浅析声乐表演心理范文

浅析声乐表演心理范文第1篇

声乐表演是将静态和动态相结合的一种表演艺术, 即二度创作。声乐表演的过程是对一个声音从感知、记忆到思维与想象的心理过程。感知、记忆、思维、想象、情感、意志、兴趣、气质、能力、性格等心理因素作用并影响着声乐表演者的演唱发挥。声乐表演的心理就是声乐表演者在声乐表演过程中产生的一系列心理活动。

二、声乐表演中的心理特点

声乐表演是一项缜密而又复杂的心理活动, 是演唱者在表演过程中感觉、知觉、思维、动机、注意、意志等在头脑与内心世界的主观反映。由于每位演唱者的表演经验、技术水平、适应能力各不相同, 所以他们的表演心理、表演效果也大不相同。声乐表演心理表现为大强度的心理负荷状态、紧张心理状态、心理适应状态、情绪和意志上多种形态等特点。

三、声乐表演中的不良心理

(一) 怯场

怯场指的是演员登台时胆怯的心理障碍, 是不良心理的主要表现。怯场能使演员临场紧张时产生一种害怕、不能自信、犹豫不前的情绪, 使声乐歌唱者的思想难以集中, 理解、分析、思考、和想象的能力降低, 记忆迟钝, 对科学的歌唱方法与技巧难以准确理解和掌握, 使演唱水平大打折扣。怯场的原因主要是技术不熟练、思想负担过重、临场经验不足、演唱环境的改变。

(二) 恐惧高音

对于歌唱的人来说, 这是一种普遍现象, 一到了高音区就紧张了。鼓足了劲儿, 拼着力气蛮干, 始终唱不上去。演唱者在高音上的恐惧导致不断的失误, 极可能造成条件反射, 造成永远的高音恐惧。

(三) 反应迟钝

反应迟钝主要有以下几种因素:

缺乏欲望:指的是演唱者对歌唱艺术浓厚兴趣的直观反映, 歌唱欲望越强, 反应越灵敏;歌唱欲望越差, 反应越迟钝。

缺乏激情:一些声乐表演者在演唱过程中顾虑太多, 被各种无形的东西束缚住了, 发声僵硬。

缺乏胆量:部分演唱者对自己的声音不够自信, 怕唱的不对、难听, 产生了紧张害怕的心理障碍。

(四) 过度的情感

这种过度的情感主要是演唱时的过度兴奋和消极抑制。

过度兴奋是对演出表现得过度兴奋、焦虑、惊慌。消极抑制表现为情绪低落, 所有心理过程都进行得缓慢, 知觉范围缩小, 注意涣散, 思维迟钝, 甚至不想参加演出或比赛。

(五) 依赖心理

在心理学上依赖是一种人格特征。它的特点是没主见、缺乏自信, 事事不能自立。声乐教学一对一授课的特殊形式, 容易使学生产生依赖心.丧失学生学习和实践的主动性。许多学生离开了老师就不知怎样练习, 怎样表演。

(六) 自卑心理

声乐表演者的自卑心理表现在, 演唱者对个人能力, 品质作出偏低的评价, 常常觉得自不如人, 总是过多地看重对自己不利的一面, 看不到有利积极的一面, 不能全面客观地分析自己的演唱水平和能力。

四、心理调控措施

(一) 怯场心理的调控

要克服胆怯心理, 首先要增强自信心, 自我激励、鼓气, 自我暗示, 一定能成功。其次要勇于行动, 创造表演契机, 增加舞台实践经验, 对好的方面给予肯定, 正确地评价自己。要不怕失败, 勇于面对挑战。虚心请求教师指导, 做好充分的准备工作, 对歌曲的旋律、歌词、情绪、伴奏等等要熟悉, 最后就是要做到自我调节, 心境平和地对待一切事物。

(二) 恐惧高音的调控

高音的调控首先要相信唱法, 相信位置, 同时心理非常平静, 这样气息才不会乱动, 也不会影响歌唱时的生理机能, 这样就很容易出来高音, 其次应该多总结, 多向他人学习, 多琢磨。战胜高音强调的是科学方法, 运用理智与科学去战胜盲目与恐惧。

(三) 反应迟钝的调控

歌唱欲望首先来自兴趣和爱好。对于声乐艺术的表演者而言, 兴趣和爱好是基础, 在此基础上的强烈的歌唱欲望和表现欲望, 才会促使他热爱这一艺术, 产生真挚的情感, 迸发强烈的演唱激情, 也在某种程度上无形中增强歌唱胆量。

(四) 过度情感的调控

歌唱者的神经兴奋过程要适度, 这样才能思维敏捷, 注意力集中, 动作协调, 才能充分发挥自己的技能和情感, 更能清醒地指挥自己的演唱, 客观注意自己的表演, 做到偏差、失误等的最小化。

(五) 依赖心理的调控方法

(1) 让表演者自己去唱, 去听, 去辨别自己声音的优劣好坏, 去体会自己发声器官的运动是否协调, 去感受自己的发声状态是否正确。让表演者在歌唱心理上会形成主动, 自然的调控方式。

(2) 要求表演者在学习时适当作些笔记或录音, 并采用讨论, 交流的教

学手段, 课后还可以让表演者写写自己的心得体会, 从而加深表演者的理解和认识。

(六) 自卑心理的调控

教师在平时训练中就应给予重视, 帮助学生制定合理的目标、要求。教师在布置曲目时应该根据学生的实际情况与学生实际水平。明确地告诉学生训练的目的、要求, 共同分析作品难度。鼓励学生克服困难增强信心, 还要培养学生全面的音乐感受能力, 完整地表现声乐作品, 要从多方面给下鼓励、引导学生正确表现自己、评价自己, 发挥长处。

五、结语

声乐表演艺术, 是人的精神产物。声乐表演者, 在创造歌唱艺术产品的过程中, 无论是在演唱技术上还是在表演艺术上, 从头到尾都贯穿着缜密而又复杂的心理活动。声乐表演的不良心理是声乐学习中的“搅屎棍”, 每位声乐表演者都必须将它找出并克服, 才能使自己的声乐表演实现艺术化的飞跃。

摘要：声乐表演是每位歌唱者全方位技能的一个展现, 是一项缜密而又复杂的心理活动, 声乐表演者在歌唱中的心理因素直接影响着他的歌唱行为。声乐表演的歌唱者在演出前需要了解歌唱表演的心理特点, 针对性的在歌唱的学习、训练还有表演过程中, 进行有效的心理调控, 使得歌唱表演达到艺术表现效果, 实现技术和艺术的双重突破。本文分析了声乐表演中的一些心理特征, 描述了几种常见的不良心理状态, 重点研究了声乐表演过程中的心理调控措施。

关键词：声乐表演,不良心理,调控措施

参考文献

[1] 《音乐心理学》编著蒋存梅

[2] 《声乐演唱理论与舞台表演实践》编著田春雨、王磊、潘芳

[3] 《试论声乐的舞台表演》编著刘成

[4] 《音乐教育心理学》编著郑茂平

浅析声乐表演心理范文第2篇

【摘要】在声乐表演艺术中，声乐技巧是极为重要的组成环节，是艺术形式表达的重要推动力，是声乐作品艺术的体现形式。因此，在声乐表演艺术中，声乐技巧的组成是声乐风格表现的重要方式，是对声乐发展的重要推动力。由此可知，在声乐表演艺术中，声乐技巧对其具有重要的影响作用。本文主要就声乐技巧在声乐表演艺术中的重要性展开研究，以此引起声乐表演艺术者对声乐技巧的重视，从而更好地促进声乐表演。

【关键词】声乐技巧；声乐表演；艺术发展；重要性

一、声乐技巧在声乐表演艺术中的重要性

（一）声乐技巧在声乐表演艺术中的价值体现

在声乐表演艺术中，一首优秀的声乐作品离不开强烈的节奏感。在一首作品中，准确的节奏感能够将声音表达的速度、快慢进行充分展现，能够将作品中所包含的多种思想情感展现淋漓，从而引起观众对作品的切身感受。

由此可知，在声乐表演艺术中，作品的节奏感需要通过声音的快慢展现，需要表演者在表演中达到抑扬顿挫且从容自如的表演姿态。因此，在表演中需要演唱者对气息的转换、字音的表达等多种技巧熟练掌握。不仅能够在节奏较快歌曲中充分发挥出歌曲的情感，还应该在节奏舒缓的歌曲中注意歌唱声音的流动感，以此确保歌曲中的所有发声都具有一定的方向感，且情绪表达充沛，才可以将表演作品中的艺术效果淋漓展现。如果在表演中缺少一定的技巧表达，则在节奏缓慢的表演中，会导致作品表达过于无力且内容空洞，致使艺术价值缺失。

在声乐表演艺术中，节奏较快的作品形式比较会受表演者的青睐，不仅是因为有强烈的情绪表达，还能够很容易地将观众情感带入。但是，在快节奏的声乐作品表演中，由于情绪起伏较大，整体节奏较快，演唱者需要对自身的心理感情加以稳定，注重声乐旋律表达的连贯性与流畅性，确保在演唱中不出现抢拍情况，更不能将每一拍都当作强拍进行表演，即使是快节奏歌曲，其中也会有一定的情绪起伏，演唱者需要多加注意，避免在表演中造成歌曲节奏混乱，旋律表达失误。

由此可知，无论是在何种节奏的作品演唱中，演唱者需要具备一定的声乐技巧，在演唱过程中以每一个小句子为一个表演单位，演唱时一气呵成，这样的演唱方式能够确保声乐表演的整体稳定發挥，能够为听众呈现更强的节奏感与情感层次的感受，从而带领观众更加深入地体会到声乐表演魅力。

（二）声乐技巧在声乐表演艺术中的作用

1.声乐技巧深化审美内涵

在声乐表演艺术中，声乐技巧是其重要的组成部分，而声乐语言与演唱者的嗓音则是声乐技巧的组成，通过语言与声音的结合，在声乐表演中为其注入更深层次的内涵与美感，为声乐作品赋予了一定的艺术价值，打开了声乐表演艺术作品的灵动状态。因此，在声乐表演过程中，众多演唱艺术家通过在声乐技巧中添加更多的情感，将声乐作品展现出更为自然、真挚的审美涵养，使声乐作品的审美艺术得到更好的优化，将声乐作品中所蕴含的审美艺术与涵养价值以及其所要体现的文化素养等多内容充分体现。

例如，在我国的国歌《义勇军进行曲》中，词曲作者与演唱者为了将中华民族百折不挠、顽强拼搏的民族精神充分体现，在词作的编写与演唱中加入了一定的声乐技巧，从而将作品的文化精神充分体现，将该声乐作品中所蕴含的艺术价值与审美内涵充分展现，从而无限提升了作品的魅力。

2.声乐技巧深化情感表达

随着社会的不断发展，大众对美学的概念也在随之变化，自身的审美观也在不断发生改变。因此，为更好地促进声乐表演艺术的发展，作为表演的主要组成部分，不仅要充分加强声乐技巧训练，还应该不断培养演唱者的艺术情感。在声乐表演艺术中，演唱理论与实践是相互影响的。声乐技巧与艺术情感是声乐表演的理论与实践，两者在表演过程中互相影响，互相融合。艺术情感作为声乐技巧的主要体现形式，是实现声乐技巧的重要方式，而声乐技巧是情感的深化手段。由此可知，在声乐表演艺术中，只有将声乐加强与作品情感相互融合，才能够将作品表达得更加完美，为听众带来更好的视听盛宴。

三、结束语

综上所述，在声乐表演艺术中，声乐技巧贯穿于整个表演过程中，且在表演中起到了重要的作用。通过对声乐技巧的提高与强化能够更好地升华声乐作品的表演艺术内涵。在声乐技巧的不断训练中，能够更好地创作出声乐作品。显而易见，在声乐表演艺术中，声乐技巧是十分重要的。

参考文献

[1]张素霞.声乐技巧在声乐艺术中的重要性研究[J].戏剧之家，2015.

作者简介：朱开来（1977—），女，湖南常德，硕士研究生，讲师，湖南文理学院艺术表演与传媒学院，声乐教学。

浅析声乐表演心理范文第3篇

【摘要】形体语言是声乐表演艺术的主要结构之一。表演者能否恰当地运用形体语言，将直接影响音乐作品及其作品主人公的性格特征的表现力。因此，加强声乐表演艺术中形体语言的培养具有重要作用和意义。本文从形体语言的内涵、要求和原则等三个方面展开了分析。

【关键词】声乐表演艺术；形体语言；内涵；要求；原则

良好的形体基本功是声乐表演的基本条件，是表演能否取得成功的重要影响因素之一，同时也决定了音乐作品及其主人公能否得到很好的诠释，从而增强作品的整体感染力。对此，对每个声乐表演者来说，要想达到这样的效果，就需要更加合理、全面地加强形体语言的培养与训练。

一、形体语言的内涵

形体语言是语言的一种，它是由人的身体不同部位的变化而形成的一种固定的语言系统，比如面部表情的语言、手势语言、肢体语言等，它是长期在人们的交往交流中形成并固定成为一种文化符号。但是，这里的形体语言有别于聋哑人、警察等的专业语言。形体语言在舞台上承载了演唱的信息传递和交流功能，“声行并茂”不但可以帮助歌唱者消除紧张情绪，令其更好地体会歌曲所应表达的真实内涵，有效地增强歌唱的艺术表现力和感染力，而且可以帮助歌唱者对歌曲中不同的人物形象的塑造，准确、形象地传递歌曲中的所包含的信息和情感，让欣赏者更加容易地接受和领会歌曲所要表达的全部思想和蕴含。

二、声乐表演对形体语言的要求

（一）对演唱姿势的要求

歌唱姿势对于声乐表演起着非常重要的作用，良好的演唱姿势也是声乐表演中形体语言的基础。最常见的演唱姿势有站姿和坐姿，二者间又分别存在一些具体要求。如果是采取站姿，女歌者应当采取丁字式站立姿势，演唱的时候头要正、颈要立、背要直、脚跟要实，这些都是最为基本的要求；男歌者则一般采取正步式的站姿，面部表情要保持松弛自然，整个人要直立挺拔。如果是坐姿则需要歌唱演员保持身体的端正，背部不能靠着椅背，要尽量保证身体的直立，双腿可以平放在地上，也可以自然交叉。坐姿一般见于声乐练习或者声乐学习中，在正式的声乐表演中这种姿势出现得比较少。

（二）对步伐的要求

步伐是指歌者在舞台上表演中的走动。舞台上歌者在要以唱为主，一般很少有大量走动，但可以视演唱者对作品理解的需要增加一些适当的步伐，步伐可以在乐曲前奏、间奏，也可以在演唱中根据情感的需要走动，但要注意度，步伐不宜过大过于频繁，而应与歌曲的节奏保持一致。步伐的使用出来为作品的表达有作用之外，还有助于演唱者调整气息、缓解紧张的情绪、与观众更近的交流等。

（三）对手势的要求

手势不仅是一种很有代表性的声乐表演的形体语言，手势的有效控制也能够很好地起到表达情绪、渲染气氛的作用。常见的声乐表演的手势有“开”“合”“定”“引”“托”“错”这六种，不同的手势选择及手势间的搭配使用将能起到不同的情感表达与气氛渲染的作用。声乐演员首先要对曲目的特征及表演中需要塑造的人物形象有很好的把握，在此基础上才能够有针对性地选择表演手势。同时，在手势选择时要确保动作舒展而准确，动作的幅度自然而适中，动作的表意清晰而明确。这不仅能够让手势起到更好的传情达意的作用，也能够更好地体现音乐作品中的情感与内涵。

三、形体语言培养时应遵循的原则

（一）与作品风格特征一致

在培养声乐表演者的形体语言上有一些需要遵循的重要原则，首先应当保障的便是形体语言应当和作品风格在特征上保持一直。形体语言是为表达作品及人物的性格特征服务的，因此，演员所选用的肢体语言应当充分符合作品的风格特征，能够更好地传递作品中蕴含的情感与内涵，这样的肢体语言才是更为恰当的。想要做到这一点，在平时的形体语言训练中应当有意识地增强演员对作品风格的体验与感知能力。只有准确抓住音乐作品的风格才能够借助恰当的形体语言将其很好地诠释出来。

（二）姿势稳定，协调统一

保持姿势稳定，眼神、面部表情的配合与协调在声乐表演中非常重要。前者是为了保证发声中气息的储存与支持，并且能够保障共鸣的稳定协调而提出的，后者的提出则是为了增强声乐表演的说服力，能够让肢体语言的辅助使得作品的呈现更有感染力。

（三）形体语言要适度

保持形体语言的适度性也很重要，这同样是形体语言在培养时的一个基本原则。有些声乐表演者在诠释作品风格或者人物时往往倾向于将一些情感夸大，在肢体语言上也会非常夸张、不自然，这种表演方法其实并不可取。形体语言只是声乐表演中的辅助手段，它不应当占据主导地位，演员应当意识到这一点，透过自然而适度的形体语言更好地表达作品的特征。

总之，形体语言是声乐表演艺术的主要组成部分。表演者能否恰当地运用形体语言，将直接影响音乐作品及其作品主人公的性格特征的表现力。随着我国声乐表演艺术水平的不断提高，形体语言的培养和训练将在声乐演唱中的地位变得更加重要。作为演唱者，要首先认识到形体语言的重要性，并加以搜集日常生活中的形体语言形式，然后从自身情况出发，最终找到一套最适合自己的形体语言表达方式。

参考文献

[1]张晓行.论声乐表演艺术的形体语言[J].音乐时空，2014（21）：88.

[2]黄志勇，陈皞.声乐表演艺术中的形体艺术[J].艺术科技，2015（01）：133.

[3]袁梦.论声乐表演艺术的形体语言[J].戏剧之家，2015（09）：108.

[4]朱瑾.基于声乐表演艺术的形体语言剖析[J].音乐时空，2015（08）：120.

[5]毛佳.论形体语言在声乐演唱中的功能特点[J].大众文艺，2012（10）：

5-6.

作者简介：许新静（1980—），女，甘肃兰州人，本科学历，甘肃省歌舞剧院唱队，研究方向：声乐。

浅析声乐表演心理范文第4篇

摘要 在声乐表演中，不仅需要依靠清晰动情的声音来表现艺术的情感，同时也需要借助一定的形体动作来帮助艺术的表达。形体艺术如手势、面部表情能够展现出声乐表演的魅力，能够使声乐表演更加富有张力，满足观众的审美需要。本文通过对声乐表演中形体艺术的应用进行了研究，对促进声乐表演艺术的发展具有重要的意义。

关键词：声乐表演 艺术 形体艺术

为了在声乐表演中充分地表现出形体艺术的魅力和价值，应当加强对形体艺术的应用研究，使形体艺术能够在歌唱表演中表现自如，更加吸引观众的注意力。通过结合形体艺术，能够有效地拉近声乐表演艺术和观众之间的距离，同时也便于观众充分地理解音乐作品的内涵，提高音乐表演艺术的艺术张力和感染力。

一 形体艺术在声乐表演中的价值和意义

1 形体艺术的重要价值

对于声乐表演来说，不仅需要演唱的技巧，同时还需要良好的表演艺术。通过利用形体艺术来表现声乐表演中的感情等，能够满足观众的听觉和视觉的需要，特别是在当今传播艺术更加发达的今天，形体技术的表达也日益的重要。观众审美的不断提高，使声乐表演中的形体艺术形式也更加的多样化和丰富。声乐表演和形体艺术的关系日益紧密，特别是在现代的演唱会中演唱和形体表演更加密不可分。在声乐表演中添加形体艺术，能够使声乐作品表现出鲜活的生命力，能够达到提升声乐表演的效果。如果一个歌唱家站在舞台的中央只进行歌唱而没有任何的表情动作，那么演出就会变得沉闷呆板。因此，在声乐表演中不仅要进行歌唱，同时还需要进行适当的舞台表演，通过美好的声音和形神兼备的形体艺术使歌声更加的动人和传神。不同的形体语言能够恰当地表达不同的情感，例如：悲伤、喜悦、激动等，而且形体语言具有高度的直观性，能够快速地表达演唱者的感情。

2 形体艺术有利于人物形象的表达

形体艺术作为情感的外化性表现，能够有效地体现出声乐表演中人物的性格、身份等。这种特点在歌剧表演中更加的突出。不同的人物形象有特定的动作和行为，例如，对于青年人来说应当表现出青春和活力，对于老年人来说则步履蹒跚、弯腰驼背等。在声乐表演中通过人物形象之间的不同肢体动作，才能够使观众了解作品表达的涵义。在声乐表演中，肢体语言也受到了人物性格的影响，对于乐观开朗的人物来说其形体语言应当表现出洒脱大方的特点；对于性格比较内向的人物性格，其形体语言也应当表现出稳重的特点。例如，在演唱《阿里山的姑娘》的表演中，歌曲的内在涵义就是为了表现出年轻阿里山姑娘豪爽、热情的性格，所以在表演的过程中就需要有干练的动作语言来进行配合。声乐表演艺术是一项情感的艺术，因此在表演的过程中应当和形体艺术进行搭配，同时进行，同时完成。形体艺术作为声乐表演中的辅助表达手段，在声乐表演开始之后表情和肢体动作也纷至而来。对于表演者来说，不仅要重视声乐的音色、旋律等歌唱技术，同时也需要一定的身体语言来强化其艺术美感，这样才能突出声乐表演的完整性。同时，形体艺术能够帮助声乐表演中的情感表达，强化声乐表演的艺术感染力和魅力。

3 形体艺术在声乐表演中的意义

在声乐表演中，形体艺术应当和作品的旋律保持一致和协调性，使形体艺术和作品的内容能够有效的统一。舞台为声乐表演提供了平台，对于形体艺术的表达提供了外在的条件。特别是在歌剧表演中，演员的形体艺术不仅要符合声乐艺术的情境，同时也应当和其他演员的形体艺术保持一致。通过借助形体艺术的强大功能，表演者还可以和观众进行现场交流，从而帮助演员正确地认识到自己表演的效果。演员和现场的交流互动，不仅能够提高现场的表演气氛，同时也有利于舞台艺术的展示。适当的形体动作能够有效地表达出音乐作品的内涵，例如，眼睛作为形体动作中的重要组成部分，表演者可以通过眼神的变化来表达出作品的神韵，达到吸引观众注意力和调动观众感情的艺术效果。形体艺术作为声乐表演中的重要辅助手段，仅仅依靠歌声的力量来进行声乐表演是不充足、不完善的。

二 形体艺术在声乐表演中的应用研究

1 加强形体艺术的训练工作

演唱者在应用形体艺术之前需要进行针对性的练习，这样才能达到良好的艺术效果。提高长久的练习，能够使表演者的身体形成某种协调性和艺术的灵感。形体语言的表达不是杂乱无章的，在表演的过程中追求其形体动作的连贯性和一致性，而且随着音律的变化肢体动作也会出现不同的变化，这可以通过表演者个人的身体细微动作表现出来。同时，表演者在表演的过程中要结合自己的年龄、角色等，主动地协调自己的形体动作，达到吸引观众的艺术效果。

形体动作的练习和学习是一个长久复杂性的过程，特别是在中国传统的戏剧中，其表现更加明显。首先，演唱者的站姿是形体训练的重点，当表演者站在舞台上时，给观众的第一印象就是其个人的站姿和面部的表情。一般来说表演者站在舞台的中央时，应当放松，保持自然的状态，眼睛平视着前方，然后双手自然下垂。这种站姿有利于声音的平衡，同时也有利于展现出表演者个人积极的精神面貌。只有保持良好的站姿，才能更好地发挥个人的艺术水平，特别发音的技巧受站姿的影响比较大。站姿也受到了音乐风格的影响，例如，在某些作品中需要通过形体语言来塑造和表现一种含蓄的意境；有的作品为了表现出人类生命力的张力，需要迅猛急速的动作。所以，内容和风格不同的音乐作品，其站姿也相应的不同。

对于表演者来说，在进行歌唱的过程中应当保持优雅的姿态，身体的各个部分应当自然协调，这样才有利于艺术的表达。在形体艺术的表达中，除了身体的姿态之外，最能够影响表演效果和观众注意力的当属于表演者的个人面部表情。表演者面部表情随着表演的变化而变化，例如，作品比较欢乐时应当保持足够的微笑；作品比较悲怆时应当表现出悲伤或纠结。眼睛作为心灵的窗户，是面部表情最为丰富的部分。在表演的过程中，歌唱者的心理变化和自身的感情，都可以通过眼睛来表达，因此需要通过适当的练习让眼睛表达出不同的思想意蕴。微笑作为表演的基本表情，在微笑时也要自然随意，这只有通过适当的练习才能达到艺术表演的效果。在形体艺术的表达中，常见的也是比较复杂的动作是手的动作。其他动作的表现常常和手的动作联系在一起，例如，眼睛的动作也会随着手部的动作变化而变化。手的动作能够清晰快速地表达出个人的心理和情感的变化，因此有必要做好手部动作的联系，使表演者能够将手部的动作和其他的动作有效地结合起来，而且反映在作品的关键点上。

正确的手部动作能够帮助表演者保持气息的连贯，从而有利于声乐表演艺术的表达。一般情况下演唱者在舞台中的动作比较固定，但是在实际的表演过程中需要和观众进行互动，这就导致了表演者台位的变化。在过去的间奏或者前奏的过程中，如果表演者一动不动地站在那里就显得非常的呆板无趣，难以吸引观众的眼光。在表演过程中通过和观众进行适当的互动，能够有效地点燃观众的热情，有利于吸引观众的注意力，从而取得良好的表演效果。在移动的过程中要保持步伐的自然、均匀，而且和音乐的节奏进行有效的结合，提高舞台的表演效果。上下场也是形体艺术的重要组成部分，它能够给观众留下最直接的印象和感受，因此需要进行适当的练习。在出场的过程中要保持自然的神态，不要过于紧张而导致面部僵硬等不良情况的发生；同时还应当保持稳健的步伐，给人以自然、自信的感觉。

2 形体艺术和声乐表演的统一

在声乐表演的过程中，表演者要正确地认识到音乐的内涵，包括音乐的时代背景和风格等。例如，对于古典音乐，主调音乐比较流行，所以在演唱的过程中要注重音乐的严肃性表达，在音色和舞台动作中都不能过于夸张；对于浪漫音乐来说，其形式多样化而且也注重自我意识的表达，因此在表演的过程中要善于发挥形体艺术的魅力，敢于用形体语言来表达人物的情感。在应用形体技术的过程中，要尊重人物形象的性格，不同作品人物的性格也不同，所以其音乐风格也大不相同。对于中国来说，各个民族之间具有自己独特的艺术表达方式，这是千百年来逐渐形成的结果。对于中国的民歌来说，它包含了中国传统的声乐艺术，涵盖了中国的地方民歌和戏曲等特征，是一种综合性的声乐表演艺术。其歌词不仅简洁有力，而且其情感也比较真挚朴实。在演唱民歌的过程中，要注重民族风格的把握，例如，对于长调来说，作为蒙古族具有代表性的民歌，其节奏非常的自由宽大，其旋律则悠长而又曲折，在内容上则包含万物、丰富多彩。在表演的过程中，要突出表现蒙古民族的豪爽、辽阔的胸襟，使形体艺术和民族风格能够统一。

3 掌握适当的声乐表演风格

在声乐表演的过程中也存在着不同的表演风格，例如，表演者在学习的过程中通过掌握了一定的演唱方法，再加上个人的音乐特征所形成的个人风格；还有一种在不同的演唱流派中所具有一致性的演唱风格。对于中国现代的声乐艺术表演风格来说，主要有民族唱法、美声唱法、原生态唱法和流行唱法等。对于美声唱法来说，其强调发音的方法和技巧，唱法上比较严谨、科学，因此对表演者的形体语言要求其下巴自然放松、面部表情放开而且兴奋，肢体动作放松而且积极。民族唱法涵盖了中国民间民歌的唱法，是不同表演艺术的融合，在表演的过程中，演唱者的每个手势或者眼神都可能代表了歌曲旋律或者歌词的意义，对于艺术效果的表达也具有重要的影响。流行唱法和其他的唱法相比较，其肢体语言更加自由开放，在肢体语言的选择上只要能够符合作品意境的需要和情感的表达就可以，没有固定的形体语言模式。原生态唱法作为中国民族的民间唱法，体现了不同民族自然、朴实的文化风格和气质，其音色也相对清脆、甘甜，富有感情色彩，在肢体语言的选择上比较自然，浑然天成。对于演唱者来说，进行表演是对歌曲的第二次创作，不仅要领会歌曲的内涵，同时还要能够表现出个人独特的歌唱能力和艺术魅力。这对于演唱者个人的艺术修养提出了更高的要求，肢体语言的选择和使用能够使音乐作品焕发出新的光彩，而且形成了个人独特的表演方式，最终成为个人的演唱风格，对于个人的艺术魅力提高具有重要的帮助。

三 结语

声乐表演需要通过形体艺术来表达作品的感情和内涵，从而给观众带来美好的艺术享受。声乐表演不仅是舞台艺术，同时也需要和形体艺术有效地结合起来，通过声音、肢体、面部表情、眼神等动作的有效结合，使整个舞台能够充满艺术的张力和味道，使艺术表演能够生动形象。因此，在应用系统艺术的过程中，要加强形体动作的联系，不断提高个人的艺术素质和修养，使形体艺术在声乐表演中成为其中自然的组成部分。通过适当的练习，能够有效地掌握好形体动作的规律和连贯性，使形体艺术能够更好地衬托出声乐表演的艺术魅力。

参考文献：

[1] 彭维熹：《声乐表演艺术中的肢体语言研究》，《佳木斯教育学院学报》，2014年第2期。

[2] 宁馨锐：《对歌唱中形体语言内容的探究》，吉林大学硕士学位论文，2010年。

[3] 安华文：《声乐表演中的形体艺术》，《戏剧之家》，2013年第7期。

[4] 班丽梅：《浅谈形体艺术在声乐表演中的运用》，《音乐时空》，2013年第3期。

[5] 马玉：《论形体艺术在声乐表演中的运用》，《时代教育》（教育教学版），2012年第5期。

（李艳红，安阳师范学院音乐学院讲师）

浅析声乐表演心理范文第5篇

【摘要】我国民族音乐经历近百年的发展，不断在国内和国外艺术舞台上绽放魅力。本文具体分析了民族声乐演唱技法和艺术风格的辨证统一关系，为我国民族声乐演唱者的演唱提供参考。

【关键词】民族声乐；艺术风格；演唱技法；辩证统一

一直以来，民族声乐的演唱技法一直是声乐研究者研究的重点，但是却忽略了民族声乐演唱技术和艺术风格的关系，本文重点分析了民族声乐演唱技法和艺术风格的辩证统一关系，通过正确认识二者的关系找到促进二者相互融合的办法，促进我国民族声乐的发展。

一、民族声乐演唱技法

民族声乐的演唱技法是声乐研究者的研究重点，在其发展过程中逐渐形成了发声、气息、咬字等方面的技巧，这些技巧对于民族声乐的演唱和艺术风格的形成具有重要作用。首先，民族声乐演唱需要气息上的技巧，这是民族声乐演唱的基本功。气息的训练的目的就是学会运用气息正确发声，并运用气息表现出演唱中的情感。气息主要是训练口腔、胸腔等发生器官的作用，使气息能够控制好发音的音调、高低、强弱、旋律等，还要训练如何使用气息的长短、快慢、高低进行情感表达。其次，民族声乐需要高位置共鸣的技巧，这是民族声乐演唱上要求较高的技法。

二、民族声乐艺术风格

民族声乐的艺术风格就是对民族声乐的风采、特点、情感等方面的总体概括，民族声乐的艺术风格是通过民族声乐演唱者的表演表现出来的，演唱者在演唱中，加入自己对作品的理解和再创作，使民族音乐表现出独特的艺术魅力和艺术价值。如果民族音乐不具有独特的艺术风格，那么就不能发挥出其艺术价值。民族声乐演唱的艺术风格经过时间的发展，已经形成了多种表现形式，主要表现在地域风格、时代风格、个人风格、形式风格等方面。

三、民族声乐演唱技法和艺术风格的辨证统一关系

（一）民族声乐演唱技法和艺术风格相互作用、相互统一

1.民族声乐演唱技法是艺术风格形成的基础

民族声乐艺术风格的形成需要通过演唱技巧实现，演唱技巧水平的高低直接决定了是否能够形成独特的艺术风格，随着演唱者演唱技法的不断提高，那么所能表现出的艺术风格特点就越明显，因此，二者是成正比的关系。民族声乐的演唱技法主要训练演唱者在发声、气息、咬字等方面的技巧，这些技巧对于民族声乐的演唱和艺术风格的形成具有重要作用，试想一个连演唱技法都不精湛的演唱者怎能称得上是艺术家，他所演唱的民族音乐怎能称得上是音乐艺术，更不用说艺术风格的形成了，因此民族声乐演唱技法水平的高低直接影响了艺术风格的高低。

2.民族声乐艺术风格是演唱技法的最高境界

民族音乐艺术风格的形成离不开演唱中情感的表达，演唱技法是艺术风格的基础，艺术风格是民族声乐演唱技法的最终目标和最高境界。就像上文中所说，如果民族音乐的演唱只有精湛的技法，而不具有任何情感表达和艺术风格，那么这样的民族音乐演唱就会显得苍白空洞。民族音乐演唱者一步步学习、积累演唱技法，就是为了更好的运用演唱技法协调、融入演唱情感，使民族音乐演唱是精湛技法和浓厚情感向结合的产物，最终形成独具自身特德的艺术风格和艺术情感，这样才能真正的表现出不同时代特点、不同地域特点、不同形式特点以及不同人个人特点的民族音乐演唱艺术。

（二）民族声乐演唱技法和艺术风格相互矛盾

1.民族声乐演唱技法的欠缺影响艺术风格的表现效果

过分欠缺演唱技法也会影响艺术风格的表现效果。在学习民族声乐的过程中，基本的演唱技法是不可或缺的，演唱技法越熟练，就能正确掌控和协调演唱技法和演唱情感之间的关系，准确的将情感融入到演唱中，民族音乐的演唱技法使表现艺术风格的重要途径，因此如果缺乏民族音乐演唱的技法，不利于艺术风格的形成和表现。

2.过分追求民族声乐演唱技法使艺术风格的表现适得其反

虽然民族声乐演唱技法在艺术风格形成的过程中作用重大，但是在演唱过程中过分的使用演唱技巧有可能会适得其反。在民族声乐演唱的过程中，过分表现演唱技巧会使演唱艺术风格显得过于浮夸或苍白，不能使听者感受到民族音乐演唱的艺术美，也不能产生情感上的共鸣。这就要求民族音乐表演者在具备精湛演唱技法的基础上，学会控制情感表达和技法的运用，切忌不能过分卖弄、炫耀技法，否则将会影响演唱艺术风格的形成。

四、促进民族声乐演唱技法和艺术风格相融合的办法

民族音乐演唱属于听觉艺术，而听觉艺术的表现需要演唱者充分发挥演唱技法，表现出独特的艺术风格，将民族声乐演唱技法和艺术风格完美的融合，展现出我国民族音乐的强大魅力。

（一）民族音乐演唱者要深入理解作品的内涵

民族音乐作品就如同电影剧本，只有演员深入的理解剧本的内涵和情感，将自己融入到剧本中去，才能在拍摄中充分表达剧本任务的情感，这才称得上是一部好电影。民族音乐作品的演唱也是如此，音乐作品演唱者在演唱之前要深刻理解音乐作品的内涵和情感，将自己融入到音乐作品的情感中去，适当地创设具体的情境是自己感同身受，有利于培养自己是对音乐作品的理解。演唱者还要仔细分析音乐作品在演唱过程中所需要的演唱技巧和情感表达方式，正确把控演唱技巧和情感表达的尺度。最后还要通过反复的练习、试唱，利用先进的设备仪器展出演唱的缺点并能及时进行纠正。

（二）民族音乐演唱者要不断积累阅历和经验

艺术源于生活并且高于生活。所有的艺术形态都是根据社会生活实践形成的，民族音乐也是在社会长期发展实践的过程中形成的。民族音乐歌唱者并不是简单地练习技法就能形成歌唱艺术，歌唱者也需要通过实践和阅历不断提高自身对音乐作品的欣赏能力和理解能力，不断提升自己对艺术的感受。歌唱者只有拥有丰富的阅历才能拥有强烈的情感表达，比如经历了离别才能体会到离别的感伤，在民族音乐的演唱中才能更真实的表现出离别时的伤感情绪，表现的情感越真实就越能与听者产生共鸣，逐渐培养出演唱的艺术风格。

五、结语

因此，民族声乐演唱者要充分把握民族音乐演唱技法和艺术风格的辩证统一关系，充分表现出我国民族音乐的魅力，促进我国民族音乐的发展。

参考文献

[1]孔靖雯.论现代民族声乐的艺术特征与演唱风格[J].黄河之声，

2015（04）：51.

[2]胡晓.传统音乐在当代民族声乐艺术中的继承与发展[J].大舞台，2015（04）：163-164.

浅析声乐表演心理范文第6篇

话剧表演与声乐表演属于两种不同的表演艺术, 但是在艺术教学中, 两种艺术形式已经逐渐形成了融合。因此, 两种艺术必然存在一定的契合点, 具体来看, 主要体现在以下几个方面[1]:

首先, 话剧表演与声乐表演都是展现视觉与听觉的舞台表演艺术形式。其中, 话剧表演是在剧场中上演, 而声乐表演则一般在音乐厅中。虽然现代科技的发展能够更好地记录、保留和传播话剧表演和声乐表演, 然而, 仍然有更多的观众愿意选择在剧场中零距离的观赏这两种表演艺术, 才能获取到更加原汁原味的观赏体验。

其次, 话剧表演与声乐表演对“声”的要求都较高, 主要表现在要求演员和歌者具有较好的声音条件, 能够对嗓音进行科学的运用以及对声音可塑性的训练等几个方面。

另外, 话剧表演中主要是台词的表现, 其基础也是要求对演员的声音进行训练, 好的演员在表演的过程中更多的是依靠扎实的台词技巧和动情的语言来吸引观众。同一端台词, 由不同的演员读出来, 能够带个观众不同的体验, 这主要是由于每个人的语感存在差异, 这与声乐表演中需要的节奏感要求非常类似。在声乐表演中, 要求演唱者能够充分把握节奏, 并非随心所欲地对每个音进行调整。

无论话剧表演中的演员还是声乐表演中的歌者, 他们的追求都是一致的, 他们都会非常注重生活中的激烈, 通过生活积累创作情感, 丰富内心, 都会在剧作者以及歌曲创作者的基础上对作品进行再次创作和丰富, 最终向观众展现一个丰富立体的形象。

对于话剧表演和声乐表演而言, 其在各自的领域具有非常明显的优势, 通过上面的分析可以看出, 两种艺术形式具有大量的契合点, 我们可以通过两者的契合点将两者的优势充分融合起来, 实现相互的补充, 不仅能够进一步丰富话剧表演和声乐表演的形式, 同时能将艺术家精益求精的精神体现出来, 是一种非常宝贵的财富。

二、声乐表演对话剧表演的借用

话剧表演与声乐表演的表现形式存在较大的差异, 其中话剧表演主要以“道白”方式表演, 而声乐则是以“歌唱”的形式进行演唱。很多声乐表演仅仅只是注重曲目的表面体现, 忽略了曲目所代表的人物情感, 通过在声乐表演中借用话剧表演, 能够进一步丰富声乐表演的内涵。比如声乐作品《梅花引》, 是一首具有古风古曲韵味的歌曲, 在一般的教学中, 更多的是对歌曲演唱技巧的把握, 侧重音准和咬字等方面的训练, 而且最初对该曲目的感性认识是歌颂梅花的傲骨之姿, 描绘梅花的孤独之感[2]。而在学习话剧表演之后, 在回过头来演唱《梅花引》时, 就会获得不一样的体验。演员对作品的初次印象是非常重视的, 往往能够在演员内心根深蒂固, 而在学习话剧表演之后, 在重新认识歌曲, 细细品读歌词, 歌曲的第一段歌词“一枝梅花踏雪来, 悬崖上独自开。一枝梅花踏雪来, 悬崖上独自开。回眸一望, 遍地芳菲都消尽, 红颜寂寞, 空守天地一片白。谁是我知音, 谁解我情怀, 谁是我知音, 谁解我情怀。疏影横斜, 一树梅花一断魂, 一片冰心等君来。”通过反复的研究和思考, 感受到梅花踏雪而来, 表现出不畏严寒, 傲然开放的品质, 而在冰雪覆盖大地之后, 只有梅花仍然伫立在寒风中, 表现出梅花的孤独。通过深思高潮部分的“谁是我知音, 谁解我情怀”两句歌词, 其所体现的并非仅仅是表面上所体现的梅花的古都, 更多的是通过一种拟人的方式, 将具有美化品质的人渴望遇到知音而久久无法实现的孤独之感体现出来, 从而也为曲目建立了一个孤芳自赏、顾影自怜的女主人公形象。

演唱者通过在内心建立一个这样的形象, 能够在演唱过程中, 让自己从心理上向这样一个“梅花”女的形象上靠近, 最终通过自己的眼神、表情以及丰富的肢体语言将这一想象展现给观众。根据对人物的分析和丰富的想象, 找到人物的整体感觉, 从“我就是......”这一角度出发, 这样就构成了演唱者与角色之间的冲突, 在大部分情况下, 演唱者与歌曲角色之间从性格、时代等方面来看都存在极大的区别, 但是无论这种区别有多大, 演唱中都需要充分认识这一角色, 并使自己与其充分融合, 通过自己向观众展现“角色”的形象。在这一过程中, 并非要求演唱者完全脱离自身的来展现角色, 而是在角色动作中通过规定的情境来围绕自己, 使自己与角色相互融合。

声乐表演教学中, 更多的是对学生基础能力的训练, 在这一过程中, 需要让学生能够准确掌握音准, 强化对音的长短、气息的强弱以及音色的判断, 然后培养学生对节奏的把握。最后, 在演唱过程中, 对歌声的力度、演唱的速度以及气息的控制进行训练。这些方面的能力仅仅是声乐表演的基础要求, 在现有的教学模式下, 教师往往通过这些方面的教学来培养学生, 然而对于一门艺术的学习而言, 这仅仅只是刚刚开始。比如在表现人物形象的曲目中, 演唱者首先应该接触曲目需要表现的人物, 然后再体验情感, 但是情感又需要通过人物形象来展现, 这一过程中, 角色的体验非常关键, 角色体验越深入, 演唱者所表现出来的人物形象也更加真实。比如女生演唱曲目《拉骆驼的黑小伙》[3], 其中“黑小伙”的形象是乡亲们都夸赞的角色, 演唱者在演唱过程中, 需要让“黑小伙”的形象在眼前展现出来, 并打心眼里爱上黑小伙, 如果演唱者心中并未形成黑小伙勤劳朴实的形象, 就很难将对黑小伙赞扬、爱慕的感情表现出来。当然, 这就要求演唱者对自己内心进行很好的定位, 如果自己定位错误, 无论如何演唱, 也难以体现出歌曲的真实情感, 这样就难以打动任何一个听众。

三、话剧表演中融入声乐表演

在话剧表演中, 通过将声乐表演的优势融入进来, 能够帮助表演者更好地展现剧中角色。以话剧《红玫瑰白玫瑰》进行分析, 这部话剧是由张爱玲小说《红玫瑰白玫瑰》改变而成的作品[4], 作品中的三个角色佟振保、红玫瑰以及白玫瑰均为一角两饰, 代表每个任务都由内心和外在两种性格, 两种性格相互矛盾, 相互统一, 共同塑造一个完整的角色。其中, 白玫瑰这一角色的性格和生活充满着苍白与枯燥, 并且其在爱情和婚姻中, 她的春节与软弱都非常值得同情, 其性格的沉闷与话剧的整体背景格格不入。为何在故事中要如此安排这一人物角色, 通过对小说原著进行深入阅读可以发现, 小说是张爱玲1944年创作的, 当时的中国正处于半殖民半封建社会, 剧中所描写的是20世纪3、40年代的上海, 以白玫瑰为代表的妇女, 都生活在传统与现代的夹缝之间, 其沉闷、羞涩等性格, 都是对传统中国妇女纯洁形象的象征。同时, 它体现出了封建社会的陈腐, 但又是中华五千年来所特有的文化传统, 她始终被束缚着, 她并非是笨, 而是缺乏勇气去姐考捆绑自己的铁索。

另外, 在话剧表演中, 肢体僵硬是一个很难克服的问题, 声乐表演中的动作幅度以及肢体动作都需要以声音的稳定为基础, 因为声乐演唱以声音为主, 而在话剧表演中, 最主要的是解放演员的天性, 让演员认识到身体是表现人物角色的重要工具, 所有表演元素都需要围绕身体的动作来展开。针对这一点, 需要演员渐渐靠近角色, 将自己想象为剧中角色, 不能机械化的编排动作, 需要根据人物形象和剧情需求进行灵活的设计, 需要有目的的去“动作”。在这部话剧中, 有几个地方意图体现“间离效果”, 比如白玫瑰说:“我生了个女儿叫慧英, 慧英......”, 而剧中慧英这个任务是从虚空中换出来的, 由扮演白玫瑰的角色同时来饰演这一角色, 在表演过程中, 不会换服装造型, 仅仅只是通过动作、神态、声音来做出角色的转换, 直接将角色展现给观众, 并且这种转换不能显得过于突兀, 需要与演员所表现的角色保持距离, 同时又要使观众与剧情产生间离。在这个转换过程中, 声音的可塑性非常重要, 而在话剧表演教学中通常不会注重声音可塑性的训练, 而声乐表演则非常重视声音的训练, 通过对声音可塑性的训练, 能够更好地塑造一个角色, 在这种一人分饰多个角色时能够发挥出最佳的效果。

四、结语

声乐表演与话剧表演的相互结合, 能够有效地形成合理, 将声乐表演在“声”方面的优势与话剧表演在“演”方面的优势充分结合起来, 形成“1+1>2”的艺术效果, 相互丰富各自的表达形式, 实现优势互补, 形成相映生辉的艺术格局。声乐表演与话剧表演是艺术发展的重要选择, 他们会更胜于各自自身的艺术价值, 而对于两者的融合, 还需要我们不断的努力和实践, 更好地促进艺术的发展和融合。

摘要：话剧表演与声乐属于两种不同的艺术形式, 其中, 话剧表演更加注重“演”, 而声乐则更加注重“声”, 但是都是展现给观众视觉和听觉的艺术, 是表演中不可缺少的。然而就当前的话剧表演教学和声乐教学来看, 往往也是只重视一个方面, 对学生的提升产生了较大的限制。论文对话剧表演与声乐的融合进行了探讨, 希望能够为相关教学工作提供一些简单的参考。

关键词：话剧表演,声乐,契合点,融合

参考文献

[1] 修力舟.话剧排演对演员训练融合研究[J].汉字文化, 2017, (05) :95-96.

[2] 刘峰.话剧表演与声乐的融合研究[J].戏剧之家, 2015, (04) :10.

[3] 王小春.话剧表演与声乐的融合[J].大众文艺, 2014, (23) :266.