视觉艺术学院范文

视觉艺术学院范文第1篇

〔摘 要〕康定斯基作为现代抽象主义绘画的先驱者，他的抽象绘画通过扭曲、夸张、几何形化的表现形式呈现出强勁的生命力。这种生命力体现了艺术意志及人类普遍情感的抒发，进而形成了他的“声音—图形”式的艺术创作主张。这与符号美学家苏珊·朗格所提出的生命形式论以及艺术幻象论相契合，朗格美学从艺术表现上来探求艺术本质及其价值意义，同时在基本幻象与二级幻象中寻求人类情感概念和世界真理。立足于朗格美学，康氏抽象绘画的艺术形式及其艺术幻象的深度挖掘为现代抽象绘画所呈现的情感和精神的探析指明了新的路径。

〔关键词〕苏珊·朗格;生命形式论;艺术幻象论;康定斯基;抽象绘画

引言

在19、20世纪之交的欧洲，整个现代社会陷入了两次世界大战的阴影之中，技术理性也带来了精神危机，尼采对这一时期的问题显示出了高度前瞻性和预见性，宣布“上帝死了”①，因而历史背景与文化心态掌舵了当下艺术发展方向，各现代流派的涌现使得古典的艺术传统与审美意识崩溃。思想家与艺术家们表露出对现实的失望与逃避，从而转向了对内心精神和艺术本体的探寻。因此，瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）开辟了一条更接近人类心灵的艺术道路，即抽象主义绘画，他带着改变现实的雄心为现代艺术创立了新的艺术形式并打下了理论基础。所谓抽象艺术不是摹仿可见之物，而是将心灵中不可视之物描绘出来。而艺术精神就是通过创造不可视之物得以显示，其内在精神的传达是抽象艺术的最高追求，在艺术抽象中呈现出了生命形式与情感概念，进而形成了艺术幻象。符号论美学家苏珊·朗格（Susanne K. Langer）在《情感与形式》中提出“艺术，是人类的情感的符号形式的创造”②的观点，并将“生命形式论”视为其美学思想的起点，在其美学体系中，艺术是否能够表现情感以及艺术创作、欣赏、本质、艺术幻象的形成等问题上皆围绕此概念而展开。本文以朗格美学对康定斯基的抽象绘画的具体形式意义进行解读，并探寻其虚幻空间中的生命呈现。

一、虚幻空间：生命形式中的艺术抽象

苏珊·朗格在其美学体系中构建了艺术幻象论，并指出“从错综复杂的现实生活和现实利益中抽象出美的形象的最可靠的方法，就是创造出一种纯粹的视象，这就是那种只有表象而无其他的事物，亦即那种只能被视觉清晰地和直接地把握到的事物”③。而“纯粹的视象”就是凭借幻象得以呈现，审美主体从幻象中能直观感受到视觉意象，进而领略其纯粹的本质。艺术抽象是艺术创造的基本途径，正因为艺术以幻象的形式存在，才使得艺术抽象得以成为可能。艺术抽象把握“那种能够表现动态的主观经验、生命的模式、感知、情绪、情感的复杂形式”①，从而实现“艺术的实质”②。这些复杂的形式“呈现出来纯粹诉诸人的视觉即作为纯粹的视觉形式而与实物没有实际的或局部的关联时，它就变成了意象”③，而具体的意象又激发人类的“思想、感情、想象与感觉的混合产物”④，即人类的内在生命。为了实现艺术抽象，艺术家们就要创造出幻象，通过艺术家的热情与生命抽象出来的幻象成为了表现人类情感的符号。艺术抽象与幻象相辅相成，将艺术的表现性和形式性结合起来，使得情感与形式相契合。

受荣格的“集体无意识”的影响，苏珊·朗格找到了消解各艺术门类之间区别的纵深层次，即一致性。朗格指出，这种纵深层次就是“那个由种种深层心理结构图式——具有矛盾心理的意象、相互交叉的动机、强有力的节奏以及与这些大的节奏相类似的种种细小节奏、变化与和谐，还有其他的种种组织模式——组成的层次”⑤。这种结构模式以动态形式出现，而该形式来自于先辈那里传承下来的“集体无意识”，这种动态形式就是舍去个别性和非本质性而获得本质性与共同性的一种有机生命统一体，其呈现了人类心灵中共有的生命情感。可见，“无论在哪一种艺术中，这种动态的形式都是作为能够体现每一件艺术品的有机统一性、生命性或情感表现性等性质的主要原则出现的，这一主要原则就是我们经常说的艺术品的意味”⑥。故而苏珊·朗格所提出的“基本幻象”就是动态形式在各艺术门类中的具体表现，也就是说，每一门艺术都能引起特殊的经验领域，这个特殊的经验领域就成为了所谓的“基本幻象”。立足于“艺术的基本幻象”⑦的概念，苏珊·朗格构建了各门类艺术的分类标准，呈现其独特性和非一致性。“虚幻空间是各种造型艺术的基本幻象”⑧，是一个纯粹的视觉空间。这一纯粹视觉空间就是艺术家从事物表象中提炼出的抽象化、几何化形式，再经由命题情感的融入形成艺术形象，进而唤起接受者的审美幻觉。

“基本幻象”作为区分各门类艺术的本质性概念，触发了非实质性的“二级幻象”概念的产生。“基本幻象决定‘实质’，亦即决定艺术作品的真正本质，第二级幻象的可能性，则赋予它的创作以丰富、灵活和广泛的自由。”⑨换而言之，每一门艺术都有独特的艺术媒介及其创造物，即“基本幻象”，苏珊·朗格联系各艺术门类，提出了“二级幻象”的概念，比如听觉艺术中的“时间”概念与视觉艺术中的“空间”概念之间可以进行相互转化。因此，就接受者而言，二级幻象“都不是通过外在形式加以显示，而是通过想像产生的”⑩。康定斯基找到了画面中的点、线、色彩与音乐中的节拍、旋律、和声相对应。在其音乐主题的抽象绘画中，他以通感手法使得绘画富有音乐性，体现了音乐与绘画在艺术本质上的同构性。而这种音乐性具体体现在其内在声音的绘画理论上，内在声音流露出艺术主体的情感感受和具体经验，这里的个人情感体验通过艺术抽象转变为人类生命情感概念。内在声音抽象为艺术符号的过程也就是艺术生产的过程。在抽象绘画中，点、线、面、色彩的排列组合如同乐谱上跳动的音符，通过音乐的律动和节奏流露出喜怒哀乐的生命情感，诉诸于人类的感性经验。康定斯基在画面中追求视觉上的节奏与韵律，在二维平面上使用绘画媒介以展现音乐感，形成了“声音—图形”式的绘画创作理念。

二、异质同构：生命形式与艺术形式

苏珊·朗格立基于艺术科学，从心理学和生物学的角度追寻艺术与有机生命体的关联，提出了“生命形式论”的概念以探析艺术本质。立足“人是符号的动物”的形式哲学观点，朗格从生物生命活动聚焦到了艺术的生命性，再而在人的生命活动表征中探寻到了艺术的生命形式特征，进而得出艺术的生命形式呈现了人的生命情感的观点。换而言之，“一切艺术都是创造出来的表现人类情感的知觉形式”①。故而朗格在其美学体系中重点解释了艺术的抽象性，并阐述道“不管是在艺术中，还是在逻辑中（逻辑把科学抽象发展到了高峰），‘抽象’都是对某种结构关系或形式的认识，而不是对那些包含着形式或结构关系的个别事物（事件、事实、形象）的认识”②，可见，艺术其实就是对形式的一种认识，艺术家们同逻辑家一样无意识且熟练地从事着抽象活动，创造出富有人类情感的符号。朗格在艺术论中引进了逻辑形式，企图将生命形式同逻辑形式进行类比以剖析艺术本体，“艺术形式与我们的感受、理智和情感生活所具有的动态形式是同构的形式，……艺术品也就是情感形式或是能够将内在情感系统地呈现出来以供我们认识的形式”③。正因为这种生命形式与艺术形式的异质同构关系，才能让艺术作品中的生命欲望、情感以及情绪得以绽放，进而使得艺术成为表达人类生命情感的符号。因此，朗格将有机生命体的逻辑形式提炼为四个基本特征，即运动性、节奏性、生长性和有机统一性，这些特征能对人类情感活动与精神活动的深层次心理结构进行有效的阐释。而抽象艺术的表现形式就是一种人类创造的情感符号，通过审美体验和审美意识将其中的人类情感概念得以激活，在创造活动和审美活动中实现艺术形式与生命形式相互融通。

（一）运动性

生命是一个机能性的整体，有机生命体内部各细胞、组织以及系统等不断持续新陈代谢以确保生命机体时刻处在一个不断运动的状态。而艺术生命最直接的标志亦是生命的运动性。“生命感不是反映在实际的线条里的，而是反映在它们的创造物即它们所具有的‘运动’里。这种实为幻象的能动型式，是模仿生机勃发的情感形式的产物。”④就视觉艺术形式而言，运动性并非物理意义上的概念，而是接受者对造型元素的审美感觉而产生的一种视觉心理体验。在审美活动中，持续生长的线条、陆续延伸的空间以及不断跳跃的色彩，都能唤起审美主体的审美想象和审美直觉，从而使得审美主体将审美客体中的内在生命转变成全人类意义上的生命活动，获得心灵上的审美愉悦与审美升华。

康定斯基指出在抽象绘画中整个画面由两条水平线和两条垂直线框定而成，且每组线都具有基本相同的声音强度和相对平衡的冷暖，而如果在画面中加入任何一个元素，整个画面的平衡就会被破坏。当形放在画面的上部时，画面则增强了沉重感。而如果将形放在画面的下部，则是稠密、束缚和沉重的效果。形越临近画面底部，整体画面就越感到压抑。形放在画面左边，则是倾向一种自由的效果，产生一种远离的运动，而形放在右边，则是偏向一种捆绑、束缚的效果，产生一种回缩的运动。右边出现越多形象，视觉习惯则把形象有意识地往画面中间移。四条边在形象添加的作用下，整个画面呈现出运动感和生命力。如康定斯基的作品《抒情》（图1），艺术家似乎只是朝着从上往下的趋势画上了几条本质性的线条，这些线条迸发出了能量的紧张感，在视觉上产生了动态力。画面中左上部分在深色色块的对比下，白色色块犹如新添加的形象，使得画面呈现出向上的态势，具有解放感、轻松感、自由感。下右部分是一个深色色块，其中向下沉的力与趋向中心回缩的力发生了对抗，消解了往下走的压抑感和沉重感，从而整个画面中产生了一种自上而下流动的方向感。在这个过程中，由于形象的添加而形成强烈的视觉诱导力，产生了心理联觉的效果，使得接受者的审美情感随着画面的运动而发生变化，在艺术形象中体验生命形式的动态力量和运动变化。

（二）节奏性

一个生命体之所以能不断地进行生存与生长等生命活动，是因为其自身的各种节奏活动井然有序地进行着能量交换。这种节奏性并不是物理意义上与时间有关的表征，而是生命体中展现生命力的机能。如人类机体的呼吸、心跳以及血液循环，都是生物有机体中生命连续性的体现。生命机体的节奏性已经跨越了重复单一的运动，进而展现出一种完整的机能连续。“节奏连续原则是生命有机体的基础，它给了生命体以持久性。”①在造型艺术中，画面各元素的重复和连续的运用是艺术韵律美的展现。这种节奏性是对接受者的视觉心理效果而言，艺术家通过理性直觉将规律性、重复性的运动抽象化，使其成为一种符号化的表现形式。因此，画面中的色彩的强弱、笔触的粗细、线条的曲直、布局形态的尖利与缓和，都呈现出了或强烈、或轻柔的节奏，让接受者的心灵感受到时间上的韵律，进而体会造型艺术中的生命感。

按照康定斯基的绘画理论，水平线的特点是冷而平，而垂直线则是暖而高，对角线中分二者的特性。同时，线的冷暖与颜色对应，水平线对应黑色，垂直线对应白色，对角线对应红色，任意线对应黄、蓝色。故而线条的冷暖、色彩的对应关系在绘画与音乐之间变现出来，线条的变化以及色彩的撞击产生不同的内在声音，线条、色彩的变幻与音乐的声音在理论上有相同的作用，产生了相同的视觉感知与心灵震动。如康定斯基的作品《构图VII》（图2），画面中明暗亮度的转換、色彩冷暖的交替、线条起伏的变化、各种元素形态的疏密以及不同笔触的展现等，全部要素在各自范围内产生或强烈、或微弱的对比，又相互有机统一在整个画面之中，奏出了节奏明快、旋律激昂的乐曲，艺术作品展现出了情感化的审美意象，进而让接受者通过感官的协同效应激起了内心情绪的动感。在这幅画中康定斯基通过使用波德莱尔的通感理论，寻找到了听觉域与视觉域之间的切合点，将音乐中的旋律节拍的变化与画面中的色彩明暗以及线条起伏相互转换，线的不断变化和重复所呈现的内在精神与音乐的节奏和韵律所具有的内在声音在理论上对接受者有着相同的作用，进而让审美主体在视觉与心灵上产生对等的震动，激发出人类内心感受和心理体验。

图2 康定斯基，《构图VII》，布面油画，1913年，现藏于俄罗斯特列季亚科夫画廊

（三）生长性

每一个生命体都要经历出生、成长、衰老和消失的最基本的生命活动，正是这类生命活动体现了机体生长性的特征。生长性与运动性相得益彰，生长的本质从某种意义上讲就是运动，也就是说，机体交换生命的运动过程其实就是在进行生长活动。“静态艺术中的‘动势’不是一种位移，而是凭借各种方式都可令人察觉或想象的变化。所以艺术中具有方向性的运动就表现出生命形式的生长性特征。”②因而造型艺术中的生长性也跟其运动性一样，并非物理意义上的变化与运动，而是在联觉作用下接受者产生的一种心理活动体验。故而线条的表现形式在逻辑上与运动相关，在画面中线条充满了动态张力，含力欲发地连续起伏、不断延伸，进而呈现出生长和律动的视觉张力。

康定斯基指出点在外力的驱使下开始运动，其行动轨迹亦成为线。线极具张力，展现为生长性的特征，是基本绘画元素的内在力量。“在线条连续、支承的图形又倾向给它以方向的地方”①，审美主体对其感知充满了“动的概念”②。可见，线指引着运动的方向且具有生长性。“就外在概念而言，每一根独立的线或是绘画的形就是一种元素。就内在概念而言，元素不是形本身，而是活跃在其中的内部张力。”③也就是说，外部的形有一种力度，其活跃在形的内部而具有张力。这种充满张力的艺术形式呈现了“艺术的实质”④，这是从物质存在中得来的抽象之物，通过艺术家的艺术抽象赋予艺术以生命力，进而通过事物的表象传达其内在精神。如康定斯基的作品《缓和的锐气》（图3），画面中流动的线条极具伸张性和回缩性，其中伸张的力处于一个充满力量的生长状态，而回缩的力则发挥着自身制约作用，则展现出向内的凝聚力。在视觉心理的作用下，画面中伸张的力为了对峙回缩的力而孕育了力量，促发了接受者对审美客体生长力的感知。艺术形象通过内在对抗的势态而发挥其生命性，朗格将这种艺术形象称之为生长的符号化形式，其承载着人类共有的审美情感与内在精神，进而呈现了艺术生命形式的本真性。

（四）有机统一性

“有机体是一个运动的事物，其中包含着一种持续性的结构，而这种结构又是由各式各样互相之间在性质上截然不同的活动组成的。这些活动不仅能够恰好互相补充，而且在时间上也能达到绝妙的一致，由所有这样一些活动构成的结构实质上是一种极为统一的系统。”生命有机体中的每个部分都是有机统一、不可分割、相互依存的关系。故而一件完美的艺术作品在内部结构上具有相互依赖性，在整体上具有统一性。每个部分都依赖着其他部分，且各个部分之间有机融合。在艺术生命形式中，艺术的有机统一性是通过生长性、节奏性和运动性而得以显现，进而展现出艺术作品强劲的生命力。

康定斯基提出“综合艺术”（Synthetische Kunst）的概念，凭借通感的方式打破了各艺术门类之间的壁垒，将色彩、线条、肌理、声音等各艺术语言有机融合，从而达到内在和谐统一。就其本质而言，它们都是内在精神最纯粹的表达，显露其内在的一致性。康定斯基对原初性通感体验的探寻促发了综合艺术的诞生。普通艺术凭借通感的手法发展了综合艺术，由于各门类艺术的基础都具有身体体验，而单一艺术表达形式无法充分体现身体体验的通感本性，故而创造主体将目光聚焦到了综合性强的原始艺术，重新体会世界的统一性。如康定斯基的作品《构图X》（图4），画面中散落在各处的“点”像一个个跳跃的音符，大量反复的构图以及鲜明色彩的搭配在画面中呈现出了节奏感和韵律感，它们之间在视觉上相互呼应、相互承接，通过重复、交替、变换、生长、运动等内在势态的统一而形成了一个有机和谐的整体。画面中各个独立的元素呈现出相互交错、前后呼应的艺术形式以诉诸于接受者的感官与心灵，给人以生命力、整体性与原始趣味。基于通神学的振动理论，康定斯基认为通过形状、色彩、音符能够激起人类灵魂的振动，而联觉就是一种人类普遍心灵中显示的共振。接受者凭借心理振动介质，促发了内心情绪和审美意识，这一审美活动就是一次生命体验。

图4 康定斯基，《构图X》，布面油画，1939年，现藏于德国杜塞尔多夫州立美术馆

三、视域融合：虚幻空间与抽象绘画

艺术生命形式论将艺术幻象作为研究对象，强调艺术是表达人类情感的符号形式，故而抽象绘画的虚幻空间就是人类生命的投射和普遍情感的外化，激发出接受者的审美经验和审美直觉。这里将创造活动以及审美活动中所产生的情感、精神、经验和直觉视为内在世界。虚幻空间是一个“活的”生命体，朗格在探析虚幻空间时，将艺术作品结构与人类生命结构作比较，突出了艺术形式和人类生命形式的关联。可见，朗格的艺术生命形式论就是把创造主体和接受主体都纳入了考虑。就创造活动而言，抽象绘画的虚幻空间是人类普遍情感的流露，创造主体将人类情感概念转化为艺术作品形式，从而实现艺术作品的情感客观化。可见，虚幻空间中的人类生命情感是从艺术家的个人情感体验出发，进而消除其个体性达到对人类普遍情感的关注。就欣赏活动而言，艺术符号的形式及其功能都化作一种经验，从而呈现出美的知觉和意味的直觉，而接受者通过艺术符号获得了审美体验和审美愉悦，可见，虚幻空间所呈现的生命情感与接受者的审美情感产生了共鸣。

就艺术作品而言，虚幻空间作为一个独立完整的幻象，有着无限的可塑性、延伸性。虚幻空间脱离了传统绘画的直接摹仿，按照绘画的表现原则，使用各种方式创造空间实体结构，形成一个直观可见的整体空间的基本幻象。虚幻空间通过艺术抽象得以形成，虚幻空间中纯粹的幻象脱离于现实，这是对人类情感和生命形式的抽象。这一抽象过程就是人类情感抽象化的创造活動，因而艺术抽象需要通过符号化的形式语言形成一种诉诸直觉的整体性艺术幻象。这种幻象呈现出富有生命力的独立空间，其内部结构不断生长运动，强烈的视觉诱导力让接受者获得动态的视觉体验效果，使得“一种特定的心理本能在此得到了满足”①。康定斯基指出“热抽象”具有自由色彩造型的表征特点。色彩是一种影响人类心灵的艺术语言，对色彩的表面印象能够发展成一种视觉审美经验，抽象化的色彩结构与强烈饱满的色相对比让画面呈现出一种神秘主义的力量，唤起接受者灵魂上的共振，从而满足其深层的心理需要。在“热抽象”的虚幻空间中，每一种色彩都具独立性且富生命感，它们自由地传达着速度、方向和节奏，这些纯粹色彩之间的混合传达了创造主体内心世界，进而呈现出人类普遍的情感概念，赋予了虚幻空间以生命律动，而这一生命力又通过通感的方式让接受者获得了一种动态感的视觉心理体验。

就内在世界而言，虚幻空间是人类内在世界的外在显现，艺术抽象的基本途径是创造艺术幻想，其中造型艺术的抽象则是创造虚幻空间。虚幻空间是一种符号性的空间体系，以符号化的形式语言表现人类生命情感与精神概念，其中情感的流露是由于艺术符号和人类情感之间存在着逻辑形式上的类似性，从逻辑意义上来看，艺术是一种生命形式，而人类的情感也是一种生命律动。故而抽象化的艺术形式能唤起人类生命的情感意味。基于格式塔心理学原理，康定斯基将点、线、面、色彩等艺术语言转化为艺术幻象，呈现出一种抽象化的虚幻空间，实际上就是将人类的情感与精神注入抽象艺术之中。深受康德的“主体意识”、黑格尔的“绝对理念”以及尼采的“意志主体”的影响，康定斯基提出“内在需要”（innernessiry principle）的抽象绘画理论，外部形式呈现内在精神，通过抽象化的形式语言展现艺术家的内在生命及其艺术意志（kunstwollen）。这种“内在需要”就是艺术家想要表达内在精神的冲动，这一抽象冲动根植于集体无意识中的民族认知结构，是最深层的内在本质的呈现，也是创造最本真、最纯粹的艺术形式的原动力，是人类普遍共有的情感概念和精神价值。因此，艺术幻象中的生命情感、内在精神通过有机统一、流动性、空间性、节奏性的艺术形式外显出来，从而生动形象地展現虚幻空间中的审美情感的萌生、形式生长的历程、画面运动的规律以及审美情感的转变等特点。

就艺术家而言，艺术家创造虚幻空间，并不是对世界万物的直接复制模仿，而是按照生命形式的原则，通过艺术形式符号化的方式以传达艺术作品的客观情感。苏珊·朗格指出艺术作品具有“他性”（otherness）的特点，这一特点使得艺术作品呈现出“脱离尘寰的倾向”①，因而虚幻空间不是存在于现实世界的虚幻之物，而是流露人类普遍情感与经验的艺术意象。这一非物质性的特征有效地抽象出视觉表现形式，使得人们从现实世界的复杂利益中抽离出来，进而“创造出一种纯粹的视象”②。康定斯基将抽象化、情感化的画面构成称为隐性结构（versteckte construction），这一结构通过遮蔽和截取的方式以实现其艺术抽象，遮蔽是运用与对象无关的颜色使其变得朦胧，而截取则是除掉对象的非本质部分以使其简化为最纯粹的基本形状。故而康定斯基的抽象艺术的构成方式称为“简化、截取形体——符号转换”的艺术抽象模式。康定斯基使用这种创作模式进行绘画，打破了传统古典绘画以来的机械化、简单化的模仿。艺术家凭借艺术直觉对画面中的基本元素进行抽象，转化为一种情感客观化的艺术表现形式，正是这种艺术形象的符号化提炼才使得接受者能够感知隐形结构所传达的纯粹幻象，从而激起接受者超功利的审美感受和审美心理。在这个转化的过程中，符号化的形式语言承载了更为丰富的精神内涵，给接受者以生命体验。

就艺术接受而言，虚幻空间是一种视觉性的艺术幻象，抽象化的艺术形式付诸于视觉的感官刺激，从而唤起接受者的情感共鸣，形成一定的视觉审美体验。艺术家使得艺术幻象脱离于现实生活，让其“自我丰足”③，将其抽象为一个纯粹的虚幻之物。而接受者在审美过程中，通过情感、联想和想象等心理因素的作用，摆脱自我的本能，“这种摆脱自我的本能，乃是一切审美享受，乃至于人类对幸福的一切感受的最深层的终极本质”④，进而体会到了超脱于现实生活的最本质的情感，感受到了艺术幻象的无利害、超功利的生命感。康德提出审美的非功利性，“美是无一切利害关系的愉快的对象”⑤，正是这种审美超功利性也让审美快感超越了世俗利害关系的得失。因此，在虚幻空间里，艺术主体表达无利害的审美情感，接受者在此获得超功利的情感共鸣，从而实现艺术幻象完美呈现人类情感的使命，展现了虚幻空间的生命活力。在沃林格美学理论的影响下，康定斯基凭借抽象的艺术形式以传达艺术意志。在抽象绘画中，艺术家呈现出了最纯粹、最本真的艺术现象，以满足接受者最深层、最内在的心理需求，正是这一心理需求让艺术作品在审美过程中调动了接受者的审美经验、审美意识以及生命情感。在20世纪现代文明下的技术理性创造了物质文明，同时也成为了奴役人心的政治手段，“技术的社会就是一个统治的体系”①，从而导致人成为异化之物、单向度的人。基于对这个时代世界感（Weltanschauung）的认识，康定斯基摆脱了现实生活的物质欲望，转向对内在精神的寻求，促使了抽象艺术之诞生。在抽象的“虚幻的景致”中，创造主体按照生命体的组织方式将点、线、面、色彩等艺术元素排列组合以呈现人类的内在生命，这些感情化的艺术符号直接诉诸于接受者的视觉力。在审美过程中人的视觉与审美客体产生了本质的联系，接受者的情感经验与审美客体所蕴涵的情感表达相一致而形成了审美共鸣与情感共振，从而使得接受者在艺术幻象中获得了无利害超功利的审美感受，体验到了虚幻空间的生命活动。

四、结语

康定斯基历经了两次世界大战的浩劫、世纪转折期的精神危机以及文化工业的摧残，他带着时代责任和历史使命投身于艺术活动之中，他的抽象绘画所呈现的艺术精神也是那个时代艺术家们共同的审美理想与审美追求。康定斯基的“内在声音”“内在精神”“综合艺术”等艺术主张，也是当时艺术家们极力探求的艺术问题，艺术家们本能地将艺术活动与内心体验、精神情感和潜意识的表现融合起来，反映了处于困境时期的人类对精神的极力追求，故而艺术就是一条人类精神的救赎之路，20世纪的艺术家们争先恐后地对生命迸发出了狄俄尼索斯式的狂喜和激情。苏珊·朗格指出艺术是创造人类情感的符号，艺术形式与生命形式存在逻辑上的类似，康定斯基通过线条、色彩、结构、笔触等元素为抽象绘画打造了独特的虚幻空间，展现了生命体特有的规律性的运动、跌宕起伏的节奏、充满张力的生长以及有机统一的整体。在创造活动中，创造主体将时间的观念引入其中，通过内在精神让画面获得了丰富变幻的“空间—时间”性的艺术形式，使得审美主体通过审美联想和审美想象感受到艺术抽象的音乐感与生命力，从而感悟到人类普遍共有的情感精神。

视觉艺术学院范文第2篇

摘 要：在现代艺术变革的潮流中，把目光转向了民间美术，从中重新感受到一种振奋和活力，视觉艺术创作向传统艺术和民间美术的回归正在成为一种新的思潮，面对这种艺术潮流，民间美术的自身发展又提出了新的要求。

关键词：民间美术；传统文化；现代艺术

我们如果听不懂贝多芬的音乐，看不懂毕加索的画，就会承认自己还没养成欣赏音乐的耳朵和欣赏绘画的眼睛，可是如果不能欣赏民间艺术，则首先就强调它不符合“现代生活的节奏”之类，而不会意识到这里也有一个“耳朵”和“眼睛”的训练问题。所以，一个民族的艺术发展，实际也取决于创作与欣赏二者的水平，各艺术种类之所以发展成为这样而不是那样，也是创作与欣赏在历史上相互制约、彼此作用的结果。现在，有许多人在为昆曲，民间工艺的前途担忧，不是怕没有创作者而是怕没有欣赏者，有否欣赏者会影响到任何一种艺术种类的消长存亡。

近年来，“民俗热”、“民间美术热”等社会思潮此起彼伏，对民间美术的好尚也越来越浓，同时现代设计、绘画、雕塑等，纷纷从民间美术中汲取营养，如香港凤凰卫视中文台的台标；中国联通标志以及北京2008年奥运会吉祥物“福娃”等，大家都认为设计的很好，有文化修养的人更能看出这些设计突出了传统文化，但进一步问“好在哪里？”我相信没有多少人能说出个所以然，作为一个从事艺术的我也一样回答不出来它的好法，直到我对民间美术的认识和理解，才知道这些设计不是那么简单的，它有效地使用了民间美术的语汇和元素，有着丰富的思想內涵，所以需要学习才能真正懂得欣赏，甚至是创作出有个性的作品。

民间美术是中国民众在自己的社会生活环境中，形成了自己的思想观念，并与生活相融的一种美术形式，而劳动人民作为创造者在随心所欲的创作过程中，流露与体现出民间美术的“清水出芙蓉，天然去雕饰”的单纯、质朴的艺术风格与极强的创造力，所谓最没提炼的艺术形态是最有艺术价值，最值得去研究的艺术。它来自民间，用于民间，具有审美和实用双重价值，其造型、色彩及构成方式均具有独特的审美意味，蕴含着浓厚的民族文化特征和强健的民众性，且品类丰富，代代相传，蕴含着极丰富的、有待开发和利用的艺术资源。对于一个民族来说，具有丰厚的文化传统是好事，不是坏事。 “那种背着‘传统’包袱而无法迈步的人，是受到了思想认识和能力的局限，不能怪罪传统的束缚”，中国的民间美术与一切的视觉艺术形式一样，同属我们中华民族文化的组成部分，并且有着不可分割的互相借鉴、融合的关系。

进入信息化时代以来，人们接受新事物变得多元化了，人们在看多了各种流行一时的所谓现代艺术以后，把目光转向了民间美术，从中重新感受到一种振奋和活力，视觉艺术创作向传统艺术和民间美术的回归正在成为一种新的思潮，也就有了“民俗热”等现象。其实很早以前绘画艺术就已经吸取了民间美术的造型、色彩元素，西方大师毕加索和马蒂斯都曾迷恋过中国的民间美术造型，创作了许多充满情趣、形式感强的艺术作品，林风眠大师的绘画创作也具有明显的借鉴民间绘画的倾向，但他们并没有掀起这股热浪，随着全球化带来不同文化的相互冲击而产生对本土性和特殊性的反思和重新发现，就像最近流行音乐上的“中国风”，在流行元素上加点传统的京剧唱腔，以及原生态歌曲的盛行一样，在各个层面的生活中，只要跟现代艺术有关都存在都市人向往传统、渴望自然的心理需求；服装设计、广告宣传、室内设计、封面包装、商标等等方面都体现了民间美术与现代艺术的水乳交融、难解难分，现在对古典家具家居装饰、古董收藏的盛行，使得越来越多的人热衷于探索中国本土文化，形成了独特的本土风格，这种现象实际上是相对于传统意义的传承和关照，就如鲁迅先生说的“凡是有地方色彩的倒容易成为世界的。”正是有了这种追求民间的、本土的，地方的欣赏趣味的产生，才使得民间美术的生命力重新燃起，将其精华重新整理应用到现代艺术中，从而产生了不少新的火花。

在现代艺术变革的潮流中，我们应该如何看待民间美术呢？具体回答这个问题是不可能的，但我们不妨粗略的思考下，首先，民间美术也应注重自身的发展，借鉴传统是历史的规律，也是时代发展的必然，但沉醉于传统、固步自封也势必要僵化。人们对待艺术的审美观念、审美理想、审美情趣、审美标准都在发生变化，现代艺术创作者，要以传统民间美术为基础，融入个人的意趣，充分发挥民间美术的风格特征，创作出有新意的作品，这样才能真正被大众所接受。其次，在与现代艺术的交流中，也决不能停留在低水平的互通有无的交换上。民间美术毫无必要向现代艺术看齐，模仿追随现代艺术决不是民间美术发展的方向，模仿、照搬，最后将是新的雷同和新的空洞，当然这种创新也是在潜心研究传统民间美术，并认真研究了其他艺术的基础上有感而发创造出来的，同样要求较高的文化素养和艺术修养，来认识民间美术的精神，解读民间美术的审美内涵，仅仅依靠赶时髦、趋风潮只能掌握传统民间美术的皮毛的“旧瓶装新酒”的做法是难以创新的。

民间艺术作为民族文化的重要部分，它是一个民族的精神象征，在这条连绵不断的历史长河中，要让民间美术的魅力真正绽放的话，其最有力的纽带便是加强我们的艺术教育工作，民间艺术本应成为艺术教育的一个重要基础，虽有人为此努力，但总的来说仍被关在高等美术学府的门外，昔日是不登大雅之堂，而今依然在象牙之塔外徘徊。但它却不仅能扩大欣赏群体，使更多的人真正懂得欣赏传统艺术，同时让我们这些艺术人群能主动去汲取传统艺术的养分，更重要的是教育作为载体，最能把精神、把传统、把最广泛意义下的文化相传下去。

参考文献

[1]邓福星 《中国民间美术学导论》 哈尔滨;黑龙江美术出版社 2000

视觉艺术学院范文第3篇

抽象主义绘画在世界画坛占有重要地位，抽象艺术是对自然的一切物象进行抽象模糊化、概念化的行为，具有主观能动性。瓦西里-康定斯基运用抽象元素来表现艺术家内在心灵的感受。 作为“抽象之父”的瓦西里-康定斯基Wassily Kandinsky，被誉为现代抽象主义绘画实践的奠基者，能够运用抽象元素来表现。其对于色彩、绘画形式（点、线、面）、绘画以及绘画抽象美学理论中的表现具有独特个人的观念。因此，对于康定斯基抽象艺术的研究为我们打开西方现代主义绘画之门。

康定斯基抽象绘画理念

每一件艺术作品的绘画风格的形成与艺术家所生活的艺术环境、文化理念、地域文化以及学术氛围的时代特征有着紧密联系。康定斯基抽象艺术理论研究的成果亦是如此，与他个人的成长环境和绘画经验起着不可小视的作用。

康定斯基的艺术精神之所以能够跟随他的作品闻名遐迩，从康定斯基的一生中可以看出，他生来就是为艺术献身的。艺术创作就是他人生的全部，无论任何时刻直到生命的终结。同时为了传播艺术思想奔波于世界各国，从而为现代艺术开拓了发展空间。

随着现代社会的发展，艺术作品就如这个时代的标签，对考古专家有着至关重要的作用。他们可以通过艺术作品获取这个时代的艺术风格、社会发展环境以及每一个时代的审美特征。而且能够发现每个时代所具有的独特个性的艺术魅力。然而有些想要重生过去的艺术原则是绝不可能的，这就好比企图给埃及木乃伊赋予真实的生命气息一般在搏头条似的。这也正是齐白石告诫后人：“学我者生，似我者死。”即使我们可以毫无差别地复制希腊的雕刻作品，也只能是雷同而无任何创新可言，也只是仿制品。我们始终不可能拥有希腊人的内在特性与时代情感。康定斯基把这种模仿看作是没有任何内涵可品的动作，表面看起来就像猴子模仿人类的一举一动，实际上只是一场让人一笑而过的模仿秀而已。

在《点线面》中， 遵循了“ 数是一切抽象表现的总结”这一原则。康定斯基排斥绘画的三维空间表现， 将绘画归结为二维平面， 同时对绘画形式的各种基本元素从平面几何学的方向来做精细的阐述、分类和界说。

康定斯基的抽象绘画及特点

康定斯基是一位多产的画家，纵观一生可将其绘画风格分为三个阶段。他的绘画风格在这三个阶段中向我们流露出由对外部自然事物的感性形容过渡到对主观精神世界的理性思考的发展过程。同时，绘画理论体系在这个过程中也建立起来。

1896-1908年，是瓦西里-康定斯基艺术生涯的第一个阶段，1985年，莫斯科展览上印象派绘画为康定斯基抽象艺术的形成埋下伏笔。康定斯基感性的抽象主义绘画第二个阶段是1909-1914年。这个阶段作品中开始以元素和色块来代替人物、风景，通过画面的形式感受到许多象征意味是不可言传的。康定斯基抽象绘画风格的成熟期是在1922-1933年，同时这一阶段也是康定斯基绘画理论的成熟期。画面色调热情活力，宛如康定斯基创作过程中的热情，画面中每一个形象既抽象又自我。

这一阶段，康定斯基的绘画理论著作较为丰富。《艺术中的精神》、《点、线、面》中对绘画元素具象解析，深刻影响着20世纪视觉艺术观念的变革。

从康定斯基一生的绘画经历中可以看到，他的抽象绘画风格的形成，包括了各种门类的学术观点与理论成果，如心理学、哲学、绘画、神学、音乐、戏剧等等。

康定斯基抽象绘画对其他领域的影响

1.精神的回音：康定斯基对后世的影响

20世纪之前，受到当时社会环境的影响，艺术无论如何转变它的原则，终究与现实世界保持着紧密的关系。也从未完全独立于自然传统，自成一派。

20世纪，随着《第一幅抽象水彩》的诞生，艺术终于摆脱了自然传统的束缚。画面中只有色彩和线两个元素，我们可以看到画面中跳动的色彩和流动的线条与人的内心情感向碰撞，让人脑海里不由自主联想起一幅漂浮动人的画面。康定斯基注重元素自身的内在特质，释放其灵魂本质，纯粹以抽象色彩和线条来传达抽象绘画的内在精神。康定斯基不仅是艺术家，更是理论家。他为抽象绘画赋予理论性，给抽象艺术一个属于自己的独特身份。

从康定斯基的认知过程中看到，其对元素应用的变化以及对人的内心精神的关注，让我们看到20世纪现代美术观念的转变和趋势。艺术创作需要不断创新实践，从而为现代艺术增添新兴活力，摆脱了传统的外套，需朝着内心世界的原则前进。抽象艺术的最随者应本着探索新的艺术表达形式，在抽象绘画的道路上取其精华，推陈出新。

2.康定斯基对现当代艺术的影响

康定斯基的抽象艺术影响着现当代艺术的审美思潮。艺术与设计本是同根源，是相互扶持的。抽象艺术不仅打破了传统的创作观念，开拓色彩应用空间，使得造型更加简洁丰富；而且为设计专业教学奠定了“三大构成”基础课：色彩构成、平面构成、立体构成。

音乐作为听觉艺术，没事具有冲击力的视觉艺术，康定斯基非常完美地将视觉与听觉融合为艺术元素。康定斯基所给我们留下的是一股精神，一股赋予创造性的、坚持不懈的艺术精神；今天我们所发展的影视、设计、装置艺术等应该向康定斯基学习，在固定模式中寻找到自己强烈的情感所在。其抽象理论就像一种象征符号一样，在创新心形式中寻找作品平面与内在精神的同一。康定斯基之所以能够被赞为“抽象表现艺术之父”，是因为他的抽象艺术改变了人们过于依靠传统绘画的技术，追寻个人主观精神实质的审美为艺术表现的原则，为现代艺术的发展奠定了理论基础。

康定斯基抒情式的抽象画风也深深影响着美国的抽象表现主义绘画。受康定斯基的主观抽象艺术影响的西方艺术家也有很多，如波洛克的“滴洒绘画”，看似杂乱无章，却蕴含着乱中有序的美学。

康定斯基的抽象艺术美学指引着人们认识世界、时代的变化和精神演变的轨迹。经过解析现代艺术甚至是抽象绘画艺术领域，来剖析社会心理与人们的精神情感活动。

（作者单位：浙江理工大学）

视觉艺术学院范文第4篇

关键词：数字艺术 传统视觉艺术 当代艺术创作

引言

数字艺术是信息技术发展的一种产物，虽然结合了先进的数字技术，但依旧属于艺术的范畴。也就是说，数字艺术仍然是对传统艺术的一种继承和发扬。在审美上，传统的视觉艺术与数字艺术有着各自的优势。数字艺术是当代文化语境F--～新兴品，它是借助数字技术手段创造的艺术作品，与传统视觉艺术相比在媒介手段、文化内涵上都有明显的不同。如今，这两种艺术形式同时存在于当代的艺术潮流中，虽然两者存在一定的不同，但其作为艺术创作的基础却是相同的，都是人类的精神文化产物，两者互为影响，在不断的融合中获得共同发展。

一、数字艺术的概念阐释

上个世纪末，数字艺术作为一种新兴产物被广泛应用于艺术创作当中。具体来说，数字艺术是传统视觉艺术的一次飞跃，涵盖了技术与艺术两个方面，如今它以强大的生命力参与到当代艺术创作的活动中，成为了将技术与艺术高度融合的一种新的交叉性学科。这种新兴的艺术形式通过各种实践活动已经被社会大众所接受，人文艺术领域也不可避免地受到了影响，最终发展成为一种全新的视觉艺术。

传统的艺术作品进行欣赏时，需要到美术馆、展览厅观看那些艺术作品，通过静态地观看与讲解人员的介绍对艺术作品进行感受。如今，人们获取信息资源的渠道越来越多，当代艺术的创作者也开始借助这些技术手段获取视觉信息，这样大大地丰富了艺术作品的内容。艺术创作者借助数字技术手段能够获得更为广阔的表现空间和表现方式，他们告别了之前那种繁杂的工作，工作效率也有明显的上升。如今，当代艺术创作者开始利用网络平台进行艺术的创作与宣传，各种各样的艺术形式开始在网络上呈现。如一些美术馆借助网络的平台把馆藏的艺术品公开发布出去，这样艺术就不再只是少数人的专利。但同时数字艺术的大众化也带来了一些危机。大量的无意义的艺术作品涌现出来，对社会大众的审美造成了不同程度的混淆，这对艺术的发展是十分不利的。所以，这就要求作为艺术创作者，在借助现代技术的同时更要增强自身的艺术修养。

二、传统视觉艺术的当代认知

数百年来，艺術与其他文化领域之间的界限已经变得模糊，艺术家们在展现自己艺术作品的时候常常将各种视觉文化产品混合在一起。艺术品的创作过程被看作是科学技术渗透的过程，无数的艺术创作实践都向我们证明了艺术与技术总是如影随形的。每项科学技术的诞生与发展，总会有相对应的艺术形式而产生，或是原有的艺术形式发生深刻的变革。似乎每一个艺术媒介的变革都会给艺术造成强裂的影响，数字技术的诞生让它与新时代的艺术品位发生了联系，从而人们对世界的认知方式也发生了改变。数字艺术的出现从实质上来讲是对公共空间的一种扩展和重建，也使艺术的创作者可以拥有更为广阔的创作空间。

上个世纪60年代，录像技术刚刚问世就吸引了无数艺术创作者的眼球，艺术界开始了叙事结构的探索。到了90年代，电脑的问世更是让艺术创作者们爱不释手。他们运用软件程序对一些复杂对象进行处理。步入新世纪，DVD录制技术得到了广泛的发展，艺术品的交易形式出现了新的变化。如今，数字制作、摄影技术得到了进一步的发展，自然而然也被渗透在各种各样的艺术创作中。数字媒介为当代艺术的发展提供了巨大的推动力，艺术创作中涵盖着技术与艺术的完美结合。因而，媒介的变革拓展了艺术的多样性、灵活性，慢慢抽离了传统艺术文化观念。

三、传统视觉艺术的当代发展

当代艺术的创作呈现大众化的特点。随着科学技术的进步，艺术的上层建筑地位已经成为一种普遍的基本需求的大众文化。首先在选材上面，为了引起社会公众的心灵共鸣，艺术创作者的选材开始考虑社会公众的接受度，如一些大众题材的艺术作品会让公众感到十分亲切，它与之前服务于政治意识形态的艺术作品题材有根本性的改变。一些艺术创作者在进行艺术创作的时候试图建立一种新的艺术审美，他们对一些经典的艺术作品进行尝试性的更改，特别是《蒙娜丽莎》被超现实主义大师进行再创造之后，经典作品的再创造发展成为当代艺术创作中的时尚潮流。

当代艺术创作呈现个性化的表现特征。如今，各种图文信息充斥着我们的视觉神经，人们被电子图像碎片所引领。数字技术的虚拟化特征已经超出了公众可接受的限度，在欣赏的时候感到有些有心无力。因而，艺术创作发展到任何一个阶段都需要遵循一定的意义，若是将这种意义的形式完全摒弃，就会完全背离艺术创作的轨道。当代艺术创作尊重个体的差异性，但绝不能对传统视觉艺术完全摒弃，我们应该在多元化的艺术倾向中凸显自己的个性。艺术创作者的灵感来源于对生活的独特感悟，这样的创作具有明显的个性特征，对于艺术家来说，失去了这种个性，也就意味着失去艺术的价值。当代艺术创作中个性化的表现特征越来越明显，艺术创作者利用美的直觉性将鲜明的个性嵌入艺术形式的表达之中，只有这样观众才会对作品有所印象，欣赏到艺术作品中潜藏的观念。如今，评判艺术作品的标准不再是唯一性的，只有不断地对生活进行艺术创造，艺术才会保持自己的真实性与生命力。

四、传统视觉艺术与数字艺术的关系

当我们运用新的技术手段进行艺术创作的时候，会给观众带来全新的视觉体验。若是把数字技术与传统艺术作为单独的个体来看，它们在艺术创作的审美情感上确实存在一些差异。首先这种差异的表现实在工作方式上。传统视觉艺术的形式对于观众来说更容易产生共呜，艺术品常常都是一个可以感知的实物。但数字技术的出现，这些艺术品可以被无限地复制传播，艺术逐渐沦落成为一种技术手段的载体，在这个层面上艺术品就不再具有艺术价值，只能称得上是技术的一种表现形式。其次，两者的差异性在于文化的渊源。传统艺术的发展经历了一个又一个的历史阶段，已经蕴含着十分丰富的文化底蕴和民族情感，如今在历史传承上已经得到了普遍的认可，具有很高的艺术价值。数字技术的介入，致使艺术品的传承性遭到了断裂，没有任何的艺术底蕴。在这个意义上讲，传统的视觉艺术具有唯一性，数字技术下的艺术品却是批量复制生产的，这样就会造成艺术价值的不同。当数字技术与传统艺术发生了碰撞，两者就在艺术创作的过程中相互影响，但在技术与艺术的相互融合的实践过程中我们会发现，数字艺术借助技术获得了更多的发展空间，但艺术观念与技术的演变过程几乎是同步的，所以艺术在很大程度上都依赖于技术。

当代艺术的创作希望唤起技术与艺术的审美情感，这体现了当代艺术创作的审美追求，从某种方面来讲已经演变成为现代技术与传统艺术相统一的审美哲学。如今，越来越多的艺术家开始在艺术创作中寻求这种技、艺的全面性审美体验，希望在传统艺术的基础上结合数字技术创造出更具文化内涵的艺术作品。从上个世纪末到现在，技术革命的次次演变为当代艺术的创造提供了更为丰富的形式，技术与艺术之间的联系也越来越紧密。当代艺术的创造中，技术已经不再是一种单纯的创作手段，而是成为传统艺术的存在方式与构成价值，从根本上改变了艺术品唯一性的审美情感。

五、我国传统艺术在数字时代的发展

我国传统的视觉艺术作品往往体现着特定时期内的民族特质和民族文化，这是一种思想观念的视觉体现，具有十分鲜明的民族特征。传统的视觉艺术品不仅要承载一定的文化价值还要符合当代审美的要求。因而，在当代艺术的创作中需要充分挖掘传统的视觉形象，对这种民族艺术的文化价值进行评估，赋予中国传统艺术的时代性，这样才符合当代艺术创作的社会语境。如今，中国的传统文化正在遭受新技术革命的冲击，我们要十分重视传统视觉形象在当代艺术创作中价值作用。当代的艺术创作中，数字艺术创作至关重要，但我国的数字技术与西方发达国家相比还有很大的差距，这也就使得我国数字艺术创作成果的落后。不论是技术还是艺术，都已成为我国当代艺术创作的影响因素。新世纪，我国的当代艺术创作发展正如火如荼地进行着，大量的艺术家都选用了社会学的角度进行艺术创作。在当代艺术的创作中，艺术创作者更着重于服务生活，思考艺术与现实生活两者之间的关系。如2011年的《关系：中国当代艺术》当代艺术展览中，将人与人、人與社会、人与技术、人与艺术之间的关系作为探讨的主题，以艺术的方式进行展现。国内最为顶尖的数字团队，借助世界最先进的数字技术全方位地制作了展馆的现场。在这次展览中，关系被各种艺术形式进行探讨，从策划的初始阶段，这一展览理念就被提了出来，文字与视觉作品的同步展览成为这次实践的最大成果。

六、当代艺术创作中数字技术应用

数字技术的诞生，网络的意义变成了数字化的网络传播，在此基础上计算机技术的应用让我们进入了“读图时代”。在数字时代里，人们能够体验到读图方式的多样便捷，读图乐趣的轻松自由，使人们一直以来被压抑的情感很容易就被激发出来。但是因为在技术条件方面的一些限制，人们无法纯熟地应用网络。而互动是网络最为关键的因素，如果想将当代艺术的创作得到一个质的飞跃，就需要把多种艺术形式进行综合应用，使数字艺术能够不受时间与空间的限制。从另一面来看，传统的视觉艺术与当代的数字图像都是一种视觉语言，是人们生活中存在的一种语言形态。数字艺术作为科技革命产物，需要依托数字技术方可将图形、图像、艺术、互联网等相互融为一体。我国的历史悠久，孕育了很多优秀的艺术形式。传统的视觉艺术传承是在岁月洗礼下的宝贵财富，具有十分重要的艺术文化价值。但这些传统的视觉艺术在工业化的进程中也遭到了不同程度的破坏，这时我们可以对这些传统的视觉艺术品进行分析，在了解了其所处的时代、表现的风格、形式等经本信息后对其进行数字化的恢复处理，从而实现这些珍贵财富的保护。如今，数字技术的图像处理方式已经成为一门普遍的应用工具，对于传统视觉艺术的保护也就更加便捷。但是，我们如今的技术手段只能够对其进行数字记录，以数字化的格式保存下来。随着数字技术的不断发展，我们对传统视觉艺术品的保护就不再拘泥于地域和手段的制约，能够在虚拟的空间中对传统视觉作品进行再现，让社会大众有更为直接的感知。

总之，不管是传统视觉艺术还是数字艺术都是基于当代艺术创作实现的。数字时代，数字技术的应用给传统视觉艺术造成了很大的冲击，新的社会环境下滋生了一些新的问题。对于数字艺术，人们更为关注的似乎是技术的掌握和应用，并未涉及创造的方面。这种缺失最终会造成发展的短板，所以必须将其引入艺术发展的体系之中。当代的艺术创作已经不在人们能够预想的范围内发展，数字技术的高效应用给当代艺术的创作带来了很多不确定的因素，这就需要我们将重点放置在艺术创作的实践当中。这样，不管社会怎样发展，无论数字艺术亦或传统视觉艺术，两者的本质都不会改变，数字艺术必定以更为自由的姿态活跃在当代艺术创作的活动中。

视觉艺术学院范文第5篇

【上海视觉艺术学院专业】上海视觉艺术学院招生网站-上海视觉艺术学院分数线

2013年录取规则备注雕塑、绘画、工艺美术(文物修复)、公共艺术按照美术类专业考试成绩从高到低择优录取。英语单科成绩不低于60分视觉传达设计(视觉与信息设计、包装传播设计)、产品设计、环境设计(室内与景观设计、建筑艺术设计)、艺术与科技(会展设计与策划、演出空间设计)、动画、数字媒体艺术、工艺美术(玻璃与陶瓷设计、珠宝与饰品设计)、服装与服饰设计(服装艺术设计、纤维艺术设计)按照专业考试成绩和文化课投档成绩各占50%的比重合成综合分从高到低择优录取。(综合分=文化分+专业分x[文化满分/专业满分])英语单科成绩不低于60分。艺术与科技(数字媒体技术)按照专业考试成绩和文化课投档成绩各占50%的比重合成综合分从高到低择优录取。(综合分=文化分+专业分x[文化满分/专业满分])英语单科成绩不低于60分。只招理科生。服装与服饰设计(时尚设计与传播)专业成绩合格后，按照高考文化成绩排序录取。英语单科成绩不低于60分。视觉传达设计(广告设计与策划)摄影按照我校专业校考成绩和文化课投档成绩简单相加合成综合分，从高到低择优录取。(综合分=专业分+文化分)英语单科成绩不低于60分。广播电视编导校考专业成绩合格后，按照高考文化成绩排序录取。语文单科成绩不低于80分，且英语单科成绩不低于70分。文化产业管理表演(影视、话剧与音乐剧表演)按照我校专业校考成绩从高到低择优录取。录取时男女生分别排序。表演(时尚表演与推广)只招女生播音与主持艺术按照我校专业校考成绩从高到低择优录取。语文单科成绩不低于80分。录取时男女生分别排序。(一)相关说明：

1、上述录取规则均以投档考生专业考试成绩合格(统考达艺术本科线)和高考文化课投档成绩达到本省市艺术类本科录取控制线为前提。各省市高招办或本校另有明确规定的，按有关规定执行。

2、我校组织专业校考的省市，各专业不作分省市计划。美术类专业，设考的所有省市按录取规则统一排序录取。不设校考的省市按录取规则分省各自排序录取。非美术类专业，按照录取规则全国统一排序录取。统一排序录取的省市，将各省市文化成绩高考派高考志愿填报专家

(原始分数)，按比例统一换算成750分，再按照录取规则计入综合分。除艺术与科技(数字媒体技术)专业外，其他各专业文理兼收，录取时文化成绩的计算不考虑文理科之间的分值差别。

3、美术类各专业录取时，按专业大类(即专业考试方式及录取规则相同的一类专业)统一划线，在专业大类内部根据考生填报志愿进行专业方向调剂录取。专业大类之间原则上不进行调剂录取。只有在某一专业大类第一志愿生源不足的情况下，才会在报考其他美术专业大类的线下考生中进行择优调剂。非美术类专业原则上不进行调剂录取。只有在考生同时取得两种专业的专业考试合格证，第一志愿未达录取线，而所报第二专业志愿生源不足的情况下，才进行择优调剂录取。

4、鼓励各中学校长实名推荐优秀考生报考我校(被推荐考生总体成绩排名须在本校考生中排名前10%以内，每校推荐学生不超过3名)。校长推荐考生经我校专业测试和材料审核合格，录取时可享受总成绩10分的加分。(二)优先录取

1、参加我校美术类专业校考，专业成绩排名在我校当年美术类全体考生中前30名以内并第一志愿报考我校的，文化分达线后，优先录取;

2、参加我校非美术类专业校考，专业成绩排名在我校当年相应专业全体考生中前3名以内并第一志愿报考我校的，文化分达线后，优先录取;

3、在我校认可美术类专业统考成绩的省市，考生美术类专业统考成绩在本省市当年全体美术考生中排名前50名以内并第一志愿报考我校的，文化分达线后，可优先录取;

4、在我校组织美术类专业校考的省市，美术类专业省统考成绩在本省市当年全体美术考生中排名前50名以内的考生，若参加我校美术类专业校考，我校将认定其专业校考成绩合格，第一志愿报考我校，文化分达线后可优先录取。

5、获得省级运动比赛前6名或国家二级运动员以上考生(相近运动类别，校考时须提交证明原件)，报考文化产业管理(高尔夫方向)并取得我校专业测试合格证的，文化分达线后可优先录取。

6、上述专业成绩优秀的考生，录取时英语等小分要求可以从原标准降低5分。(符合要求的考生须在录取一周前提出申请，并提供有效证明，未提供有效证明的不予考虑)

上海视觉艺术学院重点专业:

高考派高考志愿填报专家

上海视觉艺术学院全景地图:

上海视觉艺术学院历年分数线:

上海视觉艺术学院报考指南:

上海视觉艺术学院招生计划:

上海视觉艺术学院人气校友:

视觉艺术学院范文第6篇

在世界范围内，信息技术的进步促进了社会的沟通和交流，打破了社会和地域的界限，从而促进了全球化和国际化的形成。多媒体技术最终会导致整个教育体制、思想以及教学理论的根本性的变革。由于多媒体技术具有很多功能和意义，发挥着不可缺少的作用和意义。多媒体以计算机为工具，汇集了图像处理、语音处理以及视听等技术。把图像和语音信号通过模数转换变成相同的数字信号，经过处理后，再压缩还原。实际上，多媒体技术在进入社会的每个角落中，瞬间成为新形式的资本，促进了社会经济的发展，同时对教育具有深刻的影响[1]。

作为学校教育的一部分，艺术教育也受到了信息化社会很多的影响和挑战。在课堂教学中，多媒体技术的运用会产生意想不到效果。本文面对信息时代的到来，探讨高校视觉艺术设计中的信息时代多媒体教学的作用。

1 多媒体技术的运用方便收集教学资源

目前，多媒体等现代技术被广泛地使用在学生学习知识、教师教学的过程上，随着多媒体技术的运用，这些方面都发生了很大的变化。尤其是在高校艺术设计教学的领域中，多媒体技术发挥了其创作能力，学生通过电脑可以直接进行绘画和设计，在学生全面发展上起到积极的促进作用。课堂教学质量会直接受到形象的视觉效果的影响。视觉艺术的每节课都具有可视的形象，离不开视觉印象和观察。教师在备课阶段，可以充分利用网络查找大量的教辅资料；在课堂上，通过电脑的复制功能，让学生欣赏到好的图片；在实地考察的时候，用摄像机和照相机实地搜集资料。再配上音乐、画面文字提示以及解说词等，在电脑里做成课件长期存放，随时方便提取。这样做会使教学质量得到提升，使教师讲课的内容得到丰富，具有很明显的教学效果。

目前的科学技术中，多媒体技术集声音、光学、电为一体，对整个教学的发展和改革具有促进的作用，具有快速便捷、高效、传授知识，全面收集、保存资料等互相交流的优势。艺术设计教学是一种形象直观的教学，多媒体技术能够从多个角度，使艺术的形象性、可塑性以及直观性得到极大的体现[2]。另外，多媒体技术的使用可以使学生的创作热情激发起来，在学生的思维方面发掘其创造性的潜能，在学生兴趣和成就感方面起到培养的作用，在教授传统绘画技法上，使教学转向全方位的开发，对潜意识的创造开发具有独特的作用。

2 对教师和学生的主动性起到激发的积极作用

增强了教师的自信心，降低教学的难度 当今社会中，倡导的是一种教与被教配合式对话式关系的生态式教育。在教学中顺理成章，尊重学生的自然发展，吸收生态学的原理，挖掘学生的潜能，促进教师和学生之间的交流沟通。在美术设计中，多媒体呈现的是视觉上的传达，在用户界面上，通过多媒体使作品达到信息的呈现和传达。

在知识结构、年龄、心理、生理等方面上，师生之间会存在许多差异，传统的教师授课在人们的印象中就是板书+教学。教师在这种模式下，不能充分自由地发挥技巧，时间久了，会使学生产生厌倦的心理，教师的授课也变得枯燥乏味，心中会感觉到茫然失措。教师根据自己授课的风格，运用多媒体添加一些有利的视觉设计知识，抛弃传统的“填鸭式”的模式，增加学生的自信心。通过开放式多媒体教学模式，可以形成教师自己独特的教学方式，使教师从传统的授课模式变成现代化的授课模式，也能使学生从被动的学习变成自动的学习，进一步拓宽了学生的知识面，提升了学生学习的质量。

增强了学生的参与性，充分认识到艺术设计教育的现状 今天，多媒体技术飞速发展，人们原有的生活和思维方式已经受到多媒体技术的影响和改变，尤其是给视觉传达设计带来了深刻的影响。为了培养现代技术应用型人才，突出培养视觉设计教学的目的，作为实践性比较强的高校视觉艺术设计教学改革，要注重加强基础课教学的适应性，增加实践教学的渐进性和连续性，以及强调专业课教学的实用性等。从社会实际需要出发，根据培养专业技能的需要，根据社会应用型人才培养的原则，突出培养学生的技术应用能力。

多媒体教学要在变化中实现统一，在统一中寻求变化，信息的传递和接受要由审美来促进。在一定程度上，教师自己的知识也存在老化的现象，学生的发展总是受到灌输式教育的很大影响。因此，要倡导多元的文化知识，改变以往的习俗，只有不同的思想碰撞，才能有所发展和创造，才会获得新的知识。

生动形象的教学，激发了学生的兴趣 每堂课上，作为一名视觉艺术设计的教师，通过运用多媒体技术向学生展示自己制作的课件，并且进行详细的讲解。如教学设计标志课程时，首先为了吸引学生的目光，教师运用掌握的课件制作技术，自己设计具有活泼感的Logo，以动画播放的形式，在讲解的内容中融合范例，加强学生的学习兴趣，使学生在看动画短片的轻松感觉中完成这节课的内容学习。

3 多媒体教学培养了学生解决问题的能力和创新精神

视觉艺术设计中凝聚了很多学科的知识，对于某个固定搭配和秩序的关系，在具体的设计中是难以确认的。因此，教师要是拘泥于平常的课堂教学形式，就无法满足实际的要求。目前在社会实际设计中，视觉艺术设计已经无法逆转对外设计的服务，教师引领学生走向社会，完成视觉艺术设计专业的必修课。以前，在实践的时候，学生必须根据基础的造型进行视觉艺术设计。这样不能充分体现出学生好的创意。而在很大程度上，多媒体的运用使电脑绘画弥补了绘画表现技巧的不足。在教学中，通过多媒体技术的运用，学生将自己的创意正确地表现出来，并且可以进行多次有技巧的修改，直到视觉艺术设计作业有创意。

因此，利用多媒体设计的方法，探讨设计的多种可能性，培养学生的设计理念，扩展学生的思维想象力，使学生在生活中积累知识，寻找广泛的创意元素，让视觉艺术设计更加具有独特的内涵，培养学生的创新能力。

4 总结

现代多媒体教学技术的运用在设计艺术教学中有很大的潜力，合理开发美术教育软件，有效地运用多媒体教学系统，优化艺术设计课堂，更好地使学生的创造能力得到培养，在视觉艺术教育领域中使现代教育技术更能大展宏图。

参考文献

[1]陈向阳.探讨多媒体教学的误区及解决方案[J].中国科教创新导刊，2013（14）.

[2]吴坚.高职艺术设计专业3ds Max课程教学探析[J].科技信息，2011（9）.

[3]董翠.培养空间思维，训练形体表达：艺术设计类专业《画法几何与透视》课程改革初探[J].艺术与设计：理论，2011（5）.

[4]卢婧妍.浅析信息时代多媒体在高校视觉艺术设计教学中的重要作用[J].科技信息：学术研究，2008（2）.

[5]李晶.浅谈多媒体教育技术在美术教学中的重要作用[J].科协论坛，2007（11）.

[6]吴超英，曲宏山.信息技术环境下教学设计创新的构思[J].郑州经济管理干部学院学报，2003（3）.