创造性的音乐作品

创造性的音乐作品（精选12篇）

创造性的音乐作品 第1篇

音乐活动中创造力的培养除表现在应尽量启发幼儿联系已有的感性经验、随音乐所表达的思想感情充分发挥自己的想象, 进入歌曲的意境之外, 还可以从以下几方面进行培养:

一、创编歌词, 让歌唱活动更具生命力

在实践中我们发现, 以往单纯的教师唱一句, 孩子跟一句的模唱形式常常会使幼儿感到枯燥乏味, 更有一些“历史悠久”或“脱离生活”的歌唱作品让孩子“心不在焉”;而幼儿根据自身的生活经验, 自编的童谣式歌词, 配以优美的旋律, 却重新赋予了歌唱活动以新的生命力。

首先, 对带有生活经验成分的歌曲, 我们可以启发孩子根据自己的实际情况创编歌词。例如:在组织幼儿学习《不再麻烦好妈妈》的歌唱活动中, 教师启发孩子们根据自己的实际情况来创编歌曲中关于描述自己的事情自己做的部分。此举立即打开了孩子的思维:“自己来洗碗”、“自己上幼儿园”、“自己拿牛奶”、“自己去买报”、“自己来吃药”等等。原来孩子自己能做的事情早已超出了歌曲的原意。孩子们唱着带有自己真实生活的歌曲, 特别自豪, 感情也特别真切, 成就感油然而生。在以后的类似活动中, 每个孩子都表现出浓厚的兴趣和强烈的表现欲。

二、动作造型, 在律动中培养幼儿的创造力

最初, 我们把一味的模仿做各种舞蹈动作堪称为“律动教学”。其结果是, 幼儿虽掌握了某个动作和造型, 而单一的模仿却大大的扼杀了孩子的创造力。渐渐地我们发现, 在律动教学活动中, 我们可以尊重幼儿的想象和表达, 让幼儿自由的用身体动作反映音乐节奏的强弱、快慢, 提倡幼儿同伴间的合作。音乐活动的律动其实可以为孩子发挥创造力培养创造力提供良好的机会。

教师可以鼓励孩子去感受种种自然的动作, 如走、跑、跳。在音乐中, 孩子们可以将这些平时看似最最普通的动作创造成带有稚趣, 令人意想不到的情景。例如同样的走, 在音乐声中, 孩子们可以蹲着、踮着、像棉花似的飘着、像机器人般颠着等等。

我们看到, 幼儿的创编基本上以自己的生活经验为主。他们在创编的过程中, 不仅开发了创造潜能, 还学会了观察生活、积累经验, 更多的是他们开始去发现生活, 创造性地表现生活。

三、节奏性创编, 让音乐活动乐趣无限

以往的节奏性活动, 只要求幼儿掌握最基本的节奏音型, 认识和掌握最基本的几种打击乐器的演奏。如今我们发现, 在节奏教学活动中, 可以引导幼儿探索各种乐器, 感知不同音色;让幼儿学习各种乐器的敲击方法, 并尝试制定配器方法, 创造性的选择乐器;引导幼儿发现和探索身体上的乐器、天然的乐器和自制的乐器;鼓励幼儿进行即兴创造伴奏, 积累幼儿演奏的经验, 大胆合理的进行创作。为此, 我们采用了以下的方法进行教学:

1、营造自由创造的氛围。

在活动中, 消除幼儿的恐惧心理, 为幼儿提供充分、自由的活动空间和时间, 鼓励幼儿利用已经有的经验展开想象, 自由的表现。

2、注重幼儿的自我表达和表现。

每个幼儿都有自我表达和表现的需求, 而音乐创造活动恰好能满足他们的需求。

3、将节奏性活动与生活相结合。

生活中其实到处都存在着生动的音色和节奏:雨声、雷声;拍手声、跺脚声;用勺子和筷子敲打小碗的声音, 用积木敲击塑料瓶的声音;将皮筋绑在纸盒上弹拨的声音, 将废水桶制成小鼓敲击的声音等等。孩子们对它们很熟悉, 很好奇, 很喜欢。所以, 只要我们做有心人, 那么我们的节奏性活动就无处不在。

四、欣赏音乐, 表现充满个性的音乐

学会倾听和欣赏音乐, 是音乐素质中不可缺少的一部分。它是孩子们感受美、创造美和表达美的综合体。在欣赏活动中我们采用以下方法。

1、倾听声音以后让幼儿用身体、

日常用具去表现周围环境的声音, 根据声音的变化想象和讲述声音所表达的有趣情景。

2、分辨音乐力度、速度的变化, 引导幼儿用语言、身体动作或打击乐器创造性地表现不同的音乐形象。

3、感受音乐情绪的变化, 并通过扮演一些动物, 模拟一些现象来表现不同的音乐情绪。

创造性的音乐作品 第2篇

上良中学

王辉

教学评价是教学工作的一个不可缺少的基本环节，是提高教学质量的重要手段，也是教育科学研究的一个重要组成部分。新课程标准指出：“音乐学习评价应充分体现全面推进素质教育的精神，着眼于评价的教育、激励与改善的功能。”课堂教学有民主、有互动，就会有评价。可以说评价是动力器，它将教学引向深入。如何做好学生学习音乐的评价呢？它将关系着学生素质的发展！本文以评价回归客观真实、评价投入真情实感、评价激活创新思维、评价呼唤真诚对话、评价追求生动有趣这五方面，提出在音乐教学评价中的一些做法。

新课改强调音乐课程评价的目的是为了促进学生的发展，重视评价的激励功能。因此，现在的音乐课堂上，多的是对学生的表扬、赞赏，这不能不说是一种进步，然而，有的音乐教师却把表扬等同于激励，“好”“你真棒！”“你太聪明了！”„„如此的评价语言不绝于耳，形式浮躁，语言单调，久而久之，学生的心潮还能荡起涟漪吗？

音乐课堂评价应该丰富而灵动，以真实打动学生，以真情感动学生，以智慧引领学生，以生动吸引学生，真正发挥音乐评价的激励功能，使学生在音乐课堂中获得美的熏陶，因此我认为评价应该做到以下几点：

一、评价回归客观真实

客观真实的评价是激励性评价的前提，若违背了这一原则，即使评价方法再先进，形式再新颖，也不会产生什么激励功能，因此，我们在进行评价之前，必须客观的实事求是地分析评价对象。我认为，真正的激励性评价应该向学生传递真实的信息，只有真实的评价，才能唤醒精神，鼓舞行动。我们要用真实的评价去寻找学生生命中的亮点，促使不同的学生都最大可能的获得发展。真实的评价并不隐瞒学生音乐表达上的缺点与不足以及回答问题的欠缺，在欣赏学生独特与智慧的同时，一分为二地评价；真实的评价需针对不足诚恳地提出建议，使其找到努力的方向，有时孩子知道对与错仍然不知所措，这时他们需要的是具体的、建议性的指导，使

他们知道“我该怎么办”；真实的评价并不摒弃批评，而是讲究批评的艺术，不使学生丧失学习音乐的兴趣；教师还应引导学生学会正确客观评价自己与同伴，使自评与互评发挥真正的激励作用。

二、评价投入真情实感

罗素说过：“凡是教师缺乏爱的地方，无论品格还是智慧，都不能充分地或自由地发展”。爱是教师改进工作的源泉，也是学生成长发展的源泉，师爱如同充满魔力的潘多拉魔盒，能够唤醒学生内心的自主意识，能使学生获得心灵的感动、情感的升华。因此对学生的激励除了用动作、用声音，更重要的是用心灵，发现学生的闪光点，真诚的给予肯定和鼓励，使被评价者萌生自豪、自信、向上的种子。音乐课堂是学生、教师、音乐三者感情碰撞的空间，是一个丰富多彩的情感世界。

首先，教师可以把充满鼓励、支持的爱用富有真情的评价语言送到学生的心坎上。其次教师要用眼神、体态、微笑等传递关爱，显示信任，表达理解，缩短师生间的心距，让学生感到被欣赏的幸福、被肯定的喜悦。

三、评价激活创新思维

教师的评价不能是简单的“好”与“不好”，也不能轻易以自己的惯常思维去评判一个学生的发言，甚至替代学生的思考，而是应站在学生的角度，充分地了解、倾听孩子的想法，这样才不会扼杀儿童的创新思维。例如在教学歌曲《到小熊家里去》第二段时，一个男孩把“ 5 3 2 ︱ 5 3 2 ︱”唱成了“5

3︱2 — ︱”，孩子们都哄笑他，而老师则制止了大家，然后问他怎么会想到这样唱，小男孩说他觉得这样唱更能代表小狗，老师立即给予肯定和表扬，课堂气氛顿时热闹起来，孩子们七嘴八舌，创编出很多种动物的叫声。只要与众不同，只要是原发于本体的独创的思想，就是创新成果，这就需要教师及时捕捉，抓住不放，热情鼓励，为创新火花“助燃”。

四、评价呼唤真诚对话

音乐是心与心之间的交流，音乐课堂评价同样呼唤交流与对话。我常看到这样的现象，有的同学对别人不服气或产生嫉妒心，有的同学听不进

他人的意见，如果他人的评价不被接受，那么评价就毫无意义，起不到促进作用。如何让评价者最大限度地接受评价结果，实现评价最大的效益呢？我想，应强调评价过程中评价主体之间的相互协商、沟通、理解和让步。首先，教师要改变评价权威的姿态，不让学生感到处于被动接受或受制于人的评价局面。其次是引导学生懂得互相商量、探讨、倾听着去评价，提高互评的效果。如我在教学中开展“班级演唱会”，让学生间相互展示，相互评价，“你认为他唱得怎么样？”“好在哪里？”“他这句有些跑调，你能正确示范演唱一下吗？”增进学生间的多向交流，以利于取长补短。学生慢慢学会了用欣赏的眼光去看别人，意识到倾听别人的意见也是一种学习方法，能促进自己进步。师生双方彼此倾听和言说，在语言的交流评价中，敞开自己的精神世界，获得理解与沟通。

五、评价追求生动有趣

兴趣是学习最好的老师，评价中也应当以学生的兴趣为主，使学生在美的评价中享受审美乐趣。

教师的评价语言要摆脱枯燥单调的束缚，走向丰富多彩，让学生感受评价的魅力。例如有位教师让学生听着音乐画画时，发现有一位小朋友把太阳涂成了绿色引起周围同学的嘲笑，她没有批评这位学生，而是这样评价道：“同学们，让我猜猜你的这幅画的意图好吗？我猜你画的可能是一个正在倡导环保的太阳，它希望地球上多一些绿色，所以把自己也涂成了绿色„„”这样机智有趣的评价语言是根据教学随机生成的，在很大程度上激励了学生，使课堂教学更富有生气。

创造性的音乐作品 第3篇

关键词：小学音乐；创造性教学；教学理念

近几年来，义务教育中小学音乐教学的新课标逐渐完善，小学音乐有效教学对于学生而言，有着重要的影响，在学生进行音乐学习过程中，不仅能够提升学生的欣赏水平，同时还能够促进学生综合素质的提高。

一、通过结合舞蹈进行创造性音乐教学

音乐能够刺激学生的听觉，而舞蹈能够刺激学生的全身感官。故而，在创造性音乐教学中，教师通过结合舞蹈进行教学，不但能够让学生的身体协调性得到发展，同时能够让学生在进行舞蹈结合的音乐学习中，增强自信心，让学生的形体得到美化，最后，还能够有效地激发学生的表现欲，让学生的想象力得到发展。比如，在湘教版2011年小学音乐的《折纸船》的教学中，教师就可以通过这首音乐让学生学习相关的舞蹈，让学生能够边唱边跳，充分引起学生的兴趣，让学生能够快速地记住歌词，掌握节奏，从而进行有效的音乐学习。

二、通过更新教师的音乐教学理念进行创造性音乐教学

作为一名小学音乐教师，在进行创造性音乐教学过程中，最不可少的就是其自身的音乐教学理念要随着时代的发展而发展，如此才能让自己的音乐知识更为全面。自己的创造经验更为丰富，才能合理地进行音乐教学的设计，让学生有效地进行音乐学习。对此，笔者认为，教师首先需要为学生创造一个和谐轻松的音乐教学环境，让学生能够在这个环境中充分将自己的表现力与想象力向同学与教师展示出来。其次，教师还需要在教学中融入学生群体中去，跟随学生一起进行音乐的学习，同学生建立良好的关系。并且，在课堂教学中，教师还需要灵活地运用语言，如此才能激励学生，让学生对音乐的学习兴趣与积极性得到提高，以此促使学生全身心地投入音乐的学习过程中去。

三、通过创造音乐思维空间进行创造性音乐教学

在创造性教学应用于小学音乐教学中，教师应注重引导学生将现实生活中的东西同课堂上的音乐内容相结合，以此让学生能够深刻感受到音乐内容的真实感与具体感，从而通过音乐的学习体会到生活中的实际情感，以此创造学生的音乐思维空间。例如，同样在湘教版2011年小学音乐三年级《老师你好》中《老师最理解我》的学习指导中，教师就可以制订教学目标，首先让学生自己谈谈对老师的看法与展开想象，并提出问题：“老师应该通过什么途径来理解学生”“你希望教师理解学生的哪些方面”等，之后，教师根据学生的回答谈谈自己的想法，并利用多媒体技术播放歌曲。如此一来，让学生在展开讨论与联想的过程中进行《老师最理解我》的音乐学习，使音乐教学的实效性得到了充分的提高。

四、通过“创造性”的实践活动进行创造性音乐教学

就小学音乐教学而言，教师只有通过设计与学生身心发展相一致的教学手段才能让学生充分吸收教学内容，才能有效地进行创造性的音乐教学。由此，教师应积极开展“创造性”的音乐实践活动，了解班上全体学生的音乐水平以及音乐学习能力，如此才能进行更深层次的音乐教学。也唯有如此，才能有效地激发学生的音乐兴趣，使学生的音乐情感在课堂教学中得到体现，并且发展了学生的创造性思维与潜在能力，提高了学生的综合素质。同时，这也直接体现了创造性音乐教学的作用，使音乐教学效果得到提高。

素质教育盛行的当今社会，创造性的音乐教学在小学音乐教学中的应用是非常必要的，它能够最大化地开发小学生的创造潜能，让学生的音乐水平得到充分的提高，而这也是音乐教育最为理想的境界之一。故而，小学音乐教师在实际教学中应不断实践，以此进行创造性的教学。

参考文献：

[1]佟贺，尹爱青.对小学音乐欣赏课《打字机》现场教学的几点思考[J].北方音乐，2014（01）.

[2]郭小利，王耀华.中国传统戏曲音乐创作的三维特征[J]. 戏曲艺术，2011（04）.

音乐美育对创造性人格的影响 第4篇

关于“美育”概念的提出, 始于德国启蒙运动时期的美学家席勒。席勒批判地继续了德国古典美学的奠基人康德的美学思想, 提出了审美教育题目, 他的《美育书简》是世界第一部美育宣言书。席勒提出:“假如要把感性的人变成理性的人, 唯一的路径是先使他成为审美的人。在涵括感性和理性的领域之外, 重新开辟出一个新的情感领域, 使人获得精神上的解放, 拥有一个完整的人格, 这就是美育的性质和任务所在。”由此可见, “美育”这一概念的提出是和人的情感领域是密切相关的, 美育是一种情感教育, 这句话更加充分地说明了美育的重要性。古今中外的很多美学家和教育家都是十分重视美育的情感教育作用。情感教育的目的是将情感善的一面和美的方面尽量发挥, 情感教育是由美育的性质决定的。美育者, 应用美学之理论于教育, 以培养感情为目的者也。每个人都有感情, 然而确并非每个人都具有伟大而高尚的行为, 这是由于情感推动力的薄弱。所以要转弱为强, 转薄为厚, 有待于陶冶。陶冶的工具, 为美的对象;陶冶的作用叫做美育。美学家朱光潜先生也认为:美感教育是一种情感教育, 美感教育的功用在怡情养性。艺术美本身所包含的真、善、美因素, 不仅可以启迪人的聪明, 还可以完善人的道德修养, 使人的身心得到健康的发展。

音乐美育有利于学生创造性人格的发展。创造性人格就是指人所具有的那些对创造力发展和创造任务完成起促进或保证作用的人的个性特征。其中, 创造性人格的主要特点及表现是健康的情感、坚强的意志以及积极的个性意识倾向。音乐对于情感有很大的影响, 音乐能够影响很多激素的释放量, 并且能够促进人体形成和释放内啡肽。它的大量释放可以减少精神紧张和压力。研究人员在使用正电子发射X射线层析照相技术后发现, 当受试者听音乐时, 大脑参与处理情感的某些部分变得活跃起来。优秀的音乐作品都富有美感, 学生在欣赏、演奏这样的作品同时, 很自然地会受到美的熏陶、获得美感。美感是一种力量、是一种追求, 激发学生去创造发挥的同时、去克服前进道路上的艰难险阻。音乐美育不仅要提高学生对美的感受和理解能力, 而且还需要培养对音乐的表现和创造力。因此, 学生需要掌握好必要的知识和技能技巧的训练。然而音乐又是一门技术性很强的学科, 通过对学生进行各种音乐技能技巧的训练, 可以培养学生的自制力、毅力、耐心等非智力因素。

一、音乐美育对情感的影响

情感是人对客观事物的态度体验及相应的行为反应。情感具有较大的稳定性、深刻性和持久性。情感虽然是无形的、捉摸不定的, 但它却无处不在。在情感方面具有良好品质的人, 生活也必然会更加富有目的性, 更加富有生气。

音乐美育对人有很大的影响, 它能够直接而又强烈地影响人的情感, 触及人的心灵深处。其根源在于它与人的心灵、人的生命和律动保持着高度的“同构”。苏珊·朗格指出:“我们叫做音乐的音调结构, 与人类的情感形式——增强与减弱, 流动与休止, 冲突与解决, 以及加速、抑制、极度兴奋、平缓和微妙的激发, 梦的消失等等形式——在逻辑上有着惊人的一致——音乐是情感生活的音调摹写。”现代心理学研究也证明, 人的情感活动与音乐的运动状态在心理感受上的有着一致性, 时间上且都有着持续性和过程性, 在运动状态上又都表现为力度的强弱和节奏的张弛以及色调的明暗这样一个动力性的过程, 当音乐所展示的音响运动过程与人的感情发展过程相吻合时, 就会引起心理上的强烈反响, 产生情感共振。

学校教育时期正是学生的个人情感由低级向高级逐步发展的重要阶段。在这一时期中, 学生的社会交往范围不断扩大;情感体验日趋丰富和复杂;情感自我调节能力不断提高;一些比较高级的社会情感, 比如道德感、理智感、美感逐渐发展。如果能进行音乐美育教育, 他们的情感就有可能逐步变得丰富起来, 从而有助于他们形成正确的人生观、价值观、世界观。

二、音乐美育对意志的影响

意志是人根据一定的目的对自己的行为进行激发、维持、抑制等调节的一种心理过程。良好的意志品质是个人成才的重要智力因素之一。音乐教育也具有促进学生意志发展的潜力。

音乐美育是人类社会进行的一种有目的的教育实践活动。如果当一首熟悉的音乐能使学生产生愉快和兴奋的体验时, 播放这首音乐就能激发他们集中注意力去倾听和全身心的关注。这种表现就是音乐美育活动中产生的一种最初行动, 也是一种意志的体现。在音乐美育过程中, 无论是欣赏音乐, 还是学习做韵律动作, 或者学习演奏乐器, 都已经成为一种有着明确目的行动。尤其是针对于一些学习起来比较困难的音乐技能来说, 如果没有坚持不懈的刻苦练习的精神, 就无法达到预定的目标和理想化的学习效果。

三、音乐美育对个性意识倾向性的影响

个性通常是指人具有的比较稳定的有一定倾向性的心理特征的总和。个性意识倾向性是人进行活动的基本动力, 也是个性结构中最活跃的因素。它表现在对认识和活动对象的走向和选择上, 主要包括需要、动机、兴趣、理想、信念和世界观等。

社会进步与时代要求已经把教育的最高目标定位到培养创造性人才, 以信息为基础的知识创新主要是通过思维的操作来实现的。爱因斯坦说:“想象力比知识更重要”。这种直觉和想象力的培养, 不能靠智育, 而要靠美育。假如一个人经常的出现心烦气乱, 而且心胸褊狭、眼光短浅, 那么日后他必定不能在事业上有所大的成就和发展。而美育可以使人获得欢快、悦适的心胸和广阔的眼界, 从而成为一个充满勃勃生机、明事理、有作为的人。音乐在电影、戏剧、诗歌、绘画、演讲方面的也有着很大的影响, 可以诱发人们心中一股潜在的巨大力量, 让人们感到自信、乐观和聪慧。这样, 我们就可以选择那些优美、深情、而又富有哲理和感召力的音乐作品去陶冶学生的情操。学生在这样美好音乐的熏陶下, 心灵将得到净化, 人格将得到升华。

当代青少年是新的主力军, 国家的历史的潜质和魅力, 国家的发展都要求具备创造力和驱动力。美育教育是其中的重要环节。美育教育的最终目标是培养学生健全的人格, 完善的人格品质对于学生培养正确的审美力、创新力、艺术修养以及高尚的道德修养有着重要的作用, 为学生的人格塑造提供良好的内外部环境。

摘要：音乐美育对创造性人格所产生的影响, 即对情感、意志、个性等方面的影响。音乐美育在实践和意境中锻炼人的个性人格, 最终的是培养全面发展的人。

如何培养学生的音乐创新创造能力 第5篇

【内容提要 音乐课程对培养学生的创造能力有着至关重要的作用,在音乐课堂中要培养和发挥学生的表演创造潜能。主要方法有：

一、培养学生的兴趣；

二、激发学生的参与意识；

三、以审美为核心，情感熏陶；

四、理论与实践相结合。】

关键词 音乐教育 表演 创造 参与

音乐课程对培养学生的创造能力有着不可缺少的作用，同时音乐教育也是培养学生创造能力的一个重要渠道。在教学中，教师要善于运用各种形象、直观的教学方法和手段，比如生动有趣的唱游、律动、游戏、自编舞蹈、歌表演、打击乐器伴奏等，创设出各种愉快的、生动的教学情境，发展学生的音乐想象力、激发他们的创作兴趣，引导学生有意识的进行创作尝试，从而提高他们的音乐创造能力。

新课标的实施，是我国基础教育改革的核心内容，是实施教育的重要任务，我们不难发现，传统的教育教学方式过于偏重对音乐知识的输灌，使教学脱离了生活及社会发展的客观需要，甚至注重选拔和淘汰的武断教学评价方式。对教学本身造成了一种伤害，更是扼杀了绝大部分学生学习音乐的欲望。因此，如何加强音乐教育的自身建设完善音乐课堂，怎样才能较好地培养和发挥学生的表演创造潜能，已成为摆在音乐教育工作者面前的一个十分重要和紧迫的课题。本人经过多年的教学实践和积累，总结出以下几点：

一、培养学生的兴趣，提高学生的音乐素养

都说兴趣是最好的老师。兴趣是学生形成主动持久学习音乐的精神力量。课堂上学生能不能集中注意力开展一系列的学习活动，自觉地去完成老师布置的学习任务，关键在于诱发学生的学习兴趣。特别是作为“非主科”的音乐课，没有任何负担，兴趣更是学生学习音乐的基本动力。《新课标》要求教学内容要联系学生实际生活，这有益于他们解决社会问题，从而提高他们的音乐素养。比如，在上湘教版七年级第一堂课《大海啊，故乡》时，我尝试想过：这首歌看似简单，其实唱起来还是挺难的：一个是高音上不去，第二个是学生没有较好的气息控制能力。如果就这么干瘪瘪的跟着电子琴或录音伴奏一句句唱下去，肯定是失败的。1

于是我先从身边生活入手，从他们的口头语言能力入手，一上课我就借认识学生为名，叫他们介绍自己和家乡的事物。因为学生对家乡最熟悉，刚到学校还不习惯，家乡的一草一木都值得他们留恋，又不用写作文那样长篇大论，三五句概括就行了，所以学生能大胆地站起来说，有些同学还为家乡的某些事物而自豪呢！如有个学生介绍完自己后还说：“我的家乡有广东水质最好的鱼水旅游风景区，欢迎大家来作客。”等，于是我因势利导从他们爱家乡进入音乐课堂《大海啊，故乡》，这样既活跃了音乐课堂，提起了他们学习音乐的兴趣，又锻炼了学生口语交际的能力，达到了审美教育的目的。

现代社会生活中，到处有大量的音乐现象，如礼仪音乐（节日、庆典、迎宾、列队、婚丧），实用音乐（广告、健身、舞蹈）等，这些都与每个人的生活密切相关。在教学设计中，音乐教师应引导学生从体验入手，从自身音乐经验出发，紧密联系社会生活现象，使学生主动去探索、思考并发现音乐。如教学《音乐在我身边》这一课，我先是播放场景片断音乐，从最简单的《运动员进行曲》开始，让学生为书上的几幅场景配备合适的音乐。因为这些场景对学生来说太熟悉了，所以学生很高兴而且轻而易举地完成了。接下来再激发他们努力寻找身边的音乐就不难了。什么“充煤气”、“收烂铜烂铁”农村妇人吆喝孩子回家的声音、昆虫声等。有些同学还利用教室里现场材料为大家表演“收烂铜烂铁”、还有农民犁田的“嗬嘿”声等。这些各种各样的声音让同学们开怀大笑，从而也培养了学生开始留意自己身边的音乐的兴趣，做一个有心人，从而也提高了学生的音乐素养。

二、激发学生的参与意识，培养学生大胆积极的表演欲望。

《新课标》提出“要培养学生自信的演唱、演奏及综合性艺术表演能力。发展学生的表演潜能及创造潜能，使学生能用音乐的形式表达个人的情感，并与他人沟通，融洽感情。”在我的音乐课上，我一直较为注重学生的参与、音乐的情感体验并通过体验对音乐进行表演和创造，在《大海啊，故乡》的表演创造上，我考虑到学生刚到校，相互间还比较陌生，大多数同学还没有独自上台表演的胆量，所以我先从复习歌曲：大家齐唱开始→小组唱→独唱→舞蹈即兴创造表演这个程序进行，因为有了大家齐唱，坚定了信心，大部分学生才敢出来表演小组唱，因为有了小组唱的同学做榜样，独唱的同学才会更大胆地出来表演。在这个过程中，“鼓励”成了我教学上一个非常重要的手段。要想蜷缩的学生解放出来，需 2

要老师和同学太多的热情与掌声共同打造一个非常热烈的场面，没有人会拒绝鲜花与掌声。用掌声把学生从位置上“抬”出来，才能体现他们倍受尊重的感觉。一切的表演创造从这里诞生。又如，在上《声音的表现》这一单元，我先让学生单独上台给大家介绍并敲击各种乐器，然后我以一则小故事《一个夏天的一天》，让学生找出故事里的声音，并上台选出合适的乐器。把故事用音乐的形式串联起来，想出来表演的学生就像“鲤鱼跳龙门”那样涌跃；《学吹牧童笛》我要求人人手上都要有乐器，可是当时八（4）班有好几个男生没有乐器，我询问时他们不作声，其他同学说：“他们可以用树叶吹曲子”，我一阵惊喜：因为在我身边我没听过有能吹树叶的人，只是在电视上见过，于是我鼓励他们到教室门口摘树叶到教室里吹。听到那优扬清脆的《送别》，我高兴到说不出话来。在音乐的表演创造上我鼓励学生上台表演独奏、齐奏、合奏。这样可以大面积锻炼学生的胆量和参与能力。

三、以审美为核心，对学生进行情感的熏陶。

在音乐活动当中，要提高学生的审美能力，必须选择一些本身具有高品味审美价值的作品让学生欣赏。让他们在欣赏音乐、享受音乐当中受到美的愉悦和情感的熏陶，从而唤起他们对美好事物的追求，提高他们的审美鉴赏能力。我们教师要做好正确的启发和引导工作让学生在每次的学习过程中都有自己的情感体验和审美发现。如在欣赏“音乐与人的情感世界”“母爱”系列的三首不同国家不同风格的《摇篮曲》时，我先播放满文军的《懂你》要求学生认真听并看视频里的画面。当看到视频里的感人画面连最后一排调皮的学生都那么专注的听，那么认真地看。人都是有感情的，他们也不例外。特别是看到镜头中母亲为了儿女能吃饱去上学,而自己却只能舔留在碗里的饭粒时，许多学生眼眶都红了；有的眼里噙满泪水，有的已经情不自禁地流了下来，此情此景我知道我们的学生被音乐和情节所感动了。也因为如此他们才能够在欣赏《摇篮曲》中体会到“可怜天下父母心”的真正含义。使学生认为单调幼稚的歌曲充满了感情色彩。特别是完成课后练习——回忆母亲关心自己的情景时，许多学生讲着讲着都哭了，泣不成声，在大家的鼓励下才断断续续地讲完。通过这节欣赏课，使学生在音乐当中受到情感的熏陶、心灵的洗礼，比我们硬生生教他们做人的道理要好得多。

四、理论与实践相结合，使学生成为学习的真正创造者。

由于音乐本身具有自由性、朦胧性和可塑性，《新课标》强调学生在音乐实践活动中的动手和探索精神。因此我们应该创造更多机会让他们去拓展音乐创造思维，体现自我价值。

如在上《四季歌》时，我们学校除了电子琴外其余什么乐器都有没有。我想这正是体现学生创造性能力的时候了，于是我叫学生自己充分发挥自己的想象力，自制乐器。出呼我的意料，他们用矿泉水散装沙做成了“土沙锤”、竹筒做的“双响筒”、“铃鼓”、狗膀子或农村辟邪用的铃铛做“碰铃”，这确实使我大吃一惊：谁说现在的学生懒了？只是我们没有激发而已！

又如，我们在每个学期都安排一个完全由学生打造出来的“班级演唱会”，好让学生大显身手。它不仅可以激发学生参与音乐审美活动的积极性，从中获得成就感，而且还能培养他们与人合作、交流和协调的能力，促进他们全面智能的健康发展，最重要的是在音乐实践当中体现了学生的自身价值。在这个时候，全班同学共同策划演唱会全过程，在班上选出两位能说会道的人做节目主持人，节目的要求可以自己单独上台或者与同学组合表演 ；主持人进行节目顺序的编排和串词；个人或班干部以班的名义邀请自己喜欢的领导或老师参加本班演唱会。演唱会开始，我就是一个负责放音乐的音响师，把整节课交给全班同学，让他们在主持人的带动下，在大家的掌声中，尽情地去演绎。通过这样的“班级演唱会”，充分展示了学生学习音乐的积极性和创造性成果。

创造性的音乐作品 第6篇

学习兴趣与学习动机紧密相连,当学生的学习兴趣能够转化为激励学生学习的动机时,我们才能引导学生轻松地走进音乐的圣殿,去感受美妙的音乐。因此,兴趣是培养学生创新精神和创造性人格的重要前提和原动力。在教学中,若教师的设计生动有趣,富有新意,并能引导学生从不懂到懂,从不敢到敢,才能激发起学生从“不想学” 到“我要学”的学习兴趣。

二、环境是实施创新教育,塑造学生良好的创造性人格的基础

创造性个体所具有的人格特征只有在创造性活动中才能表现得淋漓尽致,也就是说创造性人格具有创造性活动所具有的时间性和情境性,只有在特定时间、特定场景中才能表现出来。要实施创新教育,塑造学生良好的创造性人格首先要有一个良好的教育环境、一个创新的氛围,否则就无法摆脱“应试教育”的阴影。传统教学中,教师“一言堂”的形式已不能适应现代教学的需要,现代教学论认为,教学应该是教师与学生、教材与学生、学生与学生之间的多向信息传递,而讲授法只是师生间的单向信息传递,限制了学生的思维,不利于学生创造力的发展,教师要让学生成为学习的主体。这种师生互动,共同收集资料、共同参与的教学方式,取得很好的效果,远比教师单方授课效果要好得多,这种互动式参与教学,培养了学生整理信息的能力,也是形成学生创造性人格的有效途径之一。

三、以审美为核心,注重体验与感受

音乐教师在实施教学的过程中,牢记音乐课程标准的基本理念,以审美为核心,遵循听觉艺术的规律,突出音乐学科的特点,将发展学生的音乐听觉贯穿于教学的全过程中,注重体验与感受,引导学生喜爱音乐,享受音乐,加深对音乐的理解,充分挖掘作品所蕴含的音乐美,培养学生的审美意识,用自己对音乐的感悟激起学生的情感共鸣。音乐实践课是音乐课的延伸,加强音乐实践课这种特殊的课堂教学活动可使学生创造性思维更为广阔。实践课除完成基本的教学任务外,更多的是要把音乐活动的主动权交给学生。鼓励学生创编歌、舞、音乐剧,特别注意把其他学科的内容,改编成音乐童话和话剧等形式表现出来。这可以有效激发团队精神、合作精神,有利于智力发展和良好个性心理品质的形成,有利于创新能力的提高。

四、鼓励音乐特长生进行音乐创作

音乐课在律动、唱歌、作曲、节奏训练等方面的教学过程中,应该加强符合学生认知规律的创作教学。如节奏创作、旋律改编、即兴歌舞等,充分发挥学生的主观能动作用,让学生充分感受音乐和表现音乐。音乐教育工作者要更新教育观念,破除创作的神秘感,创造条件,鼓励、引导学生进行音乐创作,并在音乐创作中发挥学生的创造才能。对于学生的各种创作,教师都应充分鼓励,提出改进建议。这样的创新思维和创新活动,无疑会促进学生创新意识和创新能力的提高。我们的音乐特长生除了作曲专业的外,几乎没有作曲的经历。极少数的特长生曾经有过创作歌曲,问其创作过程,他们基本都是凭直觉作曲,不懂得什么作曲法,因为在他们学习音乐的过程中并没有老师给予过有关音乐创作的指导。在创作教学过程中,还有一个问题不容忽视,即分清即兴创作与作曲的异同。即兴创作是指根据当时的感受而作出的音乐创作行为,事先没有准备。即兴作曲也是反映学生音乐思维能力是否活跃的一个重要因素。在培养特长生的创作教学中两者缺一不可,不能偏废。培养音乐特长生进行音乐创作就是要提高他们能通过自己的内心听觉来选择符合内心表现的各种音响手段的能力。简单地说,就是要发挥他们的创造性想象力,实现音响结构的创造。

结束语

作为一个艺术教育工作者,如何运用音乐教学的审美功能来培养学生的审美意识,由美而求真向善,运用音乐文化功能来扩大学生的文化视野,能启迪学生的智慧,培养学生的创新能力,对学生完美人格的塑造起着重要的作用。

参考文献

1.(加)乔克希著《二十一世纪的音乐教学》.中央音乐学院出版社,2006年版.第34-43页

2.刘森.浅谈职高音乐课的多媒体课件教学.职业教育研究.2007.3

3.李梅,论高师民族音乐课的教学理念及实施方法.中国音乐(季刊) 2007年第1期

4.邓光年.试论高等师范院校音乐课课堂教学评价.中国成人教育.2007年2月

论舞蹈本体与舞蹈音乐的创造性想象 第7篇

关键词：舞蹈本体,舞蹈音乐,创造性,想象

一、舞蹈本体的一般含义

一部舞蹈作品, 是由舞蹈本体与音乐构成的, 也就是说它们两者之间合二为一个统一体, 才成其为舞蹈作品。舞蹈作品比较好理解, 舞蹈本体就不那么好理解了。所谓舞蹈本体, 在学术文献中的解释是指不掺入任何装饰成分, 具有美感的人体动作.它是支配舞蹈艺术的灵魂, 是一种摆脱应用性而注重审美价值, 以表现浓缩而升华了的情感为追求目的的人体艺术。这定义是否确切, 我们姑且不论。就舞蹈本体而然, 既然是以表现浓缩而升华了的情感为追求目的的人体艺术, 那么它本身就存在创造性的想象。

二、舞蹈音乐作品的一般含义

一部音乐作品, 是由旋律、节奏、音色、和声四大基本要素构成的。也就是说无论哪一类音乐作品, 在形式构成上都包括这四种基本成份, 它们的相互联系和作用才成其为音乐作品。而舞蹈音乐是音乐范畴里的一种体裁音乐, 专属舞蹈本体配乐的音乐作品。音乐作品有许多种类型, 如交响曲、进行曲、协奏曲、舞曲、歌曲等等。归纳起来可分为两大类:一类是标题性音乐, 另一类是无标题性音乐。无论何种音乐类型的音乐作品都可以为舞蹈本体配乐, 但为舞蹈本体配乐的音乐作品就不一定称其为舞蹈音乐作品。如舞蹈作品《命运》, 为其配乐的是贝多芬的第五交响曲的第一乐章, 就不能称其为舞蹈音乐作品。只有用音乐思维有意识地创作以舞蹈为主题的音乐作品, 才能称其为舞蹈音乐作品。如俄国作曲家柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》《睡美人》《胡桃夹子》, 我国作曲家吴祖强的现代芭蕾舞剧《红色娘子军》, 我国作曲家吴少雄的根据曹禺先生同名戏剧改编而成的大型舞剧《原野》等。

三、舞蹈本体创造性想象的活动方式

如果从舞蹈作品艺术方面来看创造性想象, 就是说, 如果考虑到舞蹈本体创造性想象的原素是从认识音乐那里借来的, 那么, 舞蹈本体创造性想象便有两种基本的活动方式:

其一是抽象化。

抽象化是人脑在分析、综合、比较、分类等思维操作的基础上, 抽取同类事物中一般的、本质的属性或特征, 并以概念、范畴或规律等形式固定下来的思维操作过程。这一过程的基本特点是, 认识主体总是倾向于舍弃建立在感知觉基础上的个别的、表面的具体的东西, 从而实现对客观事物更深一层的本质的反映。抽象化严格说来只作用于孤立的思想状态, 舞蹈本体的任何动作的表现都是由抽象化转变为具象化的, 音乐的抽象化主题形象在舞蹈本体创造性想象里的具象化动作的吻合, 更易于让人理解舞蹈作品的本质内涵, 舞蹈本体创造性想象随着音乐的抽象化主题形象的展开达到发展而升华。

其二是知觉。

知觉是一种综合活动, 是物质对象在人脑中的整体性的直接反映。比感觉更进一步的感性认识形式, 反映的是由对象的各方面的属性及其相互关系构成的整体, 也是感觉的综合。而舞蹈本体所包含知觉的因素是抽象化。抽象即以胚胎形式存在知觉之中。每个舞蹈艺术家会按照自己的秉性和当时的音乐印象而以各不相同的方式去知觉。例如德国人朱·列津、格尔是第一个和俄国作曲家柴可夫斯基合作的著名芭蕾舞编导, 但他也是一个对柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》的舞蹈音乐没有兴趣人, 而俄国人彼季帕和伊凡若夫却充满信心。前者的失败后者的成功, 说明了对同一部舞蹈音乐不会以相同的方式去知觉。这就是此人所感兴趣的特征, 另一人却会完全忽视。也就是说对某一对象缺乏最低限度的知识准备的人, 即使有了关于这一对象的个别属性的全部感觉, 也不能形成关于这一对象的确定的知觉。在创造性的想象里, 舞蹈本体对音乐的知觉方式, 往往会产生不同的艺术形象, 或者说不同的艺术效果。

四、舞蹈本体的创造性想象的类比思维

在舞蹈本体秩序中的创造性想象里, 根本的、基础的要素, 就是以类比来进行思维的功能。换句话说, 就是借事物之间的、亦往往是偶然的相似关系来进行思维。音乐里包含着抽象化的形象, 这就给舞蹈本体创造性的想象提供具象化的形象。反过来, 舞蹈本体创造性的想象里的具象化形象, 同样影响到音乐里的抽象化形象。

舞蹈本体创造性的想象里的类比, 其实是一种不稳定的、被动的、式样繁复的方式, 能造成一些最意想不到的、最新颖的人体动作组合。凭着几乎无限的人体弹性, 它同样可以产生荒谬的方法。类比在舞蹈本体创造性的想象里的工作中例子非常多, 各不相同, 全凭主观, 简直无法找到任何规律性。尽管如此, 还是可以归纳为两种主要的类型或方式, 一种是似人化, 一种是转变或变化。

似人化是原始的方法, 它是彻底的, 它的性质永远不变, 但是它的应用是暂时的, 从我们自己推而至于其他的东西。它赋以万物以生命, 它假定有生命的甚至无生命的一切, 都具有和我们相似的要求、激情和愿望, 并且这些感情就像在我们身上一样, 也都为着某种目的而活动着。这一类型的舞蹈作品非常多, 最典型如柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》、我国大型原生态歌舞集《云南映象》里的《孔雀舞》, 《孔雀舞》是我国舞蹈家杨丽萍一部很优秀舞蹈作品, 她说:“我跳的都是原生态的舞蹈, 自然是最好的舞蹈语汇, 比如里面的孔雀舞就是傣族的信仰, 是一种表达爱的舞蹈, 是对自然, 对生命的歌颂。”等等。

转变或变化是一种普遍的、永远的、形式多样的方法, 它不是从思维着的主体推移到对象, 而是从一个对象到另一个对象, 由一物到另一物。它的作用在于通过部分的相似而形成转变。这一作用有两个基础。有时它依靠知觉所提供的不确切的相似:例如云变成山, 山变成怪异的动物, 风声变成哀怨之声等等。有时则是感情的相似占主导:知觉中的事物激发起某种感情, 转而成为这种感情的标记, 象征或可塑之形象:如雄狮代表勇敢、猫代表狡猾、丝桐代表悲哀等等。无疑这一切都是谬误的、主观臆造的, 然而创造性想象的作用就在于创造而不在于认识。谁都知道, 这个方法创造了比喻、寓言和象征。这一类型的舞蹈作品几乎包含所有的舞蹈种类, 典型的有柴可夫斯基的芭蕾舞剧《睡美人》、我国现代舞作品《红与黑》《向日葵》《舞中人》等。

五、舞蹈本体的创造性想象的感情因素

舞蹈作品最初形成是感情因素作为原动力, 然后感情因素又配合着创造性想象的不同阶段。除此之外, 这些感情状态, 还要成为创造性想象的材料。舞蹈艺术家都能感受到自己所创作的舞蹈本体的情感和欲望, 和所创作的舞蹈本体和音乐完全融合为一, 这是一个众所皆知的事实, 几乎也是一条规律了。因此, 在这种情形中, 有两道感情之流:一道构成激情, 这是艺术的材料;另一道则激起创造性想象的热情, 随着创造性想象而发展。

舞蹈本体所有的一切形式的感情, 都是发动创造性想象的因素。舞蹈本体的感情气质, 不论它们怎样, 也都能影响创造性想象的因素。谁也不会否认, 恐惧是虚弱感情的典型。但是, 难道不正是由于恐惧, 才产生出种种幻影、无数的迷信以及那些完全是非理性的、想入非非的宗教习惯?愤怒的感情, 一旦发展得狂爆、激烈, 就成为一种破坏性的力量。欢乐之情富于创造力, 那是无须证明的。至于爱情, 大家都知道它的作用在于要创造一个想象的意中人, 来代替那个真实的爱情对象;而当激情消失之后, 幻想破灭的情人就发现自己对着赤裸裸的现实。由前苏联著名作曲家普罗柯菲耶夫作曲的芭蕾舞剧《罗密欧与朱丽叶》, 最后的结局是双双自杀, 对于罗密欧与朱丽叶来说, 失去了爱情, 生命已毫无意义。同样我国的大型民族芭蕾舞剧《梁山伯与祝英台》也有类似的意象。忧愁按理属于压抑的感情之列, 但是, 它对创造性想象的影响, 和任何其它感情气质的影响消失之后, 大家不是都知道, 忧郁、甚至深沉的痛苦, 可能会产生最美好的灵感吗?法国作曲家圣桑的管弦乐作品《动物狂欢节》第十三首里的大提琴独奏曲, 被俄国芭蕾舞编导M.福金改编为芭蕾舞《天鹅之死》, 这一芭蕾史上最具生命力的经典之作, 被誉为“生命的赞歌”。用芭蕾舞独舞的所有舞蹈本体具象化动作来揭示似人化的天鹅临死前忧郁的、深沉的、痛苦的、死亡的美的感染力。

总之, 舞蹈本体创造性的想象这种复杂的感情, 最后可以归结为两点:其一是因肯定自我力量以及因感到这种力量的发扬而来的愉快, 其二是因肯定自我力量遭到阻碍、受到削弱而产生的苦脑, 正是这种复杂的感情直接把我们导向作为创造性想象之基本条件的动因。首先, 在这种个人感情中, 有一种自己成为动因、也就是说因成为创造性想象者而来的愉快;而一切创造性想象者对于非创造性想象者都有一种优越感。不论他的创造性想象多么微不足道, 也使他觉得自己高于那些一无发现的人。虽然人们说不求功利是文艺创作特有的标志, 简直说的令人厌烦了, 但应该承认, 如格罗斯所说:艺术家不仅仅是为了创作的愉快去从事创作, 而是为了超过其他的才智之士去进行创作的。创造性想象是自我意识的自然而然的绎, 而伴随着创造性想象而来的愉快, 是胜利的愉快。

通过以上对舞蹈本体与音乐创造性想象的分析, 使我们了解了舞蹈本体与音乐的创造性想象的相互关系是一个统一体。使我们认识到一部好的舞蹈作品是离不开舞蹈艺术家们对音乐艺术的态度和舞蹈艺术的水平的。对于舞蹈作品的创作, 从艺术指导思想上讲, 创作的关键在于创作者是用舞蹈动作来解释舞蹈本体还是用舞蹈音乐来解释舞蹈本体, 是用舞蹈本体感染人还是靠舞蹈音乐感官刺激人。在笔者看来, 重要的不是舞蹈编导什么, 而是用什么舞蹈音乐来编导。其目的和方法都不是要在整个舞蹈创作中强调音乐的主导地位, 而是反对在舞蹈作品创作中的舞蹈动作化倾向和违反音乐创作规律的“拼拼凑凑”的做法。总之一部好的舞蹈作品必然包含一部好的音乐作品, 一部好的音乐作品不一定包含一部好的舞蹈作品。只有舞蹈本体与音乐在创造性想象中成为相互关系的一个统一体, 才能是一部完美的舞蹈艺术作品。

参考文献

[1]田运编.《思维辞典》.扫描版.哲学逻辑学.1996年3月1日.

[2]汪启璋.顾连理.吴佩华.外国音乐辞典上海音乐出版社第1版 (1988年8月1日) .

[3]隆荫培.徐尔充.舞蹈艺术概论[M].上海:上海音乐出版社, 1997

[4]朱红音乐与舞蹈的关系再思考[J].云南艺术学院学报, 2007 (1)

创造性的音乐作品 第8篇

关键词：陶行知,创造教育思想,小学音乐,创造能力

人类的学习是永无止境的,它是通过个体与环境相互作用而获得的。在信息量日益增多的今天,每个人要能积极地作用于环境并发展自身,这就要求我们需要不断地学习与创新。陶行知先生在《创造的儿童教育》中指出:“创造力是千千万万祖先至少经过五十万年以来与环境不断奋斗所获得而传下来之才能之精华,教育是要在儿童自身的基础上过滤并适用环境的影响,以培养、加强这种创造力,使他们成长得有力量,以贡献民族与人类。”以下是本人在音乐教学实践中,运用陶行知创造教育思想来培养学生音乐创造力的点滴经验。

一、提倡行动为首、别具一格的教育模式

1.化抽象的音乐概念为简单有趣的游戏

小学生,特别是低年段的学生,他们活泼好动,好奇心强,想象力也异常丰富,因此要提高低年段学生的音乐创造力,就必须把枯燥的音乐设计、复杂的音乐原理以及抽象的音乐概念转化为简单有趣的游戏、表演等,让学生在一种轻松愉悦的氛围中,通过自身的能力来创造新的思想。

例如,在讲解二分节奏、四分节奏、八分节奏这些概念时,我会让学生在正确地朗读完节奏之后跟着老师一起做律动。当听到响板想起“X-X-”的节奏时,请学生观察老师在模仿谁走路?这时学生会说:“爷爷奶奶。”当响板想起“X X”及“XX XX”的节奏时,就可以让学生自己来讨论这些节奏都是在模仿谁走路的样子。低年段的许多音乐教学内容生活气息较为浓厚,教师只有善于捕捉这些兴趣点,并将之诱导,才有利于激发出学生的创新思维。

2.化枯燥的音乐设计为形象生动的表演

例如,在欣赏《狮王进行曲》这一课时,首先我让学生先感受音乐中所表现的不同动物的形象,再设计图形谱,引导学生了解图形谱所表现的音乐内容,而后在理解音乐所表现不同形象的基础上,让学生分组交流,有的学生听到音乐后会模仿狮王走路的样子;有的学生会想象小兔子看到威武的狮王后活蹦乱跳的样子;有的学生会想到为大狮王加油助威的样子。

“行是知之始,知是行之成”,陶行知先生打破了传统教育思想,把行动作为创造教育的开始,学生通过这些活动不仅萌生了新的思想,也会产生新的价值,最终音乐的创造能力也将得以发挥。

二、主张民主性的教学课堂模式

陶行知先生主张以“民”为本、以“人”为中心。其创造思想主要体现在以下几个方面:

1.营造民主和谐的教学氛围

在音乐中,教师首要体现“民主”,且民主平等。好奇是每个儿童的天性,它能够激发儿童的求异思维。当学生处在一个民主和谐的音乐课堂中思考并回答问题时,他们的思维往往是异常活跃的。

在创编《爱唱什么歌》这首歌曲的歌词时,有位同学是这样回答的:“小鸟,爱唱歌,叽喳叽喳叽叽渣。它爱唱什么歌?它爱唱呀,小鸟吃虫歌。”顿时,一位同学举手大喊:“老师,小鸟是吃米的!”于是课堂上引起了一阵言论风波,大家都纷纷议论着小鸟到底吃什么这一问题,而后又有一位学生迫不及待地发言:“老师,小鸟是吃果实的。”师:“看来小朋友们都对小鸟吃什么这一问题有疑惑,那老师就请小朋友们课后去搜集关于小鸟吃什么的资料,让我们下节课来交流吧。现在,我们来听听其他小组邀请了谁呢?”这时,又有同学举手发言:“老师,我们组邀请的是小猫咪。小猫咪,爱唱歌,喵喵喵喵喵喵喵。它爱唱什么歌?它爱唱呀,猫捉老鼠歌。”我立马予以表扬:“好极了!”这就体现了学生敢于思考、勇于创造的精神。

针对同一问题,每一位学生的回答存在差异是必然的。音乐教学的艺术不在于传授本领,而在于激励、唤醒、鼓励,这才是民主真正的体现。

2.培养学生的主人翁意识

给学生搭建一个独立创新、展示自我的平台,让学生树立一种“主人翁”意识,勇敢大胆的发表自己的见解与体会。无论学生答案的对与错,教师都应给予激励性、肯定性评价。

例如,在《小小雨点》之我的创编《大雨和小雨》中,我让学生用不同的乐器和动作来模仿大雨和小雨的声音,有一位小女生的回答令我印象深刻,她是用身势动作来回答的,换成文字来说,小雨的声音可以用右手拍击左手手心,而大雨的声音可以听到双手快速摩擦时发出的声响。经全班同学尝试后都认可这位女生的方法。最后,我给了这位女生一个不错的评价。慢慢地,学生的新想法便一个又一个地如泉涌般涌现出来。还有的学生回答说:“老师,小雨沙沙沙的声音可以用沙球来表现,大雨哗啦啦的声音可以用三角铁来表现。”显然,这个答案有所牵强,但我还是给予了这个学生较为中肯的评价,能够想到小雨和大雨在声音上的区别已经很不错了。

3.教学模式多样化

在音乐教学过程中,对歌曲的学习巩固及创新是至关重要的。课堂中教师可予学生搭建一个“音乐小擂台”,以“争当小小音乐家”的歌唱比赛形式展开,让学生成为音乐课的主体。在学生的演唱中,教师应挖掘学生演唱的优点,鼓励学生勇于表现自己。教师也可以邀请其余的同学给予评价,并提出:“如果是你自己来表演这首歌曲,你还能创编哪些不同的动作呢?”这就是一个广阔的,任学生想象的空间。学生不仅能在课堂中相互学习优点,且通过自己对歌曲的理解与创新,其自我表现能力也会越来越好,这便是民主的作用。

三、实施手脑与行知相并用的教育模式

1.共同交流,感受音乐形象

课堂上组织学生共同交流,不仅能够活跃课堂气氛,也能发挥学生的主观能动性,让他们在轻松愉悦的氛围中充分展开想象,感受音乐。

例如,在欣赏管弦乐《动物狂欢节》的时候,学生欣赏完后分组进行讨论,说一说这首乐曲所描绘的形象。各组经过一番讨论后,有的说:“我感觉大象在悠闲地散步”;有的说:“我好想看到袋鼠在飞快地奔跑”;还有的说:“我来到了一个茂密的大森林里,小鸟在树枝上欢乐地唱歌。”

2.共同活动,理解音乐内涵

对于小学生来说,活泼好动是他们的天性。他们在聆听歌曲的时候,往往喜形于色,情不自禁地跟着音乐或拍手顿足,或摇头晃脑。学生在老师的正确引导下,能够正确地去感受和理解音乐的内涵。

《铃铛舞》是一首富有苗族特色的儿童歌曲。在歌表演的环节中,我把学生分成了三组:第一组用碰铃及铃鼓为歌曲伴奏;第二组编上些简单的苗族舞动作进行表演;第三组有感情地演唱歌曲。让学生共同参与歌表演的活动,不仅让学生享受到了美妙和谐的音乐,也从愉快的活动中加深了对歌曲的感受和理解。

3.共同创造,激发音乐想象力

每一首歌曲都是有故事、有内容的,有些可以通过歌词知道,有些则需仔细听赏后方能够体会出其中的意境。

例如,我在教唱歌曲《小白船》时,让学生闭上双眼仔细聆听歌曲中所表现的意境,把想象中的小白船在银河里荡漾的感觉找出来,学生听完歌曲后,一个个争先恐后地描绘出一幅幅色彩斑斓的画面。有的学生说:“我好像看到了蓝天白云,海面上泛起一层层小浪花,小白船扬起帆远航去了,越开越远,最终消失在地平线上。”还有的说:“小白船没有消失,它是乘着黄昏的余晖,远航归来,最终慢慢靠向岸边。”让每个学生通过聆听音乐自由地创设情境,不仅能够激发学生的想象力,也能让学生更深入地理解音乐。

培养学生的创新能力是新世纪赋予教师的神圣使命,正如伟大的人民教育家陶行知先生所提出的六大解放:解放学生的头脑;解放学生的双手;解放学生的眼睛;解放学生的嘴;解放学生的空间;解放学生的时间。在今后的音乐教学实践中,教师应重视这六大解放,并且让学生在音乐活动中愉快地学习音乐、表现音乐、创造音乐。让创造之花开满我们的音乐课堂,愿它能在天真、可爱、活泼的儿童们心中永远绽放,永远芬芳!

参考文献

[1]陶行知.陶行知教育文选[M].教育科学出版社,1981.

[2]江苏省陶行知教育思想研究会,南京晓庄师范陶行知研究室.陶行知文集[C].南京:江苏人民出版社,1981.

[3]陶行知全集.成都:四川教育出版社,1991.

[4]陶行知.创造的儿童教育.江苏人民出版社,1981.

[5]叶凤燕.如何在小学音乐教学中实现“寓教于乐”.儿童音乐.2015,(03).

创造性的音乐作品 第9篇

一、音乐教学中教师要向学生注入创新思想

目前, 新课标要求实施创新教学, 而实施创新教学的关键在于教师的正确引导。在进行音乐教学活动时, 教师要更新传统的教学观念, 向学生注入创新思想, 只有教师自身充满了创新意识和创新精神, 才能培养出具有创造性的学生。在传统的小学音乐活动中, 教师只会教学生唱唱歌, 好一点再根据歌曲, 配上几个舞蹈动作跳几下就算教学到位了。教师在进行教学时, 针对同一首歌, 用同一曲调和同一表情在反反复复地唱着, 因为过于死板, 没有创新, 只是一层不变地, 枯燥地, 机械地进行, 学生感觉不到新奇, 没有兴趣, 也只会全盘照抄, 把老师的音调和动作一个个照样子模仿下来, 最后在进行演唱时, 全班学生都是一个声调、一个动作, 即使教师教学有错, 也会错在同一地方, 更谈不上去进行自我创新了。所以, 在音乐教学中, 教师要把传统的教师讲、学生听的教学理念改变过来, 要采用新的教学理念, 要把知识传授型教学发展为开发学生智力的新型教学模式, 并不断培养学生创新思想, 让学生在音乐教学中能学会变通, 能创造不同的音乐情节, 只有这样, 才能培养学生的创造性, 使学生的创造力得到开发。

二、在音乐教学中培养学生的创造性思维

小学生天生活泼好动, 对音乐有强烈的兴趣和爱好, 不管是在散步学习, 还是在做游戏, 只要周围在播放音乐, 学生就会根据音乐的旋律, 本能地跟着唱起来, 或者跳起来。因此, 教师要抓住学生对音乐特别敏感这一特点, 充分利用各种音乐活动来丰富小学生的生活, 陶冶小学生的情操, 让音乐渗透到学生的日常生活、学习和游戏中去, 让学生在音乐活动中真正地表现自我, 慢慢导向创造性的发展, 培养学生的创造性思维。一般情况下, 学生创造性思维可以分为发散性思维和非逻辑性思维, 而发散性思维对小学生的创造性思维的培养具有非常重要的作用。在音乐课堂教学中, 学生在发散性思维带领下, 从不同方向、不同层次, 不受现有知识和传统观念的限制, 大胆进行表现, 创造性思维得到进一步发展。

例如, 教师在教学二年级下册《洋娃娃和小熊跳舞》这首歌时, 因为这首曲子所表现出来的是活泼、欢快的音乐旋律, 学生们听完后, 都表现得特别开心, 一边跟着旋律唱起来, 一边手舞足蹈地跳起舞来, 教室里不断传出哈哈的笑声, 就如同歌词中写的:“小洋娃娃笑起来啦, 笑呀笑哈哈哈。”有些学生竟然把歌词更改了, 唱成:“我们唱起来, 我们跳起来, 真呀真呀真高兴, 真高兴。”这也是学生对音乐的理解, 教师要充分肯定学生的想象力和创造力, 让学生展开想象的翅膀, 尽情地展现自我, 不断地进行表演, 来发展学生的求异思维和创造力。

三、教师应注重培养学生的个性心理品质

小学阶段的创造性来源于学生个性心理品质。因此, 在音乐教学活动中, 教师就应该注重培养学生独立自信、大胆探索、敢于创新的个性品质, 学生有了敢于创新、独立、自信、大胆的个性品质, 就会独立去思考, 自由去创编, 大胆地去表现, 从而使学生的创造性得到培养。例如, 在一次音乐舞蹈课上, 我要求学生学做“花开”动作时, 大多数学生表现很好, 只有一个学生把双手举在头顶上, 睁大眼睛, 嘴张得大大的, 舌头也伸出来了。过了一会儿, 他说:“老师我做的是盛开状的花。”当然, 学生这种自信、大胆、敢于创新的个性品质, 也受到了表扬。接下来, 学生利用肢体表现出各种形态各异的花开动作:有刚开放的, 有花蕾状的, 有菊花状, 有喇叭花状, 等等。经过音乐活动的表演, 在后面的教学中, 学生变得更加独立、自信, 敢于表现、勇于创新了, 形成了良好的个性心理品质。

四、音乐课中教师给予学生正确评价

小学生正处在儿童时期, 而儿童是时代的创造者, 同时也是时代的创新者。传统意义上的好孩子都是经常受父母和老师表扬的, 都是按照大人的意愿去做事情的, 在发展他们良好习惯和性格的同时, 也让此类学生的创造性受到了束缚, 因为他们不敢, 也不愿意做违背他人意愿的事情。而富有创造性的学生天生活泼好动, 有丰富的想象力和强烈的求知欲, 而且比较胆大, 因而总是不按常理出牌, 所以也容易被看成是“坏孩子”。所以正确地来评价学生的表现是很重要的, 也是发展学生创造性思维的前提条件, 只有做到客观地评价, 才能促使学生创造性思维的发挥。例如, 在创编音乐舞蹈时, 有些学生就不按教师的动作去做, 而是按自己想的动作去做, 遇到此类情况, 教师就不能指责和批评, 而应全面、客观地做出评价, 必要时给予一定的鼓励, 只有这样才不会限制学生的思想, 才能充分发挥学生的创新思维, 才能使学生的创新精神得到培养。

奥尔夫音乐教学中的创造性教学特征 第10篇

一、游戏式的探索

奥尔夫一再强调所有的音乐教学当从“游戏”入手, 奥尔夫音乐课堂在引导学生进行探索时, 都在设置一种游戏式的教学环境, 以一个具有可探索性的问题或某一素材开始, 或借助故事、各种道具 (石头、彩带、布袋、餐盒、杯子、报纸、球类等各种玩具) , 设计的问题允许有最优答案, 但尽量不要有唯一答案, 可以在学生的探索下, 得到多种解决。教师要做的就是不断的启发学生“还有没有不一样的”, 在游戏中, 激发学生的兴趣, 调动其探索的欲望, 让学生逐渐养成独立探索的习惯, 并从同伴身上互相分享探索结果, 不断创造。

心理学相关研究表明, 创造性思维包含集中思维与发散思维。集中思维是一种寻求唯一正确答案的思维。发散思维是一种寻求多种答案的思维, 它一般可用流畅性、变通性和独特性三个指标来衡量。在课堂教学中, 教师需要做的就是要形成有助于学生进行探索的教学环境, 让学生自己去探讨和推论问题, 这个问题要具有导向性、趣味性、合理性、可探索性。这几个特性中, 尤其以探索性对于直接训练学生的发散性思维最为关键和重要。

设置游戏的氛围去探索是因为不仅是儿童, 甚至成人都喜欢游戏, 这与游戏本身的特点密切相关。游戏的特点主要有四点:一, 游戏是主动自愿的非强制性的活动, 目的是内在的而非外在的;二, 游戏是自由、易变的活动, 没有预订的进程或结果, 游戏者可以随机应变;三, 游戏具有社会性, 但又是虚构的, 它需借助想象, 不受时间和空间等限制;四, 游戏常伴随快乐和愉悦, 能让游戏者按自己的意愿进行下去, 能表现出自己的能力, 实现自己的愿望, 从成功和创造中获取快乐。心理学研究对游戏、模仿、观察与幼儿创造性关系进行对比研究, 发现游戏比模仿、观察更有利于促进儿童的想象力与创造性。

阿马拜尔在创造力研究的内部动机与外部动机的模型研究中指出, 创造性作品的产生包含三种重要元素:完成任务的内部动机、与专业相关的技能 (在任务相关领域的专门技术和才能) 、与创造力相关的过程 (可以产生创新的认知技能和工作风格, Amabile, 1983a、1983b) , 她提出关于动机如何影响创造力的双歧 (two-pronged) 假设:“内部动机1对创造力有利, 而外部动机2对创造力有害。”在奥尔夫音乐课堂中的游戏式的探索过程, 学生的内部动机发挥着更大的作用, 不断的探索出新的答案使得学生在整个过程中不断的收获, 并且感到愉悦, 整个活动是有趣而充满挑战性的, 学生的探索并非是为了得到教师的奖赏, 旨在寻求更多答案, 和寻求答案过程中的满足感。创造力投资理论3关于内部动机的观点也认为, 来自学生本身对学习的直接兴趣, 才是推动创造的最大动机。奥尔夫教学中, 利用探索作为人的本能, 从游戏性的教学环节开始, 如探索乐器的不同音色, 探索自己的身体可以怎样动, 探索我的嗓音可以发出什么样的声音, 这种轻松愉快、游戏式的教学氛围, 正是激发学生探索的欲望和创造的内在动机的最佳环境。

二、以学生为主体的即兴

即兴, 是指对眼前景物、声音、有所感触, 临时发生兴致而创作或者表演, 是有感而发的创作和表演。即兴创作是奥尔夫原本性音乐教育观念最核心的要点之一, 在奥尔夫的课堂中, 教师总会让学生有大量的机会进行即兴反应, 涉及每一个范畴 (语言、歌唱、动作、奏乐) , 除了即兴的说、唱、奏、动, 奥尔夫教法常常借助各种道具, 如报纸、纱巾、布袋、音筒、彩带等等, 帮助学生来体验音乐, 表现音乐, 表达情感。

从即兴开始的教育正是真正体现创造性的教学, 奥尔夫也正是从这一点开始他的原本性的音乐教育, 他把先于智力的, 人类情感的自然流露的即兴的说、唱、奏、动作“即心灵力量能兴起并发展的一切” (奥尔夫语) 看作是避免人类心灵走向荒芜空虚, 保持人自身平衡发展的一种决定性的机制。即兴, 不是仅仅在入门阶段有, 它是贯穿于教学的始末, 作为教学的一种好手段, 它是奥尔夫音乐教育的核心和灵魂, 之所以称其为“卓越的出发点”, 就是因为即兴是人的本能, 人们听到音乐就想动, 幼儿听到音乐就会有反应, 这种即兴本来就是人类的本能, 原本的艺术在人类发展的早期均是一种即兴性的自娱自乐, 也是人类之间情感交流的手段, 这点在幼儿及原始民族的文化中都可以找到印证, 而现代人只注意自己的理性, 忽略了自己的感觉、感情, 而这些是需要给予关注的, 音乐课更重要的是对感觉的培养, 为此, 必须找回这种属于人自身最可贵的本能-即兴的能力, 这种自然的、直接来自于感性的能力, 可以帮助人们找回失去了的平衡。

创造力研究指出, 即兴作为一种直觉或者灵感, 与创造性关系密切, 对于幼儿是探索、体验、认知的过程。直觉是人脑基于有限的数据资料和事实, 调动一切已有的知识经验, 对于出现在其面前的新事物或新问题做出的一种直接、迅速、敏锐的洞察和初步的整体判断, 而灵感是指人脑有意无意地突然出现某些新的形象、思想, 产生的一种顿悟, 使一些曾集中精力、长期反复探索而尚未解决的问题得以澄清的现象。在创造性思维活动的过程中, 灵感是在长期创造性实践和思考活动的基础上, 思维运动发展到一定关节点时, 产生的一种质的飞跃。而心理学研究表明, 大多数灵感出现时, 主体往往处于暂时的松弛状态, 比如散步、听音乐、观花赏月中, 有着丰富的遐想和活跃的想象, 右脑无意识思维处于积极活动状态之中。也就是说, 在音乐课堂中是有利于促使灵感的产生的, 而教师要做的正是给学生机会, 让他们可以把自己即兴的潜能散发出来, 尽情去创造和体验。

在奥尔夫音乐教堂中, 学生是课堂的主体, 凯勒 (Wilhelm Keller) 曾说:“逐步感到自己处于不重要、旁观者的角色地位, 这就是教师与教育者的主要任务。”教师在课堂教学过程中的作用就是引导学生主动的探索、即兴, 设计有趣味而有可探索空间的教学环节, 要符合学生的年龄和心理特点, 激发学生的兴趣, 面向全体学生, 引导和设计情景让学生在课堂上惬意的发挥想象力去创造和表现, 即兴性的参与也是从学生自身的音乐水平出发, 以游戏式的形式, 让学生几乎不会有技术负担。李妲娜老师经常说这样一句话:“什么是奥尔夫课最显著的特征?那就是课堂中有没有给学生即兴创造的机会。”教师精心设计的教学环节, 目的都是为了让学生更容易去发挥自身的创造潜能。凯勒还曾经这样说:“指导和督导教学中的发现和即兴, 其备课投入的谨慎是其他任何教学无法比拟的。”在表面看起来的轻松过程背后, 沉积了教师艰巨的劳动, 因为作为教师他 (她) 必须深思, 使种子发芽的最佳土壤是什么。以学生为主体的即兴作为奥尔夫创造性教学的特征之一, 它背后蕴含着非常深刻的教育理念, 而作为奥尔夫教师, 更要不断思考和探究, 进而更多的去拓展即兴的方法和手段, 才能更好的挖掘学生创造的潜能。

三、合作式的创造

合作式的创造在奥尔夫教学中是非常突出的特征。在奥尔夫音乐课堂, 非常注重学生之间的交往与交流, 如与同伴的对话、互动、换伴游戏等, 学生经常要以小组的形式去讨论、组织, 进而共同创造出一个新“作品”。以往的传统教学中, 多为学生个体的学习, 学生之间的交往多数仅限于课下, 课堂中的合作很少得到关注。心理学研究发现, 交往和创造力之间有一定的相互关系, 人与人之间的良好交往可以开阔彼此的视野, 启迪思路, 进而促进新观点的形成、创造成果的产生。

当今社会科学的发展, 各种知识之间呈现综合化的趋势, 出现广泛的横向联系与大量的交叉现象, 仅仅凭靠个人的奋斗很难做出重大发展与突破。因此, 具有高创造力的个体的一个很重要的特征就是善于交往, 甚至目前有观念认为, 一个人的社交能力更重于其创造力, 即社交能力的优劣是创造的前提。所以, 善于借助交往吸取有价值的东西, 常常是获得创造发明的十分重要的外部条件之一。

德国的戈特弗里德曾指出:“教师凡欲促进他的学生的创造力, 就必须在他们班上倡导一种合作、社会一体的作风, 这也有利于集体创造力的发挥。”教师常常给予学生互相合作的机会, 让学生在过程中感受与同伴之间的相互接纳, 不仅可以增进感情和乐趣, 更可浓厚学习与创造的兴趣。同时, 我们正进入终身学习社会, 终身学习社会人的生活方式要求, 同伴之间互相帮助, 将自己所学与同伴分享, 共同提高。

奥尔夫课堂中的合作, 多为根据教师的要求进行新作品的创编, 如利用打击乐器的音色想象一个故事;用嗓音塑造一个情景;根据音乐的特点与结构, 以小组形式创编新的动作或戏剧表演;利用某一素材 (如报纸、餐盒) 进行节奏和曲式的创编;或根据主题 (如龟兔赛跑的故事、两只老虎的故事等) 进行更多拓展性的创造。小组的合作在自行设计和排演过程中, 总会自发涌现小小“领导者”, 带领组员一起进行创编活动, 协调组员学习吸纳各种意见与建议, 是一个训练群体活动如何组织和协作的机会, 进而在交往合作中引发创造灵感。

四、多元而开放的评价

以往课堂中的评价多以分数或教师的奖罚为主, 在奥尔夫音乐课堂中, 基于其适于开端的教学理念, 对于具备各种能力的学生它都提供了发展的机会, 更值得说明的, 则是在教学过程中的评价, 教师不是给学生等级划分, 区别优劣生, 它侧重的是发现每个学生的闪光点, 鼓励小组的默契合作, 不断挖掘每个学生的潜能, 侧重学生在创作过程中的成长。

在进行探索时, 教师要求的是“还有没有不一样的”, 而不是强调最正确的答案;即兴的时候, 教师根据学生创造出的作品, 更多的是给予意见, 帮助学生进行完善和改进, 而不是以教师事先设定好的形式为唯一标准。评价小组创作, 教师多以各组讨论其他组表演的优缺点, 并要给出解释, 比如“这组的亮点在哪里、最喜欢他们组的哪个动作、哪里最有创意”等, 并非是“哪一组最好、最准确”。教师不会要求一个正确答案, 而是一再鼓励“还有没有更有想象力的”“还有没有其他可能”, 鼓励学生大胆想象, 不断探索和展示对同一事物的不同诠释, 积极创造新成果。学生在这个过程中互相合作、享受创造、并学习尊重价并不意味着教师在这个环节不去要求学生在音乐方面的精确程度, 比如在报纸课中创编回旋曲式的环节, 除了对学生在节奏型、音色选择, 表演形式等方面的评价, 教师对于其创编成果中表现出来的节奏、结构、合作的默契程度都是有所要求的。在笔者教学实践的过程中, 对作为教师的评价能力有很多感触。如何更好的评价和帮助学生完善创作非常考验教师的能力, 而这项能力不仅基于教师个人的音乐素养, 对于度的把握更能体现教师的教学能力, 以多个维度和视角来评价, 提议要一针见血但又不失鼓励, 评价的目的是帮助学生更好的表现音乐, 而不是打击和批评, 要想方设法去挖掘学生内在的潜力, 让学生进而更加完善创作。

奥尔夫音乐课堂里, 教师发现学生的学习有创造性的成果, 更多是去鼓励、引导学生进一步探索和完善, 使学生懂得“学习贵在创新”。教师在教学设计中提供各种开放性的问题或情景, 给出的主题可以引发学生的想象力, 鼓励学生进行扩散性思考, 允许他们犯错, 学生的错误正是给予教师进行教育的好时机, 以开放的胸怀和思维鼓励学生的创造, 让师生之间、生生之间建立安全感和信任感, 让学生在充满自由放松的氛围中探索求知。除了教学过程中的评价, 奥尔夫课堂对教学成果的关注, 更多是对其创造性发挥的侧重。

我国教育改革正处于由应试教育向素质教育转变时期, 选择培养音乐创造力作为素质教育的重要内容和突破点, 是教育界的共识, 奥尔夫教学法为创造力培养所提供的一整套行之有效的方法, 其显著的创造性教学特征也这正是目前教育界所缺少的, 不但是对艺术教育, 对整个教育领域也有深刻的启迪, 也是笔者研究的目的。

参考文献

[1].奥尔夫音乐教学法是由德国作曲家、音乐教育家Carl.orff (1895-1982) 于1924年所创立, “回归人本”的原本性 (elementar) 音乐教育是奥尔夫的教育理念。寓言 (戏剧) 、动作 (舞蹈) 、音乐以及视觉艺术为一体的综合性;以即兴为核心的创造性, 强调学生主动参与的实践性, 以及扎根于本土文化的开放式教学内容和方法, 在当今社会仍保持着如火种一般旺盛的生命力”引自李妲娜 (星海内部资料) 奥尔夫教学法百字介绍.

[2].陈晏辉.创造性教学的若干理论与实践问题研究.[D].中国知网:中国优秀硕士论文全文数据库.2001

[3].董奇.儿童创造力发展心理[M].浙江教育出版社, 2001.7.84-85.

[4].董奇.儿童创造力发展心理[M].浙江教育出版社, 2001.7.89.

[5].李妲娜.修海林.尹爱青.奥尔夫音乐教育思想与实践.上海教育出版社.2004.191.

[6].董奇.儿童创造力发展心理[M].浙江教育出版社, 2001.7.162.

[7].董奇.儿童创造力发展心理[M].浙江教育出版社, 2001.7.163.

[8].[加]洛伊丝·乔克希、[美]罗伯特·艾布拉姆森、[美]埃冯·吉莱斯皮耶、[澳]大卫.伍

[9].兹[美]弗朗科·约克 (著) .许洪帅 (译) .二十一世纪的音乐教学.中央音乐学院出版社, 2006.110.

[10].多哥.古德金.新千年的奥尔夫音乐教育.[J].刘沛 (摘译) .《美国音乐教育杂志》2001.11.古德金, 奥尔夫音乐、律动教师, 执教于美国旧金山学校、旧金山音乐学院及美国和世界的奥尔夫培训机构, 2007年、2012年曾来中国进行奥尔夫培训, 是国际资深奥尔夫教师.

创造性的音乐作品 第11篇

【关键词】 初中音樂 创新 教学

【中图分类号】 G633.951 【文献标识码】 A 【文章编号】 1674-4772（2013）10-073-01

中学教育是学生教育的基础，作为义务教育的关键阶段，中学课程对学生的影响力很大。音乐教育作为一门艺术课程，对学生个性化的培养有着关键的作用。

一、音乐对学生创新能力的影响

在音乐欣赏之中，学生总是不由自主的进行想象，而对于同一段音乐，不同的学生具有不同的想象，通过想象，学生的大脑就会产生一种创新思维，继而增加创新意识，提高创新能力。

音乐能给予学生一些灵感，音乐中的节奏或急或缓，或高或低，一些学生就会从中获得某种想象，那么感性认识会促发他们的灵感，继而进行一些不同于常人的思考去进行创新。

目前学生接受知识的主要渠道还是通过课堂的教学，而音乐作为艺术课，旨在陶冶学生情操，培养学生艺术审美力。其次，音乐课较其它课程开放，给学生愉悦轻松的感觉，能更好地培养学生的思维能力，提升创新能力。那么如何才能更好地发挥音乐课堂在创新教学中的作用呢？我主要列举以下几点：

二、通过器具提升教学效率

初中学生具有好动的本性，对一切东西充满好奇心，而且对枯燥的环境没有适应能力，如果音乐教师只是拿着一个课本在上面像其它学科一样教学生各种音符，无疑是一种错误的选择。音乐之所以区分于其他学科就是在于它的开放性。

1. 利用乐器提升学生学习兴趣

音乐课上，乐器可以说是必不可少的，对于一般的学生来说，很少有接触乐器的机会。在课堂上，老师通过介绍乐器或教给孩子们一些简单的乐器，能够增加孩子们对这门课的兴趣，让课堂气氛比较活跃。除此之外，乐器传出来的声音较老师的声音更有韵律感，能让学生从中更好地感受音乐的节奏，这对学生练习音乐审美是有帮助的。

2. 通过视频影像资料增加学生的感触

随着网络的发展，网上许多关于音乐的视频等传入生活，课堂上仅仅为学生们讲解课本音符、韵律等是不明智的。多媒体的使用可以让学生产生更多的兴趣，老师可以为学生播放一些大型音乐的视频或录音，让学生对音乐有更深地理解。其次，学生是好动的，他们总是对新奇的的事物感兴趣，老师可以在多媒体中播放一些少数民族中的习俗等来引导学生了解他们的音乐。通过这种方法使学生爱上音乐课堂，对音乐产生学习欲望。

三、创造性的教学环境

环境对一个人的影响是巨大的，创造性的教学环境对培养一个学生的创新能力有很大的益处。

1. 音乐生活化

在音乐教学中，老师不能把教学内容仅仅定义为课本上的东西，音乐来源于生活，是对生活的写照，许多音乐中的场景我们都可以在生活中找到。

因此，在教学中，老师应该根据课堂需要，引导学生依据现实生活场景去感受音乐，将生活场景与音乐联系起来，更好地去理解音乐。其次，通过将音乐生活化，学生对音乐的体验加深，老师可以让学生谈谈对音乐的感受，并以此为基础，让学生凭着感觉去改造音乐，去锻炼学生的创造能力。

2. 轻松的课堂氛围

一个轻松和谐的课堂氛围是培养学生创新思维与能力的基础，要想增加学生的创新能力，就必须为他们提供一个和谐的氛围。要想有一个和谐的课堂环境，首先就是师生关系的建立，在课堂音乐教学中，教师应该合理处理自己与学生之间的关系，让学生对老师产生好感，在课上才能积极思考，如果师生关系僵化，那么这个学生就会对这门课产生厌恶情绪，更别说进行思考创新了。其次，教师在教学过程中还应该将主体地位还给学生，让学生有发言的权利，而不是自己把持课堂的各种进展，在课堂上，教师要鼓励学生发言，并重视学生的想法，对他们表达一定的赞赏态度，让他们对创新性的想法产生优越感，并激发他们下次创新的欲望。

3. 进行音乐实践，提升学生素质

要想让学生真正地接受知识，仅仅靠听和看是不够的，中学生好动且表现欲强，教师在课堂上可以为同学们设置一些音乐环境，让学生对这段音乐进行分组表演，利用各种方式来把自己对这段音乐的理解表达出来。学生通过表演，可以更好地领会音乐的真谛与精神，并且从中感受音乐美，提升学生的审美能力。其次，老师也可以从中发现学生独到的想法，增加自己的教学知识，对日后的教学也有很大帮助。

4. 组织音乐活动

学生总是对各种活动充满兴趣，老师可以利用学生的这一特点来引导学生创新。例如，老师可以播放一段音乐，让学生分组对这段音乐进行编舞并表演出来，不同的学生对这一段音乐的节奏感受是不同的，通过分组合作，他们可以把不同的想法融合进行创新。这不仅锻炼了学生的创新能力和同伴之间的合作能力，还可以让学生的灵感得到最大的发挥，让学生练习如何利用灵感，提升学生的创造欲望。

新课标要求教师对学生的培养不能仅仅局限于知识的传授，更应该培养他们的创新精神与能力，音乐作为初中阶段较为开放的一门科目，对于学生创新能力的培养有着关键作用，但是限于素质教育的不成熟，创新教育还需要教师去不断地实践与探索。

参考文献：

[1] 邢国红. 如何在音乐教学中培养学生的创造能力[J]. 中国教师. 2009（02）

[2] 王玉. 在音乐教学中培养学生的创造能力[J]. 学生之友（初中版）（下）. 2010（11）

创造性的音乐作品 第12篇

一、多元立体交织, 培养学习兴趣

兴趣是学习音乐的基本动力, 是学生与音乐保持密切联系, 用音乐美化人生的前提。音乐兴趣的培养是音乐新课程的任务和目标之一。教师应采用多种教学手段培养学生的兴趣。在具体的教学中, 我是这样做的。

1. 注重多元综合学习, 点燃学习热情。

立足音乐课堂, 注重多元综合是确保学生身心愉悦、培养学生学习兴趣的有效途径。如在上《金孔雀》这一课时, 我充分发挥“综合”的思路, 引导学生用不同的艺术形式感受多元文化的魅力。如在教授《金孔雀》这首歌曲前, 我先让学生了解独特的民族乐器象脚鼓与葫芦丝, 并让学生欣赏具有代表性的民族乐曲《月光下的凤尾竹》, 由葫芦丝演奏。之后引入歌曲《金孔雀》, 进行愉快教学。欣赏孔雀舞, 并出示一件孔雀裙, 让学生自己制作孔雀裙上的美丽图片, 最后, 让学生带上头饰跳起孔雀舞, 唱着歌曲, 在愉快的歌声中结束全课。学生有唱的、有跳的、有写的、有画的令人吃惊的是他们展示的结果, 那稚嫩的诗名, 充满绿意和新意的舞蹈, 色彩缤纷的画面, 让你感受到春天无尽的美。在学习过程中, 学生通过自我欣赏和互相欣赏, 学习兴趣高涨, 也提高了学习效率。

2. 利用先进现代技术, 引发学习兴趣。

现代教育技术给音乐教学带来重大变革, 它突破了传统音乐教学在时间、空间和地域上的限制, 古今中外、风土人情、世间万象都可以“身临其境”, 大大丰富、开阔学生的音乐视野, 同时也激发学生学习的兴趣。在教学中, 可把学生带进计算机教室;把音乐欣赏带进网络世界;把电脑与组合音响接轨, 引导学生对教材某些章节、内容的学习拓展开来, 让学生积极主动地进行音乐课题的研究。比如, 在《声音的故事》这一课中, 我利用现代技术手段制作了生动的课件, 学生们在欣赏这些丰富的画面及音响时, 仿佛亲身体验了“阳光灿烂”、“刮台风”、“下暴雨”等几种场面, 这为下面学习歌曲及感受力度变化做了很好的铺垫, 使得整堂课的学习生动而有趣。

3. 结合小学生年龄特点的实践方式, 激发兴趣。

(1) 创设问题情景, 激发求知欲望。

创设问题情景就是在讲授内容和学生求知心理间制造一种“不协调”, 教师创设的问题小而具体, 新颖有趣, 有适当的难度, 有启发性, 善于将所要解决的课题寓于学生实际掌握的知识基础之中, 造成心理上的悬念。

(2) 丰富材料, 呈现方法。

通过采用图画、幻灯、投影、录像、录音、CD、VCD、电脑等多种方式来激发学生对学习材料的浓厚兴趣。教师还可以通过师生共同参与的唱、奏、舞、演、说等活动展开二度、三度的创作来达到激发兴趣的目的。

二、体验想象交织, 提高欣赏能力

新课标指出:“应采用多种形式引导学生积极参与音乐体验, 鼓励学生对所听音乐有独立的感受与见解, 为终身学生和享受音乐奠定基础。”在传统的音乐课中, 常常是老师的解说取代学生的感受, 而音乐学科具有不同于其他学科的特征, 它本身的非语义性使它具有特殊的学习方式体验。体验是对情感的体会和感受。俗话说, 世界上没有完全相同的两片树叶, 更何况你面对的是一个个鲜活的生命。由于所处的环境, 所具有的认识水平的差异, 他们必然对音乐的理解各不相同。这时候, 老师就应该允许并鼓励学生对所听的音乐有不同的见解, 并大胆地说出来。比如, 在欣赏一部优秀的音乐作品时, 我先不出示标题, 而让孩子闭上眼睛聆听, 然后说出音乐中所呈现的画面。结果, 孩子们都发挥自己丰富的想象力, 用语言和画面表达了对音乐的理解。虽然有些想法可能和标题相距甚远, 虽然学生通过听赏体验或得到的答案与教师所愿意听到的答案有很大出入, 但是教师正好可以发挥主导作用, 逐步引导学生感受音乐的美。

三、实践创造交融, 培养创造能力

音乐课的全部教学活动应以学生为主体, 师生互动, 努力把自己融入学生之中, 试着扮演“学习伙伴”的角色, 将教育的重点放在唤醒学生的主体意识、倡导和培养学生的主动性上, 改变以往教师一讲到底、学生一听到底的局面。如在教授《好房子》这课中, 我在几个环节的设计中都体现了以学生为主体的原则。每一个学生都有权利以自己独特的方式学习音乐, 享受音乐的乐趣, 参与各种音乐活动, 表达个人的情智。比如, 在学习歌曲这一环节中, 我先让学生聆听歌曲, 在这基础上让学生自己哼唱旋律、拍读节奏, 不足之处再引导, 真正体现了“以学定教”的原则。而在“搭房游戏”这一环节中, 我采用了分小组讨论、自主排练等学习形式, 学生在学习过程中表现出了极大的热情, 每位同学都来出谋划策。最后, 每一小组都拿出了与众不同的作品, 让我不得不叹服他们超凡的想象力和创新力。而在乐理教学中, 我采用了先自学、讨论, 然后让同学讲解并提出问题, 最后再总结重复, 这样给学生以自由学习的空间, 让学生不受老师“先入为主”的观念制约, 保持较高的学习主动性和浓厚的兴趣, 特别是锻炼语言表达能力。这样的教学既可学到知识, 又可锻炼能力, 全面提高综合素质, 使枯燥的乐理教学变得生动有趣。在视唱教学中, 我采取了“能者为师”的办法, 通过抽查摸底, 让掌握好的同学担任课代表, 在课中让优生带领待进步生学习新知识。挖掘学生潜能, 调动其主观能动性, 充分体现了以学生为主体的新的教学观。