中国古典舞的审美特征

中国古典舞的审美特征（精选12篇）

中国古典舞的审美特征 第1篇

中国古典舞最初发迹于戏曲舞蹈, 戏曲舞蹈被认为是中国舞蹈的历史延续, 因此古典舞的形体律动与审美规范的基础来自于戏曲舞蹈。戏曲舞蹈来自生活, 是对生活的提炼, 美化。舞台上的时间、地点、环境、气氛、都由演员的虚拟性表演来体现。如戏曲中一根马鞭象征率领千军万马, 一个圆场步表示跋山涉水, 走过万水千山。这是一种塑造艺术形象的独特方法。

戏曲舞蹈的这种艺术特征被中国古典舞很好的吸纳, 戏曲舞蹈的身法、韵律、表演姿态是中国古典舞的核心。但中国古典舞并没有固守戏曲舞蹈, 而是继承、发展借鉴了外来艺术, 如芭蕾舞, 现代舞的编排, 表演的新方法, 使中国古典舞朝向交响化, 诗情化、抽象化、意象化方向发展, 拓宽了中国古典舞蹈发展的空间。

无论是20世纪50年代初的第一套规范化的中国古典舞基础教材中的八个手位和新敦煌学派的“反弹琵琶”, 还是中国古典舞身韵教材中的“云肩转腰”等, 都有一个共同的特点, 那就是“万变不离其圆”, 所以中国古典舞也被称为“划圆的艺术”。中国舞蹈运动的核心就是圆形, 圆形动律在中国古典舞中得到了最充分, 最集中的体现。在长期的实践中, 舞蹈艺术大师将这圆形的动态概况为八个字-圆、曲、拧、倾、收、放、含、仰, 这八个字集中体现了中国古典舞的审美特征。

圆、曲。无论是动作的运动路线或是静止姿态, 舞台调度等都离不开他们。如“山膀”“顺风旗”等手臂的弯曲, “云手”“翻身”的平圆、立圆, “圆场步”“摆扣步”的圆线运动等, 在形体的动态中, 上下、前后、左右之开合, 都是运用圆的运动, 使之变化无穷, 柔和自然, 圆润自如、无棱角地流动在舞台空间, 从而展现出民族的气质和韵味。

拧、倾。中国古典舞的体态讲究“两轴、三面”的子午线, 即颈和腰这两轴, 头、胸、腰这三个面不在一个运动平面上, 而相互错位, 形成不同角度配合的造型美。拧以腰为轴, 倾是以胯为折点, 向前或向旁倾倒。如“冲掌”“大掖步”“探海”等动作中体现出的是不同的拧、倾。

收、放。中国古典舞中的动作体现出收聚力与外散力的冲突、转化、过度与平衡。动作造型上身与下身的关系处在倾拧状态中, 形成了留上身走下身或留下身走上身的运动规律。这种收放的冲突转换同样体现在舞台空间流动的步伐上, 如圆场步, 摆扣步都是加上人体的拧或倾, 含或仰, 重心的留或送, 而运行在弧线、圆形和S线之中。

含、仰。在中国古典舞中, 无论是舞姿或技巧都体现了这一元素。“踹燕”“卧鱼仰胸”及仰身的辗转、旋转等技巧都包含了这一元素。

中国古典舞强调“手到、眼到、步到、身到”, 即“形神兼备”。要求表演者以手、眼、身、法、步相配合, 连贯一气, 做到“心与意合, 意与气合、气与力合, 力与形合”。做任何一个动作时一定要“形未动、神先领、形已止、神不止”。只要手一动, 眼睛一定要跟上, 眼睛跟上, 身体必须跟上, 然后舞蹈的“范儿”就出来了。“形神兼备”已成为衡量中国古典舞演员风格优劣的主要标尺。

中国古典舞强调“刚柔、动静统一”, 动作讲究起伏跌宕, 有静有动, 在行云流水般的动作之中穿插“亮相”并以刚柔相济、具有韧性著称, 使动作之间形成强烈对比和映衬, 使之具有高度的含蓄性和想象力, 并赋予舞蹈者的形体动作以言犹未尽的如诗般的魅力。

中国古典舞动作形态以“圆”为核心, 他源自中华民族朴素的唯物的自然观。“圆”预示着向内寻求“至善”和向外普施“兼爱”, 具有包容性和博大的人生修养, 预示着人与自然、身心与天地回流不息的和谐状态。

作者单位:大庆歌舞剧院

浅谈中国古典舞的舞姿特征 第2篇

摘要：中国古典舞是中国传统文化的一部分，拥有悠久的历史文化，为观众呈现出一种非常典雅的艺术形态。中国古典舞发展至今，一方面受到了艺术家们的推崇，一方面还处于进一步的完善与发展中。本文从古典舞的形成过程、古典舞的身韵艺术特征、舞蹈的技术技巧以及训练技巧几个方面系统阐述古典舞的舞姿特征。

关键词：中国古典舞;特征;舞姿

一、古典舞舞姿的形成过程及主要特征

1、课堂应试教育的产物。中国古典舞与中国古代舞蹈一脉相承，是中国古代舞蹈几千年历史文化的积淀及精华所在。上个世纪五十年代开始，中国古典舞发展的这六十多年的过程中，几代古典舞人的坚持不懈的努力，在对中国古典舞的历史挖掘，整理创新的过程中，逐步形成了具有中华民族文化审美特质的、科学的系统的教学体系。在各地都开设了古典舞的培训班，选取有资历的老师进行古典舞的教学工作。于是在系统的教学过程中，中国古典舞逐渐走上了艺术的舞台。

2、俄式影响的温床。中国古典舞的发展不仅仅是吸收借鉴中国古代舞蹈的优秀精华，而且还要不断的吸收西方文化的不同审美特征。而当时的苏联的芭蕾舞的引进打破了中国古典舞的审美格局，容纳进了芭蕾舞的更多元化的审美情绪。芭蕾舞是一门有着悠久历史的舞蹈艺术，其不同于中国古代舞蹈的风格特征是以“开、绷、直、立” 为特征的肢体语言，体现了宫廷显贵们的高傲、矜持、优雅、浪漫的绅士气质，以及高雅的审美趣味。而它的科学性、系统性的舞蹈训练体系、简洁明了的舞蹈线条、舒展优美的舞姿则是中国古典舞所要吸收的精华所在。

二、中国古典舞的舞姿特征

(1)身韵艺术特征

中国古典舞发展到当下，在几代舞蹈人的努力之下，逐渐形成了拥有自己的独特风格的美学体系。中国古典舞的神韵特征则在于其“形、神、劲、律”的美学原则。在这里结合青年舞蹈家刘岩的古典舞作品《水中月》略作分析。

“形”即身形，是古典舞的外部形态特征。刘岩在《水中月》的舞蹈中，一方面体现出古代舞蹈的圆形美，以腰为中心，通过俯、仰、拧、倾等动作形成圆曲等舞蹈形态;另一方面又借鉴芭蕾舞蹈的开、绷、直、立等形态特征，呈现在观众眼前的是一种大开大合的舞蹈场面。

“神”即神韵，是一个民族的气质的浓缩，也是每一个舞蹈者的情感所在。同时神韵也是每一个人的艺术追求的最高境界。在舞蹈过程中，刘岩本人运用优美的肢体语言来表达自己丰富的情感，呈现出整个舞蹈的神韵。因此形与神在相辅相成的过程中，呈现了中国古典舞的.内涵。

“劲”即劲头，指古典舞的节奏特点。在舞蹈的过程中，每一个动作，每一分劲如何使用，如何呈现出最美的状态都有一个标准，轻重缓急、抑扬顿挫，每一步都必须在一个点上，都会呈现出不同的美的姿态。

“律”即韵律、规律。古典舞的科学化的系统的训练方法，有其自身的规律。与古典舞相配的曲子，也有其独特的韵律。因此我们可以耳听眼观，在《水中月》的古典舞表演场面，既可以欣赏优美的音乐，又可以看到刘岩绝美的舞姿，她踏着韵律，手脚如行云流水般跳动，令人回味无穷。

(2)身韵中的艺术呼吸

呼吸在中国古典舞艺术中起着举重若轻的作用。在古典舞的身韵特征中，呼吸呈现为一种有弹性的、有韵律的、有节奏的艺术呼吸。而呼吸有长短，各自又成为不同的审美体现。长呼吸体现为一种收与延伸的过程，在舞蹈动作上则需要有一种释放与内敛的矛盾体存在。短呼吸则给人一种跳跃的急促的紧迫感。

(3)古典舞中的三大技术技巧及审美体现

1、“跳跃”及其审美表现。“跳跃”是中国古典舞中的基础动作，同时占据着非常重要的地位。刘岩在《水中月》这段舞蹈中，以跳跃来表达情绪，释放激情。在跳跃的过程中，不仅呈现了美感，而且我们可以跟随刘岩的每一个动作去感受作品中的感情，那种时而热烈时而激昂的情感。从其灵巧的具有活力的跳跃中，我们看到古典舞讲究的一种虚无缥缈的灵动的意境。

2、“翻身”及其审美表现。“翻身”动作对于训练者的身体协调性和对腰的控制灵活性都有着严格要求，由于它的动作的多样性，在训练中运用极为广泛。古典舞中的翻身动作所展现的本民族的文化及韵律，是构成中国古典舞技巧的一个重要方面。

3、“旋转”及其审美表现。中国古典舞是一种讲究线条的艺术，它的美感体现在空间中的流转，它的美不在数量的积累而是在身法的美感上。而旋转则是这种艺术美的一种呈现形式。舞姿转不是简单地将“舞姿”与“转”相加，而是将“舞姿”摆好了再起转。古典舞在旋转这个动作上，一面是将中国古代舞的旋转的技术继承下来，一面又是对芭蕾舞旋转动作的一个借鉴与吸收。刘岩在《水中月》的舞蹈中，灵巧地运用了旋转的舞蹈动作，呈现在观众眼前的是一种快速的灵动的跳跃性的美感，同时还有一种时间的流逝感，在审美的体验上更呈现为一种设身处地的情感的波动。

中国古典舞身韵的审美特征与运用 第3篇

关键词：中国古典舞 身韵 审美特征 运用

中国的古典舞蹈是我国的一种舞蹈体系，是具有一定的特点和代表性的舞蹈。而“身韵”因其具有“形神兼备，身心并用，内外统一”的特点，已经成为中国古典舞的艺术灵魂，并打破了原有中国古典舞蹈戏曲程式化的动作的局限性，彻底改变了原有的戏曲形式和面貌。

一、中国古典舞蹈概论

中国的古典舞蹈是基于传统的民间舞蹈的基础之上，由相关的舞蹈专家，整理，加工，创造，并且通过长期的实践和检验流传下来的具有一定风格的特色舞蹈。中国古典舞在我国舞蹈史有着非常重要的地位，堪称典范，为中国舞蹈艺术的结晶。中国古典舞凝聚了中国民族艺术的美学风格的精髓，包含了几千年的传统舞蹈的魅力，已经演变成为一个时代的独特的艺术语言。中国古典舞蹈的出现，进一步反映了人们对古老舞蹈文化的尊重，展示了中国传统舞蹈独有的特点和风韵，它具有丰富而深刻的文化内涵，同时具有无可比拟的独特魅力。

二、古典舞蹈中身韵的艺术特征

所谓“身韵”，正如它的名字所展示的，“身”就是代表身法，所表达的就是中国古典舞蹈的外部表现技法；“韵” 就是代表韵律、节奏，所表达的主要是中国古典舞的内在的气韵。“身韵”则代表了身法和韵律的总称。身法主要指的就是外部的技术范畴，“韵律”表达的则是艺术的内涵，只有把两者进行有机的融合才可以让中国古典舞蹈的风貌和精髓真正的展示出来。也就是说，身韵就是“形神兼备，身心并用，内外统一”，是中国古典舞蹈的灵魂，是中国古典舞蹈所独有的符号。身韵当中的动作大多数以圆形为主，这应该和我国传统的世界观和审美特点有关。其中道家的太极图，古典建筑当中的圆形结构，都进一步的表现出了我们民族对于圆形这一审美特点的钟爱。在身韵中则表现为平圆，立圆，“8”字圆。在这些运动规律的基础之上，增加或减少原有的动作轨迹，则可以打破原来的节奏，进而让之前的凝固化的动作特點得到改变。身韵要求舞者的动作一定要遵照“圆”，也就是“动与静与点与线互含互牵”，的审美原则，这一形神统一的民族性的艺术特点在中国古典舞当中得到了集中的体现。汇聚了中国舞蹈文化精髓和民族审美观的身韵，以其丰富多变的舞蹈动作，强烈的民族风格和特有的表现力，逐渐成为了中国古典舞蹈的艺术特色和代名词。

三、中国古典舞身韵在剧目表演中的重要性

（一）既增加了古典舞蹈的鉴赏性，同时又突出了古典舞蹈剧目的风格性

古典舞其实是当初为了进一步解决舞者的训练而从戏曲当中提炼出来的，因此曾一度被称之为戏曲舞蹈。而身韵的出现则使得古典舞蹈彻底走出了误区，同时欣赏性也得到了进一步的提高。身韵在舞蹈的训练中，则很好地改善了舞蹈演员在气息和身体的韵律方面的问题，提高了训练效果。

身韵已经成为古典舞剧目的特点和风格。虽然古典舞从风格上面来说还是属于戏曲舞蹈，然而，身韵的出现则让古典舞有了自己独特的审美特征和标准。

（二） 给古典舞蹈的传承与发展提供了一个很好的平台和土壤

古典舞蹈通过身韵得到了充足的养分。持续深入的对身韵的研究，使得中国古典舞蹈形成有效的系统的风格体系。身韵给中国古典舞蹈的发展提供了一个更加广阔的平台。

在如今的训练中，有效的进行身韵的训练，可以让身韵在古典舞蹈中的表现更加自然，为将来古典舞的进一步发展，指明了一个更加清楚的发展方向。

四、中国古典舞身韵在教学中的重要性

（一）身韵的训练可以增加古典舞组合的美感，进一步提高了训练的兴趣

身韵训练的科核心要素就是形、神、劲、律。强调魅力，强调内心的感受。中国古典舞蹈的特点主要表现为：舒而不缓、紧而不乱，动中有静、静中有动。身韵的训练既提高了演员在进行动作时候的力度和气息的把握能力，同时还锻炼了演员用神来表达内心的感受，使得无聊枯燥的单一的组合，具有了韵律，进一步增加了组合的美感。

（二）身韵的训练可以进一步提高演员的表演能力

身韵的训练可以进一步帮助演员提高其表演的内涵和艺术造诣。当具有了身体的韵律之后，就可以提高动作和表演的能力。例如，在舞蹈中一个简单的“风火轮”动作，加上韵律后就成为了生命的延续，进一步显示出了身韵的艺术价值。

五、身韵在中国古典舞中的运用

身韵最终就是要让中国古典舞蹈的所有舞姿和技术达到融合统一的目的，这主要体现在对节奏和舞蹈动作的连接处理和表演者内在修养等方面。如果基训是一种古典舞蹈的训练方法，身韵就是规范舞蹈动作的标准。试想一下，在古典舞蹈中没有节奏韵律的动作和舞姿，肯定会让人感觉到非常乏味。因此，如果我们掌握了古典舞蹈的节奏韵律，则就找到了中国古典舞蹈创作的灵感和源泉。所以说，身韵的训练不只是体现在中国古典舞蹈的风格，节奏和技巧等方面，而这也可以进一步表现在发展和创作舞蹈的动作和舞蹈语言方面。古典舞蹈中身韵的运用和很多其他不同门类的舞蹈艺术都有相同之处，那就是身韵也是有其独特的时代特性，因此，怎样才能控制和把握身韵的时代特性，已经成为身韵训练是否成功的标准。所以，身韵在实际的运用当中应该进一步展现出当下人们的精神面貌，这样才能让身韵和当下人们的精神面貌达到和谐与统一。

六、结语

综上所述，身韵已经成为中国古典舞独有的风格，进一步展现了中国古典舞蹈的审美本质而且以其丰富多样的舞蹈姿态，强烈的民族风格，已成为中国古典舞蹈的重要标志。在当今全球化的趋势下，中国的古典舞蹈将以其特有的方式展现其无穷的魅力。

参考文献：

[1]唐满城.中国古典舞身韵教学法[M].上海：上海音乐出版社，2011.

[2]王伟.中国古典舞基础训练教程[M].北京：高等教育出版社，2004.

中国古典舞的发展与审美特征 第4篇

“古典”不是一个时间概念,不能单纯地理解为“古代经典”。它是规范、典雅与和谐、传统的代表,其内涵随着时代发展而动态变化。“中国古典舞”指的是以传统、经典为艺术风格,以中华民族美学理念为审美倾向的舞蹈艺术形式。中国古典舞从书法、壁画和其它民族艺术中广泛吸取素材,将民族意识与现代意识有机融合,在艺术风格上注重古典精神,符合中国人严谨、规范的民族审美心理,是民族精神和民族传统在现代艺术中的有效体现。中国古典舞韵味独特,注重欲前先后、逢冲必靠的用力方式,讲究圆、曲、拧的动态特征,舞姿造型变化多样,形象丰富,意境深远,节奏与动律中体现出民族文化与时代特征。中国古典舞看重表演者的身体韵律和舞蹈本身的意境,它对神韵的追求体现出厚重的民族文化底蕴,深厚的文化根基赋予了中国古典舞广阔的发展空间。

二、中国古典舞的发展历程与趋势

古典舞起源于群众基础广泛的民间舞,是民间舞蹈经专业乐舞机构改编后的衍生艺术,但更为高雅、经典,周代的礼乐、唐代的燕乐等均属于其各自时代的“古典舞”。在中国历史上,各朝各代都曾创造出自己经典舞蹈,它们共同组成了中国古典舞艺术体系。

新中国成立后,古典舞经历了两个重要发展阶段:第一阶段在上世纪50年代,当时,北京舞蹈学校建立,展开了对古典舞教材的研究与教学,标志着古典舞在现代中国社会的发展起步。第二阶段在上世纪80年代。其中,《丝路花雨》以敦煌壁画中的古典舞为蓝本,生动再现了汉唐舞蹈的经典风貌。其后,《仿唐乐舞》拉开了仿古典乐舞的发展序幕,众多失传已久的古典乐舞在十数年内被发掘再现,并结合当代人的审美要求展开了舞蹈形态创新,改变了古典舞动态表演资料为零的历史。

古典舞不是古代舞蹈的翻版,它需要在继承传统舞蹈美学的同时兼顾现代人的审美习惯,因而应当同时具有独立性、民族性和时代性。古典舞的继承与发展是一个值得深思的问题。当下,中国古典舞正面临着同等的机遇与挑战,既要坚持民族性,也要紧跟时代,为当代人所接受,并最终屹立在世界民族舞蹈之林。对此,要深入了解中国古典舞的社会功能与文化使命,以动态的思维分析对古典舞进行审视与转化,赋予其时代生命力。

三、中国古典舞的审美特征

(一)和谐之美

传统艺术历来追求意境与教化的统一,古人对舞蹈的审美不仅仅关注人在其中的肢体律,更注重“达意”与思想教化功能。《礼记》、《白虎通》等古代文献中经常出现关于舞蹈社会教化功能的记载。同时,中国古典舞看重对舞蹈意境的拓展,不论宫廷乐舞还是民间戏曲舞蹈,都经常涉及到形式多样的舞具,剑器、羽毛、缎带等舞具在舞蹈中均非常常见,这从侧面反映出了中国古典舞对意境美的重视。意境与教化是中国古典舞的两大支柱,两者的相互作用决定了舞蹈对舞者姿态与气质的审美标准,它要求舞蹈者体悟舞蹈意境,同步发展自身的精、气、神,尽量使这三者相互通融、和谐统一。

(二)“圆”之美

“圆”是中国古典舞的重要指导思想和美学追求,它要求舞蹈者在律动中表现出动静承接、刚柔相济的审美艺术风格。这种风格大大增加了观赏者对古典舞的回味空间,让舞蹈姿态千变万化。对“圆”的美学追求同样体现在中国古典“欲左先右、逢冲必靠”的运动规律中,它从动态视角上阐述了古典舞“圆”的艺术特点。“圆”代表柔润,有灵活、完满之意,能给人饱满丰富的美感,留下协调一致的整体印象。此外,以动态的视角来看,中国古典舞的动作之间也通过“圆”与“圆”连接,这种连接是非静止的,但具有非对称的运动状态。同时,舞蹈者的气息走向也具有“圆”周流转的特点,这使得动作从内到外顺畅自然、规迹清晰、四平八稳。

(三)“身韵”之美

中国古典浪漫主义诗歌的特征 第5篇

屈原的浪漫主义

《三国演义》吸引读者，是因为里面有运筹帷幄的谋士与英勇无比的武将；《水浒传》吸引读者，是因为里面有忠肝义胆的好汉与令人恨之入骨的奸臣。那么，《西游记》为什么吸引人呢？小时候只知道里面有一个孙悟空和一群妖精，现在重读渐渐领悟，这或许是源于它的超现实主义。

由此，不由想起屈原和《楚辞》了。屈原经过两次流放，可能已经逐渐看清了社会与自己理想之间的差距，在自己的理想无法实现之际，写出的诗文也就充满了浪漫主义色彩。理想与现实的矛盾，逼破屈原只能“驾青虬兮骖白螭，吾与重华游兮瑶之圃。登昆仑兮食玉英，与天地兮比寿，与日月兮齐光……”一生不得志的经历，迫使屈原只得在《离骚》中以245行的篇幅驰骋浪漫想象“往观四方”，天上人间，古往今来，跋涉奔波于漫长曲折的心路历程，从而去寻求理想、赏识与寄托。多少年过去，在屈原的影响下，《楚辞》也就成了我国古典文学浪漫主义的源头。

浪漫主义的诗歌，不仅诗人自己可以尽情畅想，读者在欣赏诵读之时同样也可以融入那种意境，从而去感受诗人的理想。另外，由于浪漫主义的诗文大多都寄予了诗人们各种各样的愿望，在客观上，也为推动社会的发展，起到了极大的促进作用。知道凡尔纳吧，凡尔纳的科幻小说会被人那般喜爱，绝对与这个道理不无关系。

李白的浪漫主义:

我国文学史的现实主义和浪漫主义两个伟大的传统在唐诗中都发展到新的高度。李白的诗歌在浪漫主义诗歌发展中有着崇高的地位。

远古时代人民口头创作的神话传说，是我国文学史上浪漫主义的萌芽。到了战国时代，屈原吸取前代文学和文化的成就，在现实斗争中创造了一系列光辉的诗篇，以宏富博大的内容，奇情壮采的形式，“轩翥诗人之后，奋飞辞家之前”，为浪漫主义传统创造了第一个高峰。和他同时的庄子在哲理散文中创造了许多幻想奇丽的寓言，也对浪漫主义传统有重要贡献。从两汉到唐初，浪漫主义传统在民间和进步文人创作中不断发展着，汉魏六朝乐府民歌中的《陌上桑》、《木兰词》等等作品，曹植、阮籍、左思、陶渊明、鲍照的某些诗篇，以及六朝志怪小说中的优秀传说，都对浪漫主义传统有所丰富。到盛唐时代更出现了以李白为代表的浪漫主义诗歌高潮。

李白的诗歌，继承了前代浪漫主义创作的成就，以他叛逆的思想，豪放的风格，反映了盛唐时代乐观向上的创造精神以及不满封建秩序的潜在力量，扩大了浪漫主义的表现领域，丰富了浪漫主义的手法，并在一定程度上体现了浪漫主义和现实主义的结合。这些成就，使他的诗成为屈原以后浪漫主义诗歌的新的高峰。

李白对唐代诗歌的革新也有杰出的贡献。他继承了陈子昂诗歌革新的主张，在理论和实践上使诗歌革新取得了最后的成功。他在《古风》第一首中，回顾了整个诗歌发展的历史，指出“自从建安来，绮丽不足珍”。并以自豪的精神肯定了唐诗力挽颓风，恢复风雅传统的正确道路。在《古风》第三十五首中，又批评了当时残余的讲求模拟雕琢、忽视思想内容的形式主义诗风：“一曲斐然子，雕虫丧天真。”在创作实践上，他也和陈子昂有相似之处，多写古体，少写律诗，但他在学习乐府民歌以及大力开拓七言诗上，成就却远远超过陈子昂。他这些努力对诗歌革新任务的完成起了巨大作用。李阳冰在他死后为他编的诗集《草堂集》序中说：“卢黄门云：„陈拾遗横制颓波，天下质文，翕然一变。‟至今朝诗体，尚有梁陈宫掖之风，至公大变，扫地以尽。”这是对他革新诗歌功绩的正确评价。

试论中国古典园林的审美方式 第6篇

中国古典园林体系的艺术特色是体现在多个方面的，除了我们通常所关注的视觉形态，对于中国古典园林的审美方式也是其重要的艺术特征。而这其中最重要的审美方式之一，便是“读”。这种品读式的审美，不仅贯穿于园林的宏观和具体等多个层面，更是中国多种传统文化艺术形态的重要审美方式。

关键词：审美方式；读园

中国古典园林是中国传统文化艺术中的一个重要形态，在几千年的发展过程中形成了自己独特并自成体系的艺术特征。而对于中国古典园林的审美方式，更是这种独特艺术特征的重要组成部分。中国各种文化形态都是在与其它文化形态以及思想意识相互渗透、相互影响的环境和方式中进行发展的。而对于园林的审美方式，同样与其它艺术形态的审美方式有着紧密的内在联系。

在中国古典园林的审美方式中，有一种是极为显而易见的，我们可以将其概括为一个字：“读”。中国古典园林在总体布局上，有着明显的划分主题景区的特征。并且极少营造一种一目了然的、全景式的场景。从客观条件上来说，江南私家园林要在十分有限的空间内展现尽可能丰富的景致，对空间的细分是其重要手段。而这只是从物理空间层面获得的解释。或者说是只解释了“景区”划分的缘由，而我们所总结的程式是“主题景区“的划分，而非仅仅是“景区”，这就必须从更深层的文化背景里去寻找其形成机制了。

将园林划分为若干主题景区，实际上是改变了游园者的审美方式。由“观”变为了“读”。而“读”这个审美方式是最能代表中国传统文化艺术之于受众的传达方式的。“读”本是人对文学作品的接受方式，其特点是具有时序性，读者要将若干单个的文字按照作者给定的时序线索予以接收，这样才能完成整个信息传达过程。文字进入读者的视线并不能直接传递有效信息，而是要经过读者内心的再次转译，才能实现其表意功能。推而广之，在中国传统文化当中，我们把与之相类似的，也就是说需要以一定的时序性来接受对象所传达的信息，或者对接受到的信息需要进行二次破译的审美方式都可称之为“读”。而其中最重要最显著的特征是它的时序性，也就是时间因素在整个审美过程中要起到很大的作用。

易存国在《中国审美文化》中对时间因素在中国传统审美方式中的重要作用做出过相应的论述：

每一种时间，无疑都拥有一个自足的空间，想象中循环时间的坐标是虚拟的，而客观意义上的空间坐标是具体实在的。这时，中国传统宇宙观的时空合一便适时地显示其有效性。

“读”这种审美方式存在于中国艺术的方方面面。比如书法，中国的书法艺术本就是建立在文字这个载体之上的，而文字本身就是“读”这种审美方式的来源。因此，对于书法艺术的审美方式首先是用最直接地继承了对于文学作品的审美方式，此外，书法的本质实则是一门关于书写的视觉艺术，它是在书写的过程中通过线条的轻重缓急、抑扬顿挫等来传达书写者的审美理想、情感情绪等。因此，欣赏者要去接受和领悟作者倾注其中的审美理想、情感情绪，往往要按照作者的书写时序性，沿着作品的线条在大脑中再现一遍书写的过程。这便是一种“读”的审美方式。在绘画艺术中，也并不是散点透视决定了绘画的表现形式和审美形式，而是其审美形式决定了其表现形式以及由此生发出来的散点透视法。这在手卷形式的绘画作品中体现地最为淋漓尽致。欣赏中国的手卷绘画都是要一边展开一边看，同时把已经看过的部分卷回去，而不是像西方绘画那样一个场景一览无遗。比如《韩熙载夜宴图》几个部分“读”下来便可串联成一个完整的故事。《千里江山图》、《富春山居图》等山水画，“读”的过程给人一种“在画中游”的感觉。中国的山水画也正是强调营造一种“可游可居”的境界，而其中的“游”正是这种时序性审美的体现。由此可见，带有时序性的审美方式，也就是我们所说的“读”，是中国传统审美形式最重要的特征之一。因此，这种审美方式也自然而然地会在园林中得到体现，那就是划分不同的主题景区，以一定的线索予以串联，使游园者在游览的过程中会因不同主题的有时序性的铺排而产生随时空变化的不同的视觉和心理感受，而完成中国古典园林特有的审美历程。

对于中国古典园林，主题景区的划分使我们形成了“读园”的审美方式。这个“读”是在宏观层面上，按照既定的时序线索展开的“读”。而在具体层面上的“读”又体现在什么地方呢？此处举一个例子，我们行走在苏州园林的长廊中，经常会发现墙壁中镶嵌着很多大小不同的石刻碑铭。这些碑刻多为名篇名句或者记述园林建造、变迁，以及描写园林精致的文字，本身具有很强的可读性。加之以书法的形式进行呈现，进一步加深的“读”的层次。在自身具有可读性的同时，也为文字中所描述的景物增加了历史感以及文学感。使得景物具有了更加丰富的解读价值。遍布于园林中的匾额楹联，同样是为园林增加文学意境的重要媒介。所以，欣赏中国古典园林，除了在宏观层面上是用一种“读园”的方式展开，在具体层面上更是以一种解读的方式使园林精致的深层内涵得以呈现。

综上，中国古典园林的艺术特色除了在于它在形式上呈现出来的独特风貌，还在于它与其它中国文化形态共通的这样一种品读式的审美方式。掌握了这一点后，我们在对待中国古典园林时，除了可以在传达方式的角度上进行研究，更可以在其相对一面——接受方式上进行全新视角的研究。

【参考文献】

[1]易存国.中国审美文化[M].上海：上海人民出版社，2001：19

[2]刘天华.画境文心：中国古典园林之美[M].北京：生活·读书·新知三联书店，1994： 202-203

中国古典舞的审美特征 第7篇

一、中国古典舞“身韵”的审美特征

在舞蹈教学中, “身法”与“韵律”总称为“身韵”。外部的技法被称之为“身法”, 而“韵律”是“内气”的外化, 古典舞身韵是神与形高度交融的标志, 既有精神气质, 又有风格韵味, 形神兼备, 身心并用, 内外统一, 风采神韵是生命活动的显现。“身韵”是古典舞的艺术灵魂, 身韵的基本动作要素“形、神、劲、律”, 概括了身韵的全部内涵。形是形象艺术最基本的特征, 古典舞在“形”上, 一定要表现一种曲线美和气质美。在中国古典舞的动作中, 以腰部的动律元素为基础, 讲究“拧、倾、圆、曲”, “仰、俯、翻、卷”, 注重一种曲线美, 强调内在气质的“刚健挺拔、含蓄柔韧”。“神”泛指神采、韵律、气质, “神”是艺术的灵魂, 诗词歌赋都离不开“神韵”二字。在古典舞中, “神韵”也非常重要。在形与神的关系中, 神被放在了首位, 俗话说:“以神领形, 以形传神”, 只有握住了“神”, “形”才有生命力。“劲”, “刚中有柔”、“急中有缓”, 在古典舞中, “劲”贯穿于动作的过程中, 起着强化和烘托造型的作用。“律”包含自身的律动性, 也是舞蹈中所应遵循的一种规律。在我国的古典舞中, 舞蹈动作总是给人一种意想不到的艺术效果。或向前, 或向后, 或向左, 或向右, “欲左先右, 欲前先后”舞蹈动作千变万化, “逢开必合, 逢冲必靠”, 营造一种瞬息万变的动感规律。这些特殊的规律体现了中国古典舞特殊的审美性, “圆、游、变、幻”等规律, 是中国古典舞“身韵”的出发点, 也是中国古典舞“身韵”的一种归宿。

二、古典舞身韵的课堂教学

1、在舞蹈教学中摆正“身韵”的位置

在中国舞蹈史上, 古典舞占有非常重要的地位, “身韵”是古典舞的艺术灵魂, 在古典舞身韵的课堂教学中, 摆正“身韵”的位置极其重要。任何一名舞蹈艺术工作者, 都需要认识和了解中国古典舞“身韵”, “身韵”强调人体运动划圆的轨迹, “身韵”的成形, 既蕴含着古代哲学思想, 也蕴含着传统的审美特征。是外部身法和内在神韵的有机结合。“身韵”以腰为轴、以神领形、内气导引, 强调运动的力源, “身韵”的这种审美特征, 在舞蹈理论上能受益非浅。并且“身韵”的审美特征, 对于指导舞蹈实践都发挥着重要作用。身韵确立以动作出发, 动作节奏丰富、韵律感强, 在舞蹈教学中, 我们把握中国古典舞的特征, 提取古典舞身韵的元素, 对于形成具有民族风格的舞蹈身韵, 丰富其舞蹈动作节奏都具有重要作用。可以说, 在舞蹈教学中摆正“身韵”的位置, 对于提高学生的舞蹈审美能力, 提升学生审美意识发挥着重要作用。

2、训练“身法”、陶冶“神韵”, 提高学生的表现力

中国古典舞的身韵, 及饱含着中国形态美学的内涵, 也包含着韵律美学的表现形式, 独特的形式、独特的韵味, 深刻的表现了中华民族精神气质。作为身韵基本动作要素“形、神、劲、律”, 概括了身韵的全部内涵。古典舞身韵的课堂教学目的不是为身韵而身韵, 古典舞身韵的课堂教学, 主要是为了培养学生对于舞蹈的审美能力, 使学生通过古典舞身韵的课堂教学, 进一步认识和了解古典舞的一切舞姿和技巧, 训练“身法”、陶冶“神韵”, 进而提高自身的舞蹈水平。中国古典舞, 比较注重节奏处理、舞蹈动作、以及表演者内在修养等诸方面。在实施舞蹈教学的过程中, 教师要帮助学生认真领悟身韵的基本动作要素“形、神、劲、律”, 并将这些基本动作要素, 贯穿于古典舞身韵的课堂教学全过程中。振其形, 摄其神, 模其劲, 顺其律, 在古典舞训练中, 全面细致的把握要领, 要让学生懂得“无韵则神死, 少律风格无”的道理, 将身韵意识在学生头脑中扎下根, 使学生掌握“身韵”, 在舞蹈训练中提高表现能力, 实现身韵教学的目的。

3、训练学生的基本舞蹈素质, 体现身韵的表现性

中国古典舞身韵的课堂教学, 首先, 要训练学生的基本舞蹈素质。如爆发力、韧性、耐力、肌肉能力等方面都需要加强, 着重解决学生基本素质问题, 以达到训练的效果, 实现古典舞身韵基本训练的目的。在古典舞身韵的训练中, 要注重学生艺术表现力的熏陶, 在动作中赋予情感, 调动舞蹈肢体的表现力, 展现传统舞蹈的“拧、倾、圆、曲”等, 注意气质上的感染力, 做到真正的用心去“舞蹈”。

中国古典舞身韵的课堂教学, 每个过程, 每个细节, 技术与技巧的操作, 静与动的变化, 都要由神、形、劲、律来统帅, 进而体现身韵的表现性。达到“壳”与“核”的完美统一。中国古典舞身韵的课堂教学, 是身韵训练成败, 在于是否把握身韵的时代性, 在表现中国古典舞审美特征的同时, 将身韵与时代精神相统一, 通过身韵训练, 体现当代人的精神风貌。

三、结语

“身韵”是古典舞的艺术灵魂, 古典舞身韵的课堂教学, 要将理论与实践相结合, 训练“身法”、陶冶“神韵”, 训练学生的基本舞蹈素质, 提高学生的表现力, 强化古典舞的基本功训练, 使学生能够更加精准的把握古典舞身韵审美特征, 提升自身舞蹈美的表现力。

参考文献

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中西古典园林艺术审美特征简述 第8篇

园林是指在一定的地域运用工程技术和艺术手段,通过改造地形或进一步筑山,叠石,理水,种植花草树木,营造建筑和布置园路等途径创作而成的美的自然环境和游憩境域。而所谓园林艺术,是指在园林中运用典型形象反映社会现实,表达作者的审美情趣和思想感情的一种艺术门类。不同的园林艺术特征需要通过不同的园林形态来予以表现。在世界园林艺术的发展史上,中国古典园林艺术和西方古典园林艺术以其分别具有的鲜明艺术特征而著称于世。

中西方园林艺术由于中西文化的结构、形态,或是文化形成的哲学基础、思想观念的不同而形成了两大不同的类型。人们习惯于将以中国为代表的自然式园林称为东方古典园林,将以法国为代表的规则式园林称为西方古典园林。中国园林建筑与西方园林建筑相比,由于各自所处的自然环境、社会形态、文化氛围、审美追求等方面的差异,造园中使用不同的建筑材料和布局形式,表达各自不同的观念情调和审美意识,产生了东西方园林艺术的差异。

1 中国古典园林的审美特征

中国古典园林,是把自然的和人造的山水以及植物、建筑融为一体的游赏环境。中国园林是中国建筑中综合性最强、艺术性最高的一种类型,是中国古代建筑中的珍品。

中国古典园林具有非常突出的审美特征,是一种蕴含着非常丰富和谐而又具有自然韵致的景观体系。中国古典园林还被赋予了深致的精神内涵,中国文化中的人格精神、哲学思想、宇宙观念等等都可以通过园林这个艺术方式而予以表现。

追求诗画意境是中国古典园林艺术理念中最基本的组成部分。自从文人参与园林设计以来,追求诗的涵义和画的构图就成为中国园林的主要特征。谢灵运、王维、白居易等著名诗人都曾自己经营园林。历代诗词歌赋中咏唱园林景物的佳句多不胜数。画家造园者更多,特别是明清时期,名园几乎全由画家布局;清朝许多皇家园林都由画师设计。园林的品题多采自著名的诗作,因而增加了它们的内涵力量;依画本设计布局使得园林的空间构图既富有自然趣味,也符合形式美的法度。

注重审美经验,通过多种手段调动审美主体的能动性是造园艺术家的不懈追求。园林毕竟是人造的景物,不可能将自然美完全逼真地再现出来,其中的诗情画意,多半是人的审美经验的发挥,即所谓借景生情,情景交融。观赏者的文化素养越高,对园林美的领会越深。东晋简文帝入华林园说:“会心处不必在远,翳然林水,便自有濠濮间想,觉鸟兽禽鱼,自来亲人。”(见《世说新语》);明计成《园冶》论假山说:“有真为假,做假成真”,都是强调在园林审美活动中主客观的密切关系。为达到调动审美主体能动性的目的,造园艺术家往往特别注重利用两种手法:一是叠山理水。因为假山曲水比较容易模仿自然,形成绘画效果;二是景物命名。通过匾、联、碑、碣、摩崖石刻,直接点明主题。两者都能较有力地引起联想,构成内在形象。

创造无穷的空间效果是园林艺术设计特别注意要达到的目标。在中国古典园林的类型中,私家园林面积都不大,而皇家宫苑又是私家园林的集锦。要表现出诗情画意的美学内涵需要某种连续委婉的曲线流动。为达此目的,必须运用曲折、断续、对比、烘托、遮挡、透漏、疏密、虚实等手法,取得山重水复、柳暗花明的无穷效果。像清朝学者沈复在《浮生六记》中所说的那样,中国古典园林艺术就是要达到“套室回廊,叠石成山,栽花取势,又在大中见小,小中见大,虚中有实,实中有虚,或藏或露,或浅或深”的境界,造成无穷空间的意象。

中国古典园林是一种综合性的空间艺术,为了达到突破视觉局限,与天地融通的要求,造园的过程中还非常强调借景。借景包含借入与屏出两个相反相成的部分。《园冶》指出:“借者,园虽别内外,得景则无拘远近,……俗则屏之,嘉则收之”;有“远借、邻借、仰借、俯借、应时而借”等种种手法。中国园林运用借景手法创造了许多著名的美的画面,如江苏无锡寄畅园借景锡山宝塔;北京颐和园画中游、鱼藻轩借景玉泉山和西山;河北承德避暑山庄锤峰落照借景磬锤峰等,都是这方面最成功的例子。

2 西方古典园林的审美特征

西方园林艺术与中国园林艺术迥然不同。西方园林的造园艺术,完全排斥自然,力求体现出严谨的理性,一丝不苟地按照纯粹的几何结构和数学关系发展。“强迫自然接受匀称的法则”是西方造园艺术的基本信条,追求一种纯净的、人工雕琢的盛装美。

西方园林的艺术特色突出体现在园林的布局构造上。体积巨大的建筑物是园林的统率,总是矗立于园林中十分突出的中轴线起点之上。园林以此建筑物为基准,构成整座园林的主轴。建筑物控制着轴线,轴线控制着园林,因此建筑也就统率着花园,花园从属于建筑。在园林的主轴线上,伸出几条副轴,布置宽阔的林荫道、花坛、河渠、水池、喷泉、雕塑等。在园林中开辟笔直的道路,在道路的纵横交叉点上形成小广场,呈点状分布水池、喷泉、雕塑或小建筑物。整个布局,体现严格的几何图案。园林花木,严格剪裁成锥体、球体、圆柱体形状,草坪,花圃则勾划成菱形、矩形和圆形等。总之,一丝不苟地按几何图形剪裁,绝不允许自然生长形状。水面被限制在整整齐齐的石砌池子里,其池子也往往砌成圆形、方形、长方形或椭圆形,池中总是布置人物雕塑和喷泉,追求整体对称性和一览无余。

欧洲美学思想的奠基人亚里士多德说:“美要靠体积和安排”,他的这种美学时空观念在西方造园中得到充分的体现。西方园林中的建筑、水池、草坪和花园,无一不讲究整一性,一览而尽,以几何性的组合而达到数的和谐。追求形似与写实。被恩格斯称为欧洲文艺复兴时期的艺术巨人的达·芬奇认为,艺术的真谛和全部价值,就在于将自然真实地表现出来,事物的美应“完全建立在个部分之间神圣的比例关系上”,因此西方园林艺术在每个细节上都追求形似,以写实的风格再现一切。

在园林布局上,黑格尔曾说:“最彻底地运用建筑原则于园林艺术的是法国的园子,它们照例接近高大的宫殿,树木是栽成有规律的行列,形成林荫大道,修剪得很整齐,围墙也是用修剪整齐的篱笆造成的。这样就把大自然改造成为一座露天的广厦”。西方古典园林无论在情趣上还是构图上和古典建筑所遵循的都是同一个原则。园林设计把建筑设计的手法、原则从室内搬到室外,两者除组合要素不同外,并没有很大的差别。

综上所述,西方园林艺术提出“完整、和谐、鲜明”三要素,追求严谨的理性。欧洲人自古以来的思维习惯就倾向于探究事物的内在规律性,喜欢用明确的方式提出问题和解决问题,形成清晰的认识。这种思维习惯表现在审美上就是对称、均衡和秩序,而对称、均衡和秩序是可以用简单的数和几何关系来确定的。“决定美和典雅的是比例,必须用数学的方法把它制订成永恒的、稳定的规则”,是西方造园艺术的最高审美标准。

3 中西方古典园林审美特征差异的根源

中西方园林在起源上有着根本不同的用途,又因为中西方思维方式的不同导致了二者在发展过程中审美特征的不同发展趋向。

中国园林起源于公元11世纪的“苑囿”,所谓“苑囿”,就是“筑垣以设境界而于其中饲养禽兽”的场所,供人类进行狩猎、通神、求仙、生产等活动,后逐步转化为游憩、观赏为主。在“天人合一”思想的影响下,人们更注重于对自然的山林川泽等生态环境的保护,而“君子比德”、“人化自然”的哲理更直接地导致了人们对山水的尊重,因此要求园林以自然为审美对象,从而明确了园林的风景式发展方向,形成了中国园林“虽由人作,宛自天开”的整体布局。它还常与诗、画等相结合,楹联碑刻、雕梁画栋,给人以情景交融、遐想无穷之趣。中国园林的特点是将山、水、植物、建筑用绘画的法则进行设计布局,给人以含蓄典雅的艺术感染力,表现出人与自然和谐统一、自然相处的关系。

西方园林起源于“菜圃”或“药圃”。为了农事的便利,将一块长方形平地划成若干方格,将蔬菜、药草等整整齐齐地种植于这些格子形的畦里,并在此基础上植上灌木或绿篱,这就是西方园林的雏形。受古希腊哲学思想的影响,人们本能地将人与自然区别开来,他们喜欢一些具体的事实,并将所见所闻的事物清清楚楚地表达出来。古希腊哲学家赫拉克利特曾说:“思想是最大的优点,智慧就在于说出真理,并且按自然行事,听自然的话。”这一思想逐步发展,形成了西方注重个性,提倡人的尊严,强调人的价值的观念,从而导致了西方人在处理人与自然的关系时必须要使人临驾于自然之上,体现在园林设计方面时就表现为以规则式为主体,用规则的几何形状表现人工的自然,中轴对称,整齐划一。花木、草坪、水池、道路、雕塑、喷泉等构景要素按建筑的法则来设计安排,显示出园林整体的人工图案美,从而表现出人对自然的奴役和改造的关系,其特点是气势磅礴、色彩绚丽、图案精美、空间开朗,给人以宏伟华丽的艺术感。

正是由于中西文化的差异,特别是在思想方式上的差异,造成了中西古典园林艺术在审美特征上的不同,使中西的古典园林艺术交相辉映,称为世界园林艺术史上的宝贵财富。

摘要：由于中西文化的差别特别是在思想方式上的差异,造成了中西古典园林艺术在审美特征上的不同。本文采用对比方法,通过中国园林建筑与西方园林建筑的相比,从中找出了各自具有的鲜明艺术特征及其东西方园林艺术的差异。

关键词：中西古典园林,艺术,简述

参考文献

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[6]郦芷若.西方园林.河南科学技术出版社,2001年版

中国古典舞的审美特征 第9篇

实际上这个时期歌曲的演唱风格是和音乐术语中的“甜美、柔和” (dolce) 或充满爱情的 (amoroso) 分不开的, 甚至可以说是同义语, 但为了表现这些内容, 在演唱上就很自然地形成了它的一套独特的风格:它不可能是粗暴的、强力冲击的, 而只能是柔和甜美、细腻而舒展、幽婉而恬静。这些因素恰恰又是与放松、自然、优美、柔和为基础的演唱风格。同时, 正是因为这种优美、柔和的演唱风格占了主导地位, 所以也就防止了声嘶力竭的大喊大叫, 从而有利于保护声带和延长演唱寿命。[1]

一、审美特征

(一) 音质

卡契尼建立美声学派时就特别强调歌唱要具有明亮、丰满、圆润、带有金属色彩的音质, 美声唱法强调良好的音质, 不仅是从优美动听方面考虑, 更重要的是符合生理的自然规律。优美纯正的音质是建立在自然松弛的歌唱状态、良好的气息支持和声带闭合、以及适度的喉头位置等综合产物, 任何一个因素的不足或者片面, 都会影响优美纯正的音质。如果没有自然松弛的歌唱状态, 身体就会僵硬, 以至于带动各个部位不能够正常进行歌唱, 自然会影响歌唱的音质, 所以在歌唱前应把自己身体状态和精神状态调整好。良好的气息支持需要歌唱者经过长期的训练来完成, 因为他是优美歌唱的动力, 歌唱的每一分每一秒都离不开正确的气息支持, 没有正确的气息支持, 歌唱时必然会挤着或压着嗓子去唱。良好的声带闭合也是优美纯正音质的条件之一, 因为声带闭合不良会使声音嘶哑、漏气、音色暗淡等症状, 更无从谈起明亮而致远的声音了。喉部的肌肉过度紧张或挤压会造成声音的不通畅, 会出现刺耳和不干净的“亮”音, 这样一来嗓子就容易疲劳, 有的为了追求低喉位, 过分的用下巴去压制喉咙制造出生硬、空洞的声音, 这样都会对声带造成很大的损伤。能够产生美好音质的条件不只是这几点, 还有正确的舌位、松弛的下巴和口型等。它们之间的关系是相辅相成, 紧密相连的。每一个因素出现问题都会直接影响声音的质量, 看来丰满明亮、松弛圆润、带有金属色彩而致远的纯正音质是要下一番功夫才可以达到的。

(二) 韵味

旋律是构成歌曲最重要的因素之一, 是人们感受和理解歌曲最直接的载体, 它本身有着作曲家丰富的内心情感及感受, 具有它深刻而丰富的内涵。十六、十七世纪的古典意大利歌曲虽然篇幅不长、音域不宽、音程以级进为主, 但艺术表现较完整, 旋律大多优美流畅、幽雅恬静, 感情细腻。对声乐学习者来说, 优美的旋律能够增强学习的兴趣, 精神上的愉悦是学习得以顺利进行的基础, 并能够提高音乐修养。同时调式和调性也是直接影响歌曲的感情色彩与情绪的一个重要因素, 十六、十七世纪的音乐创作已经使用大小调的交替运用, 大调适合表达明朗、抒情的音乐内容, 小调表达暗淡、忧郁、而含蓄的音乐内容。有时为了情感表达的需要, 作曲家将会把大小调两种不同的表现手法有机的结合起来, 推动了音乐的发展, 进行色彩的对比, 生动地塑造了歌曲的音乐形象, 深刻地表达了歌曲的内容与情感, 得到较好的艺术效果。演唱时要求歌唱者应用有控制的、含蓄、内敛的声音演绎炽热的感情, 用“浓烈而又内敛”的词汇来形容十六、十七世纪的意大利歌曲所要表达的感情, 其实一点都不矛盾。人们所表达的爱情虽然是人类内心最炽热的感情之一, 但是这种浓烈的感情并不是非得歇斯底里的喊叫才能表达, 情到深处应是那种“执手相看泪眼, 竟无语凝噎”的境地, 作品《阿玛丽莉》就是那个时期最具代表性的例子。

(三) 抒情性

十六、十七世纪的古典意大利歌曲柔和甜美, 细腻舒展, 宁静连贯。为了达到抒情演唱的目的, 需要注意以下两个方面:一方面是对作品连贯性的把握。在演唱过程中, 掌握具有连贯、圆滑旋律线条的声音, 是作品本身风格和情绪的要求, 也是美声学派的歌唱基本技能和艺术标准。如果没有较好的歌唱连贯性, 就不会唱出作品所要求的旋律线条美, 也就不会有美的声音, 更无从谈起抒情性了。在此所讲的“连贯”, 不仅在音乐情绪上要连续、不间断, 还要从声乐技巧的角度上讲究声音的连续、平稳。首先, 从音乐情绪上来讲, 在演唱作品时要求歌唱者在歌唱的过程中始终全身心的投入到要表现的作品中去, 用心去体会和诠释作曲家所要表现的情绪和内容。其次, 从演唱的角度上讲究声音的连续与平稳, 避免出现声区和音色, 咬字和吐字的不统一的现象, 使之真正地体现美声学派的根本“美的歌唱”。另一方面是演唱时对音量的控制。作品的音量控制是美声唱法十分重视的一个训练技能, 它是表现歌唱旋律优美不可缺少的技术手段。在早期的意大利作品中, 大部分作品的演唱力度不宜过大, 强弱幅度也不宜过于夸张。在歌唱中如何运用音量的大小, 这要取决于表现音乐作品的需要。十六、十七世纪的意大利歌曲, 大多表现以爱情为主题的, 所以在表现作品时不可能用粗暴的、冲击力较强的声音去诠释作品, 因为当时作品的创作手法、技术条件、审美观念都不允许, 也不能容忍那样去做, 而应该是用较优美、柔和、细腻、舒展的声音去表现作品。细腻而不纤弱, 激情之处的弱音运用也能够给观众带来美感。用声音的力度对比变化来处理和演唱作品, 不仅给旋律造成一种波澜起伏的动态美, 而且还能使演唱蕴含着无限的激情, 所以说在歌曲演唱中是绝对离不开力度对比变化的, 演唱者对掌握和运用声音力度变化的技巧越熟练, 那么对歌曲的表现也就越淋漓尽致。

二、作品演唱分析

蒙特威尔第 (Monteverdi, 1567.5.生于莱莫纳1643.11.29.卒于威尼斯) , 意大利作曲家, 巴洛克音乐的奠基者之一。蒙特威尔第作为十六世纪与十七世纪跨时代的人物, 他既是十六世纪意大利非常具有代表性的作曲家, 又是十七世纪意大利音乐史上最著名的歌剧作曲家。1 5 9 0年至1 6 1 2年任曼图亚公爵的宫廷乐师、乐长, 1 6 0 7年在曼图亚上演其创作的第一部歌剧《奥菲欧》, 1 6 0 8年创作并上演了歌剧《阿利安娜》, 1613年任圣马克大教堂的乐长, 1 6 3 7年起服务于欧洲第一座歌剧院威尼斯歌剧院, 至其逝世。, 蒙特威尔第童年时在教堂唱诗班赞美圣咏, 并学习管风琴和小提琴, 他自1 5岁开始作曲以来, 一生创作了大量的音乐作品。蒙特威尔第首创以管弦乐队的形式伴奏歌剧, 并充实宣叙调及康塔塔的戏剧性内容, 为推动歌剧事业的发展起到举足轻重的作用, 被称为欧洲歌剧的奠基人之一。他在文艺复兴音乐史中的地位可与文学史中莎士比亚的地位相媲美。他的声乐风格特点是把美丽悠扬的旋律和富于表现力的朗诵结合在一起。蒙特威尔第在歌剧创作中首先提倡以音乐表现人的欲望与情感, 并强调音乐不仅仅是用说明歌词大意的, 它应该深刻体现在人物思想感情的活动变化和人物过去、现在与将来的思想感情的有机联系基础上。他是第一个把戏剧定型化的作曲家, 在他的音乐中, 所有的表现手法都是为戏剧服务的, 如:强调宣叙调的表情性;采用戏剧性歌词, 坚持通过音乐形象透析人物的心灵, 反映人物的个性特征;突出高音声部, 扩大和丰富独唱部分等。

作品《让我死亡》是一首非常古老的作品。《让我死亡》选自歌剧《阿利安娜》, 《阿利安娜》总谱已丢失, 《让我死亡》是歌剧《阿利安娜》现今唯一保留下来的一首悲歌。《阿利安娜》是哀诉咏叹调的最早典范。据史料记载, 这一段著名的哀诉曾使六千多名观众沉浸在一片哭声中。阿利安娜即古希腊神话中的阿里阿德涅, 是巴里特国的公主, 她帮助忒修斯杀死牛头怪兽诺陶洛斯, 然后两人在纳克索斯岛, 度过一段美好时光, 后来命运女神告诉忒修斯, 按照命运的安排, 阿里阿德涅应该成为酒神狄俄尼索斯的妻子, 劝他放弃对阿里阿德涅的爱, 于是忒修斯不辞而别, 令阿里阿德涅万分伤心。《让我死吧》就是阿利安娜被抛弃后所唱的悲歌。蒙特威尔第创作这部歌剧时, 正当他的妻子离世之即, 这首哀歌恰好是他心境的写照。

这首歌曲为单一部曲式, 主调性采用f小调创作而成, 色彩阴暗, 用带再现因素的音乐题曲式结构, 以及不协和和声进行来造成紧张、恐怖、绝望的音响气氛, 在第4、5小节的半音上行, 出现了调性内的调式变化, 由f和声小调的属到F自然大调的下属, 之后到f自然小调的三级最后回到f和声小调的属, 这也是在那一时期创作的一个特点。从节奏上来看, 整首曲子显得比较松散, 单个音上长拍子的反复出现以及一句音乐之后四分休止的恰当运用, 无不刻画出主人公阿利安娜那悲痛欲绝、欲哭无泪的悲痛心理。在演唱这首歌曲时, 要抓住音乐中那种微妙的紧张与松弛感, 使音乐活起来。此曲虽然是一个只有1 9小节的单乐段歌曲, 音域也不宽只有一个八度, 但却有着很强的戏剧性冲突和戏剧张力, 主要表现在人物与命运之间的矛盾。旋律简朴单纯, 哀婉动人。此曲为慢板, 演唱慢拍要富有激情, 每一个音都要情绪饱满的往前走, 不能一拍一拍的唱, 更不能拖着唱, 否则会给人一种拖沓的感觉。注意它的旋律线条, 半音阶上行的旋律加强了这首作品的流动感, 并赋予了作品强烈的悲剧色彩。

歌词大意:“让我, 啊, 让我死亡!不如让我去死亡!不用再幻想, 有人会安慰我那悲惨的命运, 和我那极度的悲伤。让我, 啊, 让我死亡, 不如让我去死亡。”在作品的第1小节曲作者便运用了强拍休止, 弱拍进入, 给人一种不安的情绪, 之后第1小节与第2小节处出现了一个切分节奏的重音, 在此正好旋律重音与歌词重音相吻合, Lasciatemi是一个单词, 在歌唱时要用意境和气息把这个词连起来, 每一个乐句的起音都是弱起, 要会控制声音的力度变化, 不仅使音乐流动起来, 还要表现出音乐的对比性, 这样高潮的部分更能显现出来。第2、3小节减五度范围内的下行进行, 给人一种紧张与无奈的感觉。第13小节点名了歌曲的主题, 也深刻表现了主人公对生活失去信心以及万般的无奈, 第4小节的半音上行进行, 是作品的高潮点, 也是全曲的重、难点, 在演唱这句时要全身心的去投入到角色中去, 要表现出主人公悲愤以及强烈的痛苦呐喊。之后在第5小节处出现了一个关键的四分休止, 第6小节近于平静, 休止符有效地瞬间刹住这一强烈的悲愤情绪, 戏剧性地回到万般无奈, 哀婉的悲剧弱者形象中来, 淋漓尽致地刻画了主人公悲痛欲绝的心情。第7至1 4小节表现了主人公的悲惨命运和极度的悲伤, 同时也表现了对死神的质问。在第7、1 1、1 4小节中均出现了从弱拍起音的乐句, 从弱拍起音通常表现询问、思考和不安的情绪, 作曲家运用这样的手法意在表现主人公对死神的质问, 从1 5至1 9小节除了在节奏和表情术语中有一点变化外, 几乎是对开始的重复, 但这不只是简单的对开始主题及高潮的重复, 而是在强调着主人公失去爱情、失去希望以及对生活绝望的心情。音乐最后出现的p p和渐慢渐弱, 预示着阿利安娜在遭受着精神折磨之后的不幸结局, 言语已尽, 泪已留干, 痛苦之至。在表情术语方面, 每句音乐都出现了由弱到强地进行, 也似乎使我们感受到阿里安娜独自一人在孤岛上对着茫茫的大海呐喊着内心极度的悲愤和命运的不公, 以至于反复咏叹出不如让她自己去死的话来。

每一个时期的声乐艺术文化的发展和进步都给人类带来无尽的财富, 十六、十七世纪的古典意大利歌曲亦是如此, 它不仅推动了声乐技巧和声乐作品的发展, 也为我们留下了丰富的知识源泉。经过岁月的洗礼, 仍然保持着它那独特的艺术魅力和崇高的艺术地位。■

参考文献

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[8]管谨义.《西方声乐艺术史》.人民音乐出版社.2005年版

中国古典舞的发展与审美 第10篇

中国古典舞讲究一定的动态特征,最典型的就是圆、曲、 拧,古典舞在运动轨迹和动律上都有不同的韵味,在造型和节奏力度上也是非常突出的,在中国古典舞表演中,它表现的是欲上先下,欲前先后,逢冲必靠,有开有合、欲左先右的方式进行。挪、转、闪、腾都是中国古典舞的不同技巧, 并且舞蹈的造型也变化不断,在表现的形象、气质、意境也是丰富多彩的,舞蹈中的气息、节奏和力度的不同表现都体现出了中国传统文化中的不同价值和新时代的背景,要想传达中国古典舞的民族文化就必须通过表演动作“形”和“神” 来体现。在中国古典舞表演中表现的动作行云流水,动静相结合得非常好,身体表演中展现出婀娜多姿,柔曼而优雅的翻转腾跃动作也能给人留下深刻的印象,音乐节奏气势磅礴,这样把中国古典舞的神韵倾刻间体现出来,把天地运转的气势也放射出来,使人们达到很好的视觉效果,更留给了舞蹈爱好者对中国古典舞的审美印象。所以说中国古典舞不但要营造出唯美的舞蹈意境,还要让舞蹈演员把身体韵律充分的展示出来。这就是古典舞中的“神”,它充分展现出了中国古典舞厚重的文化底蕴,并且还体现出了古典的戏曲文化,展示了中华武术的博大精深,这些中国的民族文化都给人们留下了不同的审美观念,使中国传统的审美意念渗透到人们的脑海。

中国古典舞是立足于中国传统文化上的一种独特的舞蹈形态。它是以戏曲舞蹈主要基础,融合中国民族民间舞, 吸收芭蕾舞等元素,经过后期人们的不断创新和实践,更能体现出中国古典舞的古典风格特色和不同的典范意义的舞蹈。它充分体现着中国传统文化精神和美学意蕴,成为彰显神韵的典型的中国传统意象艺术。

二、中国古典舞的发展趋势

中国古典舞并不是人们所说的古代舞蹈,而建立在深厚的传统舞蹈美学基础上的中国古典舞,能带给人们美的享受,使人能深入欣赏到更新、更现代的新古典舞。经过加工、 创新后的古典舞都是以民族性为主体,依靠武术、戏曲等民族美学为载体,借鉴并吸收芭蕾舞,与西方艺术相结合,使中国古典舞发展成为更加独立的,具有时代性和民族性的体系和舞种。这样才能使中国古典舞得以更好、更新的传承, 使中国的民族传统文化和审美意识一起发展并与时俱进。

(一)中国古典舞的继承发展

中国古典舞是从北京舞蹈学校成立以后才正式形成的, 经过多年人们对古典舞不断的探索、尝试对中国古典舞还是没有达成共识,由于人们对古典舞的传统理解概念不同, 因此都有不同的说法和看法,就连舞蹈学院都有多种看法……。因此,研究学者在对古典舞的传统与当代、发展与继承的关系中有不同的争论。因此,对如今的中国古典舞究竟应该是当代化呢还是继续古代化,把古典舞当代化了,那要怎么才能更好的体现出古典舞的当代化,要怎样面对当代化,如果要让中国古典舞走向世界,就必须为世界所考虑, 所以为了保存我们自己的中国古典舞,就不能把古典舞世界化,当代化。要想让中国古典舞有所发展,就必须根据社会功能、文化底蕴来创造、创新中国古典舞,人们通过对历史传统进行发掘整理并进行分析,对传统进行创造转化和重新审视的愿望,希望中国古典舞得到更好更高的发展。如果不对古典舞的发掘与创新,那么中国古典舞就失去了它的生命力,也是发展不前的,因此,中国古典舞还是必须把传统与当代相结合起来进行不断的创新,才能更快、更好的推动中国古典舞的继承与发展。

(二)与时俱进的中国古典舞

由于中国社会的不断发展,中国古典舞也在不断的发展,在发展中面临着不同的挑战和机遇,中国古典舞不但要坚持以前时代性、民族性和本身的舞蹈性,还要跟上时代, 怎样能跟着的时代的发展走,让现在的人们接受以前传承下来的固有的、熟知的舞蹈模式,让新的古典舞能走上国际大舞台,让全世界的人们欣赏到全新的中国古典舞,这就需要我们的研究者不停的变幻、探索、创新。所以说要研究当代中国古典舞的审美取向和形式特色,剧目的创新与创作、舞台的意境布置是非常重要的,这是人们欣赏中国古典舞的着眼点,这也是中国古典舞向当代性创新结果的最终展示,让人们欣赏到不同的、新颖的古典舞剧。在中国古典舞剧目的编排中,如今不受时代、人物身份的限制,给了创编者更广泛的拓展空间,使编舞者让中国古典舞文化和精髓自由的展现,这样才能使中国古典舞真正的与时俱进,使中国古典舞在世界舞台上得到更好的展现。

三、中国古典舞的审美特色

通过人体动作姿态来表现出舞蹈的美,在欣赏舞蹈的过程中体现出人们审美的情感和人们所以映出来的生活审美情趣,这都是人们表达欣赏艺术形式的。中国古典舞实际上就是中国古老戏曲舞蹈,它一直体现在中华民族传统文化中,通过中国历史的演变和中国文化的熏陶,注定了中国古典舞就是要以中华民族的特征来进行审美。

(一)达意、道德教化与意境的和谐统一

“文以载道”是中国文化艺术的宗旨,在古代有许多舞蹈的经典言论都是体现出当时的人们对舞蹈的审美意向,他们当时并不关心人们展示的肢体美,而主要关心的是舞蹈中包含的“达意”功能,还有社会的政治道德教化功能,因此他们对舞蹈的律动展示出来的感性美并不在乎。中国古典舞由很早以前的宫廷乐舞发展到戏典舞蹈,它们都有一个共同点,都是离不开不同的舞具来展现出舞蹈的不同意境氛围, 比如以前舞蹈中的剑舞、羽舞和干舞等都是运用舞具来展现的,所以说从很早以前人们就知道运用意境美来烘托出中国古典舞蹈之美。从中可以看出中国古典舞注重舞蹈者的精、 气、神的和谐统一与通融圆润,还把中国古典舞应用于理性教化功能对舞蹈意境美感的体验,使舞者、内容与意境达到和谐统一。

(二)“圆、倾”是审美艺术的表现风格

传统文化追求的“圆”能充分的显示出中国文化对“天” 和“地”的敬畏和依赖。“天圆地方”是中国前人根深蒂固的传统观念。那时的人们认为“圆”是周而复始运行的天道, 是天道不变的运行规律,人们认为那是象征圆满的符号,也象征着吉祥,从中就延伸出了万物变化终始过程的价值观。 因此,在中国古典舞的肢体表演中会不断重复的出现“圆” 的表演,这也体现出了中国的“天人合一”的思想和行为模式。人体根据音乐律动的过程中动静承接转合的表现是 “倾”,由于中国文化的动静结合,刚柔相济的文化使得中国戏典舞蹈表演中体现出“倾”,由于“倾”的表演,就更好的体现出了舞蹈中的“静中有动”和“动中有静”的刚柔相济之美。所以“圆、倾”是中国古典舞审美艺术的表现风格特色。

(三)古典舞中“身韵”的审美

中国古典舞已经形成了很长的时间,人们对固有的舞蹈形式已经根深蒂固,要想改变很难。由于舞蹈的发展,人们的不断创新,由此就出现古典舞的“身韵”,“身韵”的出现,无疑给中国古典舞添加了新的元素,让古典舞能更好的与新时代相结合起来,就能创编出千姿百态的舞蹈,但是由 “身韵”创编出来的舞蹈又不会脱离传统舞。中国古典舞通过“身韵”的舞种,提炼出新的元素,强化了舞蹈中的韵律,使得创编者有机会运用古典舞的动作形态来支配古典舞的内在动律,这样就把古典舞的灵魂抓住,也更好的体现出了古典舞的精髓,为中国古典舞打开了新的突破口,为创作者能创作出更多更好的中国气派、中国风格的舞蹈打开了一扇门,这样中国古典舞在今后的创作中就不再局限于戏典风格和历史题材了,为人们提供了更为广阔的审美境界,为古典舞走上国际大舞台打下了更好的基础。在以前的古典舞蹈创编中,通过加入古典舞身韵元素,再和舞台相结合起来, 这就补充和丰富了古典舞的语汇,并以民间舞的群众性体现出了舞蹈民族群体的气韵,这样就充分的让舞蹈者脱离了戏曲,让表演的情景转化为情绪的发泄与渲染,使舞蹈剧变更加吸引人。通过古典舞身韵元素的兼容性与时下审美情趣的结合,既体现出古代舞的“古舞新韵”,又能体现出人们对新时代的审美观念有所进步,对舞剧的趣味选择和提炼的不同,还有对他们交融的组织方法不同,这就使得中国古典无限多姿多彩的,新的审美形态出现。

四、结论与建议

(一)结论

中国古典舞的发展是传统性与当代性相结合起来,由以前的传统态度转变为当代的态度,由于态度与思想观念上的转变,中国古典舞才取得了今天辉煌的成绩,才让中国古典舞出现异彩缤纷的发展趋势,这将成为今后继续发展的态度。研究者在重建中国古典舞和完善中国古典舞的过程中, 肯定会找出新的办法,也会注入新的舞蹈元素进去,为创编出更精彩的舞蹈而努力,当然,在不断创新的过程中也会有新的问题出现,但是人们会以更饱满的激情投入到舞蹈的创编中,会更有信心的迎接新的发展和新的挑战,为中国古典舞事业的发展与审美形态做出贡献。当然,中国古典舞的不断创新还是要在尊重中国传统文化美学的前提下进行创新, 以舞蹈的固有特征发展为目的,在传统舞蹈文化和时代的审美情趣和进代的精神相结合中发展,尽力开拓出绚丽的辉煌,以鲜活的生命力、独特的审美特色,让中国古典舞立于世界舞蹈艺术之林。

(二)建议

浅论中国古典舞蹈表演中的审美特色 第11篇

古典美是中国传统文化的基本特点之一，古典舞蹈最大的特点就是延续了中国传统的典雅之美，所以，古典舞蹈具有历史感和时代感。由于，中国文化博大精深，所以，在经过五千年的历史长河中留下了许多宝贵的文化，而古典舞蹈正是对历史和文化的传承，从而更好地让人们认识历史、理解历史。

关键词：中国；古典舞蹈；表演；审美特色

中国是一个历史厚重感极强的国家。在中国，人人都有一个自己喜欢的历史英雄和倾国倾城的美女，而这种喜爱在现代往往会被寄托于影视作品和古典舞蹈中。例如：经典的《霸王别姬》、耳熟能详的《孔雀东南飞》等作品都是古典舞蹈的代表之作。并且每段舞蹈的背后都有一个凄美的历史故事，此外古典舞蹈有其自身的特点，包括善于挥舞长袖、善于小碎步、善于以圆形为舞蹈路线等特点都被完整的保留下来。因此，古典舞蹈有许多审美特点值得借鉴，值得欣赏。

一、 古典舞蹈概述

古典舞蹈最早出现于20世纪50年代，且古典舞蹈是以结合戏曲、壁画、历史资料等原型为基础，进行创新和完善形成的新舞种，因此，古典舞蹈的主要特征是雍容华贵、典雅大方、优美清丽。古典舞蹈不仅是舞蹈的重要组成部分，还是舞蹈艺术的一个代表类别。简言之，古典舞是在民族民间传统舞蹈的基础上，经过历代舞蹈工作者提炼、整理、加工、创造，并经过长时期艺术实践的检验，流传下来的被认为是具有一定典范意义和古典风格特点的舞蹈。古典舞蹈与现代舞蹈一样有很多种类，并且古典舞蹈主要展示的是韵味、韵律、节奏和气质美。古典舞蹈有一套完整严谨的程序，所以其对舞蹈动作的标准要求非常高，因此古典舞蹈演员大多从小练起，因为只有长时间积累扎实的舞蹈功底，才能完成古典舞蹈中的难度动作。最重要的是古典舞蹈讲究身、眼、手、法、步的结合，因此古典舞蹈有自己特有的舞蹈技巧，所以，慢慢的欣赏古典舞蹈可以感受到历史特有的厚重感和强大的文化气息。

二、 古典舞蹈的审美特征

（一）圆道之势

圆道观念在我国古代普遍存在，且天圆地方的错误观念也被沿用了很长时间，因此在中国古代，人们对圆有着特殊的情感寄托，而圆道的观念也恰恰被用到古典舞蹈之中，主要是为了遵循人们对古典文化的寄托和传承。所以，圆道之势在中国古典舞蹈的发展过程中起到了至关重要的作用，如果细心的话，纵观中国舞蹈的发展，无论是舞蹈的动作还是舞队的流动，无不体现着圆道的观念。古典舞蹈与中国古典戏曲有异曲同工之处，古典舞蹈的圆道之势主要体现在舞蹈的空间运动轨迹呈圆弧，舞者的体态多呈弧形或S形，以此来更好地体现舞蹈的感性美。古典舞蹈可以在敦煌莫高窟的壁画上找到原型，并且都是通过手臂、臀胯的结合勾画优美的弧线，展示婀娜多姿的舞蹈姿态[2]。

（二）气韵生动

气韵结合了儒家、道家等大家思想，并在此基础上进行升华而来的。气韵是通过舞蹈演员与生俱来的气质和伸张有度的肢体动作散发出来的内在美，所以舞蹈的气韵美需要观众用心去体会，才能心领神会。并且气韵本是两个不同词义的结合，“气”是哲学含义，“韵”是音乐含义，而古典舞蹈恰恰将气与韵有机的结合在一起，从而最大限度的体现民族文化精髓。如果说中国舞蹈在圆道之势中体现的是形态美，那美以气为导引，以韵为节奏，构建的就是舞蹈的艺术美。在中国古典书籍中记载“元气是万物之本”，因此只有赋予舞蹈气韵之美，才能真正地体现舞蹈的生命力[3]。而气韵之美需要舞蹈演员具备很强的感悟能力才能淋漓尽致地将舞蹈所要表达的内涵传达给观众。古典舞蹈的气韵之美体现的是舞蹈对生命的礼赞，从而为舞蹈提供一个流动的空间，便于舞蹈能够充分的展示节奏和动态美。

（三）立象尽意

立象尽意又指意境美，即意与象的结合。通常舞蹈美是通过舞蹈的表象抒发内在意境，且意境美是真实存在的美，不比形态和气质的虚无缥缈。简單地说，立象指的是在艺术构思活动中，艺术家的主体心意与艺术作品的客体物象相互交融的艺术表象，所以，古典舞蹈正是领悟了立象之美，才充分的展示了舞蹈尽善尽美的一面[4]。且根据儒家思想来看，艺术意象的本质特征是天与人、心与物、形与神在元气基础上的交融统一，因此古典舞蹈通过立象之美可以完美的诠释自然界中的万物之美。例如：杨丽萍的《雀之灵》就是通过孔雀的意向传达傣族舞蹈的意境之美，并通过舞蹈让更多的人认识了傣族舞蹈的精髓，不仅让观众了解了孔雀舞的优美姿态，更让大家深入了解了人文内涵和艺术气质。此外蒙古舞、新疆舞都是中国古典舞蹈的分支，且各民族的舞蹈都在展示民族特点和民族文化，因此古典舞蹈不仅展示了审美价值，还影响了人们的精神面貌和审美观念。

三、结语

综上所述，古典舞蹈是我国历史文化的瑰宝。不仅我国，世界上其他国家都有自己的古典舞，例如：印度的婆罗多、欧洲的芭蕾都是极具特色的古典舞。而中国的古典舞更多的是以历史为背景，以文化素养为基础展示意境美。所以，中国古典舞蹈经过历代的传承，并加入了现代元素使得古典舞蹈更加与现实生活融合。随着社会的快速发展以及人们的审美观念不断变化，逐渐诞生了一系列新的舞蹈类别，但是终究都离不开古典舞蹈的影子，也就是说现代舞蹈大多是在古典舞蹈的基础上进行创新得来的。所以，古典舞蹈的传承可以让现代人更好地了解历史和历史留下的美学观念。

【参考文献】

[1]段晓娟.浅谈中国古典舞蹈表演中气韵的体现[J].大舞台，2010（11）

[2]梅丽娟.论中国古典舞手、眼、身、法、步在舞蹈课教学中的地位[J].南昌教育学院学报，2012（01）

[3]戚颖.中国古典舞蹈“身韵”思想的提出与核心内涵研究[J].陕西教育（高教版），2013（06）

[4]史博.语言与题材 形象与意境——对中国古典舞创作的几点思考[J].北京舞蹈学院学报，2010（01）

中国古典舞的审美特征 第12篇

一、“意境”的特点与舞蹈体现

意境是艺术作品中不可或缺的一部分, 不同的意境渲染会创造出感情多样、风格特色迥异的艺术作品。如果要更好地把握、拿捏作品中的意境, 就要了解和掌握“意境”本身。

1.“意”与“境”的特点及相互关系

我们在欣赏文学、舞蹈、音乐、电影等不同艺术形式的作品时, 常会通过“意境”来评判作品给人留下的印象与感悟。意境为何会成为中国传统艺术的本体审美宗旨呢?笔者认为:意境是所有抒情性作品的主体精神所在。刘禹锡有句话:“境生于象外”, 这是对于“意境”范畴最简明的诠释了。“意”是体现精神内涵的, 不能为视觉所感知, 但能理解和想象, 在艺术作品中是一种情思、情志、情意, 深远而隐含;它与主体的理性修养、经历、情感乃至个性紧密相连, 带有一种深微神妙的、模糊的性质。“境”则是为作品中鲜明生动的主题形象表达情感时, 所提供给人们去感知的一个空间。“意境”就是“象外之象、景外之景”, 超越具体有限的物象、事件、场景, 进入无限的时间和空间。它存在于作品情景交融、虚实相生的形象思维以及所开拓和引导的审美想象空间中。

2. 意境在舞蹈中的作用

注重意境的创造、引发美好情思的审美境界, 是中国艺术作品的共同特点。以中国古典女子独舞《扇舞丹青》为例, 舞蹈编导运用了“扇”这一道具, 配合着《高山流水》的音乐, 既让欣赏者有一种耳熟能详的亲切感, 也为舞者刚柔相济的精湛表演增添了几分与众不同的色彩。作品中的舞蹈语汇也在古典舞的基础上加以革新, 于一个个技巧中完成动作路线的走向和它们之间的衔接。一把扇的巧妙运用弥补了人所不能至的舞台空间。集扇、舞、人、乐诸因素于一体, 呈现出了“人在画中舞”的美好意境。

舞蹈是人们情感的集中体现, 不同的情感将产生不同的舞蹈意象。所以舞蹈的真正价值就在于意象的体现, 使其充满“诗情画意”。但此处的“诗情”并不同于诗词中的意境情怀, 诗中不可视的情, 以“虚”见多, 意象内容十分宽泛, 有着很大的想象空间。此处的“诗情”实质指舞蹈中的意象境界, 所以并不能用诗歌、绘画的尺度标准来评价舞蹈。因此, 舞蹈的审美标准“意境”说的提出, 也为其不断向前发展起到了推动作用。

二、舞蹈创编中意境的产生

舞蹈作品中的意境由于创作者思维方式及舞蹈思维的多样化, 而各有运用。

1. 舞蹈与文学的相互关系

舞蹈是用比文字语言更加浓缩和动人的身体语言来反映文学作品和生活。如:中国古典女子独舞《爱莲说》就取材于周敦颐《爱莲说》的文章, 通过表演者在舞蹈中采用拟人化的手法, 将莲花“出淤泥而不染, 濯清涟而不妖, 中通外直, 不蔓不枝, 香远益清, 亭亭净植, 可远观而不可亵玩焉”的特殊品质, 较好地诠释于舞蹈编创中, 向观众展示出一幅“象外之象”的画面, 使人从中体味出不尽的“韵外之致”来。因此, 只有在借用文字语言的同时, 丰富舞蹈艺术的表演, 才能够轻松自如地营造出复杂细腻的肢体语言环境。

2. 舞蹈编创中的意境手段

艺术家所必备的基本素养之一就是具有丰富的想象力与创造力。舞蹈的编创与创作者的知识、阅历、舞蹈语汇的积累和灵感息息相关, 通过审美意象的拓展、意境手段的运用, 才能创造出艺术精品。正如哲学家康德所说:“审美意象是一种想象力所形成的形象显现。”

在我国近现当代舞蹈作品中, 有许多优秀的古典舞剧目。如以具有浓郁民族风格和表现力的“袖舞”为载体的女子群舞《踏歌》, 编导通过对古典舞动作元素的发展方式准确拿捏、变通, 巧妙地把中国古典舞水袖中已有的技法与队形变化、集体动作协调统一诸因素相融合, 创设了犹如诗画般的舞蹈境界。《踏歌》中蕴涵了十分丰富的表现力和准确的艺术形象, 使它成为了一部意蕴丰满、个性鲜明和艺术形象生动的佳作, 其所呈现的美学价值远超于其作品本身的艺术成就。

一部好的舞蹈作品从编舞到布景设计和灯光、服装、道具等, 都是在统一协调的思路和各具独特创造力的设计理念中进行的, 这样才能全方位地营造出一种和谐的审美特征。舞蹈编创中舞台布景、舞蹈服装的色彩造型等因素能显示出不同舞台人物形象的性格特征及外观鲜明性;运用道具是中国舞蹈独有的特点, 既能体现舞蹈风格特色、环境特点, 还能创造出与众不同的情感氛围, 也为表演者施展舞蹈技术技巧提供有力的物质支撑条件;舞蹈作品中灯光的变换则关系到该作品的时代特征、风格, 决定着它的品位。

三、意境对观众欣赏活动的引领作用

舞蹈的意境对于观众的欣赏活动也有着积极的引领作用。如:舞蹈《飞天》, 七位女孩在一个固定的空间里却舞动出了古典舞中的特有风格, 并将敦煌舞的特点融入其中。有的观众也许只会觉得姿态各异, 能联想到敦煌莫高窟中的壁画形象, 仅此而已。殊不知, 其正是编导独具匠心所在, 这创造了不拘泥于普通构思的情与景之交融, 传达了超出舞台局限所表达的“象外之境”, 观众只有在了解和把握我国文化渊源和历史发展背景的基础之上, 才能更好地领悟和感受到作品中这种原生态的美, 才能快捷地捕捉到意境之美。同时它也打开了观众超越舞之具象, 由景生情、由情入理, 耐人寻味的想象空间, 使观众对作品进行第二次创造, 很好地在原创造者和欣赏者之间架起了一座沟通的桥梁, 建构了含而不露的意境之美。

再如欣赏中国古典女子群舞《梅花傲雪》, 舞台布景在高潮段伴有雪花的飘落, 为的是着重突出梅花坚强的生命力和大无畏的精神。观众在感受舞蹈意境美的同时也会进一步体味到“梅花香自苦寒来”的现实意义, 从而将该舞蹈的核心精神融入生活中实现自我追求的精神内涵里, 其给观众情感上和心灵上所带来的影响也是尤为深远的。

舞蹈艺术的美是和其意境紧密相连的。悠久的历史和深厚的文化底蕴, 使得中国古典舞作品中意境的表现形式具有多样化特征, 形成了它独特的舞蹈美感。我们从“情”“韵”“意”“境”角度方面来编导、演绎、欣赏中国古典舞, 就能很好地把握住其思想感情, 增强自身舞蹈审美能力与情趣, 达到“以高尚的精神塑造人, 以优秀的作品鼓舞人”的效果, 进而使我国的古典舞事业不断与时俱进、创新发展。

参考文献

[1]袁禾.中国舞蹈意象概论[M].北京:文化艺术出版社, 2007.

[2]黄明珠.意境与舞蹈艺术鉴赏教学[J].福建师范大学学报 (哲学社会科学版) , 2000 (4) .

[3]吴晓邦.新舞蹈艺术概论[M].北京:中国戏剧出版社, 1982.