情感的培养与表达

情感的培养与表达（精选12篇）

情感的培养与表达 第1篇

关键词：声乐教学,情感培养,内涵,生活,二度创作

《礼记·乐记》中记载“凡音者, 生人心者也, 情动于中, 故形于声”, 声乐是饱含情感的声音的艺术。声乐的旋律、思想内容与情感同时存在、相互作用, 在声乐教学中, 教师应除了引导学生练习声乐技巧外, 还要注重用丰富的情感充分地表达歌曲的韵味, 使学生得到美的享受和情感的体验与熏陶, 以提高学生对声乐的理解能力和表现能力。

一、情感培养在声乐教学中的重要意义

声乐艺术离不开情感, 发于声及于情, 情感培养在声乐教学中有着重要意义。当我们演唱一首歌曲时, 感情的投入比音色纯美更重要, 缺乏感情是不能完美呈现歌曲内涵的。老一辈歌唱家在演唱歌曲前, 总要事先熟悉歌曲的内涵, 只有这样才能用优美动人的歌声来表达作品的思想感情。演唱者通过动听的歌喉以优美的旋律将这些或欢乐、或忧郁、或激情、或悲伤的感情抒发出来, 使听众也体验到这些情感并受到感染、产生共鸣。总的来说, 情感是歌唱的灵魂, 是歌唱的最终目的。

二、了解作品创作背景及内涵

歌曲的内涵是作品表现的主题内容, 也体现了作者的思想感情。精美的声乐作品都是内涵丰富的, 饱含作者深情, 在学习声乐作品时, 教师应引导学生首先要了解该作品的作者情况和时代背景, 理解歌词要抒发的内涵和真挚情感。如此学生便可以设身处地地从作者的角度看作品, 与作品对话, 深刻领会作品的情感。如我国传统民歌《茉莉花》旋律婉转起伏、和谐流畅、自然优美、感情丰富细腻, 对茉莉花深情赞赏的同时, 展现了纯美自然的男女之间的感情。教学中声乐教师还要有针对性地选择教材, 使学生深入细致地理解作品并了解作者的创作意图和所要表达的思想感情, 这样他们演绎声乐作品时, 更能体会作者情感, 自然而然就会充满感情地深情演绎, 使其更富于感染力, 使听众也为之动容, 随着演唱者优美动听的声音和婉转的旋律同喜同悲同感同受, 这样才能潜移默化地对学生进行情感培养, 收到举一反三的效果。

三、以情带声, 在节奏、速度、音色、力度上声情并茂

清代声乐理论家徐大椿的《乐府传声》中说:“歌曲之法, 不但声之宜讲, 而得曲之情宜重。”声是歌唱艺术存在的载体和先决条件, 情是音乐表达的核心, 是歌唱艺术的最终目的。在教学中要让学生要做到“不唱无情之曲, 不为无情之唱”, 就必须使其做到声情并茂。如何声情并茂地表现歌曲内涵, 也是声乐教学中情感体验的一个重要过程, 而节奏、速度、音色、力度等是情绪和情感的外化、是歌曲的生命。一首歌曲的节奏、速度往往能体现一首歌曲的音乐体裁与情绪。如二拍、四拍的进行曲、三拍的圆舞曲和快板等体现欢快、活泼的情感基调, 慢板则体现哀怨、深思、凝重的情感。为此, 教师在备课阶段就要仔细研究教材, 做好充分准备, 还要让学生多了解作品的创作背景、创作手法、思想内涵、创作风格、作品特点等, 使学生能准确、动听、感性地倾情演绎作品, 在演绎中塑造形象、表现情感。例如, 学生在学习《听妈妈讲那过去的事情》时, 要注意第一段“节奏旋律舒展”是关键, 教师范唱时唱得要深情、优美、流畅、富有旋律的起伏感, 第二段“大跳音程及切分音”的运用是重点, 教师范唱时要做到情感随音乐的律动而起伏荡漾, 要注意力度的张弛与音量的大小, 这样才能使学生以情带声、声情并茂地完美演绎, 表达出其饱含的情感。

四、艺术源于生活——做生活的有心人, 于生活中感悟, 提高艺术修养

艺术来源于生活高于生活, 生活是艺术的基础。在声乐教学中教师除了要求学生将作品本身演唱好之外, 还要在更深层面上将自己的阅历、情感及对人生的感悟通过作品传达给观众。同样的一部声乐作品不同的人演唱的效果也千差万别, 正如“有一千个读者就有一千个哈姆雷特”。红色歌曲总是让一些老演唱家来诠释, 因为他们经历了那个年代, 有着深切的生活体会和感悟, 一句歌词、一个旋律都会勾起他们对往事的回忆, 只有饱含这种情感来演绎, 才能将作品的魅力发挥得淋漓尽致。同样, 声乐教学中, 生活体会是每个学生必不可少的一个环节, 只有将自己的生活感悟和情感体验融入作品, 才能将作品表达得更深刻更有韵味。

若想声情并茂地诠释一首声乐作品, 不仅要具备扎实的演唱功底, 还要有较高的艺术修养。一个歌唱者的艺术修养直接影响其对作品内涵的理解, 假如他知识不丰富, 视野不开阔, 单纯从声乐技巧来表现作品是表现不出作品情感的。在声乐教学中教师要注重培养学生的艺术修养, 应指导学生了解与歌曲相关的文化、艺术知识, 如历史、文学、哲学、美术、舞蹈等, 这样才能做到触类旁通、获得灵感。

五、以情导创, 以创拓情

歌唱是对声乐作品的二度创作, 在声乐教学中可通过歌唱练习发展学生创新精神和创造能力, 唤起其学习声乐的兴趣、激发其情感、启发和丰富其想象力。对作品的理解越深感受越深, 作品被表现得越完美。为此在声乐教学中教师首先要让学生从领会词曲内容开始, 挖掘词曲内涵和词外之意、曲外之情、音外之形, 再把词曲的每个饱含情感的重点词句分清楚, 明确每段“小高点”的所在, 再把整个乐曲的高潮标出。其次, 教师要注重训练学生演唱歌曲时的咬字吐词、行腔归韵, 还要使学生积极参与到教学活动中, 尊重和鼓励学生的创造性, 根据具体的问题的要求让学生展开想象, 大胆地进行歌唱的二度创作, 丰富情感体验, 表达出歌曲的情感内涵。

五、结语

声乐作为一门表演艺术对歌唱主体而言是演唱者的内心情感、认识和需求以歌曲为载体表达出来。在声乐教学中教师要引导学生在深刻理解作品内涵的基础上, 做生活的有心人、用心感悟生活, 增加自身文艺素养, 并在二度创作中将自己对生活的体会与感悟和对作品独特的理解融入到歌唱表演中, 将情感和技巧完美统一, 领悟表演艺术的真谛, 最终唱出美妙的歌声。

参考文献

[1]薛良.歌唱的艺术[M].北京:中国文联出版社, 1990.6.

[2]周大风.漫谈唱歌教学.《中国音乐教育》[J].2002 (5) .

[3]卢家楣.情感教学心理学[M].上海:上海教育出版社, 2001.4.

[4]蔡仲德.中国音乐美学史[M].北京:人民音乐出版社, 1995.

[5]石惟正.声乐教学法[M].天津:百花文艺出版社, 1998.

情感的培养与表达 第2篇

【摘要】本文针对儿童声乐教学，就如何进行科学的声乐训练以及如何进行情感表达提出了自己的观点，使得孩子们通过上述两方面的训练，更加科学的利用好自己的发声器官，拓宽他们的音域，提高他们在歌唱过程中情感表达的能力，最终使得他们游刃有余地唱出每一首歌曲作品，实现歌曲作品的二度创作。

【关键词】儿童;声乐教学;声乐训练;情感表达

科学的儿童声乐训练体系要根据儿童的歌唱发声的特点来进行引导，儿童和成人在发声器官、语言条件以及心理方面有着一定的区别，如何科学系统地开展儿童声乐训练，拓展他们的音域，使得他们游刃有余地唱出歌曲作品，以及在演唱过程中如何进行情感体验和表达，将是本文研究的主要内容。首先介绍儿童声乐训练的主要内容。

一、正确的歌唱姿势

歌唱的姿势分为站姿和坐姿两种，我们经常采用的是站立的姿势，正确的儿童站姿需要以下几点：

1.男孩在歌唱时两脚要与肩同宽，分开站立，一脚略向前。女孩在歌唱时两脚前后分开，近似丁字形站立。身体重心一般落在前脚上，也可根据实际情况前后移动，以避免长时间站立而形成的肌肉紧张等现象;

2.站立时，脊柱要挺起，胸腔打开，小腹微收，腰背挺立向上，体内的力量经双腿向下延伸，与脊柱挺起、上身向上的力量形成对抗，双腿具有支撑力度，但要适度，过分用力会造成不必要的紧张;

3.两肩放松，双臂自然下垂，不要背手或在前交叉。如果需要做手势，可根据音乐的情绪与作品表现的要求单手或双手自然协调动作;

4.头部略仰，下颌微收，颈部向上延伸;目光远视，炯炯有神，避免注意力分散而造成的心理紧张;

5.面部微笑，神情饱满。保持自然松弛、端庄大方的表情，避免眨眼、皱眉等不良情绪。

二、正确的呼吸方法

呼吸是歌唱艺术表现的基础，也是情感表现的动力与气势支持。因此，我们要培养儿童养成良好的呼吸习惯，掌握正确的呼吸方法：

1.让儿童体会平躺在床上睡觉时呼吸的状态，体会歌唱时自然、均匀、平稳、深长的呼吸方法;

2.让儿童用生活中拖长声音叹息时的呼吸状态，去体验歌唱时舒展、自由、平稳缓慢的呼吸方法;

3.让儿童在生活中闻花、打哈欠、用吸管吸饮料时的吸气感觉，去体验歌唱时均匀、平稳、柔和、缓慢的深吸气;

4.让儿童用生活中好像在吹蜡烛的火苗，而又不让火苗左右晃动的感觉，去体验歌唱时的平稳、均匀、且有控制的缓呼吸;

5.让儿童用生活中惊喜、惊讶、惊吓时的吸气状态，去体验歌唱时快速、敏捷的急吸气;

6.让儿童用生活中做各种剧烈运动时急促喘气的感觉，去体验在呼吸活动中速度快、弹性强的急吸急吐的呼吸方法;

7.让儿童用生活中发自内心地哄笑时的呼吸状态，去体验在呼吸活动中气息和横膈膜的弹性，腹肌和腰肌的灵活性。

三、正确的咬字吐字

歌唱就是用声音来表达人类情感的艺术，在人与人情感交流的过程中，运用各种歌唱技巧，以声音的变化为媒介和手段，传达内心的情感，这才是歌唱的真正意义。儿童歌唱的情感培养需要做好两个方面：1.歌词的领会创作背景：歌曲中的`歌词赋予了歌曲中具体的情感内容。

所以儿童在学习一首歌曲之前，首先要让他们大声的带着情感去朗读歌词，分析歌词中的内容，以及了解作品表达的是什么样的情感，在生活中是否有同样的感受，引导学生去感受词作者所创作的背景，这样才能更好的让学生把握住作品所要表达的情感。

歌词语言的文学价值：大多数的声乐作品都是有歌词的，正因为有了歌词，所以声乐作品要比器乐作品更具有文学价值。歌词的文学价值决定着歌曲的艺术性。有些儿童歌曲的歌词写的就像一首小诗，短小精炼，充满感情，学生能很好的体会歌词中所表达的情感和内容，也能让学生体会到语言的韵律美。

2.旋律的体现

基本乐理知识：让学生对旋律中的音准、节奏、速度要有一定的掌握，这些都是学习歌唱时必须懂得的基本理论常识。首先：歌唱的音准是至关重要的，即使嗓音条件再好，唱的走音，也就失去了歌唱的情感，所以在对儿童进行歌唱训练的同时，必须要结合音准的训练，适当的加入视唱练耳的课程，让儿童多听多唱;其次：节奏也是一首歌曲中的命脉，它决定了歌曲中所要表达的情绪，要让学生懂得切分节奏、附点节奏在歌曲中代表的是哪种情绪，歌唱时不能随意的延长或缩短节奏，否则将破坏整个歌曲的风格。速度的准确也是情感表达的重要体现，在儿童学习歌唱的初期阶段，应选择一些速度稍慢的歌曲为宜。

总之，在儿童声乐教学过程中既要对儿童进行科学的声乐训练，让孩子掌握科学的发声方法，保护好自己的发声器官，为将来从事艺术事业打下良好的基础，还需要老师在教学过程中带领孩子们去理解歌词的意义，感受作者在歌曲创作时的情感，与作者产生思想上的共鸣，唱出优美动听的歌曲，最终实现二度创作。

参考文献：

[1]张得金.儿童声乐教学点滴[J].怀化师专学报，1994-01(Vo13，No.1)

情感的培养与表达 第3篇

【关键词】 幼师 声乐教学 情感表达

【中图分类号】 G612 【文献标识码】 A 【文章编号】 1992-7711（2016）01-061-010

声乐艺术自身的独特魅力在于其特殊的声音技巧与真挚情感的表达，声情并茂的效果是声乐艺术的最高境界。在幼师的声乐教学中，训练学生演唱发声技术与激情的同时应当注重培养学生的情感表达能力。幼师声乐教学的目标是培养幼儿教师，而不是精湛技巧的专业人才，幼师学校的学生年龄一般在15—18岁之间，有的来自城市、有的来自农村，学生素质参差不齐，很多学生在入学之前对音乐知识一无所知，经过在校期间音乐知识的系统学习，虽然大部分学生能掌握声乐的基础知识和发声状态，但是由于学生的自然条件不同，学生掌握的效果会有很大的差别，但声乐学习却可以激发学生的情感表达，因此在幼师声乐教学中，强调情感的作用是非常有必要的。

一、幼师声乐教学中情感表达能力培养的重要性

首先，从声乐教学的理论上看，声乐教学的目的是学生把歌曲唱好，把歌曲中所包含的美好的情感表达出来。用声乐技巧和艺术形式表达人们的情感愿望，其次从教育的对象来看，我们的学生基本上是十五六岁的孩子，他们大多是音乐的爱好者，在声乐学习中往往注重歌唱技巧的掌握，而缺乏对情感的理解，为了让我们这些将来从事幼儿师范教育的学生成为合格的音乐教育的专门人才，我们必须在声乐教学中，对这些学生既进行系统的声音训练，更要注重对学生进行有效的情感方面的教育，对提高学生的审美情趣非常重要。

二、幼师声乐教学中情感表达能力培养的几个要素

1.优化练声，为情感表达提供保障

准确表达歌曲情感依赖于演唱者的演唱技巧。因此，在声乐教学中，教师不能放松对于发声技巧的训练。作为声乐训练的基础，发声练习应当因材施教，通过针对性的练习提升每一位学生的发声能力。传统教学中发声训练常于歌曲练习分开，运用课前时间调整声音状态，解决存在问题。为提升发声练习对于情感表达的辅助作用，教师可以将所学歌曲的重难点进行提炼，转变为适合学生进行训练的练声曲或者练习模式，则能够有效加深学生对于歌曲的认知，在反复练习中潜移默化感受歌曲情感。在具体改进中，教师可以从语言、音高以及歌曲旋律入手，适当改造歌曲中的重点难点内容，为之后的歌曲演唱训练扫除障碍。在练声过程中，教师要指导学生端正练习态度，让学生认识到练声也是一种歌唱，是一个创造美的过程。

2.注重分析作品内容，为情感表达奠定基础

表达歌曲的情感建立在对于歌曲内容的准确理解与把握之上。因此，为提升学生演唱过程中的情感表达能力，教师要培养学生仔细研读歌谱与认真分析歌曲内容的良好习惯。歌谱的分析要做到精细，既要关注歌曲创作的时代背景，也要向学生介绍作曲家的创作风格以及创作意图等内容，分析旋律特征以及语言特点，进而形成对于歌曲的感性认知与理性理解，准确把握歌曲的感情基调。

3.提倡个性化情感处理方式

每个人对音乐作品都有的喜好和观点，因此对相同歌曲的理解和感悟也是不尽相同的，鼓励学生对音乐作品分析，运用自己的音乐思维，对演唱的声音特质，音乐的连接形式，高潮和结尾以及音乐感情发展的层次变化等进行设计，这些设计都是极具个性的再创作，例如阿宝和戴玉强演唱的《草原上升起不落的太阳》就是演唱者根据自己对歌曲情感的把握进行的再创作。用极富情感的声音征服观众。

4.通过实践，丰富感情

学生通过实践的形式分为两种：一是开展课外活动增加舞台经验，声乐表演不是为了自我陶醉，而是为了使艺术的生命在舞台中绽放。舞台表演与日常训练拥有很大差别。因此，在声乐教学的过程中，教师应当通过组织舞台实践，为学生在表演中抒发情感奠定基础。舞台表演是情感的交流。在表演过程中，演唱者通过自身的歌声、动作、表情等于演员、伴奏以及听众进行交流，克服紧张情绪，全神贯注投入表演，进而将歌曲情感流畅抒发。因此，在教学过程中，教师应当对学生的舞台表演进行具体的指导，例如形体动作、面部表情，甚至于心理变化。常言道，眼睛是心灵之窗，在教学中，教师要特别注意对于学生的眼神训练，通过眼神的交互拉近与听众的距离，实现与演员以及伴奏者的协调配合，更好的传情达意。具体训练可以通过考试测验的方式进行，除此之外，教室还应当鼓励学生参与各类文艺表演以及歌唱比赛，组织学生参加音乐会，并依据学生的参加积极性与学习效果对学生进行评价，让学生在积极实践的过程中把握情感表达训练的契机，提高演唱过程中的情感表达能力。同样一首歌，在有观众的课外活动演唱时和平时上课演唱的效果是不一样的，无论是情感表达还是声音技巧上都会有明显的改善。二是通过校外实习。在幼儿园中实习，不但给学生提供实践的机会，还是对他们学习成果的检验，让幼儿园这些还不懂事的孩子接受你的歌声，你就必须把歌曲唱的活灵活现，用感情去打动他们。在这个实践过程中学生的最佳表现就是用富含感情的演唱去赢得孩子们的掌声和微笑。

总之在幼师声乐教学中，声乐老师要注重学生的情感表达能力的培养，它是现代幼儿音乐教育的重点，也是幼师生应该具备的素质。

[ 参 考 文 献 ]

[1]许秀君.幼师音乐课中学生音乐能力的培养[J].才智，2011，（10）117.

[2]周玉梅.浅谈幼师声乐教学[J].成功，2008，（8）：121

情感的培养与表达 第4篇

一、情感表达能力在声乐演唱中的作用

1. 有助于提高声乐演唱的表现力

在声乐表演中, 表现力是指演唱者为了达到某种演唱标准或要求, 在歌唱过程中最大限度的展示自己的优点, 使听众能够心领神会、受到感染的能力。简单来说, 声乐表现力是指歌唱者将自己对歌曲的理解和感悟, 以及歌曲中蕴藏的情感, 通过自己的歌声传递给听众的能力, 即演唱者演绎声乐作品的能力。声乐表现力不仅需要演唱者掌握高超的演唱技巧, 更需要演唱者领悟作品的思想情感、了解创作者的创作目的、把握声乐作品的灵魂。因此, 在声乐教学中培养学生的情感表达能力, 能帮助学生提高声乐表现力, 使他们的演唱更动听、更感人, 进而使他们成为合格的歌唱者。

2. 有助于歌唱者把握不同地区和民族的声乐作品风格

我国是个多民族的国家, 每个民族在长期的生活和生产中形成了各具特色的风俗习惯和文化内涵, 而且每个民族的风俗习惯、文化内涵又因为生活环境、文化背景的不同而产生了较大的差异, 这种差异也会反映到各个民族的音乐中, 形成了不同风格的声乐作品, 而且是每个民族特有的因素, 不同的音色、音调代表了不同的情感, 因此, 在声乐教中, 培养学生的情感表达能力, 能帮助他们把握不同地区和民族的声乐作品风格, 以及作品中蕴含的民族情感。

3. 有助于歌唱者准确表达声乐作品的审美情感

随着生活水平的不断提高, 人们的精神需求越来越高, 与此同时, 人们的审美能力也在不断提高, 但是每个人的审美水平是不同的, 不同的人对同一声乐作品的审美体验是有很大差别的, 即便是同一个人, 其在不同的情绪或心境下欣赏同一首声乐作品, 也会产生不同的审美体验和感受。虽然人们的审美体验是不断变化的, 但是他们对于声乐作品表达的情感的感知是不断深化的, 因此, 在声乐教学中, 培养学生的情感表达能力, 有助于他们深入感知声乐作品的情感, 能使他们在演唱过程中更加准确地表达声乐作品的审美情感。

二、声乐教学中的培养学生情感表达能力的方法

1. 培养学生积极的情感

在声乐教学中, 教师的任务不仅是对学生进行基础训练, 教给学生演唱技巧和方法, 还要注重对学生进行情感教育, 尤其是要培养他们积极的情感, 使他们养成良好的情感表达习惯。具体来说, 在教学中, 教师要深入了解学生的生理和心理特点, 将情感交流贯穿在声乐教学的始终, 通过情感的桥梁, 与学生建立良好的师生关系, 使学生处在轻松的学习氛围中, 把老师当作良师益友, 这样, 有助于发挥教师的指导作用, 而且能为学生创造发挥他们主体性的机会, 有助于学生在自由表达、相互交流中得到自我确认和肯定, 进而产生学习动力和积极的情感。教学实践证明, 学生在获得教师的肯定与表扬后, 会产生兴奋激动的情绪, 因为他们的努力有了收获, 自我确认的情感得到了满足。因此, 在声乐教学中, 教师要多留意学生, 及时发现他们生理和心理上的细微变化, 并及时给予帮助和引导, 使学生对老师产生亲近感, 愿意与老师进行情感交流, 并将这种积极的情感转移到学习中。在主动积极的学习状态中, 学生的学习效率大大提高, 能快速理解和掌握声乐作品蕴含的思想与情感, 并且在演唱时能恰当地展现出声乐作品的声音形象的情感状态。

2. 了解声乐作品的时代背景

任何一首声乐作品都有其创作原因, 都具有特定时代的烙印, 或是记录了某个时代的一个事件, , 或是寄托了创作者的思想情感, 或是反映了人们的的喜怒哀乐。总之, 不同的声乐作品都尤其时代背景。因此, 在声乐教学中, 要培养学生歌唱中的情感表达能力, 就要引导他们了解声乐作品的创作年代, 分析其创作目的, 这样有助于学生把握作品中蕴含的思想情感。比如, 《喀秋莎》这首声乐作品, 但从旋律和歌词来看, 是描写美好爱情的歌曲, 但是分析这首歌的时代背景, 我们会发现这首歌在倾诉对恋人的思念之情的同时, 也寄寓了别样的爱国之情。因为这首歌创作于前苏联卫国战争期间, 喀秋莎既是士兵们对恋人的代称, 也是他们所使用的火箭炮的名字, 因此这首声乐作品蕴含着复杂的情感, 在演唱时要将两种情感都表现出来, 这样才能真正传递这首歌的思想内涵。因此, 在声乐教学中, 教师要引导学生了解声乐作品的时代背景, 这有助于他们快速掌握作品的思想情感, 进而提高他们的情感表达能力。

3. 丰富学生的知识内涵, 提升他们的艺术修养

演唱是众多艺术种类融合的产物, 包括乐曲、诗歌和演唱技巧等。声乐教学中, 在培养学生歌唱技巧的同时, 让他们多了解一些艺术知识, 有助于提升他们的艺术修养, 而且对于学生更好地表达声乐作品的情感有着很重要的意义。艺术是互通的, 声乐表演与美学、史学、文学等众多知识有内在联系, 若演唱者对这些都毫不知晓, 那他的演唱就没有灵魂与内涵, 而且演唱中的情感表达也会显得空洞苍白, 缺乏感染力与说服力, 别提感动他人了。著名声乐教育家沈湘教授说:“不能把时间仅仅耗在发声练习上, 一般地提升了综合素养, 声音也随即提高, 若有了认知, 即便绕弯路也不会很远。”所以, 在声乐教学中, 只教给学生发声方法是远远不够的, 教师还需要帮助学生丰富文化内涵, 提升艺术修养。准确生动的情感表现力只能在宽博的文化艺术素养的基础上才能建立, 所有动人的演唱都和演唱者日常的生活感受与艺术累积紧密关联。累积越深厚, 在表现歌曲内容时就容易感动听众, 在演唱中更能让歌曲得到生动感人的展现。

总而言之, 在声乐表演中, 情感表达有着极其重要的作用, 它是联接演唱者和听众的桥梁, 是演唱者和听众产生共鸣的关键因素。因此, 在声乐教学中, 教师要认识到培养学生情感表达能力的重要性, 并探索和研究有效的方法, 加强对学生情感表达能力的培养, 进而促进他们演唱水平的提高。

参考文献

[1]陈晓岚.浅谈声乐教学中对学生情感以及表现能力的培养[J].音乐大观, 2011 (12) .

[2]祁佐华.浅谈音乐教学中情感表现能力培养的重要性[J].黑龙江科技信息, 2012 (32) .

情感的培养与表达 第5篇

内容提要：

油画这一起源于西方的画种，在中国已有近一个世纪的发展历程，从一开始我们老一辈的艺术家们就在孜孜不倦的探寻着如何发展具有民族精神的油画语言，为我们留下了许多宝贵的画作与美学理论。对于油画的教学始终以传承与发展的理念进行着，并逐渐形成了具有自己民族特色的绘画语言与情感表达。文章对油画风景写生的艺术语言与情感表达的相关理论进行简要梳理，包括艺术语言的内涵、特点及绘画艺术与情感的关系。然后从油画风景的色彩与构图两方面入手分析了油画风景写生中艺术语言的形式，最后探讨在油画风景写生中运用艺术表达情感的策略，本文认为要做到运用色彩传递情感与构图中注意引起观者情感上的回应两方面才能在油画风景写生中充分运用艺术语言表达写生者的情感。

关键词：

油画风景写生 艺术语言 情感表达

Study on the language and emotional expression of the

art of painting landscapes

Abstract：

The oil painting that originated with the Western painting styles, in China for nearly a century, the development process, from the outset, we the older generation of artists in the tireless search for how to develop a national spirit of the painting language, for us left a number of valuable paintings and aesthetic theory.For the oil painting of teaching has always been to develop the concept of Inheritance and engaged in, and gradually formed with its own national characteristics of language and emotional expression of painting.Article on the art of painting landscapes language and emotional expression in a brief sort of related theories, including the artistic language of the definition, characteristics, and the art of painting and emotional relationship.And from the oil painting landscape color and composition analysis of two-pronged approach to painting

landscapes in the form of artistic language and finally explore the art of painting landscapes in the use of emotional expression strategy, this paper that the use of color to do to pass the emotion and gives attention to composition concept emotional response to those two aspects of the painting landscapes in order to make full use of artistic language to express those feelings sketches.Key Words：

oil painting landscapes

artistic language Emotional Expression

目录

引言...................................................................1

一、艺术语言与情感表达相关理论简述.....................................1

（一）艺术语言的内涵.................................................1

（二）艺术语言的特点.................................................1

（三）绘画艺术与情感的关系...........................................1

二、油画风景写生的艺术语言.............................................2

（一）油画风景的构图.................................................2

（二）油画风景的色彩.................................................5

三、油画风景写生中利用艺术语言表达情感的策略...........................7(一)情感的重要性.....................................................7

（二）利用艺术语言表达情感的建议.....................................9 结语..................................................................11 参考文献..............................................................11

浅析油画风景写生的艺术语言与情感表达

引言

油画风景是西方绘画十分重要的内容，油画在中国的开始与发展也一直备受关注，很多优秀的画家非常喜欢描绘风景或以风景画创作作为自己终身奋斗的事业。随着科学的发展与社会的进步，加上绘画变得更加多元化，不仅仅是绘画媒介和绘画语言上的丰富与创新，更是思想观念上的变革与发展。在油画教学领域，风景写生是必修的课程，越来越多的教师在注重学生写生技法训练的同时，不断引导学生在真实的大自然中寻找到自己的兴趣点，在教学中以点扩面，着重于提高学生对绘画的艺术语言与情感表达的认知。通过不断的写生实践作品的刊登展示、创作感想或是心得体会的交流，学生不仅要在直观上丰富油画风景写生的内容，同时在思想上也要充分理解油画风景写生的艺术语言形式与情感表达的方式。

一、艺术语言与情感表达相关理论简述

（一）艺术语言的内涵

所谓艺术语言，是指在特定语境中，为了表达主体情感而对常规语言有所超越和违背的具有理想审美效果的语言形式。对于绘画艺术，“艺术语言”的指向是：构图关系与色彩基调等。

（二）艺术语言的特点 1．变异性

艺术语言的变异是创作主体感受和心境的真实写照。作家、诗人通过“变异”打破已有的僵化的语言表达方式，创造出新的语言表达方式，为语言注入源源不断的活力，这种通过“形变”的新形式，能够使人产生新奇和新鲜感，能打破感觉自动化和读者心中的接受定势，将注意力集中到语言本身，促使读者惊醒思索、品味再三，达到审美认识和愉悦的深化。

2．吁情性

列夫·托尔斯泰说：“在自己心里唤起曾经一度体验过的感情，在唤起这种感情之后，用动作、线条、色彩、声音及言词所表达的形象来传达这种感情，使别人也体验这同样的感情——这就是艺术活动。”这句话概括了艺术与情感的关系。艺术的语言也是这样的，“它是人们情感的凝结，是情感冲动而产生的一种不寻常的语言形式，它饱含着真挚、深沉的情感。”可见，艺术语言具有吁情性，所谓吁情性，就是指艺术语言中蕴涵了创作主体的知觉、情感、想象等方面丰富的心理体验，能呼唤读者的情感和想象，使之产生心灵的感悟。

3．隐指性

艺术语言的隐指性可从与科学语言的对照中见出。科学语言追求认识上的客观性和确定性，因而在表达上要求所表达的意思越清楚越显露越好。

（三）绘画艺术与情感的关系 1．艺术是情感的表现

艺术创作是一种特殊的人类精神生产活动和精神需要，它以感性为主导，绘画

艺术的生命是人内在情感的体现。艺术家没有情感不行，而情感得不到饱和也不成为艺术品。一个艺术家首先自己要对描绘的对象所感动，才能用自己的作品去感染别人。所以说绘画作品是画家内心情感的真实写照。任何艺术含有技术和技巧，但不是任何的技术和技巧都等同于艺术，并且也替代不了艺术。情感和思想内涵是区别艺术和技术、技巧的重要因素，作为艺术品必须具有作者的内心情感和深刻的思想内涵。

2．情感属于抽象性质

没有伟大的艺术作品，人的某些高级情感便不能存在。就是说，审美活动下呈现出的画面语言使得一些没有艺术语言就不能存在的情感和思想成为可能，例如那些看不见、摸不着，无形无状的情感：荒寒、淡远、惆怅、敬畏、苍劲、空灵„„等等。这些抽象性质的情感表现在作品中，利用画面语言向观者表达出作者的情感状态，同时也让观者感同身受。

3．情感并不孤立存在

许多绘画作品并不只是表达一种情感，几种情感相互交织在一起，共同表现出一幅画面，画家利用精湛的画面语言向观者呈现一幅百感交加或欲说不能的作品。这样的情感并不是孤立的，它们往往是三五个构成了一个小组，相互交叉，共同冒出来。比如在元代的一幅山水画中，空灵、空旷、孤独、淡远便共同结伴组成了一个“家族”，弥漫了整个作品。

而绘画语言也并非“情感方式”的严格解说，更不能把它当作某种“认识论”的确切图解，它是一种复杂的精神信念的产物。作为一种观察和表现语言形式，它不是狭义和孤立的，而是在实践中不断演用而发展并具有多种特质的整体语言系统。它向观者展示：艺术家在表情达意的创作中，可以这样去看世界，可以这样去思考和感受，可以这样去表现和创造美的形式。

二、油画风景写生的艺术语言

（一）油画风景的构图

构图，通常是指艺术家为了表现作品的思想、美感或意境，在一定的空间，用特定的方式安排和处理人物乃至各种形态要素的关系和位置。当我们面对一张空白的画布，准备写生或创作一幅风景画时，构图问题便成为我们将要遇到的第一个问题，可以说，一幅作品的成败首先取决于构图的好坏。回顾一下西方油画风景的发展，我们发现在构图领域主要有两次重大的突破。第一次是焦点透视法的发现和应用，第二次是塞尚摈弃传统的焦点透视法，形成自己的新的构图观。贡布里希指出：“在埃及，拜占庭和罗马风时代的欧洲僧侣艺术的风格中，作为表现一幅画主题的环境而被引入的风景成分，一般说来是非常程式化的„„”。

文艺复兴时期，尽管风景画尚未从人物画中独立出来，但透视学的发展已经为油画风景的产生做了铺垫，在达·芬奇、弗朗切斯卡、拉斐尔的作品中，背景都出现了较为精彩的风景描绘。这和文艺复兴之前的“图象学”绘画相比，已经摆脱了把要表现的内容平铺于画面中的特点。这时的画面背景中的风景几乎都精确的遵循焦点透视法则并引以为荣。焦点透视法主要是通过“错觉”的远近法将三维空间的世界整理为二维空间的画面，即再现出能够欺骗人的视觉画面。文艺复兴时期，在以风景为背景的宗教画中，弗朗切斯卡的《基督受洗》背景中的自然风景的描绘及拉斐尔的《圣母玛利亚的订婚》背景中建筑风景的描绘可能最早应用到这一原理。在其后的几个世纪中，直至印象主义的画家们几乎都没能突破这一原理。正如吴冠

中在他的文章中提到的，“印象派的莫奈、毕沙罗、西斯莱等人的作品曾经使我非常陶醉，但后来又不那么陶醉了，觉得他们对构图的推敲和造型的提炼不够重视”。

如果说马奈的名作《草地上的午餐》第一次打破了传统绘画中焦点透视法还属于一种不自觉的实验，那么塞尚则是在真正进行一种有意识的实验。(图1)1879年，当塞尚脱离印象派之时，也许已经预见到了透视法的局限性，即透视法简化了眼睛，大脑与物体之间的关系，因为在现实生活中，我们是不可能保持完全不动的姿势观察某个物体的。

图1 塞尚 圣维克多山

那么塞尚在构图方面的创新点在哪儿呢？首先，塞尚追求画面的平面性。他把传统风景画中的远景、中景和近景之间的层次拉近，压缩了实际空间的深度。例如当我们观看他反复表现圣维克多山的风景画作品时，我们可以很明显地发现他把天空处理成为具有某种限定距离的背景；把远山处理的比实际看上去大的多。其次，塞尚通过移动视点组合画面。在他的风景画作品中，为了适合画面构图的整体布局需要，甚至可以在同一幅画面上表现出平视的远山、俯视的大地、房屋、桥梁与树木。塞尚在构图方面的探索，打破了传统的戒律。此后，立体主义和抽象主义各种新的构图形式几乎都是建立在他的理论基础之上的。

通过对历史的回顾，我们可以初步了解西方油画风景构图发展的来龙去脉，这将有助于指导我们进行油画风景的写生和创作。此外，另一种不同的构图形式我们也不可忽视，即中国山水画的构图形式，尽管它曾一度遭到质疑，但其中依然有很多精华如散点透视法等，在我们创作油画风景时是值得借鉴和学习的。

早期对构图形式的认识相对还比较单调，如18世纪的英国画家威廉·荷加斯曾说：“构图（例如在一幅美的风景画上）所给予人的快感，主要是靠明暗的受一定规则支配的安排和结合，这些规则就叫做：对比性、空间感和单纯，它们使我们可以真实地和明确地感受我们面前的对象。”

今天随着数字技术时代的到来，绘画、设计、摄影、影像中优秀的构图形式可谓层出不穷，这些资料可以开阔我们的视野，激发我们的想象。正如路易斯·H·沙利文在他的《启蒙谈话与其他作品——现代艺术文献4》中所说：“形式出现于形式之中，而另一些形式又从这些形式中产生和繁衍出来。一切都相互关联、相互交织、相互网结、相互联系、相互混合。它们外渗和内渗。它们没完没了地摇摆、激旋、混合和漂流。它们形成，它们重组，它们消散。它们应答、协调、吸引、排斥、合并、消失、重现、融合和显现。”

那么面对如此纷繁芜杂的构图样式，我们该如何应用于油画风景中呢？或该注意些什么呢？

首先，风景画的构图应注意空间分割和画面层次。当我们开始画一幅风景画时，应先通过线条的组织在画面空间中建立起某种平衡，即通过空间的分割来确定画面的层次，以形成风景画的画面结构。关于空间的分割，最经典的就是贯穿整个西方绘画史的黄金分割原则，这一原则被大多数画家所采用并沿用至今，即把画面的长和宽分别乘以0.618，所得到的点将是最符合审美理想的画面中心位置，但由于明暗和色彩自身也具有重量，因此，如何平衡画面，就不能单纯依靠点和线的平衡了，还应当结合明暗和色彩关系，这就要求我们在平时的实践中，不断积累经验，提高艺术素养。我们可以选择不同的视点来画风景，确立画面的层次，即前景、中间层次和背景。吴冠中认为：“在油画风景写生中，构图时最难处理的也是前景。因透视现象，前景所占面积最大，但其形象却往往大而空，不如远景重叠多层次，形象丰富而多样。我发现这样一个规律：画面上面积愈大的部分，在整体效果中其作用愈大。因此，如引人入胜的是中景或远景，就要设法挪动占着大面积的前景，或反透视之道而压缩其面积，或移花接木另觅配偶。”需要指出的是，吴冠中的观点有别于中国传统山水画的观点，李可染则认为“构图要有远、中、近三景，中景是关键，是最伤脑筋的一关。中景要把远近二景有机地、巧妙地联系起来。”随着中西绘画的融合，现代山水画和油画风景中关于如何构图，如何选择视点的传统界线已逐渐被打破，因此，我们更应该以一个崭新的视角看待这一问题，从中找出适合自己的绘画之路。

其次，穿插与置换也是风景画构图中不可忽视的问题。穿插是构图中各部分景物位置安排上的形式美规律。李可染说过：“好的构图不是堆叠，而是穿插。”一幅穿插多变的画，可以使画面产生内在的张力，结构紧凑，景物与景物之间有了联系，容为一体。如果不注意穿插，画面就显得松散，毫无生气，原本相互联系的景物也就成了孤立的物体。这有点类似于中国的围棋，在一块方形的棋盘上，黑棋与白棋通过激烈的对杀，形成了犬牙交错的棋形，双方相互穿插，势均力敌，从而取得棋盘上黑与白的平衡。置换是在构图过程中，面对的景物往往整体很好，而某一物象欠缺，在这种情况下，可以把其它地方或想象的形象搬进来，使其具有完整性和典型性。我国清代画家石涛曾写道：“搜尽奇峰打草稿”，说的就是这个意思。石涛画的黄山，我们就无法从他的画中找到对应的景物。他是通过理解、想象、置换，把黄山的典型景物安排在一起，使我们观其画而能从总体上感受到黄山的风貌。此外，在风景画的创作过程中，画家通过对景物进行有意识的夸张变形，可以强调其对某些景物特征的感受和想象力。夸张一般指对景物形体上的改变，而变形则是从形式美的规律出发，对景物的形状作一定的处理。去年我去吐鲁番的交河故城采风，被这片废墟深深地吸引，却苦于找不到合适的角度去表现它。后来在网上无意中发现吴冠中70年代的一张《交河故城》(图2)的油画，这幅画并无具体废墟形象的描绘，而是采用了夸张变形的手法，在画面的下方，是大面积的线条和色块抽象出来的层层叠叠的故城废墟，上面的一小片天空，大群的鸟更增添了废墟的荒芜萧疏之感。可见，适当的夸张变形，有时候可以起到意想不到的效果。

图2 吴冠中 交河故城

（二）油画风景的色彩

人类看到的世界是一个五彩缤纷的世界，但要把这些色素提取出来并加以应用却经历了一个漫长的过程。早期的人类只能利用少数有色泽的矿石或植物去描绘他们的世界，如15000年前的西班牙阿尔泰米拉山洞的穴壁画。西方文艺复兴时期，画家们也只能在各自的工作室里研磨仅有的几种颜料。19世纪末，人们又从科学的角度加以分析，确立了光的三原色和颜料的三基色原理。如今，在电脑上可供选择应用的色彩已经是一个天文数字了。可以说，在色彩领域，人类取得了巨大的进展和成就。

研究油画风景的色彩问题，我们应首先对其历史发展做一个简要的概括，包括对各时代以及各种风格流派的油画风景作品有一个较为全面系统的了解，这将有助于我们提高自己的欣赏眼光，审美情趣，从而更好的把握油画风景发展的趋势，并创作出更加优秀的作品。16-17世纪，独立的风景画产生初期，色彩还是相当刻板的，基本上都是“棕色的前景、绿色的中间地带和一个巨大的蓝色全景背景”。因此，那时的很多风景画的颜色看上去并不像日光下的景色，于是艺术家们开始探索如何呈现出风景里的光线和距离，他们使用各种淡蓝色和柔和的棕色表现风景中的色调和层次关系。如罗伊斯达尔的《埃克河边的磨坊》，霍贝玛的《密德哈尼斯的大道》。18世纪，“大师们用暖棕色描绘前景，用种种银一般的冷蓝色描绘渐渐消失的远景并获得了一些极其可喜的效果。”当时最具影响的风景画大师是康斯特布尔，他的风景画擅长描绘英格兰宁静的田园风光。“康斯特布尔从‘如画的’和‘田园的’润饰性的传统语汇中走出来，转而在罗伊斯达尔和霍贝玛中寻找一种表现视觉真理的语言源泉。”

在他的作品《埃塞客斯威文荷公园》(图3)、《索尔兹伯里主教堂的景色》中，就通过调节色调的变化成功的捕捉了风景中的光线与空间感。据说，他的一幅风景

画作品中对耀眼阳光的描绘曾使德拉克洛瓦惊叹不已，并马上回去修改了自己的作品。可以说康斯特布尔是欧洲风景画史上承前启后的人。贡布里希认为：“在艺术上，关系在任何一幅特定的画中是重要的，当霍贝玛和康斯特布尔相比，康斯特布尔的画看起来充满了光和空气，就像康斯特布尔想让我们看到的那样，但和柯罗的画相比，康斯特布尔的画就显得黯然失色了，它就退到我们认为是把现代视觉跟过去视觉分割开来的分水岭之后。”在康斯特布尔之后，引出了风景画的三大分支，一是以柯罗为代表的巴比松画派，一是以弗里得里希为代表的德国浪漫主义风景画，此外，透纳和以莫奈为代表的印象派也受其影响。

图3 康斯特布尔 埃塞客斯威文荷公园

高更曾说过：“色彩，由于它给我们的感觉是迷一般的东西，我们只有谜一般地发挥它的作用，才能合乎逻辑性。我们不是用色彩画画，而是经常赋予它以音乐感，这种音乐感来自自身，出于自然属性，以及它那神秘的、谜一般的内在力量。”

这句话说明了色彩的复杂性，但色彩还是有一些基本规律是可以遵循的。那么，我们在油画风景写生中应该如何注意色彩问题呢？我认为首先必须明确色彩的几个基本规律，如色彩的形成要素、色彩的补色关系、色彩的空间透视等。色彩的形成要素主要包括光源色，固有色和环境色。色彩的补色关系主要是指色彩的冷暖关系。补色关系的一般规律为：在“暖色”光线下的景物，其亮部呈“暖色相”，这时它的暗部就呈“冷色相”。在“冷色”光线下的景物，其亮部呈“冷色相”，而它的暗部则呈“暖色相”。在自然界中，一般情况为早晨和傍晚的阳光偏暖色，中午的阳光偏冷色。色彩的空间透视主要是指空间色彩的透视关系，即近处的色彩鲜明强烈，远处的色彩随之削弱。在画油画风景写生时，由于空间距离深远开阔，色彩的空间透视规律显得格外突出。这些问题是色彩领域里的最基本的问题。理解并熟练掌握这些规律，是处理好油画风景色彩关系的第一步。

其次必须树立正确的观察色彩的方法。即在画油画风景时应该注意整体观察和反复比较。当我们面对一处风景时，不应被其错综复杂的色彩所迷惑，致使孤立的去观察它们，而应当明确这些色彩实际上是一种相互贯通，相互依存，相互对立的整体制约关系。只有这样，才能把握住画面的整体色调关系。而反复比较是研究色彩最重要的手段之一，不比较就难以准确的鉴别色彩的微妙变化。通常情况下，景

物从色相上来看，有冷与暖的对比；从明度上来看，有明和暗的对比；从纯度上来看，有纯与不纯的对比。

总之，要掌握并应用好色彩，并不是一件容易的事情。研究油画风景的色彩问题，需要手、眼、脑结合起来，反复实践，反复思考，才能创作出体现自己色彩个性的作品。

三、油画风景写生中利用艺术语言表达情感的策略

(一)情感的重要性 王国维说：“一切写景，皆是写情。”“意境”是风景油画的灵魂，而情感又是意境生成的基础，“境”是生活现实的客观反映，“意”是绘画的主体情感、理想的主观体现，“意境”是生活现实的真实转化为艺术的真实，是艺术家情感与形式美感的有机结合。所谓“意境”，新版《辞海》是这样解释的：“意境，文艺作品中所描述的客观图景与所表现的思想情感融合一致而形成的一种艺术境界。能使读者产生想像和联想，如身入其境，在思想感情上受到感染。中国古典文论独标境界以意境的高下来衡量作品的艺术价值。优秀的文学艺术往往是情与景、意与境相交融，塑造鲜明生动的艺术形象，产生强烈的感染力。”意境是创作主体所勾画、创造出的气氛，是自我的写照及心灵的倾诉，是牵引观者产生共鸣并感悟人生的亮点。意境是大自然与画者心灵的对话，是面对面交流时情感的表现。美学家宗白华先生讲过：“一切美的感觉是来自心灵的源泉，没有心灵的映射，是无所谓美的。’主体将自己的思想感情迁入到景物中去，深入体会景物的情趣，本来景物是没有情趣的，但在情与景的往返缝给中，感情得到抒发与扩散，从而使景也染上了情的色彩，有如水中之盐，只知其味，不知其形，浑然一体。王国维认为：有有我之境，有无我之境。“令目眼问花花不语，乱红飞过秋千去。”“可堪孤馆闭春寒，杜鹃声里斜阳暮。”有我之境也。“采菊东篱下，悠然见南山。”“寒波淡淡起，白鸟悠悠下。”无我之境也。有我之境，物观物，故不知何者为我，何者为物。以我观物，若物皆着我之色彩；无我之境，以“不沦是西方后期印象派代表凡高作品中充分体现的来自凡高内心对生命的热爱与对自然的敬畏，还是被称为现代绘画之父的塞尚作品中体现的坚实与浑厚，都是侧重自身审美的体验与绘画本身形式的研究，是对生命形式的感性把握。人们可以从凡·高狂放的笔触、灵动的线条和强烈的色彩中体会到他那颗炽热富于激情而又焦灼的心灵(图4)。优秀的风景油画作品是情与景的水乳交融，是意与境的有机结合。

图4 凡高的油画风景

其实在我们的现实生活中，“移情”是经常产生的心理现象，尤其是在身处天然之境时，更能唤起我们内心的活力。当我们欣赏古松时，看古松看到聚精会神之时，一方面把自己心中清风亮节的气概遗注到松，于是松俨然变成一个人；同时也把松的苍老劲拔的情趣吸收于我，于是人也俨然变成一颗古松。朱光潜先生认为，这是一种“推己及物”、“移情于物”的观物模式。当然不能仅仅将“移情”视为一种推测或错觉，“移情”的过程是将人的生命遗注于外物，让物着染上我的生命气息，与我共呼吸，从而达到物我间的丝丝缝蜷之情，这对于培养学生传达作品中的情调是十分重要的。所谓风景画的情调，就是指作画时对自然的某些形态进行情感的介入，使风景传达出人的某种情感，但这并不只是借物抒情，而是在吾心感知的同时，物的灵性介入了我的生命而形成的一种情感的交融，有时柔媚娇艳，有时平和宁静，移情是艺术创作的精神体验，而作品的情调则是其内在的价值，是作品的生命与灵魂。法国女小说家乔治·桑(GeorgeSand)在她的《印象和回忆》里说：“我有时逃开自我，俨然变成一颗植物，我觉得自己是草，是飞鸟，是树顶，是云，是流水，是天地相接的那一条水平线，觉得自己是这种颜色或是那形体，瞬息万变，去来无碍。我时而走，时而飞，时而潜，时而吸露。我向着太阳开花，或栖在叶背安眠。天鹤飞举时我也飞举，晰蝎跳跃时我也跳跃，萤火和星光闪耀时我也闪耀。总而言之，我所栖息的天地仿佛全是由我自己伸张出来的。”

当我们徜徉于青山秀水之间乐在其中时，山丘流水焕发出无穷的魅力，客观存在的山水在我们充满情感的眼中人性化了，此刻物质世界便带有了主观的色彩，便有了灵性。同时，人的主观情感和山水精神相互洽会，互相融合，主观与客观有机的结合，实现了富有中华文化精神的“物我观”。内心世界中无形无序的情感便有了形象的寄托，从而获得了真实的可视的艺术生命。

（二）利用艺术语言表达情感的建议 1．运用色彩传递情感

色彩是感情的语言。是“眼睛的诱饵”，对风景画油画来说它的作用是巨大的。我国古代绘画在一段时间里尤为注重色彩，这从汉代的漆画、帛画、敦煌的唐代壁画，大小李将军的山水画、黄签子的花鸟画可心窥见一斑。画论中有“荧绊寒碧，暖日凉星”的论述，可见我国在1500年前就将色彩进行比较，分成暖色与冷色了。风景油画作品中意境的创造离不开色彩形式，这需要作者对物象色彩的深刻理解。众所周知，色彩的艺术性在于它是提炼的、传神的、抒情写意的。如东山魁夷的画色彩凝练单纯、含蓄而整体，优美而恬静，表达出耐人寻味的深幽意境。凡高(图5)的作品之所以如此吸引我们，除了绘画美本身之外，更多的是由于他的热情与对象构成了不可分割的整体，人们可以从他强烈色彩中体会极深刻的意境，形式美与意境美在他的作品里深刻自然而然的完美结合。事实上，不管是具象的作品，抑或是抽象的画面。都不能阻止色彩对于意境的作用。

图5 星空

意境并不神秘玄奥，它是文艺家们的思想感情和描绘对象和谐统一而形成的一种情景交融的艺术境界。我国古代文艺理论巨著《文心雕龙》中《物色》篇就曾系统地阐述过自然景物的声，色与意境的关系。文中写道：“写气图貌，既随物以宛转，属悉附声，亦与心而徘徊”。它的意思是说作者只有在感受外界景物的声音、色彩的基础上才能引起无穷无尽的联想，在千变万化的自然景物中徘徊欣赏，描摹自然景物的神态外貌，达到情景相生，物我交融的境界。我国古典诗歌中十分重视色彩对意境的作用，如今我们在吟诵那些脍炙人口的佳作时，不难感受到那字里行间显现出的色彩，如“江碧鸟愈白，山青花愈燃”，“远村秋色如画，红树间疏黄。流水淡碧天长，路茫茫。”古诗词之所以用色彩来渲染景物，是因为“艺术意境主于美”，色彩配置得当能给人的美感，色彩最能引起人们奇特的想象。油画风景写生中，画面色彩要达到比较理想的效果在色彩关系上必须组合色调，达到色彩的调和与统一，并在画面上注意色彩的均衡、色彩的节奏，运用表现性色彩等处理方法。

第一、色调

“调子”属音乐术语，泛指音乐中支配乐曲的音调标准。素描中常用“调子”确定画面黑白程度，色彩中引用“色调”即用一定色调来统一画面。色彩虽变化无穷，终不能脱离占主导地位的色调，否则画面就会杂乱无章，出现“脏”“灰”“花”“乱”的弊端。色调是指不同物体的色彩在色相、明度、冷暖、纯度等方面构成的总倾向，即色彩的主要特征，大的色彩关系，一幅作品表现的内容、情绪的不同，所定的色调各异。色调关系是色彩有机组织的形式和结果。色调与作品产生某种情调有直接的关联。比如黄昏的景色所体现的色调感很强，如果画家能把握这种独特的色彩关系，他的作品就能传达黄昏的那种自然抒情的情调，而不是舞台的感觉。色调能反映画家对色彩的敏感度、理解力和控制力，对画面色调的把握，凝结着画家全面的色彩修养，对色调的把握是表示画家有意识地把颜色控制在某一范围而进行的微妙色阶的组合。因为有色彩明确倾向性而引发视觉联想。比如暖灰色调和冷灰色调都有色彩有抒情属性。如果不是在丰富感性经验上作理性控制，往往使色彩空洞、单调、枯燥，失去表现力。自然界中色调是客观存在的，春天的草原洒满嫩绿；深秋的丛林辉映着橙黄；冬天的雪地覆盖着圣洁的白色；朝霞、晨雾、黄昏、月夜等、不同的景色，显现出不同的色调。色调的产生既是客观的反映，又是主观的分析、提炼、概括的产物。自然现象的色调给作者以启发。由自然景物转化为一幅画作，还需创造的过程。有时为表达作者的意图，还可以强化色调，突出主题。色调的统一，是指在绘画中，为了表现特定的主题和情绪，用一定的色调来统一画面。一般可以用暖调、冷调、明调、暗调、纯度高、纯度低来统一画面。用暖调统一画面，鲜艳而明朗；用冷调统一面画，沉着而宁静；用暗调统一画面，灰暗而沉重；用纯度高来统一画面，活泼而丰富，用纯度低统一画面，协调而朴素。

第二、色彩的节奏

不同的色块上下左右并置，构成错落有致的色彩感受，产生色彩的节奏感。节奏感的形成与用笔及色块的重复排列有密切的关系。印象派画家修拉莫奈的“点彩画”作品有一种理性的秩序感。毕沙罗的风景画常以跳跃生动的笔法表现生机勃勃的自然风光，在色彩节奏感的实践中成为典型。节奏感在色相、明度、纯度等诸多因素的表述中，因某一色彩的重点运用，造成主线表现出较强的节奏感。

第三、色彩的表现性

色彩有较强的表现力，带有一定的情绪和象征意义。画家与自然是主客体的关系，绘画作品属媒体，用以传达画家的意图以及视觉和心理感受，一幅绘画作品，寄托着画家对自然景物的理解，如郑板桥画墨竹、朱竹通过提炼，将竹的品格化，或清高淡雅或炽热刚毅，具有一定的象征性。色彩是具有一定的寓意和象征意义的。由于国家、民族、地域、文化层次的不同而不同。一般来说红色象征热烈和喜庆；黄色显得富贵，使人联想起五谷丰登；蓝色寓意广阔，深邃；白色象征圣洁等。表现性色彩可分为装饰色彩，情绪色彩、意象色彩三种。装饰色彩—不同色相的排列组合，以较规范的色块构成一定的秩序感，产生较强的装饰性。装饰色彩一般用纯度较高的颜色，色彩对比强烈，马蒂斯的油画《红色的协调》，作品以红色为主色调，窗外的绿色与红色在对比中求得和谐，黑色的线条起到调和色彩的作用，它向人们展现了一个充满色彩对比的图案世界。情绪色彩—作画时强调色彩感受，形体的结构明暗成为次要内容，色彩侧重于情绪的表现，而放松对物象形体的描绘。蒙克的《呐喊》色彩处理得单纯，对比强烈，从色彩和笔触中可以感受到画家的内心的极度恐惧，画面色彩传达给观众一种强烈不安和恐怖感，似乎是用色彩来把画家的激情传达给观众。意象色彩—作画时强调主观意象，物体的色彩仅作为参照和启示，以主观的、自由的、意象的色彩组织画面，与中国画讲求“意象，”“不求形似，但求神韵，”以“似与不似之间”为审美法则有相同之处。《农庄》是一幅记忆画，画家将自己生活过的地方、房屋、树木、马羊、生活用具等有秩序地摆布在画面中，金黄色的基调，组成一个充满亲密和幻想气氛的画面。意象色彩不是一味地背离自然，随心所欲，而是通过夸张手法表现物象的精神实质。只有具备一定的色彩修养后，才能自由地驾驭色彩，概括、深刻地表达某种主题和思想感情。

2．构图中注意引起观者情感上的回应

构图中明暗对比度的选择能影响观者对空间的认识与情感上的回应的方法有： 第一、互衬法

黑色物体在白色调的背景上呈现强烈的对比，物性甚为突出。把背景的色调加深，这样减少了黑色物体的份量，由于互相衬托，使黑色物体在空间里产生前推或加溯的效果。

第二、深浅法

一般而言，白色与其他对比色放在一起了，可以令人产生较近距离的感觉，而灰色系列则产生较远距离的感觉。

第三、配置法

构图中画面明暗的不同配置，会产生不同的效果，画面中同样的线条和形状，若加上不同位置的明暗分配，将会产生不同的画面效果。因此，我们能根据内容的需要来设计构图中的明暗位置。

第四、混合法

利用明暗度的混合特性，能使所欲表达的物体如同大家熟知的素描效果那样，更为细致和逼真，使画面产生深度的空间错觉感。

结语

油画风景写生有自身独特的艺术语言，是对自然的感悟，人性的表达，它并非单一的技艺手段，而是超越本性，走向精神宿求的艺术形式之一，它抒写着个人对世界的情怀，感悟着自然的奥妙与博大，并在逐渐的发展中，成为寄寓抒情，指向人文的情感载体。本文对油画风景写生的艺术语言与情感表达作了阐述,分析了二者的关系,期待能对油画风景写生者提供一些有益的参考。

参考文献

油画技法与情感表达的关系研究 第6篇

关键词：油画技法；情感表达；关系

1 油画绘画的基本技法及其重要性

1.1 油画基本技法

油画作为艺术的一个门类，想要达到一定的艺术成果不是一朝一夕即可完成的，这是一门需要日积月累的工程，仅油画的基本技法就不胜枚举，而且每一种技法都需要长期的训练才能达到炉火纯青、运用自如的境界。油画的基本技法是油画绘画的基础，是一幅油画作品完美呈现的前提。通过基本技法，绘画家可以将自己想要表达的形象更加传神地表现出来，通过技术来完成细节，能够起到加强艺术效果的作用。首先，油画包括形色点线面、笔触、机理、空间、构图等多项造型因素，其次，它还包括多种基本技法，比如拍、摆、搓、揉、扫、跺、拉、砌、划、刮等。这些技法是客观存在的，主要看绘画家如何去运用这些技法来将自己想要表达的内容呈现出来。

1.2 油画技法的重要性

油画的基本技法是油画家诠释人物形象的基础，对于不同的人物形象和细节，需要运用不同的技法才能达到理想的效果，这一点和书法有异曲同工之处，仅凭一种方式不可能将细节之处的微妙表达出来。这一点我们可以借助达·芬奇《蒙娜丽莎》来解释。《蒙娜丽莎》的完成不是一朝一夕的，相传前前后后花了十年的时间，达·芬奇借助了几乎所有的油画技法，并遵从一定的科学和光学原理最终才将这幅作品展现在世人面前。

2 油画中的情感表达

19世纪以前，绘画家们的笔触重点描绘的是自然风光和客观的人物画像，机械地将自然界的风光描绘在画纸上。18世纪以后，人们的精神世界更加丰富，创作的源泉不仅来源于生活，更来源于自己的所思所想。画家开始将自己的情感表达在自己的作品之中，开始用绘画来抒发自己的心情。油画从此变成画家们表达自己真实情感的一种媒介，甚至有画家对于现实人物形象和客观事物开始以抽象、想象的形式来体现，使得原有的风貌和最终呈现出来的作品有很大的出入。比如印象派画家梵高，他以奔放的、常人无法理解的笔触去表达他满腹的不安与焦虑，使得那些看懂其作品的人不禁惊叹不已，感叹于这个天才发狂的内心世界，对其不幸的生活遭遇和焦虑的内心世界表示同情和理解。情感由起初的不被重视，到如今已然成为一幅作品的灵魂，从徐悲鸿到张大千，从米开朗琪罗到达·芬奇，古今中外有很多画家都通过油画表达自己的情感。毕加索通过《格尔尼卡》表达故国被法西斯侵略的民族情仇；罗力中用《父亲》刻画出我国勤劳的农民形象，那是一代人的父亲，是一个民族的记忆。

3 油画技法与情感表達之间的关系

3.1 油画技法促进情感的表达

关于油画技法对于情感表达的促进作用，大体上笔者在前文已有解释，但是，从细节之处尤能体现出技法对于情感表达的促进作用。首先，油画中色彩的运用可以渲染情感。不同的色彩除了客观上给人带来不一样的视觉体验之外，其本身也蕴含着一定的情感寓意，比如蓝色表示忧郁、红色表示热情似火、黄色表示温润、绿色表示生命和希望等。其次，即便是同一种颜色，也有深浅厚薄之分，画家在刻画一定的形象时借助不一样的颜色和同一种颜色的不同色度实际上都在表达一种隐含的情感，只有将这些颜色所具有的意义拟清才能更好地去理解作品。

另一方面，线条的描绘也是画家表达情感的一种方式。不同的线条，凭借其不同的粗细和下笔力度的不同都给人不一样的视觉体验，从而触动不同的神经细胞。画家席勒在其代表作《干洗房》中，借助不同的笔触和线条对人类的生死进行了一定的思考，将忧郁、死亡的气氛从画纸上拉到现实世界中来。

3.2 情感表达对于油画技法的反促进

通过娴熟的油画技法可以使画家的情感跃然纸上，这一点不难理解。但是，很少有人会想到情感表达对于油画家的绘画技法和作品的整体呈现也有至关重要的作用。作为一个油画家，应该有高尚的思想境界和情感修养，要有高尚的艺术追求，更要有热爱大自然和大千世界的心。很多画家追名逐利，在浮躁的社会里不能保持本心，随波逐流，迎合低级趣味，最终导致其作品生命力不强，难登大雅之堂。油画的创作者是画家，画家的个人修养和思想境界决定着油画作品的艺术价值和审美高度。一个趣味低级、修养不够的画家，即便掌握多么惊为天人的绘画技巧，也很难完成一幅举世的作品来。因为画家自身的情感修养决定着绘画的高度。因此，油画作品要想有一定的艺术价值，其创作主体的个人情感表达至关重要，必须有足够的文化知识底蕴和高尚的情操来作为支撑，否则都只是空中楼阁。

3.3 油画技法和情感表达的统一

情感的培养与表达 第7篇

一、情感表达的意义

1、拉进创作者与演唱者之间的关系,让学生能够真正的走进歌曲的深处。任何一个作品都是创作者的情感结晶。在高校中进行情感表达的培养的基础就是分析歌曲创造者生活背景等等,这就使得学生能够真正走进他们的生活,走进歌曲的深处。

2、能够使得声乐演唱有韵味。我们之前的声乐教学中,过分的强调了声音技术,以及演唱方法,忽视了情感教学。因此很多学生的声乐演唱没有一点感情可言,他们的演唱是机械的、枯燥的。再美丽的音乐都是行尸走肉。但是情感教学的加入改善了这一状况。声乐演唱开始富有情感,开始让听众感受到了美。

3、情感培养能够锻炼学生各方面的能力。情感表达通过一系列的方法进行的。例如我们通过自身的想象来表达情感。这就间接锻炼了学生的想象力等等。情感不是说加入就能加入的,它需要很多方面的支撑。在声乐教学中老师会对学生的理解能力,想象能力等等各方面的能力进行加深培育。这就使得学生的素养得到了提升。

4、会让高校学生更加的喜爱声乐演唱。以往的声乐课上,老师总是先给学生师范唱一次,告诉学生怎么变调,怎么转音。然后就要求学生按照老师说的内容唱出来。声乐课毫无情趣。但是情感表达改善了这一情况。要想让学生都能把情感唱出来,老师必须要带领学生一点一点的进行分析。要明确创作人的生活背景,要知道歌曲的内涵等等。这样的声乐课有内涵,有目的。这就会让学生更加的喜爱声乐演唱。

二、高校声乐教学中学生情感表达培养存在的问题

1、对于作品的本质和内涵理解不够深入

歌唱作为一种重要的艺术性音乐语言,实现了旋律、诗词两个要素的结合,从而实现了对于音乐形式的表达。这种艺术形式区别于纯音乐,纯音乐较多地强调意境,在聆听的过程中实现听众本身情感与音乐音符本身的完美结合,以此来更加深入地提升对于作品本身的感悟能力;而对于歌唱来说,它较多地强调具体化的音乐表现形式,通过对一个具体的影像的描述,能够让听众对所要表达的内容有更加深入、实在地了解。在演唱过程中,实现对于作品本身情感及创作者思想的真实表达成为了至关重要的问题。很多时候,学生对于作品的本质和内涵理解不够深入,影响了音乐的表达效果;有些演唱者缺乏对于作品的理解,往往通过自己主观思考来对作品内容进行理解和认识,从而将作品本身局限在狭小的范围之内,降低了作品本身的美学特色。

对于学生来说,因为每一位学生本身的理解能力、文化阅历、思维方式、情感分析能诸多方面也有不同程度的差异,所以在进行作品内容欣赏和体悟的时候,往往不能够实现对作品风格和情感的准确把握。在这种情况之下,学生就很难实现自我思想情感与歌曲作品本身核心思想的统一,从而致使歌曲中原有的思想感情得不到最真实有效的表达,这对于歌唱者本身发展和声乐作品内容的生动呈现都是尴尬的。对于声乐教学效果的提升十分不利。

2、学生的个人表现能力不足

学生个人的表现力在一定程度上决定了高校声乐教学的效果。对于声乐作品来说,要想从根本上提升作品的表现力,必须要实现优秀的作品与高超的表现力的结合,从而来从根本上为听众呈现美妙的情感体验,更深地理解声乐作品内容,实现思想情感的绽放。但是,从目前的高校声乐教学现状来看,不少的学生由于个人表现能力不足,在一定程度上削弱了作品的情感表达效果,对于完整化的声乐体验产生了很大的负面作用。第一,对于声乐表演来说,这是一种依靠天分和天赋的艺术,学生天生的表现能力也根本上决定了表演效果。很多学生天生缺乏对于声乐本身情感的理解和分析,缺乏对于音乐本身的敏感性,加上悟性也不高,这在根本上降低了对于声乐本身的理解和掌握,无法生动地再现作品的情感内容。第二,对于不少的学生来说,有些演唱者,在进行音乐表演的时候,弱化了自己所能掌握的技巧范围,忽视了“人体乐器”脆弱的一面,从而在选择歌曲的时候与自己的能力相违背,忽视了对于作品情感和思想的表现与加工。总之,学生的个人表现能力不足,在很大程度上影响了声乐表演中学生情感表达,这在根本上降低了高校声乐教学质量和效果。

3、学生本身的心理素质有待提升

对于高校声乐教学来说,要想让音乐作品本身的情感性得到最大化地表达,必须要提升学生本身的心理素质。一个自信的演唱者,能够实现对于作品内容的生动诠释,这首先是对自身的演唱能力的自我肯定和自我认可,能够从容地应对演出现场,在发生诸如话筒、音响等出现意外的情况时,能够从容面对。但是在目前很多高校声乐教学过程中,不少学生在练习声乐表达的时候做不到心理的从容性和客观性,特别是对于观众的表现和影响,很多学生都无法全身心地演绎作品,难以用最佳的状态去进行表演。此外,对于不少同学来说,他们在进行演唱的时候,总会有较多的顾虑,比如在演唱之前总考虑歌曲的高音能否上得去,是否会被听众所认可等,以至于不能全神贯注地投入到歌曲表现中去,这样就会在无形之中加大自己的心理压力,不利于从根本上提升声乐表达效果。总之,学生在对声乐作品进行诠释和表演的时候,必须要调整、端正自己的心态,抛开一切杂念,轻松地投入到具体的声乐表演中去,以此来投入到具体的表演情境中,逐步进入角色。因此,在平时的工作和学习中,必须要充分地给予学生足够的实践演出机会,让他们能够在实践过程中强化自我对于声乐的掌握和了解,培养自身的舞台感觉。只有这样,才能够在紧张的表演氛围中坦然自若。

三、怎样做到情感表达

1、在歌词中体会情感。歌词是构成声乐作品的重要元素符号,在平时的声乐表演过程中,要首先学会对作品文本本身进行有效的理解和掌握,从而来不断地提升对于作品内容的整体认识。对于整部声乐作品中的句子、词语等内容进行充分地分析,仔细地体会其中所酝酿的作者的情感,并对之进行深入地分析和了解,从而来提升个人的感知能力和体悟能力。俗话说:“未成曲调先有情”。歌词是音乐作品的灵魂。歌词中往往包含着很多的内容。例如,《北京欢迎你》这首歌。我们分析完歌词就能很快的感受到歌词中主要表达的是中国人们对世界人们的欢迎之情。所以我们在唱歌的时候,要以主人翁的角度来唱。要表达出我们见外宾的愉悦心情。通过对歌词的初步感悟,学生也就能初步的把握好整首作品的情感了。

总之,在进行声乐表演的时候,必须要充分地将歌词本身与声乐情感有效地结合起来,以歌词为词眼来进行声乐情感的揣摩和体会,从而来更加深入地对音乐作品本身进行有效的把握。以此来从根本上提升学生对于歌词的理解,便于更加深入地掌握创作者的情感和态度。

2、在旋律中体会情感。旋律能够直观的体现作品的情感,每一首歌的旋律都是独特的。旋律是指通常指若干乐音经过艺术构思而形成的有组织、节奏的序列,是音乐的首要要素。具体来说,声乐旋律主要包括旋律线、节奏和曲调等多个要素,它们共同构成了声乐表演的主要内容。在声乐练习过程中,积极掌握其中的旋律性,能够帮助我们更加深入地对作品本身的情感进行分析,从而来不断地提升作品的本质内涵。在声乐教学中,我们老师要先把曲调重复播放。让学生多听几遍旋律。然后我们可以问问学生在这个旋律中听出了什么感情。例如,《义勇军进行曲》。整首歌的旋律激扬慷慨,充满了斗志。不像别的歌曲旋律那么柔,那么慢。它的旋律是很急促的。这也就表达出来歌曲的整体情感。我们老师要带领学生来分析整首歌的旋律,对整个作品有个大致的情感定位。

声乐表演本身就是旋律与情感的高度融合,在具体的表演过程中,应该不断地对旋律这一要素进行深入地分析和表达,能够从根本上了解声乐表演本身的艺术特色和艺术内涵,从而来不断提升声乐表演的鉴赏力,为听众提供有效而丰富的艺术盛宴。

3、想象中激发情感。想象能力作为艺术创作与艺术表演中不可或缺的重要因素,它在根本上影响了艺术创作的有效性。与此同时,具备丰富的想象力,能够在根本上促进声乐作品情感的表达,从而来从根本上保证声乐艺术的传承和传播。因此,为了更加深入地对声乐作品情感进行诠释,必须要不断地培养学生的想象力,实现想象能力与情感表达的有效关联,只有如此才能够从根本上提升声乐表演的艺术效果和艺术魅力。作品想象建立在声乐演唱者对整首歌曲原有表象上。通过对歌词以及旋律的研究。学生已经能够初步的把握整首作品的思想情感。但是光有这些是远远不够的。我们老师还要激发学生的想象。让他们通过想象创造者的历史背景等等,来进一步激发自身的情感。

例如《祖国永在我心中》这首歌曲。我们可以让学生想象自己就是歌曲中离开家的漂泊不定游子。想象自己在外面流浪,吃了很多苦,受过很多累。但是身处异地还是不能回到自己国家。通过这样的想象,学生就能更加深切的感受到创造人的凄苦,孤独的心境。通过想象的训练,学生就能更深一步的在声乐演唱中加入自己的情感。他们演唱出来的歌曲也就变得有血有肉。可以说,丰富的想象力能够引导学生展开联想的翅膀,从而来感同身受地对作品内容进行重新呈现,有助于帮助学生更好地融入到具体情境之中去,以此来不断地提升对于情感的把握和认识,这对于从根本上强化情感表达有着无比重要的促进意义,进一步地增强了声乐作品的艺术性和审美性。

4、多给学生体会生活的机会。艺术源于生活。声乐作品是创作者对生活感悟之后创作出来的。对于声乐作品来说,良好的生活背景和丰富的生活经历是诞生艺术的重要源泉,这两者是不可分割的重要整体。因此要想从根本上提升学生对于作品情感的感悟和体会,必须要不断地增强学生对于生活的体验和体会,从而来从根本上提升他们对于生活的理解和洞察,这对于强化学生的感悟能力和认知能力有着无比重要的帮助作用。特别是对于声乐艺术来说,只有深入地将作品内容与生活紧密地联系起来,才能够更加有效地来体会作品的内容和情感,从而强化个人的艺术表达能力和分析能力,提升声乐艺术鉴赏力。

我们现在高校的学生,他们从小娇生惯养。生活的很简单也很容易,没有吃过那么多的苦。在声乐课上,他们的情感往往不能爆发出来。正是由于他们生活的太安逸,不能体会到作品创造人的生活境遇,所以表演出来的歌曲往往都枯燥、乏味。例如,《小二黑结婚》。我们国母“彭丽媛”。她之前在太行山区农村待过一段时间,她有深刻的体会。她能明白小芹的境遇。因此她演唱出来的歌才会更加的动容,才能形成演唱者与聆听者的情感共鸣。因此在有条件的地区高校,我们老师可以带学生出去亲身感悟,增加生活体验。没有条件的地区,我们可以多给学生播放几个视频,多讲几个实际故事。让学生增加生活感悟。

5、要注重声乐技巧的训练。任何事物都离不开技巧。缺少技巧的演唱是失败的演唱。我们在加入情感表达教学的同时,也不能忘记对声乐技巧的教育。技巧不仅可以让我们的演唱变得简单而又动听。还能够充分的表达出我们想要表达的情感。在进行声乐演唱的时候,我们必须要对声乐技巧进行足够的重视和充分的提高,从而来从根本上提升声乐艺术鉴赏力,强化我们对于声乐作品的情感认知。在进行声乐训练的时候,我们要从高的位置、深的呼吸、稳定的喉头等几个方面来对声乐表演进行生动诠释,从而用优美、得当的曲调来赢得听众的认可,从而不断地提升作品表达中的审美特色和情感特色。此外,在整个声乐表演过程中,应该注重“松”的尺度,全身松弛,包括腹肌、胸腔、喉头、口腔、面部、手、脚、心全部放松,从而给人开阔、自由、回旋的感觉。只有掌握了这些表演技巧,才能够更加深入地对声乐内容进行深入而生动地呈现,以此来不断地实现对于作品情感的有效表达。

例如《春天里》这首歌。旭日阳刚饱含情感的演唱唱哭了一堆人。但是我们在听的时候,总是会感觉他们在高潮部分唱的很累,几乎要断气的感觉。这就是他们缺少技巧的表现。如果旭日阳刚能够在稍微的加入一点技巧,再配合着自己深情演唱。我相信他们的聆听者会更加的多。

6、加大对学生情感调控的培养。任何一首优秀的歌曲不是从头到尾都是沉闷抑或欢快。一首歌曲中必然会有很多的情感。这些情感是多变的。“文似看山不喜平”,对于声乐的表达亦是如此,要想从根本上提升声乐表演效果的有效性,就必须要实现对于各种可变情感因素的体会和理解,以此来不断地提升对于作品情感的感悟和诠释。在进行表演的时候,必须要学会指导学生来进行情感的指导,让他们体会到情感的多变性和丰富性。因此我们老师也要注意对学生情感调控的训练。在之前的演唱中,有些人会因为自己情绪失控,出现破音的问题。这一下子就降低了歌曲的美感。还有一些学生在唱歌时候不能控制自己的情感。例如老师在教《小白菜》这首歌时。很多人上课之前极度兴奋。他们的很难唱出凄苦可怜的感情。因此,我们老师要注意对学生情感调控的训练。在课上我们可以和学生做一些情感转变测试,例如一分钟哭。一分钟笑等等。为饱含情感的演唱奠定基石。

总之,好的演唱不仅需要技巧,还需要我们投入感情。在高校的声乐教学中我们老师要多学生的情感表达进行培养。让每一个学生的演唱都变得有血有肉。

摘要：随着我国改革开放政策的实施,我国的经济、政治以及文化都得到了迅速的发展。社会越来越需要具有综合能力强的人才。因此,在这样的社会形势背景之下,我国开始对教育实施全方位的改革。音乐作为提升学生综合素质,培养学生审美情趣的重要科目也逐渐受到了人们的重视。情感是一个人素质的重要的一部分,他对一个人的发展起着极其重要的作用。只有富有情感的声音演唱才能真正的打动人心。因此,在我国高校的声乐教学中必须培养学生的情感表达能力。本文首先说明情感表达培养的重要意义,然后给出了怎样在高校声乐教学中培养学生的情感表达能力。

关键词：高校,声乐教学,学生,情感表达,培养

参考文献

[1]张波.演唱实践中感情与声乐技巧的关系探究[J].吉林省教育学院学报:上旬,2014(12).

[2]黄滢滢.基于情感表达的声乐演唱技巧[J].艺术时尚:下旬刊,2014(9).

声乐艺术的情感与表达 第8篇

一、词意挖掘要深

1. 了解歌曲的创作背景

作曲家特别的人生经历与社会背景是他们创作的灵感, 即使是同一个作曲家, 不同的社会环境创作出不同风格的声乐作品。只有搞清楚歌曲的创作背景, 才能更好地表达歌曲的内容, 恰当地抒发情感, 表现歌曲中真正的情感意义, 表达词曲作者创作时的用意。比如舒巴尔特词舒伯特曲的《鳟鱼》这首歌, 从表面上看, 表现了小溪中鳟鱼的悠然自得, 钓鱼人静心垂钓的场景。然而作者是想通过鳟鱼的遭遇, 表达对鳟鱼的命运无限同情与惋惜的心情, 揭示善良与单纯往往要被虚伪与邪恶所害的深刻内涵。了解这些, 歌曲的思想内容与情感表达才能准确定位。再如《我住长江头》这首歌, 原是北宋词人李之仪写一个女子对爱人的真切执著的思念之情。但由于曲作者当年正被反动派通缉, 作者想通过古代的爱情词, 寄托对战友的思念, 渗透对美好明天的向往。如果演唱时不了解这一点, 往往就会唱得委婉柔美, 而表达不出那种亢奋的力量。

2. 从歌词中体会作品的真正涵义

理解作品的内涵是演唱的基础。作品的真正涵义既是作者所要表达的思想感情。任何一首歌曲作者的强烈情感都蕴藏在每个音符之中, 拿到一首歌曲歌唱者要先反复朗诵歌词, 在朗诵中加以情感化, 从中去体会情感的起伏, 在朗诵中认真发掘和领会作曲家所处的时代背景、特定环境和思想感情。对作品的理解、感受越深, 在演唱时的表达越纯真、越完美。声与情表现的越淋漓尽致, 越浑然一体。因为只有在理解作品内涵的基础上, 才可能做到真情的表达。才可能产生震撼人心的艺术效果, 才可能让听众得到美的情感享受。

二、情感基调体验要准1

基调准确有助于内容的表达与主题发挥。每首曲调都有一个情感基调, 是坚毅豪迈, 是凄清哀婉, 是欢乐热情, 是雄伟壮丽, 还是真挚自然等, 演唱者只有把握住情感的基调, 才能准确地揭示歌曲主题。例如《谁不说俺家乡好》是以山东民歌为基调, 旋律舒缓明朗, 充满浓郁的乡土气息, 表现了人民对家乡和解放军的热爱、赞颂之情。歌词运用了“一座座”“一朵朵”“一片片”“一阵阵”等一系列排比, 配上优美清纯的旋律, 一幅喜人的丰收画卷展现在听众的眼前, 同时明亮、甜美的基调使人感受到军民鱼水情深。演唱时要准确把握亲切、朴实、深情的情感基调。如果基调把握不准, 曲调也随之被歪曲了, 而曲调主题就自然得不到准确的表现。

三、演唱技巧要活

节奏速度是音乐作品的命脉, 演唱歌曲中一定要根据作品的内容、根据情感的需要去调节最适合的音色来演唱这些作品, 安排好强弱的对比, 处理好每个呼吸的地方。2

1. 掌握歌曲的节奏

节奏是音乐的支柱、乐感的核心。它犹如心脏跳动不能有任何差错, 否则就会面目全非。要把握好节奏应注意节奏的各种关系。

(1) 快慢关系:唱快速的曲子, 要做到快而不乱, 这就要求内心必须有稳定的节奏感;而唱慢的曲子, 要做到慢而不滞, 要注意流动感, 否则就会把人带到沉重呆板的意境中去。

(2) 强弱关系:强音是为表达作品的强烈情感而设置的, 在唱强音时, 要运用弹性呼吸高位置的发声, 表达出来、唱弱音, 并不是声音的位置随着音量减小而简单的降低, 相反, 弱音的高位置比强音的高位置难度更大, 在表达情感时, 弱音的效果有时比强音的效果更深刻、更感人, 更让人回味无穷。

2. 调节歌唱音色

歌唱的音色有许多种, 大体分为明亮积极的和较暗低沉的。演唱技巧及其运用, 对音色的影响是很大的。演唱者要掌握发声技巧, 形成宽厚结实、纤细灵巧、粗糙混浊等不同的音色;演唱者歌唱呼吸对歌唱音色也起到制约的作用, 利用呼吸气流对发音器官所产生的作用方式和相应的力度, 形成铿锵有力、丰满柔和、圆润舒缓、富有质感的不同音色;正确积极地调配吐字器官, 会获得良好的音色效果, 歌唱者吐字时唇的动作发生圆扁变化时, 音色便会相对的圆扁变化, 吐字时当软腭高抬内口腔张大, 音色便会变暗, 反之, 则音色明亮。所以, 演唱者要根据所要表现的艺术作品的需要, 调整音色。

总之, 情感表现是声乐艺术生命的灵魂, 它能真实地表达人物内心的情感世界、思想意境、精神世界。因此演唱者要全身心投入到作品创作的艺术表达中, 要千方百计通过美妙的声音去表现作品的思想感情。也就是必须做到:“词意挖掘要深”“基调体验要准”“演唱技巧要活”!

摘要：随着社会经济的发展, 人类生产力水平的提高, 音乐成了人们生活中不可缺少的精神食粮。音乐能直接抒发和表达人的内心感受, 是一种情感艺术。而音乐中的声乐是能最直接、最明了表达人内心感受的艺术形式。本文就声乐艺术的情感与表达的问题谈几点个人粗浅的认识, 与同行共勉。

关键词：音乐,声乐,情感,表达

参考文献

[1]钟家明.情感表达——声乐艺术创造的核心.湖北师范学院学报.2006.3 (50) .

声乐演唱技巧与情感表达的审美体验 第9篇

(一) 应具备的演唱技巧

当拿到一部作品时, 目的是为了要将这静止的声乐作品, 通过科学的发声方法和技巧, 用发自内心的情感去尽量完整的演绎原作者的音乐风格, 去勾勒最真实的音乐形象。在平时的训练中, 要尽量做到客观、理性的思考问题。在声乐演唱中所要学习的基本技巧有呼吸、发声、共鸣和语言四个方面。

1. 呼吸

“善歌者, 必先调其气。”呼吸是演唱的起点, 是歌唱者成功演唱的必备基础。在技术和艺术上, 正确的呼吸为良好的歌唱打下基础, 是歌唱的动力, 任何好的、自然的、科学的、艺术的唱法都是有呼吸支持的。虽然声音的活力, 艺术感染力都需用呼吸做动力来控制、支持, 而笔者还是不主张在训练中一味的强调呼吸, 那样会使部分肌肉过分僵持, 但是呼吸的原理和基本训练还是必须的, 主要是在唱歌中要正确呼吸, 合理运用气息。

呼吸是两个动作一吸一呼, 那么也就形成了两组肌肉群, 一个是吸气肌肉群, 另一个是呼气肌肉群。歌唱的吸气要用鼻子和嘴一起吸, 可以吸的比较深, 可以用闻花来比喻, 吸气的那一瞬间整个身体要松的感觉, 就像闻到湿湿的泥土的味道很清新很放松很舒服;呼气时要保持吸气的状态, 不能完全懈掉, 否则唱不了一个四小节乐句就没气了。也就是说正确的、科学的呼吸应该是吸进气以后, 呼吸肌肉群不能放松, 必须保持吸气的状态与呼气肌肉群构成对抗, 产生压力, 把气用的均匀而有控制, 这样来支持歌唱。

笔者认为这两种方法能很好的感觉气息的深度和位置:一是弯腰90度, 两手放松自然下垂或是手叉在腰间, 两脚分开站稳, 这时吸气, 你会感觉到后背、后腰膨胀;还有一种方法是坐在凳子的一个角, 胳膊肘放在膝盖上, 这时吸气也会有上述那样的感觉。这就是歌唱所要具备的深呼吸, 我们经常听到气沉丹田之类的词, 笔者想说的是在这点上是根据作品的表情去判断的, 所以要活用, 有时需要浅些有时需要深些, 要全面的看不要单一理解。

2. 发声

声带是发声体, 是给基本音的地方, 是音源。凡是健康的嗓子都是有两种机能的:一种是发真声, 真嗓子的技能, 也叫重机能, 是整个声带都在振动;一种是发假声, 就按嗓子的技能以现在的科学名词叫轻机能, 是指声带边缘振动。

在练声中占比例最大的就是调整真假声的比例, 真假声混合比例好不好, 决定于你如何用声音, 决定于你是不是充分地用了共鸣, 如果你充分地用了共鸣, 你是否用最小力量唱出最大效果, 用最少的本钱得到最大的共鸣这样的唱法不仅能穿的很远, 而且歌唱生命持久;相反, 就会出问题。这是声乐学习的一个攻坚战。在平时练习中, 不是只练一个音, 必须把上上下下整个声部都能够真正的统一、平衡, 练得年头多了, 对自己的乐器熟了, 使用起来就有把握了。每个人的声带结构都是不同的, 性格、敏感度也不同, 所以应该在练声曲中做点文章, 比如用滑动加四声断奏的练习可解决声带不灵活, 声音不流动的毛病。

微颤和收放是演唱作品时经常使用的发声练习, 微颤也有许多老师称之为高泛音, 只是叫法不同。一个好的、自然的颤音, 大体上包括好的发声, 笔者认为是一种非常快速 (一秒内颤动六七次) 的短音波, 紧密结合有规律的振动。它能给作品增添活力, 弥补情感的不足;收放也称单音强弱变化, 意为同一个音上渐强渐弱, 从弱到强再到弱, 形成一个枣核状, 让每个音都没有痕迹的连接在一块。我们应构成一个简单分级的训练系统, 从而赋予声带肌肉的柔韧性和易感性。在舞台上演唱时能让人感到那么的轻松、舒畅、自如, 这是良好的发声结果。

3. 共鸣

仅声带发出的声音很小很单薄, 很不好听, 不能成为歌唱的声音, 要靠共鸣把声音扩大和美化。人声、乐器都一样, 打开腔体, 让声音通过腔体振动共鸣再发出来的声音就成为优美动听的歌声了。

共鸣体有头腔共鸣、鼻腔共鸣、胸腔共鸣等等, 在歌唱发生过程中, 所有的共鸣腔体都要起作用。按照演唱所需的呼吸来吸气、用气, 在唱之前, 呼吸有准备, 共鸣腔体也有准备, 保持住吸气状态, 腔体随之打开, 不需要用比呼吸更大更多的力量去打开腔体, 也就是说在吸气的同时打开腔体, 吸气与腔体的准备是一回事, 不需要另有动作去打开。笔者认为吸气、喉结下来, 小舌软口盖上去, 这些是一个动作, 就用这个状态来歌唱, 你所需的共鸣就有了。

4. 语言

声乐是人声唱出来的带有语言的音乐。人类语言中的语音, 有两种音构成, 一是原音又叫母音, 一是辅音又叫子音, 在汉语拼音里称为韵母和声母。歌唱是主要唱好元音, 因为人声发出来的能延长的音基本上都是元音, 汉语的基础元音有a、o、e、i、u, 唱好元音能使声音流畅, 美化而富有色彩性, 我认为这很重要。

一个字包括字头、字腹、字尾 (归韵) , 每个部分都要交代得清清楚楚, 字头都是辅音, 这时要按标准的位置放, 但要轻巧、快速;字腹可延长, 是元音, 元音的位置稍靠后, 贴近咽壁;字尾必须归韵, 否则字会变, 如mang (忙) 不归则成man (慢) 。

我们所唱作品大部分是有词歌, 所以必须讲究咬字, 正所谓字正腔圆, 魏良辅在《曲律》中也提到:字清、腔纯、板正。我对字正腔圆是这样理解的:元音念得准唱的对, 辅音突出的够标准耳朵听着绝对正确, 那么腔也就润了。

歌唱不能用易或难来诠释, 我们必须把握好以上所谈的四点, 多想、勤练, 才能提高我们的演唱技能, 做到游刃有余。

(二) 演唱中的情感表达

道家的音乐思想主张归于自然和天性, 反其天心, 去其伪诈, 是以天真自然为美的自由精神。笔者很赞同这样的观点, 有很多音乐人对情感的表达让人望而生畏, 很夸张。例如很多比赛中, 有些选手的情绪并不是发自内心的, 听着她 (他) 的歌声丝毫没有心动, 手势、表情都是那么的机械、娇造的, 这样能完全表达音乐的本身的内涵吗?事实上, 古今中外的歌唱家无一不是以情带声, 以情唱字, 以字行腔的, 演唱要做到声情并茂。

《乐记》中提到:“凡音之起, 人心之动, 物使之然也, 感于心动, 故形于声”。其实这也说明的是歌唱是由情感而发的, 在我们演唱之前, 一定要读谱, 每个曲子都有它特定的情节和思想内涵, 我们在某种程度上属二度创作, 体验词曲的情感, 演唱出来才能扣人心弦, 同时要不断的提高我们自身的文化素养, 才能更好地表现音乐, 没有人文内容, 自己不能理解或是理解不深, 连自己都感动不了, 谈何感动别人, 博学才能更深的理解和诠释作品, 才能加强表现力。

(三) 技巧与情感的关系

优美的声音是表达感情的基础, 两者相辅相成。技术是为情感服务的, 虽然技术也可帮你承担一部分的情感表达, 如:微颤、收放可以表现音乐的情绪, 使声音流动有层次, 让人听了不是那么的平, 可是那毕竟是做出来的, 就像原版伴奏和MIDI伴奏的区别一样, 不够深邃。这也就是说, 作为一种艺术的创造, 自然讲求发声上的完美, 如果不掌握一定的声乐技巧, 再动人的情感也无法传递给听众。相反, 如果在技术上有问题解决不了, 只要理解了作品的内容分析了整个曲子的意境, 情绪到位了, 也可帮助技术表现音乐, 所以说, 技术和情感是相互制约, 相互协调, 并重而行的。

在发声训练中不要使技巧和情感脱节, 我们可以运用有情境的歌词穿插在练习发声中, 带动技术的进步。如:《半个月亮爬上来》想着月亮从山的那边悄悄地爬上来时, 那种宁静、安详、美好的情境, 随着半音半音的升高, 想着月亮越升越高, 这样的意境可能更有利于解决声音上的统一, 以情带声。

(四) 结论

我们只有努力探索技术和把握情感的表达做到声情并茂的歌唱表演, 才能赋予作品以生命活力。在笔者看来, 声乐学习是永无止境的, 需要用毕生精力去探索研究。随着时间的推移, 我们的认识和经验不断增长, 技术上不断提高、用心去感受音乐, 把自己的情感表露出来, 呈现给听众, 从内心深处去感染他们, 才能在艺术天地里有所收获, 演唱出人们喜爱的歌曲来。

参考文献

[1]沈湘.声乐教学艺术[M].北京:华乐出版社, 2003.

[2]夏野.中国古代音乐史简编[M].上海:上海音乐出版社, 2004.

[3]应尚能.以字行腔[M].北京:人民音乐出版社, 2004.

[4]何乾三.西方音乐美学史稿[M].北京:中央音乐学院出版社, 2004.

[5]赵世兰.声乐表演艺术的几个理论问题[J].南京艺术学院学报, 2005 (4) .

探析动漫设计的情感表达与色彩设计 第10篇

一、色彩与角色造型的设计

动漫角色性格的塑造与情感的表达, 与其色彩的搭配紧密相关。动漫设计师根据动漫的情节发展设计出动漫形象的性格原元素, 并在这个基础上通过色彩的明亮度的变化以及不同色彩之间的搭配来表达动漫人物的性格细节, 以及性格的多元化以及在不同的情节中情感的多元化或者是协调与冲突。在这种策略下的关键是动漫设计的情感表达与色彩设计之间的多元组合的关系。这种色彩设计是否能够和情感细节进行有效的结合, 并且能够准确的被观众理解, 引起观众的共鸣, 是主要的核心元素。[1]

例如在动漫形象《奥运福娃》中五个可爱的, 又各具代表意义的福娃, 其设计师就巧妙的利用中国传统的色彩红、黄、蓝、黑、绿, 来表达不同福娃之间的代表性的情感。红色代表热情, 黄色代表上进, 蓝色代表稳重, 黑色代表深邃, 绿色代表生机。这种色彩的设计与福娃想表达的我国人民的情感紧密相连。

对于我国的动漫设计, 与其他国家相比是一门年轻的, 正在起步发展阶段的艺术, 如果在我国动漫设计中体现出中国动漫艺术作品的中国特色, 将动漫设计的情感表达与色彩的设计, 以及中国的传统文化精神以及传统的代表性色彩相互联系, 并且发展成为被世界公认的艺术形式是我国动漫设计的主要发展方向。

二、色彩设计与场景搭配

除此之外, 色彩的设计不仅仅能够表达情感的细节, 而且是提高动漫设计观赏性的主要手段。在动漫的简洁明快的山水景色设计中, 其色彩的变化和搭配也是情感表达的主要手段。简而言之, 色彩的设计不仅仅与角色的造型相互搭配, 与山水景色的情感表达也有不可断裂的潜在联系。色彩的情感表达与场景的相互搭配, 主要是通过不同场景的色彩的鲜亮与暗淡、冷色与暖色、以及色彩的纯度与混合来体现的。鲜亮、明媚的场景色彩与场景所代表的热闹和欢快已经深入人心, 很容易引起人们的情感共鸣。

例如在米老鼠活动场景的造型中, 无论是之前的二维设计还是现在的三维设计一脉相承的都是典型的迪士尼的风格。在场景与色彩设计的结合中提倡暖色调的运用, 在场景与米老鼠的形象造型对比中提倡两者之间的鲜明的对比度, 通过这种色彩的设计与场景的搭配有效的表达单纯、活泼、善良的米老鼠的思想情感。

在日本宫崎骏的色彩设计与场景搭配中, 又是另外的风格。其典型的代表就是色彩的柔和与鲜亮明媚。在场景与人物造型的色彩设计中提倡相互结合的关系, 反对色彩的突兀的深度与明亮度的变化, 正是这种色彩设计与场景之间的搭配表达了设计师纯真的孩童般的内心情感。例如《龙猫》的干净简洁, 《魔法公主》的柔和细腻, 《萤火虫》的凄凉与暗淡, 都是通过色彩的巧妙运用表达不同的情景下的情感主基调。[2]

三、我国传统色彩设计的继承与创新

我国动漫设计中的情感表达与色彩的设计如何学习和借鉴国外的先进经验, 并且又继承和发展中国传统的色彩是我国动漫设计与色彩之间的主要发展方向。

1、“拿来主义”与继承发展

在我国的动漫设计艺术作品中, 很多传统的优秀的动漫人物典型已经成为中华民族的固定的代表。例如《花木兰》、《海尔兄弟》以及《葫芦娃》等, 在这种传统的动漫人物形象中, 传统的中国式的色彩搭配给予观众典型的视觉冲击以及情感上的流露。这种“中国动漫学派”的色彩视觉语言, 在现代化的动漫设计中需要继续继承和发展, 并且与世界先进的色彩的搭配相互结合。这种结合就需要在传统动漫形象的改进中形成“拿来主义”与继承发展的创作流程, 主要包括前期的造型构思、风格确定、主色彩基调、制作工艺、细节设计、以及后期的市场推广、情感宣传这些环节都必须和我国的传统文化以及传统色彩相互结合。只有真正领悟中国传统色彩美学的内涵与外延, 并且借鉴先进的国际化制作工艺与设计技术, 不断拓展视野, 更新理念, 才能促使色彩设计与情感表达在动漫造型整个系统中的完善与发展。[3]

2、多元开放的创新

“传统需要创新”“真正的传统是不断创新, 不断前进的”在现代化的信息技术高度发展的背景下, 对于色彩的搭配也具有不同形式的解读与内涵的表达。如何将历史悠久的动漫造型中的色彩设计与现代化背景下的色彩搭配相互结合, 在动漫造型中既有效表达传统的动漫形象的中心主题, 又不会给观众老套, 俗套的视觉感觉, 是我国动漫传统设计造型现代化的主要任务。例如《三个和尚》的场景设计就存在传统与现代的区别。传统的场景造型仍是以寺庙为主要场景, 以暗淡的色彩设计表达作者对于角色中心思想的反对;但是《三个合唱》的现代版将以寺庙为主场景的设计转化为以城市的高速发展为主场景的设计, 并且搭配鲜明的色彩对比。设计师正是利用这种色彩之间的突兀对比, 颠覆观众对于《三个和尚》的典型的视觉印象与情感印象, 从而表达出三个和尚的现代化的情感, 即世界的高速发展已经给予普通的劳动人民造成了不可忽视的情感压力以及生活压力。[4]

四、小结

历史悠久的传统色彩的设计与开放现代的色彩设计相互结合, 有利于我国动漫设计师的思想表达与国际接轨, 有利于我国传统文化与现代文化的相互交融。因此, 在动漫造型的色彩设计时我们应该坚持继承和发展传统色彩设计, 坚持多元化的创新, 对于传统色彩设计进行现代化的突破。

摘要：色彩是感情与中心思想的主要的直接的表达工具。在动漫设计这种以视觉冲击来表达情感多元化与中心色彩的造型设计中, 坚持我国传统色彩的设计与现代色彩设计的国际化接轨, 是我国动漫行业发展的主要方向。本文笔者结合色彩设计与角色造型, 色彩设计与场景搭配, 我国传统色彩的继承与创新三个角度展开论述。

关键词：情感表达,色彩设计,传统色彩,继承与发展

参考文献

[1]贾盛霖.动漫影片中色彩的艺术魅力[J].艺术品鉴.2016 (04) .

[2]唐玉冰.动漫电影中色彩的艺术魅力分析[J].电影文学.2013 (18) .

[3]朱国金.论日本动漫的色彩艺术[J].中国儿童文化.2009 (00) .

简述小提琴的音色与情感表达 第11篇

关键词：小提琴；音色；情感表达

小提琴诞生在十六世纪，开始还是只有三根弦的乐器。在文艺复兴到来之时，小提琴经过不断改进，制作更加精致，使音色更加甜美明亮，活泼有力。十六世纪末，小提琴的演奏技巧非常纯熟，演奏家、作曲家对小提琴的青睐到了无以伦比的地步，有了很高的地位。十七世纪中期，小提琴取代了维尔琴，并把小提琴的制作成现在这个样子。

小提琴是在很多专业演出中担当重要演奏位置的乐器，它可以独奏、重奏和合奏。也是世界上许多国家都能接受的国际化乐器。在十七世纪以后，意大作曲家蒙台威尔第正式将小提琴编入乐团中演奏，并在演奏技巧上创造出很多方法，使小提琴音色更加丰富。为了创造出小提琴更先进和更高的技巧，具有小提琴技巧之父的意大利专业小提琴演奏家、作曲家克列里开始创作小提琴奏鸣曲式及管弦乐的协奏曲。因为不断有作曲家创作出新的小提琴乐曲，使得小提琴的发展更加迅速，并影响了古典乐派。到了巴洛克时期，因为小提琴音乐的进步，造就了室内乐的演出形式，小提琴的演奏技巧越来越复杂和多变，并在19世纪初由意大利小提琴家帕格尼尼使其达到最高峰。

小提琴诞生的五百多年来，以它优雅美妙的声音征服了很多著名的作曲家和小提琴演奏家，为小提琴倾注心血。同时还博得了无数听众的喜爱。

世界上著名作曲家和小提琴演奏家海菲兹、米尔斯坦、梅纽因、d·奥伊斯特拉赫、谢林、斯特恩等数不胜数。正是被小提琴的优美音色所感动，在小提琴乐曲的创作和演奏中做出了突出的贡献。

一、小提琴音色特点的分析

小提琴音色的基本特点可以分成三个方面：（一）音色含蓄典雅、细腻集中，华丽甘醇、忧郁神秘；（二）圆润明亮、浓郁豪放、浩然大气；（三）刚柔相济、宽松温暖、洪亮有度、诙谐中庸。能把小提琴音色用到极致的作曲家有贝多芬、门德尔松、勃拉姆斯等作曲家。他们在大量的作品中，运用小提琴的音色特点，刻画音乐想象，创造音乐色彩，让音乐表达情感更加丰富。用小提琴创造了绚烂精美、和谐善良、精致动人、隽秀婉雅的优美音色，贯穿在他们的作品中，让小提琴的音色表达出情感的内涵。

二、小提琴音色在演奏中的作用

小提琴音色在演奏中有着非常重要的作用，地位不可替代。小提琴的四根弦分别有其自身的音色特点。很多作曲家在其创作的作品中还会用特殊的标记来用某一弦来演奏，表现不同的风格。小提琴是乐队中一件不可替代的乐器，配得上乐器皇后的美称。

小提琴的音色在演奏中很多時候可以模仿很多声音。在罗马尼亚《云雀》乐曲里小提琴可以模仿云雀的鸣叫；在中国乐曲《苗岭的早晨》中，小提琴模仿鸟儿在林中清脆鸣叫声，创造了一个美丽和谐的大自然景象。更精彩的是小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》中，小提琴模仿女主人公与大提琴模仿男主人公的对话，哀婉凄厉，如同梁山泊和祝英台两个在互述衷肠。

小提琴的音色在演奏中会创造鲜明的音乐形象，并在音乐中起到特殊的作用，给听众留下深刻的印象，小提琴的模仿形象的作用和近似人声的特点常常为乐曲带来非凡的色彩和极佳的效果。

三、小提琴音色的训练和运用

在音色创造和训练过程中，首先要训练小提琴演奏者分清音色的级别。清楚各种音色产生的过程和方法。其练习方法可以先从保持压力和弓速不变，通过改变触弦位置来获得音色的色彩变化。这种方法的优点是触弦位置可以通过视觉来观察到并稳定下来，直到找到相应的音色，再通过反复的练习和对触点位置的熟记稳定住演奏的音色。当这种方法练习熟练以后，再分别通过变换触弦点，改变弓法和改变压力，创造更多的音色。当然还可以利用全弓练习，上半弓、下半弓、中弓等位置练习，通过这些练习，让各种音色的演奏成为下意识的控制能力。创造小提琴精美的音色是一个艰苦且漫长的过程，要付出大量的时间和努力。

四、小提琴的音色与情感表达

众所周知，艺术的灵魂就是情感表达。小提琴独特的音色和表现形式，无论是在音量上，还是音色上，以及演奏的弓法上都能创造出小提琴独特的音色。这些音色的变化为演奏者表达情感提供了丰富的表现的手法。小提琴的音色是演奏者表达情感的基本元素，情感表达是演奏者利用小提琴的音色抒发情感的过程。如何在乐曲中运用小提琴的音色变化来表达情感，要看小提琴演奏者对技巧和技术的掌握，以及艺术审美力的高低。小提琴音色在情感表达上的度很难拿捏，可以说一人一样，完全是演奏者对乐曲的理解和认识来决定的。

总之，演奏者与小提琴是相互依存的共同体。只有让小提琴成为演奏者身体的一部分，才能创造出小提琴美妙动人的音色。小提琴的演奏艺术是一门很深奥的艺术，从它诞生到现在，一直有探索者在推敲琢磨不断实践，创造出更加完美的演奏。经过几百年来对小提琴演奏技巧、技术和情感方面的不断创新进步，才让我们聆听的优美动听的小提琴艺术。但是，艺无止境，对于小提琴音色的掌控和运用，以及运用小提琴音色来表达情感的能力，还需要小提琴演奏者不断地探索和追求。

参考文献：

[1]刘建平.试析小提琴演奏的音色[J].湖南农业大学学报（社会科学版·素质教育研究），2007（01）.

[2]刘自力.小提琴演奏的发音问题[J].天津音乐学院学报，2001（01）.

亲情类文学作品的视角与情感表达 第12篇

一.苦难与悲情亲情类文学作品最偏爱的视角

“相养以生, 相守以死, 一在天之涯, 一在地之角”“死而有知, 其几何离?其无知, 悲不几时, 而不悲者无穷期矣”韩愈在《祭十二郎文》中对与自己多年齿唇相依的侄子的绝世悲痛欲绝。韩愈少孤无怙, 惟兄嫂是依;十二郎亦幼而丧父, 形单影只。且二人幼年就食江南, 零丁孤苦, 相依为命。苦难与悲情是《祭十二郎文》最主要的氛围。

《陈情表》以其“悲恻动人”的情感成为流传千古的美文, 在中国文学史上占有了一席之地。李密从小境遇不佳, 命运如何坎坷, “生孩六月, 慈父见背。行年四岁, 舅夺母志。祖母刘, 愍臣孤弱, 躬亲抚养。臣少多疾病, 九岁不行, 零丁孤苦, 至於成立。”李密与祖母感情甚深, 孝心可表。祖母有疾, 他痛哭流涕, 夜不解衣, 侍其左右。膳食、汤药, 必亲自口尝后进献。用苦难与悲情打动了晋武帝。

路遥曾经说过“生命从苦难开始, 只有在苦难中才能诞生灵魂的歌声”。他的长篇小说《平凡的世界》到处洋溢着浓厚的、在苦难的岁月里支撑人们坚强地生存的凄楚的亲情。孙玉厚一家在当时贫穷的环境下, 从柴米油盐、吃饭穿衣等细微琐碎的生活中体现出来的相互扶持, 而又矛盾重重的、艰难的度日情景。尤其是对于为全家操劳一生而浑身是病的奶奶, 孙玉厚一家却挤不出钱给她看病, 生活上更没办法给老人补充营养。他们能做的不过是少平和兰香小时候每天都到田野里拔一些露水珠的青草叶为奶奶淋眼睛;读高中时少平从润叶姐给他买饭票的钱里挤出一些为奶奶买了止痛药和眼药水, 在极度困难的岁月里, 正是小孙子的一片孝心温暖了奶奶那为贫困煎熬的干枯了的心。但是, 这些对于一个久病在床的老人来说是远远不够的, 更何况老人对孙子买的药片还当作宝贝一样舍不得吃, 每天躺在昏暗的破窑洞里, 眯着模糊的眼睛摸索着, 一片, 两片, 三片

阎连科新出版的长篇散文《我与父辈》中, 用质朴的文字和纯粹的个人经历将中国农村父辈们的苦难和悲情镌刻在纸页上, 唤起了读者们对父辈们的感恩之情。父亲留给孩子的饺子、大伯带回来的几粒糖豆、四叔送给侄儿的一件衬衣在那物质贫乏的年代, 亲情的温暖是激励儿女成长的力量源泉。这部长篇不饰雕琢, 却至情至性, 读来令许多读者落泪, 以至万人签名联合推荐为“2009最感人的大书”。

二.遗憾与感恩亲情类文学作品最常见的情感表达

阎连科说, 《我与父辈》写作过程对他而言不仅痛苦, 也是一次深刻忏悔。他几乎每写一章都会落泪。他在书中忏悔了自己在父亲去世前, 没能花10元钱让电影放映员上家里来放一场《少林寺》, 在父亲死后的20多年里, 阎连科一直为这件事深深自责。

史铁生的《我的地坛》中文末写到:“我放下书, 想, 这么大一座园子, 要在其中找到她的儿子, 母亲走过了多少焦灼的路。多年来我头一次意识到, 这园中不单是处处都有过我的车辙, 有过我的车辙的地万也都有过母亲的脚印。”此时的顿悟与这部分首段的“现在我才想到, 当年我总是独自跑到地坛去, 曾经给母亲出了一个怎样的难题。”

亲情类文学作品的渲染苦难与悲情和表达“子欲养而亲不待”的伤心和遗憾已经是作家的惯常模式, 写作贵在创新, 作家应以独特的视角, 个性化的情感。来推动亲情类散文的发展与创作。写出更加吸引人、蕴含了更多理性思考和人文精神的, 给人以全新的审美享受的作品, 以此丰富亲情类散文的创作。

摘要：讴歌亲情是文学创作中一个永恒的主题。亲情类文学作品的渲染苦难与悲情和表达“子欲养而亲不待”的伤心和遗憾已经是作家的惯常模式。从古代韩愈的《祭十二郎文》、李密的《陈情表》到当代路遥的《平凡的世界》、史铁生的《我的地坛》和阎连科的《我与父辈》莫不如此。