有声乐理论，关于歌唱的呼吸部分基本没有；有的声乐教材有介绍但是提到歌唱的呼吸部分，往往一带而过。目前，初学歌唱者还停留在只听老师的口传心授的阶段，声乐理论上是一个空白。所以，歌唱的呼吸对于初学歌唱者来说是一个虽然很熟悉，但又较难掌握，甚至感到费解的问题。

一、歌唱呼吸的重要性

从歌唱器官来说，它包括：发声器官、共鸣器官、构语器官和呼吸器官四个部分。这几个部分协调配合，才能发出美好的歌声来。而呼吸器官的活动比较明显可以触知，它可以通过人的意识加以控制。它就像二胡、提琴的弓子，是歌声的激动器，弓子运用得好，才能演奏出好的效果。歌唱的呼吸方法正确，才能为好的歌唱打下坚实的基础。

“呼吸是歌唱的基础，呼吸是歌唱的动力。”没有气息对声带的作用，声带是不会发声的。正如前面的例子，若没有弓子在琴弦上的运动，也就不可能使琴弦因振动而发声。再如：手风琴若没有风箱的开合，簧片就不会因空气的冲击而发声振动，发出声音。同样道理，歌唱时声带如不受肺中呼出空气的冲击，声带就不可能因振动而发声。“气动则发声”说明了呼吸是歌唱发声的动力。

有些学生坚持不断的呼吸训练，吸气多少时间，保持多少时间。他们可以吸很多气甚至可以保持相当长的时间，可是一张嘴却发不出好的声音，也唱不出好的旋律来，声音发紧、发直，有憋气感，实际上是有一肚子的气却用不上，造成了呼吸引起的僵硬的毛病。针对这个问题，还应一分为二地看呼吸在歌唱中的作用。首先要明确歌唱的呼吸是一种技术方法、一种手段，它不能包括整个歌唱技巧。其次，要明确认识歌唱的呼吸也是一种肌肉自然运动的结果，也是有感情、有激情的一种运动形式。

歌曲中要表达的思想感情是多种多样的，无论语气、语调和用气的力量上都因内容而有所不同。如安慰人的语气一定是委婉、柔和的，而命令人的口气是威严有力的。两种思想感情，就产生两种呼吸感觉，前者在呼吸运用上就比较从容、舒缓；而后者则果断、急促。所以对一个歌唱者来说要有“激情”的歌唱，呼吸也就在激情的带动下为表现内容而成为一种下意识的活动了。呼吸在歌唱中有特殊的重要性，但不能片面地为了呼吸而练呼吸，这样会削弱呼吸在歌唱中所起的作用。

二、正确的歌唱呼吸方法及问题纠正

胸腹式联合呼吸是目前被采用的正确呼吸，也是符合生理条件的自然的深呼吸，这种呼吸在深度和高度上发挥了整个呼吸器官的最大能量。由于可以吸进足量的空气，所以说它的容量大，弹性大，能够稳定地保持住下肋骨及横膈膜的张力和来自小腹的收缩力量，形成均衡的对抗，有利于控制和产生对声音的支持力量。这些都为气息有规律地、平滑地达到喉咙提供良好的可能条件，容易做到有弹性、有力度、不漏气、灵活自如不感到疲劳的呼吸要求。

有些学生没有很好地理解和掌握正确的呼吸方法，吸气过浅，使得颈部肌肉紧张，面部痉挛，张不开嘴，有憋气的感觉，不能完整地唱一首歌，甚至一个乐句，这些学生多数都是初学声乐者，他们在吸气时多数都耸肩。另一部分学生似乎理解和掌握了歌唱的呼吸方法，认为吸进的气越多在身体内停留的时间越长越好，这些想法都是片面的。从物理学的角度来分析，吸气的力量压力越大，呼气力量的反抗就越强。这样就会引起身体肌肉越来越紧张，给声带造成的错误压力就越来越大，从而引起发声器官的紧张、僵硬，会造成声音上的毛病。歌唱时呼吸不当，不仅造成生理上的紧张，更严重的是由此而引起心理上的紧张和精神上的紧张等等。还有一部分学生随便唱的时候歌唱的感觉还很好，一上课整个歌唱器官和呼吸器官都处在僵硬的状态。这些学生往往思想负担太重。在教学实践中，往往越是学生的呼吸有问题，越是要学生注意呼吸。这样易形成学生的思想负担，不但解决不了呼吸上的问题，反而会使学生的毛病越来越重，所以，声乐教师应及时改变教学方法来纠正这些问题。对于初学声乐的学生应注意呼吸方面的训练：

（一）吸气练习。吸气时，横膈膜下降，使胸腔底部向下伸展，同时胸腔两肋张开，使胸腔全面扩大。此时，因胸腔和肺部扩大，外界空气即吸入肺内。吸气时应注意以下几点：

1.气息应吸在胸腔下部，不可过浅（如胸式呼吸），也不可过深（如腹式呼吸）。

2.吸气时要柔和平稳，做到全胸部自然的扩张（长、宽、高三方向），不可用强制的力量，呼气器官各部分都不能有僵硬、逼紧的感觉。强制性地下降横膈膜和张开两肋都是不许可的。

3.要用鼻和嘴一道吸气。如果只用鼻吸气，初学者易犯软腭（小舌）塌下的毛病，而产生鼻音。

4.吸气要适度，吸得过分饱满，会引起歌唱器官的紧张，使声音失去弹性。吸入气息的多少，应根据所唱乐句的长短、力度的大小、音的高低和艺术表现的要求来决定。

5.要学会无声地吸气，吸气时如果发出不必要的响声，混杂在歌声中，就会影响歌唱的表现。如果吸气的动作做不好，可用下面的方法来体会一下吸气的感觉：（1）用“闻花”来体会一下吸气的感觉。我们在闻花时，气往往吸得自然、柔和而深入，合乎歌唱的要求。（2）当我们跑步、爬山或登高时，吸气急促而深入，可以从这样的呼吸动作中体会到歌唱吸气的部位。总之，我们应该学会如何吸气，吸气是歌唱的准备，吸得好，才能唱得好。

（二）呼气练习。呼气时，一方面，依靠胸腔本身的弹性作用和胸腔呼气肌肉用力，逐渐将肋骨拉下，使胸腔缩小；另一方面，腹部肌肉有控制地收缩，压迫腹腔内器官向上，使横膈膜逐渐抬起（回到原来的位置）。小腹收紧是唱歌时的基本动作，否则就失去了唱歌的基础。这样做是和平时的呼吸有一定区别的，要求呼气的肌肉和吸气的肌肉同时工作；亦可以说，呼气时必须保持有吸气时的感觉。这样做的好处就是，声音一停就会有自然的吸气，而且自然吸得快而多。因此，在发声时，这两套完全敌对的肌肉是彼此不相让地在工作着的，它们相互控制着气压和气流。这必须从原来的姿态改变过来，经过不断地操练，形成一套新的习惯。

歌声是最美的音乐，一个人与生俱来一副金嗓子，如果他不具备正确的歌唱呼吸技能，他是不会唱出好的声音的。也就是说，我们在音乐厅听大师演唱时，为什么会那么激动？为什么那么过瘾？就是因为大师具备了综合的歌唱素养，更重要的，是他们充分掌握了歌唱的呼吸技能，才能使他们动人的歌声灌满整个大厅，唱进每个人的心灵。

高师声乐教学艺术论文范文第6篇

我国的声乐艺术历史悠久、内涵丰厚，在两千多年的发展中经历了几经曲折与发展演化，走出了一条既具有中国文化特色底蕴又极具兼容并蓄、继往开来的多元化发展之路。经历了历史的变迁，经历了不同文化的撞击与融合，中国声乐艺术饱受风雨洗礼。吸收了丰富滋养，这株繁盛葱茏、生机勃勃的艺术之葩，已经代表着中国音乐艺术的一个重要部分逐渐屹立于世界艺术之林，体现着中国音乐鲜明与强烈的艺术特征与文化特征，是中华民族的精神符号之一。

纵观声乐艺术的发展脉络，复杂多变，既有充满规律性的继承沿革，也有令人惊喜的创新进步，更有具有冲击性的变化发展。其中引人深思的是，声乐艺术的每一次变革与发展都是与历史的发展、社会的变迁有着紧密的联系，或者说声乐艺术的发展即是社会发展变化的体现。本文即以此为切入点，梳理研究声乐艺术发展过程与历史发展脉络的重要关系及相互影响与作用，进一步明晰声乐艺术在历史进程中的发展态势与走向，梳理与观察声乐艺术的发展变化的成因、影响因素、艺术成果与文化价值，并以此管窥文化与艺术发展的基本特征与社会意义及价值。
一、来自“原汁原味”的声音——中国古代声乐艺术稳步的发展与前进

中国古代的声乐艺术可以追溯到远古时期，在中华古老的文明中便有延留下来的声乐作品记载——“断竹，续竹，飞土，逐肉。”（五帝时期的《弹歌），歌曲表现了远古人民在狩猎时的场景。远古时期的主要艺术形式是以“歌、乐、舞”为一体的综合形式，称之为乐舞，如黄帝时期的《云门大卷》、虞舜时期的《韶》、夏禹时期的《大夏》等，其中的重要组成部分“歌”就是声乐艺术的最早形式。在原始社会中，远古人民出于对生产生活的需求而产生了大量的祭祀活动，如祭祀先祖、祭天、祭祀神明、祈雨等，乐舞便是在这些祭祀活动的演出主体，而歌曲的主要用途就是用于这些祭祀或庆典之中。可以看出，最早的声乐艺术的出现及其存在的目的完全是出于生产生活的需要，是为劳作与祭祀等社会生活服务的，精神层面的价值与作用还不明显。

当时间发展到了先秦时期，歌曲在这一阶段有了令人惊喜的变化，《诗经》和《楚辞》的出现，标志着声乐艺术开始转向民间发展，受到了人民大众的认同，“开始了独立文化身份的确认”，真正以一种艺术符号存在于中华文化之中。这一时期社会有了一定的发展进步，生存不再是人们的唯一需求，而开始出现精神层面的要求，于是大量的民间歌曲应运而生，由此当时的歌曲可以分为两种形式，一种是被保留下来的用于祭祀的雅乐，而另一种就是当时人民大众创作的俗乐，也就是民间歌曲的最早形式，为中国声乐艺术的发展奠定最早期的基础。

在接下来的汉唐时期，是中国社会和中国音乐艺术发展的一个高峰。这一时期，农业的蓬勃发展为社会经济与文化的发展奠定了良好的基础，破旧立新的革新精神是汉唐灿烂文明的强大助力，在这样良好环境背景下，科技、文化、建筑、医学、外交等领域取得很大的发展与繁荣，音乐尤其是声乐艺术在这一背景环境下也获得了长足的发展与进步。汉代的相和歌作为乐舞的发展形势已经形成了比较明确的结构体裁，成为大型声乐作品的表演形式;乐府歌诗、徒歌、但歌和百戏、角抵戏等民间声乐表演形式也逐步涌现，为声乐艺术的发展开启了更为广阔的空间。进入大唐盛世后，唐大曲以其丰富的内容与繁杂的结构发展到了繁盛的顶峰，《霓裳羽衣曲》等作品甚至流传至今：唐声诗、踏歌、吴歌西曲等民间歌曲形式也得到了发展：而歌舞戏的出现则是预示着歌曲与戏剧相结合而成的新型综合艺术形式将会风靡一时。

宋代是中国古代历史上经济、文化教育与科学创新高度繁荣的时代，宋朝时中国GDP占世界比重60%，为各朝代之首，科技发展突飞猛进，政治也较开明廉洁。进入宋元时期，声乐艺术呈现出新的发展趋势。城市经济的兴盛与市民文化的发展，使流传千年的大曲类宫廷音乐退出了艺术舞台，而被当时文学发展所影响的宋代词曲逐渐兴盛，说唱艺术也开始以丰富多样形式发展开来，而更值得关注的是宋杂剧的独立与发展，使中国的戏剧艺术步入了一个新的纪元。元代蒙古族贵族入主中原，建立大一统帝国，促进了各民族人民在文化与艺术领域的交流与融合，为声乐艺术的发展带来了新的色彩。元散曲唱腔丰富而体现出极大的融合性，而杂剧则在饱飨各民族丰富的艺术营养后走向了发展成熟。

明清时期手工业和商品经济发达，资本主义开始萌芽，文化艺术呈现世俗化趋势，大量的文学作品小说的产生使得戏曲艺术得到了空前的发展，市民文化的兴起也为说唱艺术的发展迎来了高峰，“清代說唱艺术种类之多、影响之大，无不达到了中国古代声乐史上空前的规模”。

中国古代的声乐艺术经历了稚嫩到成熟的历程，由早期的社会价值需求逐渐转变为艺术价值偏重，这是与中国古代历史各个朝代的发展更替有着紧密的联系。中国古代史的脉络基本上呈线条性稳步发展，社会文明也呈现出与其同步的不断成长成熟，艺术作为古代文明的重要组成部分伴随其发展进程与其共同成长起来，发展形态也基本呈现稳步提升的形态，与社会发展同频同步，相互影响。
二、极具冲击性的“外来”的声音——中国近代声乐艺术的转身与蜕变

当声乐艺术的发展由具有原汁原味中国风格的声音阶段，迈入近代音乐发展史，我们迎来了中国声乐艺术发展的崭新阶段。十九世纪末，在国民学堂中开设乐歌课，从而标志着中国近代史开端的学堂乐歌进入我们的视野。这一时期带来了西方的思想、文化与价值观，国人的出国热潮不仅使中国民众进一步接受西方文化，也带来了西方的艺术与音乐。西风东渐成为这一时期音乐领域与声乐艺术巨大变革，这些西方歌曲以及具有西式音乐特征的歌曲以其新鲜、优美、简单易记、易于理解、便于传唱等优势，极大程度的冲击了中国传统音乐，成为了声乐领域的主力军。冼星海、萧友梅、黄自、青主等大量留学西方的文人志士回国后，将西方音乐作品与西方音乐创作演唱技巧带入了中国，他们创作了大量歌曲作品并致力于国民的音乐教育，使西方音乐艺术中的精粹广为转播，将西方音乐技巧播种在中国的艺术园地，使之与中国声乐艺术特征交相融合，绽放出了全新的艺术之花。当时的声乐作品无论从来源、创作技巧、音乐风格、演唱方式等方面都与传统声乐作品存在较大不同，对中国原有的声乐艺术形式和审美取向造成了巨大冲击。在西方音乐创作技法与中国本土音乐的碰撞与结合下，大量的现代艺术歌曲应运而生，《教我如何不想他》《也是微云》《我住长江头》《玫瑰三愿》《思乡》《渔光曲》《铁蹄下的歌女》《松花江上》等艺术歌曲以其优美的旋律和先进的创作技法风靡一时并流传至今。这一时期，抗日战争的爆发使大量的抗日救亡歌曲如雨后春笋不断涌现，《义勇军进行曲》《抗敌歌》《救亡进行曲》《打回老家去》《五月的鲜花》《铁蹄下的歌女》《大刀进行曲》《延安颂》《延水谣》等作品唱出了中国人民面对民族危亡时心中的呐喊，表达了对于革命斗争的顽强斗志与坚强决心，这些声乐作品不仅是精神层面的抒发与表达，更是中国革命战斗征程中的前进号角，激励与带领着全国人民团结一心、不懈奋斗，取得革命的最终胜利。

就声乐艺术特征本身而言，这一时期西方音乐的冲击很大程度上改变了中国声乐的走向。在原来故步自封、坚守本色的基础上，骤然以不同的理念进行了全面的刷新与转变。尽管这变化来的过于猛烈与巨大，面对曾经璀璨的中国古代声乐艺术，让人心中难免会带有一些惋惜与遗憾，但是无论如何，这些经历与变化都是历史赋予中华民族的宝贵财富，是我们必须去珍惜与接纳的。就声乐艺术的社会价值而言，由原来的以精神追求与情感表达为主的社会价值，转向以社会文明发展需要、民众需求以及革命斗争迫切需要的社会价值，由精神层面的功能转化为精神与现实层面双重的功能与作用。可以说，艺术从远古时期以实际社会发展需求而存在开始，历经多个朝代历史变迁，在社会面临重大变革的时候，她永远都是与时代同呼吸，与人民共命运，发时代之先声、开社会之先风、启智慧之先河，为社会的发展与人民的需求服务的。这一阶段声乐艺术的社会功能与作用被进一步凸显出来，成为中国近现代革命文化中的重要组成部分。
三、具有“中国特色、中国风格、中国气派”的声音——中国当代声乐艺术兼容并蓄、继往开来的发展之路

新中国成立后，音乐事业的蓬勃发展为声乐艺术园地带来了勃勃生机。大量声乐艺术家如周小燕、郭淑珍、郭兰英、王昆、胡松华、张权等的涌现，声乐教育的专业化全面发展，《歌唱祖国》《我是一个兵》《草原上升起不落的太阳》等充满民族自豪感与自信心的歌曲的诞生，新歌剧的迅速发展与进步，都使声乐艺术园地万象更新，开始步入新的历史阶段。社会经济文化的稳定发展为艺术的繁荣造就了丰沃的土壤;改革开放之后，大量的外来音乐文化进入中国，对中国的声乐给予了大量可借鉴与学习的契机，由此直至21世纪的今天，中国声乐艺术以前所未有的繁荣态势生机勃勃的发展壮大，走出了一条欣欣向荣的兼容并蓄、百花齐放的蓬勃发展之路。

1.聲乐作品呈多元化发展

当代的新中国走出了旧社会封闭僵化的局面，改革开放带来的新鲜艺术资源不断涌入，中国的音乐工作者汲取其中的精华与中国音乐相融合，在八十、九十年代形成了风靡一时的声乐风格，如《我爱你中国》《在那希望的田野上》《那就是我》《我爱你塞北的雪》《啊！中国的土地》等艺术歌曲的复兴，《乡恋》《年轻的朋友来相会》《故乡的云》《我的中国心》等流行歌曲的广泛传播，《一无所有》《新长征路上的摇滚》《梦回唐朝》等摇滚音乐的兴起……。进入21世纪后，在弘扬民族化倡议下，越来越多的音乐工作者意识到民族音乐的重要性，于是很多的古代声乐作品与音乐元素重新回归了当代的声乐创作。于是继承、借鉴、创新几个关键词，谱写出今天中国的声乐艺术丰富而多元的主旋律。艺术歌曲、传统民歌、古代歌曲、影视歌曲、戏曲选段、歌剧选曲、流行歌曲等各种形式与风格的声乐作品百花齐放、竞相吐艳、各领风骚，使声乐艺术的百花园呈现出前所未有的盛景。

2.声乐表演舞台繁荣发展

繁荣稳定的政治局面，文化经济的高速发展，对外交流的日益频繁，使声乐艺术舞台迅速繁荣起来，一大批声乐艺术家涌现出来，如早期的蒋大为、殷秀梅、吴雁泽、程志、佟铁鑫等，之后的廖昌永、袁晨野、吴碧霞、田浩江等，可谓是江山代有人才出。与此同时，人们对声乐艺术的理解与定义也开始有了新的拓展，声乐表演艺术的演唱技巧本身也开始呈现多元与融合的发展态势，在美声唱法、民声唱法、流行唱法三足鼎立的同时，一些民美、民通类的融合唱法逐渐出现，标志着中国的声乐艺术开始在演唱技巧方面探索一条属于自己的特色之路。

3.声乐教育与理论研究的崛起与发展

自1977年开始恢复高考后，中国音乐教育开始了全面发展的新时期。声乐教育界的领军人物喻宜萱、周小燕、王品素、沈湘等老一代声乐教育家为当代的声乐教育贡献了力量，打下了重要的基础。世纪之交，经过高校连续10年的扩招，中国的高等教育得到了空前的发展与壮大，一大批声乐教育工作者涌现出来，《声乐基础教程》《声乐艺术教育丛书·曲库》《新编中国声乐作品选》等教材应运而生，使中国声乐教育的普及范围与专业化程度极大的提升。大量的声乐教师与声乐理论工作者除了演出与教学外，还致力于声乐理论的研究与挖掘，石惟正、余笃刚、郭建民等写作出版了《声乐教育法》《声乐语言艺术》《声乐文化学》等著作，不仅填补了声乐艺术研究领域的空缺，更是进一步为声乐艺术的发展夯实了根基。

4.歌剧艺术的蓬勃发展

中国歌剧经过了20世纪上半叶的萌芽、建国初期的发展和改革开放时期的复苏，在今天已经逐渐走向发展成熟，大量的原创歌剧被搬上了舞台，如辽宁歌剧院创作的《苍原》、陕西省歌舞剧院创作的《司马迁》、上海歌剧院创作的《雷雨》、中国音乐学院创作的《再别康桥》等作品，都是在继承民族歌剧的优良传统与风格特色的基础上，将西方歌剧创作技巧与中国音乐素材相结合，尝试探索一种具有中国风格特征的中国歌剧模式。

走过坎坷曲折，历经风雨洗礼，声乐艺术之葩在中国大地上盛放……站在历史与未来的交汇处，中国声乐艺术的未来将去往何方，这是广大声乐艺术工作者一直关心关注的重要问题。在中国文联十大、中国作协九大开幕式上提出了“让我国文艺以鲜明的中国特色、中国风格、中国气派屹立于世”，为声乐艺术的发展指明了方向，提供了遵循，将中华文化精髓与先进的艺术成果紧密结合，走一条中国声乐的特色发展之路，必将走出声乐艺术的中国气派，必将屹立于世界艺术之林。

纵观声乐艺术的发展进程，在古代与朝代的更替一起经历了稚嫩、成长与进步，在近代随着社会的发展与变迁经历了转折、跌宕起伏与蜕变，在当代与稳定和谐的时代发展一起走进了繁荣发展、硕果累累的春天，在声乐艺术的发展之路上我们看到了中国文化艺术的发展与变迁，看到了中华民族走过艰辛与曲折，看到了中国历史的投影，事实证明，艺术与历史走的始终是一条并行发展的路。历史的发展造就了艺术的走向，艺术的功用回馈历史、社会和人民，与民族文化血脉相连、与时代精神同频共振，两者关系紧密、相互影响。在进入社会主义新时代的今天，党和国家正在带领全国人民奔向更好的未来、创造更好的历史，在这样的社会环境下中国声乐艺术将会得到更好的发展，拥有更为广阔的发展前景，中国声乐艺术工作者前仆后继、同心协力，推动中华民族伟大复兴时代的到来。