音乐艺术的存在

音乐艺术的存在（精选12篇）

音乐艺术的存在 第1篇

一、目前我国高等院校音乐教育存在的不足

(一) 教育教学内容滞后

学校的教学内容是教育学生掌握知识的主要来源, 就目前国内高校的音乐理论、表演技巧课夫人教学内容已严重滞后, 同时编写规范度不高, 教学与社会不配套, 教学内容与社会文化的发展不配套, 严重滞后于社会发展所需。同时在选用教材时随意性比较大, 在选用教材过程中也没有明文规定, 都是院校教师们的责任、义务、敬业心不强, 教师的质量有待提高。据资料显示, 目前在国内大多数高校中, 音乐类声乐教材还是采用很多年以前师范教育出版社出版的《声乐作品曲集》, 在相对滞后的这套教材中所收录的作品类别少、内容也陈旧, 且不能折射出现代文化现象尤其是适应当代大学生的作品。用这套声乐教材来作为当今声乐的教学内容, 使学生在学习过程中没有新意、没有情趣、没有激情, 从而达不到教育学生、塑造学生、服务社会的能力。

(二) 教学基础设施设备陈旧

音乐文化教育是培育人才、塑造人才的素质培养学科, 基本要求是在音乐文化的培养过程中, 要求高水平、文化底蕴深邃的专业教师在技能上、素养上、审视上艺术“美”的来进行艺术指导, 陈旧的教学设施设备对于学生在学习音乐表演艺术的过程中绝对的影响和约制教学效果。拥有完善和先进的教学基础设施设备, 对正常的学习过程、兴趣过程、艺术演示、二度创造提供先觉的客观条件。否则其达不到艺术培养的教学目的。目前国内各校的现实条件则殊不忍睹, 我国大部分的高校的教学设施设多年来得不到改善, 这与当今社会对音乐艺术的认识有直接的影响, 教学设施的有效利用存在着有限、陈旧、无奈、应付的局面, 如教室、琴房、钢琴及其他相关乐器等等, 无从谈到现代音乐教学所需的现代化教学仪器和设备, 从“根”上约束着音乐艺术教育中过程的质量和效果。

(三) 艺术教育方式不合理

我国大多数艺术院校的音乐教育是固定的模式, 所开设的音乐基础教育课程和音乐专业课程没有针对性, 教师在教学过程中也就没有目的性、针对性和时效性, 教学内容与进程都是由老师随意指定, 无法保证学生正常的接受专业系统音乐教育。近年来音乐专业毕业生的就业率和各用人单位反馈意见充分说明学生培养的质量不能与社会对接。

(四) 课程设置不规范$

目前我国大多高等院校艺术教育中, 音乐教育的课程大多是以选修课程的方式所进行的, 多为音乐赏析课、音乐普及课为主。这些选修课的设置对于高等院校的艺术教育来说, 从根本上无法达到培养有较高艺术水准的人才培养目的和音乐教育的教育意义。据资料统计, 目前我国还有一部分高校的音乐课程设置还沿用专业大课教授或专业小组课教授, 而开设的音乐理论大课却很少, 导致学生的专业基本知识薄弱。导致整个的音乐教学过程中, 极大的影响育人的质量。

(五) 教学手段乏味$

音乐艺术教育其特点是传授性教学和实践性教学的平行教学过程, 再教育过程中是循序渐进的, 只有这样才能够真正培养出合格的音乐人才。而目前在我国高等院校的音乐教育中, 授课形式和授课内容仍沿用着师生传授、经验承传中, 老师们会将自身的艺术经验和体会有所折扣地传递给学生, 这种经验的、片面的、主观的教学模式使我国的音乐教育有所缺陷, 没有科学性和知识性, 没有能力系统的培养学生的音乐素养和音乐感觉, 从根本上无法实现我国的音乐艺术教育目标, 因此急需建立以自身为特点、理论应用到实践为主的教学新型载体, 如教学实践性、演绎性、竞赛性、实践性等教学媒介。

(六) 艺术教育活动专业性不强$

目前我国高校艺术专业的音乐教育活动少之又少, 不论是顶层设计还是各项具体的音乐实践活动的呈现, 缺乏专业的、有深度的、有内涵的老师来帮助。学校音乐演出实践活动多半应付, 或是以学生社团组织的课余时间自我排练、自我演出、自我欣赏低层次的群众性娱乐活动, 音乐的艺术魅力、音乐的美感得不到展现, 无法体现学生共同参与音乐艺术的愿望。

二、改变我国高校音乐教育概念之对策

(一) 教学模式之改变$

美的体现是音乐教育过程中美的延伸和没得成果体现, 以美育体现为核心的音乐体验活动是教学对象对音乐的认识、接触、感觉、了解、掌握、领悟为顺序的学习环节, 构建以“美”为核心的体现音乐表现过程教学是音乐教学改革的主体。对高等院校教学改革来说:1、加重艺术以“美”学为基础的课程学分比例, 以不同学科的视角下进行美育教育, 提升在校学生的审美情趣。2、根据各高校的实际情况, 为学生搭建音乐展示的社会环境, 如聘请国内外著名的音乐教育家、表演艺术家、演出团体等进行音乐美育展示, 吸引学生参与各类演出活动、艺术展示等, 使他们在艺术实践中体会美传递的体验, 以增加艺术美得展示力, 将自我“学之用之”, 使实践教学中的目的性、时效性、实践性得到推广, 让学生在实践过程中音乐素养得到收获。

(二) 课程设置的改革

课程的开设与设置应做好社会调研, 以学科背景下的基础教育为根本, 依托社会发展为前提来设计培养方案, 明确培养目标和需求定位, 确定教学大纲和教学周历, 实施教学内容。在课程设置上应考虑面向社会研究性、应用性为目标, 以培养学生的个性和创造性为重点。如声乐技巧可应有古典艺术作品、歌剧作品、民族民间音乐作品、音乐剧作品等等, 同时加强音乐表演、形体语言的课时安排, 有序的引导音乐理论的沉淀和掌握。目前, 我国大部分艺术院校逐渐加大了音乐理论, 既提高了学生的理论素养, 又要提升学生的实践能力。

(三) 教材使用的变革

音乐美育的课时比例较少, 如在声乐技巧课中, 教学内容应该根据学生的实际情况来进行教学规划, 适应学生未来升学、就业市场的需求, 不必追求“完美主义”。针对没有实际意义的课程应进行合并或取消。如在声乐学生中除保留声乐技巧、钢琴技巧、表演技能、形体语汇等专业技能课程以外, 依据社会文化市场的需求, 设置音响设计技术和音乐表演艺术管理等相关专业。同时在提升学生艺术素养和人文精神的基础上, 充分发挥本土关怀的精神, 设置电脑音乐制作、音乐作品设计、现代舞台音响技术等前沿课程。同时还应培养学生人际关系、社会关系的应用能力。

(四) 汲取先进的教学理念

现应尽快改变单一的、传统的、片面的教学手法, 如在声乐教学中教师讲解、学生听、教师示范、学生模仿的教学方法。在研究和借鉴中外音乐先进的教学过程基础上, 鼓励学生自编自演、模仿经典艺术作品、表演现代音乐等训练手段, 以此锻炼学生的感悟能力、演绎能力、舞台驾驭能力。坚持课堂与课内相结合;国外与国内相借鉴;普及与提高相结合的方式, 逐步建立多层次, 全方位的艺术形式。强化多媒体在教学过程中的应用。如:在教学中多媒体尽可能设计音响效果、画面展示、音乐会展示等, 提高学生对音乐的学习兴趣和爱好。同时为提高教学效果, 对音乐课堂教学中的一些重点和难点的教学内容。

(五) 构建多彩的音乐体现

音乐美育的根本是培养学生音乐审美素养和音乐表现能力。高校的音乐教育原则:兴趣与爱好相结合;理论与实践相结合;琴房与舞台相结合;提高与普及相结合;技巧与素养相结合;构建应用型、多层次、全方向、纵横交错的音乐展示平台;在搭建平台时应邀请学者、专家、业内人士共同参与, 提供专业性的业务指导, 逐步在保守的、陈旧的教学模式中改变自身所存在的弊病, 提升音乐艺术办学的质量和层次, 逐步实现音乐类学科在教学形式上变革, 为我国的高校音乐类教育建立适应社会发展所需的培养氛围。

(六) 提高和培养师资队伍

师资队伍的培养应吸引实践能力强、学历较高、专业素养深厚的专业人才。同时加强学校的教学评价体系, 实施精细化管理, 须建立科学的、公正的教学评价机制, 促使教学目的更具体化、规范化、前沿动态强的办学模式。建立健全教学指导委员会的职能, 为教师提供国内外业务进修的机制, 使得教师在教学、科研、业务能力上有较大的提升, 采用业绩考核的方式来激发教师在教学和科研方面的动力。

三、结语

音乐“美”的教育对于人类的全面发展有着特殊重要的育人功能。在育人的过程中, 应了解正确方法, 掌握大量基础性知识, 提供艺术“美”的感悟, 通过系统的的专业训练、演出实践来强化巩固业务能力, 为就业提供正确的方法和业务导向。培育学生根据自身的特点, 客观地找准自己在社会发展中的定位点, 逐步适应发展所需, 为社会培养“德智体美劳”的应用型专业艺术人才。

摘要：审美艺术是音乐教育最基本的特征。对于高校音乐教学过程中, 要实现成功的音乐课堂教学, 不仅能让学生受到美的熏陶, 更好地理解歌曲的思想感情, 从而激发出学生各种美好的感情, 还要能够进一步提高学生对真、善、美和假、恶、丑的辨别能力, 达到与社会融合。目前我国的高等音乐教育中, 依然沿袭着传统的学术理论教育模式, 在很大程度上束缚了高等音乐教育的发展。针对这种现状, 就我国高等院校音乐教育存在的问题以及解决对策展开讨论。

关键词：高等院校,音乐,艺术教育,审美性

参考文献

[1]杨洁.对高职院校音乐艺术教育现状的若干思考[J].魅力中国, 2009, 33.

[2]张朝飞.高职院校音乐教学中网络资源运用思考[J].文学界·人文, 2009, 1.

[3]汲婷婷.浅谈音乐教学方法的选择与应用[J].辽宁高职学报, 2009, 11, 1.

[4]贺笑青.高职高专音乐教学模式改革之我见——浅议“小集团”合唱教学[J].美与时代, 2008, 12.

电影艺术中音乐欣赏的艺术感受 第2篇

［摘 要］ 随着电影业的发展，电影音乐成为电影艺术重要的表达手段，也成为电影艺术语言不可或缺的载体。所以对于电影艺术的音乐欣赏也是非常必要的。本文结合电影音乐的实例，详细地分析了电影艺术中电影音乐欣赏的艺术感受。

［关键词］ 电影艺术；音乐欣赏；艺术感受

当今社会随着电影事业日新月异的发展，音乐在电影中的作用也变得越来越重要了，在现代电影中，每一部影视剧是必须要有音乐的，这样才能更好地表达出电影的内涵和意蕴。所以几乎所有的电影中都是有音乐的。就算是再成功的电影如果说没有了音乐，其艺术感染力也将会大大下降的。只有将影片中的电影音乐和电影画面完美地相互融合在一起，这样才能更好地表达出电影的艺术内涵和艺术的欣赏。可以这样说，在电影中恰当地运用电影音乐，就好比是在小说的必要的地方要进行讨论和抒发感情一样，是有着很重要的作用的。不过，在电影音乐的运用中，我们要清晰地了解到电影音乐和纯音乐是不一样的，因此，我们在欣赏电影音乐的时候不能和欣赏纯音乐运用相同的角度。

一、电影及电影音乐的艺术概论

其实人们欣赏电影不仅是人们内心的一种心理感受，也是人们的一种生理活动。这样一来就会使得电影成为一门综合性非常强的视觉艺术，给人们很强的视觉上的艺术冲击。在很早以前的电影其实是没有声音的，那时候被人们称为默片。电影就是电影，那是一种单纯的电影。电影音乐成为电影这门综合性艺术的成员，使得电影变得丰富多彩，也在电影的表达中担任越来越重要的角色。发展到现在为电影而创作的音乐已经成为电影音乐中非常重要的组成部分，成为电影综合艺术的重要成分。

随着电影音乐的长远发展，我们在对电影音乐进行欣赏时也是要有非常恰当的方法的。正确地运用适合的电影音乐欣赏方法来进行电影音乐欣赏是非常必要的，这样可以达到真正的欣赏效果。通常我们进行电影音乐的欣赏方法是非常多的，其中非常重要的有通感，这是一种很值得人们借鉴的，而且在电影音乐欣赏者中运用最为广泛的电影音乐的欣赏方法。可以这样说，在进行电影音乐欣赏时，通感的欣赏方法主要就是指要结合音乐作品主题，这是进行电影音乐欣赏的必要前提，电影音乐的听觉的运用和电影所表达的作品主题和意境之间的相互融合的欣赏方法。这样可以非常生动地让我们感受到，我们所听到的音乐的声音里，不仅仅只是声音，是一种非常有感情的，有色彩的，这样一种内心的感觉。实际上，根本原因主要就是在电影音乐中将旋律和声音非常巧妙地运用，唤起了人们以前的那种美好的体验和回忆。可以这样说，电影音乐主要就是作品唤起了欣赏者那种尘封了很久的内心的记忆和生命的体验，这种体验是一种震撼，可以让欣赏者非常感动。所以，我们在欣赏电影音乐的同时也就是对电影作品本身的一种很好的理解，我们可以通过感觉和知觉来得到很好的体验，将自己的体验与人分享，不再只是体验自己感受，这样的音乐欣赏是有着共性的。在电影音乐欣赏中通感的运用是非常重要的，运用的范围也是非常广泛的，可以这样说，每一位欣赏者都会在自觉和不自觉时将所听到的音乐联想起自己，和自己的体验和回忆相联系，就是因为这样所以我们听到的声音里才会有感情、有色彩、有温度、有形象，像一种画面浮现在了我们的眼前，这种感觉也就是我们通常所说的电影音乐欣赏当中的通感。很多时候在电影音乐欣赏中，我们都无时无刻不在使用着通感这种欣赏方法，在电影音乐里唤起了欣赏者的切身体会和回忆，在电影音乐的氛围中，将自己的体验和回忆与电影相结合，让欣赏者充满想象，这种想象是一种非常美好的意境，也就是我们常说的想象，但是真正的欣赏者自己可能并没有完全意识到，只是非常享受着这种意境，可能到最后才会恍然大悟。

二、电影音乐的主要作用

（一）电影音乐的描绘作用

在电影音乐欣赏中，电影音乐的描绘作用是非常常见的，也是一种非常重要的处理手段，电影音乐的描绘作用其实主要就是用音乐来进行渲染和烘托画面整体氛围，来加强对表现事物的节奏特征。例如说我们非常常见的汽车或者是火车的奔驰等。还可以运用电影来表现人们之间的关系，风啸雷声、海浪汹涌这样非常扩大的场面，不仅如此，我们还可以对自然景象加以描绘。就如草原、海洋或者是科幻片中的太空景色这样的场景等。

(二)电影音乐可以很好地表达作品的主题思想作用

通常我们见到的在很多的影视作品中，最常见的方式就是采用片头曲片尾曲这样的艺术形式来表现主题思想。很多时候就是在电影到了高潮的时候，非常关键的部分时来用电影音乐进行表达主题，在规定的情景下，用音乐来点题是非常重要的。例如，在我国早期的影片《风云儿女》中田汉作词、聂耳作曲的《义勇军进行曲》就是一个非常成功的案例，这样对电影有着很重要的作用。

(三)电影音乐在电影中有着强烈的抒发情感的作用

可以这样讲，音乐自身就是一种非常细腻和直接地表达情感的艺术形式，在电影里音乐最重要的作用就是要突出主题的功能。我们见过的很多的电影中，在电影进行到很重要的时候，就会用音乐进行一下在感情上的加强作用。这样渲染效果就可以极大推动主题的发展。众所周知的美国电影《魂断蓝桥》，里边的经典之作《过去的好时光》就是在和关键的时刻将主人公的内心情怀进行了很好的诠释，让人们的内心激动不已。

三、在电影艺术中电影音乐的艺术欣赏感受

(一)电影音乐欣赏中听觉和视觉上的艺术感受

通常人们对于音乐都会有一种这样的感受，习惯于将音乐当作是一种文学，一种有声音的文学。电影音乐还可以有着很多美好的功能，不仅可以用电影音乐来描绘美丽的景致，还可以赋予事物一种美好的、丰满的形象感受，电影音乐用它独有的美妙的声音旋律来打造深刻的形象，来表达出自己内心的思想感情。所以说，电影音乐在电影中是一种不可或缺的组成部分，不管是对于电影内涵还是电影的意境都是一种非常好的处理方式，因此很多时候，我们所熟悉的电视及电影作品中，我们可以很常见的就是用音乐来烘托气氛，表达出主人的内心情感，还可以用声音来加强观众的视觉效果，来更加深入地塑造和突出电影中角色的外在形象和复杂的思想感情。

音乐艺术的存在 第3篇

关键词：电影；《音乐之声》；音乐；艺术；审美分析

音乐是一种艺术，更是一种文化，电影《音乐之声》就是对这一定义最好的诠释。优美的音乐是电影的灵魂，音乐与剧情完美相融后，又让人们在优雅放松的心境下尽情欣赏音乐艺术之美。《音乐之声》的题材源自生活，通过音乐将之升华后，又发掘出人们最淳朴的亲情、爱情、友情和民族情节。电影《音乐之声》在艺术表现中通过音乐剧的表现形式，充分彰显了《音乐之声》电影所独具的艺术魅力，这也是其审美形式的重要特征。

1 电影《音乐之声》基本剧情

《音乐之声》一举荣获第38届奥斯卡金像奖十项提名并获得最佳影片、最佳导演等五项大奖，该剧最初以音乐剧的形式在百老汇上演，后于1965年改编为同名电影使其登上世界舞台，成为影响几代人的佳片。电影取材于1938年发生在音乐之都—奥地利萨尔茨堡的一个真实故事：见习修女玛丽亚是个喜爱音乐，性格热情奔放的姑娘，受修道院院长的委派来到退役军官冯·崔普家当家庭教师。冯·崔普善良、正直，因妻子早逝，加之其用军人的方式管教孩子，使得家中一片沉寂，孩子们也生活得非常压抑。玛丽亚的到来最初并没有得到孩子们的接纳，反而通过种种古怪的方法捉弄她，但玛丽亚全然不介意，她以爱心和童心与孩子们接触，让孩子们走进大自然，还原天真的童趣，教她们唱歌、跳舞，将音乐重新带回了这个家庭，最终也赢得了孩子们和冯·崔普上校的喜爱和尊重，两人也幸福的结合了。《音乐之声》是现代音乐故事片创作中最具有代表性的音乐剧。

2 电影《音乐之声》的艺术审美特征分析

电影《音乐之声》，从剧情编排、表现形式、画面布局、器乐与声乐的组织、歌曲与舞蹈的融合以及精致朴实的对白等方面来看，都充分体现了该剧的大气磅礴和匠心独具，这为后续音乐剧或音乐故事片的发展探索了方向，同时也有效地奠定了音乐剧立意基础。基于此，为使观赏者对音乐剧有一个更为深入的了解，笔者结合此部电影对其艺术审美特征进行了全面分析：

（1）电影表现形式的突破和实践。电影《音乐之声》在表现形式上做出了重大的突破，与一般电影常规表现形式中主要体现画面与语言对白的组合不同的是，此部电影将百老汇音乐剧的表现形式有效的融入其中。音乐作为剧情的主要表现形式，是这部电影的灵魂，在剧中占据了绝对的比重和分量。电影将部分对白用歌曲演唱的形式来加以表现，用穿插其中的舞蹈来代替角色的人物动作，采用音乐来烘托人物的感情色彩，表达人物内心的情感活动，唤醒人们心中最真挚的情感体验，从而激起观赏者心中的共鸣，并以此推动剧情发展。电影《音乐之声》中音乐的成功运用，极具欣赏与审美价值。在此剧中利用音乐的方式表现了剧情的整体艺术思想，将音乐艺术与故事情节紧密联系在一起，更好地将电影故事进行了完美表现，使得电影的音乐创作的立美意蕴得以最大的展现。

（2）音乐与剧情的高度统一。音乐是电影《音乐之声》的重要表现形式，也始终是剧情中重要的组成部分。从电影开篇画面，玛丽亚站在阿尔卑斯山绿色原野上放声高歌“The sound of music”到修道院嬷嬷们谈到玛丽亚时诙谐的音乐对白“Maria”；从孩子们在家里邀请父亲——冯·崔普上校用吉他弹唱“Edelweiss”，再到孩子们成长过程中第一次参加的家庭晚会中七个小孩和声演唱的“So lone，farewell”，以及在雷雨天为了帮助七个孩子克服对雷雨的恐惧而唱起了的歌曲“My Favorite Things”，无一不流露出音乐、歌曲对剧情的铺垫、衬托和牵引作用。由此可见，音乐在这部戏中扮演了双重角色，既是电影所要重点描述的内容，也是电影重要的表现手段。

（3）音乐与舞蹈的完美融合。舞蹈作为一门融时间、空间为一体的视觉艺术，与音乐在远古时代就是同源同种的一对姐妹，都是人类古老的文化事象。法国舞蹈家诺维尔在强调音乐与舞蹈关系时说：“音乐之于舞蹈，就像歌词之于音乐一样”。音乐与舞蹈的珠联璧合既发挥了音乐情感的特征，又能获得造型性空间的再现，最终使得观赏者通过视听的交融，唤起对现实的联系，形成了多一种的审美体验。电影《音乐之声》有效地将此种结合发挥到了极致，其中的很多场景。例如，“玛利亚给孩子们示范奥地利民间舞蹈‘兰德勒时与冯·崔普上校共舞时的情感流露”、“孩子们在家庭演唱会时所唱的木偶舞蹈曲‘the lonely goatherd——孤独的牧羊人时的欢快表情”以及“表达玛利亚轻快跳跃的‘The Lonely Goatherd和欢快活跃的‘Do-Re-Mi”等，均充分展现了音乐与舞蹈的完美融合给观赏者带来的美感，让人情不自禁。

（4）唯美主义的大胆实践。电影《音乐之声》伴随以音乐为主的线条展开的同时，各种唯美的画面逐一展现在观赏者的眼前，音乐与画面的水乳交融，构建了一幅幅美丽的篇章，如果说画面是以点、线、面来表现感性的、可视的空间艺术，那么音乐则是以音响的物质材料诉诸人的听觉器官，以时间艺术来展现音乐无形的绘画之美，使得“音画相连”。《音乐之声》开篇缓慢流出的管弦乐与连绵起伏的群山、阿尔卑斯山林中不时传出的鸟鸣融为一体、辽阔秀丽的奥地利萨尔茨堡美丽的自然、人文风光以及剧中人物随着剧情的推进依次出现，此时与交响乐恢宏壮丽的效果相互融合，生动地向观赏者展示了祥和安静、自然相融的欧洲原野，唯美、大气、引人入胜。在此唯美的画面和动听的歌声中，音乐通过听觉的传递，涌入人的心扉，引发观赏者的共鸣，在观赏者脑海中各类“符号”转化为音响画面更加诠释了“音画相连”的审美意境，也是《音乐之声》在审美艺术表现形式上的大胆实践，美学内涵得以更广泛的外延，观赏者的审美愉悦感更加丰富。

3 综述

电影《音乐之声》在音乐剧发展史上具有非常强的代表性，整部电影大胆尝试电影表现形式的突破和实践，通过音乐的完美表现，将剧情进行了升华，通过音乐语言素材与音乐技法手段。例如，和声、复调、曲式等的有效匹配，更加突出了通过审美再现现实和表现情感的功能，具有强烈的浪漫主义色彩，但同时又不给人一种脱离现实的感觉，具有一定的时代气息。音乐所包容的精神内涵和审美意识，是各个民族音乐艺术的价值之所在，由此也形成了音乐美的不同范畴和类别，那就是优美、欢乐美、崇高美、自然美。

参考文献：

[1] 李杰.音乐审美的内核——音乐意象加工的科学阐释与实证[M].四川大学出版社，2012.

[2] 申波.审美意识与音乐文化[M].云南大学出版社，2005.

[3] 阿尔森·波布尔.抽象艺术[M].江苏美术出版社，1994.

音乐艺术的存在 第4篇

众所周知, 音乐是由有组织的乐音来表达人们思想感情、反映现实生活的艺术, 而摄影作为一门艺术存在的意义在于摄影家把日常生活中稍纵即逝的平凡事物转化为不朽的视觉图像, 摄影艺术的发源至今仅有一百七十多年的历史, 从功能层面上来讲, 音乐艺术和摄影艺术作都是以反映现实为目的, 通过一定手段有组织地运用技术所促成的艺术形式。

在本论题的讨论过程中, 对两种艺术的比较, 出于对于艺术纯粹性的尊重, 将这两种艺术的论述也有一个限定, 首先, 这里讨论的音乐艺术和摄影艺术都是从其起源至现代主义之前的内容, 然后, 对于摄影艺术的限定即在现实主义和自然主义摄影所共同认同的摄影艺术门类之内 (排除工业或商业元素过多的摄影) 。

这里可以以四个维度为衡量标准, 通过对两种艺术形式题材, 内涵, 创作技法, 发展历史, 等多个层次的探究, 来获得音乐和摄影跨界的碰撞。

二、对于四个维度的解释

每个客观存在都有属性, 比如长, 宽, 高, 持续时间等等, 提炼出来可以作为艺术领域的客观衡量, 归结为, 广度 (长) , 角度 (宽) , 深度 (高) 和长度 (时间) , 广度即展示艺术创作题材的范围、容量, 角度即展示艺术创作的出发点、欣赏的入手点, 深度即展示艺术存在的内涵深浅, 引人思索之灵魂所在, 长度即艺术作品的延续性、时代特征和创作背景。

三、比较音乐艺术和摄影艺术的题材广度

1、音乐艺术和摄影艺术均以表现现实生活为创作目标

作为最直观地给受众带来感官体验的艺术形式, 写实是音乐艺术和摄影艺术所共同的能力, 音乐艺术不能具备像摄影艺术一般勾勒细节的能力, 但是音乐艺术可以通过听觉带给人的联觉以向欣赏者提供对于音乐旋律所表现的内容进行想象的空间, 而摄影艺术写实的表现不仅仅体现在摄影器材所提供的写实表现手段上, 还会通过光线明暗来表现想要突出的创作目的。

2、创作手段广泛

音乐的基本元素包括旋律、音调、节奏, 摄影的基本元素包括光圈、构图、色彩、焦距等物理特性, 只要是现实存在的基本自然属性, 都会被两种艺术所利用, 这也就不难理解虽然分别为听觉艺术和视觉艺术, 两者却可以带给人同样强烈的感官体验, 比如, 在延安时期, 虽然是由不同的艺术家的创作, 但类似照片《南泥湾中央机关的景象》和民歌《南泥湾》, 一样给欣赏者带来的是欣欣向荣的根据地意象。

四、比较音乐艺术和摄影艺术的创作和欣赏角度

就是在现实的基础上, 出于独特的创作视角的作品往往都会带来奇迹般的欣赏体验。

譬如对于五星红旗这同一个体裁, 在音乐艺术和摄影艺术当中都有优秀的作品, 2008年, 作曲家陈其纲围绕北京奥运会开幕式而将《歌唱祖国》改编而成的童声版的《五星红旗迎风飘扬》, 同一时期, 来自北京摄影家陆岗的二十八年跟拍国旗护卫队的系列作品发布, 这两组作品的创作理念, 都是将墨守成规的将国旗符号化神圣化的习惯直接推翻, 将五星红旗拉进常人的生活中, 并赋予其人性的光辉, 大获成功, 听到该曲和看到摄影作品的受众, 无不为之动容, 可见由于这两位创作者对于新视角的把握, 成功地让这个传统的艺术题材成为新时期创作者和欣赏者沟通情感的载体。这两幅作品无不突出一种和谐的视角, 音乐的和谐是普遍的和谐, 而在摄影的和谐理念在于运动和整合使之成为整体。

在近现代音乐艺术和摄影艺术的创作观念和视角中, 越来越强调视角的宽度, 即不仅局限在传统旧有的, 能够从其他侧面审视并将艺术拉进生活的创作, 才会获得更多欣赏。

五、比较音乐艺术和摄影艺术的内容深度

1、音乐艺术和摄影艺术为视听觉艺术表达内涵的集大成者

音乐艺术和摄影艺术, 在现实主义当道的今天, 已经成为最能表达深刻内涵的艺术形式。

音乐的旋律和摄影的光线, 都会在潜移默化中表达其基本元素中所不具备的韵律, 音乐的音调和摄影的影调, 则是在音乐艺术和摄影艺术各个基本元素综合作用下引导整体内涵的主要元素, 音调是声音的高低, 通过对音乐中高低频的比重调整, 来渲染某种气氛, 影调是之图像的明暗层次关系, 通过对影调中亮部与暗部之间的比重调整, 来形成影响视觉感受的明快或低沉, 音调的高低调和影调的亮暗在视听上有着类似的对应。

2、音乐艺术和摄影艺术所蕴含的深度受创作背景影响

作为与现实相关联的艺术形式, 音乐和摄影的作品深度会受创作者的心境和创作的环境所影响, 摄影艺术音乐艺术与人类所从事的其他活动一样, 都是人的主体行为, 无不受到人的心理活动的支配。音乐艺术的表达往往含蓄, 而内涵隐藏在形式之内, 摄影艺术作品的意蕴亦不能通过简单视觉体验获得, 两者都需要结合作品的创作背景去理解, 换言之, 两者的欣赏都需要通过想象和思考。

六、从时间长度比较音乐艺术和摄影艺术

音乐的节奏和拍子所表示的是状态, 其表现意境的发展速度并不和节奏完全一致, 而是在时间上和音乐本身达到和谐, 这种和谐可以表现运动, 也可以表现静止, 比如《蓝色多瑙河》, 所运用强弱拍的行板来表现多瑙河的静谧, 而摄影的影响节奏则是靠时间把握, 在视觉上形成高低起伏的律动感, 有时在摄影当中也可以通过运动中的定格甚至是更有进行感的延时摄影来表现动感。如著名的战争摄影作品《倒下的战士》 (法) 。

在音乐艺术和摄影艺术中, 无论怎样历史悠久的作品, 其意境走入现代, 仍然可以被欣赏者准确的解读体验, 这意味着音乐和摄影的艺术表达和艺术功效都不会受到时空的限制, 而是长时间延续, 这既表现为创作者的心意传达会在长久之后被受众所感受, 也表现为在不同文化背景不同艺术欣赏水准下, 艺术作品的艺术价值和理念不受时代的制约。

七、总结

无论音乐艺术还是摄影艺术, 无论听觉艺术还是视觉艺术, 艺术的形式越来越趋于一种整体, 不同艺术形式会在不同的作品中通过联觉的途径给欣赏者以美感体验, 而音乐艺术和摄影艺术有很大的相通性, 这证实了不同的艺术门类的发展是有关联的, 对于以后不同门类艺术之间的关联和比较研究有很大的借鉴意义。

参考文献

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音乐艺术的存在 第5篇

广东省第五届中小学音乐优质课教学评比刚刚落下帷幕，本次比赛给人两个深刻的印象：一是规模宏大，单是来自全省各地观摩的教师就达到一千多人;二是整体水平较上届有了明显的提高，有相当一批教师的教学让人倍感精彩。比赛中，课与课一旦进行对比就会产生差别与差距。这些所谓的差别与差距除了临场发挥因素外，也体现了教师在备课上的不同功力。

无论是在教改之前还是现阶段，备课的核心内容无外乎三个方面――备教材、备学生、备教法。如何做好“三备”是广大教师备课时应该认真思考的问题。

一、“备教材”要以文化为主线，深掘教材的音乐内涵

1. 把握课程标准，确立教材文化主题

音乐课程标准决定了当前音乐教育教学的核心是体验音乐和了解音乐文化。因此，我们在梳理教材时应该首先确立当前内容(本单元、本课时)是什么样的音乐文化主题。然后设定合理的教学目标，并考虑好教学时将以什么样的线索让学生去了解和体验这种音乐文化。这样才能保证教师在教学时主题明确，线索清晰。例如这次比赛中的《滇蠡民歌》一课，无论是民族风情介绍，民歌、器乐曲欣赏，还是舞蹈律动都是紧扣着滇蠡音乐和滇蠡文化这一主题，所以虽然内容繁多但不会让人有杂乱感。

2. 体验音乐文化，合理筛选教学内容

为了让学生更好地体验某种音乐或某种音乐文化，有时我们可以对教材中的内容进行重新排序;有时也可以把教材中并非重点的内容作为重点来教;有时甚至可以删去教材中的某些内容选择新的教学内容。例如《卡门序曲》一课，教师只把这首音乐作为整节课的`教学内容，通过不同的方式让学生反复体验。既让学生对音乐有了较深的熟悉度，又不会让人感到重复、呆板。另如《茉莉花》一课教师把大量不同版本的《茉莉花》音乐汇集在一起，让学生充分感受了一场茉莉花的盛宴。这些都是合理筛选教学内容的成功案例。

3. 注重音乐感受，深掘教材的音乐内涵

音乐学科的特点就是通过音乐审美和情感感染来达到教育教学的目标，因此在钻研教材时一定要熟知教材的音乐元素，深掘教材的音乐内涵。我们在备课时不但对所教作品达到精熟的程度，还要找出和本作品能产生情感共鸣的东西。只有让学生真正被音乐或音乐文化打动了、感染了，音乐课才能变得有声有情。例如《春江花月夜》一课教师通过想象、律动、模仿乐器演奏等不同的手段让学生体验乐曲各段所表现的优美画面。每种手段设计得都很贴切，学生活动得也很自然。这都得利于教师对这首乐曲各部分的精准理解。

二、“备学生”要以学生为主体，关注学生的实际需求

1. 关注学生的知识水平，合理设定教学难度

教师在备课时首先要清楚学生的知识能力水平，合理设定教学的难度。例如本次比赛中《认识复调音乐》一课，教师把专业的复调音乐概念定位在认识这个层面上，从对比复调音乐与主调音乐开始，让学生从音乐上感受复调音乐与主调音乐的特点，然后再通过乐曲介绍复调音乐的种类，然后再欣赏经典复调作品――《马太受难曲》，最后让学生根据所学的知识创作一小段复调音乐。教学一环扣一环，由浅入深，没有丝毫枯燥和繁难感，让人印象深刻。

2. 关注学生的学习能力，据实计划教学容量

合理加大教学容量可以使教学活动显得更充实，可以充分体现教师的教学能力。然而，不是一味求大就可以让学生获得好的学习效益，如果教学容量让学生感到非常紧张甚至超出了学生的接受能力，那教学的效果将和教学设计产生严重背离。例如：本次比赛中一堂高中的欣赏课，教学内容囊括了三个民族的音乐介绍和体验，教师控制课堂的能力的确很强，可一节课下来却把学生拖得“连滚带爬”，最后的问答好几个学生都出现了答非所问的情况(这说明学生已经很疲惫了)。表面上教学显得很紧凑，教师的课堂控制能力也显得很强，可作为欣赏课，教学的实际效果有多少，值得商榷。相比之下，《卡门序曲》一课，学生整节课就围绕《卡门序曲》这个主题活动，既让学生对音乐有了较深的熟悉度，又不会让学生感到很紧张。

3. 关注学生的兴趣爱好，尽力优化教学方式

在备课时，教师不但要注重教学活动的直观性、多样性和实践性，还要关注学生的年段心理特征。例如本次小学课中《动物说话》一课，教师把节奏训练巧妙地融入到模仿各种动物的叫声，让节奏训练变得不再枯燥，非常符合小学阶段学生的心理特征。

三、“备教法”要以音乐为中心，体现师生的协同效应

1. 教法的选择要能充分体现音乐本位

在选择教法时我们应该充分关注音乐的本位性，要尽量用音乐手段去让学生体验音乐及音乐文化，尽量避免非音乐内容喧宾夺主。例如，在这次的教学比赛中很多教师在音乐欣赏时都运用了律动，但效果却参差不齐。有的律动使用少而精，有助于学生在欣赏时更好的体会音乐的意境;而有的律动运用太多或太难，学生单是完成律动就很花心事了哪还有心真正注意和欣赏音乐。欣赏教学中使用律动可以让教学场面好看些，但如果因为使用律动而影响了音乐的欣赏，那么律动便成了仅是粉饰门面的空摆设。

2. 过程的设计要能适时切入教师专长

音乐教师在教学中要敢于大胆切入自己的专长，适时的在学生面前表现一下自己的专长，吸引学生的注意力，激发学生的兴趣。但有一点值得注意，这种教师专长的表现应该是适时的、自然的，生拉硬拽表演反而适得其反。本次赛中教师大都很注重自身专长与能力的展示，有的教师展示得非常好，而有的教师展示得却十分生硬。其中有一节初中的欣赏课，前面内容上得都很不错，教学最后教师和少数几个学生一起演奏了一段乐曲中的片段。教师的器乐水平本身就不好，临时搭建的演奏组合配合也很不默契，大部分的学生只能呆呆地看他们的生硬演奏。这种展示成了本节课最大的败笔，着实让人感到遗憾。

3. 活动的安排要能充分体现师生共舞

音乐的艺术价值随感 第6篇

关键词：音乐；艺术价值；人们生活

人们对音乐观念具有独立的思考和选择方式，如何调整好人们对音乐认识并对艺术价值及生活产生良好的反映，是人们与音乐之间距离的体现。音乐创造艺术价值，并为人们建立美的生活，同时人们也是音乐的缔造者，音乐与人们之间的媒介就是生活。

音乐是什么？音乐就是让人们如何热爱生活，是音乐家施加给音乐对象的意志反映。反映什么呢？反映音乐的艺术价值，反映人们生活并且为人们创造生活。

音乐能为人们做些什么呢？就是让人们知道什么是生活及如何爱生活和怎样创造生活。音乐总能运用无声却机智韶光的艺术语言去碰撞人们的意志、开阔人们理念、启发人们思维，唤起人们对音乐的窥探。引导人们认识音乐存在的意念形态，了解音乐与人们生活之间的关系，运用音乐的用途对人们生活所产生的作用，处理好音乐与人们习性的差异，而后诱发人们通过音乐对生活的热爱，在通过生活的语言方式来传达对音乐的喜欢，同时表达出对音乐的尊敬，并赋予音乐对生活新的情感思想的再一次操纵，使人们体验生活认识的审美方式在音乐过程中得到快感。引导人们通过音乐充分感受生活，并训练人们感知生活，使人们对音乐现象产生特定情感，在此基础上进行洗刷思维意识，并练习融入审美艺术众多因素。这是衡量是否具备审美生活感受的思想观念，以及是否介入音乐过程的关键，也是能否处理好人们最终能否享受音乐和得到音乐，并最终得到真正意义的生活状态和行为意识的前提和基础。对那些在现实生活中缺乏敏锐的观察力、感情的触动力、容纳的感染力、强烈的刺激力以及骚动的激情力的人们来说，则会对人们的音乐意识会产生巨大的破坏力和伤害力。同时也反馈到对生活的价值意义的趋向，以及对人们美好的生活概念产生骚扰，并且在一定意义上削弱音乐的价值和生活意义，这其中道出了音乐与生活感受的重要性，也反映了音乐对生活价值特殊性，即音乐的生活的审美表现过程不同于科学的理智判断的制作过程，它需要利用音乐审美感受来判断生活，同时也大量的需要丰富情感和放松心态的参与。基于对这种人们的本能生活情态的辨别认识，能够更好地促进人们对生活与音乐的融合，并能更加显示出生活来源于音乐，同时音乐对于生活的审美现实中起重要作用，反之也就具有了人们在生活行为和内容形式上的空虚，而且还会淡化人们众多社会生活的多面层次。有些人认为极端音乐现象会影响一些人们，并且会产生负面影响。由于人們不具有音乐专业思维，因此判断和欣赏能力较低，所以它会带给人们一些错误理解和不正确的信息，从而会使一些人们走向片面社会生活形式和无意义的极端。极端音乐不但不会丰富生活和感动人们，而且还会起到负面影响，在其恶劣形式上加以宣扬，会对人们产生恐惧或者是无聊，这样不但不会使人们向往生活，还会贬低音乐在人们生活价值定位和破坏人们审美感受，也并不能令人们得到支持，这确实值得我们深思和担忧。但极端音乐趋势往往一直在发生、在进步和在极端的音乐美感方向发展中前进着，这就是当前音乐的总的趋势。难道这种趋势意味着音乐与艺术脱离了人们了吗？实际上是脱离大多数人们，让人们无从理解抽象音乐观念，同时也带给人们负面影响，人们成为被动者和牺牲品。但它却是音乐领域以及学术上的进步。这种音乐观念和意念思潮实际上是想阻碍了人们感性和理性的表层思维，切断了人们进一步思考的前进动力，使人们思维停滞，这必然会使人们感到疲倦和不知所措。可这些正是音乐家所希望看到的，从而显示出他们的过人之处、艺术水准以及控制人类思维的能力。它虽然不再被广大群众所接受和喜闻乐见，但却为极少数音乐家和艺术家等人所欣赏，并且对于音乐艺术具有极高学术价值，因此这些音乐观念和前进的学术趋势恰恰又是音乐未来，即未来呈现给人们或者是多面的、或者是复杂的、或者是简洁的、或者是综合的、或者是让人们难以理解的……。

总之，音乐的艺术价值对于人们生活具有影响及作用。由于人们的艺术水准和生活要求程度不同，对于音乐艺术价值是什么的概念理解深浅也自然不同。人在生活中，生活又在人中；生活离不开音乐，音乐又在生活中存在；人又是音乐的缔造者，音乐又会对人产生影响。我们不必理会音乐是什么，但是我们懂得音乐就在我们身边，离我们那么近，因为音乐源于生活。

参考文献：

[1]林华.音乐审美心理学教程[M].上海：上海音乐学院出版社，2005.

[2]张前.音乐美学基础[M].北京：人民音乐出版社，1992.

音乐艺术与影视艺术的比较研究 第7篇

一、从声音角度分析比较

1. 艺术中的声音

声音传播的特殊性决定了音乐直接诉诸于人们的听觉器官, 通过听觉器官去接受和欣赏, 传播途径的单一性使音乐能够第一时间传递给观众, 也是观众通过听觉, 更加注意集中, 能够快速进入聆听的状态。另外, 声音的传播不受外在条件的限制, 受众更加广泛, 无论是婴儿、老人还是身有残疾的人都可以享受的音乐的快乐。音乐作为声音艺术具有普遍性, 它不受地域和空间的限制, 在大街小巷都能听到音乐的声音, 即使是在旅途中、地铁上、甚至是在散步时都可以随时戴上耳机享受来自音乐中声音的洗礼。在这一方面, 影视艺术虽然也要通过声音传播, 但是声音并不是唯一的传播手段, 还有图像的传播, 这样限制了影视的传播范围, 也阻碍了观众随时随地享受音乐的普遍性。

影视作为视听艺术的代表, 本身就是视觉和听觉的融合, 它一方面通过视觉的体验把影视的内容和要表达的内涵传递给观众, 另一方面则通过听觉器官接受声音, 影视中的声音不再像音乐那样独立表达, 而是起到对影视的描述、烘托以及解释说明。与音乐艺术唯一的声音传播途径比较, 影视艺术更加丰富, 可以利用图像通过视觉的接受分析第一时间给受众带来强烈的色彩和画面的冲击, 而其中的声音也不再仅仅只限有音乐中的音高、音调、节奏等的组合, 它可以更加的多元化, 可以加上旁白、独白、人声、对话以及各种音响元素。影视艺术在对声音的处理上有更深重的人为因素的加入, 它在后期加工上的痕迹明显, 所有的声音元素都是为了整体的影视风格服务, 有时甚至是为了体现协调、体现主题以及推动情节发展的作用。而音乐艺术一切是为了音乐本身的表达, 为音乐的节奏和表达的内容服务。

例如《送别》这首歌, 在电影《城南旧事》中《送别》是作为主旋律出现的, 表现的是电影故事中主人公对过去深深的怀念, 音乐的加入是为了烘托这种哀愁与相思, 使感情淋漓尽致的宣泄出来。单独的把《送别》这首歌放在播放器中播放, 每个人会联想起不同的情景, 情人想到的是爱人之间分离的依依不舍, 在外的游子想到的是自己离家时父母的期望和眼中的泪花, 等等。没有影视艺术中视觉给予的特定场景, 每个人听到同一首歌曲的理解和想象的画面都有所不同, 音乐可以用自身的声音元素把观众所有的感情调动起来, 在不同的感悟中去理解作曲者和演奏者要表达的感情, 音乐利用声音的纯粹性能够使人更专注于理解和扑捉深层的灵魂。而影视的视觉效果的冲击, 在声音的辅助作用下, 使人在某一特定环境中产生感情的冲撞, 继而达到观众与作品的共鸣。

2. 听觉元素与视觉元素

影视艺术不仅具有听觉的重要元素, 也有视觉元素。在电影发展的初期, 电影是以无声电影的方式出现在观众的面前, 观众是通过图像和文字来理解电影的内容, 也能表达出电影的内涵, 并不影响人们的欣赏, 在这个时期, 出现的一位电影大师卓别林, 其代表作《摩登时代》《城市之光》《大独裁者》等都是无声电影。音乐是听觉的艺术, 音乐艺术没了声音就失去了它的灵魂, 音乐艺术中音乐家把自己对音乐的整个感知、理解以及对某一事物瞬间得到的感悟都灌注在音乐之中, 我们需要闭上眼睛全身心的投入, 去深刻的体会和用心触摸其灵魂才能产生精神的共鸣。单单是被动的接受这个音乐的曲调和曲子的风格以及表达氛围, 只能说是浅层的一种被动欣赏, 这对于欣赏音乐的真正内涵和精神表达产生重大的阻碍。影视艺术则不同, 声音和画面的组合使观众接受接受时就要把这两个元素融合起来, 单独的听声音就只能算是广播, 单独的画面虽在一定时期可以担当电影的表现功能, 但因为其单一图像的浏览, 满足不了观众对电影中情感和内涵的理解, 最终会被淘汰。音乐产生的声音只是让人们通过旋律来了解此刻影视作品中流露出来的情感或者是当时环境的体现, 并不要求大众去分析音乐更深层的内容或作曲者赋予它的精神。

二、艺术中的情感表达

“我们不仅认为音乐能够表达情感, 而且认为音乐内部主要是情感内容。”[1]观众欣赏音乐的时候, 外在的接触方式是通过感觉器官的特有感受, 而内在其实也是一种情感的接受。我们在接触到音乐的声音时, 一开始去只是去辨别音乐曲调的高昂与低沉, 进而品味出其中的喜怒哀乐。对于音乐与情感的关系, 很早就有人提出音乐是能表达出人的情感, 音乐与情感的密切联系已经成为人们在接受和理解音乐作品的一个重要因素, 音乐在抒发感情方面成为它的优势效应, 是没有任何一种艺术能取代的, 充满情感的音乐能使人们在倾听时轻易的受到感染。即使是在影视作品中, 音乐在情感方面的表达优势也是不可取代。在歌舞类影片中, 常常借助音乐来表达感情和抒发自己的心理情感, 例如影片《歌舞青春》系列, 常常用音乐来表达男女主人公的感情和内心独白, 让人随着音乐而起伏, 去了解人与人之间的情感和交流。

影视艺术的表现是一种视觉和听觉的盛宴, 其真正打动人心的是作品中的情感的宣泄。影视的主题表达都是一种情感的深刻剖析, 在一些表达感情为主题的电影中, 情感是主旋律的渲染和推动主题升华的动力。

在表达情感上, 音乐对情感的抒发是由音的高低来直观表现, 由低音到高音, 可以表现兴奋、情绪高涨;由高音到低音, 可以表现情绪的低落、失望和悲泣。[2]音乐的声音形态与情感之间存在着密切的关系, 也可以说音乐是情感的表达和展现。我们听到曲子的时候, 通过音调的高低可以感受它是激昂或是低沉、是喜悦或是悲伤, 个人的情绪随着音乐而悲喜交加, 跌宕起伏。

影视作品中的情绪表达也是在故事情节中不断发展。它可以通过音乐与画面表达情感的对立, 产生碰撞, 使情感迅速表现到极致。例如在电影《天云山传奇》中, 有一段婚礼的场面, 音乐是低沉悲哀的, 画面中却是大家举杯祝福新人的喜庆画面。[3]两种对立的情绪碰撞释放, 使整个影片的主题更加深刻鲜明, 也揭示出影片中的悲剧色彩, 不仅给观众带来了更强烈的情感冲击, 也使音乐的表达赋予了另一层更深的寓意和戏剧性。

三、时间和空间的表达

欣赏音乐的时候只有从第一个音符响起直到全曲结束, 我们才能完全地理解和体会音乐中诉说的内容。音乐的欣赏需要整体的演奏才能了解音乐表达的意思和内容, 所有的感情或喜或悲都是随着时间的展开才能发挥音乐本身的极大魅力。影视艺术作品可以看作是一个完整的故事, 故事有开头、发展、高潮、结尾, 它们按照一定的顺序排列衔接起来, 必须随着时间的推移、故事的展开描绘出整个电影的脉络和各个情节之间的关联才能明白整个故事内容。影视艺术同时又是空间艺术, 是运动着的物质存在形式, 在荧屏画框内表现出物质现实的影像, 也是造型运动的基础。[4]简单来说, 影视艺术可以通过镜头语言来表现立体和运动的事物, 在欣赏的同时观众会随着镜头的拉近和推远感受自己正在接近或远离画面中的人事物, 更能拉近观众与影片的距离, 有一种身临其境的感觉。在音乐艺术中是不能达到这种效果的, 音乐虽也可以表现自然、表现大街上的喧嚣, 但它主要是靠现实生活的积累, 是一种现实生活的想象在大脑中的反映。它不能通过曲子本身把一些具体的事物或人眼看不到、想不到的内容

艺术模糊性初探

张馨予 (辽宁锦州财经学校辽宁锦州121000)

摘要:“模糊性”在各个领域都涉及到, 正确的理解模糊性使得认识更深入具体。往往遇到一些不能明确的概念, 不能用一个分明的集合来表达其外延的时候, 便有某些对象在概念的正反两面之间处于亦此亦彼的形态, 它们的类属划分便不分明了, 呈现出模糊性, 所以模糊性也就是概念外延的不分明性、事物对概念归属的亦此亦彼性。

关键词:模糊性原理;艺术的模糊性;模糊性的意义

模糊性原理

模糊是一种社会普遍存在的现象, 模糊也是一种方法论, 按界限是否分明, 可把这无限多样的量分为两类:一类是明晰的, 另一类是模糊的。实践表明, 在自然界、生产、科学技术以及生活中, 模糊的量是普遍存在的。模糊让人神秘向往, 却又不可触摸。模糊思维方式既不是逻辑思维也不同于形象思维。模糊还是一种内心世界对外部环境世界的态度, 它的隐喻, 含糊不清, 都反映着人们内心世界的心态, 模糊的表达方式及举止行为已经构成一种方式和形态。模糊性在油画创作中更是被当代看好的艺术手法。社会纷繁复杂, 物质消费日日上升。边缘化, 刻意化, 寓意语言方式传达情感更显得完美的理念, 越来越成为一种不可获取的珍宝。

艺术家捕捉自然和社会的模糊现象, 用生化妙笔把它表现在作品中, 就构成了艺术的模糊性和模糊美。模糊是有价值和值得推敲的。人们称文艺复兴、古典主义的艺术是清晰的, 而巴洛克印象主义则是模糊的。模糊性在任何作品中都潜在。有时候表现的形式发生变化。根据鉴别的标准不同而界定。沃尔夫林说:“与巴洛克的有意识的模糊性不同的是在文艺复兴时代, 有一种无意识的模糊性, 这种模糊性显然与巴洛克有关系。”这就表明无意识模糊性与有意识模糊性显然是有区别的。但前者是后者的基础, 后者是前者的发展。

艺术的模糊性

艺术的模糊性, 隐性的界定艺术家表达的内涵。吴冠中先生曾说大象无形, 说明物象本身实在的形象在艺术表现尽显得模糊起来。在许多油画作品中, 模糊性有时候作为一种艺术手法表现, 无论古典的写实技法还是当代的刮刀厚涂的表现, 均有涉及到。安格尔善于用有色底子上作画, 整个画面颜色与形体尽显的唯美生动, 真实自然。然而仔细的辨认暗部的处理, 却层层罩染, 朦胧又充满神秘。除此以外, 艺术的模糊性不仅在表现技法上表达, 还有创作思维上的艺术模糊性, 分为有意识模糊和无意识的模糊性。

对于艺术创作理念及其表现形式的需求存在着不同, 好比印象派借助笔触表现视觉的模糊感。模糊性表现在笔触美和强调光色反映。画面是流动的不确定笔触。这种艺术的模糊模式与传统的客观再现型写实绘画是截然不同的。艺术的模糊性主要是为艺术品服务的。艺术的模糊性体现在超脱边界精准性的束缚, 印象派在艺术模糊性原理方面阐释着色彩与用笔的技巧上作出的颠

表现出来, 这是音乐在视觉上的局限, 但这也恰恰凸显了音乐的特性, 使人们更能专注地倾听音乐本身表达的思想。影视艺术因为在视觉上的强烈冲击和直观表达, 有时会削弱人们对声音的享受, 也忽略了声音的功能和作用。

音乐艺术和影视艺术作为艺术的表达方式, 它们都有自己独特的表达方式, 影视艺术出现的百年来一直在迅猛发展, 势头蒸蒸日上, 新型的信息科技力量推动它的发展, 作为与人们的精神生活密不可分的产业, 影视艺术不断的吸收其它门类的艺术, 加以融合。音乐艺术的发展有其源远流长的源头, 作为一种艺术门类在现在仍有其强烈的感染力和发展力量, 没有任何一种艺术形覆性贡献, 为后期艺术的发展起了重要的影响作用。同时值得我们思考的是, 艺术的形式也存在着。康定斯基研究抽象绘画的时候, 每一幅绘画都充满严谨的绘画语言, 直线式女人, 竖线是男人, 圆形是优美圆晕等等。绘制的过程就是研究科学的过程。科学是严谨的, 艺术科学也是一项严谨的学科。可当康定斯基的仆人在打扫的时候, 不小心把画面颠倒了, 康定斯基从中却发现了更美丽的东西。点、线、面本身是构成画面的元素, 艺术家在运用时根据个人抽象思维, 对其处理, 使得画面富有思想意思。当女仆不小心倒置, 实际是是偶然的情节, 并非意料之中的事情, 这种无意识的模糊性在艺术创作中是不少见的, 不少泼墨大师, 也对艺术的模糊性十分赞叹。而在这个过程中, 艺术家主题目的是明确的, 因此说有意识的模糊性。但有意识的模糊性并不见得, 达到预期的效果。

这位对外宣称自己“一无所知”的里希特相信着模糊性的艺术技巧, 给人带来广泛的空间遐想。因此在恍惚图像下为创作摄影作品, 模拟镜头下才是较为客观真实存在的自然。虚化变化, 模糊性表达为特征的艺术风格。他创作的艺术作品图像虽然都模糊不定, 却能更加清晰而真实地揭示事物的本质特征。这位运用模糊性原理里希特以“画照片”闻名于世, 给人们更加亲近的心理感受。习惯于用非聚焦似的模糊语言来表现。

对模糊性的意义分析学习

模糊性原理, 在文学, 数学科学均有涉及到, 对艺术的影响更为广泛, 首先模糊性原理在艺术中应用是有积极的意义的, 但片面的强调模糊性容易产生物极必反的恶性效果。因此对模糊性意义的研究也应更为审慎。初学者是不易介入应用模糊性思维创作的, 即便产生了模糊效应也难于把握得住。其次模糊理论审视艺术作品, 包含了艺术作品的原貌, 对以后深入研究开启了一把金钥匙, 例如古典油画的神秘与美丽可以迎刃而解为是层层罩染出的结果。再次, 在艺术创作的过程中可以引用随机的模糊性思维, 给艺术灵感以启迪。为创作提供了更为广泛的空间。最后值得注意的是模糊性应用, 不能感性的理解为模糊, 要遵循客观规律, 科学理性的分析。人们习惯以自己的标准审视着是否正确, 例如对“上面”的理解但是地球是球形的, 在南极和北极的人所认为的上方就是完全相反的。在牛顿的时空观就是一个相对正确的理论, 而且在长时期以来都认为是正确, 实验的结果似乎也认同它, 但是在爱因斯坦的相对论出现后才知道牛顿的时空观是一个相对的理论, 在一般低速运动情况下, 牛顿的理论还是非常精确地符合实验结果, 但是在物体速度接近光速时, 才表现出错误性。

目前模糊性在某些油画创作中还不能完全驾驭, 好像牛顿根据苹果落地发现地球引力一样偶然。然而, 如果苹果是落在农民或者对科学不感兴趣的人身上, 也不会被发现地球引力。洪凌先生创作的油画多是以模糊性原理为依据的。当然这也离不开对生活的认识的真实情感。模糊性在日益艰难的艺术创作道路上, 提供了更为广泛的视野, 研究艺术的模糊性, 具有很深的学术意义。

参考文献:

[1]王明局《模糊艺术论》安徽教育出版社1997年7月第一次印刷作者简介:

张馨予, 女, (1980年1月) 籍贯辽宁锦州现任辽宁锦州财经学校中级讲师。

式能取代它。影视艺术和音乐艺术在各自的发展中依然保持自己的特点, 不断吸收和融合更多的艺术元素, 丰富自己的创作, 为人们带来更多的视觉和听觉的盛宴。

摘要：影视中的视觉与听觉结合在科技的融合和后期手段的加工处理下吸引人们的眼球。在日益追求科技与视觉的享受冲击下, 音乐依然能以自己的魅力受到大家的喜爱, 仍能屹立在艺术的殿堂之上经久不衰。新技术的视觉冲击和保持自己特色的音乐同时存在, 在相互依存、相互碰撞中进步和发展, 既在声音、情感、时间等艺术表达中有着相通之处, 又在各自所形成的门类中保持自己的特色, 发挥自己的艺术魅力。

关键词：音乐,影视,声音,情感,时间,视觉

参考文献

[1]于润洋.《音乐美学史学论稿》.人民音乐出版社, 1986年版.

[2]齐易.张文川.《音乐艺术教育》.人民出版社, 2002年版.

[3]姜敏.郄建业.《视听语言》.方圆电子音像出版社, 2005年版.

音乐艺术与绘画艺术的异同及关联 第8篇

一、音乐艺术的特征性

如果要阐述清楚音乐艺术与绘画艺术的异同及其内在的关联, 首先必须明确音乐艺术与绘画艺术本身各自具有的独有的特征性, 各自的特征明晰而确定的时候, 方能比较出两者的相同与不同之处, 从而更进一步的挖掘出两者的内在的必然联系, 以及两者在艺术的领域中所体现的各自的艺术价值。音乐艺术是听觉的艺术, 归属于动态的时间艺术, 是人类情感在听觉领域的体验与宣泄。“音乐艺术是用有组织的音构成的听觉意象, 来表达人们的思想感情与社会现实生活的一种艺术形式。”, 【1】它在一定的时间里, 以乐音和噪音的持续运动来表现自己, 它以音响在持续或间断的运动中体现着“以声表情”、“声情并茂”的艺术形象。音乐可以说是心灵的艺术, 它通过音响来表达感情或形象, 使欣赏者的心灵产生或震撼、或愉悦、或平静、或心潮澎湃等等各种各样的感受, 并以引出欣赏者在情绪上的共鸣为己任。这也正是为什么音乐能够根据不同的曲调来让人不自觉的产生不同的内在的情感, 或欢快、或悲伤、或惆怅、或别离、或激动、或感慨等等。在音乐的世界里人类的情绪没有界限, 总是根据音声、曲调不一的曲子来带动人们内心的那跟琴弦。“音乐作品反映的内容是很广泛的。有表现社会现象和有重大社会意义事件的, 有反映风俗习惯的, 有描绘自然景色的, 也有抒发人们的各种情感和生活感受的。音乐反映社会生活, 不是对社会生活的直接描写, 音乐家把自己从现实生活中得到的个人的丰富体验予以情感的概括, 然后用有组织的音乐形式表现出来, 它是通过表达情感来描绘引起这种情感所反映的现实生活。”【1】

二、绘画艺术的特征性

绘画艺术则在给人们带来的情感体验上又体现出截然不同的表达和宣泄的方式。绘画首先与音乐不同的是, 绘画是视觉艺术, 也是空间艺术, 同样又是一种静态艺术, 它没有跳动的音符, 没有荡气回肠的旋律, 它只有静静形成的一个过程。是画家将线条、色调及其他形式勾勒出一定的具象或抽象的图形, 从视觉上给观赏者以强烈印象, 并引起各种情绪的反映, 产生审美刺激。它的整个创作及形成的过程是静态的、无声的。绘画是艺术的再创造过程, 其作品就是创造的结果。艺术创造作为意象构思与物态化活动具有双重含义。第一艺术创造是心灵营构意象的活动, 亦即融观念、情欲于意象的一种心灵构形活动。第二, 艺术创造环境还需凭借才能技巧, 以物质材料如形状、质料、线条、色彩、声音、节奏、形体、动作、语言符号等等为媒介载体, 把意象物态化, 是心象变成“物象”, 【2】只有当这幅作品以完整的形式出现在人们的视线中的时候, 才能说这是一幅艺术作品, 而在这个创作的过程中的任何一环我们都不能够直接说这是艺术, 在过程中我们看到的只是技法而已。而从该你啊你上讲, “视觉艺术, 是人的心灵通过视感官掌握相应媒介手段而创造视觉意象的艺术。”【3】

三、音乐艺术与绘画艺术的对立统一性

通过对音乐艺术与绘画艺术各自定义的阐释, 我们不难看出, 两者是有着明显的不同之处, 同样在不同的定义下载我们通过他们各自传达情感的方式又可以看出其内在的必然关联。“凡音之起, 由人心生也。人心之动, 物使之然也。感于物而动, 故形于声。声相应, 故生变;变成方, 谓之音。比音而乐之, 及干戚羽旄, 谓之乐。”【4】“辱颜光禄书, 以图画非止艺行, 成当于易象同体。而工篆隶者, 自以书巧为高。欲其并辩藻绘, 核其攸同。”【1】一个作为听觉艺术, 一个作为视觉艺术, 在艺术的范畴中他们扮演着艺术不可或缺的两个重要角色, 用不同的情感表达及宣泄的方式来带给人们对艺术的不同体验, 从而最终上升到由艺术而引发的对人生的哲学的思考以及对人格艺术的体会。听觉艺术可以净化人的心灵, 带领人们体验内心世界的博大以及情感的深层挖掘。通过曲调的荡气回肠让人体验到现实中不存在情境, 无限的激发人们的内在创新性以及人们的无限想象力, 音乐的旋律可以带动人们的细胞跳跃, 带动人们思维跳动, 让人们的血液沸腾, 音乐同样具有政治色彩, 也就是通过音乐可以体民心、察民情、振士气、扬国风。在动乱的年代音乐可以明确的反映出人民所处的水深火热.音乐艺术与绘画艺术所必然产生的关联性。虽然他们的传递和表达的方式大不相同, 如绘画艺术则是通过视觉上的强烈刺激来带动人们产生内心的各种情感以及联想, 因为绘画创作是追求视觉上的直观性, 同样由于受到绘画的影响, 音乐也产生了交响音画、交响素描等, 而绘画中同样有音乐的体现, 如柳宗元的《江雪》中, 就是一副静止不动的画面, 漫天大雪, 江边一个老者在垂钓, 几乎看不出哪里有动的感觉, 一切如灰一般得沉寂, 但是当你用心来体会的时候, 这个情境确实一个缓慢跳动的音符。

从音乐艺术所表现的各种情感如欢乐、悲伤、豪壮、惆怅、优美等这些情感与绘画艺术所表现的同样的情感的技法和途径上来看, 两者是存在着传达、阐释上的差别, 但是从人民所获得情感宣泄的内心世界来讲, 两者融会贯通, 使得听觉艺术与视觉艺术和谐统一的服务与人类的艺术。

参考文献

【1】奇易、张文川:《音乐艺术教育》, 人民出版社2002年2月第1版, 第18-19页

【2】杨恩寰、梅宝树:《艺术学》, 人民出版社2001年5月第1版, 第130-131页

【3】杨恩寰、梅宝树:《艺术学》, 人民出版社2001年5月第1版, 第325页

【4】朱良志:《中国美学名著导读》, 北京大学出版社2004年8月第1版, 第6页

音乐艺术的存在 第9篇

可是什么才是音乐艺术的形象呢?

音乐形象是运用音乐语言塑造的具有一定思想情感内容和审美价值的艺术形象, 是作曲者对生活的情感体验和心理感受的艺术概括。通过创作、演唱或演奏等得到表现, 并在欣赏者听觉的审美感受和联想、通感中最后完成。具有浓厚的情感色彩和在时间流动中的活跃性、发展性, 是确定性与不确定性的统一, 时代性、民族性与音乐家艺术个性的统一。理论界也有的不同意音乐形象的提法, 认为只有具体可见的形象才是形象。我个人认为, 音乐是有形象的, 因为我觉得在我听音乐时随着旋律的跳动, 随着各种乐器的变换, 头脑中所想象的景象亦或者是想象的自己所处的那个环境就是音乐形象在我脑海中的现实化, 具体化。形象并非具体和现实存在的, 只要脑海中的能够凭借某一媒介而能够让其在自己的脑海中, 思想中现实化我觉得这一位一种形象, 这和我们一直以来在古文中所提到的“意境”不是一样的吗?

现在让我们来看看我们的音乐可以通过那些方式来表现出其“无形”的艺术形象。

音乐的表现性又称“音乐的表情性”, 与“音乐的描写性”对应统一。指音乐长于直接抒发情感的美学特征, 是音乐艺术塑造情感化音乐形象, 对生活进行审美品价的基本方式和手段。音乐反映生活主要是通过人在生活中的情感体验, 借用能表现特定情感的音乐语言, 直接予以抒发, 并间接地揭示与之相应的生活现实。

音乐语言是艺术语言之一。音乐艺术借以表达思想情感、塑造音乐形象、反映社会生活的一切表现手段的总称。广义包括旋律、节奏、和声、复调、配器、调式、曲式等表情性及描写性手段;狭义专指旋律这一主要手段。特征是以表现情感为主。比其他艺术语言有较大的不确定性, 但本身又因表达的共同性而易被不同国家或民族的人民所理解, 成为一种世界性的艺术语言。

音乐主题这是乐曲的核心部分。指作为音乐形象塑造基础的一句或一小段相对完整、明确的旋律。一般乐曲均由1个或1个以上主题的陈述及展开构成。音乐形象的主要特征, 均可集中显现于主题中。可以是多种因素结合构成的对比性主题, 也可以是单一的主题核心发展成的统一性主题。在器乐作品中, 音乐形象的主题可有标题性意义, 如命运、英雄、爱情、人民等等。

音乐的描写性又称“音乐的造型性”。与“音乐的表情性”对应统一。指音乐乐音运动能以显示生活原型的某些外部特征的性质。如可摸拟风声、水声、鸟鸣、马嘶等。是音乐塑造形象的重要手段, 但有一定的局限性。一般音乐作品, 多以表情性为主、造型性为辅, 是两者的和谐统一。

音乐的戏剧性指音乐可以表现戏剧冲突、对比或变化的美学特征。多见于歌剧或舞剧音乐, 较大型的标题性器乐曲或交响乐等。前者可在剧作表现的冲突相应展开或作为全剧序曲呈示概括;后者则在作品本身显现出矛盾对比或冲突的特性。

音乐的确定性音乐的美学特征之一。与“音乐的不确定性”对应统一。指音乐能够表现某种确定的情感或生活内容。生活中一切同声音因素相联系的现象, 均可通过一定的乐音运动表现出来, 塑造出相对确定的音乐形象。人们对音乐的美感差异, 并不表明音乐表现内容本身的不确定。也有的观点不同意音乐内容有确定性。

音乐的不确定性音乐的美学特征之一。与“音乐的确定性”对应统一。指音乐语言由于没有视觉性, 一般难于具体地描写或表现人物、事件的社会生活背景、外部特征、事变原因等, 即音乐形象有相对不确定的一面。在音乐创作和欣赏中, 由于美感的差异, 也易使音乐形象的呈现相对不确定。

音乐的形象正是通过以上的这些个特征来借以表现的, 它们很好的将听众与作曲家连结在一起, 让他们的思想产生共鸣, 进而让作曲家的所想要体现的音乐主旨在听众的脑海之中体现出来, 让他们能够在自己的脑海之中将“无形”的音乐形象展现出来。

寻找音乐艺术的新生 第10篇

中学生好奇心强, 对学习的知识喜欢提出问题, 也喜欢回答问题, 且高中学生又已具备了较为广博的知识基础和一定的逻辑思维能力。因此, 在教学中, 教师可设置一些有一定难度的思考题, 让学生运用已有的知识经验, 通过判断、推理, 探究新的知识。这既发挥了学生潜在的能力, 又促使他们积极主动地发展。在审美欣赏中, 他们不仅能够对审美物的外在形象与表面的美等方面作出评价, 而且力图在形式、内容结构以及内在的美等方面作出分析和评价。因此, 高中音乐欣赏课的教学中, 教师应积极引导学生对作品的形式、内容、内在情感等进行探究, 以培养学生形成高尚、健康的审美情感, 丰富他们的内心世界, 满足他们情感上的要求。

学生学习的性质是“开发、创新”, 课堂教学的核心是“培养学生的创新意识和能力”。现代教育的教学过程不单纯是传授知识, 更重要的是培养学生独立获取和运用知识能力的过程。因此, 教师的使命不应该只是传道授业解惑, 更应该指导学生掌握学习的方法, 进而主动地去获得知识和能力。运用“探究性教学法”进行教学, 重视发展学生的智力, 可以启发学生的创造性思维, 培养学生的自学能力和独立解决问题的能力。整个教学体现了以学生为主体, 教师积极引导学生逐步学会的思想。

学生的学习兴趣、学习愿望总是在特定情境中发生的, 离开了一定的情境, 学生的学习兴趣, 学习愿望就会成为无源之水, 无木之本。因此, 在教学中, 教师须将那些不知与知、浅知与深知之类需要学生解决的矛盾问题带到一定的情境中去, 以激发学生的探求兴趣。由于音乐具有形象性、情感性等特点, 教师创造问题情境时可根据教学内容和学生的实际, 选择情绪感染力强, 音乐形象鲜明的乐曲来营造课堂的氛围和问题的情境, 迅速集中学生学习的注意力, 并激发学生的学习兴趣和学习愿望。

音乐教学的提问艺术 第11篇

关键词：音乐教学；提问；质疑

中图分类号：G642.4 文献标志码：A 文章编号：1674-9324（2012）12-0070-02

近一段时间，笔者在《中国音乐教育》、《中小学音乐教育》、《儿童音乐》等杂志上读到了多篇关于音乐教学提问的论文，特别是文章提到了当前音乐教学普遍存在提问模式化的倾向，读后颇有同感。尤其是论文中普遍反映的提问带有“盲目性”和提问语言的“模式化”问题，确实是当前中小学音乐教学普遍存在的现象，而且也正是由于这些问题造成了音乐课堂教学的平庸、僵化，严重影响了学生音乐学习的兴趣。那么，造成上述情况的原因到底是什么？如何才能改变这种状况呢？笔者通过对以上问题的反复思考，产生了一些新的想法，也算是对该现象做一个小小的修正建议吧。先谈第一个问题“提问带有盲目性”。当前在中小学音乐课教学中常见的提问方式表现为：“教师在首次范唱后问得最多的话就是“这首歌好听吗？”学生答道：“好听。”教师紧接着问“喜不喜欢？”学生似乎发自内心地答道：“喜欢。”仔细思考上述教学语言，会发现它其实并不是真正意义上的提问语言，它尽管采用了提问的形式，但并没有达到提问的效果。因为提问对知识的释疑是有明确指向性的，而上面的提问则更多体现的是一种教学环节的过度语气。“好不好听”与“喜不喜欢”实际上都是一种对音乐作品的评价语言，而“想不想学”则是教学环节的过度语言。造成这种课堂语言表述混乱的现象，究起原因，一方面是教师对提问的目的、含义以及提问的方法缺乏了解外，另一个原因就是教师在备课中对提问缺乏精心的设计，暴露出提问存在的盲目性。关于第二个问题是“语言的模式化”。这个问题与第一个问题联系比较紧密，语言的模式化论述反映在：教授歌曲前，教师往往会说，刚才我们朗读了歌词或是刚才听了老师的范唱，现在跟老师学习歌曲……应该说是当前中小学音乐教学普遍存在的问题。试想，从小学到中学，学生年复一年，日复一日地沉浸在老师“刚才我们……，现在我们……”这种平铺直叙的语言模式中，哪里还会对音乐学习产生兴趣呢？假如将上面的模式后面再加上“好不好”三个字，变成“刚才我们……，现在我们……，好不好？”这不就又变成了与第一个问题类似带提问性质的教学过度语言吗？在当前的中小学音乐教学中，普遍存在着由于教师对提问这一概念不清楚，致使教学中的提问语言混乱、目的不明，造成了学生无须思考，便机械地做出应答这一程式化局面。那么怎样才能改变上述语言模式化状况，使提问变成一门艺术，使教学获得最佳效果呢？我认为一个音乐教师要想成为学生学习的真正指导者和领路人，首先必须要学会表达，掌握语言技巧，尤其应对课堂提问的目的与作用，功能与方法进行必要的思考和研究，只有这样才能使提问在教学中发挥出应有的作用。教学中的“提问”包括学生的问与教师的问两个方面。我国著名教育家陶行知说：“行是知之路，学非问不明。”这句话清楚地阐述了学与问的关系和作用。英国哲学家培根也曾说：“疑而能问，已得知识之半。”这句名言更是强调了问在学习中的重要性。那么，在实际的音乐教学中如何问，问什么，怎样才能体现提问的教学价值又常常成为老师们教学中的难题。湛蓊才在《课堂教学艺术》一书中对提问艺术归纳了三点内容，对于音乐教学仍具有参考价值，现摘录如下：

1.问什么。大致有四问四忌：①问有关知识，忌离题太远。②关键处发问点拨，忌不痛不痒。③难点处反复设疑深入浅出。④巩固性提问，归类记忆，忌肤浅零杂。

2.问谁。也有几问几忌：①高深或灵活性大的问题问优生，其他人复述，各有所得，忌“枪枪卡壳”。②基础题，综合题，最好依次问，忌“留死角”。③少数人举手时，提问要选择代表多数人水平的同学，忌“以情绪定人”。

3.问法。①提出问题要给学生一定的思考时间。②问题的提出要简明、准确、循序渐进。③问题要有启发性。④教师要善于引导，鼓励学生思考。⑤提问要因人而异，灵活运用。以上三点是提问的基本要求，但是在具体的教学实践中，还要结合学科特点、教学内容和学生实际情况进行合理的选择与运用，尤其是第三个内容“问法”，应该说还有很多文章可做，还需要教师在教学实践中去总结、探讨。下面介绍两种常见却不常用，但非常有效果的课堂教学提问方法，以供参考。第一种：答案选择法。这种方法类似于电视综艺节目中的知识竟答。就是教师将问题和多个参考答案同时给出，让学生从中选出正确答案，并说出理由。具体做法是先分小组对问题进行讨论，然后各组选派一名学生发言。这样做，既避免了由于教师提问的盲目性，使学生思维分散，不着边际，无所适从，或者因学生根本无法回答而造成的师生僵持、尴尬局面；又克服了提问模式化和概念混乱的状况，能最大限度地发挥学生的主体作用；而且还更有利于学生思维点的集中，使学生思考问题的目的性更加明确，从而提高了课堂教学效率。另外，由于学生回答问题时，代表的是集体意见，所以其自信度会更高，参与面也会更广；如果将这种方法长期以往的坚持下去，对培养学生的思维与探究能力必将起到巨大的促进作用。第二种：互问质疑法。提问不仅仅是教师问学生，还应当包括学生问教师。爱因斯坦说过：“提出一个问题往往比解决一个问题更重要。”互问质疑法就是学生向老师提问，变被动为主动，使教与学双方在互动中达到和谐交流，共同进步。我国著名桥梁专家茅以升曾经回忆过他年轻时期当老师的一段经历：他刚大学毕业留校任教时，他的指导老师每次上课时都用五分钟时间来提问，多年坚持不变，大部分学生探索问题时的思维能力不断得到增强，取得了非常好的教学效果；但少数学生由于在回答问题时精神压力太大，总是低着头或是每次上课都往后坐，产上了恐惧心理。这一现象逐渐引起了矛以升的重视，待见习期满，正式上课时，他仍然沿用了课前五分钟提问的方法，但不同的却是将教师向学生提问改成了学生向教师提问。正是这一改进，课堂教学效果大大改善，学生的思维能力和探究能力得到充分发挥，同时也促使教师做学问的态度更加严肃认真，其结果是师生双方收益。上面的这个典型范例，说明了一个道理，教学中的提问是一门艺术，需要认真学习；而学会提问则是任何一个教师所必需具备的基本能力。提问的方法多种多样，需要进行深入细致的研究和分析。比如常见的提问方法除直问与曲问（即开门见山和拐弯抹角的问），正问与反问（从正面或反面设问），追问与联问（穷追不舍或问问相接），重问与轻问（围绕重点、难点和关键问题设问）外，还有明问与暗问，实问与虚问，单问与重问等等。总之，要想在教学中做到合理选择与运用，就必须了解教学理论，明确提问的目的，熟练掌握提问技巧；只有弄明白了不同提问的实际意义和作用，才能正确地用好提问，使提问做到严密、有序，真正成为一门教学艺术。

参考文献：

浅谈书法艺术与音乐艺术的关系 第12篇

一、音乐的时间性与书法的时空性

在音乐当中, 快、慢等都是音乐的律动, 音乐的律动是音乐的生命。书法中的点、线和面也是书法中的生命。音乐的律动和书法的当中的点、线、面融合在一起相辅相成。音乐讲究节奏的和谐, 书法讲究线条的流畅, 两者的相通之处就是, 两者都是在时间中展开来表现艺术形象。音符和旋律是音乐特有的符号象征, 在时间里通过Do、Re、Mi、Fa、Sol、La、Si这主要的七个音符来表现的, 按一定的旋律组合起来, 在连续的时间内完成创作, 从而谱写一首完美的乐章。书法的基本语汇是线条, 正如音乐的音符一样, 也是跳动的。线条本身具有时间性, 积点成字, 字字成行, 从一张白纸到整幅作品的完成都需要时间。汉字作为书法艺术的载体, 由于其笔顺的规定性, 从一定程度上也决定了书法中汉字造型完成的过程不是杂乱无章、毫无秩序的, 而是有时间上的限制的。音乐作为听觉艺术, 其空间具有不明确性, 而作为视觉艺术的书法, 它的空间具有明确性。音乐是纯粹的时间艺术, 它只具有虚构的空间而缺乏实际空间, 作为听觉艺术的音乐意象是在时间中展开的。[1]

时间与空间是相辅相成的, 通过物体运动的各种联系而表现出来。同样书法的时空性与音乐的时间性之间有很多相通之处, 毛笔书写汉字的技巧, 每一笔划, 都有一起一落, 这个起落之间正好是音乐的一拍, 这个起落之间有轻重疾缓, 这是强弱与时间的统一。几个笔划构成一个汉字, 这个汉字成为音乐的一小节。几个汉字构成书法语言的内容, 这是音乐的旋律。旋律是音乐思想的承载物, 书法所写汉字表达的信息就是思想, 是书写的实用价值。书法作品的字体与纸面尺幅可大可小, 这与音乐的调性有大、小调之分可做一比。书法的章法要求, 是空间的照应和安排, 这可以与音乐的和声相比, 都是对比和烘托来强化表现力。在书法中“有无相生, 难易相成, 长短相形, 高下相倾, 音声相和, 前后相随。”[2]

二、音乐情感与书法构成

在艺术的形式中, 音乐是最能表现人得情感和拨动人心弦的形式。音乐在传达和表现情感上, 以有组织的声音为表现手段, 包括旋律、节奏、速度、力度、调式、转调、和声、复调等表现因素。在音乐当中, 表现愉悦的情感上运用的节奏和旋律比表达悲伤和感伤音乐的情感上要更加欢快, 速度和力度上的运用会更加明快些。宗白华先生在《美学散步》中提到:“字的结构, 又称白布, 因字由点画连贯穿插而成, 点画的空白处也是字的组成部分, 虚实相生, 才完成一个艺术品。”[3]汉代书法理论家蔡邕在《笔论》中提出书法贵乎抒情的观点:“书者, 散也。欲书先散怀抱, 任情恣性, 然后书之。”书法在表现情感时是有选择的, 即通过不同的书体、不同的表现形式表达人的喜怒哀乐。书法和音乐一样, 是通过线条、节奏来表现情感的。紧凑的节奏常常带来活泼、紧张、急促、兴奋欢乐等不平静的情绪, 舒展的节奏常常表现辽阔、平和、优美的情绪和意境。[4]

人的情感在时间当中的表现是有所不同的, 时间情感中喜悦、伤感、喧闹、都可以通过艺术的形式来表达。书法艺术之于音乐, 最具有可比性的莫过于汉字书体与音乐的音色的对比。楷书是交响乐的正式演奏, 中规中矩, 严谨完整, 特别讲究正式性。行书是轻音乐团或者室内四重奏, 行云流水, 自由自在, 艺术家有了很大的创作自由, 可以即兴发挥。隶书是中国的民乐合奏, 温良敦厚, 古朴典雅。狂草无疑是摇滚乐, 艺术家已经不在乎具体的内容, 要的就是一种情绪发泄, 酣畅淋漓, 一挥而就。篆书是什么?那是独弦琴上的悠扬, 漫失在幽暗的历史深处。张旭嗜酒, 每大醉做草书, 醒来自以为神, 不可复得。作《古诗四帖》, 线条流转奔放, 如群龙飞舞, 万马奔腾, 整幅作品一气呵成, 宣泄了作者激荡的情感。[5]欣赏者视之, 再平静的心情也会被强烈的鼓荡起来。书法抒发情感的方式同抒发情感的方式是相辅相成的。当代书法家李斌权将书法与音乐结合, 用音乐所传达的情感来表现书法结构, 如:《命运交响曲》与《沁园春·雪》, 《命运交响曲》是贝多芬所创作的, 贝多芬一生命运坎坷, 这首曲子表达了他与命运所做的斗争, 到最后音乐激昂磅礴, 正如贝多芬自己所说:“命运来叩门的声音, 正是这样。”在所表达的坚定意志、顽强斗争和热烈希望的境界与毛泽东以景抒发革命的必胜信心的词作内容在当时的场景中融汇得浑然天成、天衣无缝。在创作这件作品时, 无论是书写状态、肢体语言、笔触长短、墨色枯湿, 斌权先生的全部表达都是激昂而洒脱的, 作品的整体空间感和结字的张力达到了极致, 其独特的成就方式, 使笔墨和情感语言负载了一种精神蕴含, 带有了多重生命力度。

三、音乐与书法的抽象表现

音乐艺术具有非具象性, 或某种程度的抽象性。主要呈现为一种线条的形式, 流动的线性形式, 因而不同于空间意象。而音乐的本质特性, 就在于它的非具象性、抽象性, 乐曲音系组合成的流动的线的形式。带着这一理论, 我们看到同样作为一种抽象艺术的书法, 一方面在表现上具有非现实特指的模糊性和不确定性, 使他更有效地放弃客观实在的约束, 在精神的深层次上驰骋翱翔。而另一方面这极大的宽泛性又使它们在形式与技巧上有着要求极高的规范。在不确定中寻求一种更高的确定, 在确定种反射出一切纷繁的现象, 使书法艺术自身得到升华和超越。

作为视觉艺术, 书法是可视的。从书法的外观形式出发, 书法艺术的抽象性是最明确的特征。书法不尊重自然万物之形, 在书法艺术作品中, 我们无法从自然界中找到原型。由于重视时间推移的心理节律表现, 书法创作具有抽象性。书法中书写的墨线和分行布白, 不仅使欣赏者可窥见书家创作时线条的交错搭配和运行节奏, 而且能引起人们的审美感知的体验和丰富的联想和想象。音乐和书法的共同表现都在于表现, 音乐是通过乐曲组成的节奏、旋律, 犹如构成音乐的基石。书法则是由点、线等基石表现出书法。可以说书法是凝固的音乐, 音乐是流动的书法。

结语

音乐的节奏、旋律、音色还有力和曲式等要素构成了音乐的各种风格, 如古典音乐、乡村音乐、民族音乐、流行音乐、英伦摇滚等等。在书法中, 从行书、草书、隶书、楷书。篆书等书体的探究, 也构成了各种风格, 有典雅大方的、狂傲不羁的、中规中矩的以及现代创新的。音乐和书法的各种风格结合使两种看似不同领域的形式融合, 音乐中有书法, 书法中有音乐, 两者之间互相体现与渗透。音乐旋律之于书法文字信息, 音乐音色之于书写字体, 构成艺术内容与形式的完美对比。同样的音乐旋律, 可以使用不同的乐器来演奏, 同样的一段文字, 可以使用不同的书体来表现。当然, 艺术创作的形式总要追求艺术表达的内容统一与和谐。

摘要：任何一个艺术门类都不是封闭的, 音乐是有声的书法, 书法是无声的音乐。书法通过抽象的流动的线条之间的纵横交错的搭配, 富于运笔的节奏感, 或徐缓, 或疾快, 或浓郁, 或枯润, 字里行间的疏密、虚实的变化, 在宣纸上谱写出一首首风格迥异的乐曲。正如音乐通过有限的音符组合成无数优美动听的线的旋律一样。本文从书法的时空性和音乐的时间性, 以及书法的形、意和音乐情感、旋律、音韵之美探讨书法和音乐的和谐共存。音乐作为听觉艺术, 书法作为视觉艺术, 两者都具有抽象性的表现。

关键词：书法,音乐,和谐

参考文献

[1]、李紫娟.论音乐与书法艺术的相通性[J].文艺生活:下旬刊, 2011, (1) :49-50.

[2]、任继愈.老子新译[M].上海:上海古籍出版社, 1985.64-65.

[3]、宗白华.美学散步[M].上海:上海人民出版社, 1981.171-172.

[4]、党艳.论音乐艺术与书法艺术的共通性[J].魅力中国, 2011, (14) :296-297.