服装业中的商业设计

服装业中的商业设计（精选12篇）

服装业中的商业设计 第1篇

商业设计与商业活动相关,商业活动离不开消费者需求,因此商业设计就要以满足消费者需求为导向;商业设计与设计相互交错,设计最初的意义与图案相关,所以商业设计与视觉传达紧密相连,总的说来,商业设计是指以消费者需求为导向目标,以视觉传达设计为手段,有计划地进行商业性的创造活动。商业设计每天都在影响着人们的生活,尤其是当下的互联网时代,从狭义上来讲,商业设计在电了商务中体现尤为突出。天猫近几年推出的“双十一”购物节、京东的“618”狂欢日通过前期的策划,进行造势,使得这种网购节日深入网购者的内心,许多人跃跃欲试,等着购物节的到来。笔者通过网上调查发现,网购节日一般在节日开始的前半个月左右甚至是一个月就开始宣传,并推出特定优惠信息,比如购物券的发放,通过玩游戏积攒积分以抵用物品费用,以及与购物网上相关的理财工具也一齐发力,像天猫分期和京东理财等。最引人注目的便是购物网站中网页的设计,如果和前些年网上购物刚兴起时的网页进行比较,会发现现在的网页设计更加人性化,色彩搭配合理,图片介绍处会有细节的展示,整体形象大幅提升,变得简单大方。商业设计在这场游戏竞争中起着至关重要的作用,第一商业设计在网购中为商家奠定了基础,用数据作支持,分析消费者的购买需求;第二商业设计为企业带来了丰厚的利润;第三商业设计通过品牌推广和营销策划使得现代企业更加注重形象和营销手段;第四商业设计的基本手段-制造时尚,使得服装业的快时尚步入高速发展的轨道。

二、商业设计在服装行业中的体现

服装自产生之日起,就一直扮演着多个角色。英国服装史家詹姆士莱佛认为服装的等级原则对应着端庄理论,吸引原则对应装饰理论,效用原则对应保护理论。服装的多功能与多角色使得其成为时尚的“代言人”。时尚能够引领市场的消费变化,进而影响到社会观念的变化。在设计史上,服装行业的香奈儿奠定了世界今日的着装方式。Zara与H&M等快时尚服装行业如今又引领另一片时尚的王国。

提起香奈儿,人们立刻就会想起经典的山茶花、5号香水、斜纹软呢料套装、菱格纹金屈链皮包、黑头双色鞋、人造珠宝等。香奈儿高雅简洁的格调,堪称独树一帜,全然摆脱了19世纪末的传统保守的作风,开创了一种极为年轻化、个性化的衣着形式,奠定了20世纪女性时尚穿着的基调。香奈儿时装所强调的廓线流畅、质料舒适、款式实用、优雅高贵,均被奉为时尚女子的基本穿衣哲学。香奈儿改变了时装的概念,使时装艺术真正迈入20世纪。她自己说:“我使时装的观念前进了四分之一世纪,因为我懂得如何解释自己的时代。”香奈儿由此创造出的着装方式影响至今,它给我们的生活带来了便利,解放了女性,使女性获得了更多的自由。在香奈儿缔造的时尚王国里,不仅仅是一种全新的生活方式,它已经成为现代商业设计的典范。商业设计的重点之一便是制造时尚、引领时尚,而香奈儿正是制造并引领了一个时代的时尚。商业设计与设计的区别便在于商业设计有着更强的适应性和灵活性,表现在:设计风格重复、循环的周期性;制造时尚的潮流性;将不同事物组合的媒介性;具备特殊技能的专业性;有明显经济回报的效益性;跨不同领域及门类的综合性;强占市场的竞争性等等。商业设计的特性主要表现在三个方面:一是制造时尚,二是品牌推广,三是策划营销。通过这三个方面将商业设计构成一个整体,并由此使企业的整体协调运转能力提高。这是现代某些服装企业缺少的元素,像企业VI系统的设计、品牌建设方面、定位等存在着同质化现象。商业设计伴随着社会经济的发展自身也在不断的升级,比如过去的一段时间是企业建设品牌的阶段,现在的企业多注重营销推广与时尚事件的制造,像天猫双十一购物节。

快速发展的社会经济同样催生出快时尚企业,发展迅速的便是西班牙服装企业Zara。1975年创办于西班牙的Zara隶属于Inditex集团的服装品牌,是全球第三、西班牙第一的服装企业。Zara认为,时尚服装的成功关键在于一个“时”字-速度,它能够将一件产品从着手设计到让顾客在商店、网站等销售渠道接触到的时间控制在12天以内,得到了全球时尚青年的青睐。不同于一般服装企业,Zara公司对于时尚的反应速度与一般的企业需要进行的流行趋势预测等不同,Zara更加注重的是消费者的需求,将秀场上的“时尚”快速复制到门店中,满足了消费者对于时尚的追求。Zara的产品设计模式被称为“三位一体”的商务团队,这“三位”分别是“设计师”、“市场专家”以及“采购专家”,由三者一起来确定设计款式。在一般的品牌操作中,设计师通常提前半年至一年左右的时间依据流行机构预测、时装发布等信息来进行流行的预测和新季款式的设计,并依次制订营销策略等,并在此期间进行样衣的制作和修改,而且中间会包括进行设计完善和修改的过程,因而从一定程度上延长了前期的准备时间。而Zara的快速反应模式之所以能取得巨大成功,就在于它能在流行趋势刚刚出现的时候就能准确识别并迅速推出相应的服装款式。Zara的成功并不仅仅在于他们对于时尚所作出的快速反应,在这背后是该企业的优秀的组织。

三、总结

无论是经典的奢侈品牌香奈儿还是快时尚企业Zara,均通过适合自己的发展方式应对着瞬息万变的经济与文化。服装企业中的商业设计更多的是体现在整体运作上,像Zara对于时尚快速反应机制。现在是快速发展的时代,传统的营销模式受到互联网的影响发生了巨大的改变,但是不会改变的是企业的产品与品牌等附加资产。现在的服装品牌多如牛毛,能做出自己风格的除了国外品牌之外,国内品牌近几年迅速成长,像白领。但是存在的问题大致是差异化不明显,风格与时尚发生冲突。解决这些问题的前提是把握市场动态,了解消费者需求。商业设计的关键便是制造时尚、引领时尚,并以消费者需求为前提。从企业内部来讲主要是企业的风格定位,企业外部是企业形象等的建设问题。只有两者统一协调运作,才能真正了解并运用商业设计。

参考文献

[1]传奇翰.墨编委会.时装[M].北京理工大学出版社,2011.

仿生在服装设计教学中的运用 第2篇

【摘要】创造性思维通常源于生活，设计过程中通常需要通过生活寻找与激发创作的灵感，细致的观察力能够为设计注入不同的灵感。因此在教学过程中，教师应当培养学生对于周边环境以及生活的敏锐观察能力，在构思时应当体现出自己鲜明的风格。文章主要针对仿生设计的概念以及特点进行分析，并对其在服装教学中的应用展开讨论，为服装设计教学提供一定的参考。

【关键词】仿生设计；服装设计；教学 0.引言

如今各个行业都可能会从生命系统的外观以及结构功能中得到启发，生命系统的外观与结构为现代服装仿生设计提供了广阔的发展道路。在服装设计领域掀起的“回归自然”以及“返璞归真”的设计理念，也是受到了生命系统的影响。形态亲切与符合自然生态规律的仿生设计由此而来，仿生设计潮流使以人为本的服装设计理念有了更加深刻的思想，不仅涉及到服装设计外在形式，还关注了内在感情的流动，属于一种感性与理性向交融的新型设计理念。

1.仿生设计的概念与特点 1.1仿生设计的概念

仿生中的“生”就是自然界客观存在的物质以及自然形态，通常包括了人类文明的各类产物与意识形态，例如自然界中的动植物表现以及人类文明创作的艺术作品等。而服装设计是在一定的社会以及文化环境下，按照人们的审美需求以及物质需求，运用特定的思维形式与审美原理，将设计构想通过绘画的形式清晰的表达出来，随后选择相应的素材通过科学的[1]剪裁方式，将设计实物化。服务装仿生设计通常是以自然界以及人类社会中的元素为参照对象的艺术表现形态。服装设计中的仿生设计属于仿生设计学的范畴，是以自然界生物的法杖规律以及自然的生态现象作为根本依据，以此激发设计灵感的艺术实践活动。此外，仿生设计还能够运用在服装设计的各项要素以及服装部件与细节中，属于视觉意识范畴。1.2仿生设计的特点

第一，仿生设计具有一定的文化内涵。服装仿生的文化属于服饰文化的一部分，其能够带来丰富的社会以及物质方面的艺术的内涵。服饰设计中仿生元素的运用通常是与社会的发展相联系，例如我国有一些民族人穿着本民族崇拜的图腾样式，如此便能够真实的反映出民族的宗教信仰以及审美倾向等文化。因此，服装仿生通常是用来表现人类的艺术审美以及这些宗教等多方面的文化内涵。

第二、仿生设计能够满足服装结构的需求。人们在选择服装的过程中通常会选择较为舒适的服装，而这样的舒适通常取决与服装的款式结构以及制作的材料。服装仿生设计就是在符合审美观以及服装结构的情况下进行模仿以及创新，例如茧形轮廓的服装具有较强的雕刻般的体积感，但从穿着方面看又存在多种轻松的特质。且当今的科技发展同样促进了面料的仿生设计研究，从生态环境的特殊结构等方面获得启发，已经取得了一定的成就。

第三、服装仿生设计具有一定的审美艺术性。服装是以穿着作为表达形式，选择合适的素材，巧妙的运用表达激发，艺术化的体现出设计者的思想实用化过程。而服装仿生设计是设计向自然艺术转变的阶段，服装仿生设计通常以自然形态为素材，充分的表达设计者的思想艺术个性，在此过程中，自然空间就能够成为外在的存在因素与人类的内在情感相融合，达到人与自然相统一的境界。2.仿生在服装设计教学中的运用 2.1选择参照物

在教学过程中，自然界的万物都可以作为参照物，教师可将仿生设计的灵感概括为以下几个方面。

第一、选择动物形态作为参照物。在教学过程中，教师可使学生模仿动物的形态设计作品，还可寄托设计者的情感。性服装设计的角度看，飞燕、鱼尾以及鸽羽等都可以为学生提供创作的灵感，主要运用得当，便能够赋予作品生命力，呈现出现代感与时尚感，带来一定

[2]的艺术感染力与视觉享受。

第二、从自然物态中选择创作元素。自然物态包括山水以及离子形态，可以以具象的形式存在，也可以以抽象的形态出现。例如世界时装设计大师大师洛朗在1977年设计的“中国”系列，就是以中国满清服饰以及建筑特点为创作的源泉，法国设计皮尔卡丹也曾经在中国建筑飞檐中获得灵感，设计了肩部高耸的女装。在教学的过程中，教师可多讲解一些相关

[3]案例，带领学生进入联想的环境，从中获得灵感。自然界中的物态不计其数，且形态各异，能够为学生提供源源不断地灵感，因此在教学过程中教师应当充分的把握这些元素，引导学生尽心创作。

第三、从植物形态中获取灵感。在教学的过程中，教师可对一些植物的形态进行仿生设计，甚至可以直接模仿，或者在植物形态的技术上进行一些改变，在借助创新理念赋予植物新的含义，然后与时装造型相结合，带给学生全新的视觉感受。例如教师可根据教材中荷叶的造型的灵感设计出荷叶裙以及荷叶领等，这些元素可广泛的用于裙装以及衬衫中，为女性增添柔美的感觉。此外，多层女裙设计就是受到了自然界多瓣花的启示，层叠的曲线能够为女性增添一份轻盈美。此外还有一些采用郁金香造型的裙装以及树枝造型的头饰等，都是从植物形态中获得的灵感。在教学的过程中，教师可让学生在课前做好准备工作，选择一种植物进行设计，并说明设计的原理以及意图，教师从中挑选出优秀的作品进行展览，提高学生创作的积极性。

第四、从自然界选择服装材料。服装材料是服装设计的关键要素，仿生设计可分为两个方面，第一是面料仿生，另一种是组织肌理仿生。面料仿生一般是利用自然材质，例如动物羽毛以及植物花果叶子等元素，将这些元素直接与服装设计相结合。服装面料的设计从出现至今，一直都与仿生设计紧密相连。目前较为流行的印染方式与编制手法是流行时装较为常用的面料，其能够表现出各种不同的自然界的肌理效果。教师在讲到面料选择的时，就可挑选不同的面料让学生进行了解，并按照自己的喜好选择面料，并做出成品。

第五、植物与动物想象中选择服饰配件。从植物以动物的形象作为服装配件装饰的起源较早，人们早期就会使用大自然的产物，例如兽骨、贝壳以及象牙等作为配饰。现代配饰仿生设计具有较强的趣味性，例如项链以及挂件的仿生设计通常有水果、动物以及植物等形象。在日常生活中较为常见的有西瓜、蝴蝶以及菠萝等动植物形象被运用在服饰配件中，鸭舌帽以及瓜皮帽也是由此而来。自然界给人类带来了不同的灵感，仿生设计可以说是人类与自然[4]界沟通的桥梁。2.2抓住事物的特点

再创作的过程中，任何的一种主题以及灵感都存在许多表现形式以及手段，加上表现手法与重点的不同，较容易造成混乱的情况。在仿生设计教学中，教师应当引导学生抓住生物形态与形状造型共同特征，从形、色以及材质等方面进行合理的变化，就能够设计出新颖的服饰。只要学生能够抓住事物的特点，就很容易寻得灵感。在教学的过程中，教师可为学生制定具体的实例，例如给出鱼的主题，让学生进行创作。首先应当让学生熟悉鱼的外形与生

[5]活习性，了解鱼的形态表现，以及与服装的联系。当学生找到了鱼与服装之间的联系后，就能够找到切入点。随后教师了引导学生将鱼的动态，鱼尾、鱼鳞以及鱼纹的色彩等特点运用在服装上，找到构思的方向。确定大概的设计方向并不是服装设计的全部，想要完成设计的工作，就应当按照设计构想去细化服装其余的部分，例如穿着与细节的处理、面料与色彩的搭配、裁剪的手法以及制作工艺等，当具体的细节完成后，才能够组成完整的服装款式。3.在教学中应当注意的要点

教师在教学的过程中应当尽量寻找并运用自然界的各类资源，以自然界中的生物作为服装设计的原型，通过服饰独有的语言与自然界相结合。另外还应当运用具体的实力去激发学生创作的灵感，激发学生的创作激情比对学生灌输知识更能够促进学生的快速成长。在教学的过程中，还需告知学生，任何的一个生物与灵感都不会只有一种表现形态，同一种物体，在不同的视角与情绪下，产生的思维与设计作品是完全不同的。此外，还应当告知学生注意切入点的变化，重点关注仿生对象与服装再行，以此培养学生从不同的角度观察以及思考的能力，如此便能够使学生获得不同的灵感，创作出更多内涵丰富，更具有生命力的作品。日本著名设计大师三宅一生的理念为，设计师应当多观察，正确的捕捉生物的动态，养成用心体验的习惯。在仿生设计教学中也是一样，只有在平时养成勤于观察，勤于思考的好习惯，才能够用探索的眼光去观察世界，从自然万物中获得更多灵感，创作出更多好的作品。4.结语

[6] 现代服装仿生设计的灵感均是从历史文化中获取的，是与自然融合的结果。服饰仿生设计实质上是从形式上唤醒了人们对于自然美感的视觉审美需求，此外，还满足了人们追求[7]自然美的心里需求。服装仿生设计主要集中了具象仿生与抽象仿生手法，由于服装通常是以人为主体，服装设计是为了装饰人类的整体形态，仿生设计能够直观的反映出人体的自然美感。因此教师在指导学生的过程中应当使学生遵循自然规律，在自然中寻找设计的灵感，捕捉设计的切入点，把握设计的细节，引导学生设计出内涵丰富且极具生命力的作品。【参考文献】

服装业中的商业设计 第3篇

关键词：服装图案；服装设计；元素

0 前言

服装图案是服装设计中的重要元素，服装设计依托服装图案来展现其中的美。服装设计的过程需要服装图案展现设计理念。服装图案的利用，多元素的利用，丰富了人们的生活美，展现人们的风格魅力。服装无国界，好的服装图案往往流传比较广泛。文化的因素利用在其中，展现的人物性格魅力也就不一样。不一样的服装图案，展现的文化内涵都不一样，服装图案一定程度上反映了人们对服装设计元素的需要。服装元素是服装设计的重要方面。

1 服裝图案的内涵

服装图案、服装款式、服装色彩、服装材料这四方面构成了服装的整体效果。随着社会的发展，没有图案的服装面料越来越少。人们在服装设计中采用图案，能够增强服装的艺术感染力，展现设计理念，体现时尚感。服装图案是人们对服装发展的需求，是一种装饰美。越来越多的服装图案融入现当代人们的服装面料中。可以这样说，服装图案是整个服装设计的灵魂，图案展现人们的思想，不同的图案表现人们不同的生活状态。中国的服装图案内涵，主要体现在传统服装图案中，不同季节和不同节日穿的衣服，设计图案都不同，这个是现代的设计方案展现出来的文化内涵的不一样。中国传统元素的利用，展现在具体的我国设计图案中。

2 服装图案在服装设计中的作用

图案在服装设计中的应用，主要有以下四种构成形式：点状构成、线状构成、面状构成、综合构成。服装图案能够展现服装设计的不同理念。点状构成是以局部块面的图案呈现于服装上；线状构成是以边缘或某一局部的细长形图案呈现于服装上；面状构成就是常说的“满花装饰”，它是以纹样铺满整体的形式呈现于服装上的；综合构成就是将点状、线状或面状构成综合运用在服装上的一种形式。

服装图案的展现方式不一样，呈现出来的文化内涵也不一样，对于整体的服装构成来说有重要的文化意义。文化内涵的变化形式不一样，呈现的文化内涵表现方式也就不一样。服装图案在服装设计中占据着重要的作用。文化内涵的交流形式不一样，呈现的文化内涵也不一样。

2.1 服装图案在服装设计中因形状不同，表现的生活方式也不同

在整个的服装设计中，因为特有的服装设计的图案不同，展现出来的服装的意义也就不同。比如服装设计中，采用正方形、菱形、花卉图案等，这些图案展现的是人们不同的日常生活方式，文化的内涵也就不一样。中国传统的旗袍多半采用的是花卉的图案。展现人们生活的形式不一样，表现艺术的形式也就不一样。人们的艺术追求，从服装的设计图案中展现了出来。

2.2 服装图案在服装设计的位置，决定服装款式

服装图案是服装设计中的重要元素。服装图案的具体位置，应该参照设计理念，服装图案决定服装设计的款式。顾客在选购服装的时候，应该注意服装图案按的完整性，追求服装款式的整体协调性。在服装设计中，服装款式主要在于图案在服装的位置不同。制作和购买服装的时候，要注意服装衣襟、衣领、袖口等位置图案的完整性。这要求各个部分的图案具有完整的协调性，突出服装设计的风格，不能分割开来谈，凸显服装整体的艺术美感。

2.3 服装图案弥补服装面料的不足，展现服装设计风格

不同的面料有不同面料的特点，服装设计师在整个服装设计中，利用图案弥补服装面料的不足，展现服装设计的不同理念，展现服装设计的立体美感。服装设计师利用服装图案美化人，直线的线条性图案具有显瘦的作用，这在很多服装设计中被有效利用。

服装设计师利用服装图案，满足客户的设计要求，展现客户的美感，这对于整个服装设计来说十分重要。

3 服装图案合理利用于服装设计

服装设计的理念往往与社会的发展离不开关系。不同的社会形势下，服装所需要的元素也不一样。中国是崇尚龙的社会，古代的时候以龙为尊贵的象征，严格的等级制度让服装图案的利用有了局限。只有九五之尊才能够独享龙的图案，龙是高贵的象征。

3.1 传统服装图案与现代服装图案相结合

传统的服装图案在现代的形势下，出现了落后的趋势，很多现代化的因素使得传统的服装图案退出服装设计舞台。中国的传统文化历史悠久，我国应该包容现代的文化内涵，使之与历史融洽发展，展现独特的民族特色美感，赢得世界的认可。对于过时的传统服装图案，可以再次利用，比如中国的旗袍改良就是成功的服装图案的改良。

3.2 合理采用现代元素

随着改革开放以及外国文化元素的入侵，中国国内的本土文化受到冲击。比如传统的服装旗袍、中山装等，被现代人淘汰，人们多半喜欢穿西服、洋装。中国本土的文化受到冲击，中国文化不再是社会的源泉，我国设计的方案展现出表现形式上的变化。合理地采用现代元素，摒弃传统服装元素中的不足，有利于中国服装走出国门，展现中华艺术美。

3.3 采用中西结合的方法

中国的传统服饰不能够满足人们对服装的需求，服装设计师应该参照中西方的服装元素，将中国的服装元素巧妙地和国外服装元素融合，展现出不一样的艺术美感。设计理念上的不同，展现的是文化内涵不一样的变化趋势。西方参加婚礼的时候，讲究的是礼服，如何在礼服中融入中国的传统服装图案，对现代的设计来说尤为重要。在中国的传统文化中，不同的服装图案代表着不一样的意义，牡丹、菊花、玫瑰等都意味着不同的寓意。中国传统文化中，不同的花卉图案展现人们不一样的生活状态，这些元素利用于西式的文化内涵中，占据着重要的位置。现在的文化设计理念出现了一些不同，服装图案不仅有植物，还有动物，人的活动也是一种寓意。

3.4 敢于打破常规设计理念

服装图案在服装设计过程中占据着重要的位置，服装元素的设计需要参考众多的因素，如当今的政治形势、经济状态、文化内涵等方面，综合性地抓住消费者的眼球。

如何利用服装图案打破服装设计中的局限，这个问题尤为重要。应该利用服装设计元素，具体展现文化内涵。

4 结语

服装图案在服装设计中的运用，提高了服装品位，展现了服装设计内涵。采用传统服装元素与现代服装元素相结合的手法，能够在无形中传播我们的传统文化，使得中国文化的内涵不断得到提升，中国文化的内涵形式不断得到发展，有利于中国的服装品牌走出国门，得到世界的认可。推陈出新是现在服装行业形成良好竞争的方式。

参考文献：

[1]孙成岗.装饰图案在服装设计中的创新运用[D].福建师范大学，2012.

[2]陈方芳.多梳拉舍尔棉蕾丝面料在休闲女装中的应用研究[D].江南大学，2013.

[3]白柳.吉祥图案在徽派职业服装中的应用研究[D].安徽工程大学，2013.

[4]杨慧雯.网络销售背景下的顾客参与式设计研究[D].东华大学，2014.

[5]杨萍.服装设计版权保护问题研究[D].华南理工大学，2014.

服装业中的商业设计 第4篇

作为一名舞者, 舞台服装是重中之重, 而舞台服装的美丑与否, 都设计到服装设计的方法。着手设计的最初程序是动手绘图, 设计方法是在服装设计中是重要至极的, 掌握服装的设计方法更是重中之重。

舞台服装, 顾名思义, 指的是舞台艺术表演时, 演员所穿的服装。而舞台艺术包含的门类很广泛, 主要有戏剧、曲艺、杂技、魔术、小品、音乐、舞蹈等等。因此, 舞台服装的范围要大得多, 其特点也不像戏剧服装那样相对单一、集中, 其主要区别在于:戏剧服装是角色 (剧中人物) 的服装, 而舞台服装则既有角色服装, 也有演员 (非剧中人物) 服装。舞台服装设计就是指为演员在舞台表演场所穿着的服饰进行的艺术设计, 目的是为了娱乐人们的生活和进行艺术欣赏。它具有塑造角色外部形象, 体现演出风格的重要作用。舞台服装设计要充分注意舞台服装的特点, 并予以艺术化的概括和创造性的创意。

作为舞台服装设计的根本属性, 舞台性的原则便成为了在进行舞台服装设计时所必须遵循的原则。通过舞台不同颜色、型号的灯光的照射, 舞台服装可以在颜色、亮度、视觉感应等方面呈现出变异性的特征。比如说, 当舞台灯光照射较为暗淡时, 舞台服装的颜色将会变得浓重, 反之当使用强光照射时, 舞台服装的颜色将会变得浅显等。此外, 舞台服装对于增强演员的舞台表现力方面具有十分重要的作用, 因此在设计时应充分考虑到服装颜色与整体演出内容、服装整体舞台表现力的协调性。例如, 颜色的搭配不能过于单一, 红色的主体服装上可搭配有白色的飘带等。设计者应将牢牢把握住五彩缤纷的理念, 将舞台服装颜色设计上的“变异”与“协调”两大理念完美的融合在一起。

舞台服装的设计源于生活, 在生活的基础上融汇了艺术的元素。因此我们可以将舞台服装设计称之为艺术化的生活服装, 艺术性便是舞台服装设计的又一特点。同时, 在设计民族舞台服装上还应根据演出题材的要求, 重点突出民族特色、个性。比如舞蹈《酥油飘香》, 就突出了壮族服装的特点;舞蹈《月光下的凤尾竹》的服装就突出了傣族民族服装的紧身、细腰、短袖的特点;还有朝鲜舞蹈《长袖舞》, 突出朝鲜族女性服装长裙短衣与男性服装肥裤的特点。

中国地大域广, 所谓“五里不同风, 十里不同俗”, 故而艺术具有地域性差别及特点。苏州评弹的吴侬软语, 东北二人转的火热幽默, 都提现了鲜明又强烈的地域化特色。舞台服装设计也要懂得这个道理, 在地域性上狠下功夫, 通过地域性充分体现其艺术化特征。这方面成功的例子很多, 如小品《红高粱模特队》的服装设计, 男子群舞演员的皮帽皮袍与女子独舞演员的鲜红色服装, 就极富东北农村服装的特点。再如话剧《金大班的最后一夜》中女子穿的各色旗袍则充分显示出上海滩上的东方神韵。

舞台之上是人在演绎, 每个人都有不同性格与角色, 舞台服装的设计也是其角色演绎的一部分, 以艺术化、舞台化的舞台服装来增强观众的视觉、语言感官。因此舞台服装的设计要突出演员的角色特点和性格特点, 要使服装为人物性格服务, 为塑造人物的外部形象服务, 充分体现“人是衣, 马是鞍”的美学精神, 又要给观众留下深刻的印象。

虽然舞台服装设计与生活服装设计都以人为设计主体, 但是舞台服装和生活服装在对于人的活动形式的表现形式上存在着明显的差异, 因此两者的设计要求也存在着差异性。往往在开台演出前, 演员的服装与化妆是最早给观众带来评判标准的元素, 直接影响着舞台表演的成功性。舞台服装设计与生活服装设计的区别主要有几下几点:在舞台服装的设计上, 应有针对性的结合演出题材的风格进行颜色和款式上的提炼, 重点表现美观、气氛等艺术性;而生活服装设计则重视实用性和舒适性。舞台服装是表现舞台风格的一种媒介, 有利于强烈视觉美感的创造。

随着社会时代的发展变革, 人们的思维与意识形态正在逐步的发生着变化, 艺术美感日益深入到人们的价值理念中, 促使人们对艺术审美的追求日益强烈, 从而更多的促进了国际艺术的交流与发展。舞台艺术作为审美艺术的一种表现形式, 既丰富了人们的事业, 有陶冶了人们的情操, 在舞台艺术的快速发展过程中, 更不能忽视舞台服装设计的重要性, 舞台服装设计在提升舞台表现力、满足人们视觉感官需求的同时, 其所蕴含的艺术文化价值与商业价值也逐步被人们所发掘, 它是一个时代艺术发展的标志, 我们需要将它更好的完善, 更好的加以诠释, 让它更好的指导实践, 从而为我国舞台服装设计的发展历程中添砖加瓦。

摘要：舞台艺术是运用人体的动作去抒发情感的表演艺术, 在舞台上表演中, 为了恰如其分地表达情感, 舞台服饰的作用就显得格外重要。从某种意义上甚至可以说舞台服装是舞台表演艺术的灵魂。要呈现出好的舞台表演, 舞台服装的设计便成为服装设计师考虑的重点, 在设计舞台服装时, 服装设计方法便显得尤为重要。一个好的舞台服装设计, 需要将先进的设计理念与舞台表演高度结合起来, 兼顾艺术和设计, 让服装设计方法吸取舞台艺术精华, 展示出它的重要作用;让舞台艺术依托服装设计方法, 变得更加璀璨夺目。

论服装设计教学中的几个问题 第5篇

提到服装设计，现在很多人都能对此说出一二，不论是服装专业人员还是普通百姓。尽管他们看法不一，角度不同，但服装设计对于他们已不再是陌生的词汇。这说明人们对服装的认识越来越多，服装从其心理功能及其社会属性与人们的生活越来越贴近，今天的服装作为一个象征时代精神的行业，已被社会广泛接纳，而设计意识的增强则使服装具有了生命活力。

自八十年代初，随着改革开放的进程，世界范围的经济、文化、科学、技术对我国的全面渗入，服装设计这一新兴的文化形式很快受到国人的瞩目和青睐。各类层次的服装设计专业教育如雨后春笋般在全国各地纷纷建立起来，服装专业毕业生也陆续走上了工作岗位。这无疑是为我国服装行业的发展奠定了可贵的基础。然而，随着毕业生社会信息反馈，服装专业教育方面存在的一些问题也开始显露出来。

这表现在：专业教育重艺术，轻技术，重纸面效果，忽视服装的内涵本质等。由于许多院校初期的服装教学是由搞绘画艺术的美术教师或搞染织的工艺美术教师担任，学生所接受的训练多是美术基本功和服装画的描绘技法，而服装设计所涵盖的艺术与技术的内在联系没被更多地意识到。造成了学生只会画，不会裁，也不会做(特别是对有变化的结构)，无法使设计意图得到完整体现。进入九十年代，服装教学经过前一阶段的发展与反思，教学上有了较大改进，服装的制图、剪裁、工艺缝制的比重加大，对学生强调动手能力，学生的专业素质有了明显提高。

不过，对服装工艺技术的重视并不等于就是抓住了专业教学的本质，对于怎样能使服装设计中艺术与技术相互交融，仍然还是教学中所要探讨的一个主要问题。目前设计教学上，款式造型与结构设计相分离现象还较普遍。结构制图课教学仍然较多地注重在常规服装上，对于款式造型设计及所对应的结构变化分析缺少必要的教学环节。要确实做到艺术与技术的有机结合，笔者认为，应从以下几个方面去努力改进。

一、引导学生树立正确的设计观念

设计艺术与绘画艺术不同，设计艺术不仅具有绘画艺术形式的美学原理法则，更主要的它是以不同于绘画艺术的思维理念传达视觉形式并体现自身的实用价值。本世纪二十年代，德国现代建筑设计学校提出“艺术与工业技术相结合”，首创包豪斯体系，翻开现代设计领域新的一页［１］。由此，西方国家的设计艺术教育得到了迅速发展。在我国，设计艺术远比绘画艺术引进的晚，国内的设计艺术教育多年来一直受绘画艺术教育所左右，致使各类设计观念局限在绘画艺术的思维定式中。因而，在服装设计教学中如何处理好艺术与技术的关系，确立对服装设计本质的认识，将主导着教学的发展方向和思路。

时下，我国各类服装赛事频频，学生通过参与这些表演展示，自然是天阔了眼界，得到了锻炼。但由于这些赛事多数是注重体现创新的理念与艺术形式，具有先导性文化特征，与作为商品的服装尚有很大距离，故服装本身的内在品质性因素往往不被参赛学生所重视，以致时常出现学生参赛获奖，但却搞不好日常生活中的时尚服装，到企业也胜任不了设计工作，究其原因就是学生对服装设计的理解认识不够，对服装本身实质性的技术技能掌握不到位，因此这就要求教师对学生在专业认识上要给予正确引导。

一方面，提倡学生要有较强的创新精神和艺术修养，积极参与专业大赛，注重培养学生对形式美及前卫时尚的敏锐感受力，使其具有超前的设计意识、设计理念。另方面，要强调学生对服装本质的认识，立足于学习服装结构、工艺技术方面所表现出的美，做到用良好的美感形式体现服装的功能价值；以得体的穿着效果展示高品位的内涵，树立起正确的设计意识及理念。

二、改进绘画基础教学模式

服装设计作为设计艺术范畴，自然离不开绘画基础，绘画基础的训练不仅是为了画好服装画和设计图，还关系到对学生审美情趣和形式法则的培养。国内服装院校的绘画基础教学，以往沿袭的多是美术院校传统的绘画基础教学模式，由几何形体、静物到石膏像、头像，再到人体、半身像、全身像，由浅入深逐步进行的训练。

但服装设计的绘画并不需要如此缜密、严谨的基本功训练

一是时间不允许，因为服装绘画只是服装系统工程中的一小部分，大部分应该是对服装的造型及结构变化、裁制工艺等方面的研究。

二是服装绘画表现的是人与服装的关系，人是第一位。必要的人体结构知识，对物体结构、空间、质感等非光影效果的理性表现，以及大量的人体、着衣人物动势的速写等短期作业，则是绘画基础训练的主体内容。纵览国外大师、名家的服装绘画作品：洗练、简洁的线条运用；夸张、到位的结构刻画；概括并富于质感的衣料效果；常常给人留有深刻印象。

三、服装款式造型与结构的一体化教学

服装款式造型与结构的变化统一，在服装设计中是最关键的环节，也是服装设计教学中的主干内容。只会画纸面效果，不能依此产生合理的结构关系，设计是“纸上谈兵”，相反只学那些已定型的常规服装结构，而不能灵活变化应用，那么也不能算是学会设计。就象有许多老裁缝能把西服、中山装剪裁得很合体，但若按设计稿裁一些有特别变化的时装则感到困难。

服装设计教学的重点，就是要针对上述情况强化服装款式造型设计与结构对应变化的训练，掌握服装设计的主体核心。以此为目的的教学，从教师方面来讲，要求教师不仅要有较高的款式造型设计能力，还要有一定的服装工艺技术水平。这并不等于说设计教师必须要把服装做得如何如何精致，但对起码的缝制工艺要有所了解掌握，尤其是对服装结构的设计、分析，要有很强的能力。

服装业中的商业设计 第6篇

关键词：蒙古族；服装元素；影视服装设计

在我国国产影片不断发展的条件下，其在国际舞台中所处的地位也慢慢树立起来了，影片中的主角以及影片导演也逐渐得到了人们的观众，而影片中赋予角色魅力、增加影片色彩的服装知道以及服装设计者也同样受人瞩目。[1]可是我国在影视服装设计工作领域还只是在成长阶段，所以需要得到进一步的发展。在相应的影视服装设计中加入民族服装元素，可以增添服装的色彩以及影视剧的文化特点，有助于塑造影视中的角色形象，尤其是蒙古族服饰，受到了广大影视服装设计者的青睐，其已经形成一种独具特色的蒙古族服饰文化。

1 蒙古族服饰所具有的特征

蒙古族属于游牧民族，由于独特地域、生活方式以及地理条件的影响，蒙古族服饰主要包含有：帽子、袍、套裤、坎肩、鞋子以及腰带和靴子等。蒙古男装比较质朴简单，而女装不仅高贵华丽，而且典雅大方，同时线条十分明显。在服装上搭配色彩明丽的佩戴，可以使其更加精致。蒙古服装主要具有以小几个特点：

第一，豐富性。因为蒙古族地域非常辽阔，同时部落数量较多，风俗习惯种类繁多，所以其服饰种类以及数量也相应比较多，是促进民族文化具有多元化的基础。所以，蒙古民族服饰非常丰富多彩。

第二，华贵性。因为蒙古族属于游牧民族，所以搬家频率也非常高，为了便于携带财产，他们会把重要首饰都戴在身上，从而给服饰增加了一种贵气。

第三，文化性。蒙古族一般都会在袍子上绣一些图案，既能够体现民族特色，又可以将其独特地理风貌以及民俗习惯都通过各种图腾展现出来，使服饰具有蒙古族的独特文化特征。

第四，实用性。蒙古族服饰所具有的使用性能非常强，白天穿可以遮体装饰，晚上则可以御寒。因为蒙古靴子比较厚实，所以能够防止蚊虫叮咬以及被荆棘伤到。而腰带可以束紧腰身，抵御寒冷，同时因为蒙古族人民经常骑马，腰带可以避免内脏在颠簸中受到损伤。

2 蒙古族服饰元素

我国蒙古族的发展历史非常悠久，而在不同发展阶段都有其独特的生活习惯以及生活方式，经过长时间的演变，最终形成了具有自己特色的一种名族服饰。除了以上所说的几个特点之外，蒙古服饰在服装面料、绣花艺术以及款式和服装镶边等方面也具有自己的特色。

（1）面料。目前蒙古服饰里面使用最多的一种装饰材料就是库锦，库锦属于化纤面料，主要是通过聚酯薄膜以及各种金属图层进行防治而得来的。和传统锦缎、棉布以及皮革相比，库锦色彩更加鲜艳，而且价格也不高，更符合现代影视服装设计的要求。

（2）款式造型元素。蒙古服装主要是袍，袍的种类有：直身、断腰结构、连身以及短袍和大襟，同时搭配不同的坎肩等。[2]袍和坎肩具有一个共同点，都为H型。直身袍和我国传统服饰中的平面结构相似，在肩袖位置，服装的前后片是连接在一起的，袖子结构比较肥大，由于面料条幅的局限，服装的前后中心线是采用拼接的形式而制成的。对于蒙古袍下摆类型，主要分为两类：宽松、摆量不大。为了便于活动就会在下摆设置下叉；采用断腰结构的袍的下摆一般都比较宽松，袍腰会设置密褶，便于活动。蒙古袍从整体上来看，其造型特点就是宽松舒适，袍的款式特点主要是简洁流畅、艳丽多彩。

（3）镶边以及绣花元素。蒙古服饰里面非常传统的一种元素就是镶边，镶边的装饰位置主要有：衣领、衣袖、下摆、开衩以及大襟和垂襟等。镶边所使用的面料为：大绒、各种毛坯以及棉布和绸缎。对于乌珠穆沁袍来说，其所采用的镶边工艺有很多种，而且色彩非常艳丽。根据年龄的不同而采用不同的镶边工艺，通常情况下，袍服使用的都是三指宽大绒或者是库锦边，年长一点的人所穿的袍服主要追求的是素雅舒适，一般镶嵌的是一指宽黑大绒或者是青大绒。对于察哈尔袍服来说，一般都在袍的大襟、下摆边缘、袍领边以及领座和袖口位置镶边，同时袍身颜色和镶边颜色应该相对应，特别是在一些年轻女性所穿的袍服上表现得非常明显。对于阿鲁科尔沁皮袍来说，通常都会镶嵌青宽边或者是大绒宽边，而在绸缎袍上镶嵌相应的库锦边。

3 蒙古服饰元素在影视服装设计中的应用

（1）烘托出影视作品的主题。影视作品一般都具有特定的场景，所以影视服装为了与场景相融合，就必须重视影视服装设计，影视服装主要就是着力影视情节的构造，不仅可以表达文化所处时代背景，还可以给情节发展渲染氛围，服务于剧情，从而烘托出影视作品的主题。[3]例如，《成吉思汗》这部影视剧，因为蒙古服装本来是随着时代发展而发展的，所以每一特定时期蒙古服装都具有独特的特点。剧中人物的服装都是按照以前蒙古族的服装特色而设计的，主要是为了还原历史情节，剧中加入极具蒙古文化特色的服饰元素，不仅可以渲染故事发展气氛，而且可以将观众带入一个极具真实性的故事中。

（2）按照剧情氛围显示出人物特点。影视服装的主要作用就是为角色服务，人物造型中非常重要的手段之一就是服饰，可是每个角色和人物都应该处于相应的时间以及空间里面，而影视服装就可以将剧中人物所具有的属性恰当地表现出来。例如，《还珠格格》中香妃这一角色的服饰就的受到了人们的关注，因为香妃本身的地域差别，所以和其他角色相比，其在服装上有很大的差异。香妃的服饰属于蒙古族非常传统的服饰之一，这一服饰可以使香妃这个角色的人物形象更加深刻，同时也可以衬托人物本身所需要塑造的柔美、大方的形象。

（3）既与历史相符，有可以体现出时尚感。影视片里面的服装本身就代表着一部服装史，只要是影视，都应该反映故事发生的时代背景、社会政治背景以及当时民族文化特色和服饰文化，此外还要和现代审美观念以及时尚元素相符，就算是古典历史剧里面的服装设计，也需要在再现当时服装的基础上融入时尚元素。在以蒙古族为背景的影视中，为了塑造出理想的人物形象，可以加入一些具有时尚性的元素，如各种镶边以及绣花元素等。因为蒙古服装元素的特点是色彩艳丽、华贵美好，所以这些元素可以将需要刻画的人物形象放大，不仅吸引力了观众的注意力，其人物形象也给观众留下了深刻的印象。

4 结束语

民族服饰因为其所具有的独特性以及大方美观性而被广泛应用在现代服装设计领域，尤其是影视服装设计方面，为了满足影视中故事发展的背景以及塑造出人物特色而大量应用到了民族服装元素。蒙古服装作为一种应用非常普遍的民族服装元素，由于其所具有的丰富性、华贵性、文化性以及实用性，受到了广大影视服装者的青睐，不仅可以通过民族服装元素渲染影视主题，还可以深化人物特点，吸引观众的视线，使影视背景更加丰富多彩。

参考文献：

[1] 孟庆波.各族（民族）服饰元素在现代服装设计中的应用[J].文艺生活·文海艺苑，2013，14（4）：154.

[2] 辛昊霏.浅谈影视艺术中的服装设计[J].学周刊A版， 2013，45（2）：190-191.

服装设计中的褶皱艺术 第7篇

1、服装设计中褶皱的类型

褶是指面料按照一定的规律折叠所产生的纹痕,而皱则是面料表面紧缩和揉捏而形成的自然或随意的纹路。造型手法上有工字褶等设计形式。按照其形式与功能波形褶等,利用一定的方法三维立体造型的人工褶皱。

2、服装设计中褶皱的材料与工艺

尽管我们发现自然褶皱并充分的利用它,但是制作工艺考虑的范畴。

褶皱与面料的关系密不可分。例如要想褶皱柔和、飘逸则要选择悬垂感强的丝绸面料。但有时为了烘托特殊的美感又要用份量感较强的面料。而对于光感和触感优越的面料则利用其褶皱的光影变化。制作工艺的不同也会形成不同的褶皱装饰服装。

二、各时期、地域的服装褶皱类型

1、西方历史时期的服装褶皱

(1)西方古典主义时期的自然垂褶

西方使用褶皱的目的是突出人的体态和性别差异。褶皱使用源于古希腊、古罗马。但古罗马更强调地位的象征。CHITON和HIMATION是基本形式。形成没有刻意装饰的细节设计,以悬垂性的自然垂褶为主要特色。褶皱使得服装的美与人体的美达到浑然天成的境界。

(2)西方近代的矫饰风格的褶皱

东西方服装在中世纪后西方服装追求三位空间的立体构成时分道扬镳。西方强调垂直线感,流行纵向长褶的裙子样式,这与哥特式建筑向上升腾的垂直线特征一脉相承。

到了文艺复兴盛期,皱领和宽大褶裙流行。而巴洛克时期的17世纪,褶皱充满了刻意的装饰味。无论是领子、袖口还是裤角都用大量抽褶作为装饰。

到了洛可可时期,服装在华托式罗布中带翼的袖口被细丝褶边所取代。褶边与荷叶边褶皱装饰开始流行,这种设计不仅使得面料机理更加丰富同时也体现了人工修饰的独具匠心。

2、中国传统服装褶皱

(1)动态美的汉代留仙裙褶

中国传统服装崇尚自然形成垂直的褶皱。褶皱的运用不是为了强调身体的凹凸,而是在褶皱的衬托下身体以一种若隐若现的方式被呈现,会将人体显得很修长,这将会弥补东方人的娇小体型。“留褶”在中国传统服装中有着不可动摇的地位,历代妇女服饰都有褶皱的体现,这不仅是因为褶皱体现了中国传统文化的审美,更因为它是东西方服装的沟通点。其中动态美的汉代留仙裙是百褶裙的最初模板。

(2)华丽的唐代裙褶

唐代是我国封建社会中经济、文化都高度繁荣的时代,更是崇尚宽衣博袖,当时流行一种下摆呈圆弧形的多褶斜裙。

到了中晚唐时期裙子的宽度比唐初要肥大的多。盛唐之后,到了中晚唐时期,胡服风渐弱,这种特点更加明显。唐代服饰的褶皱设计,代表了一种华丽、大气磅礴的服装风格。

中国传统服装褶皱设计时,在尊重中华民族传统的审美观基础上追求华丽大气之美,像文人画那般追求意境而不强调褶皱的细节设计。

三、褶皱在现代服装中的艺术效用

1、服装设计中褶皱的艺术性与适用性相结合

无论何时,设计师都竭尽全力运用褶皱艺术来更好渲染其设计思想和创意。褶皱永远是时尚舞台中不可或缺的设计元素。立体与平面联姻后拥有良好的实用功能性和视觉审美性血统,由此可能产生深远和多样化的文化艺术内涵环境。褶皱的艺术性来源于层次感,是将平面的材料经过褶皱后呈现的视觉立体。褶皱具有多层性的立体效果和运动感且很强的装饰性。

现代简约风服装采用变化中又有秩序的层叠褶皱将面料二次再造从而改变其原有风格,使样貌平淡质感普通的面料化身成变化有趣、层次丰富、精细考究、充满活力的新风格。而现代前卫服装则通过运用大胆的褶皱设计营造出令人惊讶、梦幻的超现实氛围和变幻莫测的面料肌理感,在那看似杂乱无章的褶皱中传达出浓烈的超现实主义气息,给人们无限遐思空间。

2、综合材料在服装褶皱中的运用(1)不同彩色面料的结合

面料的肌理或者改良会使使褶皱的变化变得更加丰富,不同色彩面料间相互缠绕所呈现的褶皱美亦是美轮美奂。

(2)不同纹样的变化

服装褶皱也是服装独特的纹样,而这种纹样也有其独具一格的表现方式。根据不同的主题进行褶皱处理

(3)不同面料的变化

不同面料褶皱相互作用所出现的褶皱给审美疲劳的人们带来新的体验。有的褶皱始终是优雅和性感兼具的典范,被褶皱和缎带固定的礼服行走之间,总是散发着难以抗拒的飘逸律动的美

褶皱是融入了雕塑中的抽象美学的有着强烈硬朗气质的宽窄几何线条;而用丝带、蕾丝,刺绣等工艺手法处理的褶皱则体现出繁复的奢华感。

3、通过立体剪裁表现褶皱随性的美

立体裁剪是一种灵活性和塑形都很强的造型手法。这种造型手法为了贴合人体而做的褶皱呈现出一种随性美。

4、高科技材料表现出的时尚褶皱

当面料与褶皱在科技的撮合下一见钟情,一场塑造艺术感唯美故事便开始上演,富贵华丽的宫廷风,温婉的淑女情怀,不同褶皱都是一处不同的浪漫演绎。不断推陈出新的服用综合材质,促进了褶皱以及服装形式上的繁荣丰富。三宅一生的“一生褶”是高科技材料展现时尚褶皱最好的说明。他的褶皱可以像游泳衣一样扭曲和折叠和水洗甚至几小时内速干。这对于生活节奏越来越快的现代人,有致命的诱惑力。

四、结论

服装设计中褶皱的运用可以增加服装的审美情趣,丰富服装形式的多样性。通过研究东西方古代褶皱在服装上的运用,比较现今的褶皱形态,以及对褶皱结构、材料及制作的研究,结合功能主义与唯美主义,更好的运用褶皱来表达服装造型。针对性的褶皱设计,演绎着服装设计千变万化的视觉艺术效果和实用价值。可以为现代服饰设计提供宝贵的灵感来源和创作表现形式。

参考文献

[1]解构三宅一生的褶皱之美[JB/OL],瑞丽网.www.rayli.com.cn.2007-04-04.

[2]张乃仁.杨蔼琪,《外国服装艺术史[M]》,北京.人民美术出版社,1992.

[3]张并劬、练红,《褶裥在服装造型设计中的应用》,《四川纺织科技》2002年,第1期

[4]李当岐,《西洋服装史》,北京:高等教育出版社,1995年

[5]冯泽民,刘海清《中西服装发展史》,中国纺织出版社,2005年

[6]华梅,《中国服装史》,天津人民美术出版社,1999年

[7]叶立诚,《服饰美学》,中国纺织出版社, 2001年

[8]张星、周江,《服装造型空间特征与人体运动的适应性》,《天津工业大学学报》,2002年,第5期

[9]周汛,高春明,《中国古代服饰风俗》,陕西人民出版社,2002年

服装设计中的色彩应用 第8篇

红色, 是一种视觉刺激感强烈的色彩。它象征着生命、活力、热情等, 是一种积极的色。红色也由于其性格强烈、外露, 被认为是野蛮、危险的颜色。

橙色, 是使人兴奋的颜色, 是喜欢、跃动、活泼、华美的象征, 另外橙色还有疑惑、嫉妒、诈伪的表情。

黄色, 是光明的象征, 具有快活、活泼、希望、光明、明朗等含义, 但与橙色相比较, 则少带点轻薄、冷淡的性格。

绿色, 象征着永远、和平、理解、年轻、安逸, 有安全、新鲜的意思。绿色也有其不愉快的一面, 有邪恶、反派、霉变等的感觉。

蓝色, 是一种微带冷意而又沉稳的颜色, 给人以庄重、威严之感。

紫色, 是一种带有安静之感的色彩, 表示神秘、孤独、高贵、优美、惋惜的意思。但较暗的紫色会有低沉、迷信、烦闷的感觉。

色彩与心理的这种内在联系, 是每一位服装设计者在进行色彩应用时都需注意的, 忽略了色彩的这种心理反应, 不按照规律设计, 就不可能设计出让消费者乐于接受的作品, 甚至会适得其反。

二、服装色彩在生活中的意义

服装可谓是社会的一面镜子, 而服饰色彩也体现着人的审美情趣、思想意识的象征等, 在生活中有着不容忽视的意义。

1、服装色彩的审美意义

服装色彩是通过人体表现的一种审美形式。色彩的装饰目的不是装饰形式本身, 而是由装饰来美化人体。

2、服装色彩的标志意义

服装色彩在某种程度上反映了时代与社会的风貌特色。人们服色的选择, 在受到社会道德、文明、风尚制约与影响的同时, 又必然体现人们各自的社会地位及精神面貌。

3、服装色彩的抒情意义

服装色彩表明着穿着者的性格、身份、文化层次等信息。运用服装色彩时要讲究穿着的时间、季节、穿着的地点场合、穿着的对象以及穿着目的, 依此原则进行服装配色, 更能准确的传达穿着者的心情、品味和意图。

4、服装色彩的商品意义

服装通过色彩表现季节、类别和时尚流行等特征, 影响着人们的审美观念和生活体验。它既是构成服装商品的要素之一, 又是服装商品整体美的重要组成部分, 并作用于服装商品的销售市场。

三、色彩在服装中的应用

由于服装色彩在生活中有着重要意义, 也就使得色彩在服装上应用时要注意到穿衣对象的体型、种族肤色、性别年龄、穿衣环境、民族禁忌等方面。

1、服装色彩与人体

服装的主要功能之一就是美化修饰人体。对于标准体型来说, 可突出人的阳刚美、曲线美。但对于体型有缺点的人来说, 色彩尤为重要, 需要经过有意设计, 把体型不美之处加以掩饰和弥补, 以获得良好的外观效果。如胖人不宜穿使体型扩张的鲜艳色、宽条纹的服装, 而瘦人则相反。在有针对性的服装设计中要根据穿着者的体型, 利用色彩的视错纠正, 扬长避短。

2、服装色彩与种族肤色

肤色是呼应服装色彩美感不可忽视的条件, 因而要求服装色彩的配置既能对肤色起到加强和烘托的作用, 也能在体现肤色美的同时衬托出服装色彩美。在考虑肤色与服装色彩的协调和美感时, 一是求强烈对比的服饰色彩设计, 注意拉开两者颜色间的明度差、纯度差、色度差的距离。

3、服装色彩与性别年龄

由于着装者的性别和年龄的不同会产生对色彩的偏爱。一般男性喜欢冷色系, 女性喜欢暖色系的紫红红, 冷色系的绿青, 讨厌中间的黄橙、黄绿。儿童喜欢颜色鲜艳;青年人喜欢明快活泼之色;人到中年, 步入性格日趋成熟, 知识丰富的时期, 喜欢一些含蓄、对比柔和的色彩, 以显示修养和气质;老年人则喜欢庄重、大方的色彩。

4、服装色彩与环境

色彩学家认为服饰色彩与所处的自然环境有关。北方寒冷时间较长, 干燥多风沙, 因而北方人的服饰色彩沉稳, 如墨绿、深蓝等色, 以调节视神经对色感的补充需求;南方温暖时间较长、多水、一年四季有绿荫, 所以南方人偏爱色彩明亮浅淡。如白、天蓝等色。城市色彩丰富、强烈, 服饰色彩多使用灰色、含蓄的色彩;而农村季节性色彩明显, 冬天是单一的黄、褐色, 春、夏、秋又是单一的绿色, 色彩环境单一, 人们便追求浓艳色调, 于是服饰上多选用鲜艳的、较强烈的色彩。在夏季天气炎热, 人们追求清净、凉爽, 喜爱明亮色、单冷色及白色, 这些颜色对视觉无刺激作用, 令人感到舒适。冬季寒气袭人, 人们追求温暖、舒适的心理, 喜爱暖和吸热的深色系列。

5、服装色彩与民族禁忌

在世界上由于地域文化和生活习俗的不同, 以至于服饰色彩的选择上都有所禁忌。如汉族人多喜欢红色, 而黑、白色多在葬礼使用;法国人喜欢粉红色、含灰高雅色, 厌恶使人联想到纳粹军服的灰草绿色。因此, 作为一个优秀的服装设计者, 不能仅从本人对色彩的喜好入手, 必须要注意不同民族、不同国家对色彩的禁忌, 这样才能在服装设计中投其所好、成其所爱。

参考文献

[1]王蕴强:《服装色彩学》.中国纺织出版社, 2006.[1]王蕴强:《服装色彩学》.中国纺织出版社, 2006.

浅谈服装中的绿色设计 第9篇

关键词：绿色设计,服装,环保

随着世界经济不断发展, 现代科学技术的不断提高, 改变了人们的生活模式和价值观念, 促进了人类社会的发展和进步, 同时也加速了资源, 能源的消耗, 对地球的生态环境产生了巨大的破坏。现在, 人们绿色意识的迅速强化对服装的要求由传统的实用性、美观性、耐用性, 趋向更受重视的环保性、安全性、健康性, 在穿着上更趋向表现舒适、简约、自然的风格。绿色环保服装开始像绿色食品一样成为消费者关注的焦点, 绿色纺织品及其服装的消费将主导国际贸易的新潮流。那么, 如何进行服装绿色设计, 成为企业和设计师面前的新课题。

绿色设计G D (G r e e n D e s i g n) 通常也称为生态设计E D (Ecologicaal Design) , 它是在产品整个生命周期内, 着重考虑产品环境属性的一种设计, 这种设计在满足环境目标要求同时, 保证产品应用的功能。绿色设计针对产品的整个生命周期, 在整个生命周期中都把产品的绿色程度作为设计目标。

绿色设计应该具备以下条件:

1.材料的选择和管理。绿色服装产品设计时材料的绿色程度是第一位的, 对材料的选择不仅要考虑产品的使用条件和性能, 而且要了解材料对环境的影响, 选用无毒、无污染材料和易回收、可重新使用、容易降解的材料才能形成绿色产品。在选择材料的同时还应加强材料的管理。

2.服装产品绿色设计的初期必须进行环境成本分析, 以便能设计出总成本低的绿色服装产品来。还要要充分考虑其材料的回收可能性、回收价值大小、回收处理方法、回收再利用的结构工艺性等。

3.在服装制造过程中进行清洁生产和管理。要求全面控制整个生产环节给环境带来的负面影响, 这是实现绿色设计的必要条件。

4.推行服装的绿色包装设计。绿色包装设计一般包括包装方案和结构, 选用易处理、可回收重新利用或循环再生的环保材料, 如可降解的纸和可回收的维纶、丙维膜等材料包装服装产品, 一方面使服装产品具有绿色产品的整体形象和市場竞争优势, 同时, 弃后又不对环境造成污染。

5.运用绿色营销方法, 倡导大众绿色消费, 建立绿色消费市场, 促进经济的可持续发展。

6.建立和丰富绿色服装产品设计的数据库和知识库。库中应该包括产品生命周期中与环境、经济、技术、对策等有关的一切数据与知识, 例如服装的材料成分、材料对环境影响值、服装在制造、销售、使用过程中所产生的附加物及对环境的影响值等等, 在服装设计领域中, 绿色设计的表现形式主要有以下三种风格:

(1) 环保主义

环保主义设计风格主要体现在设计师对材料的运用上, 如何使被淘汰废弃物再生利用, 减少对自然环境污染, 积极开发和使用环保材料, 是环保主义设计风格的追求目标。主要有三种设计体现: (1) 利用废弃物作为主要素材来进行设计创作, 如把旧货市场中的过时材料或者是衣柜里的旧物, 通过巧妙构思重新加以利用, 以此表达对过去旧物的眷恋, 倡导节约理念。 (2) 直接使用新环保材料来表现设计, 利用新型环保面料作为主要素材诠释时尚。如Tencel纤维、彩色棉、生态羊毛、再生玻璃、玉米纤维等多种植物纤维都被应用于服装生产当中, 甚至连蒲公英也被用来取代羽绒作为填充材料。另外, 还有许多利用植物纤维如阔叶速生林, 香蕉叶、剑麻、亚麻、苎麻等制成的面料。这些新型环保材料的开发为实现绿色设计提供有力的保证。另外, 在环保主义风格设计中出现大量使用各种仿毛皮及有动物纹样的面料来取代野生动物真皮真裘的作品, 以此来呼吁人类停止杀戮, 表达设计师对环保的愿望。

(2) 简约主义

简约主义体现了现代人简单而高贵的生活理念, 设计思路包括材料运用的简单化、结构设计的简洁化及细节设计的精致化。从八十年代开始, 西方出现的简约主义设计风格, 就旗帜鲜明地反对铺张浪费, 提倡珍视自然资源, 减少对材料资源及能源的需求, 提倡节约。在服装设计中, 简约主义遵循“Less is More”的设计美学, 要求设计师在进行创造性思维时必须从最简单的前提出发, 用最为概括、提炼、准确的设计语言来追求服装的美感, 追求以少胜多, 以小胜大, 以较少的参与因素来追求整体审美力量, 尊重服装本身即实在的物质内容, 把产品造型简化至极致, 去掉空洞多余的形式。在设计过程中要以较少的参与因素来追求整体的审美力, 重“质”而不重“量”, 重“机能性”而不重“装饰性”, 要追求以最低限度的素材发挥最大的效应。

(3) 自然主义

这种设计风格主张人与自然的和谐之美, 提倡自然、淳朴的设计语言。是绿色设计的另一类风格趋向, 突出反映出生活在都市的现代人梦想回到自然中, 与自然融合的生活追求。在造型上, 其设计釆用自然、朴素的设计语言, 通过对服装物态的重新塑造, 如采用非构筑式结构、缠绕式结构、披挂式结构等表现形式, 体现人与自然的和谐关系, 体现人体的自然属性和大自然的恬静之美。在色彩上, 自然主义主张以自然色彩为主色调, 例如海洋色、森林色、天空色、泥土色等。

“绿色”是清新、舒适、健康、自然、和谐、美好的象征。保护绿色生态, 发展绿色产品, 享受绿色生活, 是2 1世纪人类倡导和追求的目标, 绿色设计是一种世界性的世纪潮流, 同时也是坚持可持续发展战略的重要环节, 作为服装设计师从现在起就必须具备这方面的知识与意识, 并为之努力, 以适应时代的发展的要求

参考文献

[1]康　辉:山东纺织科技.[M].山东纺织科技编辑部.1959.

服装业中的商业设计 第10篇

服装是反映社会变化的一面镜子,服装的潮流在人类文明的不断进步中也不断变化发展着。服装在发展中受到主流文化及边缘艺术的影响,经历了不同时期不同风格的变更,通过对解构主义在服装中运用的剖析,对现代解构主义思潮影响下产生的解构主义风格服装作出探析。

“解构主义”它从字面上理解为“分解之后再构成”。实际上“解构主义”是在服装造型上打破传统的固定的思维模式,颠覆服装传统,对服装结构进行重新解构和组合,采用不对称的裁剪、利落的线条以及独特的色调来进行设计,或是强调面料的独特性和混合性图案的拼贴等,演绎风格鲜明、标新立异、变化多样的服装形象,丰富了服装文化。多变复杂的解构处理与设计视角使服装充满张力,为服装的发展带来了新的活力,对服装的外在形象和内在结构等因素进行了高度理性化思考,达到了所谓的“形散而神不散”。

二、服装中的解构主义体现

服装从设计到完成,经历了把这种面料裁剪到最后的立体成品。而在本文中要探讨的解构主义是设计师在破除传统的同时,从历史、民族、街头、现代等各种不同的文化模式中汲取精华。通过服装造型结构、面料材质、服饰图案等的解构,对传统意义上的服装进行了彻底的颠覆。他们将服装作为表达感情的载体,使其演绎出千变万化的风貌。

(一)服装结构的解构

解构主义服装多变复杂的解构处理与设计,使服装看似没有形状,却是疏而不散,这种奇妙的东方文化赋予了服装神奇的魅力。解构服装摒弃了传统的服装结构模式,创立风格独特的服装结构,这种结构没有固定的模式,完全根据设计师的理解而定,不同的设计师对服装解构的表达形式也不同。

在东方以三宅一生和川久保玲为代表,他们以日本独特的文化背景为底蕴,摆脱了以往的设计成规,向传统的西式服装、欧式观念挑战。

在70年代三宅一生“一块布”作品以无结构的设计模式以及完全松弛的风格对传统意义上在不同位置收省的来塑造女性曲线的处理方法,是一次强有力的挑战。90年代初推出了褶皱设计,因为结构简单、穿着合身舒适、造型流畅的面料而征服了许多不同年龄和气质的女性,这种布满整齐紧密的褶皱面料被设计成变化多样的衣裙,贴体又没有束缚感。而“褶皱系列”也成为三宅一生的标志。三宅一生运用东方平面构成的观念,借鉴立体剪裁的方法,在服装设计中运用前开包裹型,挂覆型等包裹缠绕的直裁技术,一改过去西装各种精致的省道,衬垫工艺。通过掰开、揉碎、再组合,形成无结构的设计模式,开创了建立在东方传统制衣技术模式的解构主义设计风格。

川久保玲打破传统,从不同面料的不同质地作为出发点,在设计中采用多种不同布料,要么堆褶,要么包缠悬垂,去除多余而不必要的繁琐形态,在80年代推出的“乞丐装”就是充分表达布料的卷曲感。1997年她发布主题为“DRESS MEETS BODY”的春季发布会,“DRESS MEETS BODY”将服装和身体融合为一,结合成一种新的外形轮廓。打破了时装界的一贯模式。颠倒错乱的口袋,不强调肩线,注重多层次组合,围裹、抽折等细部处理方法及技巧,体现了不平衡感和层层叠叠的下坠感。

(二)服装材料的解构

服装材料,不仅是进行服装设计的物质保证,也是设计师表现自我的重要元素,不一样的服装材料,形成完全不一样的服装风格。服装材料的解构主义,表现为对服装面料的重新改造,打破传统用来制作服装材料的思维局限性,以新型的材料制作服装。

为了满足服装各种造型艺术的需要,各种不同的材料如:塑料、皮革、金属等被魔术般地裁切、拼合。大量的人工合成材料、木板、玻璃材质、纸等都可以用来制作服装,在处理方式上极度自由。通过贴缝、挂绣、拼合等方法在一块面料上添加不同的材质或是特殊的肌理,形成立体的有新鲜感的效果。此外还通过抽纱、镂空、刺痕等“破坏性”手法,使面料具有无规律感、怀旧感。设计师利用各种合成材料制作成服装,其形式构造背离了传统的服装面料,造成一种新奇效果,给人意想不到的视觉冲击力,将服装材料的解构发挥到了极致,让人们从截然不同的角度来审视解构主义服装。

(三)服装图案的解构

设计师进行解构主义服装创作时,要对面料的大量的素材进行重新剪辑拼接,他们大量采用各地区、各民族、各历史时期各流派的手法风格,使一些本不相干的图案加上不相干的样式之间的组合,用于服装设计中,将自己置于过去与未来、传统与前卫之间。不需要一个统一的图案主导,显示出解构主义巨大的包容性。

解构主义服装在色彩的运用上也不遵循传统的色彩审美习惯,以一种反常规的色彩运用在服装上。大面积的对比色、细小而复杂的色块以及多种不同的颜色可以同时在一款服装中出现,一反传统的服装配色理念,对传统服装的色彩进行彻底的解构。服装色彩与支离破碎的块状图案经过无规律的拼贴或者缝合。形成了无规律的错乱视觉感受。如威尔特范拜尔唐克的设计,他的作品充满了热烈无比的色彩搭配和具有强烈视觉冲击力的图案,如外星人、昆虫等带着视觉刺激的图像设计,使服装以全新的面貌展现于世人面前。

三、解构主义在服装教学中的实践与运用

服装解构出自解构主义这个现代主义现代设计中的新观念。解构的形成没有固定的模式,对服装解构主义不同的解构、表达方式也不尽相同。大学期间通过一些课程的学习,如面料再造、服装再造、立体剪裁等,在这些课程中似乎可以找到“解构”的痕迹。

随着社会的发展,纯粹的服装款式变化已不能满足人们的要求,服装材料革新与新创造为服装的发展带来了新的活力。在面料再造的学习中我们把原有的面料人为地进行加工再创造。通过运用加法、减法、综合运用等手法形成不同的肌理,使面料的外观产生新的变化,在这个过程中加深了我们对材料的认识以及拓展了我们的思维空间和造型能力,让我们在解构重组中得到意想不到的效果与启发。

由此可见,解构主义在服装运用中的表现形式是多种多样的,在当代服装多元化的今天,我们学习和运用解构主义风格的服装可以创新思维,开发我们的设计。

四、社会环境不断推动解构主义服装的发展

在这个标榜个性的年代,随着人们生活水平的不断提高,人们的物质世界和精神世界在发生着巨大的变化。服装消费者对服装设计求新颖、求个性的要求在不断变化、不断提高着。解构主义服装的新鲜性、奇特性吸引了众多年轻一代的消费者,男女都可在此寻找到别样的思绪和自由流动的心情。

结束语

文化是朝着多元化的方向发展的,服装作为文化的最直接的外在体现,也应该是多元化的。最初的解构主义服装设计在不同程度上拓宽了服装设计的方向,指引人们从多种的角度去感受时装本身带给人的美感。解构主义服装带着否定和反叛影响着设计师的思路,影响着消费者的审美,解构主义服装的发展定会更加绚丽多彩。

参考文献

[1]谢地坤.《西方哲学史—现代欧洲大陆哲学》(下).江苏人民出版社2005版

[2]程孟辉.《现代西方美学》(下)人民美术出版社,2001版

[3]李当歧《中外服装史》湖北美术出版社

[4]刘子川.《“孟菲斯”的“解构”设计观》

服装业中的商业设计 第11篇

服装面料再设计的应用意义

服装面料再设计是根据服装面料本身的原材料、组织结构、风格面貌等特性的把握之上进行再加工创造，运用多种工艺手法使面料的原风格更浓厚或者改变原风格的再设计过程。对于这种再创造的手法，目前有多种表述，比如服装面料二次设计、纺织品设计的面料再造、面料再设计等。

1. 服装面料再设计在服装设计中举足轻重

20世纪至21世纪，以美国为发源地的流行文化的影响和各民族主义风格的彰显与交流渗透，在知识大爆炸后的多元文化的氛围里，服装设计风格各异，更自由，更独特；设计师的思路更宽广，束缚更少；大众的审美接受层次也更多样。简洁及方便穿着不再是服装的设计的主要考虑方面，突出的视觉效果，独特的个性展示是目前服装设计中占据主导地位的设计理念。依据人体的生理特征，结构款式上的设计似乎没有更大的施展空间了。伴随着科技的高度发达，各种织造新型机器的生产和新型面料以及装饰材料的不断更新，能生产设计出各种具有装饰味道极强的面料及装饰材料。服装面料再设计在服装设计中越来越举足轻重了。

2. 服装面料再设计课程的开设背景

不论是在每季度的品牌发布的秀场还是在每年高校的毕业设计作品之中，视觉的中心总能被某些创意的面料装饰效果或者局部的复杂细节所吸引，惊叹于巧妙地创新，大胆的设计，精湛复杂的工艺等等。这些无不反映出服装面料再设计的优势，它更能迅速的夺人眼球，俘获人心。高级时装定制的精工奢华或者独具创意的面料再造在成衣中也影响颇深，如今的成衣品牌都非常注重面料的材质表现潜力，多变的褶皱效果，立体的抽褶，不同面料材质的拼贴等手法展现品牌魅力。面对市场需求，高校的服装面料再设计课程经过十多年的引入、实践，目前还在探索与成熟中，但在服装专业教学之中已是列上日程的教研内容。

服装面料再设计课程在专业授课中的地位

服装面料再设计课程的开设不仅是体现了顺应服装设计变化趋势，它的课程内容也和其他课程之间有内在的必然联系，是对专业知识进一步的深化和运用。

1. 服装面料再设计课程和其他课程的关联

服装面料再设计课程内容主要涉及两大方面，一是服装材料，二是工艺手法。服装材料主要侧重对于各种名称面料和辅料的性能及风格特点的掌握。工艺手法的表现学习，就涉及到较多的专业课程。

（1） 三大构成课程是面料再设计的基础课程。面料再设计前期构思设计都离不开基本的设计法则和规律。在大一服装专业学习之初，学生对基础专业的学习都比较迷茫，认为这些课程与服装专业无关，如果教师能够举例分析在服装设计中的例子再展开课程，就能较好的调动学生的学习热情，明确学习方向。

（2） 面料再设计的作业实践环节也是对服饰图案课程的进一步灵活运用，根据服饰图案的形式美法则来进行局部的面料肌理或者图案设计，不止限于平面，还要考虑立体空间效果。

（3） 立体裁剪基础、编织工艺、扎染手工艺等课程之中工艺技巧的积累为面料再设计的工艺手法奠定了基础。服装面料再设计课程又为之后的女装设计、礼服设计、服装制图与工艺等课程的成衣制作增强了视觉效果和艺术感，以至最终的毕业设计中，有的毕业作品最突出的设计亮点就是利用面料再设计的各种综合手法。

2. 怎样加强服装面料再设计课程和其他课程的联系

在服装专业教学中如果能系统的加强课程之间的联系将能收到较好的教学效果。各专业课教师也需要有意识熟知对方的课程内容，可以展开具有针对性的课程联系实践作业。比如在讲授面料再设计时联系上一门服饰图案课程，回顾相关设计知识点，延续某个风格或者图案题材让学生用面料再设计手法继续设计，紧接着下一门的服饰配件代课教师又让学生利用面料设计后的面料制作服饰配件的作业，三门课程的紧密衔接，使学生能够把作业做得更细致更深入，也理解了每门专业课学习的意义。

加强面料再设计课程与其他课程的联系必须是在专业老师要熟悉其他老师的课程基础之上，一是通过讲授内容的举例分析说明，二是实践作业的布置有共同的主题，三是对于实践作业的设计有意巩固前期课程的某些知识，让学生利用前后所学知识完成设计。

服装面料再设计课程的教学改革

服装面料再设计课程各大服装院校的染服专业都有开设，不仅仅限于服装，家用纺织品面料也有再设计课程。目前主要探讨的是关于面料再设计的重要性和工艺手法的种类。通过近两年的面料再造的教学与认识，对本门课程提出一些建议。

1. 材料和工艺技巧是基础

材料是服装设计的载体，更是面料再设计的载体。通过材料的材质、色彩、肌理等加上设计师创新的工艺设计，能使面料穿上华丽的装饰迎合服装风格的展现其独特艺术的魅力。所以材料也同样是面料再造的基础，教师不仅需要教授学生较为全面的材料学知识，还要在面料再设计课程中应该参考某些较为合适教材让学生认识到哪些材料适合什么样的工艺手法再造，不是所有材料都适合各种工艺技法。

对于工艺技法的表现，都是在中外传统技法的继承之上，当然也有很多新材料新工具的发明，服装设计专业的学生和材料学工科学生要求不同，可以主要讲授一些可以手工制作的技法。只说刺绣以针法的不同就有几十种形式，如果再加上所有线材和面材的不同可扩至上百种。一般高校的面料再造课程时间仅为4周或者3周不等，单单这一种手法就是学不完的。解决的办法是教师教授几种常见针法，然后鼓励对刺绣感兴趣的学生可以在后续课程中学习，比如刺绣可让学生在编织工艺课程中深造，印制图案可在丝网印课程中继续学习。

2. 把握创造与破坏的界限

在面料再设计的手法里有加法与减法设计。通过这些手法可以使面料改头换面，但有的时候也会面目全非。虽然此课程目的在于拓宽设计思维，打破传统的设计局限，但也不是说可以随性所为。在设计之中还是要有一定的审美法则的指导，很多学生对于经典的设计和昙花一现的肤浅设计不太能区分，还需要教师在授课中多分析一些另类个性作品的范例，让学生能分辨设计之高低。

从再造之外的另外一个角度讲，每一寸面料每一根纱线虽然是工业快速织造的产品，可这其中都凝聚了许多智慧和劳动力。不同的服装材料，有的用于高级时装，有的是用于普通日常着装，但它们都一样是顺应市场需求有存在的价值和意义。当面对每块面料的时候不应该鄙视它过于粗糙或者不够华丽，再设计也只是为了目前个人的设计需求而去改进它，是取得了较好的视觉效果，这里面也增加了人工的费用，如果用于成衣，增加了附加值的同时也增加了人工、材料数量和耗时等。

高校的服装设计专业的面料再造大多还是以高级定制方向为主的手工面料再设计为主，主要考虑的是视觉效果，对大批量生产加工的工艺和效率是没办法考虑的。一般的手工刺绣，通过电脑绣花，可以绣的更均匀平整，并且不耗时还省去了人工。只有高级定制的单品可能某些地方需要人工，在大批量面料生产中是不予考虑的，以凸显服装手绣为卖点的成衣观念已经发生转变。所以让学生在此课程中发挥创造力的同时必须认清面料再造高校课程学习的某些局限性。

3. 将主题思想进行到底

曾玉蓉老师在《法国面料艺术设计教育》中介绍了法国艺术设计高校的教学模式。法国的杜百利艺术设计学院的面料设计专业把一个主题贯穿于整个学年学习过程的始终，灵感从图片或者文字开始深入展开，使设计能最终做到真正的细致丰富、多样、深刻。长时间的深入围绕一个主题和短期一周或者几周的研究相较，设计的层次深浅不一。苏州工艺美术学院的姬益波老师在面料再设计的教学实践中也重视主题的份量，评判一块面料再设计好坏的依据是需要有主题的，漫无目的设计不能等同于真正的面料再设计。在教学中要认识到主题对于设计的重要性，面料再设计不但是表象的工艺加工，还要具有一定的主题思想和内涵，才是真正的设计。

（作者单位：郑州轻工业学院易斯顿美术学院）

服装业中的商业设计 第12篇

关键词：针织服装,特征,设计特点,地位,发展前景

0 引言

针织服装在现代服装行业中扮演着越来越重要的角色, 从过去的普通服装演变到现在的潮流服饰, 无论在大众圈还是时尚界都成为炙手可热的服饰。

随着服装的发展和消费观念的更新, 人们对舒适、休闲和运动的崇尚, 针织服装在服装总量中所占比例越来越高。随着针织工艺设备和染整后处理技术的不断进步以及原料应用的多样化, 针织面料能及时顺应流行趋势和对新款式的要求, 现代针织服装已经步入多功能高档次的发展阶段。在造型上, 人们开始追求舒适合体、随意自然的造型;在整理上, 追求熨烫整型方便, 同时还追求时尚、在艺术效果上更为完美、品质超脱的服装。针织服装的休闲化、时装化, 正是现代人追求自然、环保、时尚心境的充分体现。

针织服装在现代服装中有着不可替代的地位。材料的多样化、工艺的复杂化、技术的先进化使针织服装无论在面料的性能、用途, 服装的款式、色彩、装饰、还是舒适度上都有了很大的提高。因此, 针织服装的设计和开发在服装的生产和发展中占有重要的地位并有着广阔的发展前景。

1 针织服装的特征

针织服装弹性好, 而且能朝各个方面拉伸, 伸缩性很大, 因此针织服装手感柔软, 穿着适体, 能很好地显示人体的线条起伏, 运动机能好, 不妨碍身体的运动。针织服装面料的线圈结构能保持较多的空气, 因此透气性、吸湿性和保暖性都比较优良, 使得服装穿着时具有很好的舒适感。针织服装面料的原料几乎涵盖了所有的纺织原料, 不同原料的性能直接影响所构成的面料性能及用途。而相同的原料, 因采用不同织物组织结构, 性能也有所不同。因此, 针织服装种类繁多, 设计手法多样, 生产方式灵活, 很适合工业化小批量生产, 是大众居民穿着的理想服装。不足之处是, 因针织物组织的线圈结构, 导致针织服装的尺寸稳定性较差。

2 针织服装款式造型设计

针织面料的特点决定了针织面料不仅适合制作松软、轻薄质地的合身或紧身产品, 而且也适合制作各种宽松型的旅游休闲服和时装。常见的针织服装款式造型一般有三种。

2.1 直身式

直身式即H型, 是以垂直水平线组成的方形设计, 是针织服装传统的造型风格。这类造型一般选用布料较为密集、延伸性较少的坯布。肩线是呈水平稍有倾斜的自然形, 腰线可以是直线或稍呈曲线, 线条简洁明快, 造型轮廓端庄大方, 穿着合体自如、方便舒适, 如图1所示。

2.2 紧身式

弹性是针织物突出的特性, 横向拉伸可达20%左右, 如采用弹性纤维并配以适应的组织结构, 可生产出弹性极强的面料。由这类面料制作的服装适体性特好, 既能充分体现人体的曲线美, 又能伸缩自如适应人体各种运动与活动所需, 同时还兼有舒适透气的优点, 如图2所示。紧身式已成为弹性针织服装所特有的造型。

2.3 宽松式

宽松的造型一般由简单的直线、成外形线, 配以较大的放松度, 使人体三围趋于一致, 形成宽松的式样, 如图3所示。这类造型能较好地体现针织面料柔软、悬垂的性能优势, 无论面料的厚薄都会有好的效果, 主要用于时装、休闲装、日常生活装、运动装、大衣等制作中。

由于针织面料优良的延伸性和弹性, 针织面料在胸、腰、臀等围度方面的放松度一般比机织物小, 设计贴身服装时, 还应适当缩小围度尺寸, 以保证贴体性和更好地塑身, 另外, 服装领口、袖口、裤口等部位的尺寸也应适当缩小。针织服装设计中不需要在结构功能上有过多的省道和分割线, 如图4所示。而且, 服装中的结构线大多是直线、斜线或简单的曲线, 线条简洁柔和, 与针织面料的柔软适体风格相协调。如图5所示的插肩袖结构, 为使服装合体和行动方便, 机织面料必须采用曲线结构, 而针织面料利用其延伸性和弹性可以采用直线结构。

3 针织服装缝迹设计

由于针织面料本身具有的脱散性、弹性和延伸性, 对于针织服装缝纫用的缝迹有一些特殊的要求。

3.1 缝迹试样

缝迹的弹性、延伸性与缝制物的弹性、延伸性应一致, 因此, 在针织服装生产中, 多采用弹性较好的链式线迹, 如双线链式线迹、三线 (四线) 包缝线迹、绷缝线迹等。

3.2 缝量

若针织面料的脱散性较大, 在样板设计时, 应适当加大缝耗量, 一般以1~1.5cm为宜。

3.3 服装加固的形式

由于针织面料横向的延伸性较大, 在一些不需要伸缩的部位, 如肩缝、袖窿等处, 为防止服装的廓型变化, 一般采用机织条带或大身的直丝条来进行加固, 以增加服装的牢度及立体感。

3.4 推、归、拔、烫要求

针织外衣产品缝制时, 一般不采用推、归、拔、烫等技巧, 袖山等处的归拔量不宜过多。

4 针织服装色彩设计

色彩设计在针织服装设计中起到至关重要的作用, 物体是通过色彩给人第一印象的。针织服装本身所具有的色彩美感, 包括服装面料的色彩美和服装由搭配而产生的色彩美。服装面料有非常丰富的色彩效果, 可以是单色的, 也可以是花色的, 通过印、染、编、织等工艺手段表现出来。服装搭配的色彩美感往往由穿着者完成, 穿着者在选择服装时, 会不知不觉地运用自己的色彩审美观点进行选择。从理论上说, 没有哪种颜色是绝对难看的。肌理效应和丰富花样, 为针织服装设计提供了丰厚的基础, 也增加了服装的装饰性和整体美。

5 针织服装配饰设计

针织服装往往会在服装上增加很多装饰。

5.1 异料镶拼

异料镶拼是利用面料不同性质、不同外观效应的组合, 使服装不仅具有实用功能, 同时还兼有装饰效果, 是针织服装设计中常用的手法。

5.2 饰件添加

就是在式样平淡的服装上巧妙地加配各种饰件, 增添服装活力与华丽, 使服装看起来具有浪漫气息。

5.3 装饰图案

装饰图案是针织服装常用来改变其款式平淡的一种美化方法, 特别是局部印花设计、针绣设计和钉镶设计等。

5.4 做旧设计

做旧设计也是针织服装上常见的一种细节设计, 针对那些追求时尚、前卫的年轻人而设计。

5.5 拼贴设计

拼贴设计是产生具有立体装饰效果的一种细节设计手法, 也常用在针织服装上。

此外, 还有褶裥的设计、分割线的设计、大身料的应用、不对称设计等。

针织服装由于款式比较简单, 视觉上过于平淡, 一般需要用丰富的色彩、新奇的饰件设计等方法让人耳目一新。但如果能在装饰上把大身料用好, 则给人高贵、典雅的感觉。与针织服装款式和面料在风格上相呼应的细节设计不仅使针织服装穿着舒适, 同时也具有美感和时尚感, 更受消费者欢迎。

6 结语

随着针织服装行业迅猛发展, 我国针织时装在服装行业的比例已超过50%, 与发达国家的65%比例日益接近。针织服装的重要性也越来越突出, 在国际流行的地位不可动摇。

参考文献

[1]李津.针织服装设计与生产工艺[M].北京:中国纺织出版社, 2005.

[2]贺庆玉.针织服装设计与生产[M].北京:中国纺织出版社, 2007.