欧洲艺术范文

欧洲艺术范文（精选10篇）

欧洲艺术 第1篇

在基督教之前, 西方的传统文化, 是希腊罗马的古代文化, 希腊罗马在艺术方面的特点, 在精神上是现世的、享乐的、体现人的自信的, 在风格上是古典的、写实的、再现的。庄重明快的希腊罗马建筑, 优雅写实的人体雕刻和绘画使欧洲艺术达到人类所取得的空前成就。

希腊化时代, 希腊文明开始揉进大量埃及和西亚的东方成分。随之而来的罗马时代, 包括埃及, 西亚的整个地中海区域都沦为罗马帝国的行省。从希腊化时代一直到罗马帝国初期, 西方文明这种东方色彩一直十分明显。在思想上, 东方的神秘主义、宗教精神与理性色彩的希腊哲学混杂在新柏拉图主义当中。而就在罗马帝国初期, 在产生犹太教的希伯来民族中又诞生了一个新的宗教基督教。

中世纪的时期划分一般从五世纪西罗马被蛮族灭亡为起点, 到文艺复兴的曙光在意大利升起, 前后持续了一千年。过去的历史学家, 文化史家认为, 这一千年, 是西方文明大倒退, 大衰亡的漫漫长夜, 是“黑暗时期”。他们认为欧洲中世纪的学术、文化和艺术一无是处, 充满了黑暗、愚昧、野蛮, 只不过是希腊罗马文明与近代文明之间一个漫长、空洞的过渡时期, 但是, 到了二十世纪, 随着人们价值观念的改变, 新的艺术表现手法及新的艺术流派的出现, 西方的文明史家及艺术史家又重新看待中世纪, 尤其是对中世纪的艺术转而采取十分肯定的评价。

本文拟对欧洲中世纪基督教艺术做一粗略的探讨, 归纳起来有以下几点:

一、基督教早期的艺术, 在其取得合法地位之前, 是隐蔽而

简陋的, 其表现手法 (如殉教者棺椁雕刻) 上仍沿用古典时期的风格, 只不过旧瓶换上了宗教的内容。在取得合法地位之后的早期, 教堂的建筑形式仍只能沿用罗马公共建筑的式样, 而未能形成自己的风格。

随着基督教宗教地位的转变发展, 教堂的建筑风格逐渐确立, 教堂的装饰和为宗教宣传服务的表现手法都逐渐定型, 逐渐形成定式化, 象征性很强的宗教风格, 虽然这种风格从内容到形式都完全不同于古典时期, 但又不能摆脱其脱胎而出的古典形式。

二、逐渐定型的基督教艺术, 体现在教堂建筑、圣像画、镶嵌画和作为装饰的雕刻中;

体现在由圣经的抄写和装帧而形成的书籍装帧艺术中。这些艺术统一的风格就是庄严、崇高、神圣、充满了神秘气氛。对于基督和圣徒形象的描绘都异于古典时期对于神和人的表现, 而且, 这种风格越来越抽象、变形、仿佛我们面对的不是人, 而是抽象的象征符号。即使这样, 一次次反偶像运动对艺术又进一步的限制。“归到神的怀抱”是人生的终极目的, 抑肉伸灵, 抛弃现世的一切享乐, 刻苦修行, 以期来世获得上帝的保佑, 这就是与古典文化鲜明对立的基督教的根本教义, 它要连根拔除的正是古典文化那种现世的理想, 如学术探讨、文娱活动、体育锻炼等。在这种种限制下, 古典艺术几近消亡, 所幸的是艺术坚强的生命力, 就连教会也依照“道成肉身”的基督教教义宽容下艺术, 以期通过对宗教形象的刻画来宣传宗教。如果说在中世纪, 哲学变成神学的婢女, 那艺术就只能是宗教单纯的代言人。与此相对应的是宗教中的人物画都采取严格正面化构图, 面庞瘦弱, 眼睛空虚, 充满对现世的恐惧绝望和对天堂的渴求。

三、宗教艺术在拜占庭有更多东方的影响, 而在西欧则增添进野蛮粗矿、抽象的色彩。

拜占庭地处罗马帝国的东半部, 这儿既是希腊古典文明的故乡, 留存有大量古代残迹, 又是罗马帝国东地中海西亚东方文明根深蒂固的区域, 从希腊古典文明反其道而又揉合了东方神秘风格, 很早就自然地在拜占庭地区产生了基督教的拜占庭艺术。虽然我们会在这以后的时代见到伊斯兰文明那极尽装饰色彩却从不涉及人或动物形象的艺术, 见到波斯与印度的细密画, 我们如其说它们是在拜占庭影响下诞生的, 倒不如说它们与拜占庭艺术互为影响, 成为中世纪宗教文化的共同产物。但是, 我们要强调的是, 拜占庭的宗教色彩更为浓重, 世俗味道则更少。拜占庭艺术宏大、庄严、肃穆, 充斥着对于天堂的渴求, 对于神圣的畏惧;体现神与现世王权的协调和东方专制主义所产生的奢华、辉煌;充满对于天国神秘的想象;排斥写实, 人体都是拉长的, 变形的, 眼神在统一的表情中显示着神秘。在拜占庭艺术在意大利的据点拉文纳大教堂中, 在它那著名的表现查士丁尼大帝及僧侣们列队的形象镶嵌画中, 我们好像觉察到一种有意识地追求平面化, 有意识地甩掉古典艺术那种对于真实人体的描摹。我想这是对于抽象观念的符号化, 以解说宗教的内容, 而不是像中国艺术那样对线的韵味 (吴道子的画) 的追求, 以及对于习俗的描绘 (如清明上河图) 。拜占庭艺术在建筑方面有著名的索菲亚大教堂传世, 它的教堂壁画, 镶嵌画以及书籍装帧都留下大量珍品, 对后世, 对广泛的区域都留下深刻的影响。例如, 基辅和俄罗斯的神像画就明显地继承着拜占庭传统。拜占庭建筑采用罗马传统的长方形基础, 然后横向扩展和分隔, 形成以中心大厅为核心的多厅建筑, 平面成十字形。这种建筑风格是古代其他民族 (如在巴尔干半岛、意大利、俄罗斯、中欧, 甚至在英、法均保留有拜占庭教堂) 刻意模仿的榜样, 就连印度的泰姬陵也受到它的影响, 即使在今天它仍然是建筑设计中不可或缺的一个来源。

在欧洲, 蛮族的风格则更多地溶入到基督教艺术当中, 这一点在爱尔兰艺术中可见一斑。另外, 中世纪晚期出现的哥特艺术更是蛮族风格与基督教内容结合的典型。蛮族装饰艺术那种婉曲缠绕, 涡卷螺旋, 重重叠叠, 密密麻麻, 令人眼花缭乱的图案体现了蛮族的执着, 极大的耐心和一种强大的精神力量。这一切在哥特式教堂中得到充分的表现。

四、西方中世纪艺术与埃及艺术也有很多相似之处。

如在一个构图中纳入尽可能多的他们认为重要的基督教内容, 如基督及其使徒的圣迹, 所以, 往往构图被填的满满的, 其中的人物都是按照宗教地位的高低及重要性分配构图的面积及位置。基督往往以整个形体出现, 且占有中心位置或视觉中心位置, 其使徒往往以侧面, 且形体较小, 被放置在构图边角处, 有的使徒只取其头部。这种将统一事件在不同时间不同地点发生的个个场面作为统一时空单位的艺术观念与古埃及的非常相像。再者, 它们都用艺术来“讲述”而不是“描述”事迹。

五、西方中世纪艺术始终受到希腊罗马古典艺术的影响, 因

为在罗马帝国, 尤其在南部欧洲随处可以见到希腊罗马的雕刻, 这些雕刻对中世纪艺术家有潜移默化的作用。所以, 我们在中世纪的艺术中仍能看出缩短法, 景深感, 仍用阴影标出手和脸部以及古典型式的衣服皱褶。

总之, 西方中世纪艺术与东方艺术关系密切。首先基督教来自东方, 且与犹太教, 伊斯兰教一样, 也是一神教, 都否定现

从八大山人与梵高之对比看中西绘画的意象性与表现性

姚灏娟 (西南大学美术学院重庆400000)

近些年, 艺术史中有关中西绘画的讨论已经非常多了。通过实践证明, 对比观察中西绘画不但要保持其特有的面貌, 而且还应善于将两种绘画方式进行比较。在这里, 就我国的八大山人与荷兰的梵高两位艺术大师的成就、经历等进行对比, 梳理中西绘画中表现性和意象性的交叉点。当然, 中西艺术的发展都有其各自的文化、历史为背景, 我们不能做牵强的连接, 而应客观观察。

明末清初时期, 画坛上出现了“四僧”。他们的作品重视自己对生活的真实感受, 不以再现以前画家的成就为满足, 每个人的作品都具有其鲜明的艺术个性。以八大山人为例, 其人生经历坎坷, 怀有国破家亡之痛。作品的意境苍凉凄楚, 笔墨沉郁含蓄, 充满孤独之情。他的写意花鸟画奇简冷逸, 强烈地抒发了遗民之情和对生命的热爱。内容形式高度统一。自从明朝灭亡以后, 他的内心极为苦闷和矛盾。做为明朝的皇族后裔, 他虽不满满人的入侵和统治, 但对于已成的现实又显得无能为力。这种内心的痛苦无法排解和发泄, 只有通过画画来解忧, 诉说他心中的苦闷。他作品中描绘的小动物大都以白眼看人。这正是表达了他对清王朝的愤慨和蔑视。这正是八大山人的风格, 有人说他是一座冰山, 把他心中的痛楚冰冷、刺骨的传达给你。的确如此, 我们通过观看他的作品了解了他的内心。他的笔触泼辣、大胆、豪放, 构图新奇, 造型独特。不但是他本人的风格的体现, 在与同时期的摹古之风拉开距离的同时, 也承前启后, 继往开来, 既与前人的绘画风格相异又对后世产生了巨大的影响。

荷兰人梵高是西方后印象主义的代表人物。同时其作品对以后的表现主义产生了巨大的影响。直到他去世都不断地作画, 留下大约八百五十件油画, 和几乎同数目的素描。梵高的作品笔触异常强烈, 色彩的饱和度和冲击力非常强, 表达了他内心强烈的情感, 充满了对生命的热爱。欣赏他的作品我们仿佛被带入了另一个时空, 让人觉得作者笔下的所有景物都具有不同的美。如经典的《向日葵》, 向日葵也称太阳花, 是梵高很喜欢画的景物之一。在作品中画面以暖黄色背景烘托着如火一样的葵花, 空中飘舞的花瓣分明是在舞动着画家内心的激情。强烈的笔触是那样的干脆与热烈。欣赏凡高的作品, 我们看不出半点的虚伪和掩饰, 他内心的感情一览无余的在你面前燃烧着。向日葵精神就是梵高一生不断追求自我的真实写照。是梵高让人们真正懂得, 艺术原来可以如此直接表达作者本人的感情。

通过对八大和梵高的比较, 我们可以看出中西绘画的差异区别和联系。与西方相比, 中国绘画是抒发想象性绘画, 而西方更侧重于现场性绘画。中国人在审美上侧重于一种体会到的心里头的真实。在中国绘画当中, 艺术家一直关注人的内心而不是自然的科学的一种标准或者是结果。显然, 这些特征我们在八大山人的作品中全部能够体会到, 八大山人也正是因为做到了这一点才形成了他独特的艺术风格, 确立了他在美术发展史中的地位。他的作品无论山水还是花鸟全都不只是写生, 而是通过他的眼睛观察, 加入了他内心特有的感受, 再以笔墨的形式使物体跃然纸世, 否定人的价值, 热心地崇拜上帝 (伊斯兰教称其为安拉) , 上帝主宰一切, 都有强烈的禁欲主义, 都不同程度反对偶像崇拜, 都与希腊罗马充满自信的现世享乐相抵触, 所以, 中世纪西方艺术与东方艺术一样不追求写实的、再现的、有强烈立体感的古典风格, 不追求人体比例、和谐与完美, 不对人体的骨骼结构、肌肤进行细微的刻画, 因为那样会把教徒从来世拖到现世, 会唤起教徒对现世享乐生活的追求。由于不受写实、再现和立体感的限制, 中世纪艺术家可以放手采用平面、色区分明的原色、装饰、线条和镶嵌来进行艺术创造。通过抽象、变形、象征和喻上, 在他的画中, 更注重个人的阐释。这是中国绘画的意象性。这与西方的普遍的真实反映现实大为不同。当然, 中西间绘画的差异远不止于此, 受各自文化背景的影响, 还有很多区别。在这里只是对中西绘画的基本表达方式做以简要的说明。生活在中国的八大山人和西方的梵高虽然不是同一时代的人, 但二人的作品通过对中国绘画之“意象性”和西方绘画之“表现性”的追求, 在内容和形式上达到了高度的统一。他们的作品有着惊人相似之处。首先, 双方的目的都是从立体空间向二维平面的改变。第二, 也是对后世影响很大的一点, 作品当中都加入了画家的强烈个人情感和自我感受, 表现各自的主观感情和情绪。梵高虽然是从写生开始, 但他的作品绝不仅仅是复制, 而是通过参照客观事物, 强烈的反映他内心的感情。因此, 后人说他是在用生命去作画。第三, 他们都极具创造精神, 不以前人高度为目的。

感悟八大和梵高。首先, 我们应该以画家本人的理解和感受去看他们的作品, 更加注重画家本人的情感去理解作品。八大和梵高的作品都不只是复制所看到的事物, 而是将看到的事物进行自己的阐释, 然后再以各自的方式反映出来, 这期间更加强了自我的看法。因此, 我们在任何时间来欣赏二人的作品都不会感到过时、陈旧。其次, 八大和梵高的作品都是力量感十足的, 画面并不刻板, 而且这种力量感在很多作品中都十分的强烈。

现如今, 我们很多传统的艺术形式在当今的国际化的视觉艺术环境里, 在飞速发展的数码电子社会里, 有时似乎被挤到边缘角落。在艺术历史长河的发展中, 我们有必要保持好的传统艺术的特色, 但同时也非常有必要去开拓新的表现语言和形式, 更好地反映当下我们所处的这个时代特色。中西文化艺术表面似乎有着巨大的差异, 不可调和。但在具体的绘画语言形式的发展这一细节上, 只要用于思考和探索, 相信都会寻找到切入点。通过对八大山人和梵高的比较, 我们可以看出中国绘画的“意象性”与西方绘画的“表现性”在某个高度有着异曲同工之妙。我们感谢两位大师在各自的时代为艺术做出的贡献。坚信当代的中国艺术未来在传统的高度上, 一定会有更新鲜的样貌出现。

义手法来表现并宣扬基督教精神。所以, 不能以希腊罗马古典标准或写实再现的标准来评价西方中世纪艺术, 就如同不能用希腊罗马古典标准来评价东方艺术一样。

参考文献

[1]丹纳.艺术哲学[M].北京:人民文学出版社, 1981.

[2]贡布里希.艺术发展史[M].天津:人民美术出版社, 1992.

[3]谢弗-克兰德尔.剑桥艺术史-中世纪艺术[M]译林出版社.

欧洲古代声乐艺术起源与发展 第2篇

在这一辉煌的历史进程中，涌现出了大量的伟大的杰出的音乐巨匠们，他们为这一历史巨卷的形成贡献了许许多多的点睛之作，所以才能成就谱写世界音乐历史最为辉煌和大气的篇章，他们精心创作的作品已经成为几个世纪以来后人研究的典范，

已然已经成为了世界文化中最珍贵的瑰宝，他们对于音乐艺术的诠释和解读所达到的高度和深度是后人无法比拟的。

在整个西方音乐历史这个大花园中，西方声乐艺术就像花中之王一样处于非常重要的地位。

本文着重介绍了欧洲古代(一般指古希腊时期和古罗马时期)音乐艺术中声乐艺术的发展。

关键词：古希腊;古罗马;声乐艺术

公元前12世纪至公元前146年的古希腊声乐艺术和公元前146年至公元476年的古罗马声乐艺术共同组成了欧洲古时期的声乐艺术。

这一时期的声乐艺术在整个西方音乐发展脉络中占有非常重要的地位，这是西方近现代声乐艺术的起源。

一、古希腊时期

(一)古希腊文明

古希腊文明所起源的“爱琴文明”为古希腊的声乐艺术提供了非常丰富的摇篮。

在公元前20世纪至12世纪，地中海东部的爱琴海岛、希腊半岛及小亚细亚西部的欧洲青铜时代的文明，被人们称为了“爱琴文明”，涵盖了克里特文明与迈锡尼文明两个阶段。

这一文明是欧洲最早的文明，也是西方文明的源泉，这更是古希腊文明的起源。

由于古希腊的地理位置使之能够处于东西方文明交汇的黄金地位，一头与东方文化相互交融，使得古希腊文化不断发展，另一头与西方接壤，深入欧洲腹地，对整个西方的文化发展起到了深远的影响。

古希腊文化所涉及到的美学、哲学、音乐、自然科学、教育、文学、戏剧、诗歌、建筑、雕刻等等方面的都达到了辉煌的成就。

古希腊的人们将所有的美德都归功于音乐，他们认为音乐有着感召人类心灵的能力和果效。

(二)古希腊声乐艺术的发展

古希腊的声乐艺术当之无愧地成为了古希腊众多辉煌艺术门类中的头冠。

合唱的表现形式在当时的声乐艺术中起到了主导作用，无论是婚丧嫁娶还是祭祀祈福，人们都会选择合唱的形式来表达自己的情感。

这一时期的声乐艺术发展大致可以分为四个时代，即英雄时代，古风时代，黄金时代和希腊化时代。

大约在公元前12世纪，多里亚人的入侵使得迈锡尼文明受到了毁灭。

此后的300多年里面，古希腊整个陷入到了沉寂的状态之中，封闭和黑暗笼罩了古希腊社会，所以导致存留下来的文字和资料稀少，惟只剩下了反映当时社会情况和人民精神状态的《荷马史诗》。

根据传说，《荷马史诗》是由盲人荷马通过收集加以汇总和创作的，他同时也还是诗人和歌手。

《荷马史诗》是由两部分组成，《伊利亚特》和《奥德赛》。

《荷马史诗》描写了古希腊的英雄征战和一系列的神话故事。

这部伟大的杰作结构思维严谨，形象鲜明，语言干练，情节活泼，具有深刻的哲理和理性，所以，历史学家们将这一时期称为“英雄时代”。

《荷马史诗》中有着舞蹈和合唱的记录，主要是以吟唱的形式流传下来，产生了人类历史上最早的三种声乐体裁：弗兰(Fran)悼歌，旋律较为缓慢;潘(Pan)献给阿波罗的欢乐性颂歌，旋律较为欢快;酒之歌(Gifirami)献给巴克斯的抒情性颂歌，旋律舒缓优美。

公元前8世纪至公元前5世纪，由于希腊人根据腓尼基字母创造出了古希腊文字，可以用文字来记录和叙述历史，历史学家们将这一时期称为是古风时期。

随着贸易经济的发展，古希腊社会经历了大的变革，从原始的公社制度将向奴隶城邦制度开始过渡。

随着社会制度性质的变革，当时社会人们的精神生活和心理状态也随之变革，他们不再沉浸于神话的幻想和对英雄的崇拜之中，他们开始追逐人类自己内心中的情感与心理，他们敢于抒发自己心内中的真实写照，抒情诗(Lyric)由此而产生。

抒情诗的旋律大多都是来自于当时社会流传所唱的民歌，人们用里拉琴伴奏，演唱形式包括了独唱和合唱等，所演唱涉及到的题材内容有双行体诗，讽刺为主题的诗歌，琴歌和牧歌等等。

贵族女诗人萨福(公元前612-557)是创作兼独唱抒情诗的杰出代表，她的演唱题材多以爱情为主题，她非常擅长细腻地刻画人物的内心感受，曲调情感真诚，忧郁委婉，歌词夸张炫美，具有很高的艺术感染力和表现力。

萨福还有一个非常重要的贡献就是在她的出生地，也是她的家乡建立了被人们视为欧洲最早的音乐学校。

品达罗斯(公元前518-442)是将合唱抒情诗这一声乐体裁发展到最高水平的诗人。

他所创作的作品稳重华丽，形式完美，后人称之为“崇高颂歌”。

从公元前5世纪起，希腊进入了古典时期。

古希腊的社会变革依然在进行，先进的民主制度已经代替了氏族贵族制度，人们逐渐萌发了民主思想，其中，以雅典最为典型。

艺术活动已经不再是贵族阶级的活动，艺术活动在平民中开展地更加广泛。

一些业余爱好者在一些盛大的集会上也会出新唱歌、跳舞、戏剧的演出。

古希腊的戏剧，包括了悲剧和戏剧，是当时古希腊文化发展最大的成就。

古希腊的戏剧是由戏剧对白和音乐组成，中间或多或少地穿插一下器乐伴奏和舞蹈等等，是具有非常高的艺术价值的艺术种类。

古希腊的宗教神话传说是古希腊戏剧剧本产生的源泉，但是已经超越了民间的风俗习惯，人们逐渐形成了较高的审美意识和追求，这也是古希腊文明走向成熟和理性的集中体现。

因此，这个时代，古典时期也被历史学家们视为是古希腊音乐艺术发展的黄金时代。

古希腊的悲剧，通常被人们又称为是山羊之歌，起源于祭祀迪奥尼索思的庆典盛世活动。

人们身穿着羊皮，把长春藤花戴在头上，以羊角、羊须装扮，伴奏采用的是阿弗洛斯管。

埃斯库罗斯、索夫克洛斯和欧里庇得斯是当时最为出名和伟大的三位古希腊悲剧作家。

埃斯库罗斯(公元前525-456)，被誉为是古希腊“悲剧之父”，他的创作属于是古希腊悲剧发展的萌芽初级阶段。

他出生于希腊的一个贵族家庭里，他一生创作了九十多部悲剧，代表作品有《俄瑞斯忒亚》三部曲，《被束缚的普罗米修斯》等等。

他的戏剧题材大多取材于神话英雄故事，以歌颂的力量为主。

他的悲剧庄重肃穆，雄然亢奋，与戏剧中所现的强烈的矛盾斗争情节相辅相成。

索夫克洛斯(公元前496-406)，他一生创作的时间长达六十年，共写过130多部悲剧，代表作有《安提戈涅》、《俄狄浦斯王》等等。

他所生活的时期正值雅典的民主思想意识全盛时期，所以较埃斯库罗斯而言，他的创作有了全新的提升和发展，他作品中所刻画的人物性格更加分明有力，语言简短明了，他的作品创作风格标志着古希腊悲剧创作的日益成熟和稳定。

欧里庇得斯(公元前480-406)，他出生在一个贵族家庭，一生创作了九十多部悲剧，代表作品有《美狄亚》、《特洛伊妇女》、《希波吕托斯》等等。

他所涉及的悲剧题材内容范围比较广泛，有描写政治、宗教信仰、战争等等的，也有描写处于社会底层平民百姓生活的，还有描写社会世俗道德的。

他非常擅长描写女性心理，透过人物内心的表达来反映一些深刻的思想道理，这一点在古希腊的悲剧中显得尤为的重要。

在他的悲剧故事中也会经常运用合唱的形式体裁来揭示故事深刻的寓意和表达思想内涵，用乐器伴奏来引出人物的出场，有历史学家认为这是歌剧最早的雏形模式。

古希腊悲剧的结构主要包括以下几个方面：序词、出场歌、插话、退场词。

序词指的是在合唱队首次出场之前的演出，意在说明戏剧背景和强化戏剧中人物;出场歌是接在序词之后，是合唱队进场之后的演唱，意在调节气氛，强调戏剧本身的基调和激发观众的感情，合唱是以齐唱为主，伴奏采用里拉琴和阿芙洛斯管，

偶尔会穿插装饰音;插话是在剧情动作表演的开始，前后紧紧衔接合唱，用来划分剧情的层次，相当于现代歌剧中的.“幕”;退场词是最后一段合唱唱完以后，作为剧目的结束。

古希腊悲剧的结束通常分为两种，一种是演员充当使者报告全剧的结束，另一种是他们所崇拜的神明从天而降，歌舞场地全部升天做为结束。

古希腊的悲剧通常三位男演员来演出，他们穿着高底靴，根据剧情面戴不同的面具，搭配不同的服装饰演不同的角色。

古希腊的悲剧对于后来十六世纪末文艺复兴晚期意大利歌剧的形成影响非常深远。

在古希腊悲剧发展的顶峰时期，与之相伴随的还有古希腊喜剧。

古希腊戏剧起源于祭祀酒神的狂欢歌舞和民间滑稽戏，而后逐渐演变成为大型的喜剧。

古希腊喜剧产生的时代是言论相对自由的民主繁荣时代，所以大多当权者和贵族阶级成为了古希腊喜剧所讽刺的对象。

阿里斯托芬(公元前446-386)，被誉为是“喜剧之父”，是古希腊时期最为出名的喜剧作家。

他一生创作了四十多部喜剧，代表作品有《阿哈奈人》，《骑士》，《云》，《马蜂》，《鸟》等等。

在他的喜剧作品之中，群众性的合唱、充满讽刺意味的歌曲，抒情缓缓地对白，轻松快乐的音乐及夸张的创作手法运用的淋漓尽致。

他的作品可以说的上是高雅与低俗，严肃与活泼，美与丑的绝妙结合。

公元前323年古希腊结束了辉煌灿烂的古典黄金时代，进入了希腊化时代。

在这一时期，希腊奴隶制度开始逐渐衰退，希腊自身的文化开始向东方和西方传播，并且与当地的文化相结合。

越多越多的专业歌手涌现出来，集体性的音乐活动随之减少。

声乐艺术的发展开始偏向于个人感情的抒发与表达，感性与理性相得益彰的原则遭到了很大程度上的攻击与破坏，所以导致这一时期的声乐艺术发展逐渐退步。

(三)古希腊声乐艺术的特点

1.题材：大多取材于神话故事和诗歌，多为描写劳动、大自然和爱情为主;后期还出现了许多不同题材的歌曲，如祭祀歌曲、饮酒歌、情歌、结婚歌、颂歌、悲歌及与舞蹈结合的合唱抒情歌、众赞歌、庆贺歌等等;

2.声乐作品以单音乐旋律为主，具有朗诵性质，旋律简单流畅，节奏鲜明;

3.体裁：声乐作品多以合唱、齐唱、独唱、说唱和吟唱的形式出现，有器乐伴奏，有舞蹈和戏剧穿插其中;

4.歌手、诗人和声乐作品的创作者大多都集于一身;

5.因为当时没有标准的固定的记谱模式，歌手采取了以即兴表演为主的歌唱模式。

二、古罗马时期

公元前146年，古罗马征服了古希腊，随后古希腊全部沦陷。

横跨亚欧大陆的古罗马由此成为了古希腊和后来欧洲文化艺术衔接的桥梁。

古罗马自身的文化融入了古希腊优秀的宗教、哲学、美学、自然科学、戏剧等等文化，这就使得古希腊文明也很快地在欧洲开展开。

在古罗马占领古希腊最早的初期，古希腊的音乐文化受到了古罗马人的轻视和忽略，他们不喜欢古希腊音乐，他们认为古希腊音乐不够威武壮阔。

随着古希腊文化的渗透和深入，古罗马贵族阶级中的妇人首先开始接受古希腊的音乐教育艺术，并把音乐教育当成是良好教养和上流社会尊贵身份的标志。

去纽约竞拍欧洲装饰艺术 第3篇

此珍藏系列由藏家历经半个多世纪精心搜集而成，而且直接购自伦敦及巴黎的著名艺术品交易商。此珍藏推出的200余件18及19世纪装饰艺术佳作，风格仿照欧洲古代法国皇室御器及贵族王公的艺术品位，也有当年法国家具大师弗朗索瓦·林克和里昂·梅塞吉的美好年代风格的艺术品。当中尤其令人瞩目的拍品为一组约40件时计，源自路易十五世时期至19世纪末。银器包括一对罕有、独创的银鎏金酒瓶冰镇桶，造型精巧别致，形如花开满盈的藤篮，制于1834年，出自欧洲名匠保罗·施托之手。

苏富比19世纪家具部主管Xavier Jover 表示：“亚洲藏家近年来对西式家具的兴趣渐浓，我们在香港历年来举行的‘花样年华’展售会就印证了这个潮流。”

论欧洲哥特式建筑艺术及其影响 第4篇

1 欧洲哥特式建筑艺术发展历程

哥特式建筑艺术是对哥特式美术的实践。哥特式美术起源于法国, 随后流行于整个欧洲。哥特式美术有着其神秘的审美观。哥特式建筑融合宗教信仰、人文社会等多方面的因素, 推动中世纪西方城市化发展。其发展历程可以分别为: (1) 发展初期:11世纪后期, 法国圣丹尼教堂以哥特式风格著称。在这座教堂建筑设计过程中, 设计师以哥特式的肋架拱顶和飞扶壁取代了罗马式风格的墙壁, 形成了标志性的“尖拱”; (2) 发展中期:13世纪到14世纪, 哥特式建筑在欧洲各国流行开来。尤其是在教堂的建筑设计中, 许多国家十分推崇哥特式教堂风格。并且不同的国家对其表现方式不同, 在引入本土文化的过程中, 创造了许多别具一格的哥特式杰作。此时, 哥特式建筑艺术也步入了发展盛期阶段; (3) 发展晚期:火焰式风格的出现, 欧洲各个国家的哥特式艺术也逐渐进入晚期阶段。在这期间, 哥特式艺术不仅没有走向低迷, 反而绽放出了更为璀璨的光芒, 像落日余晖一样, 洒满了欧洲各地。

2 哥特式建筑艺术特点分析

哥特式建筑艺术的十大建筑特点分别为:穹隆、束柱、门道、塔楼、彩色玻璃窗、券、屋顶、拱、飞扶壁以及墙体。教堂是哥特式建筑主要发展的领域。教堂本身极具有宗教色彩、政治色彩以及人文色彩, 教堂与城市人民的宗教和文化密切相关, 随着教堂的世俗化, 市民文化就渐渐渗入到教堂之中。教堂体现了整个中世纪城市的精神, 大教堂的艺术是当时特有的文化现象。哥特式教堂结构具有三个特点: (1) 空间的延展, 利用骨架券作为上部拱顶, 减少侧推力, 降低对材料的使用, 并且有效的延展了上部空间; (2) 两侧边的飞券设计, 进一步的扩大窗户面积; (3) 彩色玻璃的镶嵌, 在阳光的照射下, 教堂内部色彩炫目, 更具有宗教氛围。哥特式教堂作为典型的哥特式建筑物类群, 其对于哥特式建筑风格的诠释是十分完整的。

3 具体实例论述

科隆大教堂 (见图1) 是中世纪欧洲哥特式建筑艺术的代表作, 被联合国教科文组织列为“世界遗产”。科隆大教堂是科隆城的象征, 是德国最大的哥特式教堂, 也是世界上最著名的教堂之一, 与巴黎圣母院、罗马圣彼得大教堂并称为欧洲三大教堂。科隆大教堂经历了几个世纪才得以完成, 是一座艰巨的建筑工程, 它的完成是欧洲建筑史上的奇迹, 同时也是对哥特式建筑历史发展的有力见证。科隆大教堂对哥特式建筑风格的诠释体现在以下几个方面。

3.1 哥特式建筑贯穿宗教信仰的魅力

科隆大教堂是罕见的五进式建筑, 是欧洲最大的哥特式教堂之一。在内部结构中, 采用了尖券、尖拱以及飞扶壁来体现内部空间的高旷。这些内部特征, 无不显示着信众对信仰的虔诚。它代表着信众在心灵中对信仰的超越空间的内心世界, 使得信仰的空间与自然外在割裂开来, 继而构造出一个专属空间, 显示宗教的神秘色彩。从建筑力学来讲, 哥特建筑风格的许多建筑特征是不具备有实际建筑功能的, 更多的则是利用建筑物的形式、制式, 来代表人们对宗教的虔诚之心。例如哥特式建筑使用的方柱, 高度极高, 让人产生不可逾越的感觉, 象征着神高高在上, 只有通过虔诚的与神交流, 才能得到灵魂的安定。

3.2 哥特艺术的美术诠释

色彩丰富也是哥特式艺术的重要特征之一, 在哥特式教堂中的表现为彩色玻璃的镶嵌。科隆大教堂的内部装饰的艺术质量是极高的, 教堂四壁用总面积达万多平方米的彩色玻璃窗进行装饰, 以圣经人物故事为内容, 色彩绚丽斑斓, 将整个大教堂衬托的十分庄严、神圣。中世纪欧洲的宗教思想里, 将光作为上帝显身的象征, 光能穿透玻璃, 所以玻璃也有了一定的神性。而选择彩色玻璃, 则是人们基于幻想而利用美术手法所表达的一种诠释。在人们的想象中, 神的世界是丰富多彩的, 彩色玻璃在光照耀下产生了色彩, 产生了艺术, 这种艺术也在这时发挥到了顶点。彩色玻璃镶嵌画赋予了整个欧洲中世纪哥特式教堂一种永恒, 这也是哥特艺术的灵性所在。

4 哥特式建筑艺术的影响

哥特式艺术在西方艺术史中占有十分独特的地位, 哥特式艺术建筑的盛行带动了人们对于哥特式艺术内涵的挖掘, 并在不同的领域里产生不同的影响。

4.1 艺术方面

哥特式建筑对于中世纪欧洲的绘画艺术以及雕塑艺术影响巨大。例如彩色玻璃画, 随着哥特式教堂的盛行, 彩色玻璃画取代原有的笔画, 成为了哥特式教堂不可取代的一部分。这也使得彩色玻璃画逐渐成为了一种重要的装饰形式, 在后期不断的发展中, 形成了新的绘画艺术。哥特式雕塑则是在哥特式建筑浮雕手法中得到了新的发展, 哥特式雕塑更加凸显人文主义, 更加生动。

4.2 人文生活方面

哥特式建筑艺术对于中世纪的服饰、家具装饰都产生了较大的影响。在服饰的剪裁上, 中世纪欧洲服饰风格受到哥特式建筑高瘦的整体形象影响, 开始着重表现人体腰部曲线, 并形成了“窄衣文化”, 这也是现代西方服饰的起源。在色彩方面, 哥特式色彩丰富的影响下, 服饰的颜色也逐渐讲究搭配, 并形成多种风格。在家具装饰方面, 则是将哥特式教堂中的建筑特征作为一种造型符号, 应用于家具设计中。例如火焰型、尖拱型的雕刻被作为装饰纹样应用于家具制造中, 例如高教餐具的设计也是以哥特式建筑为设计灵感。

5 结束语

哥特式建筑是欧洲历史上的文化瑰宝, 虽然终究走向了没落, 但哥特式建筑艺术对社会艺术发展带来的巨大影响却是不容忽视的。

摘要：文章从哥特式建筑艺术的发展入手, 以科隆大教堂为例来论述哥特式建筑的艺术特点。并探讨哥特式建筑风格对社会其他方面的影响, 力求更深一步的探讨哥特式建筑艺术的内涵。

关键词：哥特式,建筑,风格,艺术,影响

参考文献

[1]李晓敏.哥特式建筑彩绘镶嵌玻璃窗的装饰艺术研究[D].安徽财经大学, 2015.

[2]彭纳.哥特式建筑的美学意义[D].四川师范大学, 2012.

“雌雄大盗”，骗倒欧洲艺术界 第5篇

“子承父业”造假画

沃尔夫冈1951年出生在德国中西部威斯特伐利亚的一个小村子里。父亲是个油漆匠，偶尔也仿些世界名画赚几个小钱。沃尔夫冈显然继承并发扬了父亲的天赋：14岁时，他就在一天之内仿制了一幅毕加索的名画，而且达到了几可乱真的水平。3年后，他进入一家美术学校学习。

上世纪六七十年代，嬉皮浪潮席卷西方世界，沃尔夫冈深受影响，他逃课，留长发，还买了一辆哈雷牌摩托，和附近美军基地的大兵一起抽大麻。此后，他浪迹天涯，足迹遍及摩洛哥、巴塞罗那、伦敦和巴黎，靠买卖旧画为生。他的画作也小有成就，1978年慕尼黑的一个画展上曾展出过他的3幅作品。但沃尔夫冈很快就厌烦了这样艰苦的创作，总琢磨着“走捷径”。“我不想把所有时间花在一幅画上。我想找乐子，旅行，和女人约会，享受生活。”

一次，他买下了18世纪一位不知名的荷兰画家的两幅冬季风景画，每幅250美元（1美元约合6.24元人民币）。作为业内人士，他知道18世纪的冬季风景画上如果有滑冰者，价钱能贵上5倍。于是，他在原画上添了两个滑冰者，果然卖出了高价。初尝甜头让他兴奋不已。此后，他买来旧画框，干起了仿制的营生。他最初模仿的是20世纪初期法国和德国的画家，部分原因是那个时期的画框和颜料更容易搞到。他造假的速度很快，有时一个月能仿10件作品。当时他经常模仿的画家之一是德国表现主义画家约翰·莫尔赞，沃尔夫冈卖了12幅他的仿画，赚了4.5万美元，其中一幅还被画家的遗孀买走。

后来，德国另一位表现主义画家海因里希·坎本东克、法国立体主义画派巨匠乔治·布拉克、超现实主义创始人马克斯·恩斯特都成了他的模仿对象。他对恩斯特情有独钟，因为“他很像我的父亲”。

最成功的“演出”

1992年，沃尔夫冈结识了34岁的海伦·贝尔特拉奇。当时，受海湾战争影响，艺术品市场比较萧条，沃尔夫冈暂停了假画生意，买下一艘帆船，雇了几个人，打算自掏腰包拍一部关于海盗的纪录片。海伦就在电影制作公司工作，两人一见钟情。在海伦眼中，沃尔夫冈是个“完美主义者”，“聪明而有教养，十分开放，擅长社交”。1993年，两人结婚。海伦很快成为沃尔夫冈的同谋，“这种行为违法，但它却很刺激，像演电影一样”。

海伦最成功的“演出”发生在1995年，当时她准备将沃尔夫冈仿造的坎本东克的名画《少女与天鹅》拿到佳士得拍卖行拍卖。当一位专家让她介绍这幅画的来历时，她讲出了如下的故事：这幅画是她从外公魏尔纳·容克那里继承的，他已经于1992年去世了。容克的朋友阿尔弗莱德·弗莱切姆是一位著名的艺术中间商和收藏家，1933年希特勒上台后不久，他就逃到了巴黎。但是在此之前，弗莱切姆以“白菜价”将许多画作卖给了容克。而实际情况是，容克和弗莱切姆虽然战前是邻居，却没什么交往，容克比后者小34岁。此外，弗莱切姆还是纳粹党员，自己不可能逃往法国，更不大可能收藏坎本东克的作品——坎本东克被纳粹批判为“堕落的艺术家”。但艺术界的专家们却没人深究这些细节。为了增加故事的真实性，沃爾夫冈还拍了一张黑白照片：海伦假扮其外婆约瑟芬站在几张容克收藏的画作前。照片不是很清晰，但确实是用战前的相纸冲印的。1995年10月，《少女与天鹅》在佳士得拍卖行“德国/奥地利艺术品拍卖”中被重点推荐。专门研究坎本东克作品的德国艺术学者安德莉亚·弗芒里希不但确认了这幅画的真实性，而且对画中的色彩运用大加赞赏。最后，这幅画以10万美元成交。其实，就连安德莉亚本人的收藏中，也不乏出自沃尔夫冈之手的赝品。

同一年，这对夫妇在法国买下里维特庄园。他们时常举办盛大派对，用顶级香槟款待客人，有时甚至会从西班牙请一支弗拉明戈乐队前来助兴。“每年只需卖出两三幅画，我们就可以维持奢侈的生活。”

事实的确如此，21世纪初，沃尔夫冈仿造的画已经能卖到几十万美元甚至更高。2004年，好莱坞演员斯蒂夫·马丁花86万美元买了一幅坎本东克的《有马的风景》；2007年，法国一个画廊以380万美元卖掉一幅荷兰野兽派画家凡东根的画……它们的真实作者都是沃尔夫冈。有些赝品还远涉重洋到了日本、乌拉圭。

事发缘于一管颜料

海伦称，沃尔夫冈在模仿方面极具天赋，当然他也会“做足功课”，包括阅读关于画家的文献，到他们生活过的地方去考察等。“你得了解他的一切，才能进入他当时的创作状态。”他更擅长的是取巧，例如用投影仪将一些名画的仿品投射到画布上再进行临摹；他还很懂如何做旧，“无论是画框、钉子还是颜色，他都能搞得看起来跟原时代的作品一模一样！”

具有讽刺意味的是，画坛权威通常都会“迫不及待地成为他的帮凶”。魏尔纳·斯派斯曾是法国蓬皮杜艺术中心现代美术馆馆长， 2004年，他前往里维特庄园鉴定一幅马克斯·恩斯特的画作《森林2》的真伪。海伦陪着他来到卧室，假画就挂在床后的墙上。“他进屋后只看了一眼就显得无比激动，并宣布‘毫无疑问它是真的’。”那幅画其实是沃尔夫冈在两天内完成的。没过多久，这幅“失传已久”的《森林2》就以230万美元的高价卖给了一家公司。几经转手后，2006年，法国出版业巨头丹尼尔·菲利帕奇以700万美元将其买下。恩斯特的遗孀也看过这幅画，并称“它是马克斯画过的最美丽的作品”。

2006年11月，一家拍卖行卖出了沃尔夫冈仿造的另一幅坎本东克的作品《有马的红色画作》，360万美元的价格是这位画家作品的最高价。买主找来专业机构鉴定，结果慕尼黑一家化学实验室发现，画作中使用的钛白颜料，在坎本东克生活的年代还不存在呢。消息传到沃尔夫冈那里，他意识到“游戏结束了”。这位谨慎的造假者总是自己配制颜料，但画这幅画时，他手边恰好缺少一些颜料，于是只好用了一支荷兰出产的锌白颜料管。“不幸的是，成分里没有标注含有微量钛白。”

2010年，沃尔夫冈和海伦被捕，2011年，两人分别被判处6年和4年监禁，且只须在晚上被关进监狱。案件虽然告一段落，但沃尔夫冈到底仿造了多少画始终是一个谜。警方认为他至少仿造了58幅名作，但由于缺乏证据，法庭只确认了14幅，涉案金额2200万美元。而他自己则告诉记者，他先后模仿过50多位画家，仿造了数以百计的画作，许多上百万美元的画是他在三四个小时内一挥而就的。

媒体大亨菲利帕奇虽然当了冤大头，却仍然对沃尔夫冈的天赋赞不绝口，“他是个天才”。魏尔纳·斯派斯也同意这种观点，不过由于给7件沃尔夫冈制作的赝品做出了真迹鉴定，魏尔纳本人也面临着高额的民事索赔官司。

欧洲艺术 第6篇

一、中世纪欧洲声乐艺术的分化特点

中世纪声乐艺术明显分化成宗教歌曲 (又叫圣咏歌曲) 和世俗歌曲两大分支, 世俗歌曲体现其民众性、通俗性、趣味性等特点, 也有宗教歌曲高雅的一面 ;宗教歌曲也从世俗歌曲中丰富了音乐创作的语言和节奏, 推动了自身的发展。

(一) 宗教歌曲即圣咏歌曲。统治阶级利用音乐无形的特点, 创造了一种神秘的宗教气氛, 宣称音乐是宗教的奴仆。由于宗教歌曲满足了人们各种活动的需要, 逐渐成为中世纪音乐的主流。

宗教声乐艺术以基督教声乐为主, 是以合唱为代表的声乐艺术, 在欧洲声乐史上占有重要地位, 对后来欧洲声乐艺术的发展和现代宗教歌曲具有重要影响。最早的基督教歌曲起源于犹太教音乐, 用于圣殿和会堂的各类宗教活动, 主要用于祭祀活动。

(二) 世俗歌曲。兴起于11世纪末, 由于商业的发展和城市的完善歌曲逐渐冲出宗教寺院和封建城堡的藩篱, 进入城市、集市和乡村。世俗歌曲应时而生。

最早的世俗歌曲是以手抄本的形式进行传唱。酒、女人和讽刺是世俗歌曲歌词的三大主题。歌曲的风格犀利, 不拘礼节。早期的世俗歌曲和宗教歌曲之间的旋律分界线还不十分清晰, 但是旋律基本上是新创作的, 特别是歌曲内容出现了离经叛道的倾向, 歌词的语言也不再是基督教的拉丁文, 而是采用各地方语言。

二、中世纪欧洲声乐艺术的形式特点

(一) 基督教歌曲 (圣咏歌曲) 的声乐艺术形式。无论是基督教歌曲, 还是在歌唱学校中教授的合唱曲和独唱曲, 都是当时具有典型和示范意义的教会曲目。按照演唱形式分为“交替式”即交替圣歌 (两个唱诗班交替演唱) 其风格质朴, 旋律优美, 是完全独立的歌曲 ;“启应式” (独唱与唱诗班齐唱交替 ) , 一般是一个短小诗节, 在祷文之前由独唱者咏唱、唱诗班重复, 独唱者由唱诗班或会众应答 ;“直接式” (无交替) 即阿利路亚。由一个叠歌 (只唱“阿利路亚”一词) 和一节诗歌组成, 然后将叠歌重复, 加华丽的花唱和大量的无词旋律 ;还有赞美诗独唱、应答唱和 (交替的两组齐唱) 、无词狂欢曲、《阿利路亚》上帝赞美歌等演唱形式。

(二) 世俗歌曲的声乐艺术形式。世俗歌曲在演出形式上和歌词内容上有了新的突破。他们从民间歌曲中吸取营养, 丰富和激发创作灵感, 能够自编自演自唱, 还组成演出群体, 采用“巡回流动演出”方式。其歌曲形式结构多姿多彩、新颖巧妙, 有情节简单的叙事歌, 也有多角色戏剧风格的叙事歌 ;有哑剧形式, 也有“歌伴舞”形式 ;有合唱、齐唱、交替唱、独唱形式, 独唱形式开始成为主流。

三、中世纪欧洲声乐艺术的专业特点

(一) 宗教歌曲的专业特点。东罗马帝国的首都伊斯坦布尔成为东西方音乐文化交汇的中心。当时最优秀、最有特色的声乐典范作品, 是根据圣经内容进行诗意发挥的赞美诗, 赞美诗就是最初的宗教歌曲。主要分为两大类 :stichera和kanon。Stichera是在普通弥撒诗篇的诗节之间唱的 ;Kanon是将9首圣经短歌或称颂歌发展而成的包括9段的乐曲。

伊斯坦布尔赞美诗歌词主要来源于圣经, 创作成分较少 ;旋律以拼凑法构成, 作曲者选用某种动机组合成旋律, 分别用在中间部分、衔接部分和结尾部分。这种旋律在不同的音乐文化中有不同的音乐名称。比如 :在印度音乐中叫拉加, 阿拉伯音乐中叫木卡姆。因为基督教音乐实质上就是声乐, 因此教会和学校教音乐就是教合唱。

(二) 世俗歌曲的专业特点。出现了以职业歌手兼乐手为主的行吟诗人阶层, 他们通常具有作曲家和诗人的“双重身份”。他们在歌曲旋律创作方面的贡献是一反格里哥利圣咏那种散文诗般的松散自由的节奏, 在作品中注入了诗歌般的丰富多彩而又明快活泼的音乐节奏, 并确定了六种节奏型。其中包括3∕4节拍和6∕4节拍, 但一般一首歌曲只有一种节拍 ;这一时期的现代调性形成也是世俗歌曲声乐发展的一大贡献, 他们抛弃了格里哥利的陈旧调式, 创作了# F和# G等变化音的运用。12世纪女行吟诗人迪亚伯爵夫人所作的《我要唱》等声乐作品, 反映了世俗歌曲在旋律创作上的特点。

四、中世纪欧洲声乐艺术的创新特点

复调音乐是中世纪的一大发明, 开启了欧洲文艺复兴中大型声乐作品的大门。发明了民间复调音乐和学者复调音乐, 民间复调音乐是民间艺人本能自发创作的, 流行于英国 ;学者复调音乐继承了民间的自由创作, 又偏重于理论上的创作探索, 产生了“吉美尔”也称“双声调”, 是两声部歌曲和“复波东”是三声部歌曲, 这种作曲方法叫“奥尔加农” (organum) 。复调音乐的发展产生了“变位调”即“迪斯康都”, 有三个声部 :次中音声部 (tenor) 即主导声部 ;最高音声部“迪斯康都”;副中声部 (contratenor) 后来分为低声部 (bass) 和高声部 (altus) , 这就是现在合唱中的高、中、低声部的雏形。

摘要：中世纪的欧洲音乐文化被教会与封建政权相互依托, 宗教歌曲声乐艺术逐渐向世俗化分解, 形成宗教歌曲和世俗歌曲, 在演唱形式、创作类型、体裁风格和专业创新等方面取得重要突破。

关键词：欧洲,中世纪,声乐艺术,特点,创新

参考文献

[1]刘丛新, 刘正夫.欧洲声乐史[M].中国青年出版社.1999-6-1

欧洲艺术 第7篇

欧洲动画有其独特的动画风格, 与美式动画、日本动画相比, 其大胆尝试各种不同媒体与表现手法, 富有创意, 不断刷新人们对动画的视觉体验。战后的艺术思潮风起云涌, 欧洲动画虽然在技术层面上落后美国许多, 却更加注重美学意义上的探索, 其最大的特点是动画与传统艺术和各种艺术思潮之间的紧密联系, 并强调作者独立的社会立场和思想人格。动画艺术产生之初, 正在欧洲大陆如火如荼展开的现代艺术运动为欧洲各国的动画发展提供了肥沃的土壤。

一、现代艺术表现形式

(一) 平面

从构图上来看, 现代主义绘画构图的形式较之传统的绘画有着革命性的改变, 现代主义画家根据个人的艺术思想和审美追求, 打破静态的三维空间, 追求动态的四维空间。区别于自然的虚拟空间, 将不同时间、空间物象自由地组织在同一画面中, 把空间趋向平面化, 复杂的结构体积按照一定的形式规律, 运用散点透视的方法转化为平面的形态, 设计组织画面, 在平面上设置色块, 安排位置, 画面视觉效果的构建依靠于色彩和形状的组织。在构图上, 较强的视觉冲击力和装饰效果是现代主义绘画作品所具有的特征, 画家常常应用黑白、疏密、重复、错觉和特异等一系列原理来设计和处理画面, 艺术创作常常运用装饰性的色彩和造型, 如克里姆特的绘画作品就是将具有东方韵味的装饰性, 点彩派的笔触以及构图的平面性融为一体, 西方构成的设计理念被淋漓尽致地表达出来, 画面上巧妙地传递出浓郁的装饰风味与强烈的设计美感。

(二) 抽象

抽象是从众多的事物中抽取出共同的、本质性的特征, 而舍弃其非本质的特征。抽象艺术不讲求逻辑、故事和主题, 而是经验之外的生命感受, 抽象艺术追求独创性以主观方式通过抽象的色彩、线条、色块、构成来表达人性。对于以反对将描摹客观物象作为主要目标的现代艺术, 抽象主义代表了其形式探索的一个极致。它与现代艺术试图摆脱客观物象的束缚, 达到一种形式自律的要求密切相关。

(三) 材料

现实的物质材料经过艺术家的选择与思考, 具有了本质上的转换, 物质材料变成材料艺术, 大量从未被使用的材料被运用到了绘画创作中, 并具有了一定的精神指向意义, 而有些材料本身具有强烈的精神性, 如泡沫、蜡烛、报纸等, 这些物质材料在绘画中, 会给观者提供极大的想象空间, 艺术家通过材料语言同观众对话、沟通, 取得心灵上的共鸣。立体派、达达派的拼贴技术, 更是将艺术的表现力扩张到非绘画性物质材料, 物质材料逐渐在绘画艺术元素中有了发言权。而随后出现的装置艺术纯粹是材料的有意味的堆砌。

二、继承与运用

20 世纪之初, 散布于欧洲各国的独立动画人和先锋派画家们在极为艰苦的条件下以惊人的热情推动着动画的发展。尽管他们绝大多数无法如动画片创始人艾米尔·科尔一般名垂史册, 而且他们的作品也最终湮没于历史的长河中, 但是正是这些在贫困中奋进的英雄们, 用生命的激情迸发出创造的火花, 从而以星火之势点亮了欧洲大陆的动画版图。酝酿于文艺复兴时期的现代艺术, 直至19 世纪中后期开始爆发出革命性的影响力, 又为动画艺术的发展起到了推波助澜的作用。

(一) 绘画·风格

欧洲动画家们一直以来执著于试验与艺术化的道路。他们使用不同的工具并借助各种绘画手段, 如彩色铅笔、炭铅笔、各种速写等来制作动画。这种动画片的制作依赖于一定的绘画技巧, 营造出不同的视觉效果。这种以不同绘画材料, 如钢笔、铅笔、炭笔、粉笔、蜡笔、水粉、水彩、油画等颜料作为载体而创作的平面动画, 称为“绘画风格”动画。它从多元的绘画艺术中吸取了大量营养, 运用各种不同材料的特征, 加上动画艺术家个人创造性的发挥, 丰富了“绘画风格”动画的表现力, 使动画作品具有独特的艺术魅力。

俄罗斯艺术家亚历山大·佩特洛夫克服了环境与技术带来的种种困难, 以绘制油画的方法制作动画片, 用手指沾上油料在玻璃上作画, 将海明威的宏篇巨著《老人与海》搬上了银幕, 并凭《老人与海》夺得奥斯卡最佳动画短片奖。《老人与海》融入了佩特洛夫一生的艺术追求, 几乎每一桢都可以独立成为一幅美丽的油画, 其在表现大海的波澜壮阔的气势、海天融合的层次上, 具有十分强烈、浓重的表现力, 层次分明的颜色过度和厚重的油墨渲染, 即便是隔着屏幕也能深切地感受到苍茫的天地和老人的孤独。而在人物的表情表现方面, 玻璃油画的方式同样具有很鲜明的特色, 虽然面部细节并不清晰, 但艺术家深厚的功力却令人物表情栩栩如生。

(二) 抽象·运动

蒙德里安认为垂直线和平行线组成的几何形体, 是艺术形式最为基础的要素, 唯有几何形体才是最适合表现的“纯粹实在”。20 世纪初期, 一批艺术家用毕生之精力企图创作出一种新艺术, 而不是在现有艺术形态中创造新的风格。最早的抽象动画作品《影片1~4 号》是1911 年由意大利的阿尔纳多·金纳及其兄弟布鲁诺·科拉拍摄完成。在作品中, 不同感官之间的共同感受借助于作者对音乐、花香、诗韵等的诠释来表现, 使观众进入不同的“灵魂抽象状态”。这样的新艺术形态传入美国, 成为美国现代艺术的一大特色。如果说非具象抽象是艺术家们对一个新媒介的开发和挖掘的话, 那么他们所留下的“实验报告”就成为动画日后的创作法宝。

(三) 平面·单线平涂

平面动画是指在纸张、赛璐珞或其他平面媒介上绘制画面, 通过摄影机或计算机的逐格拍摄或扫描, 以一定的帧率连续播放, 在荧幕上或屏幕上活动起来的动画。这里所指的平面是那些具有具体物象的动画片。绘画艺术的平面化无意间给动画创作提供了便利。由于逐帧拍摄, 简洁的画面符合了视觉连贯的要求。《獾》的美术形式主要是单线平涂, “所谓‘单线平涂’, 是指动画片的绘制主要通过线条勾勒轮廓, 在轮廓区域内平涂填色”。短片中的主要造型便是运用简单得近乎稚拙的线条进行勾勒, 再涂以色调分明的几大色块构成。角色造型呈现出早期动画中的卡通形象特征, 风格则类似于建筑上的简约主义, 简洁明快达到了以少胜多、以简胜繁的艺术效果。

(四) 材料·多元

动画的艺术创作受立体主义、达达主义和未来主义所开发出来的材质的影响, 结合动画逐格拍摄技术制造出富有趣味性和令人耳目一新的视觉效果。材料成为了众多欧洲独立动画大师自我表诉的载体。在材料的选择上, 材质动画有着广阔的天地, 如石头、黏土、塑胶、金属、各种自然之物等。材质动画指运用丰富多彩的材料创作出来的定格影片, 其中以沙土动画和剪纸动画最具有代表性。沙土动画短片《天鹅》就是波兰艺术家克莱瓦根据柴可夫斯基的舞曲《天鹅湖》拍摄完成的。德国女导演洛特·瑞尼格于1926 年拍摄的剪纸动画长片《阿基米德王子历险记》被公认为剪纸动画领域中的经典之作。影片不仅使用剪纸这种媒介, 同时还大胆尝试利用蜡和沙子制作动画。

三、结语

欧洲是动画艺术的发源地, 凝聚着欧洲不同民族的智慧、审美意识和历史, 使其艺术形态丰富多彩。作为动画的发源地, 欧洲有着悠久的动画文化传统。早在1919 年巴黎和会为这片古老的大地重新划分疆界之前, 为数众多的独立动画制作人就已经用动画构成了一张群雄并起的欧洲板块。欧洲作为现代艺术革命的主要阵地, 涌现出大量从事动画创作的现代艺术家, 现代艺术强烈的美学气息无形中影响了他们的动画创作。欧洲独立动画受现代艺术多方面的影响, 从现代艺术的角度着手是研究欧洲独立动画发展的绝佳切入点。

摘要：欧洲独立动画是指欧洲个人、工作室或动画制作公司制作的动画。其艺术表现形态凝聚着本民族的智慧、审美意识和理想, 动画风格特征与美国、日本等国的动画有明显不同。欧洲独立动画艺术家对表现媒体的选择、视听语言的运用, 对时空、审美观与艺术技巧的发展, 使欧洲独立动画艺术的表现形态呈现出多元化、个性化和时代性等特征。

关键词：现代艺术,表现形式,欧洲独立动画

参考文献

[1]段佳.世界动画电影史[M].武汉:湖北美术出版社, 2008.

[2]唐雪莲, 王昌文, 雍晴.现代艺术的绘画风格对欧洲独立动画的影响[J].新闻界, 2010, (06) :191-192.

[3]童艳.论现代欧洲动画艺术的表现形态[D].南京:东南大学, 2009.

[4]马阳阳.谈俄罗斯动画《老人与海》[J].现代装饰 (理论) , 2013, (02) :177, 179.

[5]王贤培.论现代主义绘画中的设计意识和元素[J].南京艺术学院学报 (美术与设计版) , 2013, (04) :156-158.

欧洲艺术 第8篇

一、中世纪艺术综述

中世纪是欧洲封建社会形成发展和繁荣的时期, 也是古希腊罗马为代表的古典艺术衰落, 宗教艺术兴起的时期。宗教在世界广大地区占据了思想领域的统治地位, 人们说“宗教是精神的鸦片”, 对宗教的理解也许有所偏颇, 但佛教、基督教、伊斯兰教在许多国家成为国教, 在等级森严的封建社会里作为统治阶级所极力吹捧的对象, 是他们用来统治奴役人民思想的工具。因而处于统治地位的宗教这种社会意识决定了中世纪的各种社会意识形态都要服务于它, 艺术自然也不例外。中世纪的根本特点是基督教占统治地位。正是这个特点, 决定了欧洲中世纪艺术成了“基督教艺术”, 艺术作品的主题是神, 在中世纪的人们看来, 神与人是对立的, 神是永恒的, 人是暂时的;神是全能的, 人是软弱的;神是智慧的, 人是愚蠢的;神是至善的, 人是有罪的。所以, 艺术应当表现神, 歌颂神。

在中世纪的绘画和雕塑艺术中, 很明显宗教性压倒了艺术性。艺术创作从形式到内容也都受到基督教严格的限制, 形成了当时绘画雕塑艺术非写实、平面化以及象征性的单一风格, 以描绘圣经为题材的作品大量涌现。甚至, 历史中实实在在的人也被描绘成摆脱了世俗情感的、神化了的人物, 与古希腊“神人同形同性”以及文艺复兴时期关注人的观念截然不同。例如中世纪的马赛克镶嵌画中一幅很具代表性的作品 (如图一) , 在拜占庭镶嵌画中, 圣母子与皇帝的形象是最主要的题材, 反映出专制之下教俗合一的特色。画面中, 在灿烂的黄色马赛克底色上, 查士丁尼大帝身穿紫红色长袍, 袍上饰物金光闪闪, 手捧宝盒, 向耶稣敬献, 他的两边是大主教马克西米连和官员们。所有人物表情呆板, 人物拉长, 好像踮着脚在站立, 突出没有重量的神化感。当时, 画家的任务, 不是表现人物的真实性, 而是表现人物的神圣性。查士丁尼看起来就像是耶稣的化身, 皇后西奥朵拉同样捧着宝盒, 她的两侧是男侍从, 人物的形态都尽可能平稳庄重, 显示出他们与凡人之不同。中世纪的统治者就是这样利用艺术将自己与宗教神话中的人物结合为一体并将自己上升到神的高度从而加强自己在人们心中的威慑力达到巩固其统治阶级地位的目的。

神权统治下的中世纪绘画呈现出和古希腊古罗马绘画截然不同的风格和精神。绘画不是为了记录人们的现实生活, 更不是出于审美的目的, 而完全为宗教服务, 成为宣扬宗教进行图解的工具。因此绘画具有了强烈的象征意义。中世纪的绘画却以表现为主, 为了宣扬教义和表达强烈的宗教信仰和情感, 绘画抛弃了古希腊古罗马的写实传统, 而以夸张、变形等象征性的表现手法, 达到精神上的真实。注重传神而不求象形, 大量使用线条来表达神学含义。

当然, 除了绘画、雕塑以外, 中世纪的建筑、音乐、文学、戏剧等艺术门类也同样离不开基督教的影响。以古希腊古罗马为代表的古典艺术的兴盛至今使西方人引以为荣, 而以基督教艺术主导下的中世纪在很大程度上成了“愚昧”、“落后”的代名词:当生产力和社会制度再向前发展进步时 (有奴隶社会转变为封建社会) , 艺术作为经济基础的上层建筑, 作为一种特殊的社会意识形态, 却出现了某种程度上的停滞甚至是倒退, 这一似是而非的现象容易让人产生错觉基督教是古典艺术的终结者, 其实不然。

二、中世纪艺术衰落的原因分析

1. 艺术作为一种社会意识形态, 具有相对独立性。

即往往与社会的发展不平衡;与宗教这种社会意识形态之间相互影响, 相互制约的关系。

欧洲的封建社会初期, 文化普遍衰落, 作为文化重要内容的艺术也难幸免于难。中世纪成了“西方文化史上令人压抑的漫漫长夜”1。基督教会垄断文化教育, 排斥异教文化, 焚毁了大量珍贵的古代文物和手稿, 造成了古典艺术的突然断层, 人们因此认为基督教造成了中世纪的所谓“黑暗”。封建社会制度下的中世纪艺术相对于奴隶社会制度下的古希腊罗马的古典艺术确是衰落了, 这样并不能说完全是因为基督教, 这只是体现出艺术这种社会意识形态的发展与社会的发展具有不平衡性。同样, 在中国的魏晋时期, 社会动荡不安, 战争不断, 但是在艺术上却能百花齐放, 百家争鸣。

在古典文明的废墟上建立起来的封建社会“把古代文明、古代哲学、政治和法律一扫而光”2。唯一保存下来的几乎就只有基督教;基督教教会在罗马帝国被蛮族摧毁、西方古典文明终止后的巨大文化空隙中, 充当了“古典文明的使者与新兴民族的导师”3, “如果没有基督教会, 整个世界必将完全被物质力量所俘虏。教会单独发挥了一种道德力量。”4蛮族正是通过基督教, 才从“粗野的原始状况”转入到中世纪的文明轨道, 并且通过基督教教会接受了宗教信仰和古典文化, “疆土统一和政治统一在帝国意识形态上也必然呼唤精神文化上的统一。”5这样, 基督教还充当了从古代社会向中世纪过渡的桥梁中介。

当然, 基督教在欧洲立足以后, 为了巩固自己的主体地位, 千方百计地扼杀其它异教文化, 阻碍了古典艺术的发展, 并且以其严格的教义限制了艺术的自由创作。如破坏圣像活动, 禁止偶像崇拜, 是《圣经》中非常明确的诫命。其目的主要通过破除异教偶像崇拜习俗, 反对异教, 独尊基督教。这在《圣经》中表达得很清楚。“十诫”中写道:“除了我以外, 你们不可有别的神。不可为自己雕刻偶像;也不可作什么形像仿佛上天、下地和地底下、水中的百物。不可跪拜那些像;也不可侍奉它, 因为我耶和华你的上帝, 是忌邪的上帝”。6对于异教, 号召自己的信徒要这样对待他们:“拆毁他们的祭坛, 打碎他们的柱像, 砍下他们的木偶, 用火焚烧他们雕刻的偶像”7。他们“将上帝的真实变为虚谎, 去敬拜侍奉受造之物, 不敬奉那造物的主”8。因此对欧洲中世纪前期的艺术文化低潮, 基督教会也负有不可推卸的责任。

2. 艺术作为一种社会意识形态, 要受到政治 (利用宗教) 的影响和制约。

如果我们对中世纪这一段历史进行实事求是的考察, 会发现真正摧残古典艺术的不是基督教而是目不识丁的“蛮族”, 那些没受过教化的、不知礼数的甚至不识字的日耳曼人、斯拉夫人, 成了这一千年西方历史舞台上的主角。西罗马帝国晚期, 日尔曼各族大举入侵, 不仅灭亡了曾盛极一时的泱泱帝国, 而且对古希腊罗马文化艺术肆意蹂躏, 他们利用艺术来宣传基督教, 其实是为了达到束缚麻痹人民、巩固其统治的目的。古典艺术的衰微, 基督教艺术的继起, 是一神教文化战胜多神教的结果。就宗教而言, 人类宗教大体经过从原始宗教到多神教, 再到一神教的发展过程。多神教“崇拜众多神, 众神在一个至高神的控制下共同组成神的政治团体”9古希腊的雕塑艺术就表现了希腊神话中的众神, 如代表美和爱的女神维纳斯, 最为著名的作品就是《米洛斯的维纳斯》 (如图二) , 太阳神阿波罗, 智慧女神雅典娜等。

一神教的出现是符合当时封建中央集权统治的需要的, 就一神教本身来说, 它在产生的初期起到了促进本民族的团结和国家统一的积极作用。犹太教作为世界上最早的一神教, 在维护犹太民族的团结、促进民族精神和文化的发展起到了不可替代的作用。从犹太教发展而来的基督教登上罗马帝国的历史舞台, 更是显示了一神教的征服力, 早在奥古斯都就宣称自己是神的化身, 是万能的创世主在世间的代表。基督教来到多种宗教并存的罗马世界, 战胜了一个又一个异教, 最终被确认为帝国唯一合法的信仰。也因为这样, 中世纪的艺术才会出现题材单一化发展, 包括直接的圣经题材和间接的教会题材, 为了表现神权的至高无上, 往往对形忽略, 但求表现神的绝对权威, 实际是为了奴役人民大众, 加强统治阶级的统治。

三、中世纪艺术的衰落:绘画、雕塑艺术为例

中世纪艺术要求具有教育意义, 成为不识字的人能看懂的“绘画的圣经”、“石头的圣经”, 又要求用图解的方式、客观形象的方式再现圣经故事。基督教诞生于公元1世纪, 最初的基督教是反对用形象化的语言或艺术载体来表现神和阐释教义。他们认为, 仅仅面对一尊与古希腊罗马异教偶像一样的神的雕像, 信徒们是无法领会全能而无形、无所不在的上帝的。但是, 随着基督教的广泛传播, 图像传播不可回避地出现于公元2世纪。虽然此后的数百年间, 有关是否造像的争论延续不停, 但在破坏偶像运动中, 主张敬奉圣像的一派就提出了“象征”的方法。认为艺术的摹拟虽然不能完全表现神性, 但可以在一定程度上象征神性。可以认为中世纪艺术便是对基督信仰的象征性视觉呈现, 带有强烈的宗教实用性质, 但同时也限制了艺术家的创作自由, 一定程度上阻碍了艺术的发展。从而使中世纪艺术与古希腊古罗马, 文艺复兴时期艺术的繁荣相比逊色了许多。

藏于埃森主教堂的《黄金圣母》 (如图三) 是中世纪具代表性的圆雕作品, 作品中人物显得刻板, 僵硬同时表现出当时艺术追求精神性表现的特点, 作品的象征性极强, 表达了强烈的宗教信仰和情感。《哀悼基督》 (如图四) 是文艺复兴时期米开朗基罗为圣彼得大教堂所作, 题材取自圣经故事中基督耶稣被钉死在十字架上之后, 圣母玛丽亚抱着基督的身体痛哭的情景。雕像的制作具有强烈的写实技巧, 是对古希腊雕塑艺术“思想凌驾于信仰之上, 逻辑和科学凌驾于迷信之上。”10的复兴, 作者没有忽略任何一个细节的处理。米开朗基罗还将自己的名字刻在了雕像中圣母胸前的衣带上。作品一经展出, 立即轰动了整个罗马城, 从此便与作者米开朗基罗的名字一起成为了艺术史册中光辉的一页。

中世纪的绘画艺术宣扬禁欲主义而文艺复兴时期则是崇尚生命体的自然美。达.芬奇曾鲜明地说过“人是最神圣之物, 人体是自然中最美的对象”, 古希腊艺术也十分崇尚人体美。而中世纪的神学和禁欲主义者把活人的肉体称为灵魂的牢狱罪恶欲念的根源, 对一切表现生命体自然美的东西加以排斥。那时艺术家不敢大胆描绘人体的美。在中世纪严厉的思想控制下希腊罗马艺术中美丽的维纳斯被看做异教的女妖而遭到焚毁。在中世纪的艺术作品中, 描绘的人物大都像《皇后西奥朵拉及随从》壁画中的人物那样从头至脚包裹着严实的衣物, 呆板, 肃立。波堤切利的《维纳斯的诞生》 (如图五) 一画中裸体的维纳斯像一颗珍珠从贝壳中站起, 升上了海面, 其优美的身姿飘逸的秀发充满着美感。宣扬禁欲主义限制了艺术家的艺术表现, 实际上使得中世纪的绘画发展繁荣举步维艰。

再例如同样是表现圣母子形象, 圣索菲亚教堂南门廊中有有一副表现圣母子的镶嵌画, (如图六) 位于君士坦丁和查士丁尼两帝之间, 人物具有高度紧张的精神特质和尊严感, 并被简化为平面的富有节奏感的图形, 主要用线条来加以表现。而拉斐尔的代表作品西斯庭教堂内的祭坛画《西斯庭圣母》 (如图七) 中的圣母形象已不再是高高在上, 遥不可及的“神”, 拉斐尔在这里创造了一个现实生活中普通的妇女, 具有崇高牺牲精神的母性形象, 崇尚人性是对古希腊古罗马重视人性的复兴, 对中世纪神权的反叛。西斯庭圣母所具有的文雅、温柔与美貌, 致使一位俄国画家赞美道:“拉斐尔画的圣母, 本身就是对人类的想象力的创造。”

四、总结

“黑暗的中世纪”是中世纪结束后很长时间内西方人对中世纪的看法。尽管古希腊、古罗马的文明一度在中世纪消亡, 并且从总体上看欧洲中世纪艺术的确是衰落了, 如今西方学术界已经不再将中世纪视为黑暗的时代。如果把艺术衰落的原因归结于基督教就太过于片面了, 其实被称为诺亚方舟的基督教既保存了古典文化, 又是现代西方文明之母。基督教是借助于幻想把自己的本质外化为上帝的思想意识的反映, 如恩格斯在《反杜林论》中指出:一切宗教都是“人间的力量采取了超人间的力量形式。”基督教会使政治上纷乱的欧洲有了一种无形的凝聚力, 逐渐形成了文化上的统一性, 并逐渐成为中世纪占统治地位的意识形态, 基督教是中世纪艺术的塑造者, 古希腊罗马时代的古典艺术在日耳曼人的征服摧残下, 基督教作为旧世界的唯一的文化遗产, 成为中世纪一切思想领域里占统治地位的意识形态, 融希伯来宗教精神与罗马理性精神为一体的基督教为中世纪艺术奠定了最重要的根基。

摘要：中世纪艺术上承古希腊古罗马艺术, 下迄文艺复兴时期的艺术, 在这两座艺术高峰之间, 剩下的似乎只有平庸和黑暗, 甚至被称作是“黑暗的中世纪”。本文则认为, 首先, 我们应当对中世纪艺术要有一个客观的认识:中世纪艺术总体上的确是衰落了, 但并不意味着只剩下“黑暗”;其次, 导致中世纪艺术衰落的原因不能片面地认为是基督教造成的, 基督教作为一神教只是恰好符合了当时的统治阶级巩固中央集权统治的需要, 他们利用艺术来宣传基督教, 其实真正的目的是为了束缚麻痹人民、巩固其统治。

关键词：中世纪艺术,衰落,基督教

参考文献

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[4]麦克斯.缪勒著, 金泽译.宗教的起源与发展[M].上海:上海人民出版社, 1986

[5]基佐 (法) .欧洲文明史[M].北京:商务印书馆, 1998

欧洲艺术 第9篇

一、光的运用

由于伦勃朗对戏剧很感兴趣经常利用如同舞台高光的亮色描绘在阴暗背景下的人物, 这种对比形式把光的运用发挥到了一个大的极限, 也是他在油画艺术中得到发展和具有高度成就的突出表现。伦勃朗在光的运用方面, 他把卡拉瓦乔式的明暗对比法进行研究;大大的发展了光的艺术, 形成了自己独特的画风, 因此, 后来很多艺术家称之为伦勃朗式的明暗画法, 即主要利用光线塑造形体, 表现空间和突出重点, 画面气韵生动, 层次丰富, 而富有戏剧性。在他的作品中《夜巡》《戴金魁的男子》《扬西克斯肖像》《自画像》无不体现着光的神奇, 整个光线自上而下, 好象聚光灯照着一样, 明灰暗调子, 非常清晰, 亮、暗、灰、表现得栩栩如生, 让观众感受后如身临奇境, 好像到了这个世界, 在这些画中, 人物面部的光线运用最精致, 尤其高光用白色加点少量的群青, 在光的映衬下显得格外的明亮。

二、色的运用

观伦勃朗的作品, 你会感受到一个最大的特点, 就是他喜欢善于运用棕色、红色、黄色和熟褐色, 这几种颜色是他作品中运用的主流, 看起是简单, 但不单一乏味, 在这些主流中, 他也运用了一些其它的颜色, 如群青、紫色, 所有这些颜色, 在画上看起来是大红、大黄的, 但纯而不火, 鲜而不艳, 非常如调。背景色彩, 他善于运用深棕色, 人物色彩选用亮色, 形成对比, 使画面更为生动, 人物面部, 他采用土红、土黄、柠檬黄和少量的白色, 在某些地方运用了少量的群青、孔雀兰和淡绿, 调合起来显得暗灰略带光量, 生动无比, 非常打眼, 给人以雅俗共赏。黄色在人们心目中代表华丽高贵的象征, 自古以来黄金最受人欢迎, 它是货币的贮藏手段, 不贬值, 是社会生活中最有价值的, 因此, 自古以来在人们心目中颇有地位, 在我国黄色是皇帝和皇宫中最喜欢的色彩, 黄色也就自然而然成了人们认为最高贵而富裕的色彩, 作为西方人他的皮肤并非黄色, 而在西方的很多画中亮部的色彩大多艺术家都偏爱运用黄色, 这些画家比比皆是, 如凡高、达维特、拉斐尔等等都是如此, 另外黄色在亮部中运用显魅力。水彩艺术在完美体现自身独特的艺术价值和形式魅力的过程中与时具进, 在创作中尽显水彩画的材质特征。在水彩画自身的艺术规律和语言特色中找到契合的最佳点, 使材质发生的特殊美感得到发挥, 最后实现艺术特征的审美升华, 形成精神意味, 在完美体现自身艺术价值的同时, 才能在画坛上独树一帜。

得更为神秘, 光亮, 与其它色彩相比更富有生命力, 这些亮色运用, 有一种和谐, 温心之感, 容易拉近作品与欣赏者的距离, 让人喜欢。在他的作品中, 由于背景的深冷色的运用和亮部暖亮的对比使画面具有很强的体积感、重量感、光感。整个画面的色彩给人以温暖、明亮, 但色彩明暗过渡得当确给人又有一种柔和之感, 看似简单的色彩, 确给人以巨大的视觉冲击力, 这就是伦勃朗运用色彩的高明之处。

三、形的运用

形在古典绘画的作品中尤为重要, 形是绘画中第一因素, 特别是在西方古代绘画中形一直是绘画作品中的主流, 特别是在油画这个绘画主流中, 无论是文艺复兴时期, 巴洛克时期洛可可时期, 古典主义, 新古典主义, 包括现在当代主义, 形一直控制着绘画作品中的首要角色, 在这些绘画画种中可以说没有准确的形体就不成其为作品, 而伦勃朗确把人物的造形表现得更为生动。伦勃朗是一个多才多艺的画家和艺术家, 他不但油画画得精巧而宏大, 具有很强的巴洛克风格, 而他的素描, 版画也具有同等的高度, 特别是素描, 在造型上他非常讲究, 人物的组合, 人物的形体比例、结构、衣服的造型、服装的造型与设计, 他都进行了研究, 他每一幅油画作品都要进行先用素描起稿, 画很多草图, 与达芬奇一样, 是一个画家, 也是一个学者, 更是一位善于研究和创新的艺术家。《夜巡》是伦勃朗比较杰出的油画作品, 在这个作品中, 人物众多, 主要是表现一个民警队在班宁柯克中尉的带领下, 紧急集合准备出发的瞬间, 描绘了该场面的紧张和仓促的状态。这个作品现藏于阿姆斯特丹国立美术馆, 尺寸为363437cm, 这幅油画主要是为阿姆斯特凡城射手连队画的一幅群像。射手们每人出一百弗罗仑 (荷币) , 各自认为自己理所当然地与别人占在同等的位置, 而画家伦勃朗确根据他自己的爱好兴趣和要求进行了生动的构图和加工, 对每个人就进行了精心的造形和安排, 按照这些人的要求和趣味, 把射手们安排在豪华的宴会或欢快的娱乐之中, 去表现每个人物多彩多姿的豪情风姿。使每个人都能看见, 安排得错落有致, 同时还使中心人物班宁柯克中尉及副手极为突出, 整个画面从构图上人物造型上都显得优美协调。

总之, 伦勃朗的绘画在十七世纪的荷兰乃至整个欧洲都是杰出的, 他在油画作品中对光的研究和创新, 对色形的理解, 以及对整个画面的构图无不体现出大师的风范, 他把卡拉瓦乔式的明暗表现法推到了另一个高度, 创造了属于他自己的画风, “明暗对比法”, 大大地提升了欧洲油画的品味, 特别是他的肖像《戴金魁的男子》《夜巡》在整个画面的色、光、形运用上非常闲熟, 非常完美, 成为整个荷兰和欧洲这个时代的典范之作, 也是以后很多艺术家崇拜临摹的对象。

参考文献

[1].《艺术发展史》天津人民美术出版社2004.10

[2].《外国美术鉴赏》上海人民美术出版社2009.11.1

[3].《西方美术史》中央广播电视大学出版社2005-09

浅析欧洲艺术歌曲的定义及历史概况 第10篇

关键词：艺术歌曲；定义；历史概况

中图分类号：J605文献标识码：A文章编号：2095-4115（2014）08-160-1

艺术歌曲起源于欧洲。作为一种特定的音乐体裁，艺术歌曲以其独特的品质与内涵，在人们的文化生活中占据了举足轻重的地位。艺术歌曲体现为艺术性、抒情性、文学性于一体的融合。

一、艺术歌曲的定义和特点

《新格鲁夫音乐与音乐家词典》对艺术歌曲的解释为：艺术歌曲不同于传统歌曲和复调风格的歌曲，是专业作曲家经过缜密的艺术构思写作而成的更适于独唱的歌曲，它包括19世纪德国的艺术歌曲lied和法国的艺术歌曲Melodie。《中国大百科全书·音乐舞蹈卷》记载：“18世纪末19世纪初，欧洲盛行一种抒情歌曲，通称艺术歌曲。其特点是歌词多半采用著名诗歌，侧重表现人的内心世界，曲调表现力强，表现手段及作曲技法比较复杂，伴奏占重要地位。”①《音乐百科词典》（缪天瑞主编）中指出艺术歌曲是“由作曲家为某种艺术表现的目的，根据文学家诗作而创作的歌曲，多为独唱歌曲，一般都有精心编配的钢琴伴奏，对演唱技术有较高的要求，常供音乐会演唱用”。其具有以下典型特征：（一）歌词多是具有较强的音乐性和文学性的诗歌。诗词结构短小、思想深邃、感情细腻、内涵深刻、诗意盎然，讲究内容与形式的统一。（二）艺术歌曲的旋律写作力求表达歌词的诗情画意，音乐与诗情融为一体，既是“音乐的诗”，又是“诗的音乐”。②（三）艺术歌曲通常使用钢琴伴奏，钢琴部分具有很重要的地位，它与声乐部分相融合，成为作品中不可缺少的有机组成部分。（四）通常是为指定声部而作。

二、艺术歌曲的历史概况

（一）艺术歌曲产生的历史背景

自从1815年拿破仑在滑铁卢战役彻底失败后，资产阶级革命的失败、封建的复辟、专制统治的黑暗、法国资产阶级大革命时期的理想和“自由、平等、博爱”等口号的销声匿迹，欧洲各国知识分子感到彷徨、苦闷，有的人开始动摇，有的人逃避现实。欧洲的浪漫主义文艺思潮就是在这样复杂而动荡的社会大背景下产生的。

（二）欧洲各国的艺术歌曲历史概况

Lied或Lieder是艺术歌曲在德奥的名称。18世纪末19世纪初，在德奥有许多从事歌曲写作的作曲家，而舒伯特是其中的佼佼者。舒伯特将“艺术歌曲的潜能充分挖掘，使它成为极富表现力的完美形式”③，从舒伯特开始，把艺术歌曲中的器乐提高到与声乐同等重要的地位，使音乐与诗歌之间达到均衡。舒伯特一生创作了600多首歌曲，于1814年创作了第一首艺术歌曲《纺车旁的格利卿》，这是他根据歌德诗词谱写的第一首艺术歌曲④。他选用的诗词内容广泛，其中有著名的堪称“舒伯特艺术歌曲完美典型”的叙事歌《魔王》，选用缪勒诗词创作的声乐套曲《美丽的磨坊女》《冬之旅》，质朴清新的《野玫瑰》，表达热爱大自然情怀的《致春天》《听，云雀》，赞美艺术和爱情的《致音乐》《爱的使者》，表达内心苦闷、凄凉孤独情景的《幻影》《海滨》等等。

在德奥艺术歌曲发展历程中，舒曼是另一位杰出的代表。舒曼有着深厚的文学修养，他的艺术歌曲简洁含蓄、意境深邃。舒曼的艺术歌曲旋律更像是诗句的吟诵，乐句结构不规则而多变化，通过音色细腻的变化来表述激情或衬托意境，钢琴伴奏的表现力非常丰富，与声乐部分共同创造出歌曲的诗的意境。

勃拉姆斯是继舒伯特、舒曼之后，把19世纪下半叶德奥艺术歌曲推向高峰的又一代表。勃拉姆斯的艺术歌曲质朴清新，更多采用舒伯特比较自由的分节歌形式进行创作。

在法国，艺术歌曲被称为Melodie，柏辽兹是“第一位把法国艺术歌曲称作Melodie的作曲家”，他选用爱尔兰诗人莫尔的诗歌创作了《9首爱尔兰曲调》，突破了传统分节歌的结构。他用法国诗人戈蒂叶的诗词创作了他最为优秀的艺术歌曲———声乐套曲《夏夜》共7首。此外，福莱、杜帕克均有优秀之作。

到19世纪末，印象派音乐创始人德彪西在艺术歌曲创作上独具特色，他的音乐使用近似吟诵的音调写成，节奏随着语气和语调而变化，音响柔和，钢琴伴奏起着写景和烘托情绪的作用。这都使他的音乐呈现出崭新的面貌。另外一位印象派代表人拉威尔的艺术歌曲的创作受到了德彪西的影响，但是他的音乐更主要是广泛吸收传统与当代、本国与异国的资源，形成冷静客观、精致优美的风格。

19世纪东欧和北欧一些国家的民族民主意识日益增强，这从客观上提供了民族主义音乐诞生和发展的土壤。因此，这些国家的艺术歌曲创作，也被打上了本民族音乐的烙印。

俄罗斯的艺术歌曲被称为浪漫曲（Romance）。继格林卡之后，达尔戈梅斯基创作了100多首声乐浪漫曲，“强力集团”的5位作曲家在浪漫曲这一体裁上均有建树。柴可夫斯基创作题材广泛，其中有声乐浪漫曲100余首，将俄罗斯的声乐浪漫曲创作推向了一个高峰。拉赫玛尼诺夫是20世纪的杰出代表，他总共创作了80多首浪漫曲。他的创作具有俄罗斯式的深沉忧郁，钢琴伴奏极具特色。

参考文献：

[1]汪毓和编著.中国近现代音乐史（近代部分）[M].北京：高等教育出版社，2005，6.

[2]李曙明主编.中国艺术歌曲论[M].上海：上海音乐出版社，2009，3.

[3]王大燕.艺术歌曲概论[M].上海：上海音乐出版社，2009，2.

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