美术作品鉴赏范文

美术作品鉴赏范文（精选12篇）

美术作品鉴赏 第1篇

在高中美术鉴赏教学中, 笔者发现, 有部分学生不会鉴赏美术作品, 特别是对一些抽象美术作品, 很多学生表示难以理解。那么, 美术教师该如何引导学生鉴赏抽象美术作品呢?

一、讲清抽象艺术概念, 转变学生审美观念

1. 抽象艺术的概念。

抽象艺术是指艺术形象较大程度偏离或完全偏离表现对象外观的艺术。其是艺术家突破传统观念的束缚, 在艺术表现手段、艺术语言等方面进行探索与创新的结果。

2. 转变学生审美观念。

学生在鉴赏抽象美术作品时, 往往以像与不像为标准进行评判, 这种传统的审美观念影响了他们的审美体验。为此, 教师要想方设法地转变学生的审美观念, 要让他们认识到传统美术作品与抽象美术作品在创作手法上的不同, 并引导他们站在现代艺术的立场上去看待抽象美术作品, 以使其对这些作品有一个全面的认识。

二、阐释抽象艺术特点, 指明作品鉴赏方法

1. 对物象外观的抽象。

抽象美术作品是美术家对生活中某种物象予以抽象表现的结果。其以纯粹的点、线、面、形、色等构成画面, 内容含蓄, 表现形象模糊。如, 张旭的《古诗四帖》、康定斯基的《即兴之三》等作品都是对物象外观抽象表现的结果。在鉴赏这类作品时, 教师应引导学生不要去刻意辨认艺术家究竟画的或写的是什么, 而是要转变审美习惯, 尽量运用主观感受去品味其意蕴。

2. 画面具有强烈的动感。

抽象美术作品一般都具有强烈的动感, 给人以极大的视觉冲击力。如, 康定斯基的作品《即兴之三》, 会使人产生冲动、不安等情绪体验。在鉴赏这幅作品时, 教师应引导学生仔细观察作品的点、线、面、形, 让他们体会作者创作这幅作品时的情绪, 使他们获得狂躁、跳跃等视觉感受, 这样才算看懂了这幅作品。

3. 色彩趋向于音乐性。

抽象美术作品的色彩趋向于音乐性, 画家利用色彩与声音形成的色听联觉现象, 将点、线、形、色构成了无标题的音乐。欣赏者在观看这些作品时, 内心往往会产生某种难以言传的情绪。如, 蒙德里安的作品《红、蓝、黄构图》, 其画面用直线分割成不同的方形, 再填上原色, 并以黑线进行分割, 画面显得和谐而有变化, 就如同一首音节长短不一但却有主旋律的乐曲。在鉴赏这幅作品时, 教师应着力让学生感受其音乐性特点。

4. 内涵具有模糊性。

抽象美术作品以点、线、面等美术元素表现了不明确的物象, 其内涵具有模糊性, 欣赏者从中获得的感受千差万别。由于抽象美术作品不可能像具象作品那样明确地表达出画家对所描绘事物的认识、态度等, 为此, 在鉴赏这类作品时, 教师要引导学生学习其抽象表现手法, 应重视学生主观感受的表达。

三、激发学生学习兴趣, 创新鉴赏教学方式

1. 特殊肌理制作法。

在鉴赏抽象美术作品时, 教师可留出一定时间让学生动手制作抽象画, 以使其感受创作的乐趣, 进而把握抽象美术作品的特点。如, 先让学生用水粉、油墨等在塑料板上随意涂画, 以通过饱满的色彩, 淋漓的渲染来形成微妙、自然的肌理效果, 然后根据画面效果命题。其间, 教师要引导学生充分发挥出色彩丰富的表现力, 不应太在意所表现事物的真实性。

2. 中西对比欣赏法。

在欣赏国外现代抽象美术作品时, 很多学生会表现得不知所措, 对其表示难以理解。实际上, 这些作品与中国草书一样都是一种平面的抽象艺术, 在欣赏时都能引起人们的某种情绪反应。为此, 教师可引导学生把两者结合起来进行对比欣赏, 这样能够让他们更好地去理解其中的意蕴。

3. 打散结构重新组合法。

《鉴赏美术作品》教学反思 第2篇

通过学习，让学生了解中国的瓷器是传统艺术中的瑰宝，它代表了中国在世界制瓷领域中高超的工艺制造水平，是中国伟大的发明之一。使学生了解我国不同历史时期的制瓷工艺、造型、装饰及不同窑场产品的艺术特征，学会运用正确的方法去观赏陶瓷艺术。培养学生热爱中华民族传统文化的情趣。

教学重点：

1.中国瓷器的生产和发展，瓷器与陶器的区别。

2.瓷器的造型、装饰、色彩及艺术特色。特点。

3.主要名窑的产品特征。

教学难点：

主要是有关历史知识和历史背景，除了在教学内容资料作些简要介绍外一些专业名词和有关的历史文化知识。

教学时间：1课时

教具准备：教材、多媒体课件、录象带

教学过程：

一.组织教学：(常规)

二.导入：

提问：

1.什么是陶器?什么是彩陶?

2.中国古代陶器的造型特征是什么?

放映幻灯(贯耳瓶)

提问：这是陶器吗?应是什么器物?

三.讲授新课：(出示课题)

我国是瓷器的故乡和原生地，瓷器是我国传统的工艺美术，其工艺水平在世界上享有盛誉。

1.瓷器与陶器的关系

陶瓷工艺是陶器工艺和瓷器工艺的总称。陶器和瓷器有下列区别。

(1)烧制的原材料不同;

(2)烧制的温度不同;

(3)陶器质地疏松有一定吸水性，瓷器质地密实不透水。

2.瓷器的发展

商代出现原始瓷，东汉至三国是我国瓷器发展极为重要的时期，三国以后到南北朝，瓷器进入了一个辉煌的发展时期，南方有青釉瓷，北方有青瓷。隋唐时期是我国瓷器的一个重要的成长时期，这时瓷器普遍用较高的火候烧成，胎质较硬。瓷器在社会生活中日渐受到重视。唐代开始有了“窑”的专称，它象征着瓷器产量的增长。宋代瓷器产量高且质量好，为明清瓷业的发展奠定了基础。元代，我国瓷器大批量行销海外。明清是我国制瓷业的鼎盛时期，造瓷技术有了很大的进步，胎釉细腻，色泽鲜明移植珐琅彩和创造粉彩是当时杰出的成就。

3.我国瓷器在造型和装饰艺术上的特色

从东汉到南北朝，我国青瓷逐步成熟起来，但这一时期的瓷器无论是造型还是纹饰都与青铜器有联系，这时瓷器的造型特征是清秀挺拔，与当时人们的审美爱好相一致。

隋代瓷器造型有以下特征：

(1)胎体的可塑性和耐火性能加强，显得秀气。

(2)罐类器形一般为短颈、直口、圆腹。

(3)器物为小平底,底下有圆饼状实足。

隋代瓷器的纹饰常见的有几何纹、花卉纹、动物纹、人物纹，色彩也比较丰富。(重点介绍《白釉象首龙柄壶》)

唐代烧制瓷器的地域扩大，产品增多，青瓷、白瓷、三彩陶代表了唐代陶器工艺的水平。唐代瓷器作为商品广泛流传的海外，瓷器“自唐代始而有窑名”，这种传统习惯一直沿用的现代。唐代瓷器造型繁多，装饰更加丰富，采用手法有绘画、刻花、印花、捏塑等，内容包括日月、花草、树木、动物、人物、建筑等。五代时期继承了唐代的制瓷风格并有所发展，其中密色瓷为当时瓷器的最上品。五代时期一些重要的瓷窑体系基本形成，如定窑、耀州窑、磁州窑等。

宋代制瓷业比唐代规模更大，名窑众多，工艺水平超越前代，达到繁荣的新阶段。这是本课的重点内容。

它的主要标志是全国已形成了有代表性的瓷窑体系。影响的是被后世称为五大名窑的“汝窑”、“官窑”、“哥窑”、“钧窑”和“定窑”。

“汝窑”的窑址在今河南省临汝，宋代属汝州，故称汝窑。

“官窑”一般指官方办的窑厂。

“哥窑”是因相传南宋时有兄弟二人均在今浙江省龙泉烧制瓷器，各有特色，兄所烧制的瓷器称“哥窑”弟所烧制的瓷器则称“弟窑”。

“钧窑”的窑址在今河南省禹县，古代属钧州，因而得名。

“定窑”的窑址在今河北省曲阳，古代属定州，故称“定窑”。

宋代的瓷器不仅创造了许多优美的造型，而且在釉色的运用上，为陶瓷美学开辟了一种新的境界。

元、明、清三代，中国的瓷器仍不断有所发展。白地蓝花的青花瓷器，始于元代，成熟于明代，并成为明、清两代瓷器生产的主流。

四.放映录象

文化情境中的美术作品鉴赏 第3篇

关键词：历史文化；文化情境；人文精神；美术作品；鉴赏

中图分类号：G633.955 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2014）04-0265-02

画家，作为一个个独立的个体，其所创造的美术作品的内容，所蕴含的思想，以及其创作的方式都各有不同，但在他们创作时，其都不可能脱离自己所生活的环境与时代的。所以，对于美术作品的鉴赏，我们要从其创作的历史文化背景入手，通过对画家生活的历史时期、社会文化甚至是宗教信仰等的了解，体会其美术作品中所蕴含的思想文化内涵。

所以，我们在进行美术作品鉴赏课程时，就要将这种鉴赏方式传授给学生，使他们能够在对美术作品的鉴赏中，拥有自己独特的体会与理解。而如何在美术作品鉴赏课程中，让学生真正掌握这一方式，所必需的首要条件就是，对文化情境教学氛围的创设。美术作品欣赏需要有与之匹配的文化氛围。

一、在文化情境中进行美术作品鉴赏的必要性

1.美术教育在学生文化素质培养方面的作用

现今，我国高等院校对于学生的培养宗旨，是通过提升学生的素质，培养全面发展、具有综合能力的人才，而美术教育恰恰是素质教育的一项重要内容。

从另一方面来说，美术是人类文明的重要组成部分，不仅有着其他艺术、文化所不能替代的社会功能，即其中所蕴含的思想、人文关怀、民族精神，具有洗涤人们的灵魂，培养健康积极心态功能。并且，美术还能开发人们的想象力与创造力，对促进学生综合素质的提高作用很大。

2.美术中蕴含着众多学科的哲学基础思维方法

人们创作美术作品，并不单单是对于美的再现，而是把人的情感与思想融入其中，通过对多种学科知识的综合运用，对来源于实际的美的再现与升华。画家在进行美术作品的创作时，其自身不仅要具有美术作品创作的基本素质，其还需具备空间素质、逻辑素质等学习其他学科应具备的素质。所以，美术教育不仅能够提升学生的基本美术素养，对学生学习其他学科，形成优秀品质、素养也有很大帮助。

3.美术教育能够促进人们综合品质的提升

美术作品，是对实际生活与环境的再现。但是，美术作品又不是对生活简单的描摹，在再现生活的过程中又融入了作者的情感、审美取向、认识体味，它是高于生活的。所以，在对美术作品进行鉴赏时，我们能够从其中发现许多统一的特性，像是形象性、情感性、社会性以及想象性等。

人们在鉴赏美术作品时，会通过自身的视觉感受其中所蕴含的情感与思想，使得自身的情感与思想与作者产生共鸣，从而使自己的审美效益得到提升，思维也会得到优化。人们在接受美术教育时，通过对美术作品的鉴赏，使得自身的思想、意识得到某种启迪，提高了自身的想象力、创造力，从而提升我们自身的综合品质。

但是，美术欣赏是需要适宜氛围的，适宜的氛围会大大提升审美效果。我们在美术作品鉴赏课程中创设文化情境的教学氛围，是必要的，也是必需的。只有这样，才能使得学生真正受到艺术熏陶，提高他们的审美、鉴赏能力，升华他们的思想境界。

二、美术作品鉴赏的教学现状

高校学生的美术作品鉴赏能力普遍较低，这与高校普遍不重视美术鉴赏课不无关系。许多学校都存在忽视了美术作品鉴赏课的倾向，无论在课时安排还是在师资配备上都不到位，使美育流于形式。

另一方面，我国的高等美术院校，其学生虽然具有较高的美术作品鉴赏的能力，但是文化素质普遍偏低。美术学院的学生四、六级英语测试合格率还不到五分之一，而思想政治课的合格率也不到一半。所以，综合来说，现今高校的学生，其美术作品的鉴赏能力与自身的文化素质水平是不无关系的，这势必制约个人素质的全面的全面发展，并反过来影响美术素养的提高。

所以，对于现今高校学生的美术作品鉴赏课程，我们要在课堂的教学中创设良好的文化情境，使得学生从心里对美术作品的鉴赏产生一种强烈的渴望，自觉地去对其进行学习。学生的文化素质水平与美术作品的鉴赏能力两者是相辅相成的，只有两者协调发展，才能使学生素质迈上一个新台阶。

四、美术作品鉴赏中文化情境的创设方法

在美术作品鉴赏课程中创设文化情境，提高教学效果，这对教师的教学提出了更高的要求。教师在教学过程中要自觉更新教学理念，改进教学方法，使文化与美术融为一体，提高学生的美术作品鉴赏能力。

1.转变美术作品鉴赏课教学理念

教师的教学成功与否，与教学理念有莫大的关系，高校的美术作品鉴赏课也不例外。所以，要教好美术作品鉴赏课，教师必须转变自身的教学理念，变以教师为中心为以学生为中心，从学生心理和实际需要出发，创设有助于美术鉴赏的文化环境。而在实际教学中，我们的美术作品鉴赏，更多的是以一种美术技巧、方式、风格分析的方式来进行，这显然不利于学生在鉴赏中形成审美品质。我们要将这一课程看做为对一种文化、一种思想的传播。只有这样，才能使学生学有所收获。

2.运用多种教学方式，创设文化情境

现今的高校学生，成熟得都比较早，大部分学生对于自身的发展都已有了明确的目标，所以，其对于学习的课程也会具有一定的选择性。所以，在美术作品鉴赏课程中创设文化情境，让学生的审美情趣、想象能力得到有效的提升，并且还可以培养学生的人文精神，培养学生的综合素质，提高他们的社会竞争力。这样，学生对于美术作品鉴赏课程的学习热情也会相应地增强。

教师在教学过程中采用多元化的教学手段，创设文化情境。比如针对美术作品中独特的历史背景、社会文化等，选取不同的专题与教学模式进行课堂教授，如播放有关记录片、专题讲座等，让学生在美术作品鉴赏中了解历史，了解诗歌，了解不同流派的画作，提高他们美术作品的鉴赏能力。endprint

3.让学生们走进真实的环境，感受独特的美术作品魅力

我们都知道，艺术源于生活。生活环境中的美景、独特的景观、建筑、工艺品等，都是美术作品鉴赏课程中创设文化情境的良好资源。而且，学生的年龄、性格都已发展成熟，所以，对于学生的教学要更具灵活性。

我们可以让学生在课余或闲暇时间，对自己感兴趣的民间艺术进行研究与再创造，以小组为单位在课堂上进行展示。教师可以先引领着学生对这些民间艺术进行近距离观赏、感受，使得学生在自我创作时，能够多一些灵感。另一方面，学生在对这些民间的艺术进行观赏、感受时，不仅对其有了更进一步地了解，还增强了他们对于民间艺术的保护意识。

4.让学生们体验美术气氛，感受美术作品的独特魅力

高校的学生，动手能力都较强，我们可以从学生们感兴趣的方面入手，让学生们自己动手，或描摹、或写生，使学生通过美术实践感受美术作品的魅力，体会美术家作品创作时的思想与情感。

像著名的《最后的晚餐》，我国的学生大都是无神论者，对于这种具有宗教色彩的绘画的理解能力还是稍有欠缺。所以，我们可以让学生通过对《最后的晚餐》的演绎，在情境中通过自己的生活经验来理解其中所蕴含的情感。

对于美术作品的鉴赏，就是从其光线、色彩的空间组合入手，感受其对人的视觉冲击，寻找明确的突破口，从而理解其中的内容与感情，并最终了解美术作品的真实意义。

为了让学生更好地欣赏美术作品，我们可以利用多媒体技术课堂情境进行渲染，让学生通过音乐的听觉效果与美术的视觉效果融合，从而理解美术作品的真实意义。而且，音乐与美术的结合，能够在一定程度上活跃术作品鉴赏课程的课堂氛围，从而提高鉴赏效果。

参考文献：

〔1〕梁汉.试析在文化情境中开展美术鉴赏[J].美术教育研究，2013，（12）.

〔2〕张媛媛.“在广泛的文化情境中认识美术”理念初探[J].科学大众·科学教育，2011，（6）.

〔3〕伍慷.在文化情境中学习美术——关于加强高等美术院校文化素质教育的思考[J].美术教育研究，2011，（9）.

〔4〕章媛.文化情境中的美术作品鉴赏[C].华中师范大学，2012.

〔5〕杨彩霞.解读美术新课标 创设文化情境教学[J].魅力中国，2009，（2）.

〔6〕赵婧妍.论如何有效创设美术文化学习的情境[J].科学与财富，2011，（10）.

〔7〕黄经庭.浅谈高校美术鉴赏课教学[J].美术大观，2011，（7）.

〔8〕苗伟.理解文化环境[J].社科纵横，2010，（3）.

探究如何引导学生鉴赏抽象美术作品 第4篇

一、当前抽象艺术教学中存在的问题

由于抽象美术作品具有自身较为突出、 鲜明的特点与特征, 因此在美术作品中很少有对现实客观世界中现象的描绘, 在作品中塑造和表现出的艺术形象往往与现实生活存在较大的差距, 有很大一部分直接就是通过应用颜色、点、线、面、以及肌理等独特的绘画语言形式来进行艺术创作的, 借以表达作者丰富的情感。在中学美术教学中引导学生欣赏抽象艺术, 并能了解抽象艺术中的含义, 这对教师开展教学活动带来较大的难度。 在抽象艺术作品赏析教学中存在教学困难往往是包括以下的原因:首先, 抽象艺术作品本身的抽象性导致学生存在认识的困难;其次, 学生的认知能力有限, 很难理解抽象美术作品中蕴含的深刻情感。究其原因, 主要是学生的认知水平与抽象美术的表现形式与特点之间存在一定的不对等性。在面对抽象艺术作品时, 往往就会沿用具象艺术作品欣赏思维来对其进行赏析, 这就导致赏析很难展开。这就需要制定积极的应对策略, 从而激发学生赏析抽象艺术作品的积极性, 并能使学生逐渐从具象艺术作品的欣赏向抽象艺术作品欣赏过渡。

二、抽象艺术作品教学策略

( 一) 引导学生亲身体验色彩与线条的魅力

学生生活的世界本身就是色彩斑斓的, 学生的感官每天都会受到不同程度的色彩刺激。在抽象艺术教学中, 教师可以通过学生比较熟悉的色彩与美术作品形式来引导学生对色彩进行感受与体会, 从而逐渐引导学生对抽象艺术进行进一步的认识。在学生的实际生活中缺乏直接体会抽象创作的机会, 教师在教学的过程中可以先引导学生进行涂鸦, 因为通过涂鸦的形式学生能够更好的了解抽象艺术。同时, 学生在创作的过程中也能反映出其心理特征与情绪的变化。 例如在其创作中的红色, 一方面可以表示热情, 但是另一方面也可以表示愤怒。 教师在引导学生通过涂鸦了解抽象艺术的过程中就可以培养学生将色彩、形象结合起来来表达思想感情的变化。

同时, 由于抽象艺术在其创作中往往还具备一定的音乐性。 教师在进行教学的过程中, 可以要求学生在听到音乐后, 将自己听到的形象或者是情景通过应用色彩的形式表达出来, 学生在听到音乐后, 可以随意根据自己的感受与体会进行绘画, 教师不可过多干涉, 要使学生自由发挥。 学生在完成艺术作品的创作后, 可以要求学生根据其艺术作品对其中的情感进行判断, 还可以有效帮助学生培养其对抽象艺术的感知能力, 从而能够更好地赏析抽象艺术作品。

( 二) 抽象艺术教学要结合社会和个人历史背景

在很多的抽象艺术作品赏析教学中, 教师往往会对国外的抽象艺术作品进行分析, 这就很容易导致学生认为只有国外才有抽象美术作品。 但是, 在中国美术文明发展的过程中, 在各个时期不同的纹饰本身也是抽象艺术形式之一。 教师在教学的过程中, 可以引导学生对我国远古时期的抽象艺术进行了解, 这样也可以使学生从点、线、面等不同的角度对抽象艺术作品进行进一步了解。教师在教学过程中, 还要引导学生能够对抽象艺术的起因、 发展历程以及产生的社会效应等进行详细分析, 能够对创作背景等进行重点讲解, 这样可以帮助学生养成良好的抽象艺术作品赏析习惯。

教师可以在学生已经掌握和了解我国抽象艺术发展的基础上引导学生对西方抽象艺术作品进行赏析, 学生在欣赏的过程中难度也会减小。 例如在欣赏康定斯基的《 即兴31 号》作品时, 引导学生了解该作品的创作背景, 对理解其思想情感就比较容易。画面中飞扬着玫瑰色、绯红、蔚蓝、黄色、橙色、紫色、翡翠色, 还有黑色。 单纯地看着, 就有许多愉悦在其中, 表明艺术家的创作具有鲜明的特点, 主题也比较独特。通过激烈变化的线条与强烈的色彩对比, 充分地感受到创作者虽然身处乱世, 却十分向往美好生活。《 百老汇爵士乐》 是蒙德里安的著作, 反应当时美国纽约百老汇街夜晚的景象, 独特的色彩界限, 用无数的长短不一的彩色矩形进行分割, 形成强烈的画面感, 给人以热闹、愉快和舒畅的心情。欣赏此作品时, 需要将抽象艺术作品赏析与创作者的生活环境与当时的社会环境以及创作背景等进行有机的联系, 从而帮助学生有效地提升其审美水平。

总而言之, 在高中艺术教学中引导学生鉴赏抽象艺术作品, 可以帮助学生有效地释放与缓解学习的压力, 激发学生的创造力, 提升学生的审美能力, 并能促进学生身心健康发展。为了保证抽象艺术教学课程的顺利展开, 教师在教学的过程中要充分尊重学生的个性与主体地位, 并能发掘艺术作品中的规律与艺术价值, 尽量以学生容易理解的方式开展教学, 使学生更好地掌握抽象艺术作品中的深刻情感, 从而促进其自身全面发展。

摘要：在当前的素质教育理念下, 要求培养学生全面的、综合的知识能力, 不仅要掌握一定的科学知识, 还要培养良好的审美情趣与情感价值。在高中教学中开设美术课程, 对学生的创新思维能力发展与创造精神塑造有重要的作用。教师在教学的过程中要充分认识到抽象美术作品中包含的创新思想, 并能结合教学中存在的问题, 制定具有针对性的教学策略, 使学生能够通过欣赏抽象美术作品, 实现全面发展。

关键词：抽象美术,美术作品,教学策略

参考文献

[1]胡雯雯.如何引导中学生欣赏抽象美术[J].美术教育研究, 2014.04:144-145

高中美术美术鉴赏及其意义教案 第5篇

课时结构：一课时 教学目标：

1.通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏;

2.美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏的意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。教学重点：

培养学生送审美的眼睛，让学生掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。教学难点：

如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏一般过程或方法。教学过程： 引入新课：

随着社会的进步和经济的发展，人们在满足了物质生活的需要之后，对精神生活的要求也越来越高。当我们面对数量众多，风格各异的美术作品时，如何来辨别作品的好坏，如何认识和理解艺术家的表现方法，作品的意义，对作品的价值的判断以及会从内心产生喜欢或厌恶等的情绪反应。所有这些疑问的产生，都涉及到了美术的鉴赏问题。这节课我们一起来学习美术的鉴赏及其意义。板书设计：

美术鉴赏及其意义

一、含义

二、美术作品的分类 1.艺术门类划分 2.形式语言划分

三、意义 教学内容：

一、含义首先，我们要了解美术鉴赏的含义（板书）。（拿出天安门这张图）同学们看这张图片，当我们置身于天安门广场的时候会有一种什么样的情感呢？这位同学来回答一下，对，崇高、壮丽、神圣的情感，好，请坐。我们对天安门的这种情感不仅来自于天安门广场的建筑，更来自于我们对天安门的认知、回忆、和想象。我们对中国历史认知越深入，从中获得的审美想象就越丰富。这个过程其实已蕴含了美术鉴赏的基本特征。我们再来欣赏这两幅图，这一幅是张萱的《捣练图》，这一幅是法国画家米勒的油画《拾穗者》。这两幅图都是以妇女为题材，前者画的是宫廷妇女捣练的场面，给人以优雅和平、富富有劳动节奏的美感，后者画的是三个贫穷的妇女在麦地里向前拾穗的情形，看了不禁让人产生同情。为什么两幅都是描绘妇女的劳动场面的绘画会给人不同的感受呢？这位同学来回答一下，作品的社会背景，好，请坐，这就需要对作品的产生的社会背景及画家本人加以考察，才能理解画家的表现意图并对作品作出价值判断。两幅不同国度、不同艺术形式的作品，分别具有不同的艺术价值和社会价值。由此可见，所谓美术鉴定就是运用我们的视觉感知、视觉经验和相关知识对美术作品进行归类、分析、判断、体验、联想和评价，从而获得审美享受，它是一个综合的审美活动。由此，我们可以知道，美术鉴赏的对象是美术作品；美术鉴赏的过程是从感受、归类、分析和判断体验、想象和评价；美术鉴赏的目的是获得审美享受，并理解美术作品和美术现象；美术鉴赏的本质特征是综合的审美活动。

二、分类

我们看这些作品，我们发现在艺术形态和作品形式上它们有很大的差异。它们属于不同的美术门类，我们首先要将其分门别类，按各自的艺术特点去鉴赏。（板书）这就涉及到了美术作品是如何分门别类的问题。美术作品都被归为空间艺术的范畴，美术根据其（板书）艺术门类划分为：绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影六大类。在这六类中又可以按照材料、题材、形制、功能等划分出不同的美术种类，如中国画、油画；历史画、风景画；浮雕、圆雕；建筑设计、环境设计等，比如这两张图这一张是建筑设计，这一张是家居设计，就是按功能分类的。按照美术的（板书）形式语言上的不同特征划分出了以写实性客观再现为主的“具象艺术”、以写意性主观表现为主的“意象艺术”和以艺术语言的本体性表现为主的“抽象艺术”。

三、意义 讲到这里，我们为什么要学习美术鉴赏呢？那么我们就要理解美术鉴赏的意义（板书）。我们知道美术社会存在的产物，因此它负担着社会功能的角色，美术的社会功能体现在三个方面，即认知功能、教育功能和审美功能。有一位名家赫伯特·斯宾塞说：“没有油画、雕塑、音乐、诗歌，以及各种自然美所引起的情感，人生的乐趣会失掉一半。”

四、总结

这节课我们学习了美术的鉴赏，同学们下来可以选取一件自己喜欢的美术名作，搜集资料并做出总结，谈谈自己的想法和感受。下一节课我们将学习“美术作品的艺术语言”，希望同学们做好预习。

作业布置：

选取一件自己喜欢的美术名作，搜集资料并做出总结，谈谈自己的想法和感受。

美术鉴赏及其意义

一、教材分析

（一）教学目标

本课作为高中整个美术鉴赏教学的开篇，对后面的教学具有指导意义。通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏、美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏有什么意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。

（二）教学的重点与难点

本课教学的重点在于培养审美的眼睛，掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。本课教学难点，主要是如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏的一般过程或方法。

二、内容结构

本课主要包括四个部分：

第一部分从现代人的全面发展出发，指出培养审美的眼睛是现代人全面发展的需要，而美术鉴赏则是培养审美的眼睛的必要途径。

1、什么是美术鉴赏。

先从对身处天安门广场的感受和对天安门的认知中，说明美术鉴赏并不神秘，而是与我们的生活息息相关，并由此引出美术鉴赏的问题。然后再从具体的美术作品入手，以中国唐代画家的中国画《捣练图》和法国画家米勒的油画《拾穗》为例，简单介绍了美术鉴赏的一般过程或方法，由此导入，进入概念分析，阐明什么是美术鉴赏、其特性以及在美术鉴赏中被动接受与主动参与的关系等。这里没有涉及什么是美术或什么是艺术的问题，而是直接谈什么是美术鉴赏，这是因为美术或艺术的概念本身就十分复杂，它将涉及到更为复杂的专业知识，这对于学生的理解来说是困难的，也将影响本课的主题。更由于当代艺术已模糊了艺术与非艺术、艺术与生活的界限，“什么是艺术”在学术界也是一个正处于争论之中的问题，对于那些还没有定论的问题我们只好在教学中暂时悬置起来。

2、美术作品是如何分门别类的。

简单介绍了美术的基本分类方法，这里只列出了一个简略的艺术分类，学生了解这些就可以了。但教师还应明白，在美术的六大分类——绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影中，还可以按照其材料、功能、题材、内容等作更细致的划分。以下列出的分类并不完整，仅供参考：

（1）．绘画

按材料和功能：油画、中国画(其中按技法分为工笔画和写意画；按题材分为人物画、山水画和花鸟画)、版画(按材料分为木版画、石版画、铜版画、锌版画、丝网版画；按技法分为镂版画、腐蚀版画、水印版画、套色版画)、素描(其中也包括速写，按工具分为钢笔素描、铅笔素描、碳笔素描、毛笔素描等；按题材分人物素描、风景素描、静物素描)、水彩画、水粉画、丙烯画、连环画、年画、壁画、宣传画或招贴画、插图或装饰画等。按内容和题材：人物画（包括人体画、肖像画、风俗画、宗教画、军事画、历史画等）、花鸟画、静物画、风景画或山水画等。

按形式语言：具象绘画、意象绘画、抽象绘画。

（2）．雕塑

按题材和功能：人体雕塑、肖像雕塑、动物雕塑、架上雕塑、纪念雕塑、环境雕塑或公共雕塑、实用装饰雕塑等。

按空间：圆雕、浮雕。

按放置地点：室内雕塑、户外雕塑。

按工具材料：石雕、木雕、泥塑、金属雕塑（包括钢铁雕塑、铜雕、不锈钢雕塑等）、根雕、冰雕、沙雕、雪雕、软雕塑等。

按形式语言：具象雕塑、意象雕塑、抽象雕塑、观念雕塑。

（3）．建筑

按功能：园林建筑、纪念建筑、住宅建筑、公共建筑。

（4）．设计

按功能：实用美术、商业美术、特种工艺美术。

按内容和材料：服装设计、陶瓷设计、工业设计、广告设计、网页设计、环境艺术设计、家具设计等。

按形式语言：平面设计、立体设计、构成设计。

（5）．书法

按形式语言：楷书、隶书、草书、篆书。

（6）．摄影

按内容：人物摄影、风景摄影、动物摄影、静物摄影。

按形式语言：具象摄影、意象摄影、抽象摄影、观念摄影。

三、美术鉴赏有什么意义。

以美术的三大功能为基础，说明美术鉴赏不仅是对知识的学习，更重要的是对培养学生认识世界的能力、审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展，都具有十分重要的意义。

四、教学内容资料

（一）作品分析

1天安门广场、黄山日出（摄影）

随着历史的发展、社会的进步，未来社会对人的素质有了更高的要求。人不仅要学习和掌握各种专门的技术以维持自身的生存，更需要养成健康的审美情趣，完善美好的人生。只有这样，我们的人生才是完满和有意义的。要做到这一点，首先要培养审美的眼睛。培养审美的眼睛有两个途径：一是欣赏大自然；二是欣赏第二自然——由人创造的艺术品。我们许多同学可能都喜欢旅游，希望到北京去看看雄伟庄严的天安门，到黄山去观赏烟波浩淼的云海和壮观美丽的日出。但这是两种不同的美——一种是自然景观，一种是人文景观。当我们置身自然景观中的时候，我们似乎完全融入自然之中，成为自然的一部分；而当我们置身天安门广场的时候，我们都会不禁在内心升起一种崇高、庄严和神圣的情感，这种情感不仅来自天安门广场的布局、空间和周围的建筑，更来自我们对天安门的认知、回忆和想象。表面上看，天安门只是一座古建筑，但从审美角度说，它已成为象征中国历史的一个审美符号。它经历了古代中国的文明和近代中国的屈辱和奋起，更见证了中国二十多年来改革开放的巨大成就。可以说，我们对中国历史的认识越深入，从中获得的审美想象就越丰富。这个过程其实已经蕴涵了美术鉴赏的基本特征。2捣练图（中国画，宋代摹本，绢本设色，37厘米×147厘米，美国波士顿博物馆藏）张萱（唐）（生卒年月不详），是盛唐时期著名的人物画家，长安（今陕西西安）人，唐玄宗开元年间（公元713—741）入禁做宫廷画师。他特别擅长画女性和婴儿，所作人物雍容华贵，形成“丰颊肥体”的人物造型，成为唐代名重一时的人物画大师。尤其是他突破了汉魏以来中国人物画主要描绘“列女”、“孝子”的传统题材，开始表现现实中的人物形象，在美术史上产生了深远的影响。

张萱一生只留下了《虢国夫人游春图》和这幅由宋人临摹的《捣练图》两件作品。《捣练图》描绘的是宫中妇女“捣练”的情景。“练”又称“缣”，是一种古代的丝织品，织成时质地较硬，须煮熟后加漂粉用杵轻捣使之柔软，并经熨平后才能使用。全画共分三个部分：右边一组描绘的是四个妇女用木杵捣练；中间一组描绘的是两个正在理线的女工；左边一组描绘的是四个妇女在熨练，其中两个拉平白练，另两个在熨练，在白练下面还有一个来回穿梭玩耍的小孩。画面形成一个完整的捣练过程，具有连环画的性质。这里既让我们看到了唐代人的衣饰、生活等，其人物造型和工细劲健的线条、富丽华贵的用色也明确传达出唐代人的审美观和审美趣味。

3拾穗（油画，83．5厘米×111厘米，1857年，巴黎卢浮宫藏）米勒（法国）

米勒（Jean-Francois Millet，1814—1875）从35岁起就定居巴比松，之后他一住就是27年，几乎一生没有离开过那里。他在那里生活、劳动、创作，画出了他一生最重要的作品。他与巴比松许多画家来往，和他们交流创作思想。他的作品反映了巴比松农民的生活和那里的自然世界。但是从米勒作品的意义来看，他又超越了巴比松派，他把人性中质朴、善良、高贵、永恒的一面呈现出来，从而感染了全世界的人。

米勒出生在法国诺曼底半岛距瑟堡和格雷维尔城不远的一个叫格律希的村子里。他的父亲是一个从事音乐并有较好艺术素养的人。他不仅指挥着一个乡村合唱队而且还搞些小雕塑什么的。米勒的母亲出身在一个较富裕的农民家里，其亲属都有着良好的文化修养。米勒从小就是在农田里长大的，直到20岁他才正式去学画，所以家庭的教养和劳动的经历培养了米勒朴实勤劳的性格，也决定了他以后的审美取向。不过米勒并不是一开始就发现自己真正的方向的。米勒17岁那年曾无师自通地画了一幅大画《看守羊群的牧羊人》，画面虽幼稚，却体现了米勒对周围熟悉生活的观察和对艺术的热爱。以后他进入瑟堡画家朗格鲁画室学画。1837年在朗格鲁的推荐下，米勒获瑟堡市政府600法郎奖金而进入巴黎一所美术学校深造。同年又成为当时巴黎著名画家德拉罗什的学生。他最初的老师无论是米歇尔•朗格鲁，还是德拉罗什，传授他的都是学院派的那一套。由于米勒是一个质朴而腼腆的人，所以尽管他内心里并不喜欢这些装腔作态的东西但还是接受了。他听从了德拉罗什的劝告去参加罗马大奖赛，但没有成功。从德拉罗什的画室出来后，米勒常出入卢浮宫博物馆，向古代大师，尤其是米开朗基罗和普桑学习。他一面学习，一面和一个朋友租房以卖画为生。为了生活他不得不去画那些受欢迎的布歇风格的作品，甚至这种风格的《卖牛奶的女人》和《骑术课》还在1848年的沙龙上展出了。这时的米勒是矛盾的，一方面他厌恶他目前的状态，另一方面又不知自己今后的道路该怎么走。一个偶然的机会使他终于清醒了。1849年的一天，他到一个画商家里办事，画商不在，正巧另两个陌生人也在等画商，只听他们指着墙上米勒的一幅布歇式的女人体说：“这就是米勒的画，他只会画这种低俗的画。”米勒羞愧难当，他决定离开巴黎，到巴比松去，即使生活再艰苦，也要走自己的路。米勒曾在给朋友的信中说过，他讨厌“夸张、装腔作势和虚情假意”，他指责那些为了职责而忘记自己品格的人（即那种被社会扭曲和异化的人），因为他们已失去了他们的本性和真实性，而这些正是艺术家所必备的。因此他要求自己一定要真实地生活、真实地创作。我们从他的作品中可以明确看到，他努力将自己所见真实地表现出来的意图。无论是《簸谷者》、《扶锄者》、《播种者》、《晚钟》、《拾穗》等著名作品，还是《牧羊女》、《喂食》、《折枯枝的人》、《砍柴者》、《在休息的葡萄工人》等这些不太有名的作品，我们都能深深感受到真实的生活气息和艺术家对生活观察之深入。播种者和簸谷者之艰辛、扶锄者和休息者之劳累、拾穗者和喂食者之贫穷，都以其深刻的真实性给观众以震撼，这与以往富丽堂皇的罗可可艺术，甚至与当时巴比松画家那阳光明媚、美丽轻松的风景画是多么的不同。当来自官方和保守势力的批评家对他大加指责时，米勒给予了坚决的反击。他说：“我将坚强地站着，即使他们称我是表现丑的画家，是妨碍我们民族进步的东西，但我决不做把农民加以美化的蠢事。如果只能无力地表现我自己，我宁愿不表现。”他又说：“表现大地的呐喊这不是我的发明，古已有之。我想诸位评论家们是有学识有教养的人，可我不能人云亦云，因为我生来只知道土地，我只能忠实描绘我对劳动时的观察和感受。”米勒从生活中发现的是悲壮、内在、深沉的美，他使人们看到了生活中惨烈的一面。这其中既有同情又有控诉，从这一面说，他与杜米埃一样都是批判现实主义的画家。也正因此，米勒的画使资产阶级以及他们的评论家大为惊恐，他们把他看作是社会主义者，说他企图骟起爆动，比库尔贝更危险。他们从《播种者》中看到了起义者的步伐，从《拾穗》中看到了“在这三个拾穗者背后的地平线上，隐现出造反派的长矛和1793年的断头台”。因此他们叫嚣“要把这位无政府主义的画家从画坛上清除”。在19世纪欧洲美术史上，作为农民画家的米勒是无与伦比的。他塑造的大量感人的农民形象艺术地展示了当时法国农村的真实状况，因此不少肯定者亦把他说成是革命者，是一个无产阶级的艺术家。其实，米勒是个不问政治的人，他曾说过，“一个搞艺术的人干预政治是不明智的”。所以当库尔贝邀请他做巴黎公社委员时他拒绝了。他的作品只是由于它们的极度真实性而被不自觉地赋予了社会的意义。不过他的真实性与库尔贝也是不同的，他借助的是印象和气氛，他在自然中寻找的是那些特征性的东西，因此他反对用准确无误地描摹自然和具体的细节来说话（这与勒南兄弟亦大有区别），因为这些细节会破坏他常说到的那种“思想”和感觉。他认为那些具有独特造型的动作和特定的环境就足以表达他的思想，这就是为什么我们常看到他只画一个人，或把人物变成环境一部分的原因。另一方面，他从不像库尔贝那样使人物突现在画的表面上，也不以强烈的肌理来造成直接的真实性，他将这一切都融入画面之中，所以他在保持人物结实的造型的同时，又赋予画面以诗意。在《拾穗》中，农民的贫穷与地主的丰收形成鲜明的对比，但这种对比不是利用脸部的表情而是略去细节的人物动作与环境，他使人物具有了雕塑的力量，从而歌颂了劳动者质朴、勤劳的美德。而《播种者》则更确却地只通过一个人的动作就把米勒的思想表达出来了。难怪有人通过他的画看到了起义者的脚步。米勒作品的象征意味是十分明显的，因此象征派画家雷东也给他的画以高度评价。但是米勒艺术的根本特性还在于它的质朴与真诚，它是艺术家内心情感的自然流露，这种质朴与真诚也将是开创20世纪艺术的起点，我们将在十分崇拜米勒艺术的凡高那里看到这一点。4萧景墓石辟邪（石雕，南朝•梁）

在南京和丹阳一带，已发现有南朝的宋、齐、梁、陈四个朝代的帝王贵族的陵墓石雕31处，其中29处的石雕保存较好。这些石雕，包括神道两侧的石柱、石兽和石碑等。石兽相对而立，头上长双角的称“天禄”，长独角的叫“麒麟”，均是传说中的灵异瑞兽，只能用于帝王陵墓。王公贵族墓前的石兽无角，称“辟邪”。这些象征权势的镇守、护卫陵墓驱邪的石兽，形象在狮虎之间，更似以狮子为基础的夸张变形，肩有羽翼，多作昂扬张口、挺胸迈步状，形体硕大，粗壮厚重。其雄强威武的气势，具有很强的艺术感染力和很高的艺术价值，是南朝时期雕刻的代表。

萧景墓石辟邪，是上述石兽之一。其形态为挺胸昂首、张口吐舌，似正在发出震天吼声。它是用整块方形石雕刻而成，在平原之上硕大的体量具有很强的艺术辐射力，仿佛在控制着这一地域。从各种角度观看，它都给人以气势宏大、雄浑稳定的感觉。艺术家为了突出给人这一感觉，在造型上强调前挺的胸脯，夸张胸部的圆弧线，缩短腹部，夸大后腿上部肌肉和臀部的圆弧线，加粗四肢，弱化关节，夸张巨爪和大口巨舌，强调壮实和硕大的体量感，突出凶猛有力，又能使四肢非常协调地支撑身躯。它头部稍小且向后，既恰到好处地表现了昂首动态，体现灵巧性，又能造成金字塔般的稳定感。该辟邪厚重而不笨拙，稳定中又有动感，雄浑威猛，似内蕴无穷的力量。它头颈不分，全身处处运用弧线、圆形，除肢腹之间镂空外，全身无繁琐细节，连尾部也紧贴臀部扎地，羽翼仅用线刻而成，加之变形加粗的四肢和夸大的巨爪与底座紧紧连在一起，都使其不易破损，所以历经千余年至今仍较完好，不能不说与其造型有关。石辟邪的单纯、完整和矫健的外轮廓，富有很强的表现力，至今仍给人以难以忘怀的印象和美的感受。5奔马（中国画，1951年）徐悲鸿 作者简介请参照第14课相关内容。

这幅《奔马》在表现方法上，将西洋画中的解剖与中国传统笔墨相结合，显示出徐悲鸿以中西融合的方法改造传统中国画以使之具有面对现实的能力的思想。在主题上，他以昂首飞奔的骏马来表达对民族前途的关怀和希望。徐悲鸿给这幅作品起名《山河百战归民主》，表达了他对新中国成立、人民从此当家做主的喜悦心情和对祖国未来的期望与情感寄托。

6根扎南国（纸本彩墨，1998年）吴冠中

吴冠中（1919—）江苏宜兴人。1942年毕业于杭州国立艺术专科学校，1947年留学法国，入巴黎高等美术学院学习油画。1950年回国后先后任教于中央美术学院、清华大学、北京艺术学院、中央工艺美术学院等，并曾担任中国美术学院客座教授、中国美术家协会常务理事等。吴冠中在杭州国立艺术专科学校读书期间受到他的老师林风眠和吴大羽的深刻影响，一生从事中西融合和油画民族化的实践，逐步形成了清新、明快，注重美术的本体语言——点、线、面、色相结合的韵律美和形式美的独特风格，具有强烈的艺术个性和时代气息。在《根扎南国》中，吴冠中以他特有的手法，以点、线、面、色的结合，塑造出南方特有的郁郁葱葱、繁茂似锦的大榕树形象，给人以强烈的形式美享受。吴冠中还十分注意理论上的总结和著述，他对美术的形式美的论述在20世纪80年代的中国产生了广泛的影响，出版有《绘画的形式美》和《风筝不断线》等文集，以及各种个人画集。1991年吴冠中获法国国家文化部授予的文学艺术最高勋章。7太白行吟图（中国画，局部，纸本水墨，81．2厘米×30．4厘米，日本东京国立博物馆藏）梁楷（宋）

梁楷(生卒年不详)，是南宋著名的人物画家。性情豪放，不拘礼法，自号“梁疯子”。梁楷早期的人物画细密工致，后变为简练粗放、纵笔挥洒，寥寥数笔便能画出人物的精神气质，具有很强的艺术感染力。后人称他的这种画风为“简笔画”，这是梁楷对我国古代人物画的突出贡献。现存的《太白行吟图》描写唐代伟大诗人李白的豪放性格，全画只用寥寥几笔，即把那种桀骜不驯、才思横溢的风度神韵，刻画得活灵活现。这既得力于画家对李白的性格特征的正确把握，也和他熟练地掌握了中国画的笔法密切相关。这是我国绘画史上最早具有代表性的“减笔画”之一，可谓之极品。中国奥运中心垒球场设计方案

这是为2008年中国北京奥运会设计的一个垒球场场馆方案。作为建筑设计，既要从审美的角度实现其造型上的美观，又要考虑其功能上的适应性，同时还要兼及其周围的环境（其中包括色彩、造型和高低等方面）。从造型上看，该设计极为简化，只在一面形成一个敞开的盖顶，这种极少主义式的设计显然是来自现代主义的设计观，就像里特维特的《红蓝椅》一样；在功能上，该设计以三角形来适应垒球比赛的需要，在其周围建起层级式的观看台，并在周围建有相应的配套设施；在环境上，我们虽然无法看到周围的情况，但从其视图上就可以看出其高度、造型和明亮的盖瓦与周围环境和谐相处。

8红蓝椅（木质上色）里特维特（荷兰）

《红蓝椅》是“风格派”最重要的代表作品之一，也是现代主义设计中里程碑式的作品。它完全采用最基本的几何元素或几何形态构成，没有任何隐晦或掩饰，色彩元素也仅限于红、黄、蓝三种原色，可以说，它完全是按照“风格派”创始人之一蒙德里安的艺术理论创作出来的，只不过蒙德里安的作品主要是平面的绘画，而里特维特的《红蓝椅》则是立体的。尽管我们所看到的是一把真实的椅子，但从功能上说，它却并不具有实用性，因为人坐在上面并不舒服。它的重要性首先在于它是由标准化的几何构件组成的，这就为此后现代设计产品的批量化生产提供了参照和依据，这一点是开创性的；其次，它的与众不同的现代形式语言，使之终于摆脱了传统家具设计的阴影，宣布了现代主义设计的出现和独立，由此成为现代形式主义设计的重要的里程碑式的作品，对整个现代主义设计运动产生了深远的影响。

9筛谷的妇女（油画，131厘米×167厘米，1854年，法国南特美术馆藏）库尔贝（法国）

库尔贝（1819—1877）是19世纪后半期法国著名画家。生于法国东部的小城奥尔南市一个葡萄园主的家里，从小就直接接触到农民的生活，并接受他祖父给他灌输的革命的思想。家庭的宠爱和较好的生活境遇使他自小就养成了自信和敢说敢为、我行我素的性格，他对生活和未来充满了信心。库尔贝基本上是一个自学成才的画家，要说老师，对他来说就是先辈大师的作品和自然。他从先辈大师那里吸取创作灵感和技巧，而从生活和自然中寻找思想，他把二者有机地结合在一起——技巧服从思想，思想加强了技巧。这就是库尔贝艺术的主题：使艺术担负起社会的责任。在这一思想的指导下，库尔贝积极参加社会的斗争实践。1871年巴黎公社成立后，库尔贝积极支持这个无产阶级自己的政权，并担任了公社革命委员会委员、造型艺术委员会主席、公社第六区顾问、公社驻美术学院代表和教育委员会委员，他以极大的热情投身改造旧制度和建立新的美术趣味的工作。这一切行为使资产阶级恼羞成怒。公社失败后，便以“杀人、煽风点火和招兵买马、篡夺公职并合伙毁坏古迹”的莫须有罪名将他逮捕并处以323091法郎68生丁的罚款，将他所有的作品及财产没收。1877年12月31日库尔贝客死瑞士。

1855年，库尔贝为反对官方美术的虚伪并表明自己的艺术态度，在巴黎世界博览会对面自建了一个小棚子，举办了以“现实主义：库尔贝，他40件作品的展览”为题的个人展览，并发表了《现实主义宣言》，提出“绘画实际上就是具体的艺术，它不是别的，就是对现实的即存事物的描绘”的观点。他企图把他所看到的一切都按照它们原来的样子描摹下来。在这次展览上，库尔贝展出了他的许多重要作品，其中就包括《筛谷的妇女》，这些作品都反映了他企图客观地表现视觉真实的愿望。当有人要他画宗教画中的天使时，他一口回绝，说他无法画出一个他从未见过的长翅膀的人。因为库尔贝的目标是明确的，那就是像他宣言所说的，“我的心愿全然不是要达到为艺术而艺术那个无益的目标，„„要按照我的所见来表达我们时代的风格、思想、面貌，不仅做一名画家，还要做一个人，总之，要创造活生生的艺术这才是我的目标”。正因此，库尔贝在《筛谷的妇女》中真实生动地描绘了一个他所常见到的农村妇女劳动的景象，表现了劳动者特有的健康的美。

舞蹈（油画，260厘米×389．9厘米，1910年，纽约现代艺术博物馆藏）马蒂斯（法国）

亨利•马蒂斯（1869—1954）出生于法国北部的勒•卡图镇，年轻时曾从事法律工作。有一次生病住院，闲来无事读了一本绘画方面的书，使他对美术产生了兴趣，遂立志终身从事美术，这年他21岁。1891年马蒂斯考入巴黎朱理安学院，1895年成为当时著名象征主义画家摩罗的学生。

马蒂斯的艺术主要植根于后印象派，不过经过几个复杂的演变之后，马蒂斯彻底脱离了后印象派，但他更加强了色彩的表现力。从1904年开始，马蒂斯开始形成自己的风格，以强烈的原色对比和粗犷的线条去体现他对客观事物的感觉。传统绘画的透视和明暗手段被他弃置一边，只是在构图上还显示出有秩序的现实境界。也就是在这个时候，马蒂斯又开始了对日本绘画和非洲艺术、阿拉伯图案的借鉴，这使他的艺术日益个人化。马蒂斯不仅把东方的技法（毛笔画）发展到他的创作中来，还利用舞蹈、音乐等多种艺术元素来丰富自己的绘画语言。《舞蹈》创作于1909—1910年。马蒂斯在创作时，把模特儿带到地中海岸边，他认为这件作品跟地中海给他的喜悦情绪紧密相连，画中背景的蓝色，寓意着仲夏八月南方蔚蓝的天空，一大片绿色让人想起翠的绿地，人物的朱砂色则象征着地中海人健康的棕色身体。在这幅狂野奔放的画面上，舞蹈者似乎被某种粗犷而原始的强大节奏所控制，他们手拉着手围成一个圆圈，扭动着身躯，四肢疯狂地舞动着。据说，马蒂斯的这个主题可以追溯到希腊的瓶画和民间舞蹈。

（二）名词解释

1、审美教育

亦称美育或美感教育，是一种通过美的教育而使人性发展和完善的活动。审美教育的基本内容是：通过具体的审美活动而逐步培养人的正确的美丑观、善恶观、是非观、爱憎观，从而净化人的心灵；逐步培养和提高人鉴赏和创造美的能力，使人的潜能得到更好的发挥。审美教育的特点是寓教于乐，在没有任何强制的过程中潜移默化，最终达到人性的逐步发展和完善。审美教育不应仅仅局限于自然和艺术领域，还应包括社会实践，在社会实践中进一步培养人和现实的审美关系。在西方，柏拉图（Platon，公元前427—公元前347）、亚里士多德（Aristoteles，公元前384—公元前322）开始注意倡导审美教育；在近代，对审美教育给予极大关注的是德国美学家席勒（J．C．F．Schiller，1759—1805），他认为要把人性从自私和腐化中拯救出来，使人的感性冲动和形式冲动（又称理性冲动）协调一致，使不合理的社会变成合理的社会，惟一的途径就是通过审美教育。马克思主义认为，审美教育并非获得人性解放的最终条件，而是人认识世界、改造世界和自身的一个重要手段。因此，审美教育对人的发展具有重要的现实意义。

2、审美鉴赏力

是指人的一种历史地形成的鉴别、认识和评价现实现象和艺术品之美丑的能力，亦称审美判断力。它是审美主体（人）通过美的创造和美的鉴赏而培养起来的一种能力，具有社会性和个体性差异。从社会性的角度说，任何主体的审美鉴赏力都是受到一定历史发展所提供的可能性的制约，因而具有共同的地方；但是由于主体的生活经验不同、审美修养的不同，审美鉴赏力又表现出个体之间的差异性。它既是依赖于个人审美趣味的单独判断，同时又普遍有效。德国美学家康德（Immanuel Kant，1724—1804）把它归于“先天共通感”。但按照马克思主义美学观，共同的审美鉴赏力是同一社会关系的产物。审美鉴赏力的培养和发展，不但依赖于直接鉴赏经典艺术品，而且还依赖于社会实践，在实践中形成正确的是非、善恶、真伪、美丑观念。

3、美术分类

美术是人类特有的精神产品，是人类在长期认识和改造世界的过程中，为了更好地生存而以自然和人造材料，通过平面和立体的形式，表达人类思想、情感和意识形态的精神的物质化显现。可以说，有了人类，就有了美术。为了更好地理解美术，人们做出了各种努力。由于美术是由人创造并最终服务于人类，所以自西方文艺复兴时期开始，美术就被归入人文学科，与自然学科并列。在这其中，又由于美术的塑造性而被称之为造型艺术，与表演、诗歌、文学、音乐等艺术并列。但“造型艺术”这个概念也是有局限的，因为像舞蹈、戏剧、艺术体操等表演艺术也同样强调造型性。于是，人们又根据各个艺术门类在时间和空间上的特点而把美术划分在“空间艺术”的范畴之内。

由于美术既是一种具体的社会历史现象又是流动的文化精神形态，其中包含了丰富的美术现象、美术形态和美术门类，同时，美术的创作和鉴赏又是复杂而开放的，与不同时期、社会、历史、种族、文化、观念、心理等有着千丝万缕的联系，所以，从本质上说，任何关于美术的定义、概念和理论都是不完整的，只是我们理解美术的参照。

四、小结

(一)本课包含内容十分丰富，学生应把握住教学重点与难点，在如何进行美术鉴赏上下功夫。

美术鉴赏教学刍议 第6篇

关键词：美术；鉴赏；教学

现行的美术教学大纲要求我们：通过教学，使学生熟悉美术的媒介与形式，理解和运用视觉语言，更多地介入信息交流，共享人类社会的文化资源。这与戴博斯所提及的视觉素养概念异曲同工，他认为“人们通过看与此同时产生其他感觉，并将看与其他感受经验整合起来的一类视觉能力”对人类的学习尤为重要。进而他以三个层次对此进行论述：首先是视觉感知能力，其次是在此基础上形成的对“视觉行动、视觉物体以及自然的或人造的视觉符号”的区分理解能力，最后是使用视觉对象符号交流的能力。因此，如果能够将视觉文化的相关理念与当代美术鉴赏教学相联系，对于提高学生的视觉素养有着极为重要的作用。

在视觉文化的视野中，有一种重要的鉴赏方式，即形式分析，这一概念是沃尔夫林提出来的。他在《艺术史的基本原理》一书中，以巴洛克与文艺复兴艺术形式作为对比，阐述其形式分析理论的五对基本概念：线描与涂绘、平面与纵深、封闭与开放、多样与统一、清晰与模糊。同时，他提出了一种由“早期阶段、古典阶段、巴洛克阶段”组成的支配艺术风格历史循环发展的历史规律，这一点明显受到黑格尔的影响。紧接着，罗杰·弗莱在《塞尚及其画风的发展》中发展了形式主义，他对弗莱对塞尚作品中所描绘对象的形状、空间、区域、平面、比例、尺寸、光线等诸多因素进行了细致的考察，认为塞尚的绘画是希望通过一种几何架构对现象的无限复杂性来组织安排作品的布局结构，这种空间构成能够赋予画面一种立体感的形式。当代的格林伯格则在传统形式主义基础上，发展出新形式主义。他认为绘画之所以能够区别于其他艺术如戏剧雕塑等，最重要的唯一特性就是他的平面性，而平面性在抽象绘画艺术中的凸显恰好完整的诠释了现代性的全部特征。

因而，在我们美术鉴赏教学中，面对不同的艺术作品与时代风格，我们不应当只是孤立地照本宣科，讲讲小故事，而应该对画面中的形式问题进行前后联系，从历史与现实的交融中阐述相关问题。例如，我们在讲解文艺复兴时期的绘画作品时，就可以将文艺复兴的作品与巴洛克的作品并置在一起，将沃尔夫林的五对概念融入到讲解当中。当我们面对波提切利的《春》和乔尔乔内的《沉睡的维纳斯》，可以引导学生去观摩两幅作品在畫面形式表现中的不同，告诉学生波提切利使用的是意大利文艺复兴常用的线描技法，他在整个画面处理上并未完全采用后来达芬奇发明的空气透视与晕染技法，而是将所有物体的各个局部事无巨细地一一描绘。而乔尔乔内的作品中则采用文艺复兴威尼斯画派的涂绘技法，画面形式具有一种朦胧的效果，并非每个细节都一一交代清楚。同时，在画面整体布局中，虽然《春》的构图也独具匠心，但人物放置在整体效果上是相互平衡的，每一个人物形象都可以完全脱离其他形象而进行观赏。而在《沉睡的维纳斯》中，虽然只有三个形象（包括小狗），但形象之间具有主次关系，画面也显得更加统一集中。在此基础上，我们可以对文艺复兴时期意大利风格和威尼斯风格的技法进行常识性讲解，告诉学生，文艺复兴时期的油画技法和材料其实和我们现在的油画技法有很大的区别，《春》更多的是一种蛋彩画，而《沉睡的维纳斯》则具有了“油”的特性。

形式分析的策略是不是到此就结束了呢？显然没有。当学生初步了解了文艺复兴时期的艺术风格之后，我们可以将后来的许多相似题材作品与之进行形式上的对比。还是以乔尔乔内那幅作品为例，最典型的借鉴与区别就存在十九世纪马奈的《奥林匹亚》当中。我们可以将两幅作品放在一起再次进行比较，从而发现，虽然构图布局有很大的相似，但整体风格则明显不同，这种不同主要体现于马奈作品的平面性。正如格林伯格所述，平面性是现代艺术的最大特征，而这正始于马奈。

很多时候，我们在课堂讲解中对当代艺术中的抽象风格感到束手无策，我们无法对学生说明，为什么蒙德里安会画出那样的作品，为什么罗斯科简单地涂抹了两笔颜料，却引起了整个艺术界的轰动与随之而来的变革。主要原因在于，我们未能让学生更好地了解形式主义中的平面性问题。那么，通过对马奈作品的分析，尤其是将其与同样构图形式的乔尔乔内作品放在一起，这种视觉冲击性显而易见。通过这种并置，学生能够知道，即便是最具先锋性的现代艺术，其实也有传统艺术的根源。如果我们无法对其进行阐述，只是因为我们不懂。

通过这样的分析，学生可以大致了解形式分析的一些要素与方法，同时也可以将此带入到自己的日常生活当中，去发现我们平时认为理所当然存在的美。我们当下的很多经典设计，其实也和形式分析紧密联系。因而，通过相关策略的运用，学生可以将或许有些枯燥的课堂内容与身边熟悉的事物联系在一起，既增加其对美术鉴赏课程的兴趣，也激发起运用所学知识去生活中发现美、感受美的兴趣，从而让美术鉴赏课程在视觉文化社会中产生理应产生的教学效果。

鲁迅作品细节描写鉴赏 第7篇

对于重要细节的鉴赏或作用分析一般从下面几个方面进行讨论: (1) 对主题的表达作用, 其作用主要是点题或突出主题。 (2) 对塑造人物形象方面的作用, 或是发展了人物性格, 或是表现了人物性格, 或是表现了人物的心理, 或是表达了一种感情。 (3) 对故事情节的作用, 一般是推动了故事情节的发展。

要注意:在分析重要词句的作用时绝不能把词句分割开来孤立地去理解, 要把它们放在一定的语境中去理解, 去玩味, 才能真切地感受到它们所包含的特殊的文学意味。因为在文学作品中, 任何言语的义变都离不开一定的语境。一部文学作品的言语是一个有机统一的系统, 其中每一个词句都与其他词句处于不可分割的联系之中, 都有自己赖以存在的特殊语境。索绪尔指出:“语言既是一个系统, 它的各项要素都有连带关系, 而且其中每项要素的价值都只是因为有其他各项要素同时存在的结果。”就是说, 在言语中一切都是以关系为基础的。它们纵横交错, 构成了一个复杂的关系系统, 其中任何一项要素都是在与其他要素的关系中才确立其实际的意义和价值的。

在对细节描写进行鉴赏时, 要注意对细节中人物的神态和语言进行分析。

如《故乡》中的一段描写:

他站住了, 脸上现出欢喜和凄凉的神情;动着嘴唇, 却没有作声。他的态度终于恭敬起来, 分明的叫道:

“老爷!”

我似乎打了一个寒噤;我就知道, 我们之间已经隔了一层可悲的厚障壁了。我也说不出话。

主子听奴才叫“老爷”, 是受之泰然的。但是, 这里的说话人闰土叫出的这句似乎简单平常的话 (即文本) , 何以给受话人“我”以如此巨大的影响, 也给读者以强烈的冲击?单从这句话的文本结构入手还是无法回答的, 必须将这一文本纳入语境中去领会。“非常难。第六个孩子也会帮忙了, 却总是吃不够又不太平什么地方都要钱, 没有定规收成又坏。种出东西来, 挑去卖, 总要捐几回钱, 折了本;不去卖, 又只能烂掉”他只觉得苦, 却又摆脱不了苦。20年每况愈下的生活, 使他由鲜蹦活跳的少年变成了沉默寡言的木偶, 变成了循规蹈矩的奴隶, 以致把“老爷”这个称号恭恭敬敬地奉送给从京城归来的少年时期的“迅哥儿”。而“我”不仅“似乎打了一个寒噤”, 而且由此感受到彼此之间“可悲的厚障壁”, 以至心如刀绞而“说不出话”。可见, 正是在这个特定语境中, 闰土的这一声“老爷”才展示了他灵魂中令人颤栗的巨变, 才对“我”产生了惊心动魄的震撼。

在对细节描写进行鉴赏时, 要注意对细节中表现人物动作的动词及其修饰副词结合, 进行分析。

又如《风筝》中的一段描写:

我在破获秘密的满足中, 又很愤怒他的瞒了我的眼睛, 这样苦心孤诣地来偷做没出息孩子的玩意。我即刻伸手抓断了蝴蝶的一支翅骨, 又将风轮掷在地上, 踏扁了

《风筝》一文中, 我们可以看到, 当“我”发现弟弟没有按照“我”的意愿好好去读书, 而是“苦心孤诣地来偷做没出息孩子的玩意”时, 愤怒之情终于不能自已, “伸手抓断了蝴蝶的一支翅骨, 又将风轮掷在地下, 踏扁了”, 这里“伸、抓、掷、踏”四字, 将“我”愤怒之下的横蛮无理的粗暴行为活现在读者眼前, 也表现了当年的“我”因受封建礼教的影响, 从关心弟弟出发, 以兄长的身份毁坏了弟弟的风筝, 理直气壮形象, 为后面的悔恨作出了铺垫 (二十年后, 偶尔看到了一本外国的讲论儿童的书, 才知道游戏是儿童最正当的行为, 玩具是儿童的天使。当年自己的脚不仅是践踏了一只风筝, 而且还践踏了一颗幼小的心灵, 是对小兄弟的精神虐杀!此刻, 他才知道自己当年的做法是错误的) ;同时作者运用了三个很有表达力的副词“很”、“即刻”、“又”。“很”表示愤怒之极, “即刻”表示愤怒之情驱使下的伸手抓断蝴蝶的一支翅骨的这个动作之快, “又”表示动作的重复, “伸手抓断蝴蝶的一支翅骨”还不足以解除心中之恨, 还“将风轮掷在地下, 踏扁了”。

中学美术的鉴赏教学 第8篇

一、教师应提高自身的艺术素养

美术鉴赏课在具体的要求上,比美术欣赏课要更高一些。也就是说,教师要通过教学,使学生们不仅能欣赏一些古今中外的美术作品,同时也能运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并能理解美术作品与美术现象。因此,作为一名美术教师首先就要提高自身的艺术素养,提高这方面素养的方法主要有两点:

1. 要通过阅读美术理论、美术史、美学等方面的理论著作或学术论文,提高对美术学科的认识。如教师要想弄懂“什么是美术”这个具有探索性的问题,必须通过查找资料、阅读文献来获得。

2. 从多种渠道接受美术信息。美术教师应该经常参观美术馆、博物馆所举办的展览,除了关注经典美术作品外,还应该关注当代美术的发展动向,了解当代美术的特征,从中学会鉴赏,学会评论,以加深对美术的理解。也可通过上网查阅,获得各类美术信息,以开阔自己的艺术视野。此外,还应积极思考,加强交流,在与他人思想火花的撞击中不断提高自身的艺术素养,以迎接高中美术课程改革带来的挑战。

二、教师要改变以往的课堂结构

传统的课堂结构是由“组织教学一检查知识一讲解新知识一巩固新知识一布置作业”五个环节组成的,这五个环节,每一个都离不开老师的参与,学生的一切活动都是在教师的“精心导演”下完成的。这种以教师为中心、重教不重学的教学模式,对于以应试为目的的传统教育来说或许是有效的,但对于美术学科来说,实在是过于死板。因此,根据美术本身所具有的特点,应该变“以教为主”的课堂结构为“以学为主”的课堂结构,建立“赏、问、议、讲、练”五个环节(这五个环节互相之间并无固定顺序,可根据实际需要进行优化组合)相结合的新课堂结构模式,充分发挥学生在学习中的主体作用。在这里,“问”可以是教师问,也可以是学生问;“赏”是美术教学中必不可少的环节,它是提高学生审美能力的主要方式;“议”指的是学生在自学过程中针对所发现的问题进行讨论;“讲”,指的是教师有针对性地讲解;“练”,指的是课堂练习,这在美术课堂中是最为重要的环节,一般都穿插在教学过程中。

三、教师要采用多种方式表达对美术作品的感受和理解

美术鉴赏是运用感知、记忆、经验和知识,对美术作品进行感受、体验、联想、比较、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品意蕴的活动。在以往的中学美术鉴赏教学中,一般都是以教师的讲授为主,这种单一的教学方式,对提高学生的能力十分不利。往往一堂课过去,教师讲得满头大汗、口干舌燥,学生听得筋疲力尽、昏昏欲睡。学生根本没有机会主动表达自己对作品的感受与理解,因此,教师要多多运用讲解、讨论、比较等方式来开展美术鉴赏教学;鼓励学生用文字描述、表演、造型等多种方式表达对艺术作品的感受与理解;鼓励学生在学习过程中,利用计算机技术和国际互联网资源主动地收集、筛选、分析、整理视觉图像和相关背景资料;组织学生利用美术馆、博物馆、当地的艺术作坊等文化资源和自然资源,开展参观、调查、考察等活动;以及鼓励学生在学习中运用合作性与探究性的学习方式等等,都是为了保证能把学生自主性、探索性的学习落到实处,促进学生积极主动地学习。

四、教师上好美术鉴赏课的几条原则

1. 要将重点放在学生身上。

教师的任务不是教会学生理解某一件艺术作品,而是为学生提供机会,加深他们对作品的理解。这种对作品的理解能力是不能教会的,只能通过不懈的努力获得。

2. 要注意平时的搜集整理。

在进行中国民间美术鉴赏的教学时,可要求学生到农村、街道去搜集旧的年画、剪纸、民间玩具、草编、竹编等,从报纸杂志上搜集有关图片资料,并按类别、作者、创作年代、风格等整理出来,加以文字说明。同学们在搜集过程中能亲眼见到民间艺人熟练的剪纸功夫,不用草稿,一幅洋溢着喜庆气氛的《五谷丰登》和一幅生动活泼的《喜鹊》便跃然纸上。还有质朴自然的草编的虫、鱼等玩具;皮影戏和春节期间张贴的年画等等,这些都是最生动、最有说服力和感染力的教学资源,学生不仅能获得甘醇如美酒般的民间艺术的熏陶,而且可以被劳动群众的质朴、热情和醇厚的情感深深打动。

3. 举办展览,为学生提供一较高下的机会。

当学生意识到自己的作品需要修改时,说明他们遇到了困难,这时教师可以挑选一些在题材、风格和作用等方面有相似之处的作品进行展览、比较。

总之,美术鉴赏教学可以利用的方法有很多,我们在教学过程中不仅要善于启发学生的真实感受,引导学生联系自己的生活经历和审美经验去分辨真、善、美与假、恶、丑,而且还要努力培养学生勤于动脑、善于总结的习惯。只要用心,教师一定会创造出多种多样符合学生年龄特点的教学方法来的。

美术作品鉴赏 第9篇

美术鉴赏不同于一般意义上的欣赏, 鉴赏是侧重于对美术作品的体验、感受、判断、想象和再创造的过程。《辞海》 (1989) 中将“鉴赏”定义为:“ (1) 犹如鉴识; (2) 人们通过特定的媒介 (或语言之于文学;音乐旋律之于音乐等) 与艺术形式, 逐步运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断, 获得审美享受, 并理解美术作品与美术现象的再创造活动。鉴赏既受作品本身特性的规范;又调动鉴赏者自己的想象力, 因而具有再创造的性质”。因此, 美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断, 获得审美享受, 并理解美术作品与美术现象的再创造活动。

美术批评是在美术鉴赏活动中的一种积极的探究方式, 探究意味着积极地调查研究, 意味着对所审视对象的好奇心和穷追不舍的精神。就美术作品而言, 探究意味着以鉴赏者的文化背景、文化态度对作品进行的解读活动, 从而实现对作者创作意图的理解;其次是在欣赏过程中主体发挥主观能动性而达到对作品的审美理解以及个人意义。个人意义可解释为两个方面:鉴赏主体对作品的评价和作品对其个人的影响。

美术鉴赏是一种创造性的活动, 有利于培养学生的创造力和想象力。毋庸置疑, 这种能力的培养是一个缓慢而复杂的过程。它对于一些学生来说甚至是困难的, 因此需要应有的帮助。美术批评正可以提供这种帮助, 它们来自美术批评在鉴赏教学中赋予学生的洞察力、敏感性和对艺术真诚的关注, 来自一种发自内心的, 要激发、引导并提高学生审美能力的责任感。这与上述美术鉴赏的释义不谋而合, 两者在本质上是一致的。通过美术鉴赏既应让学生理解美术作品所负载的丰富的内涵, 又应让学生知道如何运用美术批评传达对作品的思想情感和观念。

二、高中美术鉴赏课及美术批评的目的

“美术鉴赏”是普通高中阶段美术科目的学习模块之一 (绘画雕塑、设计工艺、书法篆刻、美术鉴赏、现代媒体艺术) , 是在义务教育阶段美术课程中“欣赏评述”学习领域的基础上的拓展与延伸。在2003年实施的《普通高中课程标准》中指出:通过“美术鉴赏”模块的学习, 学生能够: (1) 积极参与美术鉴赏活动。 (2) 懂得美术鉴赏的基本方法, 恰当使用美术术语 (如形状、色彩、空间、材质等) , 以自己的观点采用一种或多种方法描述、分析、解释和评价艺术作品, 并与他人进行交流。 (3) 运用多种方法或利用现代信息技术收集美术的有关信息。 (4) 知道中外美术的主要风格、流派, 描述中外美术发展的大体脉络。 (5) 理解美术与自然、社会之间的关系, 在文化情境中认识美术。 (6) 热爱祖国优秀的传统文化, 尊重世界多元文化。

通过课标关于成就标准的规定性内容, 我们可以看出美术批评被视为鉴赏教学中的一部分。美术鉴赏教学不仅仅是获取美术知识、培养审美能力和创造力, 还注重学生批判性思维、批评能力的培养。通过运用恰当的美术术语对美术作品和现象进行评价, 达到开展美术批评的目的。

基于多学科为基础的艺术教育角度, 沃夫尔谈到艺术批评 (美术批评) 的目的:提高学生的艺术意识, 艺术能够让他们认识到提高生活质量, 丰富生活意义;培养学生的审美敏感性, 并最终帮助他们通过艺术充分发挥自己的才能。其实, 美术批评还有助于实现艺术的其他的教育目的。美术批评强调在美术鉴赏教学中对美术作品的单个鉴赏, 努力使学生的审美体验感到更自由, 对自己的能力更有信心。此外, 通过广泛的接触美术批评, 学生可以形成自己的评价标准, 这不仅在鉴赏他人作品作品时大有帮助, 同时也可以作为衡量自己在艺术方面进步的标准。

三、美术批评与美术鉴赏教学的融合

随着教育部在高中新课程改革中把高中美术鉴赏列为高中美术教学模块中必修课程, 并要求学生修高中美术鉴赏课学分的举措, 高中美术鉴赏课在各个学校开始受到普遍重视。但是在长期的美术教学过程中, 大都是以美术作品的随堂欣赏为特点的美术鉴赏教学, 而能够比较好地驾驭这门课教学的优秀美术教师相对少一些, 而且许多地区美术教师的美术理论修养及欣赏课教学能力相对薄弱。其次在课堂教学中, 仍然以老师的讲解贯穿教学全过程, 缺乏以学生为主体的鉴赏活动。一方面, 在教师的讲解中, 有偏重于美术家的介绍, 偏重于作品题材, 主题及社会影响的介绍;另一方面, 教学内容偏重美术史, 轻视美术批评。其结果是, 学生听起来枯燥, 老师也讲得乏味。这种教学模式致使鉴赏教学停留在表面, 忽视了批评能力的培养。

改变这种鉴赏教学模式, 使美术批评真正的融入美术鉴赏教学, 让学生学生真正成为一个鉴赏活动的参与者、体验者和批评者。

首先要对美术批评有一个正确的认识。长期以来对美术批评存在一个误读, 尤其是“批评”二字, 无论是老师和学生都容易停留在词义表面, 这样就容易将美术批评导入一个误区, 认为美术批评就是对美术作品做一个否定性的判断, 即对作品做一个“好”或“坏”和“真”和“伪”的判断, 将美术批评视为了一种仲裁活动。实际上批评不仅是一个评价过程, 还是一个学生体验美术作品的过程。学生在进行美术鉴赏时, 能够更深刻、更细微、更有意识的地观看和倾听艺术作品, 并享受其所带来的感动和愉悦, 以及能够用语言表达这种感动和愉悦, 能够将感受与其他有相同意向的人交换意见时产生的愉悦。

其次, 美术教师要具备将批评家的批评用教育的语言来解读的能力, 而不是将他们的批评作为对美术作品评价的标准。艺术批评家所讲授或撰写的东西往往会引起教师的兴趣, 在课堂授课过程中教师将其内容直接引入课堂, 并将美术批评置于专业化的高度, 使其批评成为一个教学评价标准。我们总是将批评权赋予专家, 而欣赏者只能跟随专家的批评来欣赏。离开了专家, 欣赏者似乎不能进行有效欣赏, 究其原因, 多半是欣赏者批评意识的缺失。批评不属于批评家的专利, 它可以为一般读者所拥有。虽然专家的批评并不为一般欣赏者所企及, 但可以通过参与批评能缩小与专家的距离, 从而提高欣赏的质量是毫无疑问的。有欣赏活动就应该有批评活动;每个欣赏者都可以成为一个批评者。

第三, 根据帕森斯的审美发展阶段的研究, 处于青春期的高中生, 其审美处于表现性阶段, 对作品的判断带有强烈的个人情感, 依据个人经验, 没有建立对意见一致的可能性和重要性的确认。依据这一理论当我们重新审视新课标中“以自己的观点采用一种或多种方法描述、分析、解释和评价艺术作品”时, 在这种模式给予美术批评以极大的发挥空间, 充分的调动学生的主动性, 敏锐的观察、恰当的联想使学生参与到鉴赏活动中。美术批评被构建成一种活动, 在这一活动中欣赏主体以自己的经验对作品作出应对。那么我们就要承认每个人的视角具有相对的合理性, 在对作品鉴赏过程中学生的“偏见”是不可避免的。既然每个人的视角具有相对的合理性, 那么尊重学生的“偏见”是一种基本的教学策略, 通过这一策略才能把教学引向预期的目标。总之, 鉴赏力的形成是基于学生的偏好, 是各种趣味之间碰撞、妥协、互补、选择的产物。回避或排斥学生的偏见, 就意味着放弃教学的切人点。当然, 尊重并不等于无原则的认同, 它更像是一种接纳或邀请, 即教师以宽容的姿态去包容学生的“偏见”, 为每个学生发表自己的“偏见”搭建平台。

第四, 让学生学会主动探究作品。在以往的教学中, 虽然也有类似“探究”活动, 但都表现为教师问、学生答的形式。“探究”是在教师预设的情境中进行, 它并不考虑学生探究的心理需要, 故这样的教学不可能使学生形成自觉探究作品的意识、态度和行, 美术鉴赏教学也就演绎成了图片的随堂浏览, 成为一种“走马观花”式的模式。批评教学是使学生积极参与感知、描述和评价作品, 随着活动的不断深入, 学生探究作品的意识不断增强, 形成了一种自觉。

四、小结

美术鉴赏不是简单地接受相关美术史论等信息, 更需要学生主体的积极参与对作品进行解释和批评。美术鉴赏的实质就是学习批评, 在作品面前让学生充分享有发表个人见解的机会, 在平等、沟通、协商的过程中构建审美经验, 最终引导学生去“发现”或用他们以为最合适的的办法“成为”自我。这样一种基于宽容、接纳批评理念一旦引入教学, 课堂上每个学生由接受者转为批评者, 他们在批评的过程中将不断发挥自己的想象力, 真正实现美术鉴赏的“再创造”。

摘要：美术鉴赏离不开美术批评, 有鉴赏活动就应该有批评活动;每个欣赏者都可以成为一个批评者。将美术批评的引入美术鉴赏教学, 使学生真正成为一个鉴赏活动的参与者、体验者和批评者, 实现美术鉴赏教学的价值。

关键词：美术鉴赏,美术批评

参考文献

⑴沃尔夫、吉伊根.艺术批评与艺术教育[M].成都.四川人民出版社, 1998.

⑵列维、史密斯.艺术教育:批评的重要性[M].成都.四川人民出版社, 1998.

⑶钟启泉.美术教育展望[M].上海.华东师范大学出版社, 2002.

⑷钱初熹.美术鉴赏及其教学[M].北京.人民美术出版社, 2007.

⑸杨先行.简谈美术欣赏的三种基本方法[J].中国美术教育, 2008, (4) .

我为美术鉴赏课定调 第10篇

一、范画导课

这是美术课用得较多的一种导课形式,上课时通过范画展示,能给学生造成一种视觉上冲击力,有利于激发学生的学习兴趣,集中学生的注意力。当然,范画一定要有代表性,如果是学生喜欢的,他们就会带着探究的目光去看,并产生疑问。教师要抓住关键性的问题进行解答,以此导入课题。如鉴赏达·芬奇的《蒙娜丽莎》时,展示一张意大利美女形象,学生会异口同声地说:“真漂亮!”接下来会问这美女在干什么,什么职业,性格如何,等等问题,这时教师只要用问题引导就可以了。要注意的是,千万不要直接把《蒙娜丽莎》拿出来,这样学生会说:“这不就是《蒙娜丽莎》吗?有什么好看的!”这样就无法达到激发学生兴趣的目的了。二、演示导课

演示法是教师最为直观的教学展示手段,有利于抓牢学生的注意力和观察力,对学生的思维运转起到了良好的促进作用。另外,教师个人准确无误的演示或示范,往往也是专业水平的展示,教师无形中树立了威信,使学生对教师产生敬佩感,并形成认真学习的动力。如《什么是美术作品》一课,教师一气呵成地用粉笔完成了范画《树木风景》,并讲解其审美法则以及构图美、落款美、印章美的知识和画家的情感,以此导出课题,从而激发学生作画的欲望,使教师在学生的阵阵赞叹声中完成教学任务。

三、观察导课

现代心理学将观察视为人们发现并获取知识的重要环节,是智力活动的一个重要组成部分,因此培养和提高学生观察能力尤其重要。教师可以以培养学生的观察能力为手段导入新课,从而帮助学生形成清晰的表象,明了事物的内在联系。如《追寻美术家的视线》一课,先让学生观察一棵树,说出如何才能画出自己对这棵树的感受。学生会说出很多,如从枝干的曲折想到曾经的风雨。当走出数学课堂看这棵树,会是几何形的;走出语文课堂看这棵树会是故事型的;走出美术课堂看这棵树是情感型的,等等。其实,画是心境的一种表达、是情感的一种抒发。以这样的方式导入新课,学生就能通过自身的强烈感受更深切地理解画家及其作品的情感了。

四、以旧拓新,承上启下的导课

上课时,可以通过对上一节课的内容做简单扼要的回顾来导入新课。这样讲课时能使学生把新旧知识串联起来,唤起学生思维积极性,达到巩固和加深知识的目的。如《从传统到现代》,就要回顾外国部分知识并和中国部分知识做比较进行讲解,绘画和传统的哲学思想分不开的,中国人的天人合一思想和西方唯心主义哲学观截然不同,但人的情感是相通的,复习中国绘画的发展对解析西方绘画有很大的帮助。

五、设疑激趣导课

“思源于疑”,疑能激发学生强烈的求知欲,提高学生学习的积极性。因此,教师在导入新课时如能巧妙设疑,就能紧紧吸引学生的注意力,促使学生的思维指向更为集中。同时在新课导入中设疑,也可增加学生掌握知识的乐趣。如《托物寄情》一课,教师提出这样的问题:梅、兰、竹、菊有什么样的生长规律?为什么会成为文人墨客抒情的对象?文学家是怎样用梅、兰、竹、菊来寄托情感的?还有哪些可以寄情的物象呢?这种导入可调动学生的思维并使其积极参与课堂的讨论与学习。

六、故事导课

寓意深刻而又幽默轻松的故事通过教师语言的渲染铺垫常常富有趣味,这也是学生乐于接受的导课形式之一。美术作品中的一些历史背景、传闻轶事,教师在教学实践中都可以作为故事来导入新课,以引起学生的关注。如讲述张择端和《清明上河图》的故事,导入画家对生活的体验,然后转入作品赏析,使学生在故事情节所营造的历史自豪感中步入课堂。

七、创境导课

“未入其文,先动其情”,在教学中教师可以通过创设情境来营造良好的学习氛围,调动学生的情感。这样导课,有利于激起学生的学习兴趣。如《变换的自然万象》,教师带领学生在校园花园长廊中真实地体验人与自然的关系,学生置身其中方能真正地理解不同的自然观,才能对课本中的“自然的再现、人格化的自然、西方的自然观、理想自然”有透彻的理解。

八、音乐、诗词导课

利用学生熟悉的歌曲、诗词来导入新课,也能调动学生的学习积极性,如用《青藏高原》这首歌导入中国西藏美术,用高尔基的《海燕》朗诵片段导入对俄罗斯巡回画派作品的理解,这样能创造良好的教学氛围,有利于教学的顺利进行。

九、多媒体手段导课

随着经济、科技的发展,利用多媒体手段的导入新课更能引起学生浓厚的学习兴趣,如影片、动画、网络视频等。如《审美自律》,先让学生看《兰亭序》短片,介绍作品的创作过程、情感的表达,然后导入新课教学,课堂气氛热烈,取得了较好的教学效果。

高中美术鉴赏教学心得 第11篇

作为一名美术教师，在教学工作中，对于“师师科主任，生生科代表”下的“激情课堂”教学模式还不是很了解。在教学中经过向经验比较丰富的老师请教，并且认真阅读了学校发的相关的学习资料。实践中不断地探索使我感觉到“激情课堂”教学的优越性。经过一学期的教学，我想从以下几点谈谈我在美术教学中的看法：

一、分析教材，找出亮点

美术这一学科不同于其他学科，它是集文学、哲学、音乐等学科为一体的学科，如绘画中的明暗就是利用物理学中的光学；绘画作品中的层次变化就运用了音乐中的节奏、韵律；美术中的书法就与文学有着密切的关系等等。

对于人教版的美术教材来說，图片较多，文字较少，从整体上来看，多是以问题的形式出现的，对于相关的知识讲解的不够系统。对于这些，我为了上好每一节课，提前认真的看教材，反复思考，从教材中找出亮点，也就是说从教材中找出学生比较感兴趣的知识点，进行搜集资料备课。这样既不违背教学大纲的教学要求，还可以拓展学生的知识面。

二、活跃课堂，生生参与

一个好的课堂要想活跃起来，就离不开全体学生的参与。在人教版的美术教材中涉及到了“欣赏-评述”、“造型-表现”、“设计-应用”和“结合-探索”等四个模块，这也是新课程中的要求。在平时的教学中根据这一要求要做到具体问题具体分析，如在“欣赏-评述”这一模块时，我给学生讲解怎样欣赏美术作品？怎样在美术作品中发现美？欣赏美术作品的方法步骤等等；在涉及到“设计-应用”这一模块时，我给学生讲解相关的设计方面的知识，关键的时候为了让学生更直观的了解这一知识，当场给学生演示等等。在备课这一环节，我设计一些比较感兴趣的问题，让学生参与进来，做到讨论中求兴趣，兴趣中求知识。从而调动学生对美术学习的积极性。

三、搞好评价，生生亲自操作

搞好评价是检测学生课堂中所学知识的尺度标准，通过它可以反馈学生在学习过程中所掌握的知识的信息。在教学中，我常常利用挂图，以直观的形式让学生亲自讲解、体验，使学生在讲解、体验中找到属于自己的东西。我给学生做好总结和评价，使学生在总结和评价中学到更多的书本外的知识。美术不同于其他学科，因为美术具有可操作性，直观性的特点。因此，在美术教学中遇到操作性的课题，我根据美术的直观性的特点，给学生当场演示和操作。随后学生以小组为单位亲自动手操作，如“美术字的写法”、“手抄报的制作”、“请柬的制作”等等，从而使学生在实际操作中更好地掌握所学知识。

四、在教学中进行反思，在反思中得到总结

反思是积累教学经验的主要阶段，在教学中进行反思能够找到教学过程的优点和不足，这就需要在教学中很好的进行反思。教学中，我常常反思教学过程中遇到的问题，并且把这些反思写在笔记上，从而使我的教学水平有所提高，经验有所收获。

五、不断加强自身的修养和知识的提高

美术包括的知识面比较广，在教学过程中难免会遇到一些问题，这就需要在平时的教学中不断加强自身的学习。在教学过程中，对于每克涉及到的知识点，我都是通过网络、书籍和相关的杂志等等资源上去搜集相关的知识资料，以拓展学生的知识面。努力的做到“给学生一杯水，老师要有源源不断的水”，从而使学生得到更多的知识。

论中国美术的鉴赏方法 第12篇

美术作品是一个无限的、在创造的过程。美术不仅是一个色彩斑斓的生活课题,也是一个博大精深的学术课题,它预示了一个民族文化的发展历程。在人类的物质生活和精神生活中都随处可以看到美术的影子。美术折射出人类意识形态的同时,还展示了科技的更新和换代。美术作品可以追溯到远古时代,人类的经济、文化、社会的变迁是通过图形流传至今,使现代人认识远古的社会,很多象形的文字也是通过美术的方式表现出来的。在校学生可以通过美术作品的展示来认识客观世界。

我国的美术作品有着悠久的历史、精湛的传统技艺和灿烂多彩的文化背景。学生可以通过大量的卷轴画、青铜器的纹饰、画像砖、画像石、敦煌壁画和民间的一些年画等,了解中国绘画的历史,同时认识民族的遗产,领略中国古代艺术美的氛围。

美术其实也是一种视觉感知的艺术,在欣赏美术作品的过程中,可以由表及里地欣赏美术作品,感受作品丰富的内涵,欣赏和谐的色彩搭配和唯美的艺术形象。这样不仅可以深入体会作者作品体现出来的人文情怀和思想感知,还让欣赏者在欣赏作品的过程中,达到一种视觉上和心理上的共鸣,唤醒对艺术的感知力和创造力。比如说北宋张择端的《清明上河图》,它所表现的就是宋代的经济、社会和自由贸易的情形,详细地展示了当地各个阶层的生活状况,对了解当时的政治、经济、社会和人文都起到了积极的作用。

2 美术教育的作用

2.1 有助于提高创新意识

美术鉴赏的意义在于,通过形、色和内容,达到一种赏心悦目和身心舒畅的作用,通过美术作品特有的结构和独特的表现、处理手法,揭示一种形象思维的特点,用一种敏锐和个性的眼光发现作品,发现一种独特的美。图像传递的就是信息,信息是头脑加工中的形象储存,会产生一种新的想法更有助于创新的意识。

2.2 有助于提高文化意识

为了更好地了解一个美术作品,就需要事先了解作品的历史背景和人文环境。这样不仅可以开阔眼界、提升发散思维能力、扩大知识储备,还可以了解历史文化、提高文化意识。

2.3 有助于培养人生观和价值观

一个美术作品一般都借用美术的形象,传递出社会的思想浪潮。美术作品的欣赏,培养了学生的道德品质,形成了一种良好的世界观和价值观。在观看美术作品的同时,可以了解真、善、美的意义,不断地发展和完善自我认知。

2.4 有助于提升审美的意识

美术作品的欣赏是通过普遍的艺术熏陶形成的,以一种感性的模式,加入了自己的领悟和感受所形成的。在心灵的洗礼之中,形成良好的审美和健康的价值观。这种潜移默化的审美熏陶,促进了人的和谐发展和综合素质的提高。

美术教育有益于提高学生的创造力,更好地培养学生的观察能力和审美的能力,提高学生的素质教育和综合能力,让学生受到了美的熏陶和一种精神上的满足。美术的鉴赏就是陶冶情操、净化思想,使身心得到美化,促进全面发展。

3 美术鉴赏的方法

3.1 与绘画技艺、工艺美术相结合

一味地欣赏美术作品,并不能很好地领悟一个优良的美术作品的内涵和精髓。适当的临摹作品,打破美术中纸上谈兵的规则,更有助于了解一个美术作品。比如,在鉴赏剪纸艺术和雕刻艺术时,可以让学生在欣赏和学习艺术作品后亲自临摹。这可以激发学生对探索美的追求,同时为今后的鉴赏学习做铺垫。

3.2 点、线、面相结合

“点”“线”“面”作为美术家去表达自我艺术美感的方式,往往与形、色、体、光等视觉上面的感知并存。视觉上运用了概括和提炼的方式,与抽象相联系,营造着自己的思想感知,在美术作品中占据了一个特殊的方式。对于这些能力的认知和培养,需要在大量的实践中去锻炼,这是美术作品鉴赏的一个重要环节。比如我国著名的绘画大师吴冠中的《山水》,主要由毛笔线勾勒出的,线条流畅、轻松自由,惟妙惟肖地体现轻重虚实的变化,具有鲜明的时代特色和抒情的意味;同时,富有感情的色彩。中国画的美学意义在于凸显出那种鲜明、生动和唯美,绘画出来的花、鸟、鱼、虫栩栩如生,活灵活现,朴质而唯美。

3.3 与当时的文化背景相结合

悲鸿有幅作品叫作《愚公移山》,这个小故事在徐悲鸿大师的笔下更具有时代的特色,画家用了不多的人物形象,造成了别开生面的一种群体效应,就是要呼吁全国人民团结起来,共同奋斗,打败日本帝国主义。通过这样的美术鉴赏,让我们会产生一种积极的爱国热情。由此可见,美术作品的思想境界产生了不可估量的作用。

美术鉴赏能全方位地提升人的素质和审美意识,有助于人文素质方面的养成。美术的鉴赏其实就是一种审美的需求,提高审美能力,更加细致地观察生活中的美。通过鉴赏大量的优秀作品,学生可以学习鉴赏方法、增加鉴赏兴趣,提高鉴赏水平和价值取向。

摘要：美术与人们的日常生活息息相关,美术作品的鉴赏不仅可以提高文化艺术的修养,而且对教育和培养人才产生有着积极的作用;同时还有开阔眼界、提高文化修养的作用。可见,美术的鉴赏更能促进了人的全面发展。

关键词：中国美术,鉴赏,方法,作用

参考文献

[1]卢辅圣.中国书画全书[M].上海:上海书画出版社,2009.

[2]陈高华.晋代画家史料[M].北京:文物出版社,1987.