巴洛克风格论文

巴洛克风格论文（精选10篇）

巴洛克风格论文 第1篇

关键词：巴洛克,音乐风格

一、巴洛克音乐概述

1. 巴洛克 (Baroque)

音乐史学家通常把1600——1750这150年间的音乐现象称为“巴洛克”时期。“巴洛克”这一词, 源于葡萄牙语barroco, 意指不规则的、奇形怪状的珍珠;有人形容道“巴洛克是艺术珍珠上难看的斑点”。[1]但是伴随着时间的推移, 各个领域的艺术形式均不断的向前发展, “巴洛克”逐渐成为了一种艺术风格的代名词, 被公开确立在日常的音乐生活中。不管怎样, 就目前来讲, 音乐史学家们更愿意用“巴洛克”这一词来指代音乐史上的一个独特时期。在音乐历史发展的长河中, 巴洛克音乐经历了形成期、定型期与兴盛期, 虽然, 人们起初对这一词存在了太多的偏见与误解, 但经过历史长河的洗涤, 它被人们重新的认识, 并再度复苏起来。

2. 巴洛克音乐所经历的三个阶段

巴洛克早期。从1600年开始至1640年, 我们称为巴洛克音乐的形成期, 即早期。这一时期, 科学与哲学在新思维下开始萌芽, 人们已经接受了人文主义思潮, 在思想上他们更为开放, 并且已不再沉浸于虚幻的世界当中。从音乐的角度来讲, 音乐风格的发展仍以文艺复兴时期的成就为出发点, 庄严、宏观;乐队之间竞奏, 以此来追求豪华的气派。这一时期, 诞生了歌剧以及康塔塔、受难曲、清唱剧等新体裁并且人们开始相信音乐是表现情感的最佳方式;代表人物是蒙特威尔第。

巴洛克中期。大约从1640——1690这50年间, 我们称之为巴洛克音乐的定型期, 即中期。这一时期, 发生了英国资产阶级革命, 在思想和文化上, 由文艺复兴向启蒙运动转变, 公开音乐会逐渐兴盛起来, 作曲家们都在提高自身的艺术表现力, 为自己今后的发展寻求满意的方向;因此丧失了在音乐方面的革新与探索, 只是程式化的过渡。这一时期, 他们的作品大都具有一定的典型性。声乐和器乐作为两种受欢迎的音乐表现形式, 逐渐形成了自己的音乐特征, 代表人物——吕利。

巴洛克晚期。从1690年至1750年, 是巴洛克的兴盛时期, 即晚期。这一阶段的音乐趋于成熟, 思想潮流主张反对封建专制, 维护个人权利, 宣扬自由平等。这一时期可以说是巴洛克早期和中期的结晶, 是音乐成果统一并发扬光大的完善时期, 代表人物——巴赫。

二、通过巴洛克音乐的三个阶段反映巴洛克时期的音乐风格

1. 通奏低音支持旋律

在整首作品中一个独立的低音声部始终持续着, 并贯穿全曲, 这叫做通奏低音, 也叫做数字低音。它一般对低音乐器具有较少的修饰并且和声进行平稳, 不受约束。这一运用的结果不仅仅确立了主调的织体, 同时也奠定了主调思维在音乐创作中的主导地位, 因此, 整个巴洛克时期也被称作是“通奏低音时代”。

2. 流畅的多声部旋律

这一时期的作曲家虽然追求情感上的变化, 但音乐形态上仍注重一气呵成的叙述与倾诉。模仿是赋格的基本内涵, 用讲究的声部布局来展示一种乐思的有序进行。巴赫这位著名的复调音乐大师就已充分的证明了这一点, 他的旋律生动流畅同时又凝练稳重。

3. 鲜明的强弱对比

巴洛克时期, 经济和文化都有了显著的提高, 人性得到解放, 因此, 人们处处彰显自己, 他们追求细节的雕饰、夸张的感情, 凡事讲究气派与华丽, 表现在音乐上, 就变成了音量大起大落、鲜明的强弱对比。

4. 装饰风格的运用

巴洛克是一个崇尚华丽、注重细节雕饰的时期, 那么表现在音乐上也就是作曲家们对颤音、波音等装饰音的运用, 有人评价道“颤音和各种装饰音是巴洛克宫廷墙面上的镂刻, 门框边的波纹”。[2]

5. 感情上的表现

巴洛克时期的作曲家, 他们始终相信音乐可以唤起人们的情感, 因此他们用音乐来表达自己的情感状态与社会的一些现实问题, 他们有意识地运用各种装饰、强烈的对照使听众们获得真正感情上的冲击。

综上所述, 可见巴洛克的音乐表现出了前所未有的活力与热情, 它勇于创新, 在文艺复兴时期音乐成就的基础上突破常规, 这是之前任何一个时期的音乐都不具备的。虽然现代的音乐也包含着这样的因素, 但是, 在那种宗教统治的年代, 这种改革是一种大胆的尝试, 当时的作曲家们创造了那个时代最令人怦然心动的音乐。■

参考文献

[1]汉斯·亨利希·埃格布雷特著, 刘经树译.西方音乐.湖南文艺出版社, 2005年1月第1版, 第277页.

[2]林华.我爱巴赫——巴赫钢琴弹奏导读.上海音乐出版社, 2001年1月第一版, 第71页.

[1]冯志平.西方音乐史与名作赏析.人民音乐出版社, 上海音乐出版社, 2006年8月第1版.

[2]汉斯·亨利希·埃格布雷特, 刘经树译.西方音乐.湖南文艺出版社, 2005年1月第1版.

[3]李嘉.关于巴洛克概念的解读.沈阳师范大学学报 (社会科学版) , 2007年第4期第31卷.

[4]于润洋.西方音乐通史.上海音乐出版社, 2003年7月第3版.

[5]沈旋, 谷文娴, 陶辛.西方音乐史简编.上海音乐出版社, 1999年5月第1版.

[6]叶松荣.欧洲音乐文化史论稿.福建人民出版社, 2006年1月第3版.

[7]【美】理查德·A·列奥纳多.音乐之流.商务印书馆出版, 2004年3月第1版.

巴洛克风格论文 第2篇

传统与革新——从巴洛克风格到浪漫主义

教学目的：

①了解和感受外国美术发展中艺术流派、艺术风格与时代的关系。②了解并掌握外国美术中重要的艺术流派的主要特点。③进一步学习美术欣赏的方法。教学重点和难点：

重点是了解并掌握各流派的主要特点，对一些经典作品能够进行比较深入的分析研究，并能发表自己的看法。在作品赏析的基础上，引导学生在作品与作品，作者与作者，流派与流派之间做比较。在比较中，辨别异同，识别风格上的差异。

难点是涉及艺术流派比较多，对这些艺术流派形成的社会条件，要作比较全面、深入的了解。教学准备：课件 教学过程：

一、导入：

设问：17世纪欧洲为什么会出现巴洛克艺术？

二、新授：

1、通过课件了解文艺复兴后的社会现状。

17世纪欧洲强权扩张，掠夺海外殖民地累聚巨富，生活上提倡豪华享受，因此对建筑、音乐、美术也要求豪华生动、富于热情的情调。

17世纪的欧洲美术，是以巴洛克风格为代表。它服务于教会上层和贵族，为了宣扬宗教和满足享乐的欲望，不惜重金建造豪华宫殿、住宅，使其显得壮观和华丽。

2、引导学生鉴赏：贝尔尼尼的建筑《罗马圣彼得大教堂广场》和雕塑《阿波罗与达芙妮》和鲁本斯的绘画《劫夺吕西普斯的女儿》各有什么共同的艺术特征？

在雕刻和绘画中都充满了紧张的戏剧气氛。建筑大量使用曲线和椭圆形体现出丰富多变的构造，在绘画中强调光线。戏剧性、豪华、饱含激情和强烈的运动感是巴洛克艺术的主要特征。鲁本斯笔下的裸体，不论是男是女，都具有肌肉强健、体力充沛、动作粗犷、富于肉感等特点。这一特点始终贯穿在鲁本斯的一系列作品中。这是对人的生命力的积极肯定和歌颂。这一作品中的开阔有力的笔触与富有动感的线条，使画面洋溢着勃勃生机。热烈明快的色彩，抒发了画家的浪漫情怀。所有这些都集中地显示了巴洛克艺术华丽恢宏的一面。

指名说说委拉斯凯兹《宫女》的特色。

3、“荷兰小画派”：

著名的“荷兰小画派”：肖像画家哈尔斯、伦勃朗，风俗画家维米尔，静物画家霍达。他们的作品有什么艺术特征？（世俗性）

重点赏析伦勃朗作品。通过课件了解：

伦勃朗（1606年—1669年）是荷兰最伟大的画家。不仅是杰出的油画家，而且是著名的铜版画家。他在肖像画、风俗画、风景画等方面都有很深的造诣。从而在美术史上享有崇高的地位。

伦勃朗出生在莱顿一个磨坊主家庭。受过较好的教育，并进过大学，但不久离校学画。21岁时已掌握了油画和铜版画的基本功，开始形成自己的风格。他在家乡开画室并接受订货。1631年离开家乡定居在荷兰最大的城市阿姆斯特丹，很快就成为当地著名的肖像画家。1634年他与富商小姐莎斯基亚结婚。自此至1642年他创作了许多肖像画，受到新兴资产阶级的欢迎。1642年他的爱妻病逝，后因伦勃朗和女仆结合，引起亲属们的强烈不满，以致诋毁他的声誉，霸占他的财产，最终使他陷于困境，不得不搬到贫民区居住。但伦勃朗在艺术上并没停步。相反，由于生活的坎坷使他更深刻地去观察和理解社会，艺术视野更为广阔，使他的艺术达到了顶峰。在他完成晚年著名的代表作《呢布业同业公会理事》后，他的后妻和他唯一的儿

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专心 1 子相继离开人间。1669年10月4日，这位最杰出的荷兰画家也终于在极端贫困中与世长辞。虽然他的遗物只有画具和破旧的衣衫，但是他却给人类留下了一大批极其珍贵的艺术遗产（600幅油画、1300幅版画和2000幅左右的素描和速写）。

在伦勃朗的大量作品中，肖像画占了很大的比重。仅他的自画像，目前保存的估计总数在60幅至100幅之间。他的绘画风格，突出地表现在利用光线来塑造形体、表现空间和突出重点，画面明暗对比强烈，虚实结合，层次丰富，气韵生动，后人称之为伦勃朗式的明暗画法。课本所选的伦勃朗的《夜巡》一画突出地体现了他的这种绘画风格。

《夜巡》是伦勃朗创作盛期的重要代表作。它是荷兰首都阿姆斯特丹民兵总部订制的一幅群像肖像画。

4、古典主义和浪漫主义绘画

A、先通过播放古典和浪漫主义代表音乐来让学生感知流派特征。

指出：古典主义的萌芽，发生在巴洛克时代的意大利。后来由于在维也纳出现了海顿、莫扎特和贝多芬三人，借此古典主义音乐便得以形成。因此，音乐方面的“古典乐派”实际上指的是“维也纳古典乐派”。古典主义艺术，首先发生在文艺领域中，它以恢复希腊、罗马的古典艺术为目的，注重形式上的匀称和谐，主要放眼于追求客观的美。

浪漫主义音乐是古典主义音乐的延续和发展，贝多芬是古典主义音乐的终结者，也是浪漫主义音乐的先行人，浪漫主义音乐抛弃了古典音乐的以 旋律为主的统一性，强调多样性，发展和声的作用，对人物性格的特殊品质进行刻画，代表是舒伯特。浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向，在法国出现了柏辽兹，意大利有罗西尼，匈牙利的李斯特和波兰的肖邦。浪漫主义音乐终结在瓦格纳和勃拉姆斯时代。

B、古典主义绘画的主要特征是，力求恢复古希腊、罗马古典美术的传统，多取材于古希腊神话和古罗马的历史故事，在艺术形式上，注重造型和对称、和谐的构图，追求单纯、庄重而又典雅的艺术风格,宣传一种理想化的崇高境界。在技巧上，古典主义绘画强调精确的素描技术和微妙的明暗色调。

三种不同的艺术倾向：

a、以普桑为代表的崇尚永恒和自然理性的古典主义。

b、以达维特为代表的宣扬革命和斗争精神的新古典主义。

c、以安格尔为代表的追求形式完美和典范风格的学院古典主义。结合相关具体作品理解： 建筑：

凡尔赛宫（1661年—1756年，勒沃、孟莎、勒诺特尔等先后设计）

原是法国王宫，在巴黎西南，是欧洲最宏大、最辉煌的宫殿，占地300公顷，集建筑、园林、绘画、雕塑之大成，集中体现了十七八世纪欧洲艺术和技术的成就。凡尔赛宫镜厅（1678年始建）

凡尔赛宫最豪华瑰丽的大厅，又称“镜廊”。由建筑师孟莎设计。整个大厅长73米、宽10米、高13米，室内用乳白和浅紫大理石贴面，廊柱则用绿色大理石贴面，柱头和柱础镀金，檐壁和各种花饰都用金色。厅的拱顶是由当时著名画家勒布伦绘制的巨幅油画，表现路易十四在位时的功绩。大厅一侧是17扇朝花园而开的巨大拱形窗门，另一侧则是17面落地大镜子，由483块镜片镶嵌而成，它把对面窗外的蓝天、园景映照在镜子之中，使室内显得更加丰富，“镜厅”之名则由此而来。当年厅内燃烧蜡烛时，几千支烛光经镜面反射，使大厅显得无比辉煌。此厅之所以如此豪华，因为这是宫廷举行大型招待会和国王接见外国高级使团的场所，相当于中国北京故宫的太和殿。绘画：

达维特《荷拉斯兄弟的宣誓》（油画，330×425厘米，1784年作，巴黎卢浮宫藏）

达维特（1748年—1825年）是法国大革命时期最杰出的画家、新古典主义美术的主要代表。古罗马历史题材的历史画《荷拉斯兄弟的宣誓》，有力地歌颂了古罗马人为了共和国的利益而勇敢地去格斗的英雄主义精神。

油画《荷拉斯兄弟的宣誓》，原是法国皇帝路易十六的订件，但达维特并没有按照统治阶级的意愿去画，而是赋予这一古罗马历史故事（罗马城和邻城阿尔巴交战，双方各派三兄弟格斗，以定胜负。而双方

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专心 2 之间有着姻亲关系。但是，代表罗马城的荷拉斯三兄弟毅然挺身而出，大义灭亲）以鲜明的主题──个人情感要服从国家的利益。画面上采用对比的手法，表现了这两种矛盾情感的冲突。中心位置上的荷拉斯三兄弟在出征前，从父亲手中接过武器并庄严宣誓；画面右下角的三兄弟的母亲、妻儿和姐妹则陷入个人的情感而感到哀伤，笼罩在一片忧虑和悲哀的气氛中。她们的行为反衬出三兄弟出征前的英雄气概，突出了画的主题。整个画面构图严谨、均衡对称，造型坚实，体现了新古典主义美术的重要特征。

安格尔《浴女》（油画，146×97.5厘米，1808年作，巴黎卢浮宫藏）

安格尔（1780年—1867年）是19世纪法国古典主义绘画的重要代表人物。他的绘画的主要特点是线条工整，轮廓准确，色彩明快，构图严谨，具有一种典雅的美。他一生画了大量作品，其中以肖像画、女性人体画和素描最为突出。

这是安格尔早期的代表作，但它已经清楚地显示出安格尔的艺术追求。安格尔年轻时就非常崇拜古典艺术。十五岁时他看到一张从意大利带回来的拉斐尔的《椅中圣母》的印刷品，激动得热泪盈眶。以后他就决心要创造一种符合古典原则的理想美。这件女性人体作品便是这种艺术追求的具体体现。画家以准确的线条、细腻的笔触，描绘出女性人体的曲线美，尤其强调女性人体背部的圆润与柔美。它给人的感觉是一种单纯的形体美的欣赏。当然，从中也看到了安格尔坚实的素描功底，简洁、流畅的线条所包含的韵律和音乐感。

C、浪漫主义是十八世纪末十九世纪初出现于德国和英国，十九世纪盛行于法国的一种文艺思潮。浪漫主义宗旨与“理想主义”相对立，主要特征注重个人感情的表达，形式较少拘束且自由奔放。浪漫主义手法则通过幻想或复古等手段超越现实。法语的浪漫一词意味着感情丰富、多情善感。鉴赏：

席里柯《梅杜萨之筏》（油画，489×718厘米，1819年作，现藏巴黎卢浮宫）

席里柯（1791年—1824年），是法国浪漫主义美术的先驱者。他的《梅杜萨之筏》是一幅使当时画坛引起强烈争议的作品。席里柯以幸存者的叙述作为他创作的素材，并对尸体、重危病人等画中要描绘的场景画了许多写生，在此基础上完成了这一作品。描写筏上的幸存者突然见到远处一艘轮船时，挣扎着起来呼救的一刹那。席里柯通过上升的金字塔形的构图，有层次有节奏地把人们由死亡、绝望、痛苦挣扎升华到希望得救的激情上，激起观众的种种联想。加上森严的色调，强烈的光影对比，更增强了这一悲剧事件的气氛和震撼人心的力量。但是，当时许多习惯于旧传统的美术家认为这是离经叛道的作品。当然，不久就证明，这幅作品为法国浪漫主义美术冲破古典传统的束缚开辟了道路。

戈雅《1808年5月3日的屠杀》（西班牙）（油画，266×345厘米，1814年作，马德里普拉多博物馆藏）

重点：德拉克洛瓦《自由引导人民》（油画，260×325厘米，1830年作，巴黎卢浮宫藏）

德拉克洛瓦（1798年—1863年）是19世纪法国浪漫主义绘画杰出的代表。他的艺术具有承前启后的作用。他把绘画艺术从学院派和古典主义的桎梏中解放出来。他的创作是以人民争取自由的题材、对于人物情感的深入刻画、大胆的构图和绚烂的色彩为主要特征的。他的《自由引导人民》一画是最具浪漫主义色彩的作品之一。

德拉克洛瓦在这幅作品中，大胆地将寓意象征和真实的现实生活场景很好地结合在一起。画中的主要人物是一个燃烧着战斗热情的象征自由的女性，她那强壮的手臂毫不费力地持着装有刺刀的步枪和法兰西共和国的三色旗。她虽然袒开胸部，但毫无温柔或淫荡之嫌。她那有力的双腿跨过街垒，冒着炮火，带领战士们前进。虽然这是一个象征性的人物，但画家把她塑造成一个活生生的人物。她身穿法国妇女的服装，只有她头上的那顶弗吉利亚帽（摹仿古罗马时期解放了的奴隶所戴的帽子，法国第一共和国时期曾以此作为自由的象征）和几乎是一种古典风格的人物造型，体现了她的寓意象征。她是法国人民争取自由精神的化身，正是她引导人民走向胜利。跟随她的人中有激昂的工人和市民等。她左侧的手拿双枪的少年，进一步突出了这次革命的广泛群众性。她右侧的面向画面中心比较突出的人物是一个资产阶级的绅士，他身穿流行的长礼服，头戴大礼帽，留着络腮胡子，手持滑膛枪。正是他所代表的资产阶级控制了这次革命。这次革命的结果不过是以波旁宗族中比较开明的一派势力代替了反动的波旁王朝的统治。在画面下方的阴影

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专心 3 里，受伤和即将死去的战士横卧在碎石中。一位战士目视着自由的化身。她既是他们的理想，又是他们战斗的动力。透过画面右侧的硝烟，人们可以看到远处巴黎圣母院的塔楼。争取自由的主题，强烈的激情，色与光相融合的对比，奔放有力的笔触，这一切就是这幅作品的主要成功之处。

吕德《马赛曲》（大理石，1270×600厘米，1833年—1836年作，巴黎大凯旋门）

吕德（1784年—1855年）是19世纪上半期法国最著名的雕刻家。安放在巴黎大凯旋门上的浮雕《马赛曲》是他不朽的杰作。这一作品原名《1792年义勇军出征》。它表现1792年法国人民在反抗普鲁士和奥地利等封建帝国的战争中，马赛的一支义勇军开赴巴黎参加战斗的历史事件。当时这支义勇军是高唱着一支斗志昂扬的军歌雄赳赳地开赴巴黎的。巴黎的市民们称这首军歌为《马赛曲》，1795年这首歌被正式定为法国国歌。吕德的这一浮雕也简称为《马赛曲》。这是一件结构严谨统一、人物情绪激昂奔放、运动感急速有力、极富艺术感染力的高浮雕。整个浮雕分为两层：上层是右手执剑、左手振臂高呼象征法兰西和民主自由的女神，下层的各种人物与上面的自由女神相呼应，并且突出男女老少万众一心，奋起保卫祖国的主题思想。它充分反映了法国资产阶级革命时期广大人民群众昂扬的斗争精神。它与德拉克洛瓦的名画《自由引导人民》具有异曲同工之妙。

三、总结：

古典主义和浪漫主义绘画分别有什么重要特征？

四、拓展：

上网搜索相关资料全面了解这一时期自己喜欢的画家或音乐家

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试论巴洛克时期声乐作品的音乐风格 第3篇

关键词：巴洛克时期；声乐；音乐风格

J616

Analysis on the music style in Baroque vocal works

Abstract：Baroque is a period when European vocal music highly throve. Though it's far ago from modern-time， the works are still popular to singers and widely circulated. That's based on its features. In the baroque time， singers' singing skill was asked to be well improved. This article is about the music style in Baroque vocal works.

Keywords：Baroque； vocal； music style

引言

巴洛克（Baroque）一詞来源于葡萄牙语（Barroco），意为一粒不规则、鳞茎状的珍珠，现已成为说明17世纪和18世纪初期豪华的建筑风格的用语。音乐中的巴洛克时期，则指的是从歌剧诞生的1600年开始到巴赫逝世的1750年结束的前后150年间的多样的音乐风格，这时期最重要的代表音乐家有蒙特威尔第（Monteverdi，1567年～1643年）、卡利西米（Carissimi，1605年～1674年）、科莱_里（Corelli，1653年～1713年）、维瓦尔地（VIvaldi，1678年～1741年）、亨德尔（Handel，1685年～1759年）、约赛·巴赫（Johann Sebastian Bach，1685年～1750年），等等。他们是历史上的第一代最伟大的作曲家，毫无疑问，他们的音乐是人类音乐的永恒经典。作曲家们在表现悲剧性和戏剧性的主题方面；在表现抒情性和风俗性的主题以及在表现哲理的题材等方面；都取得了很高的成就。这种对现实生活的多方面的反映预先决定了这一时期的音乐创作具有丰富的体裁和形式。随着巴洛克时期音乐的发展，这一时期的声乐艺术也取得了巨大的发展。歌剧的诞生是音乐史上的一个里程碑，也是巴洛克时期音乐文化发展进程的重要标志之一。

一、巴洛克时期的声乐发展背景

在十七世纪初期歌剧产生之前，声乐艺术以宗教音乐为主。宗教音乐的特点是单调、没有节拍、节奏、对位、和声、曲式和色彩的变化，多以单旋律独唱或齐唱曲形式出现。虽然随后也出现了主调和声的倾向，但由于发声上的缺陷（当时还没有出现具有丰富共鸣、音量宏大的美声唱法），歌唱时的音量较弱、缺乏表现力。在音乐上也存在着创作手法的平庸，缺乏深刻的内在感情等不足。巴洛克时期的最重要的创造之一是对比观念，对比可以存在不同的层次上：喧噪与柔美的、一种音色与另一种音色、独奏与全奏、高与低、快与慢。所以这些以及其他的对比方法，在新的巴洛克音乐设计中都占有位置；原先以对位法为主要创作技法的复调音乐被主调音乐所取代；音乐的力度采用层次较为清晰的“阶梯式力度”；音乐情绪变化要比过去丰富和强烈得多 。

十七世纪以前，经历了长达十多个世纪的发展，宗教音乐体裁，尤其是大型的声乐体裁，已经具有相当的专业水平。这些声乐体裁主要是神剧、清唱剧、康塔塔与受难曲。巴洛克时期的作曲家受文艺复兴的“人文主义”思想影响，对这些传统的音乐体裁进行最后的改革，使它在音乐内容、音乐风格完全适应时代的需要。这些大型声乐体裁在这一时期发展到了辉煌的鼎盛时期。

二、巴洛克时期声乐作品的风格特点

1.主音音乐的风格特征

主音音乐是作品以其中某一个声部（多数情况是高音部）的“旋律”为主，其余声部以“和声”或“节奏”等手法陪衬和伴奏。主音音乐的特点是音乐形象明显，感情表达明确，欣赏者比较容易能够融入其中。巴洛克时期，以卡奇尼为首的佛罗伦萨集团的成员和佛罗伦萨歌剧乐派的代表人物在音乐上最突出的特点是，创作像古希腊那样质朴的歌剧。他们认为对位法的众多声调不让人听歌词，消灭了思想，破坏了诗歌，时而拉长音节，时而缩短音节，以便适应把诗歌弄得支离破碎的对位。他们想恢复古代（古希腊的）简朴风格，音调富于朗诵性，抛弃对位的繁复手法，使诗歌和音乐紧密相联，使所有的艺术融会贯通，从而产生一种像古希腊悲剧那样具有巨大效果的艺术作品。

2.歌词同旋律紧密结合

巴洛克时期的声乐作品歌词同旋律都结合得异常美妙，歌词非常明显地反映了文艺复兴以来的人文主义思想，呈现出世俗的而不是把目光投向彼岸世界的斑斓色彩，十分重视通过歌曲的旋律来表现人物内心的激烈活动和深刻情感。

威尼斯乐派作曲家切斯蒂的作品《围绕着我崇拜的人儿》也体现了当时作品的歌词同旋律紧密结合这一特征。这一作品的音乐柔和、幽雅、富于旋律性，很有魅力。着力发展抒情性音乐旋律的装饰性因素，较其它作曲家的作品相比更为优美、流畅、悦耳。这首《围绕着我崇拜的人儿》采用的是 3/4 拍子，全曲由 e 小调构成，非常的幽雅、细腻 。在两小节分散和弦的“引子”之后，歌声随之而起，全曲的旋律进行极为平稳，一开始的小二度下行和同音反复的进行，音乐显得格外的柔和安宁、象是主人公对恋人娓娓地倾诉着内心的甜蜜，中间几个乐句的重复再现，更是表达了主人公对恋人的那种无限赞叹和美好的祝福。抒情的音乐，犹如梦境一般，优美的旋律给我们无限美好的遐想。

3.节奏的多样性

巴洛克时期的声乐作品题材广泛多样，有的取材于古希腊神话、有的取材于英雄傳奇，还有的描写爱情生活以及世俗日常生活故事。因此这个时期的作曲家创作出来的声乐作品节奏十分丰富多样，以适应表现各种题材和故事情节。

《你好久不来折磨我》这是一首表现被爱情折磨得很痛苦又感到甜蜜的矛盾复杂情感的咏叹调。节奏特点是 3/4、4/4 节拍的交替使用，调性富于变化，中段速度从柔板（Adagio）转到中板（Moderato），情绪也稍为热烈与 A 段形成鲜明对比。第三部分是第一部分的再现，速度又恢复到原来，表现了主人公对爱情煎熬所感到的痛苦与失望。

三、巴洛克时期声乐作品的演唱特点

1.声音的连贯

声音的连贯（legato）是声乐训练中的重要环节，它是发声的基础。这意味着从一个音圆滑地接到另一个音，同时要保证音色的统一，音高的准确。控制清楚的连音，好像穿一串珠子，须穿得整齐，有优美的质地，即音色统一与圆润。这要牵涉到全部音的关系，涉及到呼吸的运用与听觉和音量的感觉。以保持音阶上下连贯和均匀。

演唱巴洛克声乐作品注意声音的连贯，这也是作品本身风格和情绪要求使然。如我们非常熟悉的声乐曲《阿玛丽莉》，它是选自于 1602 年出版的《新音乐》的一首比较古老的情歌。歌中唱道：“阿玛丽莉，我心爱的，你不相信我吗？你是我心中甜美的希望，你是我心爱的人。请你相信如果你害怕犹豫，怀疑对你没有益处。请打开我的胸膛，你可看到写着：阿玛丽莉，我心爱的人。”

2.声区的统一

歌唱技巧训练中的声区的统一是声乐教学中的重要环节，尤其是中高声区的衔接（换声）良好与否，很大程度上决定了声音的质量。在没有学过声乐技巧之前，通常在声音变换的地方容易出现破裂音或音色和音量上的不统一，一旦掌握了技巧，声音就能上下统一。好的声音发出之后给人一种“通畅”感，犹如山泉瀑布一泻千里且源源不断，声音从低到高音色统一，转换自如。在一首声乐作品中，不论高、中、低音怎么变化，而始终保持音色的一致性、完美性，是美声唱法的技术的体现。

3.声音的抒情性和灵活性

十七、十八世纪巴洛克声乐作品主要表现诗意的田园风光，骑士对少女的慕恋，典雅的希腊神话等内容。巴洛克时期美声学派重视声音的抒情性和灵活性并强调花腔技巧的训练。这从声乐技巧的发展上来说是十分可取的 。因为，它有利于发展音域，巩固头声，使声音流畅通顺、解除用力过度的状态，锻炼气息的控制，并做到起音敏捷、准确，赋予声音表现力，更重要的是它符合嗓音卫生的要求，能延长演唱寿命。

四、结论

巴洛克时期的声乐作品作为世界音乐文化瑰宝，在声乐训练中具有极高的价值，它对于声音训练具有规范性和科学性。几个世纪以来，国际国内的声乐教学，都肯定了巴洛克声乐作品在声乐教学中的重要性。在浩瀚的声乐艺术海洋中，声乐作品繁杂，对于声乐学习者来说，科学的选用声乐作品作为教材是非常重要的。

参考文献

[1]陈晓春：《多姿多彩的巴洛克文化》，北京：中华读书报，2006.8 1-3

[2]倪海霞：《意大利歌剧的诞生及早期发展》，广西：广西教育学院学报，2007.2

形喜于色——对巴洛克风格的认识 第4篇

古典主义理论家认为油画应注重形式的完美,重视线条的清晰和完整,强调理性而轻视情感。因此,他们排斥情感与想象,特殊的个性表现。他们认为巴洛克这种风格含有奇形怪状、矫揉造作或“畸形的珍珠”之意,称它为“巴洛克”的,这个词由此而生。总体来说在这个时期“巴洛克”式一个贬义词。

相比传统的古典主义,由于创作风格具有鲜明的特殊性和先进性,巴洛克风格发展迅猛,在短短的几十年时间便已经从崭露头角到如日中天。该艺术风格主要服从于天主教会,倾向上层社会,具有宗教主义色彩,强调豪华特色和享乐主义,有时带有一点神秘感。它打破理性的宁静,强调艺术家的想象力和情感表达,带有一定的浪漫主义色彩,强调作品的空间感和运动感。

每一个历史时期都有创造者不可重复的艺术风格。新的艺术风格与历史上的艺术艺术风格既有类同又有对立。古典主义理论家认为巴洛克过于矫揉造作,而巴洛克则认为古典主义过于理性严谨。当然古典主义作品再理性严谨的画面也会有艺术家的情感因素。巴洛克则是在古典主义的基础上打破单调的平衡,强调斜线的运用,有意打破均衡来造成运动感,精神在于通过挣扎与斗争获得重生。里来的美学家、艺术理论家都强调情感的表达。一幅好的作品在具备外在形式的基础上更多的是对内心情感的探索。巴洛克艺术的灵魂是运动感与变化,它的外在形式上令人激动,其内容也是骚动不安,这种骚动不安无疑与当时动乱的社会息息相关。

托尔斯泰在其美学著作《艺术论》中说:“人们用语言相互传达思想,而人们用艺术互相传达感情。”在17世纪以前,西方艺术家在古典规范的影响下去探索人文主义的思想体系,表现手法上依附于模仿自然,他们认为艺术的首要任务描写人们存在的客观世界。尽管他们的技术已经达到一定的高度,但是缺乏强烈的情感和个性。

艺术家的生命在于创造,抛去旧的观点,不断地探索在创作过程中对事物的感受,按照自己的意志审视客观对象,创造出全新的艺术情感。17世纪佛兰德斯最杰出的画家鲁本斯使华丽娇贵的巴洛克与佛兰德斯传统贵族性绘画相结合,形成了热情洋溢,具有强烈运动感的浪漫主义绘画风格,成为巴洛克美术的代表人物,对欧洲近代绘画的影响巨大,其一生作品数量达3000件以上,题材包括宗教画、神话画、历史画、肖像画、风景画等。作品的场面宏大,人体造型丰满圆润,色彩对比强烈,线条细腻流畅。他的作品里洋溢着大自然的美和生命的活力,用肥硕的人体来歌颂人类的伟大,构图复杂多变,任务生命力旺盛,画面充满装饰性和戏剧性效果。

当我们看到一幅作品,首先是画面带给眼睛的视觉冲击力,其次是激起内心的审美感受,最后是对作品内涵的深入思考。艺术家所表现的思想并不是作品本身,而是借助对题材的描绘,表达内心的“特殊精神”。以《抢劫留西帕斯的女儿》为例,艺术家描绘希腊神话中两个热情英武的孪生兄弟抢劫两个美貌娇艳的孪生姐妹为妻的故事。画面中两个人和两匹马的交错动势,高抡的马蹄与任务复杂有力的动作,使画面富于变化而深动。这里既是暴力,又是充满戏剧性的游戏,画家充分运用了对比色,两兄弟棕褐色皮肤与两姐妹白皙的批复形成鲜明的对照,肉体与马匹之间的色彩对比,色彩亮丽,作者用温暖而透明的红色去衬托画面中的人体。天空的蓝色与金黄色的丝巾采用了补色对比,风景又与人体的红、黄色形成补色关系。我们通过鲁本斯作品的色阶变化,体会到明暗、冷暖的对比形成震撼人心的艺术气氛。画家通过对人体结构的动态表现和对追逐爱情的描绘体现了画家的人文主义思想。他的另一幅作品《阿玛戎之战》与这幅作品一样,线的交错运动与裸体形成鲜明的色彩对比,构图上看似稳定,其内容却又骚动不安的动乱,画面充满着美感。在鲁本斯的画面里没有摹仿前人的动作,他凭着自己卓越的绘画技巧与充满想象力的构思使线条与色彩完美呼应,具有自己的独创性。

法国美术史家丹纳说:“佛兰德斯只有一个鲁本斯,正如英国只有一个莎士比亚,其余的画家无论如何伟大,总缺少一部分天才。鲁本斯之所以伟大是因为他不断地对新形式的探索。”画家热情奔放,充满激情的性格特点在画面中得到充分体现,用自己的情感去表达对生命的感悟。

随着艺术的发展,思想情感,个性品格成为美术创作中重要的研究对象。艺术是精神世界的产物,艺术的创造不再只是对客观事物的再现,再一定程度上,更加注重反映人性的内在精神,使观众在作品中看到艺术家在现实中体验到的快乐和痛苦,这种情感成为艺术家传达给观众的语言。大多数艺术的价值都是被后人发现的,巴洛克对近代美术产生了深厚的影响,无论是19世纪的浪漫主义、印象派还是20世纪的抽象主义都离不开情感与色彩、光与彩、形与色的完美融合。艺术家的思想永远走在社会前列,我们可以说鲁本斯使一个生来被称为天才的艺术家,他凭着对生活的热情和对生命的探索,创造出跨时代的艺术瑰宝,为17世纪欧洲美术史写下了精神诗篇,独特的鲁本斯风格成为唤起生命的交响乐。巴洛克的出现方式不是像涓涓的溪流一样静澈悠长,它犹如火山爆发,犹如海啸席卷,犹如台风肆虐,以迅雷之势迅速占据了油画艺术的制高点,从此革新了油画创作的传统思维,带领人们走进了艺术殿堂的新纪元。

摘要：16世纪下半期产生的巴洛克艺术,其为“畸形的珍珠”之意。它以打破古典主义理性的宁静来造成运动感,艺术中的精神通过挣扎与斗争中获得重生,强调艺术中情感与想象的表达,对近代没血思潮的情感因素产生了巨大的影响。

关键词：巴洛克,情感,运动,鲁本斯

参考文献

[1]《鲁本斯与佛兰德斯画派》肖元-《新民周刊》-2014;

巴洛克风格论文 第5篇

巴洛克风格的纹样特点

巴洛克是17世纪风行于欧洲的种艺术风格“巴洛克”（Baroque）

词源于葡萄牙brroco词，意为“不合常规”，又被翻译为“不规则的珍珠”。

巴洛克风格的纹样强调激情，强调运动感和戏剧性，给人以华丽感，让人产生强烈的宗教共鸣。因此图案语言的特征是广泛地采用大幅度的弧线、交叉线和其他曲线：而在家具、建筑物上，常见中央部分出现椭圆或圆形、方形及其他种截角的形状，这些形状的周围，又配置富丽的花边等装饰。在构图上看似复杂多变，但都是以对称呈现。凡尔赛宫的建筑和装饰，以豪华著称，是“巴洛克”风格的代表作。

巴洛克风格的纹样在服装的运用

巴洛克风格的纹样在女装中更多的表现在大面积织物以具象花果、掌状叶脉、贝壳为参照绘制刺绣出具象纹饰。而卷曲的纹饰比如：翻转的鱼尾造型、掌状叶饰、莨苕叶盘旋涡卷成“S”形波状边饰的纹样成为是巴洛克时期宫廷服装图案的主要形式之一。服装的装饰边缘线、结构线以及图案的勾勒中，是由这些通过流动纹样变形而成的曲线组成的，将女性的柔媚与高贵融合在一起。曲线以柔美的流线簇拥形态为卷缠效果蜿蜒而上，使用装饰方法有雕、描、镂、嵌在局部将金线曲卷成多变线条，金属片的带状装饰刺绣金边以及珠宝、丝线绣出纹样，再用金属线包边卷出纹样的造型装饰，层次鲜明富有弹性。以品牌为例分析巴洛克风格的纹样在现代女装的转化与运用

如今的女装设计中巴洛克时期的宫廷装饰纹样图案反复出现，它们的形式各式各样，但可大概归为两种设计趋势一因循复古的设计和是现代感的实验设计。

1.因循复古的设计——经典图案的排列组合

在Lanvin201 2秋冬成衣发布中，纹样设计师以红、绿纯色作为材质的底色，把巴洛克时期具有代表性的宫廷印花和建筑印花图案以黑色蕾丝镂空形态，并按上下或左右对称方式均匀的以刺绣的方式铺排在基础材质上。繁复而有层次感的曲线设计衬托出了女性自然柔美的特征，镂空雕花的造型极富立体感，拉开了服装的前后层次，使其显得更为丰满。将巴洛克经典鸢尾花菱形团状图案用与透明的蕾丝、薄纱面料进行相结合，或者将纹样放大的同时，进行了珠宝点缀处理，达到具有宫廷韵味浓厚又不失时尚。

2.现代感的实验设计——解构、折衷、重组、综合

在Balmain 201 3秋冬&2012春夏的设计中，巴洛克时期的纹样被沿袭了下来，并被设计师加以改良和创新，如花卉图案、宫廷壁画和建筑纹饰图案等，这些华美且浮夸的表面装饰物给观众带来了震撼的视觉冲击力，使人仿佛回到了极尽奢华的巴洛克时期。在继承的同时，设计师们也在积极运用后现代主义的设计手法如解构、折衷、重组、综合等将这些经典元素打散，并与当今社会的各种思潮和文化运动如达达主义、波普艺术和极简主义等融合并加以重置，或是将异域图案元素加入到设计中去，进而达到一种全新的美学风格。如图，传统巴洛克图案与现代建筑中的元素结合产生的新的纹样样式。

在装饰方面，Balmain 2013秋冬成衣运用皮革材质上绣以巴洛克时期流行的花卉图案和菱形晶体，在衍缝的设计上有时将其切成窄条，并精心编织成花呢样式的图案。由于有些剪裁看起来像是僵硬的内饰，面对这种情况，设计师Rousteing以褶皱处理真丝软缎迷你裙和金属波纹哈伦裤加以平衡，模糊了安哥拉山羊毛的针织手法，将其剪裁成为翻领西装外套或老个长袖毛衣。在图案上大量借鉴巴洛克时期建筑的纹饰，并将其引入到服装设计中去，造成一种浮雕般的立体观感，其运用也非常灵活，可以作为身体各个部位服饰的主要图案，其他部位以黑色为主色调退至背景层，整体服装风格给人以极强的视觉冲击力。

总结

巴洛克键盘音乐表演的风格特点分析 第6篇

一、巴洛克音乐演奏风格的诞生背景

作曲家们对于音乐上的创作理念虽有着基本相同的审美态度,但同时又有着截然不同的作曲技法和美学概念,这其中巴洛克时期的又尤为明显,这是因为和历史发展的客观因素有关。

西方音乐发展历史中,声乐的出现要远远早于器乐。而器乐早期的作品甚至缺乏独立的地位,而是以一种依附的状态存在着。器乐经过漫长的发展,才逐渐有了独立的地位。到了巴洛克时期,已经初具规模。但是这个规模是以复调为主的,因此其创作理念与后三个时期相去甚远。而且巴洛克时期年代久远,现代化的钢琴技术还没有诞生,键盘音乐大部分应用于古钢琴或者是管风琴等。巴洛克时期的键盘音乐与现代钢琴大相径庭,制作上有着明显的不同,因此在运用和表现方式上与其他三个时期产生了本质的区别。

二、巴洛克时期键盘音乐具体的风格特点

演奏家如果仔细辨认就会发现,巴洛克时期的键盘音乐从整体上来说偏向于理性,尽可能保证各声部的平衡。这是由其复调的创作理念决定的,作曲家倾向于用许多小动机去搭建大的篇章结构,每一个小的动机几乎没有单独出现的,都是以对话、交流、对仗的形式向前进行的。因此,如果演奏者过于重视其中某个动机,就会破坏掉作曲者搭建的平衡的状态,使它和其他动机的联系降低,从而打破多个声部之间的平衡,破坏整体美感。巴洛克时期的键盘音乐的风格特点可以从指触、力度、奏法、装饰音、踏板等方面来具体论述。

1. 奏法

由于巴洛克时期记谱法还没有完善,作曲家们也没有标谱的习惯,因此我们无法真正了解到那时的创作者的真实意图和创作动机。但是我们也总结出了一些基本但不绝对的原则:首先是三度以上音程的跳进采用断奏的方式,二是级进的音采用连奏的形式。值得注意的是尽管其表现手法里也有连奏,但是跟浪漫主义的连奏是有差异的,它更注重表现自然的歌唱,以及连奏所起到的分句作用。

2. 力度

由于古钢琴在构造和表现方式上同现代钢琴都有区别,因此很难做出极强极弱的大幅度力度变化。在进行巴洛克时期的音乐表演时,乐句应当采用阶梯式的表演方式,以乐句为单位,逐渐攀升,用较为连续的乐段来展现情绪。有时候一句强一句弱,这样也可以形成情感上的对比。还有,在同一时间的不同声部之间的乐句之间利用力度的不同来创造出一种层次感。总而言之,理性、有节制地利用力度来展示风格,是把握巴洛克时期键盘音乐演奏风格的重点所在。

3. 指触方面

古钢琴的琴键相对现代钢琴来说比较浅,受力程度较轻,因此在演奏时候不用特别大的力量。但是表演者在演奏时很难运用古钢琴,一般只能应用现代钢琴,因此需要格外注意,在运用臂重的时候,需要同时考虑到手指的发力程度,不需要用力过深。但是同时也要注意不能过轻,要追求那种既轻巧同时又有质感的声音。同时,在钢琴演奏时,没有必要拘泥于古钢琴的限制,固执地去追求巴洛克时期的音响效果。当然,演奏相对于创作来说本身就是一种二度创作的过程,演奏者新加入的奏法和感情对于曲子本身来说都是一种改变和升华,因此我们应当给予不同的演绎方式以足够的尊重,但同时还要注意遵从某种演奏风格的基本原则。

4. 踏板

古钢琴没有踏板,因此巴洛克时期的作曲家们在进行曲子的写作时没有这样的条件,因此他们往往采用往曲子中增加保持音、装饰音的方式来保持乐段的连贯和流畅性,我们用现代钢琴来进行巴洛克时期键盘音乐作品的表演时,需要有一个严禁认真的态度,不能用原有的踏板原则来使用,而是应当有节制、有控制地使用,只需要保持那种淡淡的音乐效果就行了,不需要踩得过深。踏板的更换应当以乐句的更换为标准,以不打断连音为条件。在遇到某些无法用手指维持音程连续的情况时,都可以使用踏板,这是表现其风格特点的关键所在

5. 装饰音

巴洛克时期对于装饰音的处理存在着许多不同的理解,与后三个时代相比更是有着丰富的理论和很大的不同。古钢琴由于材质的原因,琴弦的振动时间较短,因此无法使得音程表现得过长。为了弥补乐器发音的弱点,使得音乐的歌唱性更强,同时也符合那个时期作曲家们的创作习惯,因此装饰音的大量应用成了巴洛克时期键盘音乐演奏的重要内容。其种类繁多,包括了颤音、波音、回音等各种形式,也有的没有固定的标记,纯粹依靠演奏者即兴加入。因此,在那个时期,装饰音已经远远超出了修饰的作用,而是作为旋律的一部分大放异彩。譬如,所有的装饰音和过桥音都写在拍子里面,并且占有一定的时值。再比如,其颤音在相应节拍下要求要有具体的个数,而不是仅仅要求快速弹奏就可以了。虽然很多专家学者对那个时期的装饰音艺术进行了深入的探讨和分析,但是由于那个时代的烙印和特点,装饰音的应用仍然是一个值得探讨的问题。

三、结语

总之,巴洛克时期的演奏风格同后来的风格相比,虽然存在着许多不同之处,确实一脉相承。我们在钢琴的演奏中,应做到求同存异,尊重和学习每个时期独特的钢琴演奏技巧和特点,对不同风格的演奏风格都有着自己的审美方向。我们要对巴洛克时期键盘乐器的演奏特点有着自己的理解和分析,这样才能不断提高自身的演奏水平。

参考文献

[1]杨虹偲.巴洛克音乐风格特点及巴赫对其的继承与发展[J].郑州铁路职业技术学院学报,2005.17(4):71-72.

[2]任书锐.关于巴洛克时期键盘音乐特点探讨[J].智富时代,2014(12):194.

浅谈巴洛克风格对现代设计的影响 第7篇

关键词：巴洛克风格,现代设计,影响

现代设计发展至今, 历经沧桑巨变, 经历了诸多风格。这些风格或形式的演化过程中是人类文明进步的映射。更进一步说, 人类文明中诸多的物质与文化因素也是现代设计风格形成与发展的助推剂, 无论从远古的壁画、装饰等原始文明到文艺复兴时期的艺术与建筑;无论从欧洲中世纪的绘画艺术到19世纪以来的设计艺术, 每一个层面, 每一个角度都能从现代设计中找到它们的影子。因此, 现代设计在诠释了“少则多”的同时, 很大程度上凝聚了不同时期的精华, 并且把这些精华重新的进行萃取和加工, 形成了独具风格的简约与高雅。由此看来, 现代设计中的简约其实并不简单, 它所映射的内容及其丰富。

在这些丰富的精华中, 最值得我们关注的就是巴洛克风格, 因为这种风格从17世纪到18世纪整整一百年中几乎成为人类文化与艺术的代名词, 包括之后的几个世纪, 诸多领域中的艺术与文化的发展, 都受着巴洛克风格的影响和渲染, 特别是建筑、艺术、设计、文学、音乐等方面, 这颗不规则的珍珠始终在人类文明的发展史上闪烁着耀眼光芒。

巴洛克风格对现代设计的影响主要体现在如下几个方面:

1 现代设计的“简约中的奢华”

豪华、富丽、奢侈与不平凡是巴洛克风格的最显著特征, 这种特征在巴洛克的建筑中体现的尤为突出, 似乎这种自由、古怪、离经叛道的设计已成为巴洛克建筑最具特色的代名词, 它打破了传统建筑的盲目崇拜, 也冲破了文艺复兴晚期古典主义者制定的种种清规戒律, 反映了向往自由的世俗思想。从罗马耶稣会教堂到德国十四圣徒朝圣教堂;从赫尔修道院教堂到维也纳舒伯鲁恩宫, 这些由大规模天花板装饰壁画、大量运用装饰品以及普遍的葱圆顶建筑, 打破了传统的束缚, 无一不打上巴洛克的烙印。于此同时, 我们不仅疑惑, 这种独特与华贵似乎与现代设计的实用、简约主义大相径庭。然而, 当我们细细品味现代设计中的“简约中的华贵”的时候, 不仅由衷的感叹并发自内心的认同上述的观点。当我们品味流水别墅的那种清新淡雅, 浑然天成的同时, 不仅感叹其中蕴藏的极度华贵之美。瀑布之上、万绿丛中的独具匠心便是独一无二的尊贵宝地, 周围的自然把人造物映衬得华贵无比。巨大的露台扭转回旋, 恰似瀑布水流曲折迂回地自每一平展的岩石突然下落一般, 无从预料整个建筑看起来象是从地里生长出来的, 但是它更象是盘旋在大地之上。这是一幢包含最高层次的建筑, 也就是说, 建筑已超越了它本身, 而深深地印在人们意识之中以其具象创造出了一个不可磨灭的新体验, 而这种体验正是无与伦比的“简约中的奢华”的强烈体现。

2“理性”与“感性”的强烈碰撞

巴洛克风格是一种激情的艺术, 强调艺术的想象空间与表现欲望。这种欢快、雀跃甚至有些怪异的风格在巴洛克的任何角落里蔓延, 而受这种怪诞、奇异、欢快的艺术风格影响最深的除了巴洛克的音乐之外, 在设计领域无疑是巴洛克的建筑。手法主义建筑的怪异与不寻常在巴洛克的建筑中得到了诠释, 如以变形和不协调的方式表现空间, 以夸张的细长比例表现人物等。圣卡罗教堂的平面近似橄榄形殿堂, 周围有一些不规则的小祈祷室;此外还有生活庭院。殿堂平面与天花装饰强调曲线动态, 立面山花断开, 檐部水平弯曲, 墙面凹凸度很大, 装饰丰富, 有强烈的光影效果。这种怪异的、不拘束的设计思想我们可以简单的理解为一种“感性”化的设计理念, 是发自内心的宣泄和表现, 不计较成败, 不考虑客观因素, 仅仅是设计者自身的价值的体现。

然而, 受巴洛克风格的这种强烈“感性”化思想的影响, 现代设计似乎进入到一个前所未有的“理性”时期。构成主义者认为:所有艺术家应该为社会而服务。因此, 传统提供愉悦经验的艺术概念必须被抛弃;取而代之的是大量生产和工业, 这与新社会和新政治秩序是密不可分的。俱乐部设计规划原则有着极其强烈的经济性的考虑, 所涉及的细节无微不至:如何让楼板和空间发挥最大的用途, 如何让木制家俱达到使用上的简易性、制作上标准化、能够有弹性的容易扩展等等。而这种强烈的理性化了的设计风格正是巴洛克风格的强烈反射, 在巴洛克时期艺术家们似乎不去考虑这些客观因素, 完全把设计行为施加在主观的意念之上, 这种荒诞、怪异与不寻常正与现代设计的规范、严谨、经济与实用遥相呼应, 构成了设计发展中的大的对比。

3 不同时期的宏伟艺术

巴洛克艺术是宏伟的艺术, 其中最典型的就是鲁本斯的画作。他的绘画具有巴洛克艺术的壮丽风格, 这种壮丽是以其艺术作品的宏伟呈现从而在观者心中树立的宏大、庄严的形式表现出来的。在《祝福和平》、《自画像》、《接受玛丽的祝福》、《乡村节日》我们可以强烈的感受到这种宏大的气势, 随着创作者脉搏的强烈的跳动我们的热情也随之沸腾。不仅仅在绘画领域, 音乐等方面, 罗马耶稣会教堂平面为长方形, 端部突出一个圣龛, 由哥特式教堂惯用的拉丁十字形演变而来, 中厅宽阔, 拱顶满布雕像和装饰。两侧用两排小祈祷室代替原来的侧廊。十字正中升起一座穹窿顶, 这种空前的盛大呈现无一不是巴洛克风格的具体体现。然而, 当我们回到现代设计的舞台上, 这种空前的宏伟气势又以另外一种现代的形式加以表现。伦敦水晶宫是英国工业革命时期的代表性建筑。建筑面积约7.4万平方米, 宽408英尺 (约124.4米) , 长1851英尺 (约564米) , 共5垮, 高三层。这种宏伟是利用了现代化的施工技术、现代材料的特性、现代主义设计理念加以实现的。然而, 呈现在我们面前的水晶宫如同鲁本斯的画作一样给我们以空前的震撼、这种震撼是现实中的, 更加具体和实在。

4 极富装饰性的现代设计

虽然现代设计的代名词是简约和时尚, 但是在某些领域里这种古典主义的装饰风格也成为现代设计中的宠儿, 其中表现最为明显的就是现代的服饰与饰品的设计。

在超脱了现代设计的乏味无趣、理性严谨的氛围之后, 这种强烈的无所顾忌的表现欲望在现代服饰中得以完美的体现。20世纪90年代的简约主义在现在已经成为历史, 时下古典主义风潮渗透到时尚舞台的每个角落, 饰品设计更是着重于极富装饰性的巴洛克风格。不规则缠绕的华丽钻石项链, 极具浪漫情怀的心型, 闪耀着晶莹透亮的光芒, 独特之处在于每一颗心型都呈现出完美的切割形状, 处处流露奢华与迷人的气质。古典主义韵味大行其道, 使得充满复古情怀的浪漫婚纱也呈现出一派奢华风格。仿巴洛克的提胸和束腰, 层层叠叠的裙摆, 在细节上将繁复且精细的做工体现得淋漓尽致, 再融合现代流行剪裁与时尚元素, 像蝴蝶结、褶皱等, 创造出亦古亦今的别样风格。大朵的花形头饰是婚纱中最显眼的配件, 它可以遮盖整个头顶, 也可以绽放于任一侧, 令人叹为观止。

综上所述, 现代设计是人类技术与艺术的完美结合, 在这种结合的过程中, 历史扮演者重要的角色。任何一种思维模式都不是凭空臆断, 都有着千丝万缕的联系。正统的巴洛克风格虽离我们远去, 但祖先留给后人的永远是取之不尽的宝藏, 巴洛克的浓重的宗教色彩, 优雅与浪漫的情调, 追求自由、洒脱以及极具动感的表现……哲学也都是现代设计以及现代人所追求的完美境界。

参考文献

[1]艾若.巴洛克风格在上海装修中的运用[J].建材与装修情报, 2009 (8) .[1]艾若.巴洛克风格在上海装修中的运用[J].建材与装修情报, 2009 (8) .

[2]王亚南, 季候鸟.巴洛克之城[J].建筑知识, 2006 (5) .[2]王亚南, 季候鸟.巴洛克之城[J].建筑知识, 2006 (5) .

[3]达萨, 方仁杰, 金恩林.巴洛克建筑风格1600-1750年的建筑艺术[J].艺苑, 2007 (2) .[3]达萨, 方仁杰, 金恩林.巴洛克建筑风格1600-1750年的建筑艺术[J].艺苑, 2007 (2) .

基于巴洛克风格欧式木塑窗研究设计 第8篇

关键词：巴洛克风格,欧式窗设计,木塑复合材

1 概述

古典欧式窗具有统一而富有韵味的风格特征, 并以其各种经典华丽的设计元素和古色古香的造型形制成为现代窗户造型选择中的优选。其中巴洛克风格是在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。巴洛克艺术建筑师们一直膜拜文艺复兴的艺术巨匠, 遵循他们所成就的古希腊和古罗马的艺术复兴之路, 恪守文艺复兴时期的人文主义观念理想, 设计出装饰华丽, 风格明显独特的巴洛克艺术形式[1]。

现代欧式风格以其自然简约的造型特征和奢华高贵的艺术气息带来了时尚的生活方式, 让我们更接近自然与生活本身而受到越来越多的现代人的喜欢。当代时尚的建筑模式为绿色节能建筑, 可以有效的节约和利用各种能源而实现节能环保效能, 木塑复合材料的门窗也正好最大功效的给建筑节能, 给人带来更加绿色的生活方式[2]。

2 巴洛克风格窗的研究

巴洛克建筑中常用穿插的曲面和椭圆形以讲求富贵繁华和强调感官享受, 以折断的檐部和山花, 柱子的疏密排列规律来体现立面与空间的凹凸起伏, 形成运动感。建筑立面中窗户的发展与演变在立体奔放的建筑装饰方面起了重要作用。17世纪, 外凸形式的窗户结构 (飘窗, 凸窗, 弓形窗) 出现, 更加丰富了巴洛克风格建筑外立面。其中教堂空间的窗户多用圆形, 椭圆形, 梅花形, 圆瓣十字形等 (见图1~图3) 。

2.1 巴洛克风格窗的造型特征与窗饰研究

巴洛克建筑上的窗户虽然看上去造型延续了文艺复兴时期的理性与和谐, 但是那种凹凸起伏的波浪的曲线与曲面所造成的动感窗饰却让人印象深刻。

相对于奢华的建筑装饰外立面来说, 窗户显得有些落寞与单调, 窗户的造型大多延续了文艺复兴时期建筑窗户的造型形制, 有圆形, 方形, 异形等, 通常也是长方形的窗扇加上拱形内有放射形窗棂的窗楣形式, 构成一种比较活泼的造型。窗口与窗头的造型及装饰手法极为相似, 连窗扇的分隔方式也保持高度一致, 只是在窗户的造型比例上, 依据层数不同而产生细微差别, 体现了建筑结构及功能对窗户造型的影响。成组或一系列的窗户才能形成一个完整的形象, 因此位于中轴线位置的窗户造型往往较其两侧的窗户更为复杂, 并附有阳台等装饰构件。而位于立面展开部位的窗户, 则更强调不同楼层之间窗户造型的对比, 并由位于两侧的浮雕立柱等将上下之间的窗户统一成完整的整体。

精美的人像雕塑是巴洛克建筑风格不可或缺的装饰要素, 使那个时期的建筑充满了神秘与浪漫的色彩 (见图4) 。还有卷草纹的装饰内容既可以用于前门两侧, 同样也是立面造型的主要构成元素 (见图5) 。外立面立体生动的装饰使外窗寂寞地隐退到了华丽舞台的背后, 蜕变成了外墙面豪华装饰的背景与衬托。同样造型出挑的半圆形阳台, 采用巴洛克手法, 由卷草纹饰的铸铁栏杆与石刻底板构成 (见图6) 。

2.2 巴洛克风格窗的结构和材料研究

到了巴洛克时期, 窗户的形式与使用方式由最原始的粗糙简单的洞口形式变得越来越复杂和精致, 以便符合人们的功能性与艺术性的需要。16世纪晚期, 由手工制作的分格细密的木窗并不能全部开启, 而且玻璃很薄并灰暗, 直立窗棂厚重坚实, 窗头的形制比较程式化。人们发明了推拉格子窗, 这是一个关于欧式窗户上的重要创举, 开创了一种新的重力与平衡系统, 并且开始使用大面积的玻璃窗。到了17世纪晚期, 荷兰人发明了吊窗代替了之前竖铰链窗的形式, 其上下滑动的特性给当时的窗户结构同样带来了创新[3]。巴洛克时期的窗户的设计与制作多用木质材料, 相对石材的窗户来说使建筑多了一份温暖而少了几份寒冷, 密封性也会相对较好一些。

3 欧式窗的设计与应用

窗以新的材料, 新的内容, 新的形式, 新的技术适应着现代社会生活的种种需要。本节主要是对现代欧式窗户的造型进行设计并对应用的木塑复合材料进行分析, 简化了古典欧式窗户的经典造型与装饰元素, 优化了窗户的材料。

3.1 造型设计

窗从最原始的作为通风口发展到现在, 从建筑的功能和装饰效果这两个方面来说, 窗户都是房间与建筑装饰效果的重要体现之一。

通过前一节的研究与分析, 利用对欧式巴洛克窗户造型特点的了解, 结合现代窗户发展设计的潮流, 设计能够体现现代气息的巴洛克风格窗户。本次造型设计以一套欧式别墅窗户为切入点, 分别设计客厅, 卧室, 餐厅, 卫生间的窗户。

在此套别墅窗户的设计方案里着重强调了方形的造型形制, 并在里面寻找一些巴洛克风格的拱形和放射形式因素来与之形成制衡, 打破方形的拘谨与刻板。

如图7所示, 客厅窗户的设计就显得极为简约, 外面的方形与内部的拱形与圆形相结合, 没有多余的线条语言做装饰, 一切都显得极为简单, 落地的形式与尺寸同样带给客厅不一般的阳光感受, 大面积的玻璃使人与自然显得更为亲近, 感受也更为强烈, 坐在客厅, 品一杯香茗, 看着窗外四季的景色真是好不惬意。如图8所示, 卧室的窗户造型的设计相对于客厅的窗户造型类似于做了一个加法, 窗格增加了许多, 显得比较私密一些, 视线没有那么的直来直往, 反而更显情趣。如图9所示, 在此套餐厅窗户的造型设计上, 汲取了文艺复兴风格的造型因素, 运用了半圆拱的造型。在餐厅里, 看着这样的窗户犹如一道通往文艺复兴时期的门, 给房间又加了许多欧式氛围。如图10所示, 卫生间的窗户的造型设计类似于一扇双开的窗户, 又分成了上下两个部分, 其中中间的向上拱的横向的窗棱打破了左右窗扇的制衡, 使本来平凡的造型得到了巧妙地丰富, 似乎又含有中式窗的造型因素在里面。在尺寸上也是相比之前的客厅, 卧室的窗户小, 采用了800 mm×1 200 mm, 在保有私密性的同时也保证了适当的采光性能。

3.2 窗户结构工艺设计

本次窗户设计所使用的木塑复合材料, 是一种新型绿色环保材料, 是将废弃的塑料与各种植物原料结合而形成, 性能优异, 而且可循环利用回收, 面对我国森林资源迅速减少, 白色污染日益加重的情况下, 木塑复合材料的出现无疑是给节能窗户使用材料带来了福音[4]。

建筑节能的关键是门窗节能, 采用挤出工艺制成的多腔空心型材窗, 能够有效缓解室内外冷热桥效应, 从而达到建筑保温节能的目的[5]。因此作为节能环保的新型建筑材料, 木塑门窗基材也多采用挤出工艺。

由于方案都是封闭窗, 主要考虑采光与取景的功能, 所以结构相对比较简单, 采用了木塑复合材料型材的窗框与窗挺, 由于木塑型材内部有许多腔室和加强筋, 有很稳定的力学性能, 既能防止木塑型材发生变形, 又可以减轻材料的重量 (见图11, 图12) 。窗扇增加了压条, 可以根据压条的强度而安装多层玻璃, 更加有利于建筑节能, 对于节能建筑的发展有重要的意义, 更加有利于北方等寒冷地区的运用 (见图13) 。

对于窗框, 窗的中挺的连接方式上采用机械全焊接的工艺方法, 这样既可以避免木塑窗户易于断裂损坏, 结构不稳定的缺点, 又能保持窗户的外观完整美观。密封性能与隔音性能也同样有所加强。

4 结语

欧式巴洛克风格窗以其独特夸张与怪诞的造型风格和相应的历史内涵吸引了许多现代人的关注, 无论是其生动精美的窗饰还是理性和谐的窗形都可以使人感觉到当时匠人的穷工极巧与审美意识。同时要运用新材料新技术才能成就一件优秀的设计作品。

对于窗户来说, 现在市场上新型的木塑复合材料以其各种优异的性能崭露头角, 成为门窗材料市场的新宠儿。对于未来的发展, 只要加大对木塑材料性能的研究与开发, 改善材料设备, 肯定前景广阔。积极汲取国外经典窗户造型要素, 运用木塑复合材料设计出绿色节能又能体现时代发展的欧式窗户是时代的要求, 是现代欧式木塑窗的设计趋势, 更是对广大消费者最好的回馈。

参考文献

[1]魏峰.重读巴洛克建筑艺术——重温经典启发设计[J].怀化学院学报, 2011, 30 (4) :86-87.

[2]Wood smith.Library Resource Services[J].2004, 20 (3) :5-8.

[3]潘华.透过窗口看建筑[D].南京:东南大学, 2005.

[4]张求慧, 李建章.木塑复合材料改性研究进展及应用前景[J].包装工程, 2008 (2) :188-190.

巴洛克风格论文 第9篇

——《人性, 太人性的》尼采

一、巴洛克与洛可可风格中雕塑艺术的唯美元素

以唯美主义的观点出发去寻找巴洛克与洛可可风格中雕塑艺术中的纯粹的美好意向。形式上从阳刚时期的巴洛克到阴柔矫饰更为繁复的洛可可, 甚至有人认为巴洛克与洛可可时期的一个标志是18世纪初欧洲瓷器使用的普及。生活当中较为笨重的银质餐具或石头塑造成型的雕塑转变为用轻薄且易碎的瓷制品来做餐具或其他器皿, 同时在其他手工艺领域也高产诸多精美至极的瓷制小雕塑, 从而也可以反映到这个风流时期的矫饰精神。

这是一种具有新艺术味道的曲线式的装饰艺术风格, 弓形的表面和流动的彼此联系着的线条使作品中有着仙境般的气质跟人与自然的美妙结合。比如贝壳、漩涡、山石作为装饰题材, 卷草舒花, 连成一体。

故作浮夸固然不是我所赞同的, 它甚至可以被人理解为一种跟风, 对奢华的上流阶层的一种纯外在粉饰的艳羡, 但洛可可风格的璀璨之处, 自有其超越时代的魅力, 终究那是个看上去具有精致审美情趣的美好年代, 单方面地这样说, 生活中总是不能缺乏信仰的, 所以, 过分夸张的矫饰竟也成了一个散发着耀眼光芒的高度。尤其洛可可风格便是这种结构脆弱的高雅文化基础上绽开的美艳之极的花朵。

二、唯美主义观点

唯美主义者坚持认为纯艺术不应该是有任何说教的因素的, 它不是作为“科学”而存在的, 它是感性的人性的“美”, 这种美是单纯的无辜的, 这使唯美主义者们如痴如醉, 奔跑在他们自己的审美领域里面。纯艺术的美, 单纯高贵的美, 他们认为“美”才是艺术的本质与灵魂, 它们无需言语, 形式已经超越了一切, 它们无需外界给予的各种外在或内省的评价与教唆, 它们高洁的远离嘈杂地藐视众生。

除此之外, 唯美主义者还提出生活应该模仿艺术而并非艺术再现生活的主张。也许, 唯有艺术能化苦难为欢乐。当然, 这个观点我也是极其赞同的, 它不算是虚构的欲望, 相反, 是身体力行的与道德说教等观念无关的存在方式。

生活模仿艺术, 生活与艺术结合, 装饰让生活更美好, 此刻, 艺术便是感性的。

三、由巴洛克洛可可艺术引发的视觉与审美的个人观点

巴洛克与洛可可的艺术风格跟浮华二字总是脱不了关系的, 那是个美术现象绚丽多彩的时代, 它被单纯地认为成官方的高端的粉饰艺术, 尤其到后期的伟大的洛可可艺术经常显得那样轻柔与不费力气, 以至于艺术家的高超技巧不被欣赏甚至是无视, 轻松诙谐与享受生活的主题容易被观者误解为轻浮, 相反, 我觉得被称为艳情艺术的洛可可风格是社会化的大众参与的一种身体力行的行为艺术。它是唯美主义者所提倡的“生活模仿艺术”的先行者。因此我并不是很喜欢大多数当代艺术家对待艺术的个人态度, 他们总是太过于看重自己。

常常被当做艺术主题的“爱”有很多种意义, 可以用来展示压力和麻烦, 可以是指广义的情欲, 还有一种便是轻松和不经意间的, 观者也许该试着抛开当时的社会背景与本质去欣赏这些极致的让人身心愉悦的美, 让它们进入到市民阶层的审美观念里让生活变得富有想象力。绘画、雕塑, 世界的饰物, 是来自上天的稀有礼物, 来到我们当中, 是让我们见识宇宙的美丽。

正如唯美主义者所倡导的生活应该模仿艺术而并非艺术再现生活的主张, 艺术源于生活却高于生活, 杰出的艺术家创造出新的典型, 然后生活试着去模仿它。19世纪的欧洲, 艺术家一味追逐所谓艺术的现代性。王尔德反对那种文学及艺术形式的现代性, 认为形式的纯粹现代性难免趋于庸俗化。在《谎言的衰落》中, 他指出, 生活是瓦解艺术的溶剂, 艺术需要对生活原材料进行全新的翻改。王尔德通过对比莎士比亚、巴尔扎克、左拉等现实主义色彩很重的作家们的作品, 指出生活只是一种映像, 艺术才是真实的, “生活模仿艺术远甚于艺术模仿生活”, 其理论核心在于, 所谓美或艺术, 根本就与社会人生毫不相干, 它的发展非但不依赖生活, 相反, 倒是生活追随艺术。美的目的在于它自身, 而生活, 则“总是以其现实性破坏艺术”, 其次, 唯美主义“为艺术而艺术”的要义在于超越道德, 艺术绝非教化的手段, 美与伦理观念格格不入, 人们从事艺术不过为了培养美感, 寻求享乐。就如18世纪的洛可可艺术风行一时, 它既体现了宫廷和贵族享乐主义的艺术趣味, 又是为艺术而生活的先驱, 并有意地试图将艺术引入日常生活。

巴洛克风格论文 第10篇

与杰出的建筑、雕塑大师贝尔尼尼共同撑起意大利巴洛克艺术顶峰的画家卡拉瓦乔，率先以强烈的光影效果，配合奔放的人物造型成为早期代表人物。作品《以马忤斯的晚餐》中的光是画面的灵魂，这束光让身穿红白衣袍的耶稣在经历十字架的痛苦和尘世艰难后重生的面容丰满红润，神情超脱;这束光，让右边佩戴贝壳标记的圣徒在猛然间认出耶稣后悲喜交加的表情一览无余;这束光，让背着光、佝着背的使徒动作强烈得几乎要冲出画面;这束光，让象征人类原罪的苹果、无花果以及象征基督血的葡萄等水果几乎从画面上滚落下来……光，一下子将空间衬托得无比真实。

经济的发展，改革的推动，让处于权力顶峰的宫廷权贵一下子认识到：艺术是宣扬他们政绩的最好“助手”，于是借助发达的航海事业，而一跃成为欧洲强国的西班牙，将外交官兼宫廷画师委拉斯贵支尊为“艺术家的最高领袖”，委拉斯贵支确实让自己成为创作世界中的“主宰”，看他的代表作《宫娥》，没有王族的歌功颂德，甚至连主角———国王、王后也不见了，只有闯进画室想看看爸爸妈妈是怎样做模特儿的小公主，只有或跪着或站着的、不知所措的宫娥，只有用眼神征求主人意见的侏儒，还有即使被调皮的小伙子踹着也默默忍受着的狗狗，对了，还有巨大画架前拿着画笔向画外注视的画家本人。同为西班牙外交官的鲁本斯以丰盈的人物造型、热情饱满的色彩、充满戏剧性的构图成为人生和自然的歌颂者。

画家普桑歌颂人类与大自然的作品充满田园气息，即使是在《福塞翁的葬礼》这让人窒息的标题下，呈现的依然是葱茏的大树、碧绿的青草、起伏的山峦和劳作的人们。

当时间慢慢踱到18世纪的时候，人们更加喜欢温暖亲切的风俗画，于是洛可可之风盛行，蓝绿、粉黄、淡紫、棕红成为主色调。不信你看弗拉戈纳尔的《读书的少女》，她微低着头，专注于手中的小书，柔和的光从她的正前方洒落下来，让她的鼻尖、衣领、手背更加细腻柔美，她毫无设防地将手轻轻搁在扶手上，温柔地靠向棕红的软垫……甜美、温温柔柔。。