电影音乐中钢琴因素

电影音乐中钢琴因素（精选12篇）

电影音乐中钢琴因素 第1篇

一、钢琴教学中学生容易产生的心理上的问题

如果不对钢琴教学过程中学生容易产生的问题做一个梳理, 将不利于后面提出针对性的对策, 所以在提出任何在钢琴教学中提高学生心理素质的思路前, 笔者认为有必要对学生平时出现的问题作一个总结。

首先是畏难情绪的出现。众所周知, 钢琴的学习是一个比较漫长的过程, 绝对不是一朝一夕就可以凑效的, 学生在学习的过程中容易出现的就是畏难情绪, 他们往往容易浅尝辄止, 而不重视日积月累, 在学习的过程中也是极容易丧失信心, 如果遇到困难就容易放弃, 最终导致学习上的半途而废。

其次是自卑心理与自负心里的并存。这就形成了两种不正确的极端效应, 一部分学生过分的高估自己的实力水平, 他们往往不重视平时的操练, 不注重方式方法的积累, 在学习的过程中特别容易骄傲自满, 一旦取得小小的成绩就沾沾自喜, 但是骄兵必败, 所以这部分学生最终在钢琴知识和技能的掌握上都不尽人意, 也就达不到学习的目标和要求。但是还有另外一部分学生确实刚刚相反, 他们容易产生自卑心理, 这类学生的特点就是容易怀疑自己的能力, 如果他们对于其他学科的知识的掌握不好, 成绩不佳, 就认为自己肯定也学不好钢琴课程, 也许最初在教师和同学的鼓励下学生容易学习, 并且有一定的学习上的热情和兴趣, 但是后来经过一段时间的学习和练习就会慢慢的对自我丧失信心。

最后就是场上的畏惧心理的存在。在众多人面前进行公开的演奏产生紧张和畏惧情绪比较正常, 但是如果受到这些情绪的影响过于深刻, 则会最终导致学生演出的无法进行和表演的顺利进行。笔者对这种心理状况进行了简要的分析认为, 如果学生的心理品质不高是容易导致该类问题的产生的, 其次就是练习次数的影响, 如果学生的练习程度不够或者是练习不够勤奋专注都会对心理造成一定程度上的影响, 最后就是临场的应变和反应能力的素质问题。

二、钢琴教学中学生心理素质培训的思路分析

其一, 要强化对学生注意力的培养, 注意力实际上是一个人定力的表现, 如果学生在演奏的过程中注意力极容易分散, 那么他的演奏效果无疑要大打折扣, 所以首先需要对学生的注意力进行培养。让学生在一定干扰的条件下仍然能够应对自如, 做到正常的发挥自我应有的水平, 甚至是在此时更好的激发自己所以具有的潜力和技能。这一方面教师可以采取的措施就是要在教授的课程中对学生进行噪音环境的模拟, 让学生有身临其境的感觉, 这就是让学生最大限度的熟悉演奏的场所和氛围, 提起的进入演奏表演的状态。

其二, 要注重培养学生坚韧的意志力, 实际上笔者结合教学的经验认为, 学生在钢琴学习的道路上能够走多远, 起决定因素的就是学生自身的意志力的问题, 如果学生具有很强的意志力, 那么在钢琴的练习中他们都会对途中出现的问题很好的克服, 即使一时无法克服, 困难的出现对他们的技能的掌握和联系的影响上都是不大的。所以教师在教授的过程中时刻都应该注意培养学生的意志力, 让他们学会应当学习中的困难和挫折, 讲学习中的压力转化为学习中的动力加以运用。

其三, 是培养学生的自我管理自我调节的能力。我们所有的钢琴的教学都有这样一个前提就是钢琴的学习绝非简答的事情, 绝不是一蹴而就的, 需要长期的坚持和努力, 需要学生有足够的心理准备。但是有时候问题的出现不适容易应付和解决的, 所以需要学生自己掌握好自我管理和自我调节的能力。此种能力的关键来源于学生自我的平时面对问题的解决方式的总结。所以学生必须学会在一次又一次的挫折中有所体会和心得, 将在此过程中所掌握的解决方式方法进行规律性的总结和完善, 从而形成良好的自我管理自我约束的能力。

参考文献

[1]钱甜.关于钢琴教学中对学生心理素质培养的探讨[J]青春岁月, 2012 (5) .[1]钱甜.关于钢琴教学中对学生心理素质培养的探讨[J]青春岁月, 2012 (5) .

[2]杜伟.论钢琴教学中学生公开表演奏心理素质的培养[J].江苏教育学院学报, 2011 (9) .[2]杜伟.论钢琴教学中学生公开表演奏心理素质的培养[J].江苏教育学院学报, 2011 (9) .

电影《钢琴师》中古典音乐欣赏 第2篇

1前言

弗雷德里克弗朗西斯克肖邦(Fryderyk FanciszekChopin, 1810一1849)伟大的波兰音乐家，自幼喜爱波兰民间音乐，不满20岁已成为华沙公认的钢琴家和作曲家。后半生正值波兰亡国，在国外度过，创作了很多具有爱国主义思想的钢琴作品，以此抒发自己的思乡情、亡国恨。导演罗曼波兰斯基的经典电影《钢琴师》，作为一部波兰大导演摄制的反映波兰犹太人在二战期间遭受德国人残酷迫害的电影，不可避免地选择肖邦的音乐为电影的主导音乐。

我要说，波兰斯基在选择音乐上匠心独具，使历史背景及主人公的性格和故事发展巧妙结合，对于音乐素材的运用达到了炉火纯青的地步。波兰斯基从众多肖邦的作品中选用了三首夜曲、两首叙事曲、一首圆舞曲、一首前奏曲、两首马祖卡和电影结尾时的钢琴与乐队的Grande Polonaise，每一首都选用得恰到好处，和电影的结构、情节和场景的转换、主人公的心境环环相扣。

2《 钢琴师》 音乐赏析

电影伊始，1939年9月23日，正当钢琴家斯皮尔曼在华沙的录音棚里录制肖邦的《升c小调夜曲》，纳粹的炸弹无情地降落下来。爆炸了，他还不走，外面有震动声音，录音师劝他赶紧出来，他还不走，玻璃碎片夹着浓烟冲进录音间，这个场景给人印象很深。其实，波兰斯基在这里采用的完全是史实:《升c小调夜曲》平静舒缓的开始，忧伤宽广的基调，似乎预示着千百万犹太人的生命即将终止的厄运。德军占领了华沙，犹太人被迫戴上大卫星的袖标，禁止在人行道上行走，禁止去餐馆和公园钢琴家卖掉钢琴，全家人被赶到城中央几个高墙圈起来的集中营，他只能在餐馆里弹钢琴，换回一点点粮食。在这个时候，音乐，只是一种谋生的手段。

影片的高潮出现在将近结尾处，1944年的冬天，德军在东线节节败退，华沙已经被苏军包围，胜利解放指日可待，对于主人公斯皮尔曼来说这可能是黎明前最后的黑暗，但是一个意外发生了。这是电影中最震撼人心的一个片段，是在钢琴家为了打开一听罐头，在火炉旁被德国军官发现。波兰斯基在这个场景之前，已经通过音乐为这位德国军官是个什么样的人作了巧妙铺垫。当时钢琴家发现有德国人回来，便抱着罐头躲进阁楼里。这时，楼下隐约飘来贝多芬《月光奏鸣曲》第一乐章的琴声，德国军官将这段音乐弹奏得清冷幽怨，充满了人情，弥漫着惆怅和无奈，既暗示了他心有音乐灵犀、是一个艺术的欣赏者和同情者，又暗示了他骨子里没有其他德国刽子手那种凶残本性。

有了这个铺垫，他作为一个德国军官，冒险拯救一个苟延残喘的犹太艺术家的薄命，才不显得唐突。不知道过了多久，饥饿的斯皮尔曼也许是认为德国人已经走了，于是下楼在房间里找工具撬罐头盖的时候，罐头不小心掉在地上，里面的水撒了出来。斯皮尔曼心疼地把罐头捡起来，抱在怀里。突然，一个全身穿着德军制服的德军军官出现在他的面前，对于他来说一个身穿德军制服的人意味着什么?当军官得知自己面前这个瘦弱无助的犹太人是钢琴家时，便请他弹点什么。我开始在猜想他会弹一个夜曲，经过这么多的磨难，他难道不厌倦和疲惫吗?钢琴家略微迟疑了一下，似乎是惊魂未定，因为这个时刻也许就是他弱小生命的最后一刻。

沉静下来后，他选择了弹奏肖邦的《g小调第一叙事曲》。+g小调第一叙事曲》是肖邦根据密茨凯维支的叙事史诗《康拉德华伦洛德》而写。1828年，《康拉德华伦洛德》问世，叙述13世纪立陶宛爱国者华伦洛德领导民众抗击入侵的日耳曼十字军骑士的故事。斯皮尔曼在此时此地选择演奏它的用意无疑只有一个一一反抗!是冒着极大的风险的斯皮尔曼式的反抗!为什么是反抗?他没有选择莫扎特或贝多芬等德奥系的音乐家而选择了自己最拿手的也是本民族的骄傲肖邦的作品，如果导演选择让斯皮尔曼演奏莫扎特或贝多芬的曲子，那么斯皮尔曼就纯粹是卖艺求生了，无疑全片的魅力会大打折扣。但不是，他选择了肖邦，而在肖邦的作品里又恰恰选择了《g小调第一叙事曲》，因为这首曲子是一部弘扬爱国主义的乐曲。这一切都是斯皮尔曼在坐在钢琴前那短短的一刻决定的，我想导演的意图就是斯皮尔曼在这一刻已经决定选择自己的.方式反抗!他已经不再软弱了。但他同时也知道演奏以后这个懂得音乐的德国人很有可能会打死他，于是先前摔瘸一条腿的形容憔悴的斯皮尔曼不见了;询楼着身子四处找食物的斯皮尔曼不见了;对德国人P}若寒蝉、唯唯诺诺的斯皮尔曼不见了。现在这个坐在钢琴前的斯皮尔曼是坚强的，重新获得自尊的斯皮尔曼，他要用自己的方式反抗给他带来痛苦的人!而在这种反抗中无疑他的祖国伟大音乐家肖邦的《g小调第一叙事曲》是他最佳的武器!

钢琴家坐下来，把颤抖的、带着伤疤和冻疮的手放在钢琴上，第一叙事曲开始的琴音缓缓奏出来，一段略显迟疑的开场白后，曲调变得流畅起来。这时，德国军官走到一把椅子前坐下，开始聆听斯皮尔曼的演奏。在短促的、我们听到了内心的忧虑的曲调后，忧虑不断地增长，变成了暴风雨般的悲愤。预示着未来的悲剧性的冲突。一段忧伤叹息之后，主题听起来特别宁静而明朗。

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这时的镜头里是华沙城的废墟上撒满的月光，一束月光透过窗户投射在演奏中的斯皮尔曼身上，像罩着一层薄纱，此时的钢琴家也许在回忆过去美好宁静的生活。突然琴声的表现怀有警觉的沉静，继而旋律充满了惊心动魄的悲愤之情，而最终失去了明确的轮廓，成为势不可挡的滚滚波涛!最后结束部分还原为原来那样真挚、忧伤。但平静的气氛只延长了几小节，旋风般的尾声又重新卷入狂风暴雨般的激情和悲剧性冲突的气氛里!我相信不只是那个德国军官，根本没有人能不为之动容。第一叙事曲的开头和结尾，这是不是也预示了他的经历，他的回忆，他已经不知道能不能再见到自己的家人，没有食物，没有保暖的衣服，甚至连钢琴也没有了，开头的沉重和结尾的疯狂，从沉寂到爆发就在这短短的两页谱子中了。

钢琴家选择这首曲子是一个大义凛然的选择，他要用生命的最后一刻，不屈地抗击日耳曼恶魔，表达自己对迫害者的反抗，准备从容赴死!以前那个曾经对自己的同胞的反抗不理解的斯皮尔曼不见了，他的灵魂似乎变得坚强起来，五年来的痛苦遭遇，自己和家人悲惨的命运，对德国人暴行的仇恨和愤怒，都由肖邦的《g小调第一叙事曲》畅快地表达了出来。德国军官显然是被他的琴声所打动了，是人性的光辉还是音乐的力量?是出于对战争的厌恶还是出于对美好事物的珍惜?我想还是不用说明才是对故事最好的理解吧!

3小结

钢琴物语:电影中的钢琴曲 第3篇

寻找影画和音乐交织的回忆，在电影中寻找大师的音乐足迹。贝多芬、肖邦、莫扎特、柴可夫斯基，那些如太阳一样璀璨而夺目的人。

在电影中聆听他们的琴声……

玩具钢琴、手风琴、口风琴、钟乐器、班卓琴、曼陀铃、吉他、大键琴、铁琴他样样精通，并对每种乐器的内在特质都有着独到和精妙的把握，构成扬·提尔森自成一格的异想世界，

这个从法国来的多面手从6岁起开始学习小提琴和钢琴。2001年为电影《天使爱美丽》配乐，名噪一时。对扬而言，电影配乐只是无心插柳的意外体验，他只是写音乐，而它碰巧和电影很般配罢了。13岁就开始叛逆，在后朋克风潮里度过了青春期。古典主义男孩从此走上自己音乐上的的不归路。这一切你都可以在他的音乐里和他一起经历，所以我不仅推荐童话一样的《天使爱美丽》电影原声，更建议你听听其他的音乐，也许惊喜不断呢。

You must know:

扬·提尔森，1970年7月出生于法国布勒斯特，在很小的时候便成为当地音乐学校的一名童星。经过多年古典音乐的训练，最终成为一名指挥家。20世纪80年代，正是欧洲后朋克音乐巍然成风的时候，这时的扬·提尔森喜欢上了大卫·鲍伊、快乐分裂等乐队，在后朋克风潮里度过了青春期,叛逆的种子开始在身体里发芽.

法国影片《天使爱美丽》，是由著名导演Jean-Pierre Jeunet让-皮埃尔·热内执导，大牌影星Audrey Tautou奥黛丽·塔图和Mathieu Kassovitz马修·卡索维茨联袂出演的一部轻幽默喜剧。热内早年凭借一系列颇有特色的短片确定了自己的电影风格，他偏爱于那些非同寻常、甚至带有卡通色彩的人物形象和超常规的摄影角度。在这部电影中，热内以充满幽默、叙述性强兼富有浪漫色彩的戏剧风格再度出击。整部影片古灵精怪，充满了奇幻想象力，以轻松幽默又不乏苦涩的方式，把幸福的信息传递给观众。镜头底下的巴黎是比明信片更加明媚的世外桃源。在完全属于一个人的奇想世界里做出一些些无伤大雅的小恶作剧，那么多的奇思妙想，你会看见一个孤独的女孩在守望爱的旅途中跋涉。

安吉罗·贝德拉曼堤（Angelo Badalamenti） 邪门钢协曲

安吉罗·贝德拉曼堤是国际十大知名配乐大师之一。多数时候，他是跟有点邪门的导演大卫·林奇David Lynch联系在一起的，这个受过古典音乐教育的纽约人，有点像是美国鬼才导演大卫林奇御用配乐师，而他的音乐也为Lynch的怪异风格推波助澜，诡异、颓废却迷人。《蓝丝绒》的同名音乐会让你迷恋这部凌厉、让人观感不适的影片。Blue Velvet这首歌被女主角唱得一如丝绒般柔软、细腻，钢琴的伴奏更添一丝暴风雨前的安静。

You must know:

大卫·林奇作为美国独立电影界的一面旗帜，以华丽、阴郁、诡异夹带着黑色幽默的风格和对类型片元素的解析重构成为后现代电影的典型代表。他着迷于探讨美国社会的暴力本质，在他的影片中，世界是动荡、变化、分裂的，但他同时又具备将恐怖的梦魇转换为怪癖荒谬的超现实场景。他那些巴洛克式的影片中混合着某种彼得·潘式的天真，过度的风格化以及怪诞的幽默与他特有的热情纯真融为一体。古怪的摄影机角度，快速剪辑，前卫奇异、极具视觉冲击力的影象，不落俗套的音乐成为了林奇电影的标志。

《ONCE》 没有答案的钢协曲

听听音乐谈谈情，没有比这更浪漫的事了。如果只是单纯听这张CD,会觉得它抑扬顿挫，值得收藏；如果当电影原声来听，你情感的细腻度决定你有多少神经被触碰。一个爱情失败的爱尔兰人和一个艰辛的捷克女人因为音乐相遇、相知，只是结局和生活一样无奇。既然走不到用爱情占据对方，那用爱情般的力量帮助对方离梦想更近一点。

你的爱情价值观或许会对这个爱情故事失望，那起码记住这部电影里讨巧的音乐带给我们接近梦想时的快乐。

You must know:

电影男主角的饰演者Glen Hansard格伦·汉塞德的本行并不是演电影，而是爱尔兰乐坛骨灰级的唱作一体乐人，单说格伦·汉萨德这个名字可能听起来有点陌生，但要提他的乐队The Frames，绝对称得上如雷贯耳，名曲《Every Time》曾风靡全球，乐队在爱尔兰乃至整个欧洲都有极高知名度。The Frames乐队成立于1990年。乐队也是1990年代早期都柏林地区摇滚人才辈出时现在仅幸存的乐队之一，他们和Turn乐队一起，被看做是爱尔兰摇滚的中坚力量。

《两生花》孤独钢协曲

你相信世界上存在另一个你吗，你能感受到那个人的存在吗。

热爱艺术电影的朋友想必对已故波兰导演克日什托夫·基斯洛夫斯基的作品是顶礼膜拜的，在《三色》系列中，音乐元素的运用已经超越了普通的环境烘托而成为主人公内心独白的语言，基斯洛夫斯基认为音乐是他影片的cast（阵容）之一，因此对影片中配乐的运用十分讲究。上帝让基斯洛夫斯基遇到了兹比格涅夫·普瑞斯纳，这两个分别擅长影像和音符的哲学家在光影的糅合下成为了知己。《两生花 La double vie de Véronique》可以说是基耶斯洛夫斯基和普瑞斯纳合作完成的，在影片中普瑞斯纳的乐声是本片的灵魂，在配器上也多以单簧管、钢琴等独奏来表现人们内心的孤独和痛苦。两个少女，一个生在波兰，一个生在法国，同样的相貌，同样的年龄，她们也有一样的名字：薇罗尼卡。她们都那样喜欢音乐，都觉得自己并不是独自一人生活在这个世界上。

You must know:

基斯洛夫斯基是一位有影响力的法国籍波兰电影导演、剧作家，因他的作品《三色》和《十诫》闻名世界。他早年的记录片关注于城市居民、工人、士兵的日常生活，而在拍摄完《工人的七一年》之后，他的目光转向了政府本身。基斯洛夫斯基的最后四个也是商业上最成功的电影，全部是与外国合作的作品——《维罗尼卡的双重生命》以及《三色》三部曲。

《四月物语》有错音的钢协曲

《四月物语》原声带上的Classic原来是是岩井俊二、坪井信八和岸内萌三人的合称。据说，1998年《四月物语》在日本上映的时候，很多人都在看导演岩井俊二的笑话。这部情节简单得可以用一句话概括出来的电影却取得了意想不到的成功。这就是岩井俊二的一贯风格，他能用谁都找得着的简单材料，做出一顿最美味的佳肴来。岩井俊二在神户大学学的是油画专业，毕业后让他声名鹊起的是他拍的电影《情书》和《燕尾蝶》，而这次在电影音乐上他也披挂上阵，亲自担任制作人。尽管原声大碟中的13首曲子分别是由坪井信八和岸内萌两人谱写，但音乐的统筹、监制和制作却都由他一手担纲。最值得一提的是在片中完全免费出演女主角松隆子竟然包办了唱片中的钢琴演奏。尽管她的水平实在是有限，你甚至可以辨别出她弹的错音，但这简约和稚嫩的感觉正是岩井俊二想要的。

You must know:

有中国影迷称岩井俊二为“日本王家卫”，被誉为日本最有潜质的新近“映像作家”。九十年代以来，日本电影复苏，在亚洲乃至世界范围内掀起了一场声势浩大的“日本新电影运动”。 岩井俊二以其清新独特、感情细腻丰富的风格成为导演中的佼佼者。

关于钢琴教学中的心理因素训练 第4篇

现今, 钢琴教学不论在专业音乐院校还是高等师范院校的音乐教育专业都具有非常重要的地位。作为钢琴教育者, 我们不仅要教授学生扎实的理论基础和精湛的演奏技巧, 更要注重从心理学的角度出发, 对学生进行正确的心理因素训练, 分析学生在钢琴学习和演奏中容易出现的各种不良心理现象的原因, 运用正确的教学思想和科学有效的教学方法, 来指导学生克服各种困难。钢琴学习是一个漫长、艰苦的过程, 钢琴演奏技术也非常复杂、学问艰深, 可以说大部分学习者都会在学习过程中遇到弹奏技术障碍, 从而产生对学琴不利的心理因素。有些有自卑心理的学生在学习中遇到技术困难的时候, 就会不由自主的对钢琴产生一种畏惧感, 产生悲观失望的情绪, 感觉自己无法克服技术上的难点, 同时造成自信心的不足, 这便是大部分学生学习和演奏钢琴时候的最大心理障碍。对于这类学生, 钢琴教师应当仔细分析学生的心理活动状态, 在教学过程中主要采取鼓励和表扬的教学手法, 及时肯定学生在学习过程中取得的每一个哪怕是很小的成功。只要是不夸张, 恰如其分的表扬, 一定会激发学生的学习兴趣, 使学生在精神上获得一定的满足感, 对钢琴产生进一步学好的愿望, 也会同时增强自信心, 努力克服在学习中遇到的各种困难。

要在学生学习钢琴过程中进行正确心理因素训练, 我们首先要对学生在练习和学习钢琴时候的心理现象进行分析。从心理学的角度来看, 钢琴教学中的练习过程, 是一种建立在视觉、听觉、触觉等条件上的反射活动。这些条件反射随着练习过程中动作的熟练和完善, 使演奏者的心理活动能够连续进行下去, 从而保证演奏的连贯和完整。弹奏钢琴的人一边要看乐谱, 一边要注意手指的运动, 当手指接触琴键的时候, 皮肤的触觉接受器会把信息传入大脑, 从而调节手指的运动。人的感官知觉在弹奏钢琴过程中随时存在, 比如说力度的强与弱, 音色的亮与暗, 肌肉的紧张与放松等要求, 都必须是弹奏者的感官知觉产生了作用才能够做到的。在整个钢琴教学过程中, 练习是一个很重要的环节, 通过正确的心理因素训练, 能够使学生从一开始就养成学习钢琴的良好习惯。钢琴练习和演奏的过程既是一种动作技能, 也是一种心智技能, 这些技能训练都要求学习者经过反复练习, 熟练掌握演奏技能, 准确表现思想内涵, 完美塑造艺术形象来顺利完成钢琴演奏。但是在钢琴演奏技能的学习中, 演奏者的学习心理状态复杂而又多变, 从心理学的角度对钢琴演奏技能训练进行分析, 具有很重要的理论价值和教育实践意义。

通过多年的钢琴教学经验能够得出结论, 学生在练习和演奏钢琴的过程中容易产生多种不良心理现象。钢琴演奏技术的复杂、艰深, 让学生在每一个学习阶段都会面临各种困难, 很多学生都对自己能否解决这些困难持怀疑态度, 充满畏难情绪;因为钢琴特殊的“一对一”的教学形式, 也会使许多学生在学习过程中产生一种依赖心理, 学习的行为成为一种机械式的被动教学, 没有主动性、积极性和创造性;每一个钢琴学习者都要进行钢琴演奏活动, 我们的学生也经常会在演奏或者考试的过程中, 由于心理过于紧张失去正常的演奏状态, 即使能够勉强流畅地演奏, 也不会有丰富的音乐变现力;当然, 造成这些现象的原因可能有很多, 比如说演奏技巧因素、演奏者的性格因素和表演环境等等。要解决这些不良因素, 我们就要对学生进行正确的心理因素训练, 避免多种因素给学生在学习钢琴过程中带来的各种心理压力。

首先, 我们要对学生的学习主观能动性进行培养, 培养钢琴学习者主动学习的愿望和坚强的毅力。我们要注重培养学生强烈的学习兴趣, 从教学的专业化要求指导学生选择适当的教材, 布置适当的作业, 对性格比较内向, 不善于表达的学生多弹些旋律柔和、歌唱性的作品;根据学生的能力来考虑所选作品的难度, 学习兴趣较高的学生往往能够接受比较有难度的作品, 而兴趣较差的学生往往不愿意付出努力来进行学习。如果教师能够根据学生的兴趣来正确的选择作品的难度, 从心理上来说都是学生比较能够接受的, 就会使之保持一种良好、持续的学习动力。其次, 我们要对学生进行科学的学习方法训练。学习方法的正确与否, 一定会影响学习的积极性和学习的效果。作为教师, 我们要教会学生合理的练琴方法, 不论是慢练法、分手练习法、还是分声部练习法等, 都需要多种心理活动的协调一致, 要让学生的大脑思维、注意力能够高度集中;除此之外还要进行正确的读谱方法和科学的记忆方法的训练, 培养学生在整个练习钢琴过程中的良好学习习惯。我们知道, 一次成功的演奏, 一定是在熟练的技巧和良好的心理素质基础之上取得的。因熟练就是演奏技能掌握的高级阶段。演奏技能的熟练过程是一个有机的系统, 它需要演奏者的各个部位相互配合、相互协调, 需要演奏者动作的灵敏性。钢琴演奏技巧的掌握就是在不断的反复练习中逐步形成的, 学生练习方法的不当, 练习态度的不同, 就会造成兴趣降低, 产生厌倦情绪。这时候, 教师就应该仔细观察学生学习的心理过程, 对学生的心理因素进行分析, 指导学生改进学习方法, 调整学习状态, 努力克服困难。

精彩的钢琴演奏不仅需要过硬的技巧和方法, 还需要具备良好和稳定的心理素质。在教学过程中, 无论是教师还是学生往往都会比较注重钢琴演奏的技能技巧, 而忽视心理因素对演奏和教学的作用及其影响。当然, 人的心理素质一部分是先天遗传因素构成, 更重要的是后天的锻炼和培养。演奏时良好的心理素质绝对不是一时灵感就可以获得的, 它需要在学习过程中日复一日无数次的磨练来逐渐形成。很多学生在演奏钢琴的时候会不自觉的产生紧张情绪, 使演奏效果大打折扣, 会有这种问题出现, 大部分原因是学生在平时练习钢琴的时候不够认真, 注意力不够集中, 当上台演奏的时候, 注意力自然会很集中, 但这时却往往发现自己对作品缺乏控制能力, 没有办法集中精力进行演奏。要想克服这种困难, 首先要加强对学生意志的锻炼。每个学生在学习过程中都会遇到不同的困难, 外部的干扰因素也会分散注意力, 这时就需要有坚强的意志力来强迫自己集中精力, 不去想与学习无关的事情。如果演奏总是失败, 演奏技术的不过关和演奏者信心的不足一定是最重要的因素。遇到这种情况, 我们除了对演奏者的技巧进行特殊和专门的训练, 还要注意表演者的性格差异, 有针对性地指导, 减轻演奏者的各种心理压力。与此同时, 我们还要指导学生对自我进行正确的评价。人的自我评价大概有两种类型:成功和失败。不论是哪一种, 都会在人的潜意识当中形成一种制约, 钢琴学习者也是如此。有些学生在练习钢琴时积极主动, 没有把学习钢琴当做一种负担, 喜欢公开演奏, 也乐于接受别人的意见和评价, 他们不会太在意自己在演奏中的失误和不足, 对自己取得的成功都会充满喜悦, 即使遭遇失败, 也会迅速调整状态, 重新开始;而有些学生会比较胆小、自卑, 老是觉得自己能力不足, 对自己失去信心, 练习和演奏钢琴时很胆怯, 容易出现失误和自暴自弃, 对演奏产生一种惧怕心理, 引起恶性循环。要让学生知道, 钢琴演奏并不是每一次都能够成功的, 我们要多鼓励和帮助这类学生, 不要让学生因为失败一次就灰心丧气, 成功的钢琴演奏是一个强烈的自我意识的过程, 它需要严密的逻辑思维能力、对音乐的理解和控制能力、发自肺腑的情感以及对音乐的表现和创造能力。

成功型的学生比较容易接受高难度作品的挑战, 他们觉得这是对自身能力的肯定。失败型的学生总是对技术较难的作品有所顾虑, 甚至有排斥心理, 没有勇气和信心拿下作品。教师在这个时候就显得尤为重要。我们要通过正确的心理因素探索, 帮助失败型的学生分析失败的原因。教师对这种学生在选择曲目时要扬长避短, 难度恰到好处, 不要让学生有过大的心理压力, 而能够充分发挥其长处。对作品中不可避免的难点, 要求学生要单独挑出并反复练习;对演奏结果要鼓励学生, 这只是一次艺术实践和锻炼的机会, 只要尽自己最大的努力发挥就好。为了增强学生演奏钢琴的自信心, 教师可以引导学生经常观看各种形式的演奏会, 对学生进行不定时的模拟演奏训练, 对学生在每一个阶段取得的进步都给予及时的肯定, 减少和避免学生消极的心理状态, 让他们在学习过程中能够充满喜悦和愉快的心情。

人的一切活动都是在心理调节和支配下进行的, 钢琴教学与学习时候的心理过程也是密不可分的。心理学是教育学科的基础, 钢琴教学也必须遵循心理学的教学原理。我们在教学过程中应该主动分析学生的心理特征和规律, 着重分析学生在钢琴学习过程中形成的各种心理障碍和不良心理因素, 通过正确的教学引导, 指导学生进行心理因素训练, 帮助学生克服各种学习困难。钢琴教师的主导作用和责任心非常重要, 教师具有良好的教学态度, 极大的教学热情, 对学生会起着潜移默化的作用, 教师应该对学生练习和演奏过程中的心理因素进行探索, 运用科学的教学方法进行分析研究, 使学生能够排除学习和演奏中的各种不利的心理因素和心理负担, 以保证教学活动的完满成功, 这样才能达到良好的教学目的和教学效果。

参考文献

[1]曹理, 何工.音乐学习与教学心理.上海:上海音乐出版社, 2000.4.

[2]应诗真.钢琴教学法[M].北京:人民音乐出版社, 1990.10.

[3]代百生.钢琴教与学的心理训练[J].钢琴艺术.2000 (3) .

电影音乐中钢琴因素 第5篇

音乐教学论文：培养学生钢琴演奏中的音乐素养

四川省隆昌县幼儿师范学校 赵 艳

【摘 要】如何在幼师班中有效地进行钢琴教学，特别是对于没有一定基础的学生，如何在短时间内将其培养为适合幼儿园教学的音乐教育工作者，是幼师琴法教学改革需要探讨的重要课题。我们应针对幼师钢琴教学的特点，抓好基础教学，掌握钢琴弹奏的基本技能和技巧，以便提高学生的音乐素养。

【关键词】音乐素养 乐感 音乐表现力

钢琴演奏是一个复杂的脑体结合的活动过程。在一瞬间，将乐谱上的东西通过视觉反映到脑海，大脑马上会指挥手指在键盘上弹奏，耳朵还同时对演奏的声音进行检查，不断地调整和改进。一个学习音乐的人，不具备音乐素养就等于是一个机械地弹奏和歌唱的机器人，他就无法去理解音乐、懂得音乐、表现音乐。所以，培养音乐素养是为了全面提高学员的音乐综合素质，并且以此促进学员对专业科目的学习，增强对音乐的感悟、理解和创造能力。

一、基本技能的训练

1.识谱训练。识谱训练的最终目的是要学生能够独立、正确、完整、高效地视奏程度适合的乐曲。我们要让学生在表演的状态下弹奏钢琴，而不是来回重复地进行简单练习。在教弹一首新曲子时，一些视奏技巧好的学生能以惊人的效率来迅速完成你所教的新课。而一些识谱和视奏能力差的学生，就可以明显地感觉到自己弹奏时的吃力。实际上，学生在弹奏时面临的困难主要有两个方面――乐谱和键盘。进一步说，读谱和弹奏都是识谱训练中的重要方面，不能有所偏废。片面地强调其中任何一方都无法达到良好的训练效果。

2.学生的基本技术训练。钢琴的技巧有很多，我以音阶、琶音的训练为例：第一个音是弹下去;弹后面的音时手指应提前做好触键准备，指端与键面不能过近。大指触键要独立，在移位时依赖手腕转移力量。在弹奏中，大指要寻求独立触键的空间，而手腕要有意的配合手指，自如、灵活地为手指提供最佳触键的位置，通过练习，找到手腕合理的动作状态。两种练习是一个循序渐进的.过程，刚开始时要慢练，渐渐地就可加快速度。

下面特别说一下“慢练”：

著名钢琴家雅科夫・弗莱尔认为：“慢速弹奏法犹如钟表匠手中的放大镜，它可以使练习一部作品的音乐家更仔细地看和听他们所弹的音乐，并能深入浸润作品中的每个细节和组成部分之中，从而完全知道并掌握这部作品。”因此，在初学一首曲子时，必须分手练、慢练。有的学生练琴经常不动脑筋，纯粹是机械般的弹奏，在练习一个难的乐段时表现更为明显。俗话说：“欲速则不达。”有时需要演奏者很慢地弹奏一首乐曲，以便巩固对某一部分的记忆。慢奏同样能帮助演奏者检查音符的准确性及句法：慢速弹奏时，如同看到慢放的电影一样，你能看到每一个细节，并同时加强了记忆，更清楚地看到不同的曲式与和声的组合等。慢练是钢琴学习中非常重要的一个部分，也是一种科学的练琴方法。

二、乐感的培养

1.乐感的内涵。钢琴学习中的乐感培养是激发演奏灵感的基本前提，如果没有良好的乐感，演奏出的音乐就会平淡无奇。乐感其实就是在对音乐的体验中表现出来的强弱处理。

2.让学生课内课外多听好的作品。我们要让学生经常利用课余时间听不同的曲子。现在网络很方便，随时可搜索到自己需要的曲目――当然，也可购买碟子。钢琴是敲击发声的乐器，不擅长于歌唱性的发声，但钢琴又必须解决歌唱性的问题。多听歌唱家的演唱和弦乐演奏可以帮助我们增强乐感。像歌唱家一样地思考和感觉是很重要的。听力训练的主要内容之一就是要求学生学会“聆听”自己的琴声。所谓“聆听”，就是精神高度集中地用心去听，听时要充满对音乐的追求与想象，努力分辨自己弹奏的声音是否符合音乐内容的要求。可在弹琴时将自己弹奏的声音录下来，然后再放出来自己感受，找出问题。(论文范文 )此外，还应重视视唱练耳课。这样能更全面、系统地提高听力水平，对弹琴大有益处。有机会的话，要多看现场演唱、演奏的音乐会，因为钢琴是表演艺术。舞台表演更能加深乐曲的感染力，特别是在指挥家富于变化和激情的手势下带动出的绚丽音乐，更能深深打动人的心灵，提高观看者的音乐感受能力。

三、提高学生的音乐表现力

中国第一位在国际比赛上获奖的著名钢琴家周广仁教授指出：“学习钢琴只是一种手段，学到音乐知识、理解音乐、热爱音乐、表现音乐才是根本。”其实，在钢琴练习与表演中，呼吸的作用同样重要。合理处理好作品乐句，安排好音乐中的呼吸有利于音乐极富感情的表达，教师教学中应注意强调乐句气息的重要性，解决好演奏时呼吸与乐曲的吻合。我们要让学生懂得：弹琴和说话、唱歌一样，有呼吸、语气，有句子的长短，无论是活泼、欢快，还是婉转、优美、如歌的乐曲，都需要表现一定的内容，即使是简单的几个音也不是没有意思的。有的声音坚定有力，有的轻快、跳跃乐句也有肯定及疑问等多种语气。当学生懂得这些以后，就会从他所弹奏的乐曲中找到这些感觉并尽力去表现出来。例如：弹《解放军进行曲》时，联想到队伍前进，就要弹得有精神、节奏鲜明，就不会慢吞吞、软弱无力地弹一些音符。弹不同风格的曲子，就要表现不同的意境，因此必须避免机械练习，毫无要求。

总之，钢琴演奏需要乐感与适当的技巧相结合，以情带声，融声以情。音乐与技术是辩证统一的关系。技术是基础，音乐表现是最终方向。钢琴教师的全部工作，实际是培养学生很有激情地演奏作品、表现音乐，要通过演奏把情感表达出来，做到人琴合一。我们只有深入生活、深入学生，把握钢琴教学的变化与规律，才能使钢琴教学尽可能地做到生活化、社会化、多元化与个性化，也才能使学生不断提高音乐素养和审美能力。

【参考文献】

1.周广仁、莫蕴慧主编：《钢琴艺术》

2.周彦：《人声与钢琴的完美艺术》，中国音乐学院学报，01期

3.代百生：《钢琴教与学的心理训练》[J]，钢琴艺术，(3)

4.曹静：《钢琴弹奏技巧与音乐表现间的关系》，湖南科技学院学报，10期

5.曹云：《浅议幼师钢琴教学》[J]，新课程学习(中学)，05期

6.李远彬：《论钢琴教学中音乐感觉培养的策略》[J]，成都教育学院学报，08期

7.林振纲：《论钢琴学习(一)》[J]，北京：钢琴艺术，(10)

8.陈海龙：《论钢琴乐感与演奏灵感的培养》，《黄河之声》，3期

钢琴临场演奏中的心理因素分析 第6篇

关键词：钢琴演奏；心理因素；分析

20世纪伟大的钢琴家阿图尔·鲁宾斯坦曾说：“当我站在舞台上，我便是国王。”能像大师一样在演奏中镇定自若而又自信的人毕竟只在少数。绝大多数演奏者，在正式演出和比赛中或多或少都会有些紧张。人们常说“艺高人胆大”，当你的能力超出所演奏曲目的程度时，自然不会紧张，能正常发挥。但也有例外，有些人平时练习很刻苦，技巧也出色，可关键时刻总是表现不好，手心冒汗，肌肉疆硬，大脑一片空白，令演奏大打折扣，丧失信心。也有些人平时练得并不多，可演奏时总能正常、甚至超水平发挥。由此可见，钢琴演奏不只是要有良好的技术准备，还要做到临场的自我调控，这样才能尽量发挥出自己的真实水平。

一、从心理学的角度看钢琴演奏的紧张原因

钢琴演奏，虽然表面上是一系列技术动作，但实质上是一个心理活动的过程。心理上受到任何影响，心理状态的任何改变，都会立即在弹奏中反映出来。有研究表明，年轻人的舞台紧张多是生理上的，而随着年龄增长，慢慢变成了心理层面的问题。有些演奏者总希望自己能超水平发挥；另有些人生怕自己演砸了，丢面子，顾虑较多，多数是太在意下面观众的反映。这是两种最普遍的心理现象，也正是因为有这样的心理，才令演奏起了变化。紧张是人的一种本能。对于紧张的体验，人皆有之。世界著名的大提琴家卡萨斯也是这样。他说“一想到要举行公开的音乐会，我总是像在做恶梦。”有人问波兰小提琴家威尔科米尔斯卡：“你演奏时是否也有点紧张？”他回答说：“有点紧张？我简直紧张极了。假如说不紧张的话，那是在骗你。我在每次开音乐会之前都紧张。特别在关系到我的事业的那些大城市。”有心理学家通过长期、大量的研究后，将当代人的工作紧张程度划分为十级。其中歌唱家、乐师的紧张成都为6.4级。可以这样说：掌握器乐表演技能的过程，就是我们自觉或不自觉地同自身产生的各种各样的紧张和阻力作斗争的过程。为了克服紧张情绪，许多表演者使用了各种各样的方式，帕瓦罗蒂则是走到哪演出都要带着一块手帕和一大堆水果。

根据紧张产生的原因及其表现形式的不同，可以分为技术性的紧张和心理性的紧张两大类。心理性紧张的危害性和顽固性远远超过了技术性紧张。演奏者在公开表演时，心理紧张不仅会导致大脑出现空白，忘记乐谱或歌词，而且会导致肌肉紧张，使动作丧失灵活性。因而心理性紧张是一种从大脑皮质到运动器官的整体性的紧张。心理性紧张又可分为暂时性紧张与长期性紧张两类。暂时性心理紧张一般是由客观环境引起的心理异常变化。例如有时曲目过难、练习不足、技术上勉为其难等，会使表演者感到力不从心、信心不足而产生紧张。一旦问题解决，心理紧张会随之消失。怯场现象通常也是一种暂时性心理紧张。许多钢琴学习者平时很难有公开表演的机会，对上台表演有一种莫名的恐惧感。他们过多考虑成败得失，生怕出错，情绪过于紧张，本来一首曲子已经练得很熟悉，练习时即使心不在焉也能顺利演奏出来，可是一上舞台表演或参加考试，很简单的地方也错误迭出。由无关刺激引起的这种心理现象叫作分心，即注意离开基本活动而不自觉地转移到对完成工作有着不良影响的事物上。但有时表演者上台后并没有胡思乱想，可是表演也会失常。这是由于注意力高度集中，主管表演活动的神经兴奋超强，负担过重，引起了肌体的保护性抑制而造成的。只有在放松之后，机体的紧张得以缓解，脑细胞得以休息，才能恢复正常的工作状态。长期性心里紧张是由于学习者的性格、气质和其他个性特征上的缺陷如胆小、怯懦、自卑感而引起的心理紧张。胆小、怯懦与神经过于敏感有关，对于安全感的过分追求密切相关。自卑感则表现为对个人的能力和品质做出过低的评价。有这些个性心理特征的人，怕担风险，在各种活动中习惯于消极地进行自我保护。就像一位心理学家指出的那样，他们常常担心自己被别人否定。他们本来是在从事一门表演性艺术，可又怯于在别人面前表演，总是不自觉地夸大自己的缺陷和不足，对教师的批评意见和别人的议论、特别是否定的议论十分敏感等。这些就使得他们在公开表演时信心不足，提心吊胆，害怕失败，心理负担很重，表演时不能进行正常的思维和技术发挥，多次失败的刺激，使他们心理受到挫伤，性格缺陷加深，屡战屡败，形成恶性循环，难以解脱，有些人甚至因此丧失了对音乐的喜爱和兴趣。紧张心理是一种特殊的心理体验。心理学家认为：紧张是一种有效的反应方式，是应付外界刺激和困难的一种准备，有了这种准备，便可以应付瞬间万变的力量。这样看来紧张也并非是件坏事，我们要学会用良好的心理状态来面对紧张的心理，有意识地把紧张转化为动力，发挥积极性，克服困难，从而提高自我的活动能力和活动效率。那么，在钢琴演奏中无论是初学者还是演奏大师，几乎所有的演奏者都不可避免地出现因紧张而造成的不完美演出，这就要求我们要懂得如何调节、控制及消除钢琴演奏中的紧张心理。

二、钢琴临场演奏心理的自我调控

上台前的心理准备是公开演奏中非常重要的准备环节，是辅助技术准备的重要手段。作好充分的心理准备，针对平时练习时经常出现的问题，进行有意识、有计划地模拟训练、心理演练等，从心理上消除演奏障碍，增强自信、排除杂念、集中演奏注意力、激发演奏欲望，把演奏者调整到较佳演奏状态，使之尽快投入音乐情绪之中，完美的展现音乐。需从以下几点去调整：

1.调整心态，保持心情放松。首先保持良好的身体状态。钢琴演奏是一种全身运动，是从头到脚各部位的高度配合、协调与统一。演奏者是音乐的再创造者，要运用表演技巧把内心的美感体验通过手指、手腕、小臂、大臂乃至身体的动作在钢琴上正确地表现出来。演奏技巧的正常发挥、音乐内涵的表现有赖于脑力、体力的结合。而这一整体配合又要求演奏者的身心处于舒适轻松的状态。因此，在钢琴演奏前应当保持充沛的精力。可以做一些放松身心的活动。人在紧张时可以选择一个空气清新、四周安静、光线柔和、不受打扰，可活动自如的地方。做做深呼吸，活动一下身体的四肢，使关节放开，肌肉松弛。或者闭上眼睛，去感受安静、松弛，想象一些恬静美好的事物，使自己全身心地放松下來。其次要保持良好心境和自然的状态。由于在正式演奏中有观众或评委的关注，演奏者容易走神，脑中会产生多余的想法。因而上场前需要调整好心态，保持冷静，充满自信，看淡结果。坐下时要调整好琴凳的高低前后左右，然后稳一稳，想好开头和速度，将自己的状态进入与作品一致的情绪里。演奏开始后就要全神贯注地投入到作品中，完全融进音乐的表现之中，倾听自己的演奏。

2.提前克服“怯场”的心理。在临上台前的几分钟，如果感到紧张，可以在心里默念几遍“我一定能成功”或“我要保持冷静”等积极肯定的用语，切忌在上台前的时候还存在“不要弹错音”、“不能紧张”之类的想法，这样反而会加重演奏的心理负担。许多演奏家在临上台前会有一些旁人看来比较奇怪的习惯，其中最明显的就是“吃东西”。医学研究表明，糖分的摄取可以减低人体的心理、生理紧张因素，使人身心放松。所以在临上台前，吃一些带有糖分的食物比如巧克力、糖果等等，可以帮助缓解紧张的心理。还可以用呼吸调节法。在公开演奏等超常情况的精神压力下，人体所需要的氧气量及体内产生的二氧化碳都会大大地增加，常规的鼻腔呼吸，不可能满足人体内对氧气的需要，从而造成人体肌肉力量的减弱，致使演奏中技术动作得不到正常发挥。因此，在演出前可以静坐一旁，以缓慢地深呼吸来稳定情绪，消除紧张状态。钢琴教育家但昭义在其学生参加国际比赛临上台前几分钟内，总是会交给他们一个小纸条，上面把每个演奏曲目都总结一句简短的要求，这种做法有助于使演奏者在上台前尽快排除杂念，把全部注意力集中在自己要表现的音乐上。演奏者在实际演奏前也可以为每个乐曲想好一句短小精炼的“潜台词”，在心中默想，或是默唱乐曲的开头几句旋律等等，这些做法都可以使自己尽快进入演奏状态。

3.消除背谱的顾虑。造成怯场的因素有很多，但最主要导致紧张情绪的产生大多是因为“背谱”问题。演奏者在平时训练中尽早地把谱子背下来。良好的背谱习惯有助于加深对乐曲的完整印象，使演奏者集中于音乐的表现和听觉的要求，并有利于将注意力放在手和键盘上，克服演奏中的技术困难。从而为演奏的完整性、逻辑性打下坚实的基础，为演奏者的信心提供有力的保证，使演奏者增强自身表演欲望和自信心，以保证考试、演出活动顺利圆满。

4.客观地认识自己，消除心理负担。在公开演奏前，演奏者必须对自己的实际情况有一个较客观的了解。这主要通过平时自己练习的体会以及与导师、同学等的沟通，从而作出对自己的水平相对正确的估价。从而避免对自己的演奏有超出能力范围的过高期望而造成的紧张心理。为了使演奏时具有最佳的兴奋点，在演奏前的最后几天不宜过多地练习，通常每天保持一定的练习量即可。在练习时也最好偏重于乐曲的完整性上，侧重于研究乐曲创作背景等相关资料，不要把演奏看得过分严重，追求音乐才是演奏的目的。这样才能使自己的精神情绪真正放松，以便能够精力充沛地登上舞台。

5.排除场地、环境的干扰。条件允许的情况下，应该在正式演奏前一两天到剧场、音乐厅或比赛地点周围熟悉一下环境，注意一下那里的温度、舞台灯光、音响效果等。最好能试一试琴，了解一下钢琴的音色、性能、琴凳的高低等等，做到心中有数。避免出现“晕琴”的现象，因为有些比赛选手由于事先没能试琴，上台后又由于对灯光的不适应，眼前突然模糊一片，找不到准确位置，这主要是经验不足的缘故，因此，平时应多参加一些演奏活动，积累活动经验，这种现象自然会消失。

参考文献：

[1]卜莉.心理状态与钢琴演奏[J].钢琴艺术.2000，（1）.

[2]（波）约·霍夫曼.论钢琴演奏[M].北京：人民音乐出版社，2002.

[3]张凯.音乐心理[M].重庆：西南师范大学出版社，2001.

[4]张媛.钢琴演奏活动中的技术和心理因素浅析[J].赤峰学院学报（汉文哲学社会科学版），2009，（2）：100.

[5]何青青.钢琴演奏心理状态调节的几点探讨[J].厦门教育学院学报，2005，（1）：73.

浅析钢琴教学中的非技巧因素 第7篇

关键词：钢琴教学,非技巧因素,对策

一、钢琴教学中的语言艺术

语言也是一门艺术, 与其他任何艺术形式都具有共性, 钢琴教师重视课堂上的语言魅力, 有助于将语言艺术与钢琴教学完美地结合起来, 帮助学生更好的理解音乐作品中的情感和思想, 从而构筑起对艺术的热爱, 加深演奏情感与技术之间的融合, 将教师自身对音乐作品的理解用优美的语言表达出来, 能够激发学生的想象力, 唤醒和鼓舞学生内心深处的情感共鸣, 使课堂教学达到事半功倍的效果。例如我国传统的乐曲《春江花月夜》改编的钢琴曲, 描绘了江南水乡的夜色的温柔多情, 教师跟根据传统文化的特点, 突出水乡温柔缠绵的特征, 为学生营造一个静谧妩媚的环境, 将《春江花月夜》中所描绘的的月色倒映的江楼钟鼓, 月上山头, 渔歌唱晚的景象通过诗意化的语言传达给学生, 同时还可以结合古典诗词如张若虚的《春江花月夜》中“春江潮水连海平, 海上明月共潮生”的诗句为学生勾勒出一幅动人的江南夜景。使用诗意化的词汇能够让学生更好的体会乐曲中的意境美, 进而能够饱含深情的演奏。

除了为学生营造情境美, 语言艺术还能让学生体会出乐曲中的情感基调。古今中外的优秀音乐作品都饱含深情, 有抒发作曲家对于生活的热爱, 对于祖国的眷恋, 对于爱情的歌颂等, 教师向学生介绍这些饱含民族情感及爱国情感的乐曲时, 如能用语言的艺术去感染学生, 就可以让学生在学习钢琴演奏的过程中潜移默化的接受情感情操的培养, 使他们感受艺术大师的人格魅力。富有情感的语言还可以让学生更容易与作品产生共鸣。例如著名的肖邦的《革命练习曲》就是一例典型的作品, 它饱含着对祖国的热爱, 非常富有激情, 肖邦在乐曲中愤然抒发了对于波兰人民抵抗沙俄军队失败的愤慨, 教师在教授这类型的乐曲时, 教师应该用富于英雄气概的词汇来诠释乐曲, 体现作曲家刚毅严峻的形象, 使学生在这些词汇的影响下产生联想, 有意识地主动地去感受波兰人民不屈不挠的反抗精神, 引导学生在弹奏钢琴时能够自发的融入自己的感情, 不自觉地表现出一股不可遏制的冲击力量, 达到情感与效果的统一。

富有感染力的语言还具有调控情绪的作用, 启发和激励学生, 但是也要因人而异, 个性活泼外向的学生情感丰富, 表现力强, 但是相应的在练习过程中也容易急躁, 此时教师应该采取温和缓慢的语调, 并用简单重复的语言稳定学生的情绪, 使其达到慢速练习的效果。而性格比较内敛的学生缺乏激情, 教师应该要用鼓励和振奋的语言来教学。教师要充分了解学生的心理, 紧张时要用舒缓的语言宽慰学生, 放松时要用理性的语言来收紧, 这就要求教师在教学过程中要注重教育心理学的研究, 细致观察学生的情绪, 以便随时调控好课堂的氛围, 使钢琴教学课堂达到艺术表现力和弹奏的效果的最佳状态。

二、在钢琴教学中应注意的几点事项

首先就是建立融洽的师生关系。与其他教学科目不同, 钢琴教学几乎是一对一进行教学, 如果师生处理不好关系, 将对课堂效果产生严重影响。这样的特殊性决定了教师对于学生的人文关怀是十分必要的, 教师通过与学生进行情感的沟通, 偶尔进行娱乐活动以及在课堂内外的配合协调都有利于加强师生间的感情, 创造轻松愉快的学习气氛, 提升学生学习钢琴的信心。教师除了要注重对学生技巧的培养之外, 对于学生的生活也要格外关注, 了解他们家庭背景和近期的生活和心理状况, 进而安排适宜的学习进度和材料, 对于学生的心态有一个总体的把握, 合理调控好时间。如果师生在良好的师生关系里互相交流, 就学者的学习方法、习惯、学习程度进行沟通指导, 会大大增加学习的效率。

其次就是选择好教材, 结合学生的兴趣爱好, 比如有的学生对浪漫唯美的乐曲比较感兴趣, 有的对慷慨激昂的曲调特别敏感, 有的则比较钟情于某一个艺术家的曲子等等, 教师要事先调查好学生的偏好, 结合好钢琴教学进度需要, 有针对性的安排好教学, 让每学一个曲目学习的时候要能达到, 让每一位学者越学习越想学习。教材的选取要结合好心态和兴趣, 毕竟钢琴教学的目的是让学生学“会”, 这个要求学生不仅知道怎么弹奏, 更让他们“会”弹, 真正爱上这一门艺术, 一旦教材的选取不恰当, 就会导致许许多多学子产生心理误导, 失去学习的兴趣。教师要深谙学习的策略, 钢琴学习必须深入浅出, 结合每一位学生的不同情况, 量身打造适合的钢琴课程。教师还可以对钢琴曲进行技术上的处理, 钢琴教材每个单元都有大量的练习曲, 例如专门正对琶音或者音阶的联系, 很枯燥, 教师可以先让学生欣赏整段的音乐, 对音乐产生足够的兴趣, 再进行分段联系, 最后巩固指法, 反复加强练习。这样首先让学生从听觉上对曲子产生兴趣, 进而激发学生对技巧的兴趣。

最后, 钢琴是一门需要下苦功的学问, 而人的惰性确实很难克服的, 一旦学生产生了惰性, 就是消极反抗、厌学的开始, 这也是大多数学习者半途而废或者达不到很高造诣的主要原因。面对厌学的学生, 教师一定要保持好心态, 用正确的态度和语言来引导学生, 一方面要注意与学生的沟通, 在课堂上倾听他们的心声, 帮助他们积极调整好心态。教师可以在曲子的难以程度上把握好, 由简入繁, 让学生看到自己的进步, 让学生明白努力就可以打达成预期效果, 并产生愉快的学习体验。还可以在进行教学时, 穿插音乐史的教育, 例如音乐家在创作时的奇闻异事等, 通过讲故事的方法, 来吸引学生的兴趣, 也可以培养他们高尚的情操。随着现代科技的发展, 钢琴教学也可以利用好多媒体, 通过动画和声音来激发学生的兴趣, 这也有助于学生对钢琴技巧的理解。另一方面也要和那些太急于“望子成龙”的家长做好工作, 从根源上解决好问题。

参考文献

[1]曹理.《音乐学习与教学心理》[M].上海音乐出版社, 2006年1月

[2]张丹宁.《高师钢琴教学中的情感教育》[J].科教文汇, 2007年10月

[3]代百生著.《钢琴教学法》[M].湖北科学技术出版社, 1998年3月

如何掌握钢琴音乐中的戏曲音乐元素 第8篇

一、中国传统戏曲类型

戏曲是首屈一指的中国特色文化,拥有源远流长的历史发展进程,其戏曲类型也十分多样,主要有昆曲、京剧、豫剧、粤剧等,由于受不同地区地理环境、文化习俗、方言等的影响,不同的戏曲类型有其不同的特点。中国传统戏曲的种类多,而且每一戏曲种类都形成了一套完整的音乐体系,因此, 将戏曲中的音乐元素融入钢琴音乐中具有一定的可行性。

二、如何掌握钢琴音乐中的戏曲音乐元素

继承和发扬自身传统音乐精髓,吸收和融合外来音乐文化之精华,一直是中国音乐文化得以发展繁荣的两个重要因素。将戏曲融入钢琴音乐中去,更好地展现中国风的魅力是当前许多艺术家的研究方向,那么该如何掌握钢琴音乐中的戏曲音乐元素呢?

(一)在钢琴教学中讲授有关戏曲的知识

当前音乐教学,主要以西方音乐为主,对中国方面的音乐知识讲解较少,所以在音乐教学中要加强对中国传统音乐的宣传,特别是有关戏曲知识的讲解。将戏曲知识中的音乐元素与西方音乐元素联系起来,通过对比使学生认识到二者的不同之处,以便更好地学习、掌握中国戏曲因素。

(二)在钢琴音乐中练习中国戏曲中的音调

我国传统的各类戏曲在其自身发展的过程中都形成了独特的表现手法和音乐体系,例如,昆曲的伴奏乐器主要有笛、笙、箫、琵琶等,《幸福的童年》这首钢琴曲就采纳了昆曲中的音调,以昆曲的旋律展开其中的乐句,使其得到更好的展现。

(三)在钢琴音乐中掌握戏曲的板式、节奏

戏曲的板式就是板眼的样式,不同的戏曲有着不同的板眼样式,例如秦腔的“二六板”、豫剧的“二八板”、京剧的“夹板”等,这些不同板式都代表了不同戏曲种类在节奏、唱腔方面的不同。将不同戏曲的板式应用到钢琴中,可以使钢琴的曲调变得更起伏,节奏更鲜明,使钢琴曲具备了弹性节拍。例如曹光平创作的钢琴五重奏《赋格音诗》就采纳了戏曲中板鼔的打法,使钢琴曲有了由慢变快的节奏风格。

(四)将中国戏曲的曲体结构融入到钢琴音乐的创作中

在中国戏曲中经常运用“板式变奏体”和“曲牌联缀体”这两种曲体结构。板式变奏体的格局特点是渐变型,所谓“散板—慢板—中板—快板—快板”。板式变奏体以曲牌为基础, 通过添眼、加花、抽眼、反调、借字等手法实现变奏。如储望华创作的《春江舟影》钢琴曲就是将这种板式的曲体融入到钢琴曲中。曲牌联缀体简称为“曲牌体”,这种曲体中一般采用杂言句唱词,由一个或多个曲调构成,在不同的曲调前都设置一个名称,称为“曲牌”。这种曲体多在昆腔和高腔中采用,用来更好地塑造人物形象。江文也创作的第三钢琴鸣奏曲《江南风光》就将曲牌联缀体融入到钢琴曲中。

(五)在中西方音乐的学习中不断拓展思维,提高创新 能力

西方音乐有其独特的特点,中国戏曲也有其独特的一面,如何将二者更好地联系起来进行创作呢?这就需要音乐家不断学习、不断演奏,切身感受每个戏曲种类的特色,将戏曲中典型的音乐元素借鉴到钢琴的演奏中,实现艺术的创新。

三、小结

在多元文化的背景下,我们不能一味地吸收西方优秀文化,也应将中华文化中优秀的部分宣传出去。在钢琴音乐中融入戏曲音乐元素,将中国戏曲中优秀的瑰宝与西方现代的钢琴结合起来,将戏曲中的音乐元素通过钢琴展示出来,便于西方人欣赏和接受中国的音乐艺术,同时将中国文化宣扬出去。“中国风”不仅是在艺术上的创新,还是提升我国文化软实力的重要手段。

摘要：西方的海洋文明与东方的农耕文明的不断融合,使双方在艺术领域也出现了交流碰撞,钢琴音乐和戏剧音乐元素的结合就是这种独具特色的艺术风格的展现。本文探讨了如何掌握钢琴音乐中的戏曲音乐元素。

电影音乐中钢琴因素 第9篇

一、爵士钢琴音乐概括

爵士钢琴音乐起源于由非洲的民间音乐发展起来的“散拍乐”,因为其独特的风格和丰富的变化得到了全世界诸多钢琴演奏家的喜爱。爵士钢琴音乐具有两种含义:一方面,它可以理解为用钢琴演奏的由爵士音乐演变得来的一种特殊的音乐类别;另一方面,是指用专供专业的乐手演奏的特制的钢琴演奏。按照爵士钢琴的演奏特点可以将其分为四种类型:“大跨度“奏法,”布吉-乌吉”(Boogie Woogie)奏法,“博普”奏法以及由速度较慢爵士乐发展出现的爵士钢琴音乐。

在爵士钢琴的演奏中,对钢琴演奏者来说最重要的是即兴的技巧和对风格的把握,这就要求钢琴演奏者具有大量的理论知识作为自己演奏的前提。

二、爵士钢琴音乐中国的发展

随着传播渠道的进一步加深,音乐更趋近于多元化,同时人们对于音乐的审美和艺术的通俗化要求进一步加深,爵士钢琴音乐正是在这样的需求下,依靠其独特的艺术风格迅速风靡全国。由于爵士钢琴在我国的传播中有一段时间的停滞以及爵士钢琴与我国传统的音乐审美具有一定的差异,爵士钢琴在我国的业余演奏和专业演奏中都具有发展较慢的现象。

(一)爵士钢琴音乐的业余式发展

在我国的业余爵士钢琴音乐教学中,慢慢的形成了以巴赫等名家的作品为练习。由于从爵士钢琴起源上的“必弹”要求,造成了大众对于爵士钢琴音乐的审美疲劳。近年来,随着流行音乐的普及,我国大力的引进了篇幅较小但是充分的集节奏性、音调性和和声性为一体的非名家作品,一方面提升了业余演奏者的弹奏技巧,另一方面也增加了练习的趣味性。

(二)爵士钢琴音乐的专业式发展

由于爵士钢琴音乐节奏感强,大多数的学生对其热度一直很高,但是与此不相匹配的是我国仅有10所将爵士钢琴音乐列为学习项目的专业音乐学院。同时,学校多以西方古典音乐为考试的重点项目,无论是考试要求还是教学大纲都突出了西方古典音乐占有的地位。对于爵士钢琴音乐仅仅作为一个可有可无的存在,造成了音乐教学的“一元化”,学生缺乏对爵士钢琴音乐的系统学习,对其认知出于起步状态,远远不能满足现有音乐“多元化”对学生的要求。

三、爵士钢琴音乐在中国的发展策略

(一)爵士钢琴音乐教学的师资力量

在爵士钢琴音乐的教学课程中,教师是极为重要的组成部分,然而我国现有的音乐专业高校严重的缺乏爵士钢琴音乐专业人才,这对我国爵士钢琴音乐产生了重大的影响。为此,我国应该广泛的吸纳优秀的爵士钢琴音乐人才,并且大力的引进外来的专业人才。同时要加强与外国先进爵士钢琴演奏者的交流。一方面可以组织我国专修音乐的学生去国外对爵士钢琴音乐进行深造,另一方面,国家应该提倡高校邀请专业的人员进行讲座,这样不仅可以让学生学到丰富的爵士钢琴音乐,也让他们在潜移默化中感受到外国的教育理念。

(二)爵士钢琴音乐的课程设置

现有的高校音乐教学中对于西方古典音乐的重视远远超出了爵士乐,甚至在课程设置上都慢慢的弱化爵士钢琴音乐。针对于现在我国缺乏对爵士钢琴音乐的重视,我国应该建设一批专门学习爵士钢琴音乐的院校或者专业。鼓励高校开设爵士钢琴音乐发展史和理论学习的课程,同时将这些课程作为音乐专业高校的选修课程,加强学生对于爵士钢琴音乐的实践。音乐教师应该在作曲、和声等可以加入爵士钢琴的教学中,尽量加大对于爵士钢琴音乐的应用,让学生感受爵士音乐教学的魅力,进而培养出具有音乐实践能力和研究能力的专业人才。

四、结语

谈钢琴演奏中的音乐思维 第10篇

关键词：钢琴,演奏,音乐,思维

钢琴演奏的过程中, 演奏者通过对所演奏作品的理解与感受, 在演奏技巧中把握好弹奏的力度、速度, 还需注意弹奏过程中音色和速度的把握, 并且通过对音乐作品情绪、情感的介入, 使音乐作品的表达更具感染力, 在这和过程中, 一种都有音乐思维元素的介入, 钢琴演奏过程一种都受到音乐思维的影响。可见, 在钢琴演奏中, 除了要掌握一般的演奏技巧以外, 还需要充分调动、发挥自己的音乐思维能力。

一.音乐思维在钢琴演奏中的作用

在有意识体验的情况下, 表演者一般只能朦胧感知那些处于显意识状态的思维进行, 而对大量在潜意识层次上进行的思维仍然毫无感知。音乐思维究竟是什么?在钢琴演奏中具有怎样的作用?这是研究中首先要搞清楚的问题。

音乐是听觉艺术, 钢琴演奏者要在感性概念上发展音乐理解, 首先需要获得一定的听知觉反应能力。由于音乐特殊的非具象的表现形式, 表演者对音乐内涵的感知往往要依赖于某种媒介来进行。演奏一首作品之前, 学习者先要阅读乐谱和有关背景材料, 聆听他人的录音, 产生对乐曲的感性体验, 并运用自己的已有知识对其进行理性的分析和判断, 这就对作品产生了思维的过程。

二.钢琴演奏中音乐思维可以改善技巧困难对演奏者的精神束缚

从理论上来说, 钢琴演奏技术是通过两种方式来进行的:一种是从手段求目的, 这就要求在演奏过程中要熟练地掌握技术要领与细节, 保持正确的弹奏外观, 使弹奏的声乐效果达到预期的期望值。另外一种就是从目的求手段, 演奏者把对音乐形象、意境的理解转化为对声音效果的具体意象, 然后通过有意或无意识地对动作方式的选择、调整, 自内而外, 由里及表, 逐步使动作方式符合声音效果的要求。两种方式都是技巧训练的基本方式, 但前者的动作目的性较差, 容易出现机械的动作操作, 初学者使用较多;后者能有效地消除音乐表达与技巧手段之间的障碍, 使演奏者手心相应, 浑然一体, 已经掌握基本表演技巧并达到一定程度的演奏者使用较多。

三.钢琴演奏中艺术形象的塑造离不开音乐思维

艺术形象的创造, 离不开想象和联想。想象和幻想是非逻辑思维活动中最实在、最活跃的因素。没有灵感的艺术家, 不可能创造出真正有价值的艺术作品。因此许多著名的艺术家常常以“热恋”的情绪去捕捉灵感。傅雷先生指出:“艺术家特别需要冥思默想。”创造了奇妙的相对论的爱因斯坦也认为“想象比知识更重要”, “我相信直觉和灵感”。

在艺术创作中, 有独特性格的作品才是最美的。钢琴演奏是作曲家灵感和表演者二度创作共同作用的结果。演奏者的个人修养、技巧状态、个性特征以及斯时斯地的情绪都会使他的表演充溢着灵活即兴的性质。因此, 钢琴演奏者不可能把同一首乐曲每一次都演奏得一模一样。有些演奏家甚至认为, 只有把一首乐曲每次演奏得都有变化和新意, 并且每种处理都合情合理、顺理成章的演奏家才是一流的演奏家。每首乐曲都有其固有的结构和内在的联系, 但是, 任何音乐作品的演绎发展都不是严格、刻板的机械运动, 而是一个动态的、连续性的过程。每个音符如何处理, 不仅取决于其自身的限定, 还要看其在音乐运动过程中处在何种相对的位置。以音乐的力度关系为例, 一个音符的响度没有绝对的分贝值, 而只有与其他音符相对的强弱比值。在渐强时, 它的响度高于前面的音符而低于后面的音符, 渐弱时则正好相反。由于音乐各种表现要素的有机结合正是在这种动态的过程中实现的, 所以, 有时表演者并不会完全机械地按照事先设计好的图式去表演, 常常是“跟着感觉走”的。可见, 音乐思维在钢琴演奏中对艺术形象的塑造有着不可小觑的作用。

参考文献

[1]张佳林.钢琴演奏与伴奏技巧[M].北京:中央音乐学院出版社, 2004年6月.

[2]《试论歌曲演唱的钢琴伴奏》, 吴红燕, 广州星海音乐学院, 2005年

[3]徐慧林林隶华.钢琴即兴伴奏实用教程[M].北京:人民音乐出版社2004年.

初中音乐合唱教学中的钢琴演奏 第11篇

关键词 初中音乐；合唱教学；钢琴

中图分类号：G633.951 文献标识码：B

文章编号：1671-489X（2015）21-0022-02

1 前言

在初中音乐课堂合唱教学中，钢琴发挥着重要的作用，为了达到良好的钢琴演奏效果，要求在进行日常训练时，教师具备良好的钢琴素养，掌握钢琴演奏的技巧，达到即兴伴奏的能力。将钢琴应用于音乐课堂合唱中，可以为合唱找到更加广阔新颖的艺术表现天地，实现表现和技巧之间的结合，极大地促进合唱的教学效果。教师要不断地提升钢琴即兴伴奏素养，能够应对合唱教学中出现的各种突发状况，保证合唱高效率地完成。

2 初中音乐合唱教学对钢琴演奏的要求

掌握钢琴演奏能力 在初中音乐合唱教学中，钢琴教师要拥有良好的演奏水平，教师的演奏能力直接影响团队合唱的水平。在进行合唱之前，教师要对合唱的曲目有充分的认识，还要对一些经典曲目了如指掌。教师的演奏不能只注重技巧，要用饱满的感情来引发学生情感上的共鸣。充满感情的钢琴伴奏，能够极大地调动合唱团的潜力，因此，钢琴演奏教师要在日常训练过程中不断提升自身的钢琴素养，为学生展示丰富多彩的钢琴演奏艺术。

具备即兴伴奏水平 在初中音乐课堂合唱中，教师要具备即兴伴奏能力。教师具备即兴伴奏的能力，就可以应对学生出现的突发状况，可以顺利地进行下去，不但调节了合唱团的气氛，还能够避免出现掉链子的情况。合唱是很多个学生一起进行演唱，因此声音训练是最基础的训练，钢琴伴奏也要针对学员的嗓音训练来进行。钢琴教师要拥有良好的键盘掌控能力，依据学生的声音及时地调整钢琴的演奏曲目特点，为课堂的合唱打下良好的基础。

拥有丰富的想象力 教师在合唱中进行钢琴伴奏时，虽然有一定的即兴性，但是也要遵循合唱的客观规律，不能漫无目的地弹奏钢琴。钢琴教师要在合唱的基础之上，有一定自由发挥的空间，用丰富的想象力将歌曲的旋律充分地表达出来，让学生进入到合唱的氛围当中去。由于初中生的合唱能力并不熟练，因此教师在钢琴演奏中要充分发挥引导作用，对歌曲进行编排工作，引导他们充分地表达自己的灵感，进行创造性的合唱学习。依据歌曲所要传达的思想感情和音乐形象来进行钢琴伴奏，更加容易让学生进入到合唱的氛围当中，和听众产生心灵的共鸣。

具有灵活的应变能力 初中音乐课堂合唱中每个学生都要认识到，不管是平时的训练还是正式的演出，都有可能会出现各种意想不到的情况，教师和学生都要具备良好的随机应变能力。钢琴伴奏教师不仅要拥有良好的心理素质，还要沉着冷静地应对各种突发情况。在正式演奏的时候，学生突然出现节奏出错、跑调、嗓音出错等情况，都需要钢琴伴奏教师用良好的伴奏技巧来掩饰。钢琴伴奏教师具备精彩的演奏能力，就能够掩饰合唱中出现的小瑕疵，让听众获得愉悦的感受[1]。

3 钢琴在初中合唱教学中的应用

教师具备良好钢琴演奏艺术素养 在初中音乐课堂合唱教学中，钢琴伴奏教师会直接参与到合唱，因此要具备合唱艺术基础素养。钢琴伴奏教师要对演唱的曲目以及整个演唱团队都有深入的了解，不仅在课堂工作中认真负责，在课外演奏中也要帮助学生延伸钢琴的知识。钢琴在音乐课堂中发挥着重要的作用，钢琴演奏教师要具备良好的素养，能够清楚地知道世界合唱的演出形式、演出特点，对学生的发音方法、声部分布都有明确的认识。钢琴教师在日常的音乐课堂演奏中，要充分地发挥钢琴的优势作用，不断地积累总结经验，让钢琴更好地为学生的合唱服务[2]。

钢琴发挥和声织体衬托作用 钢琴在为合唱伴奏时，要充分发挥和声织体的衬托作用。和声是以各种材料组成的不同的音响效果，在合唱中能够帮助学生更好地感知表达音乐的意境和思想感情。钢琴演奏中使用和声可以创造良好的音乐意境，描绘音乐的情境，塑造音乐的形象。和声主要是通过不同的织体写法来实现，织体写法通过钢琴伴奏来实现。织体写法有四种：立柱式和声伴奏、节奏性和声伴奏、分解和弦和声伴奏、音型化和声伴奏。

立柱式和声伴奏手法是最常见的演奏手法，可以让学生的合唱效果丰满。立柱式和声要将合唱和伴奏同步进行，达到音乐效果统一的目的。节奏性和声伴奏手法是将节奏型伴奏和和声组合进行结合，在合唱歌曲体裁、内容、风格特定的环境中，使用这种方法来进行钢琴的演奏。这种方法有一定的局限性，会让音乐钢琴变得非常的枯燥，因此需要不停地进行转换。分解和弦和声是将钢琴伴奏纵向和声转化成为横向和声，达到分解和弦的目的。一般还会加入一些流动声部，从而让钢琴伴奏更具有旋律感。音型化和声伴奏是将声部和伴奏进行组合，既能够体现节奏特征，又能够体现和声特征，因此在钢琴演奏中得到广泛使用[3]。

钢琴发挥复调性和副旋律对比 复调性和副旋律对比是钢琴演奏为合唱伴奏的常用方法。在合唱演奏中使用这种手法，一般是将合唱的人声和钢琴的伴奏进行对比呼应补充，从而让合唱的旋律和钢琴的伴奏来达到统一的整体，在听的时候会感觉到每个声部之间层次分明。这种伴奏手法分为两种，第一种是强化钢琴伴奏线条的独立性，另一种是在和声的基础上强化钢琴伴奏的旋律性。

钢琴发挥主题并置对比作用 主题并置对比的衬托作用是钢琴在合唱演奏中经常使用的方法，这是合唱演奏的一个主旋律。使用钢琴伴奏直接陈述主题，在纵向进行同层次的内容阐述，可以让钢琴合唱教学更加主题分明。在观众听的时候不仅能够感受到钢琴的优美旋律，还会感觉到戏剧性的音响效果，达到良好的听觉感受。色彩重叠的衬托作用，就是利用声部的色彩变化，形成八度重叠，为音响增加新的色彩，从而让音响变化无穷。这种方法主要是针对合唱教学中学生的旋律多变情况。

钢琴发挥声部带状衬托作用 在钢琴进行合唱伴奏的时候，有时要将和声功能降到次要位置，让特殊的旋律占到主要的位置；有时候需要将和声功能关系破坏掉，从而加强增强旋律的意义。旋律进行一般是指使用一些音程相同和相近的音来平行进行。连锁的钢琴方式会形成统一的线条，就像一条带子一样，因此也被称为带状进行。带状进行可以是双音构成的三度六度，还可以是四度五度，也可以是三个音和更多音组成的，一般采用六和弦或者是四六和弦平行进行。带状进行本身蕴含着复杂的单色彩线条，风格特征明确，因此在各种合唱演奏中可以充分发挥每一种音乐风格的特点。在具体钢琴演奏时，教师要依据演奏曲目的特点灵活地使用钢琴的各种功能，帮助学生更好地进行合唱。

4 结语

在初中音乐课堂进行钢琴伴奏时，钢琴演奏教师要依据学生的合唱表演曲目，拓展合唱训练的方法。要充分发挥钢琴在合唱教学中的应用，灵活使用钢琴的多种功能，结合合唱演奏的效果，更好地为学生的合唱服务。教师不仅要具备良好的钢琴演奏技巧，还要充分发挥钢琴在合唱中的效用，让合唱音乐更加完美，和听众进行良好的心灵交流。

参考文献

[1]江海燕.如何培养学生钢琴即兴伴奏能力[J].人民音乐，2014（5）：52-53.

[2]王志勇.实施音乐课程标准，改革初中音乐教学[J].科教创新，2013（7）：85-86.

电影音乐中钢琴因素 第12篇

一、内心音乐听觉

内心音乐听觉是一种音乐能力, 是一种构成内心音乐意象的能力, 它对音乐活动具有先导性与创造性, 正是这个特点使我们研究内心听觉具有实际意义。因此, 无论是在音乐创作、演奏还是在欣赏过程中, 这一心理过程都显得尤为重要。英国著名钢琴教师托马太则认为:“演奏者应集中精力, 积极地去听自己的演奏, 重要的并不只是听正在演奏的短暂的声音印象’, 而是要善于倾听未来的音乐。”马太在自己的《见得到和见不到的钢琴演奏技术》一书中, 建议年轻的钢琴家经常利用“自身的耳朵”和“内心的耳朵”去听, 并把这个习惯看成是“每个演奏者每天必须遵守的规则”。内心听觉借助音乐记忆, 能内在地想象出声音的音高、旋律、节奏、音色, 想象出音乐形象。这是一种十分重要的音乐听觉能力。据记载, 众多演奏家在演奏时也总是在内心提前听到那些将要奏出的音响, 提前于外化的真实音响对音色、力度、速度等要素的分寸感作出判断, 以便调整自己的演奏动作, 求得自己满意的声音效果, 由此足见内心听觉的培养对钢琴演奏水平的提高显得至关重要。俄罗斯著名钢琴教育家阿列克塞耶夫在《钢琴教学法》一书中写道:“学习弹奏作品时, 养成想象必须的音响习惯是极为重要的。”内心听觉在钢琴演奏中体现为以往积累的音乐感知与具体演奏内容相结合形成所需意象的过程。通俗地讲就是在演奏中听觉预示的出现, 是一种无声音乐状态。内心听觉便是在这种无声音乐空间中进行的, 对成功弹奏作品提供了极大的帮助。

二、无声音乐空间

1. 无声休止符。

翻开乐谱, 我们所看到的每一首钢琴作品无论是在开头、结尾、句子还是段落的连接处等, 在乐谱的纵横上下排列中, 休止符随处可见。这是一个天罗地网的无声空间, 它包围着音符, 音符又依托着它。休止符在音乐中的作用是非常重要的, 有诸多的音乐作品采用休止符去表现各种形象和内在感情。在钢琴弹奏中准确处理休止符所占的时值, 使音符和休止符显得和谐融洽。正如俄罗斯钢琴家列维涅从平衡的另一角度来阐述在音乐中, 无声音乐空间的存在及其重要性。他说:“音乐上的平衡, 在很大程度上取决于准确地保持着完满的休止符时值。”一首失去平衡、不稳定的音乐作品, 会使欣赏者产生不安、烦躁的情绪。相反, 一首处理得当、平衡稳定的作品会让人们感到安定、舒适。列维涅对无声音乐空间中重要的一员休止符的作用, 给予了高度评价。他说:“大演奏家所以能用音乐使广大听众为之神移, 实在由于他明了音乐休止符的高度重要性, 休止符比音符有更高的效果。”在钢琴弹奏中, 许多学生不注意休止符在作品中的准确时值, 随心所欲地进行处理, 大大影响了作品的情绪及表现。这时, 教师要正确引导, 及时纠正错误, 使学生意识到休止符在钢琴弹奏中的重要性。

2. 无声沉默 (回忆音响) 。

无声音乐第二层含义是指演奏者在无乐谱、无乐器的情况下, 对音乐作品从头至尾的想象和回忆。奥地利钢琴家布伦德尔把无声音乐唤之为沉默, 这个称谓无形中给无声音乐增添了灵性。他说:“沉默唤起注意, 才有可能演奏, 沉默是一切伟大音乐的基础。只有末流音乐才不愿为沉默留出天地。”“凡是值得我们注意的音乐都需要沉默来赋予生气, 对表演者来说, 理解这些沉默和弹奏音符一样重要。”这番话是世界著名钢琴大师通过他毕生的舞台演奏经验总结出来的肺腑之言, 值得我们每一位钢琴演奏者深思。沉默是为了取得更大的成功, 沉默之时的内心其实是非常复杂的, 如同有声演奏一样多姿多彩。

三、内心听觉与无声音乐空间 (回忆音响) 的关系

许多世界著名的钢琴家都曾用发挥想象力的无声音乐空间, 加强对内心听觉能力的培养, 从而提高钢琴演奏水平。例如, 莫扎特曾说:“当他在脑中构思一部交响曲时, 有时他会越来越激动, 甚至最后达到如此的境界, 他仿佛觉得, 他能够一下子, 在一瞬间同时从头到尾地听到全部交响曲。”波兰伟大的钢琴家霍夫曼更是这方面技术的高手, 他经常在巡回演出的途中, 在火车包厢里练习某些乐曲, 然后不必经过排练, 也不用预先试琴就可以直接登台演出。这方面的优秀例子举不胜举。

针对内心听觉在无声音乐学习中的应用这一课题, 霍夫曼曾提出了学习一首钢琴曲有四种方法:第一种, 在钢琴上看谱;第二种, 在钢琴上不看谱;第三种, 离开钢琴看谱;第四种, 离开钢琴不看谱。这四种方法中, 第三、四种难度较大, 但是它们都最有利于发展“音乐记忆”和“内心音乐听觉”, 这是一种极为重要的音乐才能。“内心听觉”的培养和锻炼主要是采用第三、四种方法进行训练, 这两种方法都是在无声音乐空间中进行的, 这三种方法要求弹奏者看谱不摸琴就能在脑海中将所弹奏作品的音响展现出来。第四种方法要求弹奏者在无琴、无谱的情况下, 像那些世界著名钢琴家一样把所弹奏过的音乐作品从头到尾在想象的无声空间中背记出来。内心音乐听觉和无声音乐空间同时存在, 相辅相成。当然, 要使钢琴弹奏者掌握这一技术是相当不容易的, 它需要在诸多音乐能力基础之上对作品作出客观想象。钢琴教师应重视培养学生的这种音乐能力。在教学中要把科学的练习方法传授给学生, 耐心指导学生真正掌握这一技术, 使学生的钢琴演奏水平得到质的飞跃。正如《音乐入门》一书中所说:“教师的任务就是引导学生, 并使学生学会用自己的耳朵听到自己眼睛所看到的一切。”在这种无声音乐学习中, 加强对内心听觉能力的培养是钢琴弹奏必不可少的。

四、结语

本文从钢琴演奏的现实出发探讨了内心音乐听觉这一音乐能力和无声音乐空间这种训练方法的重要性, 并进一步论述了两者的关系。因为在任何音乐领域中都离不开内心音乐听觉这一心理过程, 所以利用无声音乐学习锻炼这种音乐能力已成为一种必然。钢琴演奏者具有良好的内心听觉能力和发挥想象力的无声音乐空间印象是非常重要的, 这样定会使钢琴演奏的水平大大提高。

摘要：在音乐中, 有声和无声之间存在着一定的关系, 这种关系就是:有声音乐在无声音乐的包围之中, 有声音乐的存在离不开无声音乐。在钢琴弹奏中无声音乐空间的存在是极其重要的。本文从分析训练“内心音乐听觉”这种音乐能力出发, 进一步探讨内心音乐听觉在无声音乐学习中的运用, 以促进钢琴演奏者提高演奏水平。

关键词：钢琴弹奏,内心音乐听觉,无声音乐空间

参考文献

[1]叶熙熙.“论音乐表演艺术中的内心听觉——以钢琴演奏为例[J].南京艺术学院学报 (音乐与表演版) , 2006, (1) .

[2]石蔚.内心音乐听觉的三种形态[J].黄钟.武汉音乐学院学报, 2003, (4) .