欧洲音乐简史教学计划

欧洲音乐简史教学计划（精选8篇）

欧洲音乐简史教学计划 第1篇

2012~2013学年度第一学期 《欧洲音乐简史》教学计划

授课教师：

授课科目：《欧洲音乐简史》

授课班级：

一、课程简介：

《欧洲音乐简史》是高等师范音乐教育专业学生必修的一门专业理论课程。本课程是从历史观点出发研究外国音乐及与它相关联的现象的学科。它的核心内容是研究和叙述“作曲活动的产生和发展的历程”。它的对象是音乐作品，包括它们的形成过程，并根据作品的共同点和不同点进行分类，研究某些作品区别于其它作品的独立性，以及音乐家相互影响关系的问题上。

二、课程目的与任务

通过本课程的学习，对外国音乐（主要指欧美各国专业音乐家创作的艺术音乐）的历史，有一个比较系统的了解。特别是对各个时期的音乐风格的演变及其深层的文化，历史的根源有所认识，从而扩大学生的艺术视野，增强学生整体的艺术素质

三、教学方法

本课程以课堂集体授课为主要教学形式，以一定量的课下阅读，欣赏作业为辅助教学形式。

四、教学原则与方法

1．努力将外国音乐放在外国的历史与文化的大背景中加以认识；坚持用历史唯物主义作为指导原则。同时，也要对国内外音乐史研究与教学中的一些方法论和最近成果进行介绍。

2．注重对史料的介绍与研究，并努力在此基础上，对外国音乐史上的一些主要问题尽可能做出实事求是的评价。

3．充分利用多媒体的教学手段，鼓励学生以熟悉作品的实际音响和乐谱，辨识作品的风格特征，作为进一步理解外国音乐史的起点和依据。

五、教学内容： 第一章：古希腊音乐

（一）教学内容：

1、古希腊古罗马音乐的概念

2、古希腊乐器

3、古希腊的音乐理论

4、古希腊的音乐美学

5、古希腊音乐的一般特点

6、古罗马的乐器

7、古罗马人生活中的音乐

8、古罗马音乐的形式及特征

（二）教学基本要求：

让学生了解西方音乐艺术的起源及音乐在古希腊古罗马的社会意义，对人们的生活有什么影响。

（三）教学重点难点：古希腊古罗马音乐的概念

；古希腊乐器；古希腊的音乐理论；古希腊的音乐美学；古希腊音乐的一般特点 ；古罗马的乐器；古罗马人生活中的音乐；古罗马音乐的形式及特征。

第二章：中世纪教会音乐

第三章：中世纪世俗音乐

（一）教学内容：

1、基督教的教会音乐

2、格列高利圣咏

3、唱名法的起源和六声音阶的唱名体系

4、记谱法的演进

5、复调音乐的萌芽

6、“古艺术”和“新艺术”

7、法国的行吟诗人

8、德国的行吟诗人

（二）教学基本要求：

1、了解中世纪教会音乐

2、了解中世纪世俗音乐

（三）教学重点难点：格列高利圣咏；唱名法的起源和六声音阶的唱名体系；记谱法的演进；复调音乐的萌芽；“古艺术”和“新艺术”；法国的行吟诗人。第四章：文艺复兴时期的音乐

（一）教学内容：

1、概述

2、文艺复兴时期的各个乐派

（二）教学基本要求：了解文艺复兴时期的各个乐派的音乐特征

（三）教学重点难点：文艺复兴时期的各个乐派

第五章：巴罗克时期的音乐——歌剧、清唱剧和康塔塔（上）第六章：巴罗克时期的音乐——歌剧、清唱剧和康塔塔（下）第七章：巴罗克时期的音乐——器乐的发展（上）第八章：巴罗克时期的音乐——巴赫和亨德尔

（一）教学内容：

1、歌剧的诞生

2、清唱剧和康塔塔的诞生

3、巴罗克时期的器乐

4、巴罗克时期的音乐家巴赫和亨德尔

（二）教学基本要求：

1、了解西方歌剧的起源。

2、了解巴罗克时期的声乐清唱剧和康塔塔的发展。

3、了解巴罗克时期的音乐家巴赫和亨德尔的生平事迹及音乐风格与特征。

（三）教学重点难点：歌剧的诞生；清唱剧和康塔塔的诞生；巴罗克时期的器乐；巴罗克时期的音乐家巴赫和亨德尔 第九章：从巴罗克过渡到古典音乐

（一）教学内容：

1、典雅风格和动情风格

2、曼海姆乐派

3、格鲁克的歌剧改革

（二）教学基本要求：

1、了解典雅风格和动情风格及曼海姆乐派。

2、了解格鲁克的歌剧改革的重要性。

（三）教学重点难点：典雅风格和动情风格；格鲁克的歌剧改革 第十章：维也纳古典乐派（上）第十一章：维也纳古典乐派（上）第十二章：维也纳古典乐派（下）

（一）教学内容：介绍维也纳古典乐派的音乐家海顿、莫扎特、贝多芬

（二）教学基本要求：了解维也纳古典乐派的音乐家海顿、莫扎特、贝多芬的生平事迹及音乐风格与特征。

（三）教学重点难点：介绍海顿、莫扎特、贝多芬的生平事迹及音乐风格与特征。

欧洲音乐简史教学计划 第2篇

教学准备

1.开展调查，根据学生学习状况及主动性合理分配学习小组。2.设计学生专题研究的欧洲古典音乐模板发给学生。3.要求学生考虑自己对欧洲古典音乐的初步认识。

4.联系好具备上网及投影功能的多媒体教室或网络教室，教师个人准备好优盘。5.事先交给学生在多媒体教室或网络教室中的座位表。

专题1: 巴洛克时期音乐

1.准备好录音机、CD、MP3供学生播放磁带、光盘或网络音乐。2.向学生播放《哈利路亚》和《马太受难曲》

专题2: 古典主义时期音乐

1.提供给学生电子画作《最后的晚餐》及阅读物《卡通绘画中的透视原理》。2.提示学生填写《学生探究活动记录》专题二之1—4部分。

3.提醒学生各学习小组需制作多媒体演示文稿供学校电视台滚动播出，并出版宣传板报在操场作全校展示；每位同学亦需写作小论文一篇，将实践中的收获感知作全面总结

专题3: 浪漫主义时期音乐

1.告知学生做数字诗歌游戏比赛的规则。2.提醒学生携带学习工具：尺、笔、橡皮。

3.提醒学生携带包含有黄金分割特征的绘画、雕塑、摄影等作品。4.提示学生填写《学生探究活动记录》专题三之1—4部分。

专题四：理论探讨

1.安排好理论探讨时的教学环境布置。

2.提示学生填写《学生探究活动记录》专题五之1—4部分。

3.提示学生填写《科学与艺术K-W-L表》中的第3 列，说明通过“科学与艺术”的主题学习自己学会了什么，有哪些收获。4.完成综合作业：一是写作一篇议论文来综合阐述科学和艺术的关系，二是完善制作的多媒体演示报告。

教学实施后

欧洲音乐简史教学计划 第3篇

古典音乐, 在乐界, 因其主要体现理性的情感表达方式, 而被更多的学者认为是所谓的“严肃音乐”。[1]在我国, 80后、90后这些从出身就带有强烈自由主义色彩的一代, 更多地把个人喜好放在了情感宣泄自由的浪漫主义音乐上, 逐步远离了带有强烈“严肃”色彩的古典音乐。因此, 在自由主义蔓延的当代, 如何正确引导和培养年轻的音乐人对古典音乐的兴趣, 也就成了音乐教育中一个急需解决的教学难题。[2]

多元化的教学方式往往因其耳目一新的授课方式, 而更容易被学生所关注和接受。通过对古典音乐深厚的文化背景的研究, 本人采用以下的教学方式, 取得了良好的授课效果。

在古典音乐的教学课程中引入欧洲古典文学赏析课程

1750-1820年的欧洲, 恰逢古典主义文学和启蒙文学盛行的时代, 从莎士比亚、塞万提斯到巴洛克文学的兴起, 无不体现当时新文化新思潮的改革, 随即出现了昌盛一时的古典主义文学, 兴起于当时文化科技繁荣的法国, 随后扩展到欧洲其他国家。古典主义文学思潮是新兴的资产阶级和当时封建贵族在政治上妥协的产物。它和古典音乐的特点类似, 有着鲜明的时代特色。

因此, 在课堂教学中, 加入古典文学课程赏析, 通过对时代背景的理解, 对当时文化意识形态的理解, 更容易加深学生对音乐旋律背后诠释的文化的融会贯通。往往可以通过鼓励学生用自己的想象力复原文学作品中表达的大时代, 同时鼓励学生用自己对于音乐的理解力通过自己独有的方式呈现当时的文学作品以及那个时代的特征, 再对比古典音乐的表现形式, 不仅可以激发自我的创作能力, 同时通过对比和创作, 更有效地吸收了古典音乐的精华, 且达到了学以致用的效果。

在古典音乐的教学课程中引入欧洲古典舞蹈赏析课程

舞蹈是在三度空间内用身体为语言的一种交流方式, 是用人体的运动来体现的一种艺术形式。而且舞蹈往往借助音乐伴奏, 用形体的动作更加丰富地诠释音乐的力量。舞蹈赏析是通过观赏舞蹈时, 对舞蹈作品的感受、体验以及理解思考的整个过程, 其本质上是一种认识活动同时伴有自我思维的升华过程。舞蹈作品很直接很形象地反映当时的社会生活、人物的情感特点、舞者对于生活的自我审美, 是一种全方位多人共同参与表达的艺术形态。

在意大利文艺复兴时代, 芭蕾作为欧洲古典舞蹈的经典流行并逐渐职业化。芭蕾在发展过程中有严格的规范和结构形式, 要求女演员穿特制的足尖鞋立起用脚尖起舞。在古典芭蕾舞剧的赏析课程上, 我们要求学生尽量重现18世纪的场景。我们的课程设计上, 尽量模拟18世纪的欧洲剧场, 前10分钟, 学生通过阅读相关舞剧简介, 对接下来赏析的舞剧有个最基本的了解, 接着通过对《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》等经典芭蕾舞的赏析, 有一个全面直观丰富的体验。最后, 在课程结束前通过简短的讨论和提问来对比古典舞蹈配乐和整个舞台效果与真实的古典音乐之间的差异, 理解所谓的欧洲现实生活和欧洲当时理想的意识形态之间的差异, 从而轻松地理解所谓古典音乐严肃背后的理想主义色彩, 通过讨论和提问的形式来达到每个学生的自我理解消化, 且所提问题不当堂解决, 留为下一节课程的授课中心, 学生和老师共同准备下一堂的教学内容。

在古典音乐的教学课程中引入绘画赏析课程

在中世纪的欧洲, 人们常常将绘画称为“猴子的艺术”, 指的是人类如同猴子一样通过绘画的方式模仿人类活动, 因此绘画是一种临摹自然的艺术, 因为每个人对自然的理解有偏差也有自我的独特性, 绘画里面通过夹杂了画者不同的自我风格, 而体现不同的意识流。

在教学中, 我们主要加入对理性主义的“拉斐尔前派”作品的赏析, 因为这个学派往往取材于神话、宗教传说以及一些文学作品, 通过画者的理解和幻想而表达出来的, 如《世界之光》、《盲女》、《基督家庭》等代表作。通过对这些作品的赏析, 不但可以通过作品了解到当时西方很多的神话、宗教故事等文化起源的故事, 同时还可以了解到18世纪欧洲的画家对于文化起源的理解和自我剖析, 可以更全面地理解当时文化时代的意义, 也理解到所谓“严肃”音乐在那种特定的时代大背景下为何“严肃”的原因。[3]

只要音乐教育者肯下功夫, 结合时代特色, 采用多元化教学, 古典音乐也必将冲破“严肃”音乐的局限性, 被年轻的音乐人和更多的音乐爱好者所喜爱和接受。

参考文献

[1]宋莉莉.西方音乐简史与欣赏[M].济南:山东大学出版社, 2007.

[2]周佳毅.浅谈中国古典音乐现状及发展前景[J].声乐舞蹈, 2012, 09:119.

欧洲杯吉祥物简史 第4篇

这个夏天的欧洲杯不仅被很多法国人视为重新振作起来的转折点，更是团结整个欧洲的良好契机。尽管海峡对岸的英国人刚刚投票宣布他们准备退出欧盟，但赛场上的热烈气氛却丝毫没有受到影响。

咧着嘴露出阳光笑容的本届欧洲杯吉祥物“超级维克多”（Super Victor）毫无疑问为赛事增添了不少的积极奋发精神，传达出乐观的正能量。这个拥有棕色短发和棕色眼睛的卡通男孩身着蓝白主色的16号球衣，身披红色的超人斗篷，一身装束象征着法国国旗的蓝白红三色。

组委会称，“超级维克多”是一个热爱踢足球的法国男孩，他在踢球时偶然获得了一箱宝物，赐予他常人没有的超能力——然而这种略显“中二”的官方设定却不是“超级维克多”身上的最大槽点。

自2014年11月问世之后，媒体和球迷们就发现，这个男孩还真是长得特别像某个球员啊：英国《每日镜报》调侃称，组委会一定是照着德国队的马尔科·罗伊斯来设计的，因为“那飘逸的发型和正太面庞，全欧洲只有罗伊斯有”。不幸的是，罗伊斯最后并没有入选到今年的德国国家队阵容，不知道这是不是应该要怪大嘴巴的《每日镜报》？

同样是来自英国的媒体《卫报》在开赛前又“调戏”了可怜的维克多。该报发现，“超级维克多”这个名字和一款早已经注册商标的成人情趣用品重名了，这让组委会感到非常尴尬。《卫报》称，球迷们通过在线购物网站便可以搜得到这款情趣用品。显然，组委会在定名之前犯了一个错误：他们没有事先查证好商标的使用情况。

组委会的官员表示，“超级维克多”是由球迷投票选出来的。一位发言人表示：“我们唯一能说的就是，那些情趣玩具不是欧足联生产的。”

事实上，使用卡通男孩形象并非今年欧洲杯的首创。自1980年意大利欧洲杯首次出现吉祥物以来，11个吉祥物中有6个都是像“超级维克多”一样的卡通男孩。查阅历史不难发现，小男孩的走红始于2004年的葡萄牙欧洲杯，从那往后到今年的法国，所有主办国都采用了正太作为其吉祥物。

1980年 意大利 匹诺曹 Pinocchio

熟悉迪士尼动画的人都知道，匹诺曹是一个讲了大话鼻子就会变长的动画人物。这个人物最早出现在意大利作家科洛迪的童话故事中。意大利国旗的白红绿三色被涂到了匹诺曹的长鼻子上，主办方称这可以警告球员们不要作弊。

1984年 法国 佩诺 Peno

佩诺是一只象征法国国家形象的“高卢雄鸡”——它形象卡通，温和喜人，没有丝毫的攻击性。不过，这只身穿法国队球衣、戴着白手套的鸡充满了上世纪的美术设计感，被吐槽像极了某快餐品牌的吉祥物。

1988年 西德 伯尔尼 Berni

画风同样怀旧的这只兔子吉祥物和瑞士首都伯尔尼重名：西德人这是为了向伯尔尼这座城市致敬。1954年，西德国国家队在伯尔尼夺得世界杯冠军，造就了“伯尔尼奇迹”

1992年 瑞典 兔子 Rabbit

瑞典人在节约成本方面可谓身体力行。这届欧洲杯的吉祥物不仅创意直接从上一届那里借鉴，还连名字都懒得取了。反正谁都看得出来，它是一只兔子。

1996年 英格兰 格莱亚斯 Goaliath

“三狮军团”的主场使用狮子作为吉祥物顺理成章。不少媒体认为，格莱亚斯和1966年英格兰世界杯的吉祥物“威利”长得很像——在那届世界杯上，英格兰主场夺冠。可见在吉祥物上寄托当年的荣光并非德国专利。

2000年 荷兰/比利时 本乐拉奇 Benelucky

本乐拉奇也是一只狮子，不过是一只造型比较独特的狮子：除了拥有恶魔的角之外，他还有一圈五色鬃毛：黑黄红白蓝分别代表了荷兰和比利时国旗上的五种颜色，突出两国混血的意义。

2004年 葡萄牙 基纳斯 Kinas

24年后再度引领起小男孩风潮的基纳斯拥有一身小麦色的皮肤，这令人想起南欧海岸那些热爱足球的阳光少年。

2008年 奥地利/瑞士 特里斯和菲里斯 Trix and Flix

又是两国合办，这次主办方没有绞尽脑汁地搞出一个混血动物，而是选择了由华纳兄弟设计出的一对双胞胎的方案。加上奥地利和瑞士两国国旗都只有白红两色，所以配色上来看还算干净不杂乱。

2012年 乌克兰/波兰 斯拉维克和斯拉沃克 Slavek and Slavko

再度由华纳兄弟出马设计，造型和创意同上一届基本没有出入。

西方音乐简史 第5篇

中世纪（即从475年西罗马帝国灭亡，欧洲封建社会建立开始，至文艺复兴以前的一段“黑暗”时代）欧洲意识形态领域和一切艺术的是基督教。那时唯一合法的、正统的音乐形式是起源于四、五世纪的圣咏（chant），包括占主导地位的格里高利圣咏和更古老的安布罗西圣咏（后者至今仍在米兰的教堂中使用）。这种纯粹宗教用途的音乐只限于在教堂中由唱诗班演唱，没有乐器伴奏，是纯粹的单音音乐（不分声部，大家都唱一样的旋律），分为利底亚、弗里几亚等四种调式及其变格调式。一开始欧洲还没有合适的记谱法，只能采取口耳相传的方法记录流传音乐文献。后来最早的记谱法“纽姆谱”发展出来，但只能用简单的线条暗示音的长短高低。总的来说，中世纪欧洲音乐除了宗教音乐与其它艺术一样遭到压制，但在虔诚的宗教信仰激励下音乐家们（那时都是教士）创造了不少优秀的圣咏精品，难怪前几年有一张圣咏唱片（由西班牙一个修道院的修士演唱）在Bill Board排行榜上名列前茅数月之久。单声的声咏后来开始在旋律线下方四度加上平行的旋律线，形成了最早的和声。

2.1450年至1600年--文艺复兴 十四、十五世纪罗马教庭在与世俗君主的政治斗争中多次被挫败，威信与势开始衰落；同时欧洲一些地区如意大利日益繁荣的贸易和手工业造就了最早的产阶级和金融贵族，城市经济的发展产生了大批的市民。他们迫切要求有为自服务的艺术形式，反对教会的束缚，宣扬以人而不是以神为本的人文主义，在文学、建筑、美术也包括音乐 域里展开了轰轰烈烈的文艺复兴运动。

音乐史上的文艺复兴起始于1450年左右。那时一批有才华的音乐家云集在勃艮第（相当于今天法国北部、比利时一代）宫廷，显示出一派歌乐升平的气象，被称为“法兰德斯乐派”。此时音乐家们主要使用一些日益改进的弦乐器如诗琴，音乐内容开始涉及世俗生活，记谱已经使用点线组合的形式，称的上是今天五线谱的鼻祖，到十六世纪中后期开始使用四线、五线谱记谱，教会调式逐步解体，大-小调体系逐渐形成。

宗教音乐也继续发展。一个重大事件是马丁·路德的宗教改革，宣扬人人皆可凭借虔诚信仰与上帝相通。路德创造了众赞歌这一群众化的音乐形式，由教徒在礼拜仪式上自行演唱。同时，罗马教庭为了对抗宗教改革，力图强化圣咏在宗教音乐中的统治地位。帕莱斯特里那发展了织体复杂的多声部圣咏，把这一体裁推向了发展的高峰。

??在16世纪后期，中世纪的调式音乐逐渐进化成以大小调为基础的调性音乐；人文主义者也发出了“与对位法战斗”的呼喊，单声音乐随著古希腊和罗马衰亡而消失1000年后再次回到了历史舞台上。

3.1600年至1750年--巴罗克时代

巴罗克时代是欧洲音乐大发展的时代。在这150年的历程中，歌剧、协奏曲、奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。感兴趣的读者可以参阅精华区在下的拙作《巴罗克实况》，在此不加赘述。.1750年至1827年--古典时期

1750年巴赫逝世后欧洲复调（即由多个并行发展的旋律线交织成复杂的织体作曲手法）后继无人，早在此二十年前欧洲乐风就转向简洁实用的主调（即旋律+和弦的作曲手法）。

在这个时代大显身手的是维也纳古典乐派的三位大师：海顿（交响乐之父）、莫 扎特（音乐神童）、贝多芬（乐圣）。在欧洲启蒙运动和大革命的洗礼中，欧洲音乐的主题从延续近千年对神的虔诚转移到对理性的崇尚上来，使得古典时期的作品具有丰富的哲理内涵。

5.1827年至19世纪末--浪漫主义时期

1827年贝多芬的逝世结束了严谨的古典主义时期。此时的欧洲文化正经受浪主义潮流的洗礼。这一时期的作曲家把作曲作为抒发自我感情的手段，作品中现出他们内心中丰富复杂的感情。这一时期还涌现出一大批演奏家，如帕格尼、李斯特等，多以辉煌的炫技手法给人以强烈的审美冲击。十九世纪中后期随欧洲民族主义思潮的抬头，一些民族国家开始有了用自己民族音乐语言进行创的音乐家如芬兰的西贝柳斯、挪威的格里格、俄罗斯的强力集团等，可称之为族乐派。

6.19世纪末至20世纪初--印象主义潮流

音乐上的印象主义与绘画上的印象派或有相通之处--都十分注重色彩(尽管音色彩和颜料的色彩不同)和外界景象在艺术家本人心中的印象。德彪西和拉威尔此派的代表人物。

7.20世纪--多元化的发展趋势

20世纪西方音乐发展方向多元化。影响较大的有本世纪初勋伯格的十二音体和斯特拉文斯基的新古典主义等。勋伯格的十二音作曲法彻底废弃了统治欧洲 音乐近400年的调性体系，十二个音有同等重要的地位，这一体系为他的弟子贝尔格所继承。斯特拉文斯基的新古典主义崇尚复调和对位法，在调性方面采用多调，并不象勋伯格的无调性走的那样远。

20世纪特别是战后西方音乐发展流派众多，如无声音乐、噪声音乐、微分音乐等，电子合成器等新的技术手段更为标新立异的音乐家们提供了新的武器。西方音乐发展潮流日益多元化，不象以前可以冠以“xx时代”。

中国音乐简史剖析 第6篇

选择、填空

1、哪个省出土的彩陶盆上刻有我国目前已知最早的乐舞图像？ 青海省大通县

2、歌颂夏禹治水的乐舞是？歌颂商汤灭夏的乐舞是？ 《夏籥》、《大濩》

3、铙、甬钟、钮钟的区别。有柄，口朝上击奏的钟为“铙”；有柄和旋环可供悬挂的钟为“甬钟”，无甬只有悬挂用钮的钟成为钮钟

4、周代乐官中级别最高的叫什么？ 大司乐

5、西周学校教育中，乐的学习内容包括什么？ 乐德、乐语和乐舞

6、六代乐舞是指哪六部？ 黄帝时《云门大卷》、唐尧时《咸池》、虞舜时《韶》、夏禹时《夏籥》、商汤时《大濩》

7、孔子对哪部乐舞的评价是“尽善尽美”。《韶》

8、《诗经》中的哪一部分是民间歌曲？ 风

9、屈原的作品。《离骚》、《九歌》、《天问》、《九章》、《远游》、《卜居》、《渔父》

10、谁的什么作品被认为是我国说唱音乐的远祖？ 荀子的《成相篇》

11、“八音”分类法是指什么？各类分别包括哪些具体的乐器？ 依乐器制作材料的不同把乐器分为金、石、土、革、丝、木、匏、竹八类。金类乐器：铜铃、铜鼓、铜铙/石类乐器：磬/土类乐器：陶玲、陶鼓/革类乐器：应鼓、县鼓/丝类乐器：瑟、筝、筑/木类乐器：木鼓/匏类乐器：笙，竽/竹类乐器：箫、笛、管

12、在哪个省发现了曾侯乙编钟？ 湖北省

13、儒、道、墨各家音乐思想分别是什么？

儒家音乐思想是：尽善尽美；礼乐治国；移风易俗，莫善于乐；与民同乐；“中和”。道家音乐思想是：大音希声，大象无形。墨家音乐思想：对音乐持否定态度，反对儒家礼乐思想。

14、汉代北方民间歌曲的总称是什么？ 相和歌

15、相和大曲的结构是由哪几部分组成？ 艳、曲、趋、乱

16、以聂政刺韩王为表现内容的琴曲是什么？ 《琴操》

17、嵇康的音乐美学思想是什么？ 音乐和万物一样，也是由天地间的元气所产生，它是客观存在的，与人的主观情感无关。提出声无哀乐的主要观点。

18、清商乐包括哪两部分？ 中原旧曲、江南吴歌和荆楚西声

19、故事歌舞形式有哪些？《踏谣娘》、《代面》、《苏中郎》、《拨头》 20、龟兹乐、疏勒乐、西凉乐分别是指哪个地方的音乐？

龟兹乐：今新疆库车一带/疏勒乐：今新疆西南喀什、疏勒、英吉沙一带/西凉乐：今甘肃武威、张掖一带

21、我国目前仅存的一首以文字记谱的琴曲是什么？作者是谁？ 《碣石调、幽兰》，丘明

22、王维的《阳关曲》又叫做《阳关三叠》。

23、唐代宫廷按照表演方式怎么分类？坐部伎、立部伎

24、隋唐民间歌舞音乐包括哪些？没有故事情节和有故事情节的两类

25、教坊和梨园是唐代新设的音乐机构。

26、琵琶、五弦、阮咸分别指什么？ 琵琶：四项曲项琵琶/五弦：五弦直项琵琶/阮咸：中国固有直项、琴身梨形阮咸

27、羯鼓被唐玄宗誉为“八音之领袖”。

28、唐大曲的代表作有哪些？ 《霓裳羽衣曲》《秦王破阵乐》

29、古籍中描写鼓的唯一专著是哪部？《羯鼓录》 30、宋元时期主要的商业演出场所是什么？瓦子中的勾栏

31、宋元时期的歌曲艺术包括哪些？宋代曲子的创作方法。曲子、唱赚。创作方法：旧乐填词和新创词曲

32、宋代曲子按源出大曲某一结构部分怎么分类？ 令、慢、引、序、近、歌头

33、有哪些曲子形式属于宋代曲子？叫声、嘌唱、小唱、34、谁的作品是我国现存最早的有明确作曲家的声乐作品？姜夔

35、现存最早用减字谱记录的琴曲是什么？琴歌《古怨》

36、元散曲的曲体形式有哪几种？小令、带过曲、散套

37、宋元说唱艺术包括哪几种？鼓子词、诸宫调、货郎儿

现存最完整的一部诸宫调作品是哪部？ 金代董解元《西厢记诸宫调》

38、宋元戏曲分为哪两大类别？ 杂剧和南戏

39、关汉卿的代表作。《窦娥冤》、《单刀会》、《望江亭》、《救风尘》

40、《西厢记》的作者是谁？王实甫

41、四大南戏（传奇）是哪四部作品？ 《荆钗记》、《刘知远白兔记》、《拜月亭记》、《杀狗记》

42、《琵琶记》的作者是谁? 高明

43、最早传入我国的键盘乐器是什么？兴隆笙

44、郭沔的代表作。《潇湘水云》

45、范镇总结的我国两种调名体系是什么？之调，为调

46、我国第一部音乐百科全书是《陈旸乐书》。

47、《琴史》是现存最早的琴史专著。

48、冯梦龙编辑的民歌集有哪些？ 《挂枝儿》、《山歌》、《夹竹桃》

49、明代四大声腔指什么？ 海盐腔、余姚腔、弋阳腔、昆山腔

50、标志着昆曲正式成熟的是哪部作品？ 梁辰鱼《浣纱记》

51、洪昇《长生殿》、孔尚任《桃花扇》。

52、囊玛是藏族传统的歌舞形式。

53、谁发明的什么律学彻底解决了“黄钟不能还原”的问题。明代朱载堉，“新法密律”

54、我国现存最早的琴谱集是谁编辑的什么？ 明代朱权《神奇秘谱》

55、我国现存最早刊行的琵琶曲谱集是什么？ 《华秋苹琵琶谱》 名词解释

1、礼乐制 “礼”是宗法制度和等级制度相互结合的礼仪，“乐”是音乐，包括乐队、乐舞的编制，乐曲、乐舞的使用等，是周代统治阶级为巩固等级名分、将“礼”与“乐”相结合制定出的维护天子权威的制度，包括对不同场合、不同等级的人在使用乐曲方面的规定，以及不同等级的人在使用乐队、舞队时的编制的详细规定等内容。

2、三分损益法 ：把一个振动体（及弦长）的长度均分为三段，去掉它的三分之一，得三分之二，称“三分损一”，如果加上它的三分之一，得三分之四，称“三分益一”，这种取率的方法称“三分损益法”。

3、乐府：包括三种含义：第一指音乐机构，始建于秦朝，汉武帝时进行了扩建，汉哀帝时撤销，主要任务是采集民间歌谣、加工配乐、创作并填写歌词、创作和改编曲调、研究音乐理论、进行演唱和演奏； 第二是指乐府机构采用过的诗歌，以及后人作的类似的民间诗歌或文人诗作；第三是指将套用歌词体式入乐或不入乐的，曾和音乐有关的各种体裁的音乐、文学作品。

4、唐大曲 ：唐大曲是综合器乐、声乐和舞蹈于一体的大型歌舞音乐，是由同一首宫调的若干遍组成的成套乐舞，分为散序、中序、破三大部分。每一部分又有若干小乐段，长度因曲而长短不等。

5、变文：唐代寺院僧侣讲唱的俗讲和民间艺人表演的转变，其底本就称作“变文”。内容包括宣传佛法的“讲经”，和以讲经为目的，但附有故事和动听的音乐的“经变”，以及只讲唱历史、人物或传奇故事，由男女伎艺人在“变场”（寺院之外的场地）表演的“俗变”三种，是散文和韵文相间的叙事体裁，表演形式分为只唱不说、只说不唱、有唱有说三种。

6、唐代燕乐：广义上燕乐是相对于“雅乐”来说的俗乐，包含唐十部乐和教坊乐。次广义上的燕乐是专指一种特殊风格的音乐，融胡俗乐于一体，尤其是龟兹乐。狭义上的燕乐是专指唐贞观时期张文收所作的《景云河清歌》。

7、曲子词：曲子的歌词部分被称作“曲子词”，在唐以前以整齐句式为主，唐末和五代以来转向了长短句形式，到了宋代，长短句式的曲子词被称作“宋词”，后逐渐发展为独立的文学体裁。

8、诸宫调：宋元时期一种结构庞大的长篇说唱艺术，由北宋艺人孔三传所创。歌唱部分由多套曲牌组成，每套曲牌用一个宫调，但各套的宫调则互不相同，其曲调来源于唐宋大曲、曲子和市民音乐中的各种乐曲，表演形式为一人讲唱到底，同时自击鼓或者锣，另有拍板和笛伴奏。

9、汤显祖：明代戏剧家，代表作有“临川四梦”，分别是《牡丹亭》、《紫钗记》、《南柯记》、《邯郸记》。

10、唱赚：宋代艺术歌曲形式之一，其特点是以“缠令”和“缠达”的曲式结构将各类曲牌组成成为套曲进行演唱。缠令为前有引子后有尾声，中间由若干同宫的不同曲牌连缀而成；缠达为前有引子，后由同宫的两个曲牌反复交替而成。

11、十二木卡姆：是一种历史悠久的维吾尔族的民间歌舞，因有十二套而得名，每套木卡姆在音乐结构上大致分为三部分，此外。木卡姆还有二部分、四部分、五部分的结构形式。演唱时一般席地而坐，形式有独唱、对唱和齐唱。简答题

1、简述唐大曲的艺术特征。答：唐大曲是综合器乐、声乐和舞蹈于一体的大型歌舞音 乐，是由同一首宫调的若干“遍”组成的成套乐舞，以流行的诗篇配乐叠唱。在段落上分为散序、中序、破三大部分，每一部分又有若干小乐段，长度因曲而长短不等。散序的节奏自由，由器乐独奏、轮奏或合奏；中序是节奏固定的慢板，歌唱为主，器乐伴奏，舞或不舞不一定；破的节奏可以多次改变，由散板入节奏，逐渐加快，以至极快，舞蹈为主，器乐伴奏，歌或不歌不一定。

• 伴奏乐器是一个有弦有管有打击乐器的大型乐队。• 曲调方面，中外曲调都有运用。

2、简述宋元时期音乐艺术的特征。答：宫廷音乐的衰落和市民音乐的崛起，是宋元时期音乐艺术的两个重要特征。

1、宫廷音乐的发展特点：向着小型、精致的审美趋向发展，规模随着朝廷内外交困的加剧而缩小。

2、市民音乐特征：第一，具有商品经济性质。宋元时期社会的商品化程度较高，这使得风靡社会的市民音乐也被掘出商机；第二，具有固定的演出场所。宋元时期主要的商业演出场所是“瓦子” 中的“勾栏”，是城镇中商品交易和娱乐活动的集散地；第三，具有职业艺人和专业行会组织。艺人们以专业之分，组织起了自己的行会团体，称之为“社会” ；第四，具有主流音乐的地位。市民音乐兴起后，以其追求通俗、参与和娱乐的审美特征迅速吸引了文人阶层和统治阶层，表明市民音乐已被整个社会所接受；第五，具有以综合艺术音乐为主体的样式，其中的戏曲音乐是时代音乐的代表。

3、简述诸宫调的艺术特征。

答：诸宫调是由孔三传首创的一种大型的说唱形式，运用多种宫调组成套曲表现内容复杂的长篇故事。

音乐构成形式有两种：一种是不同宫调的单个曲牌联缀，曲间插入说白；一种是若干不同宫调的套曲联用，一个套曲是由同一宫调的若干曲牌组成，可以是以同宫调的一个曲牌重读二、三次，后续尾声，也可以是同一宫调的若干不同曲牌接一尾声组成的缠令或缠达。表演形式为一人讲唱到底，同时自击鼓或者锣和水盏，另有拍板和笛伴奏。

4、简述元杂剧与南戏在音乐上的区别.答：元杂剧的音乐称作北曲，南戏的音乐称南曲，北曲偏于高亢、雄健、粗犷，南曲偏于婉转、细腻，二者各有特点，有着明显的区别： ①北曲的旋律由七声音阶构成，旋律多用跳进，激昂的大跳进行运用也很普遍；南曲用五声音阶，无変徵、变宫二音，旋律多舒缓的级进； ②宫调运用：北曲套数对宫调运用有严格的规范，一折一个套曲只用一宫，每一套数中的曲牌连缀也有一些固定格式，南曲没有刻意的定规，一套曲子可有两三个宫调；③在演唱样式上，杂剧多由旦或正旦一个角色主唱到底，南戏则没有一人主唱的约束，各行角色都可随时演唱，并采用独唱、合唱、对唱和轮唱等多种歌唱形式；④在曲牌连接上。南戏将同一宫调的南曲与北曲的曲牌相间连缀成套，创造了“南北合套”的形式；⑤在曲调运用上，南戏的生、旦等正剧人物多用典雅凝重的曲牌，净、丑等喜剧人物多用诙谐轻松的民歌。论述题

1、详细论述宋元时期的戏曲音乐。宋元时期的戏曲主要有杂剧和南戏两大类别。

①、宋杂剧是宋代北方的一种戏曲形式，结构通常为两段：一称艳段，是开场小段，二是正杂剧，是故事的杂剧主体，后面有时加上尾段，称为散段。音乐来源于唐宋的大曲、法曲、词调和市民音乐。音乐表现形式为歌唱与说白交替出现，并有乐器伴奏。

②、元杂剧是元代在宋金杂剧基础上发展而成的一种高度成熟的戏曲艺术，结构一般为一本四折，有时可加引子或插部，表演由曲、宾白、科三部分组成，多半由一个角色主唱到底。唱腔为曲牌体，统称为北曲，旋律一般为七声音阶。音乐结构具有一折一宫一套的严密逻辑关系，即每一折用同一宫调的若干曲牌组成一个套数，主要伴奏乐器是笛、鼓、板、锣。

③、南戏是宋元时期流行于我国南方的一种戏曲艺术。在曲牌体唱腔上，以采用五声音阶的南曲为主；在宫调使用上，一套曲子可有两三个宫调；在演唱形式上，没有一个人主唱的约束，各行角色都可随时演唱，并采用独唱、对唱、轮唱和合唱等这种歌唱形式；在曲调运用上，生、旦等正剧人物多用典雅凝重的曲牌，净、丑等喜剧人物多用诙谐轻松的民歌，创造“南北合套”的形式，即将同一宫调的南曲与北曲的曲牌相间连缀成套。

2、请详细论述明清时期说唱艺术的种类、特征及流派。答： 明清时期的说唱艺术在宋元说唱的基础上，有的名称发生了变化，有的衍生出许多分支和流派，有的在相互交流、融合后又孕育出新的艺术品种，绝大部分的说唱种类都流传到了近现代，主要有以下几类：

① 鼓词类。主要流行于北方，表演时演唱者自击鼓板掌握节奏，其他的伴奏乐器还有三弦、琵琶、二胡等，流传到各地后与各地方言、民歌、小调结合，发展出“大鼓”的形式，如木板大鼓、西河大鼓、京韵大鼓等。

② 弹词类。主要流行于南方，演唱形式一般为自弹自唱，演员表演时采用坐唱的形式，演唱篇幅可长可短，在清朝曾涌现出一批著名的弹词家，其中以陈遇乾的“陈调”、俞秀山的“俞调”和马如飞的“马调”最为著名。

公选课——西方流行音乐简史 第7篇

西方流行音乐简史

与作品赏析

教 案

喀什大学艺术学院

姜 可

第一讲 爵士乐

教学目标：学习爵士乐的起源与发展脉络，了解爵士乐的几种主要的风格流派，赏析具有代表性的爵士乐名家名作。

教学重点：爵士乐的起源、爵士乐的发展脉络、爵士乐的风格流派。教学难点：了解和掌握爵士乐的几种主要的风格流派，欣赏主要代表作品。教学方法：讲授法、讨论法、赏析法等 教学用具：教材，多媒体 教学课时：4课时

教学内容：

一、爵士乐的起源

1.爵士乐的来源——布鲁斯和拉格泰姆

布鲁斯：南北战争后，黑人民间产生的一种演唱形式，与黑人的种植园歌曲有着一脉相承的关系。即兴——专门作曲；农村——城市

音阶：自然大调音阶增加降Ⅲ级和降Ⅶ级音 1 2 b3 3 4 5 6 b7 7 节奏：三连音

拉格泰姆：最初是一种钢琴音乐，是在黑人音乐的基础上，吸收了欧洲音乐特点发展起来的，特点是复杂的切分。2.爵士乐的发源地——新奥尔良

爵士乐于19世纪末、20世纪初诞生于美国南部城市新奥尔良

二、早期爵士乐 1.新奥尔良爵士乐

杰利·莫顿

2.芝加哥爵士乐

与新奥尔良爵士乐的区别：⑴增加了萨克斯管（后来成为爵士乐队标配），用吉他代替班卓琴；⑵音乐更加紧张、激烈，更有驱动力，常用2/4拍代替4/4拍；⑶单独的乐器独奏更为突出，引子和尾奏应用普遍。路易斯·阿姆斯特朗

三、摇摆乐

20世纪30年代，一种由大乐队演奏的，具有黑人音乐风格，并极具舞蹈性的爵士乐——摇摆乐，开始在纽约兴起。

1929年，美国爆发经济危机，整个国家呈现经济大萧条景象，银行倒闭、工厂停工、铁路公司破产、失业工人剧增，与音乐有关的唱片业衰落，爵士音乐家录制唱片的机会锐减，这时，只有在纽约的舞厅里仍然活跃着大型伴舞乐队，而且雇佣爵士乐师，于是，很多爵士音乐家从芝加哥来到纽约，开始了30年代纽约大型爵士乐队的新时期（又称“大乐队”时期）。

艾林顿公爵

四、比波普

大型乐队在第二次世界大战结束时就已经衰落，主要原因在于大 型乐队演奏的摇摆乐已经千篇一律、缺乏新意。特别是有些年轻的黑

人音乐家觉得，爵士乐为了取悦白人听众，已成了大众娱乐的工具，失去了自己的艺术个性和艺术表现。于是，他们企图创新，追求一种

新的风格，这种新风格就是“比博普”（Bebop），简称“博普”（Bop）

比博普音乐让人听起来好像是随意的、神经质的，但是它充满了

激情和紧张的动力，是演奏家精心设计、全心投入的创作，是自我陶

醉的产物，它又回到了小乐队形式，通常由3至6人组成。他们强调

个人的即兴演奏，并且演奏时不用乐谱，这一点正是他们用来抗衡摇

摆乐按谱演奏的一大举措。

五、冷爵士和硬波普 1.冷爵士

20世纪40年代末，作为对比博普的反应，出现了一种全新的、柔美的，更温馨、更舒缓放松的爵士风格，这就是所谓的“冷爵士” 它主要由白人音乐家组成，并集中在美国西海岸，故又称“西海岸爵

士”。

音调轻柔淡雅，音质柔和干爽，常体现出一种松弛感，演奏

更舒缓平滑。有人认为，冷爵士是为亲密爱人和浪漫风景线而准备的音乐。至今成千上万的咖啡馆和酒吧里仍然播放着冷爵士。

迈克尔·戴维斯

戴夫·布鲁贝克 2.硬博普

20世纪50年代，冷爵士几乎领导者整个爵士乐坛，但是并非

人人都喜欢“冷”，与此相对的，60年代爵士乐的另一半江山由硬

博普所统辖。

硬博普于50年代末在纽约黑人乐师中兴起，他们不满于冷爵士

那种深受古典音乐影响的风格，力图复兴比博普，并强调黑人音乐

原有的强劲节奏，突出激昂、热烈和持续的特征；旋律中的间歇处

添以华彩、激进的古典。

六、自由爵士

20世纪60年代，爵士乐创作飞速发展，创作者想尽一切办法

来进行创新，他们打破了一切传统的创作规律，试图破坏结构和调性的感觉，引进意外因素。

特点：1.自由调性

2.全新的节奏概念，将节拍与对称性统统打乱 3.从世界各地的音乐中汲取素材 4.把乐音概念扩展，使其延伸至噪音。

七、现代爵士乐 1.摇滚爵士

20世纪60年代末、70年代初，一批年轻的音乐家尝试将摇滚乐

和爵士乐融合起来。开始，他们只是在摇滚乐队中增加管乐声部来演 奏间奏等，后来慢慢有了更多的发展，代表乐队“血、汗和泪”、“芝

加哥”。2.拉丁爵士

拉丁音乐与爵士乐的结合早在30年代就开始了，但是拉丁爵士

真正的盛行则是在60、70年代以后。拉丁爵士的特点是在爵士乐的基础上融入了大量的打击乐器，同时也将复杂的拉丁节奏渗入到

爵士乐之中。其中以兴起于巴西的波萨诺瓦最为典型。3。波萨诺瓦

波萨诺瓦是曼波音乐与冷爵士相融合的结果，同时也吸取了一

些桑巴音乐的特点，它的音响效果不喧闹，给人的直觉像是歌手与

听众聊天时的窃窃私语。波萨诺瓦旋律性不强，而且有很多的变化

音，它不像曼波那样仅注重旋律和节奏型，而是强调和声、节奏、旋律的整体效果，4.酸爵士

酸爵士兴起于80年代末，它将爵士乐与嬉蹦乐（hip-hop）结

合到了一起，使其更加流行化、商业化。酸爵士经常采用嬉蹦乐的编曲模式，DJ的“刮擦”技术从中得到了大量的体现，在嬉蹦乐的乐队基础上萨克斯、小号等爵士乐中常见的乐器以音乐背景的形

式作即兴演奏。很大程度上已经失去了爵士乐的个性。

第二讲 乡村音乐

教学目标：学习乡村音乐的起源与发展，了解乡村音乐的几种主要的风格流派，赏析具有代表性的乡村音乐名家名作。

教学重点：乡村音乐的起源、乡村音乐的发展脉络、乡村音乐的风格流派。教学难点：了解和掌握乡村音乐的几种主要的风格流派，欣赏主要代表作品。教学方法：讲授法、讨论法、赏析法等 教学用具：教材，多媒体 教学课时：2课时

教学内容：

一、乡村音乐的起源

乡村音乐（Country Music）出现于20世纪20年代，它来源于美国南方农业地区的民间音乐，最早收到英国传统民谣的影响而发展起来。最早的乡村音乐是传统的山区音乐，它的曲调简单、节奏平稳，带有叙述性，与城市里的伤感流行歌曲不同的是，它带有教浓的乡土气息。山区音乐的歌词主要以家乡、失恋、流浪、宗教信仰为题材，演唱通常以独唱为主，有时也加入伴唱，伴奏乐器以提琴、班卓琴、吉他等（50年代中期以前，传统的乡村音乐乐队里没有鼓）为代表。演出场所主要在家里、教堂和乡村集市，有时也参加地区性的巡回演出。它与大城市的文化生活相隔离，一直处于自我封闭状态。

20世纪20年代，有些电台为了迎合农村听众的口味，开始播放山区音乐，如芝加哥的“民族谷仓舞”节目（1924）、纳什维尔的“老式大剧院”节目（1925）等，这种节目一经推出很受欢迎。渐渐鼓励了山村音乐的乐师去电台录音，也激发了唱片公司去各地发掘人才、录制唱片。从此，乡村音乐开始汇入美国流行音乐的主流。

吉米·罗杰斯（Jimmie Rodgers,1897-1933）:融合了布鲁斯、白人山区歌谣以及民谣等多种音乐风格，被认为是乡村音乐的开创者，并冠以“乡村音乐之王”的称号。他的歌唱从容、悠然，并且发展了一种独特的、真假声来回转换的山区民间唱法。罗杰斯一生共录制一百一十首歌曲。

二、西部摇摆

20世纪30年代，由于美国东南部经济的不景气，是的唱片销量急剧下降，乡村音乐只能通过大量的广播节目而维持它的听众。此时出现了一种现象，原来的演唱组逐渐被个人演唱所替代。在这种背景下，来自德克萨斯的鲍勃·韦尔斯（Bob Wills）在乡村音乐中融入了大量的西部牛仔歌曲和摇摆乐的成分，创造了一种类似“大乐队”阵容的西部摇摆（Westen Swing）风格。1933年，鲍勃·韦尔斯将这种集合了舞蹈节奏、提琴音色、大乐队阵容、爵士唱法和架子鼓、失真吉他的新型风格成功推向了市场，从而使其获得了“西部摇摆之王”的称号。

三、蓝草音乐

20世纪40年代，在肯塔基州的山区还出现了乡村音乐的另一个分支，叫蓝草音乐（Bluegrass Music）。它在乡村音乐的基础上，吸收了当地古老的玉米脱粒晚会上的班卓音乐和提琴音乐，以及南部山区的叙事歌曲等因素发展而成。

蓝草音乐的演唱一般都是多声部的，除主旋律声部外，往往还在上方用假声叠置一个和声声部，有时还在主旋律下方加上一两个低音声部。它的伴奏乐器以班卓琴和提琴而独具特色，有时还采用曼陀铃、低音提琴等民间乐器，传统乡村音乐没有架子鼓的特点也在蓝草音乐中得到保留。蓝草音乐的速度一般都比较快，每分钟160-30拍左右。

蓝草音乐在发展过程中受爵士乐的影响，常在乐器段落中加入比较华丽的即兴独奏。

四、纳什维尔之声

20世纪50年代，纳什维尔成了乡村音乐的集中营，著名的乡村音乐家大部分都来自这里。因此，“纳什维尔之声”（Nashville Sound）也成了乡村音乐的代名词。第二次世界大战以前，乡村音乐虽然已经得到了广泛的传播，但总的来说，它仍是一个地区性的乐种。由于战争的缘故加速了人口移动，使不同文化背景的人们有了更多的接触，特别是很多南方农村青年，移居到北部和东西部城市。于是，乡村音乐的影响进一步扩大，成为有全国影响的流行音乐形式，并被正式称为乡村音乐，有时也叫做乡村和西部音乐（Country and western music）。

很多乡村音乐家对于把乡村音乐带出南部或中西部都做出了贡献，其中贡献最大的是汉克·威廉姆斯。

五、乡村音乐的叛逆时代

乡村布鲁斯：即乡村音乐与布鲁斯音乐的结合。代表人物有查理·里奇、罗伊·罗杰斯等。

流行乡村音乐：即在乡村音乐中融入较多的流行音乐成分，使其更易被人接受和喜爱。代表人物有肯尼·罗杰斯、瑞芭·麦克英特尔等。

乡村摇滚：即乡村音乐与摇滚乐的结合。

六、乡村音乐歌手

乡村音乐经过不断地发展，呈现除了远比山区音乐复杂的局面，各种风格的融合更是促进了乡村音乐的繁荣。20世纪70年代以后，乡村音乐体现出了更加活跃的气氛，因此从风格上更是难以归类。

但是作为美国的“民族流行音乐”，它保留了山区音乐中的传统风格，如：曲调简单，节奏平稳，带有叙述性以及较浓的乡土气息；演唱

中使用较多的鼻音，有时还使用滑音等各种演唱技巧；伴奏以传统的班卓琴和提琴而独具特色。乡村音乐正是以这些鲜明的个性，使

其在商业上取得了巨大的成功。知名的乡村歌手有：

约翰·丹佛（John Denver）

肯尼·罗杰斯（Kenny Rogers）

乔治·斯雀特（George Strait）等。

第三讲 摇滚乐

教学目标：学习摇滚的起源与发展，了解摇滚乐的几种主要的风格流派，赏析具有代表性的摇滚乐名家名作。

教学重点：摇滚乐的起源、摇滚乐的发展脉络、摇滚乐的风格流派。教学难点：了解和掌握摇滚乐的几种主要的风格流派，欣赏主要代表作品。教学方法：讲授法、讨论法、赏析法等 教学用具：教材，多媒体 教学课时：6课时

教学内容：

一、摇滚乐的起源 1.产生背景

回顾20世纪上半叶的美国历史，从20年代末到30年代中期，欧美发生经济危机，出现了经济大萧条；30年代末，第二次世界大

战爆发；1941年日本袭击珍珠港，美国拖入反法西斯战争，直到1945 年战争才结束。而之后50年代的美国处在一个相对稳定和繁荣的时

期，也经常被视为美国人的繁荣时代。60年代是美国历史上最动荡的年代之一。由于出兵参加越南战争，遭到人民的反对，使全国处

于社会、政治极不安宁的状态。

50年代，美国经济稳定，中产阶级逐渐增多，这一时期出生的青年在这样一个相对安定、富足的环境中成长。他们没有像父辈那

样经历过战争和苦难，同时又备受家庭的宠爱，他们不愿意理解父

母的思维和生活方式，不愿意走父母安排好的道路，他们有着自己的追求和爱好，而且由于人多势众，形成了一股强大的力量，而摇

滚乐简单、有力、直白的音乐特点，特别是它那强烈的节奏，与青

少年精力充沛、好动的特点相吻合；摇滚乐无拘无束的表演形式，与他们的逆反心理相适应；摇滚乐歌唱的题材，与他们所关心得问

题密切相关。

2.摇滚乐的出现

20世纪50年代初期，美国的流行音乐市场出现了一种三足鼎

立的现象。黑人欣赏的音乐基本上以节奏布鲁斯为主，中产阶级以 上的白人听的都是叮砰巷歌曲，而中西部的农村听众所喜欢的都是

与农村生活有关的乡村音乐。到了50年代中期，唱片市场出现了两

个明显的现象，即“市场交叉”和“翻唱版”的出现，导致了原来

隔开的三个市场突然间感觉中间的围墙到了，在这片废墟中一种新的风格——摇滚乐正式诞生。

摇滚乐的正式产生是在50年代中期，1951年，克利夫兰电台

节目主持人艾伦·弗里德（Alan Freed）从一首节奏布鲁斯歌曲《我

们要去摇，我们要去滚》（We’re Gonna Rock,We’re Gonna Roll）中创造出了“摇滚乐”（Rock’ n’ Roll）这个名词。1955年，电 影《黑板丛林》（Blackboard Jungle）的上映对摇滚乐的产生带来 了巨大的影响。它讲述的是一群学生早饭的故事，一位中学教师面 对这群学生唱起了一首歌，这首歌就是影片的插曲《昼夜摇滚》（Rock Around The Clock）。这首歌曲在青少年中引起了极大的轰动，1955 年7月，《昼夜摇滚》在波普排行榜上获得第一名，标志着摇滚时代 的到来，它的演唱者比尔·哈利，也因此成为了青少年崇拜的第一 个摇滚偶像。从此，摇滚乐开始风靡美国。3.摇滚乐的来源

节奏布鲁斯：节奏布鲁斯是第二次世界大战以后布鲁斯音乐继续发展的结果，它在城市布鲁斯的基础上结合了摇摆乐和钢琴音乐布吉-乌吉的特点，声音变得更加有力，更加突出持续不断、向前推进的节奏。第二次世界大战之前，布鲁斯唱片一直由小唱片公司经营，战后，由于黑人地位的改变，几家大唱片公司对黑人音乐产生了兴趣，此时，排行榜也开始用“节奏布鲁斯”来代替原来的“种族唱片”的称呼。布鲁斯的特点在很多摇滚乐中得到了直接的体现，特别是早期摇滚乐，有很多都是节奏布鲁斯的“翻唱版”。

叮砰巷歌曲：20世纪50年代初，美国大多数人所听的流行音乐都是叮砰巷传统风格的延续。它带有好莱坞电影音乐、百老汇音乐剧和三四十年代盛行的摇摆乐的影响。叮砰巷十个地名，位于纽约第28街。从19世纪末起，那里集中了很多音乐出版公司，各公司都有歌曲推销员整天弹琴，吸引顾客。由于钢琴使用过度，音色疲沓，像敲击洋铁盘子似的，于是有人戏称这个地方是“叮砰巷”。叮砰巷不仅是流行音乐出版中心，也成为流行音乐史上一个时代的象征、一种风格的代表，它差不多延续了半个多世纪。叮砰巷歌曲一般都由白人专业作曲家创作，不同时期、不同作者的风格各不相同，内容主要以爱情为主。

乡村音乐：详见乡村音乐一节

二、早期摇滚乐

50年代中期到60年代初期是摇滚乐飞速发展的时期，首先是 两位先行者为摇滚乐的概念作出了更加完整的定位，接着又在众多 摇滚明星的拥护下使其呈现出了三种不用的风格倾向。1.比尔·哈利（Bill Haley,1925-1981）

比尔·哈利是第一位被青少年崇拜的摇滚乐偶像，经常被人 称作“摇滚乐之父”。他的音乐风格涉及乡村音乐、节奏布鲁斯和波 普三个方面，也正好说明了50年代中期摇滚乐产生的三个源头。2.埃尔维斯·普莱斯利（Elvis Presley,1935-1977）

50年代最有影响的歌手是埃尔维斯·普莱斯利，素有“摇滚 乐之王”的称号，他为摇滚乐的推广和普及做出了巨大的贡献。

普莱斯利1935年生于密西西比州的图佩洛，父亲是一名卡车 司机，从小家境贫寒，生活在白人社会的底层，因此从小接触了很 多黑人文化，这导致了他的音乐很好地把黑人音乐和白人音乐融合 在一起。1948年普莱斯利全家移居田纳西州孟菲斯，又使得他受到 节奏布鲁斯和乡村音乐的深刻影响。

1953年，中学毕业的普莱斯利被唱片公司发掘，次年发行第一 张唱片《That’s All Right》在当地获得了出乎意料的成功。他的 舞台表演（如扭动臀部等大幅度的动作）更是赢得了众多青年人的 喜爱。1955年，普莱斯利转签RCA胜利唱片公司，1956年随着《伤 心旅店》（Heartbreak Hotel）的发行，使其名声大振。截止到1960年10月，普莱斯利共录制唱片26张，其中23 张都是畅销金曲，取得了极大的成功，他是第一个使摇滚乐成为当 代流行音乐主流的歌手，也是第一个在表演时加上大幅度扭摆动作 的歌手。他的音域宽广、演唱轻快、抒情热烈，他录制的全部唱片、盒带销售达10亿多盘。3.三种风格倾向

主流摇滚：在摇滚乐的三个来源中，我们已经提到过，节奏布鲁斯是摇滚乐最重要的来源，节奏布鲁斯的特点也在摇滚乐中得到了保留和发展，由此形成了50年代摇滚乐中的主流风格。节奏的作用在所有摇滚乐中都很明显，但在主流摇滚中更被突出。温和摇滚：主流摇滚受波普的影响很少，但其他摇滚乐结合了波普的成分，则形成了一种比较温和的摇滚乐风格，作为主流摇滚的对立面，这种温和的摇滚风格被称为“温和摇滚”，普莱斯利为发展温和摇滚树立了样板。

山区摇滚：山区摇滚通常是具有乡村音乐背景的白人乐手，因受节奏布鲁斯影响而形成的一种摇滚风格，它由摇滚乐与乡村音乐的前身——山区音乐相结合而成。山区摇滚于50年代产生在美国南方，是乡村摇滚的前兆。

三、“披头士”与英国摇滚乐

摇滚乐在发展到60年代的时候逐渐失去了原先的光芒，主流摇滚让位于温和摇滚、波普、冲浪音乐等，一时间，围绕着60年代的摇滚乐将如何发展引来众说纷纭，这一时期的美国社会也正处于混乱之中。在这种情况下，原来属于美国的摇滚乐却让英国人闯了进来，在“披头士”（The Beatles）乐队的影响下，美国正趋消散的摇滚乐开始重获生机，由此掀起了摇滚乐历史上的一次新的高潮。

四、民谣摇滚 20世纪60年代的美国社会动荡不安，民权运动、越南战争使得年轻人对现实社会强烈不满，在这种情况下，很多年轻人选择离开城市、离开加藤，来到郊区或乡下，组成社团，过着一种简朴的群体生活。他们反对权威，反对传统、反对既有秩序。他们在服装和发式方面也反其道行之，越古怪越好，而且还普遍服用致幻药物。因此他们得到了一个外号叫“嬉皮士”(Hippies)，指生活在既定社会之外的不顺从的青年人。

在这种背景下，摇滚乐构成了60年代生活中一个不可缺少的部分，它反映和影响了当时一代青年的情感和愿望，说出了他们对人生、对社会、以及对整个世界的看法。60年代的摇滚乐与50年代相比，思想深度显然更进了一层。这些，特别明显地表现在以鲍勃·迪伦为代表的民谣摇滚之中。

五、迷幻摇滚

1963年约翰逊继任总统后，继续扩大越南战争，使美国人民

陷于严重的分裂之中。有些青年人开始另找出路，他们离开家庭

和社会来到北加利福尼亚的旧金山。因为西海岸是“新美国”，代

表了新思想、新道路和另一种生活方式，特别是旧金山的海特-阿什伯利地区是嬉皮士经常出入的地方。这些地区的主要活动是

“吸毒”、自由的性生活、爱情-和平的哲学，以及音乐。据统计，当时约有500-1500个摇滚乐队在哪里演出。与此同时，在那里发

出了一种新的声音，他们通过耀眼的色彩、频闪的灯光、电子装

备、幻灯、电影、图画、油漆、招贴而产生致幻体验，以提高摇

滚乐的兴奋作用。

六、艺术摇滚

艺术摇滚于60年代末兴起于英国。其特征为：结构庞大，和声语言较为复杂，常借用古典音乐中的主题作为素材，并注重音乐的逻辑性和音乐素材的简练、统一。艺术摇滚的创作一般可分为两种：一种是比较简单的做法，在摇滚乐中引用古典音乐片段，或把一首古典音乐作品改编成摇滚风格；另一种做法是将摇滚乐队和管弦乐队（或其他古典音乐合奏形式）混合而成，或者用摇滚乐语言按古典音乐的发展手法、结构形式进行创作而成。

最早进行艺术摇滚尝试的乐队是英国的“忧郁布鲁斯”乐队。

七、温和摇滚和乡村摇滚 1.温和摇滚

当摇滚乐进入20世纪70年代后，出现了一种前景不明、失去方向的状态。70年代的美国社会已经基本得到稳定，但是

此时的摇滚乐却失去了衷心。风格上也没有太大的变化，基本上

还是延续过去的风格，只是进一步强调既有类型的某一种倾向，使它更加多样化而已，因此70年代的摇滚乐出现了两级分化的局面，即：柔的更柔，硬的更硬。其中温和摇滚便是前者的代表。

温和摇滚的主要特征是：“重旋律、轻节奏”，一般的温和摇

滚，都具有较强的旋律性和可唱性。有时温和摇滚和普通的流行

歌曲（POP）很难区别，这时，主要取决于它是否具有摇滚乐的节奏形态或摇滚乐式的低音线条。

70年代温和摇滚的著名歌手有卡朋特兄妹、巴瑞·马尼洛、尼尔·戴蒙德等，其中以卡朋特兄妹最为突出。2.乡村摇滚

如前所述，乡村音乐是摇滚乐的三大来源之一，山区摇滚

是50年代早期摇滚乐风格的三种倾向之一。可是到了60年代，山区摇滚几近消失，直到60年代末，在一些民谣摇滚中又重新

出现了乡村音乐的声音。正是受到这种启发，这是在加利福尼亚

发展起了一种“把乡村音乐的声音和题材与摇滚乐的节奏和乐

器法相结合的流行音乐风格”，它被称作乡村摇滚。

70年代初，乡村摇滚作为一场音乐运动受到很多音乐人的 高度重视，以“老鹰”乐队和琳达·龙斯塔特为首的乡村摇滚艺术

家取得了巨大成绩，他们成功地将乡村音乐和他们带有个人特征的轻摇滚和流行风格相结合。其实乡村摇滚的意义并不完全在于这种

音乐本身是否在商业上取得巨大的成功，而是在于这种音乐对于其

他音乐或艺人的影响。

八、重金属 1.重金属

60年代，以“滚石”乐队为代表的硬摇滚以它的粗犷、猛烈

为基础，发展了主流摇滚中的强劲风格。到了70年代，作为硬摇

滚的延续，出现了一种更为流行的硬摇滚风格，便是从中发展出来的一种更“硬”的硬摇滚，被称作“重金属”。从音乐上看，如果

硬摇滚是简单的，有很多重复，那么，重金属更简单，有更多的重

复；如果硬摇滚歌手的演唱是呼喊似得，那么，重金属歌手是拼了

命的呼喊；如果硬摇滚乐队利用电子手段来实验音响失真和反馈，那么，重金属乐队则利用电子手段歪曲一切他们想歪曲的声音„

因此，重金属和一般摇滚乐相比，它缺少音乐性（特别是旋律很简

单），而带有更多的“戏剧性”（如演出时利用各种奇特的服装、灯

光及舞台效果等）。

由于重金属自身缺少文学价值，评论界对它的评价一直不高，但它却在商业上取得了巨大的成功。

2.华丽摇滚

与重金属有关的还有硬摇滚的另一个分支华丽摇滚。它的特点

主要不是在音乐上，而是在演员的化妆、服饰和舞台上的戏剧行为。

这方面的领头人是大卫·鲍伊（David Bowie），他经常被人比作“变

色龙”，因为他的舞台形象总是在不断地变化。作为摇滚歌星，他

欧洲音乐简史教学计划 第8篇

复调音乐的产生早于主调音乐, 但在两者发展的过程中, 由于社会环境和人们的审美观念等多方面的变化, 使得两者的主导地位在后期发生了转变。

17、18世纪欧美资产阶级的力量逐渐壮大, 逐渐握有雄厚的经济力量, 但落后的封建专制制度成为他们进一步发展的巨大阻碍。为了推翻这个旧制度, 资产阶级必须制造舆论, 思想启蒙运动应运而生。另一方面, 当时的自然科学发展突飞猛进, 为后来的启蒙思想提供了锐利的武器, 不少启蒙思想家从新兴的自然科学中探寻到了理论依据和思想方法。

宗教对事物的发展影响巨大。在当时, 音乐与宗教的关系密不可分, 复调音乐就是随着宗教音乐的发展而兴盛的, 然而宗教音乐把多声部音乐限制在声乐范围里 (即经文歌、圣咏、弥撒曲等) 而不用器乐伴奏, 直到管风琴产生后才用管风琴音乐作为前奏。由此可见, 宗教不仅仅对音乐造成了极大的影响, 更严重影响了作曲家们的创作。

二局势发展

18世纪在欧洲广泛开展的“启蒙主义运动”, 作为全欧洲的文化运动, 在思想和行为上展开了人类理性的自我伸张。此次文化运动开始于英国, 勃兴于法国, 继而成为当时波及整个欧洲的思潮——理性精神。然而, 对于作曲家来说, 深受影响的是德国出现的“狂飙运动”——18世纪德国文学界的运动, 它提倡自然、感情和个人主义, 力图推翻启蒙运动所崇尚的理性主义。这场运动, 实质上是德国新兴资产阶级对腐朽的封建主义意识形态的一次有力冲击, 为推进德国新文学的发展做出了巨大贡献。

虽然德国的“狂飙运动”犹如昙花一现, 但其对当时及后来的艺术创作带来的影响是空前巨大的。作家和艺术家的作品出现了新的市场;作品的题材和表现方式等均有了新的突破;哲学、科学、文学、艺术都开始考虑一般群众而非少数专家和行家的喜恶;小说和戏剧开始描绘具有普通情感的故事, 甚至举止和服饰也受到影响, 音乐和其他事物也一同受到影响。

三新形势的到来

“18世纪中、晚期被认为符合理想的音乐可以描述如下:它的语言应该是全球的, 不受民族的限制;应该既高雅又有娱乐性, 它应该在规范的范围内富于表现力;它应该是自然的、无复杂技巧的;它应该能够立即使普通听众感到愉快。” (1) 正是基于这些, 当时的音乐风格由原来继承J.S.巴赫的巴洛克式风格逐渐接受启蒙运动影响而转向主调音乐风格, 为后来的“古典乐派”的风格特色做了铺垫。

在西方音乐领域中, 自1600年歌剧在意大利诞生到1750年的这150年, 被称作“巴洛克”时期。这一时期紧随文艺复兴的文化艺术大发展之后, 在社会的各个领域都发生着巨大的变革。和声方面由教会调式的传统形式逐渐向大小调系统过渡, 在之前扎里诺等音乐理论家将其发展到一定高度的基础上, 拉莫 (Rameau, 1683~1764, 法) 又在1722年发表了第一部和声的专著《和声学自然原理论著》, 使得大小调式和声体系得以真正确立。

巴洛克时期是复调艺术的巅峰时期, 巴赫更是复调音乐的集大成者, 但此时也是大小调和声体系确立的前夕, 巴赫的复调作品中的单旋律已深刻包含着和声内涵的思维, 无论是级进、半音进行还是分解和弦的旋律走向, 都在和声思维的深刻影响下, 出现了逐渐削弱复调音乐特有的各个声部地位相等的状况, 进而显示出主调音乐越来越大的影响力。而且在巴洛克后期, 出现了更加秀丽纤巧的洛可可风格, 此时音乐主旋律性更加突出, 音响清晰明亮, 更加通俗, 这些都为主调音乐成为主流创造了条件。

四过渡时期的作曲家

18世纪20年代以后, 巴洛克音乐的风格逐渐发生变化, 复调音乐向主调音乐的过渡主要发生在巴洛克时期向古典主义时期发展的过程中。因此, 通过分析这两个时期的典型音乐家的代表作品, 即可看到当时复调音乐与主调音乐的主次地位的变化情况。此时, 巴洛克风格在法国开始解体, 音乐与其他艺术一起演变为洛可可风格 (典雅风格, style gallant) , 代表人物有弗朗索瓦·库普兰和让·菲利普·拉莫。18世纪下半叶, 德国北部的作曲家如匡茨 (1697~1773) 、W.F.巴赫 (1710~1784) 、C.P.E.巴赫 (1714~1788) 等, 同样为主调音乐的发展做出了重要贡献。由于本文篇幅有限, 以下仅对库普兰进行简要分析。

弗朗索瓦·库普兰 (Francois Couperin, 1668~1733) 是18世纪法国键盘音乐之父, 法国最大的拨弦古钢琴与管风琴演奏家, 是库普兰家族中最出色的一员。库普兰被称为“大库普兰”, 也被认为是“在法国, 继音乐家吕利之后, 拉莫之前最重要的作曲家”。

由于库普兰长期担任法国凡尔赛宫的宫廷乐师, 因此在他的作品中既没有重大的社会性题材, 也没有严肃的宗教内容, 大都属愉悦性的音乐。在他的古钢琴作品中, 常见的是刻画宫廷贵妇人的音乐以及对田园景色、生活风俗等充满贵族气息的音乐。在库普兰的古钢琴作品中虽然难以找到哲学般的沉思和深切的情感, 但这些古钢琴音乐的创作手法和艺术风格仍具有重要的美学价值。他不但是法国音乐风格的奠基者, 亦是欧洲前古典主义时期主调音乐的先驱者。他首创古钢琴标题小品体裁, 为19世纪钢琴小品创作的繁荣奠定了基础。库普兰曾说:“我在写作古钢琴作品时, 心目中总有一个具体的描述对象。”然而, 库普兰的标题小品以描写客观形象占多数, 不像浪漫时期的标题小品, 以作曲家借景抒情、抒发个人主观情感为主。

《恋爱的夜莺》是库普兰创作的《羽管键琴曲集》中第十四组曲中的第一首。例一是《恋爱的夜莺》中的第二段落。仅仅从音符的排列来看, 此时的音乐已不是两条相对独立的旋律的流动, 而是由主旋律与伴奏旋律构成。

和声方面, 可见巴洛克音乐主体的复调音乐发生着急遽的变化, 正逐渐被和声体的主调音乐所取代。而且, 整首乐曲的和声进行也很有规律, 上图的和声进行为:Ⅱ-Ⅴ-Ⅶ-Ⅰ-Ⅱ-Ⅴ, Ⅱ-Ⅴ-Ⅶ-Ⅴ-Ⅴ-Ⅶ-Ⅴ-Ⅰ, 形成了前端对称、后面变化的形式。

旋律形态方面, 主旋律清晰, 且伴奏声部为鲜明的和声织体。不仅旋律安排得整齐明朗, 而且在伴奏织体上也体现出一致性。另外, 大量装饰音的运用是库普兰羽管键琴曲的又一特点, 说明此时主调音乐已经可以独当一面, 而且在同时期其他作曲家的作品中也会发现大量此类作品。

库普兰的名望虽然无法与巴赫和亨德尔相比, 但他是一位成功的作曲家这一事实是不可否认的。其成功之处就在于:他能够清晰地认识到自己的创作个性和时代艺术风貌的文化底蕴, 努力地将自身的艺术品位及创作兴趣与具有法兰西特色的“时尚艺术”融为一体, 这亦成为他音乐创作的个性化追求。通过以上分析可知, 库普兰所在时期的音乐形式旋律主次分明、和声安排合理, 这些都透露出当时复调音乐向主调音乐的过渡。

历史的发展会使很多事物发生变化, 音乐也不例外。欧洲音乐从最早的单音音乐逐渐发展到多声音乐, 而多声音乐又从起初的单声部演唱的格里高利圣咏, 经过音乐家们不断地探索与研究, 最终成功地将格里高利圣咏处理为一种多声部的形式, 遂产生了复调音乐, 但哪怕发展得再鼎盛, 最终其主导地位依旧被主调音乐取代了。

参考文献

[1]于润洋主编.西方音乐通史[M].上海:上海音乐出版社, 2001

[2]王凤岐.世界音乐简史[M].太原:山西教育出版社, 2002

[3]孙玮.连接复调音乐与主调音乐的纽带之一——卡尔·菲利浦·艾曼纽尔·巴赫[J].吉林艺术学院学报, 2000 (2)