美术鉴赏结课论文

美术鉴赏结课论文（精选6篇）

美术鉴赏结课论文 第1篇

米勒《拾穗者》赏析

摘要：

《拾穗者》是法国画家米勒在1857年创作的著名油画，是最能够代表米勒风格的一件作品，画面描绘了描写农村秋季收获后，三位弯腰的农妇在地里寻找拾取剩下的麦穗，长时间的饥饿与贫穷，不得不让她们只能在别人收完麦穗之后到田地里拾取残留的粮食。从她们的动作和躯体中能够看出她们内心深处那种艰苦与辛劳

关键字：

麦穗艰苦辛劳饥饿

正文：

（作画背景，摘自《百度百科》）1849年，35岁的米勒举家迁往巴黎郊区的巴比松，在那里度过他的余生。在这段时间里，他对农村生活有了更深刻、详细的理解和认识，并对劳动者产生了一份特殊的深厚感情。他每天需要长时间参见田间劳动，然后空闲的时间呆在家里作画。除了一些田间的劳动成果，他几乎没有任何收入来源。但这些并没有使他放弃自己对绘画艺术的热爱和执着的追求，如果没有钱买颜料，他就自己制造木炭条画素描。《拾穗者》就是在这一时期的这种生活状态下完成的。

（自我赏析）当第一次看到这幅作品的时候，整幅画金黄的主色调让我有种温暖的感觉，但是当我再仔细的欣赏这幅画的时候却给我一种沧桑的感觉。整个画面的背景是秋季的农村田间，三位穿着破烂的农妇正弯腰拾取地上残留的麦穗，而身后是堆积如山的麦穗以及一位农场主正骑着马监督着一群农工收麦子的情景。地上残留的麦穗与后面堆积如山的麦穗以及三位弯腰劳作的农妇与身后一群干净利索收麦子的农工形成了鲜明的对比，从中让人感觉到一种凄凉与孤寂。三名农妇她们穿着破旧的衣服和笨重的木鞋，远离着农场主在田地里寻找零散、残留的粮食。这种场景反映了当时的社会现象，劳苦的农民幸苦的为农场主做完农作，却不能得到足够的粮食来维持自己的生活，只能在田间拾取残留的麦穗来充饥。而农场主却什么也不做，只是骑着马匹看着农妇艰苦的为自己收割田间的麦穗，不但如此，还克扣着这些农民应有的粮食。如此悲情的画面不禁让我想起我国以前的地主阶级，那时的地主阶级和这个场景中的农场主没有丝毫差别，他们的绝情，让这些幸苦的农民不能维持自己的生活，只能凄惨的在田间拾取残留的麦穗。农民将自己的壮年交给了农场主，老了之后只能弯着自己开始驼背的腰去田间拾取残留的麦穗养活自己，得不到一点生活的保障。如此凄凉的场景让人无不感到痛心。从这幅画中，我们可以想象的到当时的生活环境是多么的恶劣，作者是想通过这幅画来反映心中的不满，向劳苦大众反映这种悲催的现实。

美术鉴赏结课论文 第2篇

一、原始的冲动和热情

《向日葵》文森特·梵高（1853.3.30-1890.7.29)一生中共作了11幅《向日葵》，有10幅在他死后散落各地，只有一幅目前在梵高美术馆展出。

凡·高出生在荷兰一个乡村牧师家庭。他是后期印象派的三大巨匠之一。凡·高最有名的作品无疑是这幅《向日葵》。他曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他爱用向日葵来布置他在阿尔的房间。他曾说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的或调和的铬黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框，就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。”凡·高确实做到了让阿尔八月阳光的色彩在画面上大放光芒，这些色彩炽热的阳光，发自内心虔诚的敬神情感。

凡高作画时,怀着极狂热的冲动,追逐着猛烈的即兴而作,这幅流芳百世的《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,是那样艳丽,华美,同时又是和谐,优雅甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。

二、简炼的笔触手法和独特风格

梵高一生穷困潦倒，经历了很多坎坷，但他始终渴望生命，热爱生命。当他在阿尔看到金黄的向日葵时，感觉到自己的生命之火又被燃烧起来，在他的绘画中，梵高擅长运用浓厚深重的色彩来表达自己对人生境遇的内心感受。在《向日葵》中，他用色彩来表现自己，笔触铿锵有力，大胆运用比较强烈耀眼的色彩来描绘向日葵的光鲜绚丽。梵高早期受荷兰传统绘画的影响，习惯运用褐色等黯淡、了无生气的色彩，直到看见生机勃勃的向日葵，他被强烈地震撼了。梵高以黄色和橙色为主调颜色，配以用绿色和蓝色勾勒出的花瓣和花茎，葵花籽粒用橙黄色调表现的醒目分明。甚至有朵向日葵中心是用红色描绘的，像一团炽热的火球，黄色的花瓣像是太阳放射出耀眼的光芒，整个画面被亮丽耀眼的黄色所包围，让人看到《向日葵》这幅作品时，精神受到极大的鼓舞和振奋。众所周知，向日葵是朝向太阳生长的，但在这幅绘画作品中，梵高笔下的向日葵朝向各个不同的方向开放，并且每朵葵花表现出各种不同的夸张形态，仿佛每朵向日葵都被赋予了极强的生命力。由此可见，梵高对生命力的强烈追求和渴望自由、不受羁绊的内心情感。在笔法上，梵高没用过多复杂的笔触，仅用凝练简单的笔法来勾勒向日葵的形貌，便淋漓尽致地刻画出向日葵婀娜多姿的形态。观者在欣赏这幅绘画作品的时，心灵会被那一株株充满生命力的向日葵为之震撼，投入到梵高那渴望自由、热爱生命的情感中。

三、作品蕴含着丰富内涵

《向日葵》不是一幅仅仅描绘大自然植物的静物绘画，而是一幅表现太阳表现生命力的绘画作品，充分赞美了和煦的阳光和旺盛的生命力。在画中，金灿灿的葵花在耀眼的阳光下绽放，让人们不禁被它们散发出的独特魅力所折服，为之深深感动。向日葵生长的时候从早到晚都会跟随着太阳转动，所以有追光拜日的象征。梵高精通西欧多种语言，对单词的含义了如指掌，无论是英语德语，还是西班牙语和法语，向日葵的拼写都和太阳密切联系着。正如梵高自己作为一个拜日教徒也不断地追求光和色彩运用。因此，梵高画向日葵就是描绘太阳，亦即自画。这幅作品以其独特的魅力展现了梵高在油画方面的精湛技艺，开辟了一个从未出现过的华丽色彩的新天地，而且大胆勾勒出夸张的绘画形式和表现形态，增强了综合形体的艺术表现力。他力求通过环境来刻画对象，塑造对客观事物的新形象，以达到实实在在的真实，对野兽主义和表现主义的诞生产生了重要的影响。

对于梵高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。夏季短暂，向日葵的花期更是不长，梵高亦如向向日葵般结束自己短暂的一生，称他为向日葵画家，应该是恰如其分。凡高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义德国的表现主义以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。

他最初的作品, 情调常是低沉的, 可是后来, 他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗, 好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难, 以表达他强烈的理想和希望。

四、真诚相爱, 生命永存

人们如果确能真诚相爱, 生命则将是永存的。这就是凡·高的愿望和信念...用绚丽的黄色色系组合绘成的《向日葵》，堪称梵高的化身，梵高集中精力创作《向日葵》系列作品时，正是他的艺术成熟时期，此时他非常喜欢使用黄色。对于渴望鲜明色彩的梵高来说，黄色代表太阳的颜色，具有特殊意义；同时，阳光又象征爱情，他以此来表达自己的愿望，我们从中不难看出他坚持使用黄色的用意。

他用“一系列黄色”的变奏来画静物，赫赫有名的代表作《向日葵》就是这样完成的。每朵花就象一团火，细碎的花瓣和葵页则象火苗，整幅画就象是烧遍画布的熊熊火焰。凡高自己说：“这是爱的最强光。”

充满爱情的化身《向日葵》---梵高总是一人独自生活，在他为爱徘徊的时候，唯一伴随他的只有强烈的孤独感。凡高喜欢用对比强烈的大色块和狙黑的轮廓线表现形体和组织画面，同时，强烈的金黄色常常是他画中的主要色调，这是因为凡高热烈的性格爱上了热烈的色彩的发源地——太阳，太阳就成了他赞美的对象，而太阳的光在他看来是黄色的。热情沸腾的凡·高每天到乡下去，采集金黄色的向日葵，“我让提炼的或混合的铬黄在从淡蓝到深青色调不一样的背景上，进发出燃烧着的火焰”。他怀着强烈的感情不厌其烦地画他最喜欢的向日葵，强烈地表现画家对这一客观事物的主观感受。

“向日葵”把凡·高在阿尔的艺术推向了高峰。为了求得最辉煌的色彩效果，《向日葵》的色彩是用不同明度、不同纯度的黄色绘成的，黄色的背景，黄色的花瓶，黄色的花。深黄、浅黄、柠檬黄、橘黄、土黄……只用了少量的深绿和草绿画枝干和叶子，配一点天蓝色的花蕊。凡·高把心中全部的爱赋予可爱的向日葵，向日葵也为凡高吐出“爱的最强光”。《向日葵》中注入的是凡·高心中强烈的感情，令人震撼、令人感动，这就是《向日葵》所产生的。

五、当代精神的模范

美术鉴赏结课论文 第3篇

关键词：美术鉴赏教学,再创造活动,美术素质

在今年中央电视台举行的青年歌手大奖赛上, 余秋雨先生对艺术素质考核的点评成为一大看点, 每每看到他无奈的表情和听到他说“你这样回答我就有点着急了, 这个中学课上都讲过。”难倒选手的多是美术和文学方面的考题, 虽然选手都是音乐专业的, 和这些知识接触不多, 但是考题都是基础知识题, 我们这些做基础教育老师的也该着急了。

美术鉴赏教学在我国各类美术院校体系中日益受到重视, 新课程体系下中小学美术材料中鉴赏部分的比例也在加大, 并且内容丰富, 更有系统性。鉴赏部分内容的学习是学生认识美术这门学科的钥匙。对教师的教学要求也不再是简单的解释和用有趣故事的讲授或是理顺历史脉络, 而是更深层地把握作品特征和价值, 使学生获得理性的认知。学生通过美术鉴赏学习可以了解有关美术的各方面知识, 并在对作品感受、体验、分析、判断中获得审美教育, 提高了学习兴趣, 为以后的个人成长和职业需要打下良好基础。所以, 教师应充分发挥主导作用, 正确引导学生鉴赏美术作品, 充分发挥学生的主体作用, 提高教学质量, 做到新课程教学新要求, 全面提高学生美术素质。这里, 我想就有关问题谈谈个人的看法, 与同行们共同商榷。

美术作品的鉴赏教学不是对作品涵义简单陈述、复制, 而是一种自发的再创造过程;是引导学生面对美术作品开展积极主动的再创造活动;是一种与个人主观因素有着紧密联系的再认识活动。更具体地说是认识作品, 掌握作品的创作意图, 理解作者表达的信息, 对作品进行理解分析, 受到审美教育和思想教育的过程。传统美术鉴赏教学是教师满堂灌式地讲解, 像构图, 色彩, 作者生活、背景和小故事等介绍, 最终多是教师自己在鉴赏给学生谈感受。而学生在条件不足 (无图片资料) 的情况下无法感受作品。就是有图片, 但美术种类很多, 像笔触、笔墨、线条、色彩, 刀法等众多的艺术语言, 学生在没有接触或很少接触的情况下, 是很难理解其中味儿的。他们只能在以后看书时见到类似老师所讲的一种“权威性”解释。这样就会抹煞作品提供的多种微妙信息, 也会压抑每个学生在鉴赏活动中主观因素的发挥。学生在这一活动过程中表现出的差异性是正确实施美术鉴赏时不容忽视的问题。如果让学生上课时以作品本身为主, 提出自己感兴趣, 记忆深刻的画面, 或把有问题作品指出来, 在课堂上教师有针对性地逐个说明, 或与学生共同讨论, 教师往正确的认识思路上去引导。这样, 虽然教师讲话不是很多, 但也不失为一种好方法, 也不会把美术鉴赏的“美术性”变成“文学性”。最出色的教师并不是将自己的所知倾襄相授, 也不是滴水不漏, 而是凭着一个园丁的智慧, 观察判断, 既给学生思维空间, 让学生大胆提问、讨论, 提高创新能力, 在学生需要帮助的时候给予帮助、解答。

从认识上来说, 艺术方面的知识是非常复杂的, 它要求对人的想象力、感受力进行训练和培养。但为了更好地实现鉴赏者与作品之间的对话, 让学生在视觉作用下产生丰富的想象力, 更深层地体味作品某种深刻的内在意蕴和感染力, 仅仅针对作品讲作品, 就画论画, 是很难达到目的的。例如, 在鉴赏西班牙画家戈雅的《1808年5月3日的大屠杀》, 单看这幅画也可以体会人民的愤怒和侵略者的疯狂, 画面色彩对比强烈, 矛盾冲突激烈。但是如果把类似的一幅莫奈画的《枪毙马克希莫连皇帝》, 内容和构图都相似的画面, 比较着去鉴赏这两幅作品, 那么, 戈雅的画面表现的暴力与反暴力的强烈矛盾冲突印象深刻, 画面的色彩和整体气氛是不言而喻的, 鉴赏的效果就会大不一样, 印象也会更加深刻。

人们不能无视视觉的首要作用, 但是如果鉴赏者对艺术作品所表现的历史有所了解, 那么同样的形象就会有更无限丰富的内涵, 对美术中的现象也就会感到是合理的、自然的。比如, 讲印象派绘画的画面色彩和视觉感觉这个问题, 学生从古典绘画过渡到印象派艺术上很难理解, 而老师如果说明印象产生的时间及当时工业技术的发展, 照相技术的产生, 光谱分辨色的技术发现和快节奏的生产方式是形成印象派绘画的一个必不可少的条件, 学生就很容易认识到类似照相的古典主义绘画被照相技术取代, 新的视觉感受必然产生, 科学又为绘画艺术提供了理论依据和生产力发展人们对艺术品需求量增加, 人们对古典艺术的长时间观察而感到视觉疲劳, 对新的视觉感受的画面有所追求, 而印象派就是在这样的条件下产生并形成气候, 并逐步推动色彩绘画的发展。学生对印象派绘画艺术也就理解了, 同时画面内容, 历史背景的介绍也是知识传授和思想教育的过程。

在现代日本初中美术教育的内容中, 有关鉴赏活动教学, 是课上提出有争议的临摹鉴赏, 其中有一重要环节就是先分析后临摹, 对画面的构成, 色彩、形象造型、表现方法、主题表达进行分析, 掌握各种构图的方法, 黄金律在形式上产生的效果等这些“神秘”的东西, 然后自由临摹, 在临摹中发现很多重要东西, 特别是各种绘画语言, 可谓是“百看不如一临”。这种感性和理性的交替进行鉴赏教学促进了学生与作品更高层次上的交流。这种鉴赏学习虽然在我国现阶段教学中难以实施, 但是, 我想绘画教学的很强示范性, 鉴赏是不是可以借鉴一下。把理论、技法学习融入鉴赏教学, 不把鉴赏独立化, 老师常把名画挂在学生面前讲解技法, 让基础知识学习和作品鉴赏成为一体。中小学阶段由于升学压力, 很少甚至根本没接触美术, 在鉴赏时对每幅作品更不可能去临摹, 在上鉴赏课中讲到某种美术类型, 学生往往如堕雾中。老师要做到能意会, 善言传, 可身教, 学生也在这一过程中既对作品的“神秘“不会感到不可理解, 也对老师感到由衷佩服, 可谓“亲其师, 信其道”, 激发了学生的学习热情, 增强对美术作品的领悟力, 为鉴赏其它艺术门类提供一种感觉, 提高学生的审美水平。

教学观念的更新, 方式方法新颖, 是搞好教学的前提条件, 但这些观念的具体体现, 新颖的方法能取得实效, 较好的手段是必不可少的, 电化教学手法多样, 知识容量大, 有很强吸引力, 它容易把图片和文字结合在一起, 特别是多媒体电脑教学, 利用Authorware或Powerpoint等简单的电化教育手段就可以实现简单的文字音像编辑, 再结合photo shop进行图像处理, 在课堂上随时都可以实现, 图象大小处理及整体与局部的互换, 或进行模糊处理, 实现离开形象而作画面色彩构成分析等处理, 再配适当的音乐, 学生思维很容易进入老师所设计的鉴赏氛围中。再作简单的动画切换, 增强现场感, 丰富画面表达形式, 还有和教材配套的课件使用效果会更好, 学生在这种很轻松、愉快有趣的环境中就可以自由地想象, 打开他们的思维空间, 美术鉴赏的学习就会通过这些现代手段取代原来的幻灯、投影, 这些疲惫单一的鉴赏模式而变得更加生动、形象而富有吸引力。但是手段毕竟是手段, 而且是辅助性的, 教师的主导作用和学生主体作用要靠教师来统一协调, 教师随机教学同样是一门艺术, 要特别留意, 学生对画面的转换的反映, 要适时启发, 并用先知者的智慧, 提出讨论的知识点, 回答学生所提出的问题, 决不能作机械放映师, 形成冷漠的人机对话式教学。

美术鉴赏历来就是美术教育的一个重要组成部分, 新课程结构下的美术教材中鉴赏内容分配很全面。现代美术教育不仅仅限于培养艺术家, 而且在于培养有审美鉴赏力的民众, 提高全民族素质。这一目标的实现, 正确的鉴赏教学是必不可少的途径, 它可以使美术作品在社会中获得价值和生命;有助于学生全面了解美术知识, 有助于提高学生的美术素质、美术修养、审美能力, 社会知识和观察力、理解力;有助于学生为以后所从事的工作打下坚实的基础。

参考文献

美术鉴赏结课论文 第4篇

【关键词】美术 鉴赏 看 听 说 画 做

【中图分类号】G 【文献标识码】A

【文章编号】0450-9889（2016）04B-0163-02

一、现状分析

（一）高中美术鉴赏教材（湘版）

毋庸质疑，被选入美术赏析教材的美术作品几乎都是经典的，值得广大学生了解与欣赏。但问题是很多作品已经大大的远离了学生的生活，所以学生很难激起兴趣。但是这些经典的作品学生不喜欢，难道就不要学了吗？答案肯定是否定的。那么就需要教师通过怎样的方法让学生有兴趣学，并在学习中体验感悟到美术的美。

（二）学生赏析的参与性

大部分教师都以为美术欣赏课很好教，在课上放一些美术作品让学生谈谈作品内容，作者创作思路，最多再介绍一下作品的背景，似乎很简单，很轻松。但实际上，确实是太“轻松”了！试想，就是连着看，连续几幅看下来，又有几个人不觉得单调、枯燥呢？所以要提高美术鉴赏效果与质量，让学生真正受益，必须通过多元化的参与方式来充分调动学生的学习积极性与兴趣，并在参与的过程中，体验到美术作品的魅力与自我价值的存在。

二、解决策略

通过看、听、说、画、做“五位一体”美术鉴赏法充分创造让学生积极参与的途径，在参与中激发兴趣、开放思维，体验美术作品带来的审美体验。

（一）看

美术是视觉的艺术。在课堂上，教师要创造一个良好的视觉环境，一方面是硬件的保障，有一个宽敞明亮的美术教室；布置一个有艺术氛围的美术教室，挂一些美术家的图片、作品与名言。另一方面是看者的素质，告诉学生要做一个文明的观众。在初期赏析美术作品时，不允许学生私下交流，先通过画面看自己的观点，就好比在音乐厅中观看演出一样，必须等一首曲子终了才能离座，这样的素质在第一节美术课中就要给学生要求。还有一方面是看的策略，根据需要可以整体看与分段看，重点看与辅助看相结合。看的过程中还要带着教师提出的问题，做到看中有思考。例如在鉴赏作品《韩熙载夜宴图》的时候思考美术作品的主题是审美，整个过程是怎样变化的，随着场景的变化，主人公的情感有怎样的差异。

（二）听

听，这里是指欣赏一幅画前，可以先了解这幅画的一些信息，有助于我们进一步的去欣赏画面。听，可以包括听教师讲解，听熟悉作品的同学给大家介绍，听一些诸如《国宝档案》等节目的视频信息等。随着多媒体信息技术的普及，多媒体在教学中的应用极大的提高了学生的学习兴趣，因此教师要有效的利用新型媒体技术来激发学生的兴趣，提升课堂效率。由于条件的限制，不可能经常到美术馆观看画展，但是美术是视觉的艺术，我们可以有选择的带领学生适当的去参观扬州美术馆、南京博物院等场所，听解说员的讲解和介绍，有助于我们赏析一些高质量美术作品取得更好的学习效果。

（三）说

这里的说指的是学生的讨论与辩论。讨论指在欣赏一幅作品过后，给时间让学生进行交流。辩论指在上有关章节时，教师组织学生分组围绕某一问题发表自己的看法。例如在上《新的实验》一课中，学生对波洛克绘画的方式产生了分歧。部分学生认为，艺术作品特别是美术作品，就应该有她的样子，通过作品展现美，传递美，而不应该具有这么大的随意性；也有学生认为美术嘛，就应该随时代发展，体现它的时代性、创新性，而不受限于固有的形式。

对于这样的分歧，教师可以充分拓展。组织学生根据自己的观点分成两组，收集资料，包括文献资料与音像资料，并说明自己坚持的理由。通过这样的活动，学生主动去研究学习的效果远远好于教师的讲授。同时准备的过程中体现了合作学习，辩论的活动中也体现了交流学习。这样的方式学生也特别喜欢，对提高学习兴趣也很有帮助。

（四）画

美术赏析课不是只看不画的课，有些作品要想更深入的去了解，去感知作者的作画意境，肯定是要动手试一试的。但是这种试一试是有度的，不可偏离了美术鉴赏的初衷。

在美术鉴赏教学中，相对的欣赏和理论的知识较多，学生真正的实践很少。学生亲自的体验和尝试性实践，既能培养学生对于课堂的兴趣，又能让其感受到在课堂中自己的感知学习，效果必然更好。湘版美术《新的实验》中，有关于波洛克艺术的部分，笔者在上课之初先带领学生走进画室，去用颜料在画纸上随意挥洒来感受波洛克的艺术特征，在此基础上再来讲解其艺术表现形式和时代的关系等。这样的形式，让学生在实践中真实的感受了艺术的本体性特征，更好的便于学生去理解现代艺术。同时在欣赏一些国画作品的时候，让学生拿起毛笔，去尝试诸多的皴法，感受皴法不同所形成的画面效果，这些都是更有利于我们教学的深化的。因此，美术鉴赏教学离不开实践，必要的时候还是要动手画一画。画的好坏已经无关紧要，关键是有没有尝试到领悟到，有没有感知到艺术的本质魅力。

（五）做

“做”主要分为两个部分，一方面指老师要做的事：

1.做足备课工作。教育界留着这样一句话“要给学生一杯水，自己要有一桶水”。简而言之，就是教师要比学生懂得更多更丰富的知识，才有资格成为一名教书育人的教师。欣赏美术作品，看似简单，如果教师备课不充分，只是单纯的就美术画面谈美术，那也会很枯燥。因此在教学中教师要适当的去联系画家的生平，美术作品时代背景，包括画家的生活背景和当时的社会背景甚至是画家轶事等。有了这些知识，美术课才会生动、丰富、鲜活乃至具有人文意义。

2.灵活运用教材、教法。记得有这么一句话：“一个善于思考的教师应该永远没有固定不变的教材，应该敢于昂首做学科的教育决策者。”在原有教材的基础上，教师适当的可以“教教师所擅长的，教教师所爱好的，教学生所喜欢的。”

3.善于运用教师的美术作品。美术欣赏课，书本上大多是一些大师的优秀艺术作品，学生长期欣赏必然会产生枯燥感，这种情况下就需要教师去调整和改变教学设计安排，适当的引入教师自己的作品，激发学生的兴趣，俗话说得好“亲其师信其道”，一个美术教师，没有像样的美术作品是无法让学生信服的。

另一方面是指学生做的事：

1.课堂是学生展示的舞台。美术鉴赏的学习既是一个学习认知的过程，也是一个审美提升的过程。这个过程是学生获得充分发展的必需，因此在课上，教师需要适当的降低“话语权”，退至后台当“导演”，把活跃在舞台的主动权还给学生，实施教学手段的多重组合，把紧张、枯燥的学习过程转变成愉快的活动。“智慧是动作发端，活动是连接主客体的桥梁。”在课堂教学中教师应该设计多种多样、灵活多变的教学实践活动，让学生在活动中学会学习，在学生的对话中获得能力。

2.合作是学生必要的素质。合作精神是现代人所应具备的各种心理品质之一，在美术教学活动中，有许多内容是合作性很强的，作为教师就应该千方百计地创设合作机会，使学生在合作中学习，在合作中体会集体的力量，在合作中学会与人交往的能力。

“对于美术教育，我最终关注的不是美术的内容，而是能让人产生愉悦的、精神的探讨。”这是一位美术教育家所说的，它提升了美术教育的内涵，同时也对美术鉴赏教学提出了要求，要求我们在美术鉴赏中，必须始终坚持以激发学生学习兴趣为主导，充分尊重学生是课堂的主体地位。在鉴赏美术作品时，整合各种教学手段，拓展多元化的参与途径，解放学生，让他们在平等、轻松、愉快的气氛中体验美，让学生保持一种对美术学习的积极心态和愉悦体验，使美术鉴赏课堂成为学生精神世界的家园。

【参考文献】

[1]中华人民共和国教育部制定.美术课程标准[R].北京：人民教育出版社，2003

[2]张道一.美术鉴赏[M].北京：高等教育出版社，2002

[3]尹少淳.美术及其教育[M].长沙：湖南美术出版社，1995

[4]李景真.浅谈美术鉴赏的素质教育意义[J].商丘师范学院学报，2002（2）

中外美术鉴赏结课作业 第5篇

《蒙娜丽莎》

——为达芬奇的自画像

《蒙娜丽莎》为达芬奇的自画像

人物简介：

中文名称: 达·芬奇

性别: 男

生卒年: 1452-1519

国别: 意大利

莱昂纳多·达·芬奇是意大利文艺复兴时期第一位画家，也是整个欧洲文艺复兴时期最杰出的代表人物之一。他是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的艺术大师、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、工程师和发明家。他在几乎每个领域都做出了巨大的贡献。后代的学者称他是“文艺复兴时代最完美的代表”，是“第一流的学者”，是一位“旷世奇才”。所有的，以及更多的赞誉他都当之无愧。

达·芬奇名画《蒙娜丽莎》究竟画的是谁？

据英国《星期日泰晤士报》24日报道，事情缘起于美国贝尔实验室研究专家莉莲·施瓦茨。有一天，她突发奇想，在电脑上将《蒙娜丽莎》与一幅达·芬奇本人的自画像重叠到一起，结果，她惊讶地发现：两者的眼睛、发际线和鼻子等轮廓，竟神奇地完全重叠在一起！莉莲随后得出一个惊人结论———《蒙娜丽莎》是达·芬奇经过刻意掩饰的自画像！推论一公布，立即在科学界和历史学界引起巨大的争议

达·芬奇为什么要将自己画成一个女性模样？

一种解释是，他想用这种方式隐晦地挑战以基督教为代表的西方男性霸权，而蒙娜丽莎是一个“雌雄合体”，这是达·芬奇心目中人性最理想的结合方式———男人和女人平等地融合在了一起。

从字源上看，古埃及的生殖男神叫Amon，生殖女神叫Lisa，稍微玩一点变体文字游戏的话，合在一起就变成了“蒙娜丽莎”(MonaLisa)。

另一种解释是，达·芬奇具有隐秘的同性恋倾向，再加上他酷爱制造谜团，所以，他在《蒙娜丽莎》中将自己绘成了女人形象。

将发掘达芬・奇的遗骨，以便对达・芬奇的面容进行复原：意大利文化遗产国家委员会研究小组成员、人类学教授格鲁皮奥尼表示：“如果我们能设法找到达・芬奇头骨，我们就能复原他的真容并与蒙娜丽莎的面容进行对比，看看他们究竟是不是一个人。”意大利国家文化遗产委员会的一组科学家宣称，他们将对在法国卢瓦尔河谷艾姆波伊斯城堡内的达·芬奇墓穴进行开棺验尸，从而确定蒙娜丽莎到底是不是达·芬奇经过掩饰后的“自画像”！

为了能够对达·芬奇的墓穴开棺验尸，意大利科研小组已经和法国文化部官员以及艾姆波伊斯城堡的主人进行过商谈，并且已经基本达成了协议。据负责人西尔瓦诺·温森蒂称，他们预计今年夏天就会收到法国文化部门允许他们对达·芬奇墓穴“开棺验尸”的正式许可。

据温森蒂称，一旦他们获得许可，第一步工作将是确定墓穴中的白骨到底是不是达·芬奇本人。

他们首先会对墓穴中的遗骸进行碳定年检测，以便确定它们是不是和达·芬奇的生活年代相符；

然后，他们会将从墓穴骨骼中提取出来的DNA样本，和埋葬在意大利中部博洛尼亚市的一些达·芬奇家族男性后裔的牙齿DNA进行对比，如果吻合，即证明墓穴中的遗骸属于达·芬奇本人。

之后，他们将通过达·芬奇的头骨重建其脸部模型，然后就可以和蒙娜丽莎的脸型进行对比，从而确定蒙娜丽莎到底是不是达·芬奇经过掩饰后的“自画像”！

期望 ：

书法鉴赏结课论文 第6篇

021230118 施雄

说实在话，谁能有这么高的水平，上了才那么几节书法鉴赏课，就可以对一幅作品作出2000字的评论呢。下文与《兰亭序》完全无关，如有雷同，纯属巧合。第一节课说考试内容是交一篇书法作品时，心中有点小激动，如今又改为对一幅作品的2000字鉴赏，实在令我蛋疼。不过高中时就想找个时间整理一下自己对于书法的见解了，现在正是时候。因为我知道，无论我内容是什么，哪怕是周杰伦《兰亭序》歌词Ctrl+V十几遍，我照样过。以下是两段独白，请忽视。

怎么说书法鉴赏也是我选修课的第一志，更别说我还每节课都去了，这结课“论文”要是草草复制粘贴，我感觉对不起还是自己。

个人对书法还是很有兴趣的。当然，兴趣是源自实力，要是除了乾隆之外，还有谁拿着一手烂字，却说自己对书法兴趣浓厚，我只能微微一笑。碰巧初中、高中的语文老师都很强调练字，碰巧初中、高中都是语文科代表，巧合让我和书法结下了不解之缘。对比于专家，资历虽浅，水平虽差，但是好歹也写过十年字，对于书法也有许多看法。

遗传因素

高中时班上有两个字写得好的同学，其中之一是我。我爸水平可以算得上是一个业余的书法家，偶然得知另一个同学他爸的字也写得很好，我不禁想：首先，我爸从不教我写字从不和我谈书法，估计他爸也是；其次，假设人群中字可以称为好的人占1/50（实际可能更低），那么“书法爸”+“书法儿子”的概率是1/2500，两个这样的儿子碰到的概率又很小（没有科学的方法计算，但是很小是绝对的）。故结论是，字的好坏有遗传因素在里面，至于相关性有多大，尚不得而知。

心情

关于心情，未曾观察过。但之所以未曾观察过的原因，想必是我潜意识里并未发现心情不同时字的好坏差异。其实，更有事实为证：天下第一行书王羲之《兰亭序》是作者兰亭集会后写的草稿，心情比较轻松；天下第二行书颜真卿《祭侄文稿》是作者在失去亲人后，悲痛欲绝之下写的，仍不失作者应有的水平。故曰：心情者，与字基本无关也。

感觉

这个，有关。写了这么多年字，发现总有几个字写起来既顺手有漂亮，每当写完这样的字，写后面的字就更加有手感。而且不止我一个人这么认为，高中老师也曾在班上说，练字前可以先写几个拿手的字，找找感觉。所以说“感觉这东西”，八成是能影响字的好坏的。

字体

字体是我唯一还未得出结论的。写完一整篇作文，回头看时，发现字体会出现一两次转变，即使曾试图过控制自己保持字体，却每次都以失败告终。追其因，未果。

字如其人

要看怎么理解。有人认为字写得好的人人品好，字写得差的人人品差。如果真是这样，那人品好的人岂不都是男人？不是我看不起女性，而是因为几年来碰到的字写得最好的女生，水平仍差我一大截。另一种看法，是字的风格如人的风格，个人比较赞同这一点。但真要通过观赏一幅作品来准确的刻画作者的性格，恐怕又有难度。人们看毛泽东《沁园春雪》时，说这草书里面可以看到他的伟人气质；看徐渭《行草书七律诗轴》时，又说一看这狂草就知道他是那种会拿锤子砸自己睾丸的疯子。而至于那种连字体都没有形成的人，想通过他的字来推测其为人，更是难上加难。

更上一层楼

初中时临摹字帖也是作业的一部分，迷迷糊糊的临摹了好长时间。高中没有这硬性规定，出于对写字的爱好，有时候上课无聊时就在草稿纸上乱写，当然“乱”是指写的内容五花八门，态度还是一丝不苟的。那时一个字通常要反复写上十多遍，研究怎么写更好。这偶然的经历，却正好是进步的道路上必不可缺的。先由一塌糊涂，到基本形成字体，再到形成自己的字体。但在形成自己字体的过程中，也不能一味的“独立研究”，正如自己的错误自己永远难以发觉一样。而我很幸运，每年春节都被老爸逼着帮他对联——欣赏也是进步所必须的。你永远不会相信，你的大脑有在看过一个漂亮的字后，下次写到这个字的时候会不经意的模仿它的强大功能。不管你信不信，反正我信了。

少数人

我懂得我爸为什么从不教我写字从不和我谈书法，根本就不是一个级别的，就算他说了我也听不懂。记得高中时老师请来全校字写得最好的老师给我们讲一堂书法课，来帮助我们练字，结果整堂课都在讲毛笔怎么选，宣纸有多贵之类的，毕竟我们等级太低，他讲了也是对牛弹琴。我也懂得我的一些二货同学经常说他觉得我的字比老师的还好，对他们来说，不告诉他们眼前这幅作品是王羲之的，说不定还以为是我的，表示可以理解，等级太低。

再讲一个笑话，去社联宣传部面试时，我说我擅长书法（一般情况下只说我擅长写字），然后学长问我你是擅长那种帅气的书法还是可爱的书法？我勒个去，“可爱的书法”，如果猜的没错的话，他应该是指那种商场打折的通告栏上的少女字体，我左手都比那写得好看（我不是左撇子）。然后我就不知道说什么好，怎么能用可爱来形容书法？只能说：“什么可爱的书法，不会啊。”最后，我就被刷了。从此我懂得，书法只是少数人的午后谈资。