交响乐队的演奏

交响乐队的演奏（精选11篇）

交响乐队的演奏 第1篇

一、情感的运用对交响演奏的作用

1、情感的运用能帮助演奏者把握好音乐的节拍

任何一首音乐都有着属于它独特的节拍和节奏，这也是音乐迷人的地方之一，给人一种身心的愉悦。在交响演奏的过程当中，除了需要演奏者对乐器的较好地掌握，对音乐节拍有一定的敏感，还需要在演奏的过程当中运用情感去帮助演奏者去把握音乐的节拍和节奏，从而控制好演奏的速度。作为交响乐来说，这些都是其精髓所在，如果不能把握好这些要素，交响乐也就失去了其感染力。而对这些因素的把握不是那么简单的事。例如在钢琴的演奏的时候，钢琴师在演奏的时候由于对节拍和演奏速度把握不够导致会慢拍或者快拍的情况发生。因此，演奏者需要在高超的技巧作为基础的条件下，在演奏的时候融入情感要素，从而把握音乐的节拍和演奏速度。

2、有利于演奏者把握好交响乐的音准。

绝对的音准和动人的银色对音乐的表现尤其重要，对交响乐的演奏更是如此。例如在钢琴演奏的时候，优美的音色能够让听众感受那一种淡雅和温婉的感觉，给人一种如泉水般清纯的感觉；除此之外，还可以表现出一种慷慨激昂的感觉。这些都需要绝佳的音色和音准作为基础，而如何去把握这些要素呢？当然，这需要演奏者有一定的音乐素养，平常的训练，除此之外，还需要演奏者融入情感因素，从主题上去把握好音准和音色。

3、有利于增强交响乐的感染力。

音乐的魅力是巨大的，安静的音乐让人心情平静，激情的音乐能让人瞬间点燃激情。交响乐作为一种表现力极强的音乐，演奏者需要在把握好音准音色等基础因素的前提下努力去增强交响乐的感染力。而这也可以通过情感的运用去达到这个效果。

二、如何让情感的运用让交响乐发挥其最大的魅力

1、演奏者要把握好技巧和情感的结合度。

从之前的叙述当中可以看出，交响乐的演奏需要技巧为基础，需要情感为提升手段。而在实际的演奏当中，如何去把握好技巧和情感呢？这就需要情感能自然的融入到技巧中去，需要两者实现较强的融合。没有技巧作为基础，胡乱的去融入情感，只会让听众觉得莫名其妙；而过度的运用技巧，忽视情感的运用又无法感染读者。“音乐不是在谱上，而是在谱子之间”这也就说明了谱子只是一个表现形式，音乐最根本的是情感的表达。因此，在交响乐的演奏的时候，要能让“谱子”在乐器上表现出来，还需要“谱子之间”的内容在整个演奏过程当中，通过演奏者的情感的注入去表现音乐表现的主题和情感。

2、提升演奏者对交响乐的审美能力。

交响乐作为表现力极强的音乐，有着其自身的特点，而这些特点当中首当其冲的就是其表现力，还有其运动性等。这些元素都不是通过简单的技巧就能表达出来的，也不是演奏者通过多长的学习训练出来的，这需要演奏者平时对交响乐有着一种审美情感。只有有了这种审美情感，才能提高交响乐的格调和档次，提升交响乐的表现力，从而感染听众。这就需要演奏者在平时的演奏的时候多去感悟交响乐的美感，多欣赏一些高品质的演奏，从中去感悟去体会，从而提高自身的审美情趣。

3、演奏者要注重自身综合能力的提高。

交响乐的演奏是一个复杂的过程，乐器的使用技巧只是其中一个方面。在之前已经提过，在演奏的过程要融入情感，而这些情感不是凭空虚构而来，需要演奏者注重平时的知识积累。例如哲学，文学，艺术欣赏等多方面的知识。当然，除此之外，还需要演奏者有很强的心理素质，不要因为过于沉迷于音乐的情感而迷失自己，也不要因为怕自己演奏不好而去担心。这些知识，这样的心理素质都是演奏者所必须具备的。

总之，音乐是情感的表达，交响乐的演奏也是如此。在演奏的过程当中，不仅需要高超的技巧，还需要演奏者在演奏的时候融入情感，融入音乐自身的情感，融入自己对音乐的感悟。而如何让情感去增强交响乐的表现力，还需要实现技巧和情感的融合，需要演奏者具有交响乐的审美情趣和综合的素质。

摘要：音乐是人类情感的表达, 不论是唱、奏或昕, 都包含人们的丰富的情感。因此, 在音乐的表现上就需要结合情感, 只有这样才能真正地表达出音乐的内涵。当然, 交响乐演奏也不例外。在交响演奏的时候如果能运用情感, 能发挥很好的效果。例如, 能帮助演奏者把握好音乐的节拍和速度, 还能有助于让演奏者把握好音准等。当然, 不是简单的运用情感就能达到这样的效果, 还需要演奏者实现技巧与情感的融合, 培养对交响乐的审美情感。只有这样才能增加交响乐的表现力, 才能真正感染听众。本文就情感运用对交响乐的作用进行了阐述, 并且对如何把握情感与交响乐的关系提出了几点意见。

关键词：情感,交响演奏,作用,融合

参考文献

[1]、张延春.论音乐的感知与审美[J].艺术研究, 2008 (3) .

[2]、侯军.情感征演奏中的作用[J].音乐生活, 2009 (6) .

论文《演奏人与自然和谐交响》 第2篇

一、时代背景介绍

自古以来，人定胜天的思想在中国人的心中根深蒂固，人们总是以征服自然来获得自己生存所需要的资料

人与自然和谐相处是社会主义和谐社会的基本特征之一。要实现人与自然和谐相处，就必须正确认识人与自然的关系。19世纪中期，恩格斯曾对人与自然的关系进行了深入研究和大量论述，其基本观点在今天看来不仅是正确的，而且有些话已经成为经典言论，对我们正确认识和处理人与自然的关系具有重要的现实意义。

二、影片内容简介 福克斯公司2004年拍摄电影 影片信息

导演 : 罗兰·艾默里奇

演员 : 丹尼斯·奎德 杰克·吉伦希尔 艾美·罗萨姆 达什·米霍克 杰伊·山德斯 瑟拉·沃德 奥斯汀·尼可斯 剧情简介

《后天》[2]描绘的是以美国为代表的地球一天之内突然急剧降温，进入冰川期的科幻故事。故事中，气候学家杰克·霍尔(丹尼斯·奎德饰演)在观察史前气候研究后指出，温室效应带来的全球暖化将会引发地球空前灾难。

2002年7月，福克斯公司打败了派拉蒙、梦工场、环球和华纳兄弟等强敌，终于抢得《后天》的电影拍摄权，并邀得艾默里克(《独立日》、《哥斯拉》)这位擅长科幻灾难题材的导演，同时将1亿美元的支票交到他手上。本片原定2003年夏天上映，但由于特技场面的制作难度太大，制作周期不得不延长，成为次年暑期的鸣锣大片。奎德扮演名为霍尔的古气候学教授，而他所要解决的难题比他以往面临的问题要困难得多：解救冰冻的地球。故事背景

冰河世纪的威胁 严重的温室效应

六千五百万年前的冰河世纪，让恐龙全面灭绝；如果新冰河世纪来临，人类会在哪里？电影《后天》为唤起世界对日益严重的温室效应，及理论上可能引起的新冰河世纪威胁，针对全球著名地标设计了一系列相关冰冻图像，显示气候对人类的威胁的急迫性与全面性。由于影片中气候异变是先由海水淹没后因气温急速下降而骤然冰冻，因此包括自由女神、艾非尔铁塔、伦敦大本钟都将被冻成冰柱，横向的冰柱突显地球的急速降温与急冻。选择自由女神“湿身”和自由女神“雪糕”两款图像做为官方海报！

注意到温室效应所带来的恐怖后果，《后天》导演罗兰-艾默里奇决心让《后天》成为全球首部完全“碳中和”(carbon-neutral)的A级制作：“拍片时大量使用的灯光、发电机和燃料，都让温室效应更加严重，我们努力让排放出来的二氧化碳被中和吸收掉来弥补地球Future Forests)合作，由未来森林计算拍摄这部电影将会制造的二氧化碳总量，然后在加州跟不丹种植森林！不仅如此，导演还出资购买省电灯泡到牙买加以及协助美国低收入户家庭省电计划！真正做到不恶化温室效应，证实卖座电影也能爱护地球。最近这几年，不管你在世界的哪个角落，都可以清楚感觉到地球气候异变。大陆冰雹，欧洲水灾、印度热浪、美国一天16次龙卷风，去年八月九日也创下百年最高温38.7°C。这一切让人不禁要问，地球究竟怎么了？世界卫生组织研究指出，温室效应是地球气候异变的元凶。气候暖化使得两极《后天》人物定妆照(10张)?融冰、海水增温、洋流改变，世卫组织表示每年将有16万人因温室效应外围影响丧生，2020年死亡人数更会加倍。海平面上升更造成2500万人远离家园，第三世界将因洪水、饥荒、干旱和农作物歉收大举移民，欧洲老年人将死于热浪。影片看点

《后天》为20世纪福克斯公司的科幻巨片，投资1.25亿美元，由曾经执导《独立日》、《爱国者》等片的导演罗兰·艾默里奇执导，新生代偶像丹尼斯·奎德、杰克·吉伦哈尔、艾米·罗森、莎拉·沃德等主演。

影片讲述温室效应造成地球气候异变，全球即将陷入第二次冰河纪的故事。全片汇集了大量顶尖特效，由于影片中气候异变是先由海水因气温急速下降而骤然冰冻，因此包括自由女神、艾菲尔铁塔、伦敦大本钟都将被冻成冰柱，场面极为壮观。当然除了铺天盖地的自然威胁之外，也将细密交织父子及男女之间刻骨铭心的动人情感。

三、观后感

“ The day after tomorrow”我们是否还有后天，看了这电影后，引起了我们深深的思考。

以前，一直说自己喜欢白皑皑的一切，那么纯洁那么神圣，可是当看到电影中冰川瞬间断裂的那一刻，我才知道，有时候圣洁的白色也只不过是掩盖尘埃的表面而已。看着那一片冰冷的白色，我的心都寒了，内心感到一种不可抑制的压抑。大自然，是那么的强大，倒塌的那一刻似乎在嘲笑人类的无能。

人类有时是那么的愚蠢与无知，透支着自然，没有限制的索取，只顾着自己眼前的利益。看到美国气候学家杰克发现，温室效应正在引发地球地球的大灾难，北极冰川的融化，会让地球回到冰河世纪那样的劫难。当他把研究报告给副总统时说：“我们地球的环境已经脆弱到几乎要崩溃了，再不采取行动，一切就晚了。” 副总统却说“：我们的经济和环境一样脆弱，你们就只懂科学，根本就不懂政治。”并且到后来副总统不愿听杰克的解释不愿疏散民众，怕引起混乱。看到这里，我真是咬牙切齿，对这个副总统以及只考虑眼前利益的人深恶痛绝。然而，面对大自然索取无度的我们，不正是像那些人一样只顾眼前利益贪婪地把大自然的血抽光，把大自然的皮扒光，把大自然的肉啃光。为此，我们还洋洋得意到底人均GDP增长了多少，却从未考虑过，大自然到底被我们破坏了多少？在对他们深恶痛绝的同时，我们不禁要深思：“我们是否也在透支着自然，在对大自然进行无限制的索取。”

也许，人都是一样，总是在失去后才后悔，总是在错过后才悔悟。在影片中，当人们开始相信美国气象学家杰克的时候，是当飓风，洪水，冰雹一切大自然的灾难，席卷而来的时候，建筑倒了，美国的自由女神像在飓风与洪水中摇摇欲坠，车子翻了，有的人被龙卷风卷走，有的人被洪水淹死，有的被冰雹砸死。剩下的只有支离破碎。当看到一位极普通的日本上班族前一秒还在和妻子谈话，后一秒已被冰雹砸倒在地，场面让我们震惊也让我们恐慌。在那一刻，人的生命显得如此脆弱。在灾难的地方，我们可以看到的是触目惊心的残骸。这部电影何尝不是对现在的我们的一个警示呢？在破坏自然的同时，是否考虑到我们的明天也许就会像《后天》的情景一样？

在电影中，人类在大灾难面前，亲情 友情 爱情——人类的情感经受了重大的考验。当灾难发生的时候，纽约在一天之间变成了冰天雪地。白雪覆盖了一切。气象学家杰克的儿子也因此困于国家图书馆，当杰克知道儿子的消息的时候既感到庆幸又感到深深的担忧。并告诉儿子不要出学校，外面很冷，会被冻死的，他会来救他的。于是，在他明知在这种恶劣的情况下，去救儿子，自己会有生命危险，却义无反顾。让人觉得感动的是杰克的两位两位朋友愿意冒着生死的危险陪同杰克前往纽约搭救他的儿子——山姆，在途中杰克一位朋友的死使整部剧蒙上了一丝感伤。同时也让我们被这种深深的友情所打动。记得在影片中，杰克的朋友问杰克：“你觉得我们能活下来的概率是多少？”杰克回答说：“我只知道从失败中吸取教训，指的是山姆”是啊，他的话让我们感动，他说他欠儿子，自己忙于事业从未好好陪过儿子，他后悔了，他不希望自己再犯这样的错误，一定要补偿儿子，实现自己的诺言。这让我想到了朱自清笔下的父亲，为了儿子爬台买橘子，也联想到了自己的父亲。感觉自己是那么的幸福，也庆幸自己的父亲不是像杰克一样不会因忙于自己的事业而忽略我。看到山姆时，我的心情是复杂的，在他述说自己最快乐的经历时，竟是与父亲去做考察，两人遇险被困十多天，罗拉问他这怎么算最快乐的经历呢？是的，对于我们来说，与父亲相处是最自然不过的事，又怎么会感觉到不一样呢，何况当时还遇险？我清楚的记得当时山姆脸上洋溢的幸福的表情，他说：“仅仅只有我和父亲相处了十多天。”而这种深切对父亲的爱，我们是无法切身体会的，我们比他幸福，可是我们往往会忘记了父亲对我们的给予。对于山姆的勇敢不得不让我们汗颜。当在与罗拉一起被困后，表现出了巨大的勇气。并说：“我爸爸一定会来救我的，我相信!”于是，他靠烧书籍来取暖，等着父亲。正是这个坚定的信念使他顽强的度过难关。在大自然面前，人道主义熠熠闪光。最终，父亲信守诺言，历经千辛万苦找到了儿子并且解救了儿子与其他人。

在影片中，我们感受到了亲情的力量，也感到了大自然的强大，更是让我们开始反省对于大自然是否还是为了自己的利益而不断索取，为了所谓的GDP就忘了地球是否还能负荷，是否要等到发生像《后天》里面一样的惨剧才知道后悔呢？本片为人类敲响了警钟，如果我们再不为大自然做点什么，如果我们再不对那些破坏环境的人做点什么，或许几年、几百年、几千年以后，人类真的就会迎来另一次的冰河期，那个时候可能就是你我的末日。

四、结束语

一、人与自然之间具有一体性

自古以来就存在着把人与自然对立起来的观点，特别是到了近代社会，人们改造自然的能力迅速增强，往往把自己摆在自然的对立面，宣称要战胜和征服自然。针对这种观点，恩格斯明确指出；“我们连同我们的肉、血和头脑都是属于自然界和存在于自然之中的”。随着自然科学的大踏步前进，“我们越来越有可能学会认识并因而控制那些至少是由我们的最常见的生产行为所引起的较远的自然后果。但是这种事情发生得越多，人们就越是不仅再次感觉到，而且也认识到自身和自然界的一体性，而那种关于精神和物质、人类和自然、灵魂和肉体之间的对立的荒谬的、反自然的观点，也就越不可能成立了„„。”在恩格斯看来，人不是处于自然的外部，而是自然的产物和组成部分。他讲的人与自然的一体性，就是指人本身具有作为自然的产物并始终归属于、依存于自然的属性。

事实上，人类作为一个生物物种的确是自然界的一部分，人体的生命活动始终遵循自然规律。在自然界的长期演化中，人类形成了超越其他物种的智能，并建立起极其复杂而严密的社会组织体系。虽然人类同其他生物和无生命的物质相比具有许多不同的特征，特别具有高度的能动性和创造性，但是人类本身是自然长期进化的结果，而且始终同自然之间保持着物质、能量和信息的交流。没有人类，自然照样存在，即自然不依存于人类；但是人类只有在一定的自然环境中才能生存，即人类始终依存于自然。

理解人与自然的一体性，有助于人与自然关系的正确定位。虽然人同其他事物相比具有很大的独立性，但是人并非生活在自然之外，更不能把自己凌驾于自然之上，否则就难以实现人与自然的和谐相处。要看到，人与自然和谐相处，实际上是人作为自然的一个组成部分而同周围的环境和谐相处。诚然，人类为了生存和发展，需要在一定范围内改造和利用自然。但是因为人与自然之间具有一体性，对自然的任何改造都会直接或间接影响人自身，所以绝不能把自然当作可以被随意改造的对象。自然的某些部分通过改造能够更好地为人类所利用，另一些部分则只有保持原貌，避免被人类改造和破坏，才能为人类所利用。人类改造自然的范围、方式和程度应当有一种自我约束。

二、认识和正确运用自然规律

恩格斯认为，人所以比其他一切生物强，是因为人“能够认识和正确运用自然规律。” “我们一天天地学会更正确地理解自然规律，学会认识我们对自然界的习常过程所作的干预所引起的较近或较远的后果。”认识和正确运用自然规律是人类力量的源泉，也是人与其他生物最本质的差别。

从国内流行的一些社会科学方面的教科书和工具书对生产力的定义及解释来看，大都把生产力定义为人们利用自然和改造自然的能力。其实，利用自然是所有生物的本能，不少高等动物甚至能够在一定范围内改造自然。例如，水獭筑坝、蜜蜂筑巢，就其客观效果来说也是对自然的一种改造。虽然这些动物改造自然的能力无法同人相比，以致被认为完全属于本能，但毕竟也在它们活动的范围内改变了自然的原貌，使之能够更好地为它们所利用。因此，严格地说，利用自然和改造自然并不是人与其他生物的本质差别。只有认识和正确运用自然规律来改造自然和利用自然，才是人与其他生物的本质差别。在原始社会，人们最初只是在自己活动的范围内利用自然，包括采集野果，围捕猎物等，后来在劳动中逐步认识和运用自然规律。当原始人捡起一块石头打击猎物时，还只是利用自然；当他把石头磨成特定的形状以便更好地使用时，已经改造了自然；至于开垦荒地种植农作物和驯养动物，则包含了对自然规律的认识和运用。如果原始人停留在只是利用自然的状态，一点都不知道认识和运用自然规律，那么同其他动物就没有本质区别。人所以能够从其他动物中分离出来，就是因为在长期劳动中逐步形成了认识和运用自然规律的能力。在近现代社会，人们认识自然规律取得了丰硕的成果，逐步形成了门类繁多的科学技术。只有不断认识和正确运用自然规律，才能科学地而不是盲目地改造自然，从而合理有效地利用自然，减少乃至消除浪费和污染。

在现实中，人们往往只是注意生产行为所引起的较近的后果，而对较远的后果缺乏认识；等到这种较远的后果经过积累而变得相当严重时才引起关注，最终造成巨大损失，甚至难以治理和挽回。这个问题在近代社会已经暴露，欧亚一些地方砍伐森林，导致水土流失和自然灾害就是如此。恩格斯对这个问题给予了富有远见的关注，告诫人们要学会预见和控制生产行为干预自然所引起的较远的后果。联想当今世界面临的一系列环境问题，重温恩格斯的教诲和告诫，人们应当有所启示和感悟。

三、不要过分陶醉于对自然界的胜利 有不少文献引用恩格斯的论断：“我们不要过分陶醉于我们人类对自然界的胜利。对于每一次这样的胜利，自然界都对我们进行报复。每一次胜利，起初确实取得了我们预期的结果，但是往后和再往后却发生完全不同的、出乎预料的影响，常常把最初的结果又消除了。”这一著名论断已经成为关于人与自然关系的经典言论。

现代人为改造自然所取得的成就而感到自豪是可以理解的，但是这些成就并不意味着人类战胜了自然。所谓战胜或胜利，通常是相对于战败或失败而言，既然要实现人与自然和谐相处，就应当改变长期以来形成的征服和战胜自然的观念。不应在人与自然之间人为地构造战胜和战败的关系。事实上，人们改造自然的一切成就都是在自觉或不自觉地遵循自然规律的前提下取得的，没有理由说是战胜了自然。何况这些成就往往存在对自然和社会的负面影响，最终或多或少招致自然的报复。恩格斯当年所分析的美索不达米亚、希腊、小亚细亚和欧洲一些地方破坏自然而遭受报复的情况，同现代社会的情况相比，可谓小巫见大巫。由于世界各国特别是少数发达国家大量排放各种温室气体和消耗臭氧的化学物质，导致全球温室效应增强和臭氧层破坏，危及整个人类生存和发展，不得不通过国际协议来减少温室气体和消耗臭氧物质的排放；一些杀虫剂和化学物质最初被研制成功时曾誉为重大发明，并大量使用，后来才发现最终却会严重危害人自身，不得不禁止使用；一些国家和地区实行“先污染后治理”的发展模式，各种污染物大大超过环境承载限度，不得不投入并消耗巨大的人力物力财力来治理污染，实际上在很大程度上抵消了经济发展的成果，甚至得不偿失；国内一些地方毁林开荒，导致土地荒漠化，最终不得不退耕还林。这类事例不胜枚举。

在水下演奏的乐队 第3篇

莱拉·斯科夫曼德出生于丹麦。受家庭教育的影响，她特别爱好音乐，组建一支属于自己的乐队一直是她梦寐以求的事情。一天，莱拉·斯科夫曼德在《科学公共图书馆—综合》上看到划蝽可以在水下产生与众不同的巨大声响，她由此而受到启发：昆虫都能在水下唱歌，我为何不可以呢？

莱拉·斯科夫曼德决心找到能在水下唱歌的方法。她开始尝试将嘴巴置于盛满水的碗里，试着在水下唱歌。在尝试的过程中，莱拉·斯科夫曼德发现很多气泡会伴随着歌声产生，并且夹杂着气泡破裂的声音。经过多次反复试验，莱拉·斯科夫曼德终于发现了一个惊人的秘密：当嘴巴完全被水覆盖时，人可以通过嘴里产生的气泡来唱歌。

此次成功的尝试给莱拉·斯科夫曼德带来了新的灵感。她用一把廉价的小提琴在水下反复试验，结果小提琴报废了，最后她发现只有带弦乐器才能在水下发出声音。要想在水下演奏，一定要是自己特制的乐器才行。

莱拉·斯科夫曼德于是找到了专门研发奇异乐器的安迪·卡瓦托尔塔。安迪经过不断的水下试验，最终发明了一种拥有6根弦并能像吉他那样演奏的乐器——唱歌碗。

但要組建乐队，莱拉·斯科夫曼德还要面临更大的挑战：如何捕捉水下20多种乐器的声音？莱拉·斯科夫曼德于是邀请声学家进行多次声学实验，发现水听器（一种木水结合乐器，是由改进过的锣钹所制成的一套鼓）完全可以很好地捕捉声音。因此，她邀请了打击乐制造商马特·诺兰，让他负责调节音响的效果。

后来，莱拉·斯科夫曼德与深海潜水员、科学家合作，成立了5个人组成的音乐团队。他们进行了无数次的实验后，开发了一种全新的高度专业化的水下仪器。在创作过程中，该团队不断尝试水下唱歌的独特技巧，还使用十年试验开发出的特殊器具在水箱底下进行演奏。

2016年5月27日，这支乐队在荷兰鹿特丹举办了第一场叫“克藻星”的水下音乐会。5名表演者依靠入耳式防水耳机潜进一个1600升水的玻璃水箱内，通过特制的乐器在水中唱歌。表演者们创造出了与众不同的旋律，观众深深地陶醉在这场世界上闻所未闻、前所未听的水下音乐会里。

交响乐队中双簧管演奏的重要性分析 第4篇

一、双簧管概述

双簧管属于一种木管乐器。早期,双簧管由芦苇制成。人们在苇管中安装了簧片,使其发声。相关资料表明,希腊人最早用吹树叶的方式发音,自此发展了双簧管乐器。后来,在世界上又诞生了库塔尔双簧管。最后,法国人肖姆对双簧管进行了改造,这时真正的双簧管诞生了。该乐器在演奏时,主要依靠体内气压的作用,使弹簧振动。同时,利用上下唇部的压力,可以对音色进行控制。与其他乐器相比,双簧管在控制音色方面要求比较高。双簧管音色优美、音质纯净,在交响乐团演奏中,经常以独奏的形式存在。很多交响乐团在演出之前,利用双簧管来调音。

二、交响乐队中双簧管演奏的重要性

在交响乐队排练中,双簧管具有独特的演奏特点,所以采用标准化的演奏模式,其他乐器扮演着辅助性的角色。由此可见,双簧管在交响乐队中处于核心地位。

(一)在整个乐队中处于核心地位

首先,双簧管的中音区音色甜美、音质纯正,使音乐更富于表现力,从而体现了较大的优势作用。其次,双簧管的高音区比较刺耳,容易营造出紧张氛围,起到渲染气氛的作用。再次,双簧管的低音区可以产生饱满的音乐效果。如果控制不好音色,就会产生一种粗糙感。可以看出,作为一种独奏乐器,双簧管使乐器更具有流畅感,感染力更强。另外,随着双簧管的不断成熟,新的演奏方法层出不穷,从而促进了双簧管的快速、稳定发展。

(二)乐器类型繁多,效果更好

双簧管在发展的过程中,乐器类型具有多样化的特点。比如,英国管、抒情双簧管、狩猎双簧管,以及黑克尔管等。由于乐器类型不断增加,产生的效果更加震撼人心,在交响乐队中发挥着更重要的作用。其中,英国管为喇叭口梨型,音色圆润、柔和,展示了英国音乐独有的田园气息。该乐器在世界上享有很大的名气。

三、发挥双簧管演奏重要性的办法与措施

(一)提高演奏者的综合素质

为了充分发挥双簧管在交响乐队中的重要作用,要求演奏者在日常排练中,勤学苦练,熟练掌握各种演奏技巧。特别是初学者,更应该提高对自己的要求。双簧管的中、低、高音区比较独特,对技法要求高。如果没有进行大量练习,往往很难发挥出乐器本身的优势。反之,还会影响整个乐队的演奏质量。除此之外,演奏者还需要适应时代的发展,在熟练掌握技巧的基础上进行创新。只有这样,才能演奏出更优质的作品。

(二)加强团队协作能力

独木不成林。一个团队想要取得成功,必须重视团队协作方面的能力。反之,团队就犹如一盘散沙,难以凝聚。交响乐队在演奏的过程中,要求多种乐器相互配合,创造出完美的音乐效果。为了实现以上目标,要求乐器、乐手、指挥者达成一定的默契,在通力合作的基础上,将每种乐器的音效发挥到极致,从而打造出一场华美的视听盛宴。

(三)演奏者投入全部精力

只有视艺术为生命的人,才可以演奏出华美的乐章。相反,如果演奏者仅仅将双簧管的练习当成任务来对待,就不能产生预期的效果。当演奏者在表演中,投入饱满的热情时,就可以感受到每一次呼吸中带来的音色变化,然后尝试不同的指法,从而体验到更多的快乐。除此之外,演奏者还会注意到周围环境的变化,以及其他乐器的变化,并对这些变化进行认真分析,从而使自身的演奏与其他的乐器更加合拍。可见,演奏者只有用心对待练习,才能使双簧管在交响乐队中发挥作用。

(四)保持一个健康的身体

身体是革命的本钱。双簧管演奏者想要演奏出优美的曲子,还需要保持一个强健的体魄。通常情况下,双簧管演奏者处于交响乐队的中央位置,受到的音乐干扰性比较大,容易对演奏者的听力功能造成损害。针对以上问题,双簧管演奏者在日常排练外,应该积极参加运动,加强身体锻炼。特别要注意保护听力功能。只有这样,才能在演奏的过程中,准确识别出其他乐器的声音,保证双簧管演奏的流畅性。

四、结束语

在交响乐队演出中,双簧管起着引领性的作用,有助于发挥各种乐器的功能,表达出更完美的曲子。从以上论述可以看出,双簧管在高、中、低三个音区中,各具特色,有很大的优势作用。当前,双簧管的种类越来越多,包括英国管、抒情双簧管、黑克尔管等。这些新型乐器极大地促进了双簧管的发展。本文结合演奏方面的经验,提出在交响乐队中充分发挥双簧管作用的办法与措施。比如,提高演奏者的综合素质,加强团队协作能力,演奏者投入全部精力,保持一个健康的身体等,希望可以起到参考的作用。

参考文献

[1]杜威.关于双簧管在交响乐队中的位置与重要性的研究思考[J].通俗歌曲,2015(08).

交响乐队的演奏 第5篇

电声乐队流行音乐节奏律动和声即兴演奏近年来，国内电声乐队发展迅速，其形式已不局限为电子合成器、电钢琴、电吉他、电贝斯、架子鼓，中国民族音乐元素也加入其中，使得流行音乐的受众面越发广泛，网络与媒体的发达更是让流行音乐遍布各大综艺节目，带动了一大批热爱流行音乐的人组成了乐队，乐手能力高低决定了整个乐队演奏乐曲或歌曲的品质，一个好的乐队是每个人都能为他人带来灵感和起到提高音乐品质的作用，也就是形成一个良性循环。

一、节拍的绝对稳定性

鼓手等于一个人的心脏，掌控着乐队的心跳、呼吸，他的节拍稳定性至关重要，贝斯手要与鼓手的底鼓律动一致，要把厚重、饱满的音符完美的与底鼓咬合到一起，形成支撑音乐的骨架。这两个乐器的磨合期要远远长于与其他乐手配合的时间，当两个人默契到律动完全一致，速度和节拍都非常稳定，就为乐队打好了基础。

二、读谱能力培养

从速度较舒缓的作品开始，播放音频看总谱，快到“跟不上”的作品不适合最初的练习，可以先看自己熟悉的乐器的声部，再由此每播放一遍就增加一行乐器，最高声部上方的和弦功能标记与段落标记等不能忽略，一目十行需要时间的累积，直到能弹奏好自己声部的同时还能看到其他声部的乐谱，在排练时起到互相监督的作用。着重看连续切分段落，通常都伴有附点接十六分音符再接八分音符连线，小切分或十六分音符重音先现等组合节奏型，观察自己声部与其他声部的区别与共同点。音符密集技巧复杂的段落可要求某乐手单独演奏他的声部，力求看懂每一组节拍与和弦织体并熟练演奏这些复杂节奏。鼓手因为乐器无音高总是容易忽略他人乐谱，看懂总谱不仅仅是为了演奏好这个曲子，更是提高编曲能力的关键。

三、和声的听辨能力培养

听辨和声的能力是所有乐手能否完成好乐曲的关键，出现和声错误时快速应变能弥补演奏过程中产生的错音。声音的长短、强弱、律动均与和声有密切关系，即使一个声部和声错误也会影响音乐整体的质量和节奏稳定。掌握了和弦功能标记以后，多听辨记谱可解决这一问题。首先要找到和弦的根音，乐队中的根音不是吉他或键盘演奏的最低的音，而是贝斯手弹奏的音符，再找到这一和弦的最高音，有可能存在于键盘、吉他、弦乐或人声等高音乐器，再找到和弦中部比较明显的音符，分析没有听辨出来的其他音，用自己的乐器核对无误后规范记谱，这一过程可从选择简单、慢速、清晰明了、声部较少的作品开始，由简入繁。

四、即兴演奏中的配合能力

掌握了即兴演奏基本原则后，还要有段落感，“弹丢”是乐手们常出现的状况。乐队的即兴演奏不是无边际的乱弹，是建立在框架基础之上的，以4小节、8小节、12或16小节为一个和弦连接循环，循环结束时要设计与基本节奏略有不同的音色、和声、节奏型等，作为给SOLO乐手的提示，常被称为“Feel”。即兴演奏的過程中要统一速度和律动，如4/4拍，演奏同时默数1、2、3、4，可用节拍器或伴奏软件练习。此外，段落的层次感也要鲜明，一个好的音乐作品一定是有层次和张力的，那么这个作品就存在着风格、音色、强或弱的对比段落、长短音、轻重音，节奏设计等，即兴演奏也不能忽略了这些音乐元素。

五、音色、音量与声向

乐手要清楚自己在乐队中的作用。键盘可演奏主旋律、伴奏和模拟其他乐器的音色、音效，其色彩丰富，多变；吉他除了演奏旋律也可伴奏，使音乐更细腻、流畅，又可清新或激昂；贝斯与鼓多为伴奏形式，贝斯偶有旋律出现，虽无高音但胜在结实、浑厚；打击乐让音乐节奏鲜明，是烘托气氛必不可少的乐器。若加入不插电乐器在其中，要注意音量的平衡。排练过程的乐器与音响摆放位置要与演出站位略同，这样比较均衡的音响和声向能更快适应演出时声音变化。鼓手与贝斯手要互听声音融合度，排练时架子鼓大多不插电，但音量依然较大，鼓手的手脚要有很强的音量、音色掌控能力，做到“强而不噪，弱而不飘”并与其他乐器音量平衡。键盘与吉他演奏的音符要交错开来，除非特别的设计为同步音符时，演奏相同的音符是很没必要的。乐手之间要互相听，互相监督、提醒和校准。

六、高效率的排练

1.做好准备工作是乐队配合良好的一个重要环节，排练之前的一段时间每个乐手都要提前练习或做到每个段落、过门了然于胸，有乐谱要练习好自己的声部并了解其他乐器段落和走向，无乐谱的要提前记谱，难点加以练习，原创作品要先构思好风格、旋律、和声、前奏、律动、段落、音色的选择，和弦织体等，甚至要细微到某一乐器需要明显突出的声音，某处节奏设计等，有条件的可先录制小样，更直观的让乐手们了解作品的基本构思，再提前分发给其他几个乐手，参与到对原创作品的设计当中。

2.排练时要统一调式，速度，调试好音色和音量之后，如果是有完整乐谱的曲目，则可以齐奏，把歌曲分为前奏、A段、B段、C段等分排，集中解决有技术难度或需要严格卡齐节奏的段落，有改动或难点要记录，而不需要从头至尾反复演奏整曲，这样尽可能的练熟每一个段落以后，再根据需求整体排练，可节省并优化时间。

3.原创或没有乐谱的作品可以在排练同时设计乐谱，乐器的进入顺序可根据乐曲编配，如键盘演奏前奏之后，则与鼓进入A段，确定律动后，贝司进入A段同时检查和声功能走向是否正确，再加入吉他，再加入弦乐、再加入人声等，同时，可以根据歌曲的情绪、风格等随时调整节奏设计、增减音乐元素的应用等。再强的脑力也无法抵抗时间的流逝，当忘记了当初的设计以后，一份乐谱可以成为乐手最后的秘籍。

4.“我等贝司进来我就能找到和弦（节拍）……”能主动地、想起到带头作用的乐手才是好乐手，永远等着别人给信号，会拉低这个乐队的水准，一个良性循环的乐队是既能给予他人灵感又能从他人处取得灵感的，每个人都要成为他人的台阶同时又可以借力攀登，自己的练习要永远多于与其他乐手配合的时间，事先做好准备工作极其重要。

5.不要忽略音乐表现力，无论是排练还是演出，好的情绪能带动他人的音乐情绪，电声乐队之所以深受年轻人的喜爱就是因为它或轻快、或热烈的情绪和丰富的音响效果，音乐的灵感需要一个触发点，它是从情绪中产生的，在即兴演奏段落中这一点体现的尤为明显，有利于默契的配合并缓解日后上台演出的紧张感。

6.排练选择的曲目要量力而行，不要为达到某种目的选择超过乐手能力太多的曲目，当然，适当的高于乐手能力有助于提高演奏水平。

七、结语

谈交响乐团演奏的相互配合 第6篇

交响乐队就是器乐大家族的集合。它分为多个器乐组,而每一组里又有几种乐器。有的一种乐器中还有几个声部,如弦乐组中,有小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴。仅小提琴还要分第一、第二、甚至第三小提琴。 其他各组也都包括多种乐器。

交响乐队乐器多人也多。双管编制的乐队,演奏员就有约60人。每场演出都要用上几十件乐器。如是四管编制,就需一百多人,一场演出,就有近百件乐器参加。 这般诸多乐器和庞大队伍,演出时如何巧妙协调,形成层次分明,整齐平衡,美妙和谐的音乐整体呢?这固然是由作曲家创作乐曲时就已经构思好安排好的,但将作曲家这音乐盛餐呈现给观众,还需要交响乐队的二度创作。在这二创作中,全体乐手除应具备扎实的功底和一定的经验等外,还必须具有高度的协作精神和相互适应的能力。特别是必须明确自己的演奏位置,既准确地发挥自己应有的作用,又使其融合于音乐的整体之中,使作品和谐完美地展示。

指挥占有最重要的位置,是交响乐队的灵魂。指挥好像军队的指挥官,千军万马都要听从他的命令。而演奏员如同战士,要绝对服从指挥。当然,乐队指挥的命令不是决然的一声令下,而是用其本身的全面素质和艺术魅力,用其对乐曲理解、诠释和处理的深入来有效地组合、协调各个声部,甚至用其特有的指挥语汇来调动全体乐手,使几十人几十把乐器的诸多声部呼应配合, 凝聚成和谐的演奏队伍,并逐渐地形成乐队自己的风格。

演奏员有几十位,他们定位在不同的声部,有不同的演奏位置。这就需要每一个人既能充分理解作曲家的意图,又一丝不苟地听从指挥。既明确自己这个演奏位置应起的作用,又理解自己声部与其他声部的关系。这样演奏时就会各就其位,各司其职,交相辉映,使庞大复杂的器乐大军形成水乳交融的艺术整体。

从演奏角度看,我注意到外国乐手(来自欧美的乐手) 优越之处是能更好地把握节奏与对力度的控制上。这一点对突出整体合作的交响乐队来说尤为重要。而我国的乐手,演奏技术往往处于上风,如反应敏捷,手指灵活, 跑动快,善于演奏技巧性作品,能很好地完成较困难的片段。难怪外国乐手谈到中国乐手的技巧时都说,这有什么奇怪,他们是中国人嘛!但事实上,一般交响乐队演奏中所谓高难技巧的出现并不都是很多,而节奏的把握和力度的控制却在一定程度上影响着乐队的整体效应。

给我留下深刻印象的,有一次观摩外国交响乐团的交响音乐会。他们的演奏,整体感觉很有层次,很有修养, 对作品理解深,形象抓得准。如木管声部主奏时,其他声部配合得很有分寸,同时木管声部中又有主要次要, 非常分明。这说明乐队队员对自己所处的演凑位置十分清楚。这样,演出自然获得极大成功。演出后相互交流时我了解到,乐手们有正规音乐院校教育经历,基本功比较扎实,但个人演奏技巧并不都是很高。有的竟较少练习大型协奏曲独奏曲,而是大量接触交响乐与合奏类作品,甚至对其中一些困难片段可背谱演奏。类似情况在国外其他乐队里也普遍存在。一般来讲,演奏整体水平显示着一个乐队的水平。交响乐队要提高演奏整体水平,我想不妨借鉴外国乐队的成功经验,在合奏类的作品上多下些功夫。甚至为演出团体培养演奏员的音乐院校,也应适当增加些有关合奏类的课程。

乐手们明确自己的演奏位置,就是说应充分地理解和体现作曲家和指挥的要求。比如指挥要求小提琴声部弱下来时,所有小提琴都应弱下来。哪怕只有一两个、 两三个演奏员没有做到,也会影响演奏效果。有时演奏并没有很多高难技巧,主要是看你演奏得是否准确到位。 你演奏的是主奏,还是伴奏?是主旋律,还是副旋律? 是三音、五音?还是根音?总之,是什么位置。有经验的演奏员,必定对以上做到心中有数并付诸演奏中。

交响乐队的演奏 第7篇

一、小号在不同时期乐队中的角色变化

小号的发展被系统地分成了很多个时期,不同时期的发展程度不同,小号在其中扮演的角色也不同,随着时代的发展以及交响乐的发展,小号的角色扮演也产生了相应的变化。

1.小号在巴洛克时期交响乐队中的发展是具有创时代意义的。因为小号在这一时期才真正成了音乐演奏的一员,小号开始以乐器的身份进行音乐的演奏。在这一时期,小号的发展程度不高,而且发展得也不够成熟,小号的制作也相对简单,但是小号凭借着自身的音色等一系列原因,成了宫廷音乐演奏中最主要的乐器,而且小号在交响乐中担任的音乐伴奏的重要程度也在不断的加深。小号在这个时期的发展也突破了局限,开始有著名音乐家专门为小号谱曲,使得小号的独奏也成了当时社会的亮眼风景。

2.古典时期,首先,这个社会的音乐演奏和创作的风格出现了明显的社会型转变,小号不再是最主要的演奏乐器,几乎所有乐器的演奏特点都受到了人们的关注,当时的社会推崇个性的发展,所以小号在这个时期扮演的角色不再是“唯我独尊”式的角色。

3.在浪漫主义时期,小号的制作工艺开始多样化,小号的种类也在不断地增多,当时社会背景下的音乐家开始追求更加深层、更加独特的演奏效果,而不同种类的小号可以满足不同音乐效果的实现,因此,小号扮演的角色又开始向主流方向转化。

4.在近现代交响乐的发展过程当中,小号的角色出现了非常多变的形式。在现代社会的音乐演奏中,小号的出现使得音乐演奏的形式变得多样化,现代音乐的特性也影响到了交响乐的实际发展,小号进入了相当高的一个发展高度。

二、小号在不同乐队中的特点以及演奏方法研究

1.小号在现代乐队中的特点以及演奏方法的研究。现代乐队是随着社会的发展而出现的为人们提供音乐享受的高层次的音乐组织模式。现代乐队的出现是社会发展的必然,也是多种乐器开始规模演奏的必然,多种音乐演奏形式的组合形成了现代乐队的发展。而小号在现代乐队中的特点也不同于其他类型的乐队,小号在现代乐队不再是唯一主要的乐器,而是主要乐器之一,主要的演奏乐器的种类不断增多,使得小号开始与其他类型的主要乐器合作进行演奏,小号在现代交响乐队中的体现呈现出了多向发展的特点,小号开始在现代话剧、音乐剧、纯音中进行环境与气氛的渲染与烘托,这使得音乐家对小号的使用更加具有全面性和综合性。

而小号的演奏方法也在现代乐队中出现了一定的变化,现代乐队主要演奏现代的交响音乐以及具有鲜明时代气息的音乐剧等,所以许多音乐家更愿意采用降B调小号来对交响乐进行演奏,以便适应现代音乐的发展特点,而且小号的演奏技巧也开始向气息缓和化、音色多变化发展。

2.小号在古典乐队中的特点是最为鲜明的,古典乐队演奏的音乐以稳定的古典音乐为主,小号在古代乐队中几乎是绝对的演奏主力乐器,小号的音调变化以及音准的细致掌握是古典音乐中小号使用的主要表现形式。小号在古典乐队中的特点相对比较稳定,呈现出稳定、方向较为单一的特点。

小号在古典乐队中的演奏也是区别于现代乐队的,古典乐队中小号的演奏具有明确性,小号演奏主要负责交响主音的控制与调节,小号的实际演奏较为传统和固化,旋律之间的衔接较为柔和,小号在演奏交响乐的整体音调时,也不会出现节奏、音域跳动极为激烈的想象特点,因此小号在古典乐队的特点还是较为明显的。

小号作为以后交响乐发展的主要乐器之一,在交响乐发展的过程中扮演着越来越重要的角色,小号的演奏也随着时代的发展呈现出不同的时代气息,希望小号能够以更高的姿态发展,继续为交响乐的发展贡献力量。

摘要：小号是人们熟知的西洋乐器之一,它在交响乐演奏中的地位非常高,小号独特的音色为交响乐的整体演奏效果注入了灵魂。然而小号的产生、发展、变迁是经历了几百年历史的,在这几百年历史对小号的磨炼之中,小号在每一个历史时代都找到了自己的定位,在不同的时代扮演着不同的角色。不同时代的音乐家对小号的使用方法不同,导致小号在交响乐中的演奏特点也不同,总的来说,小号这种乐器是符合时代发展的,并且没有被时代所淘汰。小号在现代社会中的发展更具多样性,并且以不一样的姿态出现在现代社会的交响乐演奏与创作之中。通过分析小号在不同历史时期的不同发展程度,对小号在不同时期的特点进行详细的描述,并对小号在不同时期交响乐队中的演奏特点进行总结。

关键词：小号,交响乐队,时期

参考文献

[1]高飞.浅谈小号在交响乐团中的运用[J].剧影月报,2014.

交响乐演奏中的情感因素体现 第8篇

一、情感因素可以使演奏者准确把握乐曲的节奏、节拍以及演奏速度

节奏、节拍和演奏速度是交响乐作品的灵魂所在, 正确把握这三者对于交响乐的演奏是至关重要的。但是对于演奏者来说, 做到正确把握三者在交响乐作品中的表现并不是一件容易事。比如在大提琴的演奏过程中, 对于一些节奏复杂、节拍变化快的乐曲, 演奏者对技巧把握不好的话往往会使演奏速度越来越快, 或者在演奏一些风格简单、舒缓柔和的曲子时演奏太慢而跟不上节拍, 这就失去了乐曲的美感。因此, 做到准确把握略去的节奏、节拍以及演奏速度成为演奏作品的核心, 这就需要演奏者将自己的情感注入交响乐中, 用自己的感情去创作出人满意的作品。在演奏时既要注入交响乐自己的情感, 同时也不能被自己的情绪左右, 将自己的情感同作品的情感完美的融合在一起, 准确把握交响乐的节奏、节拍以及演奏速度才能演绎出完美的作品。

二、情感因素可以使演奏者准确把握作品的音准和发音

如果说交响乐节奏、节拍以及演奏速度是交响乐的灵魂, 那么交响乐音准和发音便是灵魂指挥下的躯体。优美的音色以及准确的音准对于表现作品的艺术魅力有很重要的作用。比如在小提琴演奏中, 动人的音色既可以表现交响乐中温婉少女楚楚动人的形象也可以表现气势如虹的山河气势。这些表现力都需要演奏者自身的感情应用, 以及对交响乐情感的自我理解。在演奏过程中准确把握作品情感与自我情感, 有利于提升对音准的把握能力, 也可以提升耳朵对音准的判断。正如贝多芬说:“音乐并不在谱子上, 而在谱子之间。”这充分表明交响乐演奏并非简单的按照音符演奏出来, 更重要的是将作品中的内在含义与思想表达出来。谱曲者将自己的感情与思想蕴藏在作品之中, 而需要演奏者以自己的方式去理解并演奏出来, 从而达到作曲家的创作意图。

三、情感因素也可以提升演奏技巧的表现力

准确的节拍、节奏把握, 精准的发音与音准再加上演奏者的情感发挥对音乐的表现力, 这就足够使作品成为经典, 因为演奏者已经将自己想要表达的主题、情感以及思想完全的寄托在作品中。例如交响乐演奏中, 钢琴是不可或缺的一种乐器, 而钢琴的演奏技巧有很多种, 手指的独立性技巧、八度的技巧、音阶和琶音快速均匀跑动技巧、轮指和弦及大跳的技巧等这些技巧的掌握, 需要演奏者坚持不懈的训练和自我实践, 在演奏过程中将自己的感情融入其中可以丰富作品的表现力, 使演奏效果更佳。

四、情感因素可以提升演奏者的综合素养

正确的把握交响乐演奏中的情感可以提升演奏者的综合素养, 同时演奏者综合素养的提高也可以提升演奏者的综合素养, 两者相辅相成, 从而使演奏者与作品形成良性循环。每一部交响乐的创作都有特定的背景, 表达谱曲者想要传达的某种特定给的思想。因此正确的把握交响乐所传达的情感显得尤为重要, 这就需要演奏者用心去感受作品, 不断提升自己的综合素养。而在自己感受作品的同时自己的综合素养也会在无形中得到提升。将自己的感情融入交响乐进而以音乐的形式体现出来, 听众作为“局外人”也会感受到。在每一次演奏中, 有意识的去培养自己表现能力, 锻炼自己的心理素质, 这些都需要自己对音乐的理解力和喜爱之心。只有将自己全心全意寄托在音乐中, 释放自我, 才不会去在意别人, 从而最大程度上培养自己的综合素养。在舞台上表演时不应带有目的性而生硬的表现出来, 也不要将自己的音乐技巧作为一种表演进行显示或夸耀, 应当顺因自己的内心, 自然的将感情流露出来。

五、总结

总的来说, 交响乐蕴含着作曲家深厚的感情抑或表达某种寄托, 具有其他音乐艺术所不一样的审美价值, 而情感因素作为主旋律贯穿于整个音乐作品。演奏者应将自己的感情在交响乐演奏中释放出来。而情感在交响乐中的体现也是多方面的, 即可以准确去把握作品的节奏、节拍以及演奏速度, 也可以精准的把握演奏过程中的发音和音准, 还可以提升自己在作品演奏中的表现力, 最重要的是可以培养自己的综合素养。用心去演奏, 将自己对作品的理解表现在交响乐中, 在音乐演奏中释放自己的感情, 使听众在享受听觉盛宴的同时感受到演奏者精湛的技巧以及对作品的全情倾入。

摘要：交响乐具有丰富表现力, 同时对人的情绪和精神有很大的影响力, 它具有丰富的音乐体裁形式, 在音乐艺术形式中它是有很高品味的音乐种类。在交响乐的演奏过程中, 情感因素对交响乐的演奏起到非常重要的表现作用。本文主要就交响乐演奏中情感因素的体现做出简单的阐述。

关键词：交响乐,演奏,情感因素

参考文献

[1]康帝.论情感运用在交响乐演奏技巧中的作用[J].北方音乐, 2013.

[2]庄重.浅谈交响乐演奏中的情感运用[J].音乐天地, 2012.

浅谈二胡演奏员的乐队技能及素养 第9篇

一、民乐系学生的学习目标

民乐系学生的学习目标会随着民乐的发展而不断变化, 民乐的发展得益于社会的进步和人民群众的喜好。以二胡为例,民乐学院对学生的培养目标尚未十分明确,主要分歧在于究竟是培养独奏人才还是以乐队形式为主来引导学生发展。根据调查我们不难发现,很多学生意在独奏,对乐队的演奏形式并不十分感兴趣,大都有敷衍应付的态度,这种现象的出现与学生本人和学院都有关系。我认为,学生应注重自己的独奏能力,同时不能脱离集体,要顾此及彼,切不可一意孤行。

二、二胡演奏员的乐队技能及素养

(一)明确自身的责任。作为一名专业的、合格的乐队队员,要时刻谨记自己的职责,要服从乐队的安排,摆正自己的位置。在演奏之前,要不断向老师同学等寻求帮助,共同进步,不可自私自利,要真正融入集体,排练时态度要认真端正,要在不断磨合中找到最佳的状态;演奏时,注意跟上节奏,不可溜号,作为集体的一员,要做到为集体的荣誉感到骄傲。

(二)尊重大家,守时守纪。合奏是需要大家共同配合才能完成的,在排练时,要做到积极主动,尊重大家,遵守时间,以集体为重。而二胡是弦乐队中最多的一个群体,因此,在演奏过程中,不仅在步调上要相辅相成,还要保证动作的统一规范。作为专业的学习者,要时刻以学习为主,认真听取指挥的讲解和重要提示,有意见或建议时,也要及时与老师同学沟通,只有团结的队伍才能创造出最优的战绩。

(三)学会与指挥互动交流。在进入排练的实施阶段时, 要做到服从指挥,融入集体,在沟通交流的基础上,必须做到与指挥保持高度的一致。在排练过程中,要注意谱台外, 还要随时注意指挥的动作起伏,在演奏重要段落时,甚至要完全关注指挥。做到这点并不容易,所以在平日的排练中要时刻充满正能量,积极配合,只有这样,才能在真正上台演奏时发挥出最佳的状态。

(四)与各个声部协调进行。合奏的标准简单来说,要做到四个字:“倾听,调整”,倾听,顾名思义,是要求演奏者在表演时,注意周围的声部的变化,关注指挥,跟上节奏;调整,即根据集体的节奏,相应地调整自己的状态和演奏韵律以应对集体的变化,同样是服从指挥,不断调整自己, 善于用正确的音准、节奏去带动别人,不被错误的节奏误导。

(五)根据二胡声部的位置调整自己。二胡声部的位置分为两种情况,一为主奏旋律,此时,演奏者需要将自己的全部激情融入到整个声部中,这种情况多为独奏和几人的二胡演奏,独奏需要有一定的技能以带动后面的演奏,动作、表情都要投入大量的精力去反复练习,几人的二胡合奏,在跟上集体音准的同时,几人的着装、动作需要尽量一致,一出场就争取能吸引观众的眼球。

当二胡的声部处于陪衬音型时,在节奏上把握准确度是十分重要的,除此之外,音量不可过大而掩盖其他乐器的演奏,也不可或缺,关键时刻需要产生声音的共鸣,做不到这几点,整个乐队的演奏效果都会受到影响,声部的和谐共振性就会很差。

(六)注意二胡声部与其他声部的交错对答。当二胡声部与其他声部进行交错对答时,不要机械地去记住拍数,要仔细听什么乐器会先出现,乐器的排列顺序是什么,这种情况,往往是作曲者在配器上采取的一种对比的手法来表现整个乐队的气势。这时,需要听从指挥,时刻关注指挥和其他乐器的演奏,看出指挥手势的意义,否则会破坏指挥对整个音乐的控制和处理。

(七)多加练习才能应对重点段落和难点段落。一直强调配合、协调,但是一名优秀的二胡演奏者,需要不断积累经验,不断学习,吸取教训,才能保证在表演时发挥出自身最佳的水平。遇到调性转换多、变化音多等情况时,要单独拿出来多多练习,力求打造最佳战队。

三、小结

一个人只有对于自己所从事的职业保持着积极主动乐观的态度,才能发挥出自己最好的水平。二胡的演奏亦是如此,首先要热爱和保护乐器,其次要细心整理乐谱,最后要向大众展示自己以及团队的精神。

摘要：二胡是我国民间传统乐器之一,早已成为音乐学院民乐系学生的课程。音乐学院民乐系学生应该具备单独演奏民乐以及以乐队形式的集体演奏的能力。根据大多数音乐表演学生的就业情况来看,以乐队形式集体演奏将成为民乐系学生的重点培养目标。本文将以二胡为主要研究对象,来谈谈二胡学习者的学习目标和演奏标准以及二胡演奏员的乐队技能及素养,还有民乐演奏员对待乐器和民乐的态度。

交响乐队的演奏 第10篇

密歇根州乐队协会主席迈克尔·海斯科克说：“我们对此毫不感到惊奇。4年多来，我们已经见证了卡萝的音乐天赋。”卡萝的母亲南茜也说：“卡萝能把最简单的声音变得悦耳动听。”大号教师弗里茨·肯齐兹回忆他给卡萝上第一堂课时说，她当时在没看乐谱的情况下演奏了一首很难的奏鸣曲。

在密歇根读大学时，卡萝曾经参加过纽约爱乐乐团的试听并通过了初试。美国大交响乐团的大号演奏岗位，将近二三十年才招聘一次，卡萝一直在寻找工作机会。2005年，费城交响乐团招聘大号演奏岗位时，卡萝被认为缺乏专业经验而落选了。

费城交响乐团的低音长号演奏者布莱尔·伯林根，也是大号招聘团主席和音乐总监。他在听了卡萝的CD后，对她的印象颇为深刻，因为那是一段用大号演奏的难度很大的小提琴协奏曲。

今年，卡萝再次有机会竞争费城交响乐团大号的席位。通过了第一轮考核和第二轮的考核后，包括卡萝在内的6名演奏者为了这个职位必须再次竞争。

伯林根透露，已经进入了最后决赛的卡萝与当时的六位演奏者不分高下。在最后一天，她将与两位乐团演奏经验远远比她丰富的男性大号手竞争。最后的结果是，卡萝获胜。她的工资是每年10.2万美元。

卡萝将于9月开始在费城交响乐团工作。她说：“我真不敢相信我多年来梦寐以求的东西居然真的实现了。”

对于声望如此之高的费城交响乐团来说，聘用卡萝这样年轻的乐手极不寻常。卡萝的老师肯齐兹表示，卡萝拥有获得成功的天赋，她会在费城交响乐团站稳脚跟。

浅谈小提琴在乐队演奏中的作用 第11篇

一、小提琴在乐队演奏中的作用

小提琴作为交响乐队中极为重要的乐器之一, 在乐队演奏中承担重要作用。首席小提琴担任了乐队的主要演奏任务, 首席小提琴很大程度上影响了整个乐队演奏的好坏, 是除指挥官外来说相对重要的位置。小提琴自身演奏出来的声音优雅动人, 再加上演奏者的技巧, 更能让小提琴成为交响乐队的主旋律。用其他的乐器来辅助演奏, 表达出不同的音乐情感, 帮助小提琴演奏出华彩乐章, 从而突出小提琴的重要性。华彩乐章来源于个人演奏者的创作, 它被广泛应用于整个的乐曲之中。其中杰出的代表有贝多芬和莫扎特等音乐大家, 他们都将华彩乐章编排在自己的乐曲中。自德国浪漫主义杰出代表的门德尔松后, 许多作曲家都将华彩乐章看做是自己作曲中的有机结构并把它编排到自己的音乐作曲中。用小提琴演奏华彩乐章能够使交响乐团的演奏显得更加有气势, 使整个交响乐曲演奏的更为完整, 以及能够在很大程度上提升小提琴演奏的技巧并完善它。小提琴在乐队的演奏同时也带动了乐曲风格的不断完善, 并能够有效地向人们阐述歌曲的含义。通过小提琴和交响乐队的共同演奏, 其优雅动人的声音能够鲜明生动的表达作曲者的思想感情, 生动形象的刻画出人物的内心世界。因此, 小提琴被许多作曲家广泛应用到自己的音乐作曲中, 来完善作曲的多样性, 增强作曲的吸引力。随着小提琴演奏的技巧不断完善, 加快了交响乐队整体技术改革创新的步伐, 推动了交响乐队相统一。

二、乐队演奏中小提琴演奏的训练重点

(一) 速度变化

交响乐演奏者要很强的协调能力, 他们不仅要能够很好的控制自身的演奏并对之进行相应的调整, 同时, 他们还要能够快好准的理解指挥官的指挥。在演奏过程中, 指挥换通常会对音乐的演奏使用一些精细的暗示动作, 将音乐上的一些变化, 以及乐器声部的进出暗示给乐队。变化速度是作曲家在进行歌曲创作中常用的方法之一, 也是乐队演奏中小提琴演奏的训练重点之一。渐快和渐慢的手法在音乐作品中十分普遍, 音乐速度发生变化的时候, 指挥换通常会用明显的手势预视并暗示演奏者, 从而带动整个乐队。例如, 在音乐发生变化的前一个或前几个拍子拍击动作打得大了, 指挥官提高手的高度, 用左手指挥示意或是肢体语言示意。当有这些暗示的时候, 演奏者就当提高自身注意力, 要紧跟指挥官的指挥, 记住在日常排练时既定的变化速度时用的拍击方式, 同时要时刻休息指挥官的动作, 把握住这些速度的变化。因此, 演奏者要充分理解指挥官的暗示手势和动作, 否则无法在乐队演奏时和其他演奏者保持步伐一致。

(二) 力度变化

乐队演奏中小提琴演奏的训练重点之一就是力度变化。力度变化相较于速度变化出现的次数更多, 且大部分情况下是不规律的。在演奏过程中, 经常会出现演奏者指看音符而忽略力度记号的情况。针对这种现象, 有经验的指挥官则会在日常排练的时候强调一些容易被忽视的力度记号, 从而加深演奏者的印象。

(三) 配合问题

由于小提琴所发出的声音与管弦乐团中的其他乐器所发出的声音相比较为敏感, 要想充分发挥小提琴在乐队演奏中的作用就需要小提琴演奏者能够清醒的认识到小提琴的声音特色, 并准确掌握它与其他乐器在发声点方面的关联。在正常的管弦乐团的演奏中, 为了让听众能够同时听到所有乐器发出的声音, 实现最佳的听觉效果, 通常情况下, 小提琴的发声比一般的乐器都稍晚一些, 为的就是等那些发现不太敏感的乐器, 尤其是在作品演奏到高潮时, 这种为了能够确保发声的整齐一致, 小提琴演奏者的配合显得更为重要。

一个好的演奏离不开演奏者的身体语言。从广义上讲, 人的四肢、躯干、眼神、呼吸以及面部的表情都属于身体语言。其实身体语言的交流是普遍存在于管弦乐团的音乐演奏过程之中的, 比如指挥与乐队演奏者之间, 乐队演奏者之间, 各个声部之间都是离不开身体语言的交流, 且在某些特殊的时候, 只有身体语言才能将内涵充分的表达出来, 比如协调发声点时, 往往小提琴演奏者都是根据首席的动作来确定发音时间的, 因此身体语言是协调管弦乐团演奏, 促使小提琴演奏者能够配合好其他乐器发声的重要措施。

三、提升乐队演奏中小提琴的艺术表现效果

通各声部之力而完成的管弦乐或者交响乐作品才是一部完整的作品。换言之, 音乐的旋律就好比接力赛中的接力棒, 乐队中的的任何一个声部都有可能成为下一个接力者。而这也就给音乐演奏提出了一个新的挑战, 如何在接力演奏中保持影响的平衡, 给观众以最好的听觉享受。对此, 我们有必要向演奏者强调乐队演奏的整体性概念, 增强各位演奏者的团队意识, 形成统一的演奏, 这不仅增添了乐队演奏的外观上的形式美, 同时也确保了演奏的统一性。

(一) 小提琴视奏技巧的提升

首先, 在管弦乐队中包含有多个声部, 小提琴声部作为其中的主要声部之一, 在乐队的训练中要求小提琴演奏者能够严谨对待视奏的视谱, 准确把握演奏的节奏, 以确保小提琴演奏风格与乐队整体演奏风格的协调统一, 从而正确发挥小提琴声部在乐队演奏中的作用。如果小提琴演奏者对视奏缺乏足够的重视和严谨意识, 就会乐队的整体演奏造成不良的影响, 导致乐队无法对音乐作品有正确而完美的诠释, 因此小提琴声部视奏的严谨性显得尤为重要。谱面是视奏过程中关键性的信息来源, 包含着一首乐曲最基本、最准确的信息。演奏者只有识清谱面上的音符、调号、节拍、速度标记以及各种记号、符号等, 才能将视奏演奏好。在视奏演奏的过程中, 演奏者除了要准确掌握这些音乐元素, 还有对所要演奏的乐曲的调性和调号有足够的了解。比如演奏在演奏转调比较频繁的现代交响乐作品时, 要求其具备较为敏锐的感官能力, 能够在正式发声之前就先预示到可能存在的变化, 从而对乐曲各个部分的音高、调性有正确的把握和调整。再有休止符、音符等基本音乐元素也是演奏者在视奏演奏过程中需要关注的。与此同时, 为了确保视奏的严谨性, 小提琴演奏者还需要从内心上对乐曲的节奏进行感知, 从严要求自己, 从而准确掌握乐曲的节奏转换。其次, 提高和培养小提琴演奏者对音色间相互融合的理解能力也是提高小提琴演奏者视奏水平的重要内容, 交响乐作品繁多, 每位演奏者对作品的理解都存在一定的差异, 且交响乐与独奏音乐不同, 交响乐的规格越高对音色的融合与发音的品质要求越高, 仅凭个人的演奏是无法达成的, 因此小提琴演奏者除了要有扎实的基本功, 还要有丰富的重奏经验, 通过合作训练来增强演奏者对音乐作品的感知与合作意识。最后, 交响乐的演奏风格也与一般的独奏音乐风格不同, 如果不能准确把握交响乐作品的演奏风格, 那么将会影响乐队演奏的一致性, 因此交响乐小提琴演奏者必须对乐曲的整体风格有正确的把握。

(二) 小提琴的弓法

首先是上弓和下弓弓法。强拍有下弓, 弱拍用上弓, 这是小提琴演奏者在乐曲演奏过程中针对第一个音符所管用的弓法。然而到底小提琴演奏者在演奏某个音符时到底是上弓还是下弓, 仅凭听觉是分辨不出来的。但即使是这样, 为了演奏的协调感, 人们还是习惯性的采取上、下弓的用法。众所周知, 弓在弦上, 离弓根越近搜受到的压力越大, 当第一个音符为强拍时, 为了获得更大的音量, 发声更有力度, 通常会采用下弓弓法, 这时的弓离弓根较近。而如果用上弓弓法来演奏强拍, 要想达到同样的效果, 则右手须要加大运弓力度, 但是这与一般人的习惯不同, 演奏时会感到些许不便。而在上弓弓法的运用也与此类似。其次, 分弓与连弓的混合用法。在小提琴演奏中混合弓法是最为常见的弓法, 且混合弓法这类较多, 形式各有不同, 在演奏时颇具形式美。分弓与连弓混合是基本混合弓法之一, 将这两者弓法混合在一起能够将乐曲的力度和节奏完美的展现出来, 音乐内容更加生动。旋律的反复并不等于重复一段旋律, 而是对旋律的进一步表达, 演奏情感更加激烈和深刻, 所以弓法也需要随着音乐内容的变换和变化。分工与连弓的影响效果各有千秋, 对音乐的表现力也各具特色。一般来说, 用分工和连弓来对上、下弓法进行调整, 演奏的重音效果更佳。

参考文献

[1]卡尔·弗莱什, 姚念赓译.小提琴演奏艺术[M].人民音乐出版社, 1996.