歌曲的表现范文

歌曲的表现范文（精选8篇）

歌曲的表现 第1篇

关键词：歌曲,艺术表现手法,重要性

作为一名好的歌唱演员, 首先要有扎实过硬的基本功, 其次就是对作品的深刻理解、表现和一定的艺术修养。由于我们各自的成长环境、家庭影响、思想认识、受教育程度以及生活经历、艺术实践经验和个体之间综合素质的不同, 就造成人生观、世界观、价值观、审美观的不尽相同。因此, 在演绎同一作品时, 因表演者的不同对作品的理解、处理和表达方式也就随之变化, 就产生了不同的艺术效果。

一、分析作品的主题和歌曲的内部结构

在我们拿到一个新作品的时候, 首先要对歌曲的创作背景、创作动机做深刻的了解, 清楚歌词所要表达的内容、情感和主题。明确主题后, 通过歌曲的旋律结构进行分析, 分析歌曲的结构是属于哪一类型的, 明确歌曲的曲调曲风、节奏等, 深刻体会歌曲的内涵。如歌曲《走进春天》, 歌曲旋律优美、舒展, 形象地表达了社会主义下对美好春天的赞美和向往。该曲开始亲切、形象的唱词以及优美的旋律, 描绘了美好春天的各种景象。接着曲调热情高亢, 使情绪推向高潮。以音调跳跃和音的级进使音乐充满了激情。演唱时以描述形象的声音开始, 进入高潮时用高亢、满怀激情的声音进一步升华情感, 进而体现对社会主义下美好春天的赞美和迫切向往。因此看来, 对作品主题和歌曲的内部结构分析是处理好歌曲作品的第一步, 也是歌曲进行艺术表现关键的一步。

二、节奏的重要性

都说节奏是音乐的灵魂, 节奏既要求准确、稳定, 更需要有旋律性。这就是我们所说的强弱之分。有些人在唱歌时, 每一个音符唱的都是非常的认真、准确无误, 让听众听起来很费力、不优美、很生硬、不流畅, 一点也不感人, 他们演唱的效果是每拍都一样重、音音皆强、声声响亮, 甚至有些歌曲听起来很刺耳, 歌唱者不认真看谱面的标记, 自由发挥, 随心所欲, 唱下来既累又达不到感动人的效果。此时, 一定是没有准确掌握了节奏的要领。

歌唱时节奏的强弱拍的对比非常重要, 更重要的还有后半拍起音的唱法。我们常常会碰到此种情况, 有的歌曲甚至从弱拍的后半拍起音。一般来说, 从正拍起音的乐句通常是叙述的情绪就像在给观众将故事。而从后半拍起音的乐句则通常表现表现感怀、赞叹和询问、思考的意境。那么就需要表演者以非常轻柔, 富有流动感, 呈不稳定性的状态进入。当这个起音很轻柔地流向正拍时再把声音和情感全部投入, 其实就是形成了渐弱与渐强的对比。细心比较后会发现差别明显, 要求演唱者用心表达, 效果迥然, 结果就是观众听起来有和谐、动听、流畅、舒展的感觉。

三、歌唱语言的准确性

歌唱时语言的准确程度, 是衡量一首歌曲表现完美的标准之一。只有优质的声音条件和扎实的演唱功底, 而没有准确的语言, 就无法准确的传递思想感情是不能打动听众的。因此, 我们在学习声乐演唱的同时, 一定要学习语言学, 掌握正确的发音、咬字、吐字的方法。关于歌唱与语言的关系, 从来都不缺乏精辟的见解, 我们要多查阅相关知识。一首作品在演唱过程中如果咬字、吐字不清楚, 会给表演带来遗憾, 失去艺术的感染力。

如民歌《茉莉花》, 这里我们对河北和江苏的《茉莉花》进行比较, 河北的《茉莉花》因歌词的变化而融入较多的叙事、说唱特征, 加上音调进行中的“棱角”, 使它表现出了一种北方乐风。而江苏的《茉莉花》具有浓重的抒情风格, 在某中程度上可以表现江南水乡的乐风, 就语言而言, 由于在地理位置和文化上的不同, 所以在吐字和用声上就存在着差异, 唱河北的《茉莉花》需要在发声的行腔和语言上都较饱满, 声音则较强一点, 行腔委婉而稍带粗犷。而江苏的《茉莉花》在发声的行腔和语言上则要求更细腻和婉转, 声音更轻柔一些, 这正是地域之间所产生的各自不同的艺术语言风格。

四、有感情的换气

换气是歌唱十分重要的环节, 换气是表达感情的需要, 在日常生活中, 就连我们说话都会因为情绪的不同、气息状态不同、换气也不同, 如我们情绪兴奋时, 气息很有弹性, 换气急促、强烈;忧伤时, 气息平缓, 换气就深沉、缓慢。虽然换气的动作要求是相同的, 如果精神状态和情绪不同, 效果随之改变。

选择恰当的换气点也非常重要, 一般来说, 停顿的地方就可以换气。换气是语言表现的手段之一。换气即要在较短的时间内吸入足够下段乐句所需要的气息, 又不能让听众发现和听见换气的动作和声音, 还要保持语言的自然、连贯。所以说换气运用得当取得成功的保证, 在书面语言有标点符号的地方可以换气, 但由于歌唱语言不仅受语言完整性和流畅性的制约, 同时还要兼顾旋律和节拍的约束, 有时还要为了保证语意和旋律的线条做到断声不断气, 这就需要掌握“偷气”的技巧。“偷气”是指在没有停顿时间的情况下进行的一种换气技巧。

在声乐学习中, 如果能熟练的掌握各种艺术表现手法, 那么我们的学习就会变得很轻松, 它是声乐基础知识和技能训练的综合艺术体现。在演唱和学习中, 如果缺少了歌曲的艺术表现, 就不能全面培养歌唱者对歌曲艺术理解的深度和广度, 也就无法完美演绎作品。困此, 我们要充分发挥自己的内心情感世界和想象空间, 创造性地发挥演唱技巧, 运用高度的演唱技巧和艺术表现手法将作品真实、完美、感人地表现出来, 准确朔造艺术形象。只有这样, 才能感动自己、感染观众, 引起与观众情感上的共鸣, 获得理想圆满的演唱效果!■

参考文献

[1]沈湘.沈湘声乐教学艺术.上海音乐出版社, 1985.

[2]金铁林.民族声乐的学习与训练.黄河音像出版社, 1989.

歌曲的表现 第2篇

一 、 简介《飞出苦难的牢笼》

《飞出苦难的牢笼》是选自歌剧《草原之歌》中的第六曲，歌曲结构较自由。大致分为两个部分，第一部分旋律优美舒展，第二部分由于结构的变化为3/8拍，使音乐较为活泼，加之速度逐渐加快，音乐趋于激动。其中内容为：头人赶走了侬错加的情人阿布扎，侬错加被关了起来，在狱中思念情人阿布扎的一首抒情歌曲，也是这部歌剧中的重要唱段之一，一直流传到现在，人们久唱不衰。

二 、对作品的把握

每一首优秀歌曲，都有其诞生的历史背景和词曲作者对生活的不同理解以及所倾注的理想追求或精神寄托。这首歌曲《飞出苦难的牢笼》是歌剧《草原之歌》的第六幕曲，在歌剧中的第六幕是这样的一个故事情节：女主人公侬错加身陷牢房，痛苦不堪，但她满心牵挂的只有她的心上人阿布扎，不知道他现在身在何处，情况怎么样？很希望有人来给她带个消息，告诉她关于阿布扎的信息。歌曲表现了侬错加对阿布扎的无限思念之情。歌曲的歌词在第一部分带有哀怨与期盼的感觉，作者以“金雀”和“银雀”来比喻主人翁阿布扎和侬错加，金雀和银雀要永远相随，相亲相爱。把“身陷牢笼”比作是忽然来的一场暴风雨，把相亲相爱的两只雀，打得一只东来一只西，身陷牢笼的侬错加对在外的阿布扎十分思念，可是阿布扎却无音信，这样让侬错加倍感哀怨；歌词在第二部分作者却以欢快的词语来表达侬错加的内心变化，让她对阿布扎充满了信心。

这首歌曲《飞出苦难的牢笼》是一首抒情歌曲，也是这部歌剧中的重要唱段之一。一直流传到现在，人们久唱不衰。第歌曲表现了身陷牢笼的侬错加对阿布扎的无限思念之情以及对自由的渴望。结尾三句“飞出这苦难的牢笼”要有递进的感觉，音量渐强，声音要有力度。这首歌曲音域较宽，随着故事情节的变化以及人物内心的独白，在音色上也有明显的对比和变化。声音要求忽而深情低沉，忽而焦急不安，忽而亲切充满幻想，忽而迎着暴风雨而满怀仇恨冲出牢笼的激情。在速度、音色、情节与感情上都有不同程度的变化。

三 、 体验歌曲旋律的情感

（一）对歌谱的全面认识

演唱者对歌谱中的每一个组成部分，都应该有所认识、有所设想、有所创造，这样才能逐渐在艺术表现上达到完美的境界。音乐是表演艺术，一个演唱者需要有分析、理解作品内容和体验作品感情的能力，并且会用歌声去表达作品的内容和思想感情，这是一个演唱者应当具备的表现能力。

（二）对歌曲的处理

1、演唱及情绪控制

要善于运用歌唱的技能、技巧，把所理解的内容、感受的情感用歌声表现出来的表达能力。在表现歌曲《飞出苦难的牢笼》的时候，一定要把握住人物内心的刻画，在演唱的一部分的时候，声音主要保持在中低声区，织就要求我们有良好的胸腔共鸣，要沉得住气，中低声区的演唱气息要稳定。第二部分节拍改变为3/8拍，这样能使音乐较为活泼，在第二部分的时候人物内心的刻画显然出现了极大的转变，第二部分侬错加的内心是充满希望的，是富有想像力的，对未来有着无限的憧憬的。第一部分与第二部分之间的间奏起了很好的过渡作用，情绪上的转换，与音区上的提高，间奏为演唱者提前做好了准备。第二部分的演唱，声音主要保持在高声区，这就要求了头腔共鸣，不仅要有稳定的气息，还要有音高位子。在演唱这部分的时候，面部表情应该是略带微笑的，身体趋于舒展。但是在结尾三句“飞出这苦难的牢笼”的时候要有递进的感觉，音量逐渐增强，声音要有力度，这样才能体现出侬错加的坚定决心与不朽的信念。因此，演唱者要感受体验歌曲的情感，领悟其内涵，用歌唱得技能技巧把它表现出来，这是使歌唱富有艺术表现力的非常重要的一个方面。

2、对前奏的处理

前奏是一首歌曲的触觉，它的出现拉开了歌曲的序幕，由它牵着歌唱部分的到来，于是情绪由此生，歌声源源来。歌曲《飞出苦难的牢笼》的前奏是意境性前奏，带有一丝悠远深邃的感觉，给人以心灵上的宁静，还略带一丝遐想。

3、高潮的处理

高潮，一般是歌曲中最高的主旋律音，從情绪发展来看，高潮的形成是思想感情最饱满、紧张度最强的时刻。所以演唱者在演唱过程中，高潮的发展要合理、自然，不能在高潮到来时才去加工渲染，而是要利用高潮前后关系中的对比作用来烘托它。歌曲中的高潮、低潮对比所产生的作用，就好像大海中波涛起伏所产生的波峰一样，有着活泼的动感力，对歌曲起着不断的推进作用。

四 、演唱的处理

（一）声乐艺术

声乐艺术是音乐与文学语言相结合的艺术，和文学语言的关系十分密切。由于文学语言的帮助，声乐具有思想的细腻性和感情的确定性的特点，这是其它艺术所不及的。“言为心声”，语言本身就具有传达和表现思想感情的功能，可以直接倾诉内心所体验到的每一种情感。声乐艺术的特点在于通过美好的声音，清晰的语言来表达真实的情感。有了对歌曲的真情实感后，就应该对歌曲处理有一个全面的总体设想，这里包括整个歌曲的速度、力度、音量、音色、伴奏等等问题。在歌唱中特别要把握好艺术的对比性，如一首歌的叙述性与歌唱性的区别，一首歌曲的强弱轻重变化，其中最关键的是要找到歌曲的高点（高潮处）和低点。一般来说要突出高点，一定要把低点放低，一定要有铺垫的过程，否则，一个劲儿的强或者一个劲儿的弱是达不到艺术效果的。

（二）演唱的处理

1、语言的处理

中国歌曲要求咬字吐字的清晰，中国汉字的声母韵母的发音，平翘舌的准确，前鼻音及后鼻音的准确，都关系到在演唱歌曲时的咬字吐字的清晰情况。歌曲《飞出苦难的牢笼》中鼻音及平舌比较多，所以演唱者在演唱的时候需要注意。

2、节奏、速度、力度的处理

歌曲《飞出苦难的牢笼》的结构较复杂，节拍变化较多，第一部分旋律优美舒展，节拍以2/4、4/4、3/4交替进行；第二部分由于节拍改为3/8拍，使音乐较为活跃，加之速度逐渐加快，音乐变得更加激动，给人以清新的感觉，其中要注意连音与休止符的运用，以及高潮部分速度的渐强。

3、情绪的处理

第一部分旋律舒展优美，情绪趋于平缓，第二部分，音乐较为活泼，加之速度的逐渐加快，情绪趋于激动，在结尾处是情绪的高涨阶段。

4、音色的处理

浅谈歌曲的处理和表现 第3篇

唱好一首歌, 首先要了解作品, 否则, 要想准确地将它的内容风格表达出来是根本不可能的, 所以在拿到一首歌时, 一定要做好准备工作。

1. 要熟读歌词

我刚学唱歌时吐字很不准确, 特别是平舌 (z, c, s) 和翘舌 (zh, c h, s h) 差别十分明显, 像把《黄水谣》中水 (s hui) 唱成 (s ui) , 山 (shan) 唱成 (san) , 闹了许多笑话。歌词发音不准确, 对作品理解也有妨碍, 势必影响听众对所演唱歌曲理解, 感染力定会逊色不少, 所以一定要把歌词读熟读准, 以免影响歌曲的表现。

2. 唱熟曲调, 唱准音高、节拍并注意乐感

熟悉歌谱和正确把握音准节奏, 是对作品从音乐上分析研究的基础。有些歌曲因为内容表现需要, 节拍就比较复杂;有的由3/4, 2/4, 6/4等各种节拍组织在一起;有的由6/8, 7/8, 9/8, 3/8等节拍组成。如歌曲《秋帕米尔, 我的家乡多么美》, 这首歌曲比较复杂, 难以掌握, 它就需要我们反反复复地唱熟、唱准。另外, 有许多歌曲中还有转调和一些临时升降音, 如不下一番工夫是很难唱准音高的, 并且会影响歌曲完美表现。

3. 注意安排好气口

大多数旋律乐句与歌词句子基本一致, 而一些复杂歌曲, 特别是一些外国歌剧中选曲, 有时旋律与句子气口会产生一些不一致现象, 经常会碰到换气口在旋律的一个节拍中间, 产生破句或来不及现象, 使演唱起来有些困难。

二、掌握好歌曲的节奏

节奏是音乐支柱、乐感标志。掌握歌曲节奏时, 既要做到准确稳定, 更需富有动感, 充满活力。比如, 二拍子节奏是强、弱;三拍子是强、弱、弱;四拍子则是强、弱、次强、弱, 这些看似简单节拍特点, 在歌曲演唱实践中却不容易做到, 甚至常常被演唱者所忽视, 致使歌曲演唱缺少基本律动感。唱快曲子内心一定要有稳定的节拍感, 要做到快而不乱, 而唱慢曲子则应要强调流动感, 要做到慢而不滞, 否则沉重呆板, 就会失去丰富表现力。

三、注意歌曲的调式、调性及曲式结构

曲作者对调式、调性的运用直接影响歌曲基本情绪。一般来说, 大调式的歌曲, 常表现雄壮明朗或喜悦自信的情绪, 而小调歌曲常表现柔和忧伤或暗淡、哀痛的情绪, 如《摇篮曲》等。

四、抓住歌曲的时代特征、思想与风格

一首歌曲也能反映出一个时期的社会变革、政治面貌和社会风尚等, 演唱者应该透过歌词的内在含义去挖掘主题思想, 比如, 《我悲伤啊, 我痛苦》这首歌, 歌中表达女主人公安东尼的悲伤、痛苦、对社会黑暗的血泪控诉。如果歌者在拿到新歌时, 不去了解歌曲时代背景及所表达的思想内容, 那么歌者在演唱时就不会很好地表现这首歌。

歌曲的表现 第4篇

【关键词】流行演唱；英文歌曲；情感运用；气息结合

流行唱法在声乐艺术中是一种特殊形式的演唱形式，作为一门综合性的演唱艺术，它不但涉及的是音乐语言，它还与文学语言、身体语言和人的心理素质都密切相关。要把演唱学好，一定要是歌唱发声正确而且优美、动听、就必须使这一过程在唱歌发声时处于一种协调、平衡、自然、灵活的运动状态，而这种状态的建立，又取决于人的大脑中枢神经系统对这些发声器官的控制与协调。所以，练习发声的过程是和人的心理因素有很大的关系。流行唱法中演唱英文歌曲的学习也是非常重要和具有代表性的，一定要先掌握演唱中的重要要领与方法，才能更加快速的去学习怎么样唱好英文歌曲。因此，广大声乐爱好者加强自己的文化修养，培养良好的歌唱心理素质，采取积极、正确的心理状态来进行通俗演唱的学习、演唱和考试，是能否把歌唱好、能否把声乐学好的重要因素。任何技能的获取都离不开长期科学的训练，凡是技能的掌握都有一个从陌生到熟悉、从熟悉到熟练的过程，最后才形成一种演唱的习惯，进而在实践中下意识的把这些技能发挥出来，使之转化成能力，而无需在分神注意它。歌唱技能的训练过程，开始时总难免抓不住情感的运用与音色的释放。但是，如果经过一段时间严格的科学的训练之后成果就会大大的增加，而且唱起来也会非常潇洒自如，声情并茂。当掌握了一定的歌唱技能时候，仍然要坚持不间断地练习以提高和巩固，否则学到手的歌唱技能也将因停止练习而生疏，发挥失常。所谓“曲不离口”就是这个道理，我们要仔细的去练就怎样去练习演唱英文歌曲。所以，本文通过流行演唱歌曲中非常优美又动听的英文歌曲中进行研究它是如何进行演唱与表现的。

流行音乐在当时时代是一种非常流行的音乐形式，所以，要演唱好通俗演唱也是非常重要的，所以我们在理解通俗音乐的时候也是要包括它自己独特的音乐形式，最重要的还是抓住它的音乐要领。演唱的过程中灵活的运用演唱技巧，情感的运用。它具有的演唱技巧与其他唱法是非常不同的，无论是在气息上还是在声音的位置上，我们都要依据他的科学方法来去诠释流行音乐的演唱意义。在声乐角度上来说，通俗是其中的一种演唱风格，这是一门与气息有着密切关系的综合性一壶水。所以，无论是什么唱法通俗唱法也是一样，气息是非常重要的，而且在不同种类的唱法对于气息的要求也是不一样的，在基础的要求上也是有着不同的问题出现。正确的呼吸方法可以帮助演唱者演唱更加难度的歌曲都不是非常的困难的。平时说话的气息与唱的吸气是不同的，即使是歌唱气息的运用也因为演唱风格的不同而气息运用的技术也各异。在西洋的美声唱法中对于气息的要求是要控制住，保持均匀和流畅的状态。尽管这不是美声唱法独家的演唱方法，但是许多的歌手能够在很短的时间内唱好歌曲，在唱法的使用特性的气息的运用不是没有关系的。而且一些通俗教师也是经常会运用一些方法来让学生们体会演唱时的吸气的位置，采用正确的方法来找到气息的感觉是正确和值得采用的。这种方法仍然是可以很快的让学者们体会到气息的所在，于此同时也一定要使气息灵活起来，不能僵硬的不流动，这样的话也就不能演唱出正确与动听的声音了。

欧美唱法之源在美国黑人中流行的一种蓝调（Blues）迄今已有二百年的历史，发展到今天，有了众多的音乐形式：流行、爵士、摇滚或它们的混合体，从唱法上而言，它们的发声基础始终是统一的——中音区像“说话”、低音区像“叹气”、高音区像“远处喊人”。尽管到了电声高度发展并应用于流行歌坛的今天，始终保持着它这种唱法特色不受风格变化的影响。六十年代开始，美国歌坛开始向技巧化发展，具体反映在音域的扩大，力度对比的加大和花腔化等几个方面，其中最杰出的代表要数：爵士女歌星黛娜·肖，她在唱法和技巧上在那时已毫不逊色于当今的惠特尼·休斯顿、玛丽亚·凯瑞。七十年代的黑人男歌星皮波·布莱森在唱法上和技巧上也早已达到了完美的境界。可能技巧化在当时还没有受到专业界应有的重视，听众的要求也未达到八、九十年代的水平，皮波·布莱森直到九十年代才获得奥斯卡奖的殊荣。他的唱法和英国歌星爱尔顿·约翰有许多相似之处，所不同的是后者没有前者那样的高音。

欧美音乐的歌曲在世界上是非常受欢迎的，但是在演唱的时候也是非常有难度的，不但要求是语言的标准程度，还要要求演唱者有很高的演唱实力与情感的抒发。可见，学习演唱英语歌曲是分为好几个学习的过程的。欧美唱法中具有着不同的题材和体裁，并且不同歌手的演唱也是根据不同的风格进行改编。

以上讲诉的就是中国与欧美国家流行唱法的一些演唱技巧和风格的表现，作为一名歌者我们不但要演唱好每一首歌曲，而且要做到的还有领会歌曲中的意思，用自己最真实的情感来表现和抒发其中的情感。无论是哪一种流派的歌曲最终要求的还是我们用最真的情感去完成每一首作品。演唱好英文歌曲最重要的两点就是演唱出标准的语言和抒发出内心的情感，虽然我们没有欧洲人粗矿的声音条件，但是在音乐中要表现出的就是能够打动每一位听总，这样我们的演唱就是没有白费，音乐存在每一位人们的心中，更要勇敢的去表现勇敢的去表达。既使情感是不容易抓住的，但是它就在我们的身边，而且是我们人生中最重要的部分之一。

参考文献：

[1]余笃刚.《声乐语言艺术》.湖南大学出版社，1987年6月

论歌曲创作的艺术表现力 第5篇

在歌曲创作实践中, 我们能够常常体会到, 在人声有限的音域范围内, 若仅仅使用民族调式、西洋大小调式等自然音体系的调式音阶进行旋律写作, 那么除了调性对音域的影响以及调式对旋律色彩性和情感表达的不同需要以外, 努力寻找独特的旋

[15]《教师成为研究者》郑慧琦胡兴宏主编上海教育出版社2005年6月第2版

[16]《音乐教育的理论与实践》刘沛著上海音乐出版社2004年9月第1版

[17]《音乐教学法》廖乃雄著中央音乐学院出版社2005年7月第1版

[18]《音乐教育的哲学》 (美) 法, 似乎成为体现每一首歌曲独特的韵味以及自身不同于别人的创作风格与特点的方法。

然而那些优秀的歌曲, 除了歌词带给人们美好情感的体验和表达之外, 那优美的旋律是如何构成的?是什么因素使歌曲让人久久不能忘怀?让我们从旋律构成的几个方面进行分析, 以期能够管中窥豹的了解成为优秀歌曲的几个要素。

一、民族音乐语言始终是歌曲创作取之不尽的源泉

民歌、民间戏曲、说唱音乐等是我国具有民族区域音乐特点并为千百年来人们口传心授而保存至今的文化

贝内特雷默著熊蕾译人民音乐出版社2003年5月第1版

[19]《新版音乐教学论》吴跃跃主编湖南文艺出版社2005年8月第1版

[20]《文明的碎片》余秋雨著春风文艺出版社1994年版

[21]《音乐课程标准》中华人民共和国教育部制定北京师范大学出版社2001年7月第1版

遗产, 由于其来源于特有地方语言而形成独特的旋法和调式感, 无不成为最完美的地域音乐陈述样本, 并成为歌曲创作学习者的重要素材。而且由于民间音乐旋律风格与地域语言的紧密结合, 因此成为老百姓最喜闻乐见的音乐形式。在这些民间音乐中, 除了使用民族调式音阶结构而成的各具地方调式旋法色彩的旋律形式之外, 使用独特的苦音 (降7) 音阶的陕西民歌《绣金匾》, 具有特殊色彩音 (降3) 的苗族《飞歌》以及湖南花鼓戏唱腔中的特色音 (升5) 等, 成为歌曲创作者体现民族地域特征的独特素材。在歌曲创作中, 因使用地域音乐

[22]《中国音乐教育》2006年第2期的《音乐教学中的几个不等于》一文, 作者张志琴

[23]《中小学音乐教育》2006年第2期中的《对音乐教学中“拓展热”的冷思考》一文, 作者董平马园园

(湖南生物机电职业技术学院体艺部音乐学硕士、讲师)

语言而被人们记忆犹新的歌曲比比皆是, 如雷振邦先生使用新疆民族音乐语言创作的电影《冰山上的来客》主题曲《花儿为什么这样红》, 赵季平先生使用了山西民歌素材创作的《乔家大院》片尾曲《远情》以及著名音乐人胡力使用京剧音乐素材创作的通俗歌曲《新贵妃醉酒》等。因此, 在歌曲创作中, 学习民间音乐语言中独特的旋法结构, 特别是分析并汲取民间音乐中最精华的调式旋法特征作为歌曲旋律的主题动机, 而不是照搬完整的民间音乐素材, 无疑会使歌曲更具有独特的民族神韵。、

二、纵向的和声感是歌曲横向旋律创作的基石。

中国民族音乐在千百年的流传过程中, 表现出了不同于欧洲大小调体系的以横向线条发展为主线的音乐陈述思维, 因此, 对横向旋律的旋法装饰及音色音区的处理成为在世界民族音乐之林独树一帜的民族音乐展开方式。从20世纪30年代欧洲作曲技法引入中国以来, 民族音乐的创作就一直在努力进行着使用民族音乐语言, 结合欧洲大小调和声体系, 探索新的中西音乐文化结合的创作道路, 歌曲创作也是如此。作曲家们不仅在曲式结构上率先使用了欧洲各种传统音乐体裁, 而且在旋律创作上在保持民族横向旋律发展的传统基础上, 结合欧洲和声调式体系, 进行纵向和声与横向旋律的结合。

在欧洲传统大小调体系的旋律创作中, 作曲家们以和声为主导进行旋律创作, 在乐句陈述时以大小调式主、属和弦的和声序进来明确调性, 使用半终止、全终止等和声的倾向性来结构音乐段落, 使用各种离调和弦以及调式调性的对比来完成音乐情绪的转换和段落的对比, 在音乐的结构方式上, 以乐段、单二部曲式、单三部曲式为主要结构方式, 创作了许多经典的艺术歌曲, 如贝多芬的《我爱你》、门德尔松《乘着歌声的翅膀》、以及舒伯特歌曲集《美丽的磨坊女》等艺术歌曲, 成为歌曲创作形式的典范。

同时, 民族乐派作曲家们也积极探索本民族音乐语言与欧洲传统作曲技法与结构方式的结合, 如俄罗斯作曲家格林卡《云雀》、挪威作曲家格里格《梦》、匈牙利作曲家李斯特《莱茵美丽的河流》等为欧洲作曲技法应用于本民族音乐语言歌曲创作进行了有益的探索。

随着20世纪20年代“学堂乐歌”的兴起, 我国民族化音乐创作也步入了以民族音乐语言与欧洲传统作曲技法相结合的歌曲写作方式的探索阶段。如赵元任《叫我如何不想她》、黄自《思乡》、《春思曲》、《玫瑰三愿》等作品为我国的歌曲创作开辟了一条新的道路, 并为现、当代作曲家们的歌曲创作提供了有益的探索。

民族音乐素材与欧洲作曲技法相结合最典型的例子莫过于陈其钢作曲的2 0 0 8年北京奥运会开幕式主题歌《我和你》, 作为享誉欧洲的作曲家, 他在创作时使用了民族五声调式音阶, 在曲式结构上为带再现的单二部曲式, 在旋律的创作上, 按照欧洲大小调体系的主、属和弦陈述, 下属和弦对比的方式从和弦音中选择旋律音, 简洁而符合中西方各民族审美情趣的写作方法博得了一致好评。

此外, 使用欧洲传统大小调式和声体系为主导, 可以改变单纯使用自然调式音级创作而无法在旋律中出新的狭隘创作思维, 如在创作中纵向考虑附属和弦的使用, 并使附属和弦中的变化音应用于旋律声部, 那么旋律的表现力就会得到不同于其他任何歌曲的独特效果。如日本作曲家久石让所作《天空之城》主题曲, 在第一乐段末尾使用重属和弦并把变化音#F置于旋律声部, 使旋律更具有独特性。

同时, 使用欧洲调式体系与民族调式体系的结合, 可以有效的进行段落之间的调式、调性对比, 使音乐的情绪具有更大的戏剧性。如徐沛东《大地飞歌》, 巧妙的使用了欧洲调式体系中同主音大小调交替与苗族“飞歌”的特性色彩音的结合, 使运用民族调式进行歌曲创作具有更加别具一格的效果。对于近关系转调的巧妙运用, 三宝创作的《暗香》, 段落之间a小调与d小调的对比使音乐更加跌宕起伏。

三、动机的特性及旋法的逻辑性是歌曲易于传唱的保证

按照歌词特点, 创作在音程和节奏上具有特性的动机是歌曲成功的要素。一个好的动机应该是曲作者精心设计的, 它应该包含一个具有特点的跳进音程, 并且能够在旋律的进行中不断进行复奏、变化复奏以及动机的发展以表现音乐情感的变化, 这样才能使旋律具有个性特点, 又容易记忆。美国电影《爱情的故事》同名主题曲, 动机由六度大跳构机, 乐句以此动机的模进进行展开并保持到乐段结尾, 大跳动机对情感表达所带来的冲击性以及连续模进对情感的推进, 使思念情感的表达无以复加。罗大佑创作的《搭错车》主题曲《是否》也是这样使用了六度音程大跳模进手法构成歌曲的第一乐段, 并继续使用此动机发展扩大构成对比段, 动机的反复吟诵使人们的印象更加深刻。

此外, 节奏对于歌曲创作也具有举足轻重的作用, 使用具有典型意义的地域民族风格舞蹈节奏, 可以使歌曲具有强烈的民族风格, 如施光南创作的《打起手鼓唱起歌》使用了新疆维吾尔族舞蹈节奏, 描绘了一幅浓郁的新疆特色的美好画卷。

总之, 通过以上分析可以看到, 运用民族音乐语言, 结合欧洲传统大小调体系, 使用具有特性的动机和逻辑性的旋法以及典型的节奏形态进行歌曲创作, 是成为一首优秀歌曲不可或缺的要素。

摘要：在歌曲创作实践中, 在人声有限的音域范围内, 如何使用各种音乐表现手段使歌曲具有优美的旋律和独特的旋法特点, 成为歌曲创作者体现所创作歌曲独特的韵味以及自身不同于别人的创作风格与特点的方法, 使用民族音乐语言, 以纵向的和声感为导向, 汲取欧洲大小调和声调式体系的作曲技巧, 并以歌曲横向旋律创作动机的特性及旋法的逻辑性为主线结构音乐成为使歌曲具有艺术表现力的重要手段。

关键词：歌曲创作,民族音乐语言动机,欧洲和声调式体系

参考文献

[1]龚耀.歌曲作法.中央民族大学出版社.2005.02

浅析歌曲《孟姜女》的艺术表现形式 第6篇

1.作品的创作特点

王志信创作的作品选题独特, 风格立意。歌曲也能充分发挥民族唱法的演唱技巧, 如《孟姜女》整首曲调流利、柔丽、激情深切、默示细腻、结构严谨, 整个乐段运用典型的启承转合式的方整性乐段。作曲者在原有的民歌中加入现代的人思维方式与想法, 使原有的音乐更让人震撼, 无论从创作手法和立意上都打破民间民歌的四句歌谣曲体结构式, 极其丰富地表现主人公的内心世界。对原作品重新编排与剪裁, 从而成为四个段落。第一段是原民歌曲调, 曲调流畅、真挚, 讲述了孟姜女夫妻离别情景。第二段从“夏夜里”开始讲述着孟姜女对丈夫日夜思念的情怀, 随着音乐的递增情感的高涨, 曲调也显得凄婉幽怨。第三段由G调转为F调叙述了孟姜女思念丈夫而为丈夫缝制御寒衣的情景, 深情切意地娓娓道来, 语气缠绵却不少凄凉感。而曲调中的小停顿好似喉头哽了一下, 将对丈夫的思念之情表现得淋漓尽致。随着急促的伴奏, 结合戏曲的“紧拉慢唱”手法“大雪纷飞”进入了被转成降B调的第四段, 独特的一字多音增添了紧张, 悲痛之情。最后一句反复吟唱“哭倒长城八百里, 只见白骨漫青山”。节奏由一字一顿到逐渐紧凑再到充分地铺开, 孟姜女极端受挫, 失去丈夫的哀思之情, 激情推向最高而扼腕谢幕, 将孟姜女的怨妇情结全曲高扬, 令人深感其血泪之悲之怨, 其情其理无不使然。

2.作品的风格

王志信作品有浓郁的中国“民歌味”, 但其中又不缺乏艺术歌曲的特点, 地方特色浓厚, 有强烈的民族性, 较好地体现原汁原味, 表现历史文化特色。

3.作品的民族性

王志信在民族声乐作品的创作中, 大量地选用具有普遍影响的民族音调、曲艺素材、地方风格音调作为创作主题, 通过节拍、节奏形态的变化, 并借鉴吸收西洋创作技法塑造音乐, 其作品具有浓郁的中国民族风格, 在民族声乐中产生广泛的影响。

二、作品的艺术表现

声乐艺术表现是声乐艺术的灵魂和生命, 它的实现一定要靠所有演唱者对作品的正确理解, 默契配合, 并带有自己特色的解释和处理, 使其音响化和形象化。它的效果应使观众注意力集中, 入境、感动、情绪上共鸣, 使观众欣赏声乐艺术的同时, 受到艺术感染, 得到美的享受。艺术表现是声乐艺术的灵魂和生命, 它由词曲作者赋予。

1.春

歌曲《孟姜女》全曲分为四个段落。第一段基本上是原民歌调, 讲述了孟姜女夫妻分离情景。正是新春, 本该是全家团圆的好日子, 可“孟姜女丈夫去造长城”, 其曲调稍慢, 情感委婉, 极其哀怨, 羡慕人家夫妻团圆聚, 自己却独守空房, 心中不由暗含心酸。李耀伦先生所译的《外国音乐参考资料》曾载有日本著名指挥家小泽征尔先生的一段话:“总谱上标志是忧伤, 是几分忧伤?哪几分忧伤呢?内在的, 暗淡的, 或者仅仅是愁眉不展的作曲家没有说明, 我只有自己去作判断。”有造诣的艺术家总是以认真研读作品, 仔细琢磨, 反复推敲作者原始情感为出发点, 从而实现对作品的认知和提高、再现, 表现所要表现的人物形象、内心世界及情节所在。

2.夏

歌曲《孟姜女》第二个段落是原民歌的加工与发展, 诉说着孟姜女愿与丈夫相会而渺茫无助的悲怨之情。“孟姜女望长城, 泪眼雾蒙蒙, 我与杞良哥何日能重逢”, 其曲调流动渐慢, 唱词凄凉哀诉悲伤, 一种无助思念的情感油然而生。歌唱者在演唱这段的时在处理上面要比上一段更有流动感, 这样才能有耳目一新的感觉。

3.秋

第三段“九月里来九重阳菊花煮酒空相望”曲调有所转变, 经过间奏由大调 (G徵调) 转为同主音小调 (F羽调) , 使音乐变得更悠远, 再加上歌词有种无比的凄凉感。“我给亲人做衣裳, 线是相思, 针是情”。叙述了孟姜女为丈夫缝制御寒冬衣的情景, 深情切意娓娓道来, 却少不了凄凉之感, 语气缠绵、含蓄。

“音乐是时间艺术, 歌曲旋律是由音符组成的, 是由长短不同的音符按着节奏和节拍规律组成旋律”。因此, 在演唱歌曲时, 演唱者对音的长短感受能力是相当重要的。比如当第三段多次出现的休止符时就要思考, 为什么会有这么多休止符呢?一般来说, 出现休止符的地方是用来换气的, 可本段休止符出现的位置却在句子的中间仅有一拍或半拍休止符暂短却不能换气, 通常这种休止符的作用是表现情绪非常激动, 情感深沉, 激情荡漾想把自己的心里话讲出来, 却因为感情到深处无法顺利表达。因而出现哽咽, 那种抽泣中停顿, 心情澎湃脑子突然空白, 需要思索一下方再说下去的复杂、激烈的心情, 此时不仅声音突然停顿, 气息也暂时屏息。这种短暂休止符如处理得好, 演唱时便会出现感情的火花, 既感动自己又抓住观众的心, 真正达到“此处无声, 胜有声”的艺术效果。在这段中“再把心头一丝热, 絮进寒衣伴君行, 絮进寒衣伴君行”有个重复的一句, 演唱者在演唱这段时要比前面的情感更坚定一些, 更激扬, 此处的渐强符号 (f) 就更能表现出孟姜女对爱情的坚贞不渝, 随着渐慢的旋律就更能投入自然的情感, 结合气息的运用和叹息的唱法使这段更富有音乐的流动感。

4.冬

随着孟姜女情感世界的不断深化, 音乐层层递进。到了曲子的第四段, 也就是作品《孟姜女》的高潮所在, 伴着急迫的类似风雪声的间奏, 演唱者的眼前应该有这样一幅画面:孟姜女拖着长衣, 泪洒满面, 眼神急切, 焦急不安全刻在她那美丽的容颜上, 在长城上无助地奔跑寻找她的丈夫。有了这幅画面的时候演唱者才能更投入。就像德国著名女高音歌唱家汉姆斯所说:“如果有人问我歌唱艺术的含义是什么?我不会从声音技巧去说明, 我要说的力量是感动听众的才能。”所以艺术需要先感动自己才能感染大家。

第四段中融入我国戏曲的板腔音乐的表现手法, 运用紧打慢唱的摇板音乐, 在一个全新的调性 (b B徵调) 上再现节奏, 深化音乐主题。紧拉慢唱的高亢拖腔, 给人一种悲愤激烈奔流直泻的气焰, 此时气息应节制在丰满的基本上, 流速加速, 上下贯通感受尤为重要。这样精心的设计和大量的音程大跳的出现渲染了孟姜女千里送寒衣的强烈艺术感。当然, 演唱者除了演唱技巧上的运用外, 更为重要的是情感的重要性, 要如实真切。就音乐而言, 声乐艺术是一种善于表现和激发的艺术, 要拥有优美的歌喉与清晰的咬字, 以及声音语调造型的艺术处理技巧, 而缺乏情感的准确性、依据与生动表达是不可能完成声乐艺术的创造任务的。

曲中的这个“年关过”共有16拍, 单一个“过”字就占8拍, 有些人为了突出这段孟姜女寻夫心切的心情, 就用很生硬的声音演唱, 当唱到“年关”这两个字后, 用很亮的声音唱“过”字, 结果气息拖不够8拍不说, 整句给人一种生硬、不流动的感觉, 破坏了原有的那种心急如焚的感觉。所以“过”字的处理应该是由强渐弱弱渐强强的过程。在技巧上, 气息可以随着音高的逐渐上动, 气息点下移气息点越下移, 声音就越饱满, 振动幅度也就越大, 这样更突出作品的意境。

歌唱的情感需要酝酿, 而情感的酝酿离不开声乐作品, 作品是声乐感情表现的依据和基础。歌者在演唱的时候首先应仔细分析歌曲的时代背景, 正确理解作者的思想感情。其次必须了解歌曲的风格, 根据风格正确把握它的情感, 风格是作品的声乐情感的前提条件。再次掌握良好的演唱技巧和方法, 注意基本素质的训练, 为歌唱的情感创造最佳的条件。歌唱的艺术表达永无止境, 情感的表达分寸更是微妙。所有的歌唱者都有不同的情感与经历, 所以在艺术的处理上有无不同, 但是其思想情感不离其宗。他们唯有一点是相同的, 就是对一首歌曲的分析, 从创作时代、作家风格、特点、歌词、曲调、伴奏、和声等进行综合研究, 深入理解歌曲的感情与发展, 并使自己受到感染, 然后依据音乐的表现规律尽情地进行演唱与发挥。不论我们拿到什么样的作品, 都必须了解作者, 分析作品的风格、创作时代背景、歌曲的内容, 必须慎重地学习考虑歌曲中的每个乐句、每个音符, 体会其情感。斯坦尼斯拉夫斯基说:“对于观众的活生生的人的机体来说, 没什么比演员本身活生生的情感更有感染力的了。”演唱者必须把自己放入作品中, 深刻体会孟姜女对丈夫的思念悲痛之情, 这样才能把歌曲演绎得淋漓尽致, 再加上其自己的形体、眼神、手势、表情和饱满的情绪才能感染自己感动听众, 获得美的情感体验, 从而受到潜移默化的影响, 认识其中的三昧, 实现陶冶情操, 达到美化心灵的目的。

摘要：《孟姜女》是根据传统民歌《孟姜女哭长城》成功改编的一首经典声乐艺术作品, 同时也是作曲家王志信众多脍炙人口的民歌中最为典型的代表作之一。

论歌曲《孟姜女》演唱中的情感表现 第7篇

歌曲《孟姜女》源自民间流传、带有神话色彩的一个凄美的爱情故事。秦始皇时期, 官府抽调大批民夫修筑长城, 孟姜女的丈夫范杞梁也被发配修长城。孟姜女思夫心切, 历尽艰辛, 千里跋涉, 结果丈夫被活活累死并埋在了长城脚下。孟姜女顿时放声大哭, 哭得惊天动地、天昏地暗, 顷刻间八百里长城轰然坍塌。

1.歌 曲 《孟 姜 女 》的 曲 式

原创小调民歌《孟姜女》是一首十分典型的单乐段, 具有启、承、转、合性的结构, 每一段有四句, 曲调流畅而华丽, 委婉而细腻, 感情深切。艺术歌曲《孟姜女》是一首比较自由的多段体曲式结构的大型声乐作品, 节奏分2/4、3/4、4/4拍。歌曲共经过了D徵清乐调式、D羽清乐调式、F徵调式。

2.演 唱 情 感 表 现

(1) 用情 :表情在歌唱中起主导和统帅作用 , 情是声乐表演的重要元素, 歌唱的任何技术都要服从表情的需要。了解《孟姜女》意境与时代背景 , 全身融入歌词的语境之中。第一段以“春”为开始, 哀怨而情绪委婉的“正月里来是新春, 家家户户喜盈盈”说明在正月家家户户团聚的时候, 孟姜女独自在家四年丈夫又无奈的情感。第二句“人家夫妻团圆聚, 孟姜女的丈夫去造长城”, 这两句预示着悲剧的开始, 表现出不幸、怨恨及愤怒, 把那种思念、惆怅的情绪延展到歌曲的下一句:“孟姜女望长空泪眼雾蒙蒙, 我与杞良何日能重逢。”泪眼中表现那种相思, 最后“哭倒长城八百里, 只见白骨满清山”要唱出孟姜女悲痛欲绝的情感, 把歌曲推向高潮, 让人听后余韵绵绵, 回味无穷。

(2) 用气:演唱的支持部位通畅、放松、自然 ;少而无力 , 多而僵化。演唱《孟姜女》需要保持气息通道顺畅, 即气息吸入既不太浅又不太多;气息的呼出同样要保持管道通畅, 让呼吸系统既轻松又柔和, 发出每个感情色彩需要的那种声音;我们要根据字、腔、情的需要及每句的长短来吸气, 开始的两句“正月里来是新春, 家家户户喜盈盈”是诉说感觉, 不需要吸过多气息, 平缓地吐出就好。

(3) 用声 :《孟姜女》需要声音的感觉点不能太靠后 , 尽可能地发挥最佳的发声功能和效果。应该把自己当做历尽艰难、命运悲惨、千里寻夫的孟姜女, 随着每一段的意境, 把意境中需要的声音表现出来。如在演唱第一段“春”的时候, 可以想象别人家家户户团聚, 自己却孤身一人在家的凄凉, 此时她是凄苦、哀怨、无奈的, 因此在演唱时声音应该是暗淡的。

二、根据谱例分析每段歌词与情感的表现

民歌《孟姜女》全曲共分四个段落, 是我国作曲家王志信在原民歌旋律风格及音乐色彩的基础上, 吸取传统民族音乐的精华, 进行的二度创作。歌词以春、夏、秋、冬四个季节展开, 是自由的多段体曲式结构, 分别运用了1=G4/4、3/4、2/4四个节拍, 曲调富于变化且节奏适度, 它每分钟为56拍, 旋律从舒展、缓慢、委婉、哀怨到流动、渐慢、凄凉再到快板、激烈后又渐慢, 曲调柔美, 结构严谨, 情感真切, 表现细腻, 耐人寻味, 处处流露着一种凄凉的哀愁与怨诉的凸显。

三、通过该作品的曲谱分析, 进行每段歌词及意境的处理

1. 乐曲一开始速度稍慢 , 叙述了孟姜女夫妻分离的情景 , 所以当音乐响起时演唱者要饱含怨情, 唱出故事的起因, 在演唱中要用说话的方式表达孟姜女心中的怨恨:“人家夫妻团圆聚, 孟姜女的丈夫去造长城”。这段曲调应舒缓些, 而且情感要委婉哀怨, 倾诉自己一个人独 守空房 , 不能过上 美满生活 的苦楚。

2.这首民歌的第二个段落是作者在原民歌基础上的再创作。作品要极力表达的是孟姜女盼望与丈夫相见的心情。这一段是上一段的合理发展, 旋律流动加速, 表达孟姜女夏夜里对丈夫的思念之情。

3.随着歌词的层层递进 , 曲调更加委婉哀怨 , 随之进入第三段。乐曲从G调转为F调, 渐渐地, 情绪走向底谷, 这一段乐曲从D徵调转为D羽调。通过调性转换, 描述了孟姜女为丈夫做棉衣, 盼望与丈夫相见的急切心情。对歌词中的“落叶飘, 秋风凉”, 在演唱时 在唱得“平 淡”的基础 上 , 添加一点 “声”气, 这样显得更委婉, 把那种落叶飘零、秋风阵阵的气氛唱得淋漓尽致。随着孟姜女的如泣如诉, 音乐随情绪不断变化。在演唱中用深情而激动的语气唱出“线是相思, 针是情”。随着最后一句“絮进寒衣伴君行”, 音乐也推向一个小高潮, 这里的“寒”字要求状态积极兴奋, 抓住字头, 非常自如地唱出来。

4.曲子的第四段 , 音乐从全新的调性G羽调直到最后结束的F宫调式, 这一段前面的快板非常精彩, 它融合了戏曲中紧打慢唱的摇板和由慢渐快的垛板, 在伴奏中加有风声、雷声, 紧凑的三连音把寒冬下雪、寸步难行、孟姜女千里寻夫的气氛渲染得淋漓尽致, 突出了《孟姜女》的主题音乐, 生动形象地呈现出了一个怨妇的形象, 是很典型的“紧拉慢唱”, 也就是伴奏和演唱者之上的差异, 更加烘托出紧张、仇恨、焦虑的气氛。音程上是七八度的大跳, 体现出那种千里送寒衣的氛围。孟姜女千里寻夫, 血泪控诉, “哭倒长城八百里, 只见白骨满”。至此, 旋律又做轻调变化, 以戏剧上紧拉慢唱的表现手法表现了主人公失去丈夫的极度悲痛之情。

歌曲的表现 第8篇

关键词：舒伯特,艺术歌曲,魔王,特色与表现

艺术歌曲是十八世纪到十九世纪的一种歌曲风格, 被称为艺术歌曲。歌词主要是使用一些脍炙人口的诗篇, 歌曲专注于内心世界的表现, 具有更复杂的作曲技法和表达方式, 绝大多数都是先有歌词, 后有旋律, 很受歌词影响, 因此歌曲显得较为呆板、苍白、无力。十九世纪初期, 欧洲文学艺术的浪漫主义思潮对舒伯特产生了很深的影响。在舒伯特之前, 艺术歌曲只被看成一种边缘的音乐体裁。而舒伯特赋予了艺术歌曲新的内涵, 把诗歌与音乐融为一体, 具有强烈的抒情色彩, 使艺术歌曲成为音乐当中的诗歌。舒伯特在钢琴伴奏的使用上也做出了突出的贡献。将歌词、旋律和伴奏三个相互配合, 融合成一个有机的整体, 达到了完美的意境的状态, 具有强烈的浪漫主义气息。

被誉为“歌曲之王”的舒伯特在短短几十年的创作生涯中, 创作600多首影响深远的杰出的艺术歌曲。其中《魔王》是舒伯特十八岁时根据德国大文豪歌德的同名诗歌为创作基础, 融入了浪漫主义的“新颖而奇妙”的情感而写成的一首杰作。可谓浪漫主义艺术歌曲里程碑式的作品。

音乐与文学的融为一体

在一个叫库尼茨的村庄, 有个农民的孩子生了病, 请了当地一名非常有名的医生来帮助医治, 但是最后那名医生却确定为无法医治, 这个父亲不耐地将孩子把回家去, 就在这回家的路上诗歌《魔王》中写到:在漆黑的夜晚, 父亲怀抱着自己的孩子骑马飞奔在树林里, 他紧紧地把孩子贴近胸口。他的孩子非常地恐惧与不安, 因为隐身埋伏在密林深处的魔王, 不停地在引诱着孩子的灵魂。父亲不断地安慰着孩子, 同时快马狂奔。魔王一步步逼, 父亲胆战心惊地将孩子抱回到自己的家中, 可是怀里的的孩子早已死去。

词作者原诗歌分有八个章节。舒伯特在歌曲创作中也将乐曲对应分成八个部分, 而且每一个章节的歌词也都谱以不一样的曲调。乐曲开头第一部分和结尾第八部分, 使用了第三人称的方式进行故事讲述;第二部分至第七部分是父亲与孩子之间的对话, 和魔王从甜言蜜语般的诱惑逐步到凶险的威胁等等之间的交互呈现。

整首歌曲运用了自由通贯的创作手法。乐曲的表现根据诗歌内容的发展而展开。乐曲一开始采用了15个小节的前奏, 右手运用三连音不断地弹奏, 展现出父亲快马狂奔的情景;左手使用连贯的音阶, 显示出黑夜里寒风呼啸的场景。在整首歌曲中, 舒伯特运用了不同风格的曲调来区别展示叙述者、父亲、儿子、魔王。开始时运用了平叙的、近似口语化的曲调来陈述;后面运用低声区沉稳的曲调来显示父亲极力想表现的平静、慈爱和安慰;运用断断续续的曲调来表现孩子的恐慌不安;而表现魔王的曲调则使用了优美动听的旋律来刻画它甜言蜜语般的诱惑。

自然展现的情感

在这部作品中, 舒伯特在音乐中以不同音域与音色, 精确地刻画出了叙述者、父亲、孩子以及魔王四个不同角色, 通过对话显示了三个不一样的情绪, 充分显示了强烈的、鲜明的戏剧情节和音乐形象。音乐和抒情诗, 统一的结构和完美的组合, 充分地实现了艺术的独有魅力。

父亲与孩子对话的曲调表现出强烈的戏剧性。半音关系的级进穿插着短暂的休止符, 展现了被魔王不停纠缠后所呈现出的紧张、恐慌、绝望、无力的喘息。他每一次对他的父亲呼喊都使用着相同的曲调, 但是声音一次却比一次高, 细腻而准确地描述了, 他一次次加重的紧张、恐慌、绝望的感觉。父亲的曲调比较平稳, 是为了表现父亲极力掩饰自己的不安与担心, 尽力保持平静, 并极力去安抚自己的孩子。

只要一进入魔王的曲调, 乐曲的强度就会降到PP的力度, 钢琴伴奏也同时变成了柔美、光滑, 充满了甜美的诱惑感。但是到了最后, 魔鬼看到没有达到目的, 就原形毕露, 凶煞恶极, 这时候用在左手的钢琴伴奏也随即连续重复笔直下跳5度音程, 充分地、彻底地暴露了魔王魔鬼的狰狞。

叙述者的声音越来越阴沉, 结果已经是不可以改变的。纵贯全曲的马蹄节奏渐渐地沉静了下来, 直至最终伴奏钢琴奏出了两个额外的、异常的、强烈的和弦, 整首乐曲终止。

钢琴与人声的相辅相成

在整个歌曲发展过程中, 描述马蹄声的钢琴伴奏音型, 也具有着突出的歌曲创作的特征。它能够让我们始终很准确地、持续地拥有全曲基本的感情基调。这也正是舒伯特在浪漫主义时期所开创的艺术歌曲的重要创作风格、特征之一。在曲调伊始的前奏中, 舒伯特的《魔王》通过钢琴伴奏音乐, 给我们呈现出一幅如此的画面:通过钢琴伴奏的快速而持续不断地三连音节奏音型的演奏, 表现了快马奔驰的情景;而左手弹奏的在低音区连续的上行音阶的盘旋, 仿佛是树林中呼啸的风声, 又似乎由荒野夜风和马的蹄断断续续卷起了上升的尘土沙子。令人毛骨悚然和紧张、害怕, 把人们一下子带入到了黑夜、寒风、冷颤的紧张和恐惧的氛围之下。一直持续到表现马蹄声的钢琴伴奏节奏音型消失停止, 叙述者最终宣布, 父亲怀抱中的孩子已经死了, 全曲结束。

舒伯特的艺术歌曲, 不仅使文学、诗歌与音乐有了非常完美的结合。同样重要的是, 使之前受人忽视的钢琴伴奏赋予了极为重要的表现特征。魔王的精美表现, 使大家切实地感受到了, 在音乐中, 人生的演唱可以和钢琴乐器的演奏得到一种绝妙的效果。让人们认识到了, 在声乐演唱中, 乐器的伴奏不再是一个仅仅的配衬, 它们两者之间完全可以进行紧密的协调配合、相互映衬、相互弥补, 是同等重要的两个不同的、不可或缺的部分。舒伯特真正的将人声的旋律与钢琴的织体融为一体, 使人声和钢琴共同去完成、达到一个艺术境界。诗与音乐之间成为互补、相映、均衡的关系, 音乐的表现力和文学向音乐的融入都得到淋漓尽致的发挥。

在艺术歌曲的创作过程中, 舒伯特充分发挥了自己的音乐天赋和创造力。他非常重视歌曲基本情感和艺术意境的创造, 始终注重音乐情感的发展和发挥, 擅长于描绘人类最自然朴素的、纯真可爱的情感, 他总能以自然本性的态度, 自由随意的手法表现最完美、最浓郁、最细微的情感。正是由于他的才华与努力, 使得音乐与诗歌, 人声歌唱与钢琴伴奏得到了一个很完美的融合, 并形成了艺术歌曲这一新型艺术体裁的出现。正是舒伯特的抒情、优美的曲调和富于表现性、创造性的钢琴伴奏, 以及将音乐艺术与诗歌文学的完美结合, 才确定了艺术歌曲的重要地位和价值。舒伯特的艺术歌曲对19世纪浪漫主义作曲家有着直接的影

浅析中国当代艺术发展状况

牛颖颖 (华东师范大学美术学系上海200241)

摘要:中国当代艺术自从二十世纪以来, 便随着中国社会的变革从而经历了继承与开拓, 融汇和创新的深刻改变, 中国的各个地方也涌现出一大批经典的当代艺术作品。在这些作品中, 中国当代艺术的现状从整体而言, 是繁荣、活跃、健康和有序的, 在社会各界的共同努力下, 取得了有目共睹的实绩。

关键词:当代艺术;发展;绘画

一、中国当代艺术目前基本状况

中国当代艺术目前的发展状况是多种流派和风格构成的。中国的当代艺术在20世纪的百年发展中, 就已经为自己鲜明的文化上画上了“现代性”。“当代艺术”在时间上指的是今天的艺术, 当然在内涵上也主要指具有现代精神和具备现代语言的艺术。中国当代艺术所体现的不仅有现代性还有艺术家们所处的中国当下的文化环境, 面对中国的现状, 作品也就反映出中国所处的当下历史阶段。

然而随着80年代以来, 以绘画为主导的中国前卫艺术已经被简化为玩世现实主义和政治波普的绘画, 而这种单一的绘画形式在冷战结束后成为国际收藏界追捧的对象, 经历了80年代末期的短暂政治风波后, 90年代的中国社会从政治的封闭化迅速走向全面的“市场经济化”。中国当代艺术的发展也想着前所未有高度发展。以前有学者说过, 学艺术就是要坚持自己的观点和审美, 自己认为好就是好的, 别人怎么看都不要考虑, 因为艺术是没有一个很明确的评判标准的。而中国的当代艺术现在正处于一个破而立的阶段, 大家都在探索不同的方式和出路, 并没有什么特别成功或者失败的, 因为还在进行时, 蜕变融合并没有完成。所以中国当代艺术正向着他自己设定的模式不同于以往任何一个时期, 以它自身的状态蓬勃发展。人们生活水平的提高, 对精神文化越来越重视, 各地方都陆续提供各种平台供当代艺术展示, 就拿上海举例, 世博会后利用城市规划馆改建为上海当代艺术博物馆, 使得大众可以更好地与当代艺术接触, 也给更多的艺术家空间, 这就使得中国当代艺术有了很大的舞台可以发展。随着越来越国际化的交流和融会贯通, 也让中国和世界接轨, 自然而然也少不了当代艺术向世界的迈出。

二、西方艺术对中国当代艺术的影响

自从塞尚开创了“现代派绘画”的先河, 当代艺术这一萌芽就已初步形成, 到迪尚和毕加索就更显而易见了, 当代艺术作品对也有的价值并不仅在于用表述一种显而易见的道理或使之成为具有满足美感需要功能的欣赏品这一点上, 而在于人类对视觉图示本身所具有的无穷奥秘发生兴趣的知性这一点上了。

二十世纪九十年代初期, 中国当代艺术正式走入世界, 中国当代艺术花了近三十年时间, 基本上完成了向西方现当代艺术的学习。所谓中国的当代艺术, 即使用西方的当代艺术语言表达中国性质的内容。从这层意义上看, 中国当代艺术已不再是归属于原来意义上的艺术的一个门类, 而应该是形成一门研究视觉文化的独立科学, 作为中国的当代艺术不仅要吸纳和接收外国当代艺术的理念还有不同于西方当代艺术做出属于中国的当代艺术理论响, 舒伯特用他的歌曲筑起了一个新的天地。

前沿, 因为当代艺术揭示的绝不像诗歌、戏剧那样必然会首先展现出社会学和伦理学方面的意义, 也不像音乐和舞蹈那样必然直接展现出审美方面的意义。

三、材料在中国当代艺术的运用

在中国当代艺术的绘画艺术中, 材料也早已不再局限于油画国画水彩等传统材料。越来越多的加入了带着有现代化工业符号的丙烯、沙子、胶水等各种各样的材料被用于绘画艺术作品中。中国当代艺术家们多数会采用丙烯颜料、厚重油彩、多种肌理材料等作为创作的工具, 画面的制作更是利用了新兴的三维造型塑造、影像拼贴、喷绘等形式。使画面上粗糙的凹凸感增加, 从而也加强了画面的厚度, 自然肌理条纹是类似纸质拼贴在画面上的自然过渡, 运用胶类能在画面上产生沉重的流淌感, 也使得许多裂纹渐变组合给欣赏者带来了全新的感受。综合材料的开发和应用给当代艺术作品制造了无尽的可能性, 也给当代艺术作品带来全新感受, 当代的一些画家因大胆运用综合材料, 其绘画作品在语言和样式上都有了新的突破。笔者认为只要某一种材料适用于传达当代艺术画面的内涵, 那么使用这个材料就是恰当的。而当代绘画艺术并应不局限于二维平面, 也并不应局限于室内。绘画在中国当代艺术的各种形式中亦并不存在优于或劣于其他装置、影像、行为等形式的状况。作为一种承载工具, 当代绘画艺术有着它独特的魅力。

四、关于中国当代艺术发展的思考

中国当代艺术是一个百花齐放、百家争鸣的多元化格局, 在繁荣的同时, 中国当代艺术是具有观念性的同样也是具有批判性的, 但是对于当下的中国艺术发展, 我们今天依然难以作出恰当的评论, 中国当代艺术还存在着一些问题值得我们去思考和研究。一方面, 中国当代艺术往往是在跨越国际的展览中被孤立的, 西方在理解中国当代艺术所强调的问题时有其自身的固有框架, 而中国当代艺术人在这个框架中却并未感到不自在的。这是一个必须迅速改变的现状。另一方面, 尽管中国的策展人将中国当代艺术推向市场, 但他们给予世界有关中国当代艺术产生背景的形象却是十分散乱的, 然而迄今为止, 艺术历史已经证明在展现中国当代艺术的成就方面仍然很局限, 如果中国当代艺术历史界想要充分面对这个时代挑战尚需很多改变, 才能更好的发挥它的价值。

作为中国当代艺术的发展, 它绝非仅仅是停留在材料和形式的表层面, 更重要的是中国的文化观念和社会意识的融入。只有这样, 才能让更多人的生活艺术化。笔者认为中国当代艺术市场的前景非常好, 中国当代艺术不仅在学术上有创新而且在艺术上有创意。当代艺术作为一种特定的语言, 正在不断地发展更新, 不断地创造出当代艺术自身符合特定的时代气息。中国现在越来越强大, 中国当代艺术正呈现出巨大的活力和能量, 作为一个新兴市场, 必定引起重视。

牛颖颖, 学校:华东师范大学, 院系:美术学系, 专业:现当代专业, 导师:周长江。

参考文献

[1] (法) 保·郎多尔米著.西方音乐史[M].人民音乐出版社, 2003.

[2]尚家骧.欧洲声乐发展史[M].华乐出版社.2004.

[3] (英) 吉布斯.秦立彦译.舒伯特传[M].广西师范大学出版社, 2002.