二度创作的自由度问题

二度创作的自由度问题（精选7篇）

二度创作的自由度问题 第1篇

(一) 解读乐谱, 深入了解作曲家及作品创作背景

一部作品, 它的出现必然有其特定的意义。作为表演者, 首先要关注问题是:了解作曲家的生平, 作曲家所处时期的时代环境、历史背景等等问题。这是一个非常必要的一步。这样做是为了正确解读乐谱做好前期准备工作。只有这样做, 才能保证演绎出的作品最大限度上的符合原作者想要的效果。其次, 是要尤其关注作品创作阶段作曲家的情况, 如生活状况, 感情波动等等。如贝多芬早期作品与其晚期作品的风格上的差异就比较明显, 如果不能弄清这个问题, 那么对作品的解读必然也是不够全面的。

(二) 深入探求音乐作品中所要表达的意义

在了解了作品的基本创作内容之后, 我们要做的就是探索寻求作品所包含的深层次的意义。这个过程是一个反复的由感性认识到理性认识的过程。在挖掘音乐深层次的内涵时, 找出作品中最主要的性格, 并依此来刻画该音乐作品的特色。许多表演者把二度创作简单的理解为:将乐谱上的所有符号通过演奏或演唱表现出来。实际上, 这是远远不够的, 这仅仅是二度创作的一个小部分而已。二度创作的真正精髓在于, 表演者通过对乐谱的理解, 结合自己的想象力、经历、性格等多种因素, 将音乐变成生动活泼的语言。借助舞台上的演奏或演唱这样一种手段, 将音乐中所包含的性格、情绪、涵义等直接传达给台下的听众。这才是二度创作所要完成的目的。

二、如何理解二度创作的正确与否

二度创作的正确标准是一个一直被广大学者关注的焦点问题。大致观点有三种:第一, 强调一切以作者的标准来衡量。这种观点基本上忽略了表演者的主观能动性, 将二度创作理解为按照乐谱的记录, 丝毫不差的表演, 不要求加入表演者个人情感和处理。第二, 过分夸大演奏者的作用。这种观点认为, 二度创作中, 完全是表演者在起作用, 与作品原作者毫无关系, 表演者课按照自己的想法和要求, 自由的处理作品。第三, 联系作者的原意和表演者的自身理解, 综合判定。认为在表演过程中, 既要尊重作者的本意, 又要有表演者自身的特点。造成这种分歧的主要原因是有关作者意图的可追寻性的讨论。第一种观点的支持者认为:作品作者的本意是完全可以追寻的, 表演者应完全以作者的本意为标尺, 将表演作为完全原样重现的手段。这样做的后果是, 完全压抑表演者的主观能动性, 导致音乐缺乏表现力和个性。第二种观点的支持者则刚好相反, 他们认为:作者的本意以随着作品的完成而变的不可追寻。因此, 表演中应忽略这种不可追寻的意义, 而将表演者的主观意向发挥到极致。这个观点的主要问题是:错把作者本意的难以追寻当作是无法追寻, 因而完全放弃原作中的内容。不难看出, 这两种观点都带有一定的片面性, 不能作为很好的为二度创作的标尺来判断其正确与否。而第三种观点则比较成熟, 首先, 这个观点承认了作者观点的可追寻性。值得注意的是, 在音乐这个特殊领域中, 作者观点的可追寻性是必然存在的, 即便是有很大的困难去实践, 但切不可把难以追寻当作无法追寻。其次, 鼓励表演者在二度创作的过程中, 尽可能的发挥主观能动性。音乐需要的是个性, 如果千遍一律, 那么也就没有了许多音乐及音乐家存在的意义。个性不能独立存在, 而必须存在于共性之中。我们不能给音乐强制扣上对与错的“帽子”, 只要没有出现音符或节奏之类的基本音乐要素的错误, 任何忠于该作品的二度创作都是正确的。

另外, 我们要注意到的是, 我们要正确认识乐谱与演奏之间的关系。这也有利于我们更好的理解二度创作的正确标准。乐谱与演奏是相辅相成的, 乐谱必须依靠演奏才能实现其意义, 而演奏必须要以乐谱为依据, 这两者密不可分, 不论离开哪一个, 谈论另一个都是毫无意义的。音乐的记录, 如乐谱, 这是客观存在的, 是不可改变的, 而演奏则是对感知和意识的一种表达形式, 存在决定感知, 而充分的发挥意识的能动性才能帮助我们更好的认识客观存在。

三、二度创作对音乐作品演绎的重要性

当表演者在对作品进行二度创作的时候, 由于每个人的思维方式、人生经历、理解能力的不同, 于是形成了不同风格的演绎。而所谓音乐的风格, 就是表达各自固有和独特的艺术性格的恰如其分的方式或方法。风格是表演过程中体现出的独特的具有代表性特点的体系。

表演风格的形成除了和表演者所在的时代的特殊背景有关系, 更主要的则来源于表演者长时间对作品的练习, 对音乐内涵的深入挖掘, 对音乐作者的详细了解, 在这些工作的基础上, 长时间的总结经验, 从而最终阐释出拥有自己特点的作品, 这样就形成了有风格的作品。对于音乐表演者来说, 形成自身独特的表演风格, 是非常重要的。拿单簧管演奏来说, 同样的演奏德国作曲家卡玛韦伯的作品, 美国演奏家查尔斯尼迪什和德国演奏家卡尔莱斯特的处理就完全不一样, 不论是对作品本身的剖析, 还是演奏时的音色、乐句的选择, 都是各具特色的。这就形成了不同的风格。二度创作的对于音乐作品的演绎的重要性由此可见, 没有二度创作, 音乐就没有了灵魂, 而没有灵魂的音乐, 也就失去了存在的意义。

四、顺利进行二度创作所需要的条件

既然二度创作对于音乐本身和音乐表演者都如此重要, 那么我们必然要考虑到进行二度创作所需要的条件。第一, 我们谈论二度创作的前提是:作品所要求的技术上没有盲点。也就是说, 二度创作的第一条件就是“技术和技巧”, 这是非常重要的。如果连最基本的乐谱上标注的音符都无法完成的话, 二度创作也就无从谈起了。这就需要表演者在学习过程中吃苦耐劳, 打下坚实的基本功, 这样才能有能力更好的去诠释音乐作品。

第二, 良好的音乐表现力。单从技术上完成并不是完整的二次创作, 还需要有丰富的音乐表现力。音乐表现力来源于对音

鲁南大鼓艺术初探

以山东省台儿庄古城大鼓艺人褚思全的采访为例

李金芳 (杭州师范大学音乐艺术学院浙江杭州310000)

摘要:鲁南大鼓为山东大鼓的一个分支, 主要存在于枣庄地区。本文是笔者根据对鲁南大鼓的传承人褚思全的采访, 对鲁南大鼓的渊源、大鼓情缘以及鲁南大鼓的艺术特征进行整理分析, 希望可以对鲁南大鼓有初步的认知, 以更好的保护这一逐渐消失的民间曲艺艺术品种。

关键词:鲁南大鼓;褚思全;艺术特征

一、鲁南大鼓的历史渊源

鲁南大鼓发展至今已经有600多年的历史, 最早可以追溯到明代万历年之前。据60多岁的老艺人褚思全介绍, 他已经是第19代传人, 由此可见鲁南大鼓具有悠久的历史。鲁南大鼓的命名是根据地理位置的划分的来的, 有人也称其为“运河大鼓”, 因靠近京杭大运河而得此名, 而褚思全认为“运河大鼓”的说法不够准确, 运河穿过很多省份, 在运河周围有很多“运河大鼓”, 鲁南大鼓才应该是它最为确切的名称。

鲁南大鼓是产生在鲁南的原生性曲艺音乐艺术, 是山东大鼓的一个支脉。鲁南有大面积的农耕地, 在没有先进生产工具的年代, 农民们用牛拉着犁铧耕作劳动, 干活累了的时候就会停下来唱些即兴的田头歌曲来舒缓疲劳, 在劳动的过程中, 耕地的犁铧碰到石头或者工作的时间过长就会断裂, 当有了两个断裂的犁铧的时候, 人们发现它们相互碰撞的声音很好听, 于是在唱歌的时候就用断裂的犁铧伴奏, 发出“叮铃铃”的声音, 煞是好听。后来, 人们把大鼓加入演唱中, 就有了内容不同的演唱内容, 开始在集市、庙会等公共场合上表演, 大鼓逐渐成为一种脱离具体劳动场合而独立存在的一种曲艺音乐。

鲁南大鼓所演唱的内容大多具有教化意义, 如忠孝节义、洁妇义夫、忠臣孝子等。曲调没有固定性, 根据表演者自身的演唱特点和嗓音条件自行演唱。旧时, 鲁南大鼓有固定的演出场地, 与勾栏艺人在勾栏里的演出一样, 是受到约束和保护的, 武术、杂耍在鲁南则有另外的演出场合, 可见当时的鲁南是百戏具荣, 百花齐放。

二、大鼓情缘

笔者于2012年1月份多次采访了60多岁的大鼓艺人褚思泉, 褚思全从事大鼓书的表演已经有40多年了, 现在为鲁南大鼓艺术的非物质文化遗产传承人。褚思泉介绍, 在他很小的时候就非常的迷恋鲁南大鼓, 经常去看大鼓艺人的说唱表演, 14岁便随当地著名大鼓艺人张子玉学习说唱大鼓。学习前曾遭到家人反对, 因为褚家在当地是大户人家, 爷爷辈是秀才, 爸爸是矿工, 在当地挺有威望。可是, 褚思全认为唱大鼓是由他自己的性格决定的,

乐的感觉和认知。音乐是一种以意识形态方式存在的, 只有将这种意识方式以自己特有的方式表现出来, 才能逐渐提高音乐表现力。

第三, 具备系统的音乐理论知识, 提高自身的音乐基本素养。系统科学地学习如乐理、视唱练耳、和声、曲式分析、中外音乐史等知识, 不但可以帮助我们更好的完成作品, 也能提高作他天生就是干这一行的料, 他不喜欢被束缚, 喜欢自由洒脱的生活, 在家人的反对声中他毅然决然的选择了学习鲁南大鼓。一年后褚思全出师, 由于技艺精湛, 经常被邀请参加一些表演活动, 经济收入很可观, 于是家里就没有继续反对。

从此一个大鼓、一对犁铧板就成了他走南闯北跑江湖的工具。褚思全演出过的地方包括安徽的蚌埠、淮南、淮北, 河南的商丘, 江苏的徐州, 山东的兖州, 以及演出最多的地方山东滕州。演出的场合大多为集市或者庙会, 有时候也会被请到村庄里演出。一般村庄上演出场次结束后, 在村民的要求下都会免费的多唱几场, 按照褚老师的话就是“脸面值千金, 我不能像平时唱戏的那样, 在台上唱完就走, 我是坐在台下的, 乡亲们都做在我周围, 我不能说走就走啊。”“不怕千家听, 就怕一家失啊!”从这些话语里可以看出大鼓艺人对这一曲艺的认真态度, 它贴近群众, 还要时刻接受群众的检验。

“文革”前期, 褚思泉一般在微山、滕州一代的乡镇集市上说唱大鼓。“文革”期间褚思泉被迫“停业”, 回到家中务农, 偶尔被村里的宣传队请去说唱大鼓, 说唱的内容多为现编的革命段子。“文革”后褚思泉重新开始说唱大鼓书, 奔走各地, 收入也渐渐可观。现在, 年龄大了, 他很少再去集市上去演出, 而且随着其他多媒体设备的发展, 人们审美情趣的改变, 现在花钱请唱大鼓的人也少了, 听众也少了。据介绍, 现在会唱鲁南大鼓的人已经不多了, 面临着失传的困境。为了对这一古老的说唱艺术进行保护, 文化部门把褚思全老师请到台儿庄古城里, 在这个古色古香的古城里, 表演这一古老曲艺。

三、鲁南大鼓的艺术特征

鲁南大鼓采用鲁南方言表演, 传承方式为口传心授, 表演形式为单人坐唱, 有时会随着表演的需要站着表演。没有固定的唱本, 在演唱时就有很大的灵活性, 不同的艺人有不同的演唱风格和标准, 即使同一师门也会产生不同的风格, 鲁南大鼓和山东梆子的韵味相似, 唱腔和韵白体现鲁南的民俗风情, 这一特点更能加形象的表现像《三国》之类具有英雄气概的气氛。

(一) 伴奏乐器

鲁南大鼓在表演时只有两件打击乐器伴奏, 牛皮大鼓和一对钢板, 它和乐亭大鼓、山东大鼓 (济南) 、京韵大鼓有弦乐伴奏相区别。鲁南大鼓在发展的过程中也试图加入三弦作为伴奏乐器, 但未成功。因为弦乐破坏了鲁南大鼓所特有的山东大汉般的独特韵味, 使得表演的灵活性受到限制。因而, 没有弦乐成为鲁南大鼓的特色洒脱、自由、舒展、豪迈。褚思全的鼓是用牛

为音乐表演者所必须剧本的基本音乐素养。这些都能使我们的二度创作更加完善。同时, 要广泛学习其他有关方面的知识, 扩大知识面, 提高自身的素质, 也将为二度创作带来诸多益处。

二度创作如此重要, 无论对于表演者, 还是音乐表演美学的理论研究者来说, 都是不可忽视的一项内容。正确认识并完成音乐作品的二度创作, 必将使音乐的世界变的更加丰富多彩, 引人入胜。

摘要：音乐创作分为两个阶段, 当作曲家把头脑中的灵感用音符、速度符号、力度符号等等记录下来, 这就完成了一度创作。接着, 由不同的音乐家将作品通过自己的表演由干枯无生命的符号变为充满生命力表现力的音乐作品, 而音乐家在舞台上表现音乐的这个过程, 就是二度创作的过程。音乐是典型的表演艺术, 只有通过音乐家在舞台上的演奏或演唱才能使音乐产生其应有的价值和作用。而二度创作是表演者能否顺利表达音乐内涵的最重要步骤, 因此也引起众多表演者和理论研究者的关注。

剪辑——影视的二度创作 第2篇

关键词：剪辑,影视,二度,创作

近年来,随着国民经济不断发展,人民生活水平日渐提升,对自身精神层面的需求给予了更大关注。影视艺术作为一种集画面、声音等多元内容为一体的文化表现形式,在丰富人们生活、传递正确思想和观念等方面占据了非常重要的位置。其中剪辑作为影片制作的关键环节,其效果好坏直接影响影视作品的质量。现阶段,剪辑节奏以及蒙太奇理论在其中的运用,很大程度上丰富了剪辑体系,实现了对影视作品的二度创作,将更加优质的作品呈现给受众。因此加强对剪辑相关内容的研究具有重要的现实意义。

一、剪辑发展史背景

就技术层面来看,影视剪辑发展到今天经历了三个阶段。第一阶段是手工阶段,即无声电影,通过手工技术,对影视作品进行剪接。第二阶段是机器制作阶段,此时,进入到有声电影阶段,简易的机器代替了手工操作,能够对影片进行剪辑处理。[1]第三阶段是计算机制作阶段,上个世纪末,随着科学技术在各领域的渗透,专业人员加大了对剪辑技术的研究力度,并提出了非线性编辑,即数码剪辑概念。由此,电影观念、艺术手法等发生了深刻变化,正因拥有了技术的大力支持,使得影视剪辑艺术朝着更广的范围、更深的层次发展,为影视艺术创作提供了极大支持。经历了漫长的发展历程,剪辑在影片中的运用开始朝着信息化、现代化方向发展。

二、剪辑原理和蒙太奇理论的应用

对于影视作品的制作,剪辑在其中的应用,其原理是将影片制作拍摄获得的大量素材,进行选择、取舍及分解等一系列处理后,最终形成一个流程连贯、主题明确,且具有极强艺术感染力的影视作品。[2]蒙太奇理论,是指根据剧本、影片主题思想,分别拍摄多个镜头,然后将不同的画面有机、艺术地整合到一起,实现其连贯性,向受众传递思想。从本质上来看,蒙太奇就是电影艺术的表现方法。蒙太奇理论在影片创作中的应用,能够吸引受众注意力,将观众带入到影片当中,激发观众的主人公意识。现阶段,很多经典影片中都运用了蒙太奇制作手法,本文将以奥森·威尔斯的《公民凯恩》作为案例,对其中的蒙太奇手法进行分析和研究。

该部影视作品拍摄于20世纪40年代。无论是内容还是形式都表现出独特的新颖性。因此在世界电影史上占据非常重要的位置。详细来说,影片中经典的长镜头有很多,如片首拍摄凯恩庄园外景逐渐向里推,节奏缓慢、且稳定,当人们看到“禁止入内”的门牌,能够感受到复杂的心灵奥秘悄然开启。[3]而对于短镜头来说也具有独特之处。如苏珊在拼图时,导演采用了六个短接镜头,对不同的图画进行拍摄。这些长镜头、短镜头正是蒙太奇手法的运用。通过对画面的剪辑处理,能够让人们感受到影片所要传递的内涵。

另外,在声音方面也可以采用蒙太奇手法。如梅尔·吉布森的《勇敢的心》。该部影片描述了苏格兰民族英雄威廉·华莱士反抗殖民的事迹。影片时长三个多小时,其中三分之二以上的时间都是音乐,但是经过导演的剪辑和处理后,并不会让观众感到厌倦。如影片开头呈现的是苏格兰自然景色,此时主题音乐响起,导演选择的是民族器乐——风笛,带着观众了解故事发生的时空背景,增强观众的历史沉重感。音乐作为一种特殊的艺术表现形式,能够将人们内心中的情感充分表达出来。如影片中威廉在父亲葬礼上接受小女孩的鲜花时,背景音乐姗然到来,营造了浪漫、哀怨的氛围,使得观众能够感受到主人公失去至亲的感受。

三、剪辑节奏的建立是影片的灵魂

一部影片的创作离不开人物设定、情节表现及结构方式等多项内容。导演利用蒙太奇等手段,将人们的视听感受、心理节奏恰如其分地呈现出来,能够将创作主体、客观世界等有机整合到一起,提升影片的艺术价值。[4]从根本上来说,对于剪辑节奏的控制,能够给观众一种强迫的心理效应,且能够帮助观众对影片的理解产生一种重要的推动力。因此,剪辑结构是建立影片的灵魂。

叙事、图像及声音是剪辑节奏的主要构成。要想获得更加完美的影视作品,我们需要从影片的内部和外部节奏入手,准确地呈现出不同节奏强度,以此来增强影片的魅力。就前者来说,应关注故事情节发展,适当增加悬念,制作扣人心弦的紧张结构。另外,还可以强调对细节的处理,突出情感节奏。如《无耻混蛋》中,导演对主人公性格特点、内心表现、气氛渲染等进行了细致化处理,并采用了很多特写镜头,实现对影片节奏的高效处理。[5]而对于后者来说,应确保其能够与内部节奏相契合,立足于影片的基本素材,实现对影片的二度创作。现阶段,人们感知认知愈发强烈,加之关注自身精神需求,审美观念也朝着多元化、个性化方向发展。因此在剪辑过程中,可以借助现代数字技术实现对影片的创作。如MTV声电技术的应用,能够给受众视觉上的冲击,按照影片既定的节奏进行观赏。如《罗拉快跑》中,影片节奏张弛有度,观看后具有一种酣畅淋漓的感觉。综上所述,剪辑对于节奏的把握非常重要,也是影视作品创作的重中之重。

四、结合近期影片分析剪辑的风格走向

随着科学技术的发展,对于影片的剪辑将朝着更加多样的方向发展,形成前期、中期及后期三者高度结合的剪辑形式。非线性编辑具有较强的灵活性,能够对演员的走位、表演等进行剪辑,为后续影片的制作奠定了坚实基础,如《X战警》《美国队长3》等作品中引用了数字特技等,使得影片效果更加震撼。中期剪辑主要是运用摄像机运动轨迹映射至虚拟的时空当中,并配合数字绘景,使得时空表现更加逼真。如在战争片中,海战中追逐的战舰,为了将画面呈现更加真实,通过软件对参数进行调整,最终制造了手持拍摄的真实效果,给观众留下了深刻印象,赋予影视作品更强的生命力。后期剪辑则是对影片前期拍摄的不足进行有效弥补,丰富影片内容,且能够节省影视制作成本。综合来看,剪辑的风格走向将朝着更加多元、现代的方向发展。

五、结语

不可否认,剪辑在影片创作中占据的重要地位不容忽视。业内人员在对影片进行创作过程中,应明确认识到剪辑的关键作用,并立足于影片主题,采取科学、合理的剪辑手段和方式,采用蒙太奇理论,对影片各个元素进行重新调整和优化,形成优质的影视作品,提高影视作品艺术价值的同时,为观众呈现更加独特的视听盛宴,满足观众个性化、多元化需求,从而促进电影艺术更快更好发展。随着影视行业不断发展,我们还需要进行深入研究,创新剪辑技术,在提高剪辑技术水平的同时,丰富剪辑手段,为影视作品质量提升及艺术价值的实现提供更多支持与帮助。

参考文献

[1]汤文平.论指导性案例之文本剪辑——尤以指导案例1号为例[J].法制与社会发展,2013,(2):47-56.

[2]郑汉民.经典与现代的完美平衡——电影《逃离德黑兰》剪辑艺术分析[J].北京电影学院学报,2013,(5):40-47.

[3]郑汉民.碎片剪辑,动作剪辑的另一种可能——以《谍影重重》系列电影为例[J].北京电影学院学报,2012,(3):83-89.

[4]周新霞.现代电影剪辑思维的发展——从《保镖》到《贫民窟的百万富翁》[J].北京电影学院学报,2010,(6):63-70.

论歌曲演唱的二度创作 第3篇

歌唱是一种艺术, 而且是一种声乐文化。歌词是歌曲内容的具体表现, 它以文学创作的手法将歌曲所要表达的复杂内容和人的思想感情, 通过诗、词等文学形式加以高度概括, 使其形象化、具体化, 因而具有典型性。

歌词本身就有艺术特点。每字每句都有“抑、扬、顿、挫”的声调, 根据歌词内容规定的情景, 哪句应该扬上去, 哪句应该降下来, 什么字应该念的突出一点, 什么字应该念的轻柔一点, 什么时候需要加强语气。我们知道, 歌词所具有的文学性使它的表现的内容具体明确, 而这个具体内容往往决定着歌词的情感基调, 因为情感基调准确才能有助于内容的表达与主题的发挥。

二、从曲调角度进行分析

曲调也是演唱者再创作的依据。有人说:“乐谱是写下来没有生命的音符, 需要通过表演来给予它生命。”通过“听”体会曲调的情感内涵, 分析发展脉络和色彩变化, 把握作曲者的创造乐思和意图, 进行有目的的演唱。

一首歌曲的曲调常常是歌词的情感概括, 或亲切自豪, 或庄严雄伟, 或欢快热情, 或明朗开阔, 或是哀婉伤感。作曲家写作歌谱看似是无声的、静止的, 但是在歌谱之中却记录和蕴藏着丰富的思想感情和复杂艺术技巧。想象是进行情感体验最重要的途径, 因为音乐是通过声音与表现对象之间的比拟象征, 以及模仿关系来实现的, 想象就是使这些关系得以实现的中介桥梁。音乐想象的天地是无限广阔而丰富多彩的, 音乐表演者有可能从各种不同的角度来提示音乐与其表现对象之间的对应关系, 演唱者想象越丰富, 对曲调的体验就越清晰具体, 对歌曲的意境与情感就有更深刻的体验。

三、从演唱的音色角度进行分析

在艺术歌唱中, 在不同的感情影响下, 发声器官也在不断变化着发声形式, 这种形式的变化, 必然在所发出的声音中留下痕迹, 形成各种不同的音色来, 因此, 音色是声乐作品二度创作的重要手段。音色是语言重要组成部分, 也是表达真实感情不可缺少的条件, 在歌唱声音中, 不同的音乐表现不同的思想感情和意境, 在艺术演唱中应该遵循这一规律去进行艺术创造和表现。

如果表现高兴欢快的情绪, 如演唱约翰施特劳斯的《春之声圆舞曲》时, 一般使用最明亮、开朗而有弹性的音色, 歌唱声音应富有朝气。表现悲痛绝望的思想感情时, 应当运用黯淡的音乐根据情感的需要, 有时可以加入哭泣声音的效果。表现爱情的歌曲, 声音就要柔和、抒情、流动感强、气息流量大可以表现出激动和热情, 轻柔的半声可以表现出缠绵的意境。所有的摇篮曲, 无论舒伯特、莫扎特的, 还是我国东北的摇篮曲都要用一种柔美的音色, 以便以一种母爱的、温暖的音色引孩子入睡。

四、从歌唱的音量角度进行分析

在二度创作中选择和变更演唱的音量也是创作中常用的和有效的方法。歌唱声音的音量控制是表现声乐作品思想感情的重要手段, 也是声乐艺术表现的重要内容。从一般规律来说, 无论是欢乐还是痛苦, 高涨情绪的迸发和宣泄必然是需要较强的音量。平静地叙述需要音量适中, 沉思默想的内心独白、幻境中的心情流露、只讲给一个人听的悄悄话要求较弱的音量。有时在一个乐句中要表达一种在发展和强化的情绪, 必然做渐强处理。在一般抒情和叙述的乐句中, 在下行的句尾往往渐弱。

五、从歌曲发展进行分析

很多歌曲中存在着“三个点”, 即高潮点、静点和转折点。三个点是歌唱者对所唱作品进行再创作的重要手段。高潮点是全曲中词意和音乐张力最大的地方, 也是情绪的最高点;静点是全曲最内在、最含蓄、最内心化、最富于想像的地方;转折点是两种情绪之间起转折作用的音、乐句, 段落成气口。找到了高潮点, 就可以在高潮到来前为这合理铺垫并防止别的情绪高点的表现超过真正的高潮, 从而分散和削弱高潮的效果。确定了静点, 就可将静点处理得深入细腻, 把观众融入境界。准确地判断出转折点, 才能使得两种情绪之间的转折自然合理, 使观众信服和感动。

综上所述, 歌曲演唱者是二度创作承担者, 是演唱者在投入作品意境的过程中必然以自己的知识、素养、个性的背景对作品产生独有的感情而自然流露出的再现特色。所以二度创作的原则是:1.必须在创作规定的内容主题的范围内活动, 即不能离弦走板儿, 歪曲内容和作品的基调;2.应该尊重创作的时代背景和民族、地域风格;3.二度创作方案一定要在自己的技术能力许可范围之内。二度创作一定是出自表演者内在的、自然的要求, 从作品内容出发的表现欲望才是有生命力的, 真正的一种创作。

摘要：歌曲演唱者是二度创作承担者, 歌曲的演唱绝不能是单纯的模仿, 模仿只能是特定阶段的学习手段而绝不是目的, 创作也是他人的命令和要求, 应是作品在实践过程中首先打动了演唱者, 是演唱者在投入作品意境的过程中必然以自己的知识、素养、个性的背景对作品产生独有的感情而自然流露出的再现特色。

关键词：二度创作,歌词,曲调,音量

参考文献

[1]刘文昌、付鸿敏著:《歌唱理论与技巧》, 河南大学出版社, 2005年。

[2]邹长海:《声乐艺术心理学》, 人民音乐出版社, 2000年。

论声乐演唱的二度创作 第4篇

那么, 什么是二度创作?

凡不仅把谱子上的标记和基本情绪唱对, 而且在演唱中提示了作品深层内涵, 显示了自己与他人有别的艺术个性, 从而使作品因其演唱而增色的声乐表演都被称为二度创作。

如果说一度创作称为盖房子, 那么二度创作就是房子的装修, 也是演唱者所能够征服观众的重要手段, 尤其是声乐的二度创作就是在尊重一度创作、不违背原作者创作初衷的前提下, 融进个人独有的生活理解和艺术感知, 然后通过精湛的演唱技巧和富有感染力的声乐艺术形象, 将原创作品的广度和深度充分的演绎出来, 赋予歌曲以更鲜活的生命力, 使欣赏者得到美的遐想和享受, 更好的展现声乐作品的艺术魅力。所以, 学会如何为声乐作品进行二度创作对歌唱者显得至关重要。

那应该怎样对作品进行二度创作?

一、熟悉作品。

1、分析歌曲的时代特征和民族风格。每一首歌曲都有其显著的时代特征和思想反映着当时的时代变化。例如:革命时代的歌曲《闪闪的红星》, 《映山红》等反映了革命年代人们的思想感情。它们与当代的流行歌曲《双截棍》, 《七里香》等肯定有着截然不同的风格和思想差异。

2当拿到一首歌曲时, 先不要急于唱歌谱, 而应该将歌词反复朗诵几遍, 进行读字和分句。歌唱者一方面要表现思想感情的优美的歌声, 也要求要有清晰, 准确, 生动的读字和语言表达能力。只片面的强调唱准音符而忽略歌曲的读字和朗诵是错误的。

3、要熟读作品的曲谱, 唱熟曲调, 从而准确的把握作品的音准, 节奏, 速度以及乐谱中的各种标记符号等。在歌曲演唱中特别要注意的是节奏和速度, 就像人们说的那样:“节奏是音乐的生命, 速度是音乐的灵魂。”音乐就是运用千变万化的节奏, 声音的长短和强弱来表现生活的思想感情。因此, 如果不按照规定的节奏演唱, 就不可避免的损害到作曲者本来的意图, 从而歪曲了字的声音形象。

二、分析处理作品。

当我们对一首歌基本上唱会, 对其思想感情和形象有了初步的认识之后, 这时候根据歌曲的内容选择演唱手段, 并用演唱手段表达歌曲内容, 使其达到表现歌曲思想内容的目的。

1、准确把握歌曲作品的演唱风格。歌曲艺术的演唱风格, 是歌曲作品的艺术风格与演唱的艺术风格高度完美的统一的体现。这就要求演唱者在遵循作品风格的基础上, 进一步去探索, 通过自己的演唱表现出来, 达到作品分割与演唱风格融为一体。

2、选择适合歌曲风格的演唱方法。歌唱方法要为歌曲的风格表现服务, 它是对歌曲进行二度创作的基本原则之一。为了表达不同的艺术风格, 必须要在正确的发声基础状态上进行调整, 绝不能靠一味的模仿, 这样反而破坏了歌曲风格的表现,

3、要深入细致地研究歌曲的思想内容和歌曲的音乐曲调结构。调性布局与分析。每一首优秀的歌舞之所以能扣人心弦, 引起人们心灵上的共鸣。最重要的因素是歌曲所表达的思想主体与内涵和变化无穷的优美的旋律音乐, 随着音乐的情绪时而上扬, 节奏加快;时而低沉缠绵, 节奏缓慢。而不同的歌曲的调式, 调性和曲式结构也不相同。一般来说, 大调式的歌曲热情奔放, 宏伟明朗, 而小调式的歌曲抒情优美, 含蓄委婉。所以歌曲的调式, 调性不同, 那么它表现的情绪也就不同。

4、研究歌曲的处理。在歌唱中, 要注意歌曲抑扬顿挫, 缓急刚柔的变化。例如中国民歌《孟姜女》中, “过年关”共16拍, 单一个“过”字就占满了8拍, 所以有些人为了突出这一段孟姜女寻夫的急切心情, 用很硬的语气来演唱, 当唱完“年关”二字词, 还用很响亮的声音去唱“过”, 其结果往往是“过”字唱不足8拍, 而且与演唱所想要的效果相反, 没有突出该段所要表达的情感。所以, “过”字的处理应该是由强渐弱弱渐强强的过程。在技巧上, 气息可以随着音高的逐渐上动, 气息点下移;气息点越下移, 声音就越饱满, 振动幅度也就越大, 这样也更突出了作品的意境。

5、准确的塑造歌曲作品的人物形象。形象的认知和刻画

每一部歌曲都有明确的人物, 即抒情主人公, 且每一个人物都是该作品形成的线索, 只是这些人物在作品中没有名字。因此, 演唱者如要成功地演唱好一首歌曲作品, 就必须准确、深刻地了解、把握人物的音乐形象、性格以及与此相关的背景、情景。作品《钗头凤》, 讲的是陆游与唐婉的爱情受到当时封建制度的压迫, 最终有情人无缘的悲惨结局。因此, 陆游与唐婉分别写出了诗句《钗头凤》, 表达他们刻骨铭心的爱情。此外, 还有大家熟悉的作品《遍插茱萸少一人》, 借用的是王维的《九月九日忆山东兄弟》, 表达了九九重阳节一人独自在他乡不能与亲人欢聚的惆怅。

三、完善作品。

当我们把一首歌曲经过细致的研究刻画之后, 能用自己良好的声音生动地表现歌曲所蕴涵的感情, 使作品焕发生机, 与听者形成共鸣, 那么在歌曲的“二度创作”上可以说已经进入了完善阶段。

可以说二度创作赋予了作品强大的生命力, 不仅仅在于对歌曲进行二度创作的过程, 在于声乐表演中时时体现出来, 令我们感染和向往。

声乐作品的内涵广阔, 丰富又深邃, 而且音乐的内涵往往只可意会不可言传。正如作曲家圣桑所说:“音乐始于词尽之处, 音乐能说出非语言所能表达的东西, 使我们发现自身最神秘深奥之处, 它能传达出任何词语住所不能表达的那些印象, 心灵状态”。如演唱《又唱浏阳河》, 将开头到“千家万户都唱过”作为全曲的静点, 然后对浏阳河有一个大概的描述, 以平静、细腻为主;技巧上, 气息不需要太深, 音量不需要太大, 只要胸前点和声音位置点清楚即可。从“它染绿过湘江水”至“歌声飞遍全中国”, 将其作为全曲的转折点。从技巧上来说, 音乐流动性的加大, 胸腔振动的程度必然加大。也就是说, 胸前点与声音位置的距离加宽, 让气息充分振动, 在方法上有利于高潮点的准备, 情感上有利于高潮点的表达。从“浏阳河”到最后, 将其作为全曲的高潮点, 这既是全曲情感最浓的环节, 也是最能体现音乐张力的部分。从技巧上讲, 声音越高, 气息越往下沉, 尤其是“阳”字, 这个字的处理就是把口腔打开, 用齿前说y, 在软腭处说ang, 把韵归在ang上, 给足气息, 把声音充分透出去。这样, 不但声音统一、情感丰富, 也会给人亲近的感觉和如诗如画的境界。一个好的演唱者充分发挥自己的想像, 如同戏剧演员一样进入角色, 塑造出一个个鲜活的形象。

综上所述, 二度创作不只是一个作品的完成, 还要求在其原有的基础上要有演唱者对作品的独到见解, 并充分发挥出演唱者对作品的处理 (包括情感, 表演以及创作作品背景的了解) 。对于相同的作品, 不同的演员二度创作的意图和方法不同, 效果也不同, 这主要取决于演员的自身素质和能力。而二度创作, 其正确方向在于从生活的真实出发, 从作品的情感需要出发, 从自己对作品的正确理解出发, 并使其在演唱中加入自己的情感。总之, 优秀的音乐素养和个性特点, 将使作品更富于生命力和色彩。

参考文献

[1]《声乐学基础》石惟正著人民音乐出版社

剪辑——影视节目的二度创作 第5篇

一、把握整体结构, 创立剪辑风格

首先要把握影片的整体结构, 就像写文章一样, 在结构上应头尾照应, 各段落要饱满, 比例分配得当, 整体均匀。尽量不显露人工雕琢的痕迹。段落之间的衔接要自然而不做作。朴实而不雕琢。条理要清楚, 层次要分明。其次要建立节目的剪辑风格, 简而言之, 就是剪辑师对节目后期剪辑的整体构思。它体现了剪辑师对编导者创作意图的理解, 对节目内容、结构的把握。所以剪辑师在动手剪辑一部片子前, 应当首先熟悉节目、吃透剧本, 把握住编导者的创作意图及艺术追求, 根据节目的内容、形式、风格考虑所采用的剪辑手段, 建立片子的剪辑风格。剪辑风格一旦确定, 就应保持前后一致, 使之贯穿于整个剪辑过程。拿影片《孔乙己》来说, 鲁迅先生对孔乙己的态度是哀其不幸, 怒其不争, 并通过众人对孔乙己的这种鄙视和冷漠的态度, 这种病态的麻木的精神状态, 揭示国人的劣根性。这就是整个影片的情感基调和艺术追求, 在此基础上, 《孔乙己》的剪辑在两个镜头中, 将两个有类同的物质元素分别出现, 这样, 细节的过渡转换就显得自然圆润。作品中孔乙己第一次到酒店喝酒, “排”出九文大钱, 第二次喝酒时候, 孔乙己从破衣袋里“摸”出四文大钱, 此外还有酒店老板、“我”、酒店其他的喝酒人。以上这些镜头时间跨度很大, 有的是直接表现孔乙己, 有的不是直接写孔乙己。但作家就是利用了“咸亨酒店”这个物质元素, 把这些时间跨度很大、内容相距甚远的细节和事件剪辑成一组镜头, 不但使作品过渡自然, 结构浑然一体, 而且展示了人物性格的发展变化, 展示了人物生活的社会背景, 揭示了人物的悲剧下场。

二、合理正确的剪辑, 增强作品的艺术魅力

所有的影视作品都必须具备叙事的能力, 这种叙事能力来自于原始素材, 首先要真实的记录素材, 在此基础上, 才是艺术的剪辑素材。以“塞伦盖蒂国家公园”这部纪实性的素材进行分析, 它主要表现塞伦盖蒂地区各类动物的生活状态, 给了我们强烈的“真实再现”的感觉。

在纪录片中, 要记录较为完整的各个过程, 运用长镜头是比较好的选择。在表现狮子追逐并猎杀角马的过程中, 创作者成功地运用了长镜头来表现了狮子奔跑捕猎的全过程, 让观众领略到这场猎杀过程中速度较量真实完整的纪实美。但是长镜头并不是纪录片剪辑的唯一选择, 纪录片也会有剪辑和组合, 只是它的叙述方式、素材取舍、画面组合用以强化作品的真实性。在角马被猎杀后, 是雄狮的肆意吞食;紧接着随着解说词, 我们看到了母狮和幼狮一起分享猎物, 然后是猎狗和秃鹰而角马的尸体也从完整到支离的残骸。在这个小段落里, 是采用了按照时间发展顺序表现事件发展流程的叙事剪辑。这也说明, 合理正确的剪辑可以帮助作品强化真实美而实现其更高的价值。

三、剪辑要符合生活逻辑和观众思维逻辑

剪辑首先要符合生活逻辑。所谓生活的逻辑, 就是指事物本身发展变化的规律。任何事物的生成与发展都有其自身的逻辑。提出问题、分析问题、解决问题, 这是事物发展的规律, 也是人们认识事物的过程。所以在剪辑过程中, 要将动作或事件发展的过程通过镜头组接, 清楚地反映在屏幕上。由于要将现实素材进行重新组合, 时间、空间关系发生了变化, 所以, 在剪辑每一个镜头、安排镜头顺序、考虑剪接点位置时, 都应该考虑是否符合现实生活, 只有符合了生活的逻辑, 观众才能易于接受和理解。

其次要符合观众的思维逻辑。不知是否有过这样的体验, 在看电视时, 一个重要的镜头尚未看清楚, 就被另一个镜头所替代;或者想看到的画面没有出现, 没有更多信息量的镜头却迟迟不结束。这是由于编辑者以自已的理解程度来定夺各个镜头, 而忘记了观众是第一次看到画面, 忽略了观众的理解程度。所以在镜头剪辑中, 必须站在观众的角度, 以旁观者的姿态来审视镜头的组合关系是否符合规范和逻辑, 检验艺术的表达是否达到了实际效果。

四、合理控制剪辑的节奏

剪辑者对影片节奏的处理应该服从于剧本的规定情境和由此而产生的内部节奏。以整部影视片的总体内容和结构来处理节奏为前提依据, 结合镜头组接而形成的节奏信息, 根据具体情况, 辨正考虑整个影片节奏的处理。

节奏的把握除了要遵循影片内容之外, 还取决于人物动作, 景物动作, 造型和时空速度等, 要根据规定的情节、人物性格来处理人物动作组接的节奏。只有很好的运用各种不同内容的表现镜头和掌握各种不同因素的造型特征, 使两者有机而紧密地结合, 组成准确、真实的银屏形象, 使之鲜明而又生动地完成解释主题的作用。并且通顺流畅的展现了蒙太奇手法, 这样也完整生动的塑造了戏剧形象。

综上所述, 剪辑艺术不但是剧中人物动作与画面组合的再创作, 也是形象编辑, 是导演工作的一个重要组成部分。剪辑师既要尊重导演的意图, 又要毫无杂念地展现自己的所思所想、所学所用。只有这样, 才能真正的写出一首“好诗”。雕刻出一块“美玉”。

参考文献

[1]爱森斯坦.富澜译.蒙太奇论田.中国电影出版社1999 (2)

[2]卡雷尔赖兹、盖文米勒电影剪辑技艺田.中国电影出版.2008

[3]刘毓敏等.电视摄像与编辉田.国防工业出版社2006 (7)

声乐演唱的二度创作初探 第6篇

一、对作品的创作背景、作者创作初衷与作品的民族风格进行深入了解

声乐演唱中,演唱者要了解作品的创作背景,领会词曲作者作品创作的初衷所在,对歌曲作品中的民族意蕴给予尊重,只有如此,才能更好地进行二度创作。

1. 了解作品的创作背景

演唱者在进行歌曲个性化演绎和诠释过程中,必须把握一个度,即最大程度地保持对原创歌曲的尊重,因此,作为演唱者而言,首先应当对词曲作者的生活背景做到详尽地了解,其次,必须对该首歌曲作品的创作背景形成完整认知,唯有如此,方才能够在对歌曲作品进行二度创作过程中确保对演绎歌曲的主题不至于发生偏移。如演唱冼星海的作品《在太行山》,就要了解作品当时的创作背景,在得知背景之后根据当时的历史背景来融入自己的情感,才能进行二度创作。

2. 领会词曲作者作品创作的初衷所在

演唱者在对歌曲进行演绎之前,应当充分领会词曲作者的创作意图。任何歌曲作品的问世,必然承载了词曲作者凝结于其中的真情实感,考虑到演唱者同词曲作者的经历、角色不同,因而二者难免在对词曲内涵的见解层面存在显著的差异,有鉴于此,演唱者应当认真从作品中洞悉和探知词曲作者的真实创作意图,如此方能在二度创作过程中实现对作品主旨的完美诠释。《天路》这首曲子是在青藏铁路通车的背景下创作出来的。由于西藏人民把青藏铁路形容是共产党为藏族人民修的天路,因此作者就把歌曲的名字定为《天路》。了解到这些,才能懂得如何把握作品。

3. 对歌曲作品中的民族意蕴给予尊重

在演唱者对民族歌曲进行演绎之前,应当对作品中所承载的民族意蕴加以尊重,并体悟作品中所寄托的深厚民族感情,如此方能在歌曲演绎过程中彰显出鲜明的民族音乐特质。因此,我们强调二度创作是表现时代精神和思想的艺术实践,它必须在尊重一度创作的前提下,从历史背景、时代风格等方面把握作品的特点。以当代人的审美意识,发现作品中新的元素,以新的时代风貌对音乐作品加以扩充与丰富,进而使歌曲作品焕发出卓越的艺术生命力和感染力。

二、注重演唱技巧的运用

演唱者在进行歌曲作品演绎过程中应当遴选正确的演唱技巧,也就是说,只有演唱者运用正确的演唱技巧实现对歌曲作品的演绎和诠释,方才能够将作品的魅力呈现在世人面前。钢琴大师霍夫曼曾说过:“艺术上的自由需要有充分地运用技巧的能力。”因此,只有把扎实的歌唱技术技巧融合到深刻的艺术表现中,在二度创作时才能更加自由,才能给人以美的享受,展现动人心弦的精神内涵。因此,,演唱者在进行声乐作品演绎过程中,不但要采取正确的演唱技法实现对作品的完美诠释,还应当结合作品所承载的情感、内涵,遴选最能够展示作品艺术感染力的演唱技巧,将声乐作品的艺术之美奉献给听众,唯有这般,才能够确保演唱者在进行二度创作时实现对声乐作品艺术魅力的最佳展现。

三、注重想象与联想的运用

演唱者在进行声乐作品演绎时,应当借助想象与联想的方式,实现对作品内涵的精准理解与艺术升华,通过这样的方式,将使演唱者所二度创作的声乐作品更具生命力和艺术力。可以说,如若一个演唱者具备了丰富的想象空间,则他对作品的艺术形象塑造,即音乐的内涵就越清晰,演唱表演者对音乐作品的情感体验离不开想象,同时也能够使听众感同身受地体验到作品的独特艺术魅力。

以《加罗的婚礼》中的咏叹调《求爱神给我安慰》为例,演唱者在进行该咏叹调的演绎过程中,应当结合作品中的人物,展开充分地想象,进而诠释出伯爵夫人紧张的内心,使听众的情绪被歌剧中的人物命运牢牢吸引。可见,要想充分发挥联想和想象在声乐演唱表演中的作用,演唱表演者的情感体验与生活体验的积累至关重要。一个优秀的歌唱家应该具有观察敏锐、热爱生活、爱好广泛、善良真诚等优秀品质,而且不断地丰富自己的形象感受和生活经验,要善于通过各种途径,形成生动的内心视像,以供演唱时随机提取出来,并将其储存在自己的记忆库中,最终便收到生动感人的艺术效果。

四、注重旋律上的再加工

任何词曲作者对于其所创作的作品无能为力的是,无法为作品设定韵味,而只能由演唱者在用心揣摩后方才能够精准地体察和把握作品的韵味。好的歌唱并不满足于曲谱中所记下的音而必定会在音外的腔上下工夫(腔也就是韵味),并用得恰到好处。

在你能够熟练地演唱一首歌曲之后,便会结合歌曲的词曲以及演唱歌曲时的不同心境,在演唱过程中自然地添加入其它音符,从而让作品更富美感,此即独特地韵味所赋予歌曲的感召力。

台湾歌手迪克牛仔相貌普通,原创作品也较为鲜见,然而却在海峡两岸拥有一大批忠实的拥趸,其为何能够在流行乐坛占有一席之地?台湾流行乐天王周杰伦,批评者指责其吐字含混,难以从其口中听清歌词,可是为什么他自出道以来一直大红大紫到现在被称为通俗歌坛小天王呢?原因只有一个,就是他们的演唱都有自己的风格,自己的“味”。他们在吸收别人优秀东西的同时加入了自己的东西,换句话说他们是在创新。万事万物若要发展向前就必须要有创新。

综上所述,演唱者在对歌曲进行二度创作过程之中,必须沉下心来,去体悟词曲作者的创作本意以及歌曲中所承载的真情实感,唯有这样,方才能够在歌曲演绎过程中,将歌曲作品的艺术魅力展现给广大听众,使听众在一曲听罢之后久久难以忘怀。

参考文献

[1]徐承跃.关于对歌唱二度创作问题的思考[J].山东教育学院学报,2006(2).

[2]刘振华.再谈声乐作品的二度创作——针对不同风格歌曲的演唱谈二度创作[J].北方音乐,2014(7).

[3]吴李红,向琛子.浅析对声乐作品的选择及二度创作[J].音乐探索,2011(2).

[4]辛杰.浅析声乐作品《你是这样的人》在二度创作中的情感处理[J].群文天地,2011(18).

[5]熊念桃.论声乐表演艺术中二度创作的重要性[J].华中师范大学研究生学报,2008(1).

[6]周丹.歌曲二度创作中声乐技巧的运用[J].浙江万里学院学报,2007(2).

[7]王硕.关于声乐作品的二度创作——如何演唱新作品的几点提示[J].民族音乐,2007(2).

试谈声乐艺术的二度创作 第7篇

音乐是一个由作曲家到作品, 再由作品到听众的完整过程, 在音乐创作中, 音乐表演是中间一个至关重要的环节。音乐没有人的演绎, 其本身是不具有灵性的, 正如英国著名指挥家亨利.伍德所说:“音乐是写下来没有生命的音符, 需要通过表演来给予它生命”。

乐谱只体现着作曲家所要表现的主要乐思, 它不可避免的是以概括的形态展示作曲家的创作构思, 尽管作曲家在将自己内心那动人心魄的感受物化在乐谱上, 总是尽可能地使之清楚明白, 但是乐谱不可能同作曲家内心创作出来的声音艺术等同起来, 演奏者在演奏过程中仍然会渗透自己的主观愿望和思想, 也不可能按作曲家脑中所希望的那样将音响原样的谱写下来。

一、二度创作的内涵及功能

1.1二度创作的内涵

人们通常把音乐创作称为一度创作, 把音乐表演称为二度创作, 音乐表演是在音乐创作的基础上进行的。二度创作是指在一度创作的基础上, 由表演者 (或编导者) 根据对作品的解读, 综合采用多种艺术形式, 以沟通作品与欣赏者为主要目的, 从而达到对作品本身的完整表现, 引导欣赏者的审美情趣并充分拓展其想象空间的一种综合艺术表现过程。在声乐艺术表现中, 二度创作是指“不仅把乐谱上的记载和基本情绪唱对, 而且在演唱中揭示出作品深层内涵, 显示出自己与他人有别的艺术个性, 从而使作品因其演唱而增色的声乐表演”。在二度创作中, 表演者要以乐谱表现的一切意图, 在此基础上, 结合自身的一切条件寻找自己创造的新角度、新层面, 以自己富于个性的二度创造增加作品的审美价值。

二度创作内容所包括的范围, 就是构成音乐作品的基本因素, 如旋律、节奏、速度、力度、调式、调性、音区、音色、和色以及作曲家的创作背景、作品的区域风格、年代风格和演唱风格等等。这些因素, 有的已经在乐谱中有所标注, 但主要还是要通过演唱者进行二度创作来达到和体现。这就要求在进行声乐作品的二度创作前, 就应该做到反复试唱、推敲领会、把握风格、准确表达等。

1.2二度创作的功能

二度创作是体现声乐艺术表现创作性的核心与灵魂, 在声乐艺术中具有不可忽视的重要性, 其功能主要体现在如下的几个方面: (1) 沟通功能。沟通功能是二度创作在声乐艺术表现中的基本功能, 声乐表演者通过对原作品的理解, 然后运用特定的艺术表现手法把这种原生形态的符号充分展示, 让普通听众能够理解原作品, 并进而达到一种美的享受, 实现沟通作用。 (2) 创新功能, 声乐表演作为二度创作, 它的本质意义不仅限于对一度创作的表达和再现, 也充分体现了表演者的创造性。 (3) 确认功能, 二度创作为声乐表演者的职业确认提供了依据, 二度创作的丰富内涵给予了声乐表演者以巨大的发展空间, 并为其在社会上得到合适的认同提供了保障。

二、声乐艺术二度创作的核心步骤

音乐表演艺术是建立在哲学认识论基础上的一门科学, 歌唱艺术是一门表演性的艺术, 它是作者与听众之间的桥梁, 而这个特殊的桥梁要肩负着传递作者意图的任务, 并且要富有创作性地使作品在原有的基础上更丰富。音乐作品的发展史就是作品的演奏史, 表演者在进行音乐的二度创作时, 首先要对音乐作品进行感知。这主要是一个对乐谱抽象的符号系统进行感性认识的过程。然后才是对作品的理解, 成为一个真正感受、体验并进行理性认识的过程。

2.1熟悉作品

任何一首声乐作品都是有一定的历史背景并规范在一定的风格范畴内的产物, 在体裁与表现内涵等诸多的方面都各自有所限度。因此, 充分了解声乐作品创作者所处的时代背景与所属的风格范畴, 切实把握声乐作品体裁形式与表现内涵等诸多方面的限定, 是进行再创作的前提与基础, 也是演唱者获得客观真实性的唯一保证。

无论怎样进行二度创作, 什么风格的表演家, 都要以正确传达再现作曲家的意图为基本原则。成功的音乐表演不仅把作曲家的思想感情再现得淋漓尽致, 而且通过富于创造性的表演, 产生出比作曲家的设想更为丰富多彩的审美效果。

2.2对作品进行深入分析

一般歌曲中的歌词都是既精练又具概括性的, 从外部看也许只是个框架, 歌者不能从表层的理解去表现它, 而将歌词作者创作过程中省略掉的“言外之意”找回来, 通过分析研究将歌曲的音乐形象组合成一幅真切生动而丰满的“画卷”, 再将这种理解与体验转化为声音形象呈现在听众面前。比如歌曲《教我如何不想他》从字面意义上看“他”好像是针对恋人的歌曲, 而从本质上讲的是在异国求学的“五四”青年对祖国亲人的思念, 作品中的“他”蕴含着主人公心中热恋的祖国。只有对歌词理解得准确无误, 那么歌声才能打动别人做到真情的表达。

2.3进行艺术处理

艺术处理与加工, 是将音乐技巧同歌唱艺术的表现方法密切结合的重要步骤, 是歌曲内容与音乐形式密切结合的重要步骤, 是艺术歌唱“字正腔圆、声情并茂”密切结合的重要步骤。只有做好歌曲的艺术处理与加工的工作, 歌曲内容与音乐的深刻内涵才会得到恰如其分的体现, 使艺术歌唱的舞台实践产生感人的艺术效果。

比如音色的处理。一般来说, 表现快乐、幸福、天真活泼、奋发向上的情绪情感时, 音色偏明亮些, 而表现爱情、祈祷、思想、神圣之类的情绪情感时, 音色应该比较圆润和柔美。如果表现悲痛欲绝、黑暗、残暴、死亡、恐惧、阴险的情感时, 就要采用比较暗淡深层的音色等。在演唱作品时, 要根据作品的需要, 运用已掌握的声音技巧, 调节出比较适合作品内涵的音色。

以《黄水谣》为例, 演唱者根据不同的音色情绪, 以不同的人声, 从而取得不同的音色对比。第一段用明亮的女声齐唱, 展现出人们在家乡肥沃的土地上安居乐业的祥和景象;第二段用男声齐唱, 在较低的音区唱出粗暴悲痛的音调, 与前段形成鲜明对比, 充分地表达了我大好河山被敌寇践踏, 处于水深火热之中的人民义愤填膺的情绪。

力度也是声乐创作的重要技法, 不同的声音力度所体现的艺术效果也是不一样的, 我们不可能用《英雄赞歌》的力度去唱《摇篮曲》, 也不可能用《阿伊达》中的“凯旋归来”的力度去唱《佳尼斯基基》中的“我亲爱的爸爸”。

三、二度创作的情感融合

要使声乐的“二度创作”达到情感要求, 就必须通过演唱者多彩的声音、表情、眼神, 必要的手势、身段将歌曲的内容、感情传达给观众, 用演唱者灵魂化了的声音去感动观众的灵魂。只有当感情表达和声音同样完美时, 才能被称之为艺术。这不应是即兴而发的一时冲动, 而是经过精雕细琢之后所得到的声情并茂的艺术结晶, 唱出观众的共鸣与心声。

它需要心灵的投入与真情的流露, 还需要我们在生活中去做丰富的情感的积累。我们要善于观察生活、感悟生活, 提高我们的艺术素养, 把生活的体会与演唱实践的经验加以总结和升华做到“形神兼备”。

四、结束语

音乐所表现的应该是人类的精神生活, 包括人的思想、感情、心地、灵魂、意志、幻境以及潜意识等, 情动于中, 故形于声。歌曲从产生、演唱到欣赏都是因情而发, 是词曲作者动心、歌者唱心、听者感心的艺术加工过程。好的艺术作品只有从心出发, 才能成为传世佳作, 成功的演唱必须唱心。

摘要：声乐作品只有经过演奏, 才能使它真正的活起来, 二度创作是体现声乐艺术表现创作性的核心与灵魂, 在声乐艺术中具有不可忽视的重要性。本文分析了声乐作品二度创作的内涵及功能, 并对二度创作的关键步骤进行了阐述, 并对声乐作品二度创作的情感融合进行了分析。

关键词：声乐艺术,二度创作,探讨,情感融合

参考文献

[1]刘智强。世界音乐家名言录。北京:中国华侨出版公司, 1989。

[2]刘静怡。从音乐的审美看音乐表演的二度创作。华南师范大学学报 (社会科学版) , 2007年第4期。

[3]游怡。歌唱艺术中“二度创作”的实践探索。丽水学院学报, 2008年第8期。

[4]尚璇。浅谈声乐艺术的二度创作。济宁学院学报, 2007年第6期。