融汇中西文化平面设计论文范文

融汇中西文化平面设计论文范文第1篇

摘要：摄影技术的诞生和日益成熟为平面设计的发展开辟了一片新的天地。摄影技术与平面设计融合，从技术层面的辅助逐渐成为一种视觉设计要素，它作为一种表现方式给平面设计注入了新的血液。当代平面设计面对层出不穷的新传播媒介、视觉文化的冲击，呈现出与摄影技术结合愈加紧密的趋势，也成为探索摄影技术与平面设计有效结合方式的动力。

关键字：摄影技术 平面设计 结合 应用

平面设计，这个平面空间中的设计活动其发展的历史悠久，涉及的主要内容是二维空间中各个元素的设计和这些元素的组合布局设计，且其核心都在于传达信息、指导、劝说等等，而它的表现方式则最初是通过现代印刷技术达到的。平面设计的起源是从书写、文字的创造时便已经开始了，古代的原始绘画中各种形象符号的创造与布局、编排等都成为日后平面设计的设计要素。在平面设计的发展中，新技术的发展带来了很多新的变化，开创了新的视野，创造了新的感官世界。在这些给平面设计注入新血液的技术中，摄影技术在平面设计发展历史中占据了重要的位置。

一、摄影技术与平面设计的关联

早在公元前4世纪，古希腊哲学家亚里士多德就企图利用类似于摄影的化学过程来捕捉形象。从他开始，就有艺术家采用暗箱来绘画。而真正完成现代摄影试验、发明摄影技术的却是在1820年左右，由法国人约瑟夫·尼波斯制作完成。摄影技术的诞生，产生了第一张没有通过人手重新描绘的绘画摄影复制品，开始出现第一张风景摄影作品，它开辟了一个新的视觉世界。而摄影技术真正开始推动平面设计的发展则是在19世纪70年代——摄影技术在印刷技术上的应用。它彻底改变了插图的制作方式并且降低了制作成本，插图图像风格写实而又准确，出现了有别于以往插图的特殊韵味。并逐渐应于于平面设计的各个领域，大大促进了平面设计的传播。

在此之后的平面设计，都与摄影技术有着深刻的羁绊。无论是字体设计、版面编排、插图、海报设计等，这些与图像有关联的平面设计的内容都或多或少与摄影技术有所联系。到20世纪末，电脑技术、数码处理技术、数码摄影的逐步发展，使平面设计的发展发生了更大的变化。摄影，这个新的传达工具带来的是一场图像的革命，它改变了图像传播的方式，丰富了平面设计的内容。它使记录图像的方式更加便捷，其图像所具有的还原性、真实性、直观性和代入性是之前以绘画为主要方式的图像所无法比拟的。也正是因为这些特点，它与平面设计中的一些门类开始紧密结合，给平面设计带来了图像的革新、表现手法的变化和风格的转变。在平面设计中，以往被手工绘制图像垄断的时代随着摄影技术的发展逐步结束。快捷写实又极具真实性的图像逐渐出现在平面设计当中，视觉传达的速度和准确性也大幅度提高。以至后来平面设计中广告设计的兴起、杂志的发展都离不开摄影技术的推动。

摄影技术丰富了图像传播的方式，推动平面设计表现形式的多元化、新设计语汇和风格的产生。瑞士设计家赫伯特·玛特是创造性地把摄影技术运用到平面设计中的典范。20世纪30年代，玛特采用了摄影、版面编排和字体组合的拼贴方式为瑞士国家旅游局设计了一系列旅游海报，成为30年代杰出的商业海报之一。

二、摄影技术的发展在当代平面设计中的应用

新媒介、新信息技术带来的挑战，使平面设计的发展发生了急剧的变化。数码时代的到来，使电脑技术被迅速地运用到平面设计中，并日益取代从前的手工式劳动。原来在摄影、插图、艺术之间明确的职业分野也越来越模糊。传播媒介的转变是当代平面设计不容忽视的问题，电脑、电视、手机等视觉传播媒介成为当代人获取信息的主要途径。而20世纪90年代数码摄影和电脑图像处理系统的诞生，使图片的处理方式和平面设计的设计创作过程被纳入到同一个平台——电脑。数码摄像机脱离了普通照相机使用胶片来记录影像的传统记录介质，利用影像传感器接收图像，并采用多媒体储存卡记录图像信息。快捷、简便、失真小、易于修改和储存的特征，使图形在通过电脑处理时逐渐成为输入—处理—输出的环节；也意味着，通过改变每一个像素点、图像可以重新构造。因此，这种电脑化的摄影不受外在固有影像的限制，可以记录现实，也可以不记录现实。这也使摄影技术在平面设计中的应用更加灵活、快速与高效。运用电脑作为辅助工具的平面设计新方式在不断发展中逐渐形成独特的风格。

除此之外，摄影技术的发展同时也丰富了当代平面设计的内容，商业摄影、广告摄影等因摄影技术的发展方兴未艾。在当代，摄影从技术的层面逐渐脱离出来，浸入到艺术中，渗入到设计行业里，行业与行业之间的相互交叉也愈来愈多。王受之先生曾在他的著作《世界平面设计史》中对摄影做出了很高的评价：“没有摄影成为平面设计的组成部分，当代平面设计面貌将大相径庭，面目全非。”由此可知，摄影技术运用于平面设计的过程中，摄影作为平面设计的一个要素，它是平面设计不可缺少的一部分。

三、摄影技术应用于平面设计中的新探索

（一）摄影技术与平面设计结合的原则

众多的变化使平面设计的发展有了新的面貌，摄影技术在平面设计中的应用也随着受众的需求和技术的革新呈现新的表现形式。但无论摄影技术与平面设计以何种新型方式进行结合，都需要遵循一定的设计原则。

注重功能。无论摄影技术在平面设计中呈现的形象和介入的技术手法为何，其设计都应该体现功能第一性。平面设计的目的不是为了纯粹的审美，它最主要的目的是传达信息。传达必然是有受众的，受众的存在成为平面设计和纯艺术最大的差别。纯艺术可以是艺术家个人情感的宣泄，它不考虑受众的感受，是个人的艺术行为。而平面设计需要面对定量的受众群，需要有针对性地向特定的受众群传达信息，它不仅是设计师个人创意的表达，也是传达有效信息的一种途径。所以，平面设计最初秉承的目的和艺术的目的就有所差别，也就导致它们的不同走向和不同的发展道路。

艺术性并存，在摄影技术应用于平面设计中时也应注重设计的艺术性。威廉· 莫里斯曾说过这样一句话，“不要在你家中放一件虽然你认为实用，但是难看的东西”。一件好的设计作品，具有良好功能的同时，也能满足使用者的审美需求。在设计中，应该从功能性和艺术性之间觅得一个平衡点，不断地完善设计。摄影技术融入于平面设计中新的设计表现形式的掌控，也需要合理地把握功能性与艺术性。不一味地追求艺术性而忽视传达的功能，也不只因展现平面设计的功能性而忽视受众对审美的需求，这是摄影技术在平面设计中应用的一项不变准则。

辅助性。摄影技术作为平面设计的一种设计要素或者设计手法，它主要是围绕平面设计的内容进行有效地组合与变化，它不能凌驾于平面设计的主题之上。这也是作为辅助平面设计的摄影技术与纯粹的摄影之间最本质的差别。在平面设计今后的发展中，摄影技术也将充当一个不可或缺的角色。

（二）摄影技术应用于平面设计中的新趋势——多元化

摄影技术在平面设计中的应用不仅是图片的展示，它同时与其他的创作手法进行融合，比如分解、重构、变形、拼贴，或组合等各种手法。它不再是单一形式的组合，它作为平面设计的设计要素为平面设计创作呈现了多元化的表现形式。

立体化，是新的技术发展应用于平面设计的必然趋势，也是摄影技术应用在平面设计中的一种演变趋势。在以往，平面设计传播的主要途径是通过海报、杂志、书籍等一系列与印刷紧密相关的方式传达信息。而互联网时代的到来，使电脑、手机、网络电视等成为了信息传播的主要媒介，为摄影技术在平面设计中应用的立体化表现提供了可能。立体三维影像技术的不断发展，更是为摄影技术在平面设计中应用的立体化演变提供了实体化的手段。所以，在摄影技术融入到平面设计的发展过程，必然也会有从二维的设计范围扩充到三维或者多维领域的发展趋势。

动态化。摄影技术在平面设计中的应用，也将出现从完全静态的设计展示向动态调整的趋势。从以往的传播媒介跳脱到互联网的传播平台，必然出现摄影技术与平面设计融合从静态到动态的转变。未来的艺术一定是多种媒介的综合，康定斯基的这句话已经慢慢开始印证。平面设计从二维的设计范畴向三维立体化、或者多维立体化内容扩充的倾向，也必然带动摄影技术在平面设计中应用的视觉语言从静态迈向动态的发展。在以后的摄影技术与平面设计紧密结合的设计创作中，不仅存在结合摄影技术、具有静态视觉效果的平面设计，立体动态的平面设计也将会越来越多。

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作者简介：

邓亚乔，西北大学艺术学院2012级研究生。研究方向：视觉传达。

融汇中西文化平面设计论文范文第2篇

摘要：为保持中国画可持续发展的动力，传承传统艺术的美学思想。文章结合现代设计中国画元素的主要特征，深入分析国画元素在文创设计中的设计语言，并对中国画的应用方式进行探讨，并以上海宝龙美术馆作为设计案例，从而探讨国画元素与文创设计之间所产生的设计价值。文创设计挖掘出了中国传统艺术丰富的文化价值，也为中国画的发展提供了创新思路。

关键词：国画元素 传统文化 设计语言 文创设计 上海宝龙美术馆

文献标识码：A

引言

在中华灿烂的五千年文明中，中国画作为中国传统的绘画形式，也是传播人文精神的一种文化载体，笔墨间呈现着时代的变迁，思想的演进以及人与自然万象的紧密联系。国画艺术在承担对中国传统绘画传承方式深度研究的同时，也在不断开拓创新领域。文创开发已成为博物馆传播文化精神的大热趋势，文创设计是对文物藏品的文化再创造。国画元素与文创设计的融合，能够将中国画的美学精髓通过创新形式展现出来，从而形成独立的中国画文化符号，使文创设计的应用领域得以扩展，创意理念不断延伸。

一、国画元素的主要特征

（一）线条之美：线条是国画艺术的语言，也是国画艺术最基本的构成要素。中国画的线条结构可以概括为平、圆、留、重、变这五点。《芥子园画谱》中可以看出不同线条在粗细、长短、笔法力度上都不相同，根据描绘的事物，提落笔间灵活运用线条的角度变化。中国画艺术的精髓就在于通过线条的流转勾画展现中国五千年的历史文明、美学思想，以及画家的自我修为，所以线条可以说是国画艺术的灵魂。

（二）色彩运用：中国画运用“以形写形，以色貌色”的色彩表现方式，在色彩方面注重明度、饱和度等颜色特性，利用颜色的浓淡、明暗等层次以及线条停顿、缓急、曲直等变化，显现出具有立体空间效果的艺术样式。早在新石器时期的彩陶艺术开始，人们就有了色彩的概念，无论是粉墨山水还是人像乌兽，色彩更多体现的是创作者以及那个时期的审美情操。中国画的色彩虽然在不同时代随着主流的导向发展，但依然保持着中国传统美学的形式，不为外来文化所改变，这也是中国画所呈现的独特东方色彩魅力。

（三）水墨筆法：笔法，是中国画评价体系中的核心标准。它最初作为技巧而产生，却演变为独立存在的精神符号和审美方式，并与“墨法”等一起构成了中国传统绘画所独有的视觉语言体系。也就是通常所说的“水墨笔法”。以齐白石的《枇把》为例，画中运用了点、线、面来表现枇杷的果实和枝叶，画面看似丰富立体，具有层次感，实则画中的笔触都是由线条构成。这更能说明画家的笔法高超，展现了事物的灵动之美。笔法的运用能够体现绘画者对线条的审美能力以及在运笔中对水墨的把握，不仅代表着画家的学识阅历，同时也表达着中国传统文化艺术中的诗情画意。

二、国画元素在文创设计中的设计语言

（一）写意造型

中国画的造型是对自然形态的提炼，看似具象但又充满虚幻之感，即中国画的造型核心“写意精神”。因此在文创设计中突出国画的写意造型，是设计师们考虑的主要因素。中国画的传统形式以平面视觉为主，以纸质的方式呈现，生活中常见的有条幅、扇面、小品、屏风等形式。现代设计打破了常规的呈现方式，使其变得立体生动，通过动态技术的处理使观众能够更直观的感受国画的写意之美。从最早在上海世博会展出的动态《清明上河图》，到近年故宫制作的《清官十二美人图》动态图片，国画已经转变为流行化的展现方式，让文物“动起来”已成为文创设计的主流设计理念。例如中国国家博物馆设计的古轴国画冰箱贴就是把国画装裱立体化，还原了画卷的色彩和纸质纹理，甚至手感都接近真实触感;故宫博物院设计的千里江山图便签纸砖，通过便签纸的侧面印制了画中的名山高峰，并采用竖立的方式使奇峰的高耸入云更加立体地展现出来。

（二）意境氛围

中国画不论是山水画、花乌画，还是人物画都特别注重绘画对象的意境表现，国画中的意境是通过景物的描绘，动静相生，将自然美、生活美和艺术美实现了和谐统一。画家将自己的情感注入作品之中，于是便有“写山则情满于山，画水则意溢于水”的意境，即代表着“情景交融”。在现代文创设计中，为实现“情景交融的氛围，通常会运用小型装置设计表现，许多文创产品会通过光影元素去展现，像纸雕灯、书本灯通过3D打印、激光雕刻技术，多层图案层叠，形成的立体光影效果，就会给大众带来一种神秘梦幻身临其境之感，如图1。

（三）文化思想

从古至今，画家们常会描绘生活中的所见所感，也会将郁郁不得志的情怀在笔墨中去抒发。中国画通过山水之景来表现个人情操，体现着人与自然“天人合一”的美学思想。现代文创设计中常会与茶文化联系起来，茶文化积极乐观、谦虚礼让的精神，所谓“茶禅一味”，与国画的思想内涵不谋而合。因此很多茶具的设计都采用了国画的元素，从茶壶到茶席再到茶盒的包装，都流露着淡雅的禅意氛围。近年来随着奶茶饮品的流行，许多国风文化的奶茶品牌备受青睐，茶颜悦色作为代表性品牌，大到店面形象小到纸杯设计都体现着中国传统文化的特色。杯身的设计巧妙地将《千里江山图》《韩熙载夜宴图》《富春山居图》等中国名画印制在上面，并标以简单注解，使人们在享用饮品的同时能够了解中国传统绘画知识。茶颜悦色已逐渐形成独具特色的文创品牌，在推广中国茶文化的同时也展现着中国传统绘画美学的独特韵味。

三、中国画藏品的开发价值

（一）深度推广传统绘画技法

国内各大博物馆、美术馆的中国画藏品占有很高比例，国画的派别分类众多为文创开发提供了丰富的资源。目前市面上的国画文创产品还处在平面视觉呈现的形式，大众对国画的印象还停留在识别作品名称的阶段，这其实并没有达到传统绘画的推广效果。为实现艺术价值最大化，需要博物馆充分利用资源优势，创新设计形式，将平面视觉逐渐转化为立体体验形式。例如可开发国画装裱体验产品，使消费者能够自己动手，体验传统装裱的制作过程;可以通过桌游形式开发国画科普类产品，在游戏过程中加深大众对国画作品、分类派别、名家生平等历史信息的记忆点，在科普的同时又增加趣味互动性。中国画文创开发要以传承中国传统绘画的精神内涵为目的，深度挖掘中国画的人文感和历史厚重感，将国画语言融入设计理念之中。

（二）新媒体助推还原国画意境

如今科技高速发展，数字媒体技术已深入生活，文博场馆也在尝试将新媒体技术运用到展览以及文物的管理中。新媒体能够为中国画作品带来最大的改变就是实现空间交互性，使人们能够真实感受国画中的意境氛围。5G时代的到来，运用XR技术开发虚拟现实游戏或教学视频等体验形式，能够让中国画的表现力发挥到极致。尤其现在处在疫情特殊时期，云端文博观赏逐渐形成气候，最近北京一家数字影像公司创新运用了数字媒体技术，让艺术家进行沉浸式直播教学。艺术家在创作过程中，将传统艺术创作与现场写意特效结合，并且画面能够随着讲解内容不断变换，大大增加了课程趣味性，让观众耳目一新。新媒体的传播能为中国画的文创开发增加商业附加值，提高文创产业的科技含量，是提高国画文创竞争优势的重要砝码。

（三）开辟独特文化符号

中国传统绘画体系庞大，派别分支众多，文创设计开发应抓住这一绝对优势，深耕中国画艺术特色，既要突出国画的风雅和文化底蕴，还要兼顾社会传播效益和经济效益。博物馆通过消费者调研，制订中国画的推广计划，结合当代设计所带来的功能性和创意性，打破纸质书籍画册、文物复制品为主的传统格局，开发更多具有日常使用功能的物品，拉近艺术与生活的距离。国画文创设计要提高创新力，这个创新包含了中国画的思想核心、设计形式以及设计材料的革新，甚至改变大众对生活方式或风格的定义。博物馆需要将中国传统绘画的真正精髓再创造而非流于表面的视觉呈现。使中国画文创自成一派，成为代表中国传统艺术的独特文化符号。

四、上海宝龙美术馆藏品《荷塘》的文创设计分析

上海宝龙美术馆是以展示中国近现代及当代艺术的综合性美术馆，馆内藏品以中国近代水墨作品为主。通过对馆内国画藏品的文创设计个案分析，进一步探讨国画元素在文创产品中的设计应用。

（_一）上海宝龙美术馆文创开发现状

上海宝龙美术馆的艺术商店主要销售馆内原创文创产品和馆外艺术品牌产品。但由于开馆时间短，馆内原创设计目前只开发了丰子恺作品的文创产品，产品种类较少，大部分还是以设计师或知名品牌的文创产品为主。由此可以发现，美术馆目前原创设计缺乏创新，未能体现藏品特色，文创设计部门机制还不完善。国画作为宝龙美术馆的收藏特色，開发空间非常广阔。应深挖藏品的文化特色，将有价值的国画元素充分运用到产品中去，美术馆应成立文创设计部门，培养优秀设计人才，在沟通上更高效，保证国画藏品的艺术魅力充分展现出来，使美术馆的创新力得到提升。

（二）国画藏品《荷塘》文创设计表达

1.国画《荷塘》主要内容

该设计作品选取了宝龙美术馆代表性藏品——吴冠中的《荷塘》作为设计原型进行开发应用。《荷塘》作于1997年，吴冠中充分利用了“远观取其形，近观取其质”这一特质，将自己的艺术倾向融入其中。然而看似杂乱无章，色彩缤纷，实则将盛夏荷塘给人的第一印象镌刻在了画面中，是艺术家对于具体物象的精炼概括。作品中的荷花所取的正是荷花的风骨。最后以红色于波纹间一笔画成一条小鱼，茫茫上百条，为整幅作品再添生机与活力。《荷塘》的画面清新淡雅，色彩活泼跳跃，看似泼墨风格的水墨笔触，通过点和线条的连接，增加了画面的立体感，使作品给人一种轻松灵动的感觉，如图2。

2.《荷塘》文创设计原则

（1）留白原则：文创设计保留了国画的留白技法使作品具有了一定的哲学意味，更能体现中国绘画的艺术之美。在进行版式布局时，适当采用一些空间间隔，减少画面的压迫感，并通过以小见大的设计方式，放大原作中特点鲜明的部分，提取转化为核心图案，作为系列设计的主题元素去呈现，运用这种方式能够突出原作的绘画特色，同时也可以使消费者在使用过程中产生记忆点，达到文创设计目的。留白设计能够让设计产品具有简约空灵的美感，将国画特色技法与现代设计完美结合，使设计主题更有延伸性，为大众提供联想空间。

（2）水墨意境原则：意境表达作为国画美学思想中的重要组成部分，决定着设计作品的风格走向，要体现虚实结合的水墨气韵，同时也要做到情景交融的意境传达，否则只做到有形无神就会失掉中国画独特的艺术语言。在设计过程中，通过对《荷塘》的意象表现进行分析，原画营造的是盛夏荷花旺盛生长，生机盎然的景象，画面虽线条纵横交错，杂乱没有规律，侧面却表现了荷花茂盛蓬勃的生命力。因此在设计的用色、线条绘制以及排版布局上要突出青春活泼，灵动自由的基调，符合产品使用环境，强调原作品所表达的主题思想。

（3）实用功能原则：在设计过程中还要考虑设计产品的实用性、应用领域是否原作风格契合、消费者的选择取向等方面因素。由于《荷塘》是典型的中式风格作品，在选择上首先会偏向传统应用方式，选择中式餐具和茶具的设计方向，国画所传递的美学思想与中国的茶文化相契合，通过图案设计呈现的效果符合原作的绘画风格。同时在考虑大众生活习惯和使用感受，将传统元素与现代文化结合，选择时尚包装袋和咖啡杯的设计方向，也是将中国传统绘画的功能与现代生活方式进行对接，使产品既具有国画美感又满足使用需求，达到中西文化融合的设计效果。

3.《荷塘》文创设计主题元素提取

（1）色彩提取：《荷塘》画面中色彩的表现是作品呈现的最大特色，也是最能形成记忆点的关键部分。文创系列产品分析了原画色彩，以黄、红、绿作为设计主色调，并选取了米、咖、黑色进行调和。在包装系列设计中，提取了原作中的红、黄、绿三色，咖啡杯的图案将三色融合为咖啡豆形状，并以咖色作为图案轮廓和杯盖的配色，用色更符合咖啡的主题。餐具系列的图案设计将主色与配色相结合，在提升整体亮度的前提下，配以金色作为镶边色，使图案更有质感。设计作品通过对色彩元素的提取，用色一改美术馆已有产品的单色样式，使颜色具有对比冲击性，会给使用者留下深刻印象。

（2）笔触提取：水墨笔触作为国画元素中的基本特征，运用在文创设计中会使产品特点更加鲜明。《荷塘》作品中画家用道劲有力、粗细分明的线条去表现荷花的根茎，泼墨色彩的墨点去表现荷花的绽放，营造了荷塘无拘无束自由生长的氛围，行乱而意在的水墨语言。因此设计作品中的图案以及标志的绘制都以水墨笔触作为首要设计特征，通过线条变化、图案的变形以及笔触样式的造型融合使设计更加灵动，具有简洁趣味，体现了中国传统绘画的艺术内涵。

（3）标志提取：結合原画的绘画特点，设计作品进行了主题标志的设计。通过提取《荷塘》中的部分画面，将造型简化，除去多余内容并减去色彩，以金色勾勒轮廓，形成具有抽象意味的标志符号，标志的提取将画中的荷花与荷叶抽象化，绘制了形似篆刻的造型图案。《荷塘》主题标志的设计使整个设计作品更加完整，大众在使用时犹在观赏一幅国画，呈现了国画的写意风格，应用在文创产品上，颇有清新秀雅，诗情画意之美，如图3。

（三）国画藏品《荷塘》文创设计应用

原画表现的主题意境非常适合公共休息区域的氛围，因此通过对作品的分析，确定了应用于美术馆餐饮功能区的设计方向。结合餐饮功能区的运营现状考量，作品将以食品包装和餐具设计为主，加深大众对藏品的印象，提升美术馆的文化形象，使《荷塘》的艺术价值得以升华。

1.包装纸袋：包装纸袋设计为体现国画元素的特质，在包装材质的选择上选用了宣纸的纸质纹理，以米色作为纸袋的主色，配合主体水墨图案，使整个产品具有整体协调性，呈现水墨画的效果，贴合原画的风格与质感。

2.便携咖啡杯：咖啡纸杯的设计提取了绿色作为杯体的主色，并将原画中的墨点与咖啡豆变形结合，与产品用途相呼应，美术馆的英文名称选取了书法字体，使设计产生了中国传统艺术与西方现代文化的碰撞效果，既符合咖啡休闲愉悦的使用氛围，又呈现了水墨小品的视觉意象。

3.盖碗瓷杯：餐具设计提取了原作中的墨点图案，呈现水墨晕染的笔触效果，一改中式餐具的中规中矩。在进行标志设计时，结合画中的写意韵味，融入现代的绘画手法，整体用线条绘制，虚实相交，凸显原作营造的水波流转，荷花亭亭净植的意境，并配以金色镶边勾勒，使设计作品既高雅大气具有水墨的灵动气韵，又融合了现代简约元素，如图4。

结论

中国画所蕴含的美学思想与中国主流文化相契合，不仅代表着中华民族的审美意识，同时也是东方价值观的体现。国画元素与现代设计的融合，首先在设计理念上，自然和平的设计概念使长期处在快节奏城市生活的人们，能够短暂逃离喧嚣，对生活方式进行重新定义;其次文创设计作为博物馆发展的主要核心竞争力，努力实现社会价值最大化的同时，也是推动中国画发展的快捷之路。中国画与文创设计的结合，拉近了人们与国画艺术的距离，使大众真正了解中国传统绘画所蕴藏的艺术魅力。发展国画文创产品，要将中国画的艺术性、设计性和生活紧密结合起来，真正发挥中国画的核心价值，为打造中国特色的文创体系带来可持续的发展动力。

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