舞台摄影艺术范文

舞台摄影艺术范文（精选12篇）

舞台摄影艺术 第1篇

1 舞台摄影拍摄所涉及的舞台艺术

在舞台上有多种艺术形式的表演, 它们各有各的特色。在拍摄舞台上的场景的时候, 拍摄的人员要对所拍摄的场景和表演内容有所熟悉, 以便在拍摄的时候及时的采用不同的拍摄方法进行拍摄。

1.1 音乐和曲艺

音乐、曲艺这类舞台艺术表演形式一般都是由一两个或者三四个人物进行表演的, 例如音乐中的独唱、重唱、独奏、重奏等等, 曲艺类有相声、说书、大鼓等等。当然, 舞台表演也会出现人数众多的大合唱或者交响乐的演奏团进行表演。这样类型的表演, 舞台上的灯光比较均匀、明亮, 舞台上表演者的活动范围不大, 所以这类舞台摄影的拍摄相对较为的容易。舞台摄影在拍摄时主要以取中景和近景为主, 在拍摄时要特别的注意表演者的表情以及肢体动作, 要对优美的、富有特征的瞬间进行抓拍。在进行曲艺表演时, 假如表演者有使用乐曲, 要将所使用的乐器也拍摄在内, 使日后看到照片的人可以一目了然, 知道拍摄的内容。

伴随着表演形式的越来越丰富, 出现了歌唱带有伴舞、演员和乐团同时进行表演的舞台表演形式, 这样的场面相对较大, 所以在进行舞台拍摄的时候不仅要关注表演者还要对后面的伴舞、乐团进行注意, 在舞台拍摄时可以拍摄主演表演者的近景、中景、也可以拍摄比较大的、完整的场面。特别要注意的是在对歌唱带有伴舞的舞台表演时要注意歌唱的与伴舞的进行协调选取动作优美的瞬间进行舞台拍摄。

1.2 戏曲和杂技

在戏曲种类中例如京剧、越剧、豫剧等等在表演的形式上一般都会有比较固定的程式化, 这些剧种一般在招式、举手投足之间都有固定的规矩。就连伴奏的音乐也会有比较固定的曲牌。舞台摄影者假如能够对戏曲的表现形式能够有一定的了解, 同时对乐队的锣鼓点有相应的了解, 在适当的时间进行拍摄, 拍摄的效果应该会比较尽如人意。但是在戏曲中会出现很多打斗的场面像翻跟头、舞刀弄枪这类的动作迅速的表演, 让人目不暇接, 这时舞台拍摄要想捕捉到表演者的这些高难度的经典镜头, 就要使舞台摄影者具备高的专业素质。

杂技节目以其惊人的动作、刺激的表演紧紧的吸引着人们的视线, 杂技动作同样动作迅速, 而且有的杂技会出现高空的动作表演。但是杂技这种类型的表演比较有规律可以发现, 舞台表演由开始到结束难度不断地进行上升, 到了结尾时难度最大, 同时也很具有代表性。舞台摄影者要想拍出理想的效果应该提前对节目的大概情况进行了解, 至少做到知道大概表演过程, 以便于拍摄到完美的画面。

1.3 舞蹈

舞台表演时舞蹈是其中一个重要的表现形式, 所以舞蹈也随之成为舞台拍摄的一个重要的聚焦点。舞蹈表演姿态优美动人、肢体语言丰富生动、整体动作组合给人以视觉享受, 所以受到了舞台摄影者的偏爱。舞蹈的表演所涉及的活动范围较大, 不易进行拍摄, 同时随着舞蹈动作发展灯光也在不断变化, 在这种复杂的场景下舞台拍摄显得十分的不易。

在拍摄舞蹈表演时, 关键要注意的是要高度的集中注意力, 尽可能的抓拍优美的瞬间, 以免错过。在舞蹈结束之时的造型一般是动作的高潮, 要有所准备进行拍摄。在拍摄舞蹈表演时在为了体现人物的形象的情况下, 尽量不要进行近景拍摄或者进行特写。

2 舞台摄影的方法和技巧

舞台摄影由专场拍摄和舞台现场拍摄。专场拍摄这种拍摄一般有演出的单位专门让舞台摄影者进行拍摄, 在角色、情节、场景上都会有具体的要求。而舞台现场拍摄则是根据现场的灯光等情况进行调节, 运用摄影技巧进行拍摄。在这些拍摄拍摄上都会有一些方法技巧。

2.1 舞台专场摄影

第一, 这种拍摄要对事前有一定的了解, 要提前观看演出情况、了解剧情, 然后根据实际制定拍摄的计划, 然后根据要求最终进行商讨确定。在拍摄时为了节约时间、方便操作可以将同一背景下、道具相同、时期相同的场景的表演安排在一起进行表演, 从而方便拍摄。

第二、拍摄之前要进行多方面的沟通。在进行拍摄的时候要提前跟表演者进行相应的沟通, 表明所要拍摄的内容, 让表演者在表演时有所注意, 但是有的表演者又会因为摄影而表演, 造成表情的不自然, 情绪调动不起来, 所以还要求摄影者尽量拍摄表演者的内心人物情感。同时和灯光要进行协调以及工作人员的共同配合才能高质量的完成舞台拍摄, 因为在舞台上会出现灯光反差的问题, 要提前做到协调, 拍摄才会人和景都清晰。

2.2 舞台现场拍摄

在进行舞台现场拍摄时也有一些方法技巧, 一个是拍摄点的选择非常的重要, 最好在第一排的偏左或者偏右一点最好, 这样所拍摄出来的舞台上的人物不会进行过多的重叠, 假如舞台有点高, 选择第一排有点低会拍摄不到表演者全身的话, 可以根据实际情况进行适当的向后调整。还有一个是注意灯光, 灯光有很多种有舞台正上方的光, 有两侧边幕的侧光还有剧场各处的聚光灯等等, 在这样情况下要根据光的情况和光的变换及时对光线进行调节, 做到拍摄出来的舞台场景恰到好处。

3 结语

舞台摄影艺术是一门富含了高深的内容的摄影, 这类摄影虽然场所较为固定, 但是其中的变换却是繁多, 对舞台摄影者也是一种挑战, 所以舞台摄影者也要不断提高自己的专业素质和能力, 灵活运用, 争取将舞台上的表演更加完美的记录, 留下回忆的瞬间。

参考文献

[1]吴华学著.《舞台艺术摄影》, 上海人民美术出版社, 1982年12月.

[2]齐欣.数码摄影实用技艺教程[M].上海:上海人民美术出版社, 2009.

[3]侯杰.舞台摄影测光和曝光的选择[J].群文天地 (下半月) , 2010 (2) .

打造艺术舞台 引领精彩人生 第2篇

——宿迁市第一实验小学艺术特色教育回眸 每天，校园里都有琴声在流淌，歌声在荡漾；每年，学校举办的校园艺术节、书画展、文艺晚会等活动中，都涌现出学有所长的艺术人才和精彩纷呈的艺术作品。这是宿迁市第一实验小学创建艺术教育特色学校的结果。

学校自2008年创建以来，全面贯彻党的教育方针，认真实施素质教育，牢固树立“高品位、有特色、现代化”的办学总体目标，积极实践“引领 启迪 帮扶 激励”教学理念，秉承“打造艺术舞台 引领精彩人生”的教育观念，将艺术教育渗透于学校教育，寓教于艺，以美辅德，创造了环境育人、艺术育人的氛围…….在短短三年时间内，学校的艺术特色教育取得了质的飞跃，赢得了社会各界的广泛关注和赞誉。

更新观念，强化特色办学理念

有思路才有出路，有特色才有起色。学校除进行正常的小学教学外，还专门开设了艺术特长班，紧紧抓住艺术教育这条主线，通过健康、生动、活泼的教育形式，潜移默化地作用于学生的心灵，切实有效地开展以艺辅德、以艺益智、以艺养性的各项工作，全面贯彻教育方针，全面实施素质教育。学校严格按照新课程标准制订学期艺术（音、体、美）学科的教学计划，进度表，合理安排教学内容。要求每位艺术教师教学中注重过程性、自主性、实践性和创新性。教务处还把艺术课程列入期末考查和毕业考核科目，把平时记录和考核相结全，重视过程性评价。

立足课堂，夯实艺术教育基础

课堂教学是艺术教育的主渠道，将校园艺术教育建设与学校课程建设相融洽，构建生动活泼、高效优质的艺术课堂教学模式是我校艺术教育一道亮丽的风景线。学校从一年级起就开设艺术必修课，面向社会诚聘了一批深受广大学生喜爱的专职艺术教师。为了达到高效优质的教学效果，艺术教师们通过信息技术与课程整合的课题研究，大胆运用信息技术进行艺术教育模式的创新，利用多媒体手段将名帖欣赏引入书法课堂，将名曲欣赏引入音乐课堂，将美术鉴赏引入国画西画课堂，老师们将学科融合，丰富了艺术课堂，更加激发了学生学习艺术的兴趣。生动活泼、高效优质的艺术课堂教学模式积极推动了学校艺术特色和校园文化品牌的形成。

多彩活动，拓展艺术教育舞台

为了更好地开展艺术教育，学校经常组织丰富多彩的创意新颖的校园文化艺术活动，激发学生审美、爱美、学美的情趣。此外，学校还认真做好经典诵读、合唱训练、京剧教学、书画教学、英语口语五大特色，利用每天下午的课外活动时间组织兴趣小组活动，活动过程做到有目标、有记录、有结果。教务处有计划地组织、安排一些单项比赛，如朗诵、书法、手抄报、作文、演讲、讲故事、英语口语、太极拳等比赛。

每年的国庆、元旦、“六•一”节，学校都要举行文艺庆祝活动，以丰富多彩的文艺形式吸引学生积极参加。特别是每年一届的校园文化艺术节，数百幅的书画作品在展厅展出，像艺术的海洋；学生们歌声悠扬，舞姿优美，个个沉浸在童年的幸福和欢乐之中。这些活动不但激发了学生浓厚的艺术兴趣，提高了学生的艺术素养，取得了良好的社会效应。

弘扬国粹，京剧艺术震古烁今

学校在推进艺体特色工程的过程中，积极响应国务院关于高雅艺术进校园的号召，努力挖掘民族文化，传承经典，着力打造自己的艺术特色。2010年12月7日由市委宣传部、市湖滨新城管委会共同出资，宿迁市第一实验小学承办的“孝慈少儿京剧艺术团”在我校正式揭牌，学校选拔了30多名学生组建了京剧实验班，精心布置训练场地，营造了浓郁的京剧文化氛围，经过京剧老师短短几个月的辛勤指导和小戏迷们夜以继日的刻苦锻炼，学生们已经能够掌握京剧的一些基本动作和说唱要领，校园里每天都会荡漾着他们的依依呀呀的欢乐心情。为了能够扩大京剧艺术教育对外交流力度，提升对内的有效影响，同时促进学生们学习京剧的热情和信心，京剧实验班先后参加了湖滨新城举办的各种大型汇演、宿迁市春节团拜会等重要场合演出，得到与会领导及社会各界人士的高度赞扬。2011年4月15日中央电视台“快乐戏园”栏目组到我校进行为期四天的拍摄活动，节目已在中央电视台11频道播出，有力地宣传了学校的素质教育成效，充分展示了我校艺术特色教育取得的阶段性成果。

保障有力，创设艺术教育乐园

火车跑的快，全靠车头带。为了更好地做好艺术教育特色学校的创建工作，学校设立“艺教处”，专门负责学校艺术教育工作的组织落实，刘校长负责整个的艺术教育工作。学校建立健全艺术教育管理体系，制订学校艺术教育三年发展规划，严格执行《学校艺术教育工作规程》。学校艺教处和教务处加强艺术教育的指导，做到期初有计划，期末有总结，定期检查教育教研组的集体备课，重视各个教学环节。学校加大创建工作宣传，充分利用板报、橱窗、校园网等媒介，营造丰富多彩的校园文化艺术氛围；为实现校园环境风景化、知识化、艺术化，学校从一张张富有艺术特色的个性化班级课表到校园的每一寸墙面，每一份空间都彰显出校园的艺术文化，建画廊、做匾框，学校处处都渗透着艺术情趣，力求让每一处环境都具有艺术教育功能，真正做到“硬件”过硬，“配件”到位，“小件”求精，“软件”求新。

学校积极发挥自己的优势，努力推进艺体特色工程。由刘校长主抓、体卫艺处承办，在一个月时间内先后成立了由120名教师和150名学生组成的两支校合唱队。经过大家的共同努力，刻苦训练，终获得了殷实的回报。合唱队先后参加“放歌五月”、“国庆60华诞”、“团拜会”等大型晚会的演出，并获得了市、区领导的一致好评；其中合唱节目《山童》在2010年宿迁市第六届中小学艺术展演活动中荣获特等奖；合唱《家住安源》在2011年市合唱比赛中荣获第二名。为打造一实小的艺术品牌奠定了坚实的基础。

建校三年来，学校坚持不忘走艺术教育特色之路，以艺辅德、以艺促智。通过不断努力，逐步探索出了一条符合学校发展的路子，艺术教育硕果累累，每年学校有数百人次在各级各类艺术比赛和考级中获得优异成绩。全体学生都能积极参与学校特色的教育教学活动，每名学生都有自己的艺术爱好和特长，拥有一大批“合格 + 特长”的学生，参加相关竞赛、演出、展示等取得了诸多奖项。学校合唱队先后参加“放歌五月”、“国庆60华诞”、“团拜会”“童心向党”等大型活动的演出，均获得一等奖；其中合唱节目《山童》在2010年宿迁市第六届中小学艺术展演活动中荣获特等奖；教师合唱《家住安源》在2011年市合唱比赛中荣获第二名……

春风催潮生，春雨润百花。如今，学校已拥有一支年轻向上的师资队伍，一条寓德于艺的工作思路，一种敢为人先的创新意识，一个后劲十足的发展态势。今后一实小人将不断创新艺术教育模式，塑造特色教育的品牌，让艺术教育成为学校推进素质教育中最为亮丽和最富个性色彩的风景，显示出更加旺盛的生命力。（第一实小

舞台灯光艺术 第3篇

一、灯光的功能

在剧场里，把想给观众看的部分打亮，而把其它的部分留在黑暗中；所以选择性的可见度，便是由灯光依照舞台区位或人物的重要性，作有层次及选择性的照明。换句话说，灯光等于是带领观众在演出进行中，随时可以找到重点的探照灯。

在场景中，比方说这场戏是发生在某年某月某一天的早上或下午，而这些戏剧时空中的真实时间，就成了灯光设计可以依循的基本条件，决定有关光源的方向、颜色，诸如以灯光制造出午后阳光的效果、或冬季清晨的效果、或秋天落叶枫红的效果等等。

舞台空间为一个画布，而舞台、布景、服装等物，若无灯光，将无法为人所见。故灯光是导演和设计师的工具、画笔、颜料，一点一点的将舞台画面着色。布景跟服装被观众看到，呈现出它原有的颜色；另一种是灯光本身的颜色，可在舞台上制造出某种气氛和效果。灯的有色光常被分为寒色光和暖色光，寒色光以蓝色系为主，暖色光则偏黄或偏红，两者能各自塑造出截然不同的感官感觉，这种基础感觉及氛围的设定能帮助演员表演及舞台上动作之发生，此即为经由舞台灯光所达到的一个效果。另外，舞台灯光可以清楚切割舞台空间，区隔各个表演区，以及背景、中景、前景等层次，呈现舞台的景深，达到完整的视觉效果。再者，对于不同剧场形式有关空间的运用，灯光亦扮演非常重要的脚色。

二、如何制作灯光

舞台灯光设计的第一个步骤，阅读重点、角度与演员不同，必须练习看出一幕幕的画面及全剧的情绪变化，找出转折点，转化为光的律动、强度、色彩。因为设计是抽象的表演艺术，所以设计师最重要的是认识生活，生命中的每一件事都值得且必须注意、关心。个人生活中可以多方涉猎关于音乐、美术、历史或中国的诗词、古画等等。事实上，信息的吸收、作品的观摩十分重要。灯光设计必须和导演、布景设计、化妆师进行讨论，为谋求诠释角度的统一做进一步沟通、协调。排练当然更不能缺席，每个手势、表情、眼神，都必须熟悉得一如表演者，才能精确地用光代替所要表达的情感。有了软件上的准备，还必须了解演出场地的灯具、灯形及空间、高度、设备，设计才不会不切实际。

完美的演出，牵涉到了整体的配合，尤其幕后工作者是用整个舞台表演，幕一拉开，布景、灯光、音效等就已开始表演，要环环相扣，容不得半点差错。技术彩排关系演出质量，对灯光而言尤其重要，在彩排时才能在实际演练中了解所要的气氛、效果是否恰当或不足。

三、理想的灯光设计

1、简单就是美。2、不讲求花俏、喧宾夺主.衬托主题而不自我表现。3、能烘托出气氛、精神，而让观众自然接受、融入。理想的灯光设计是希望达到反璞归真的境界，而不是变化多、颜色繁，拼命去提醒人们灯光的存在。当然颜色也许更多，做得更抽象，但观众反而觉得真实而有着更深刻的情感表达。除了多方的涉獵、努力外，还得培养耐性、感性及细心，因从装台到拆台、从感受剧情到设计，这三点都是最重要的因素。

总之，跟其当艺术不同，灯光设计是直接向大自然学习，又需要持久的反刍才能发挥、创作的艺术表达方式。而这不仅指设计者本身的修养，也包括了科技的研究、创新。

作者简介：

舞台服装设计及舞台艺术效果研究 第4篇

一、舞台服装在舞台艺术表演中的作用

舞台服装设计逐渐得到了人们越来越多的关注。舞台服装设计者发现,人物所穿着的服装直接影响着舞台的表演效果,因此舞台服装设计成为了舞台艺术的重要组成部分。舞台服装在设计师的完善和创新之下,不断地加入审美意识, 致力于让舞台活动展现出充分的生命力。舞台服装设计的重要性直接受到了时代发展的影响,演员所穿着的服装会因为剧情的时代背景以及具体的人物事件而发生变化,也会因为灯光、美术、表演、导演等各个方面的因素,受到一定的制约。 因此,舞台服装设计师在进行服装设计时,要具备深厚的文艺实践功底,综合运用多种设计手段,更好地提升舞台的艺术表演效果。舞台服装在设计时要依据人体体型的特点,做到更加大方、美观和合体,让观众在观看演出时,体会到新潮前卫的服装设计。

二、舞台服装设计满足舞台情节的需要

在设计舞台服装时,要根据舞台情节发展的需求,充分考虑到导演的意图以及想要表达的剧情,让服装与整体效果互相协调。舞台服装设计要体现强烈的时代感,在不同的年代有不同的流行元素,因此在表现服装时,要加入不同年代的设计风格,体现特定时代的符号,展示独特的艺术魅力。 舞台服装设计师要充分考虑到舞台剧情发展的需求,深入了解每一位演员所要扮演的角色特点。在进行服装设计之前, 就要在地域、年代、职业、身份、性格等各个方面做好综合的考量。设计师设计的舞台服装要满足演员表现舞蹈动作的需求,让演员能够在舒适得体的服装的协助下,充分地发挥表演水平。舞台服装在设计时要充分认识到表演者的舞蹈动作幅度非常大,活动范围相应较小,服装绝对不能妨碍演员的表演,否则就会降低舞台的表演效果。舞蹈演员动作幅度非常大,有翻、跑、跳、舞等,设计师要充分认识到舞蹈动作对服装设计的需求,所设计的服装要能够满足演员高频率、大幅度的动作。在选择面料时一般会使用有弹性的垂、 轻、薄的面料,款式应大方得体,剪裁须合体,以充分发挥舞蹈演员优美的身段。

三、舞台服装设计符合人物表演的性格

在进行舞台服装设计时,最主要的目的之一就是让观众能够通过舞台服装对角色有更加深刻的理解。因此舞台服装设计师不仅要考虑到表演者是谁,而且要直接从观众的角度审视舞台服装设计的原则。通常在舞台表演中,观众能够直接从演员的服装对角色的年龄、性别、性格有很好的了解。 服装设计师在设计时要充分考虑到剧情发展的需求,为阴险狡诈的人物设计服装时大多使用灰暗的颜色,对于坚强不屈、刚正不阿的人物,一般都会使用纯净的暖色调和浅色调。设计师还要充分考虑到现场灯光以及舞台布景对服装设计的制约,要依据现场灯光的效果,改变服装设计的色彩, 充分地发挥物色和光影之间的关系,让舞台服装达到理想的效果。

在《鸳江喜》的舞台表演中,为了体现喜庆吉祥热烈的氛围,所有的演员服装都使用红色,观众一眼就能够感觉到舞台剧的喜庆氛围。服装设计师充分考虑到舞台的背景颜色,意识到棉布、丝绒、化纤、真丝的面料会因为同一种灯光的照射而产生不同的颜色效果,所以在设计服装时非常慎重地选择面料。

四、舞台服装设计增强舞台艺术的效果

在设计不同的服装时要综合运用各种装饰手法,精美的装饰会让舞台服装显得花团锦簇、雅致秀美,提升演员表演的效果。设计师在进行舞台服装设计时非常讲究,所使用的图案的色彩、大小、形态、材料、装饰部位,都会严格地按照舞台的要求来进行。一般都是在腰部、肩部、胸部、颈部、 袖口、门襟、裙摆的位置进行装饰;并在面料的配合下,展现服装的华丽感和生动感。服装设计师通常还会使用钉珠、 褶皱、刺绣,让舞台服装更加丰富多彩。

在舞台服装设计中,设计师要充分考虑到舞台的表演效果,将服装和灯光、道具、化妆、表演融为一体,通过服装的变换让观众产生耳目一新的感觉。服装设计直接影响着舞台的艺术表演效果,所以根据剧情和情节发展的需要,设计出合理的舞台服装,有助于增强舞台艺术表演效果。

摘要：随着现在舞台艺术造型的快速发展,舞台服装设计已经成为舞台艺术效果研究中的重要组成部分。舞台服装设计是一门综合性的艺术,直接影响着舞台艺术的演出效果。在进行舞台服装设计时,要充分考虑到舞台艺术表演的内容及情境,在灯光、音响、剧情的互相映衬之下,为人物设计出具有特色而又真实的舞台服装,达到感染观众的目的。

我的艺术舞台叙事作文500字 第5篇

一说到舞台，我们想到的都是那些灯光闪烁，美丽无比的舞台。可是，在我认为，舞台还有另外一个意思，就是我生活中的舞台。

我生活中的舞台，不大，而且很普通。但是在我眼中，这个舞台对我来说已经很好了，至少，这个“舞台”是我的第一个“舞台”，是对我一个极大的鼓励。

我的舞台的内容。就是我学了几年的葫芦丝。那天，我想学竖笛，于是，妈妈就帮我去琴行帮我报名。可是，琴行没有竖笛，只是，有葫芦丝。葫芦丝，刚听到这个乐器的我感觉这个名字好有趣，不听妈妈向我描述，我就答应了。过了不久，我就去上课了。

刚学葫芦丝，我什么都不懂，只知道照老师的样子按着孔，学会了几个音符，当天就兴奋得不得了，想妈妈一直吹呀吹呀。后来学会了几首简单的歌曲，更是兴奋，总是对着谱子吹。后来，老师才发现，我的手上下放反了。这对我无疑来说是一个晴天霹雳。这样拿葫芦丝都已经习惯了，而且都已经很久了，现在要让我改过来，简直就是难上加难，于是，只好开始努力地练习了。新东西还是要学下去。为了不耽误课程，老师便让我在一星期内改过来。我只好对每个音符开始重新认识，对每个指法也开始重新习惯。终于，在妈妈的鼓励和我的.努力下，我终于改过来了。渐渐地，我学的歌曲越来越难，节奏也越来越难掌握，但是，老师在偶尔的时候也会开始表扬我，有一次，他甚至在有人来的时候让我吹给他们听，并表扬我，有时，别人也会啧啧赞叹。

浅谈舞台艺术创新 第6篇

关键词：舞台艺术；创新；策略

引言：在我国互联网技术迅速普及的今天，老百姓通过互联网平台就可以欣赏到各种类型的艺术表演，使得传统舞台艺术逐渐没落，与此同时，由于传统舞台艺术的表现形式以及表现手法已经无法跟上时代发展脚步，让我国传统舞台艺术，比如戏剧、杂技、魔术以及武术等，将面临无人欣赏的窘境。因此，为了有效避免这一现象，就必须对舞台艺术进行创新，从而在保留传统文化艺术的基础上，促进舞台艺术的良性发展。

一、舞台艺术的内涵

1、什么是舞台艺术

舞台艺术具有两层含义：第一，舞台艺术指的就是在舞台上表演的艺术，其中最具代表性的就是戏剧、曲艺、舞蹈、杂技以及武术等；第二，舞台艺术说得全面一些就是指由舞台、布景、道具以及灯光等，和由空间、形状、光色、质感以及活动等因素，共同构成的时间与空间的综合体。简单来说就是为演员表演服务的各种媒介。

2、舞台艺术的发展现状

舞台艺术在发展过程中也经历了以下几个阶段：早期的舞台艺术只是单纯的为演员表演服务，包括化妆、服装表现以及服装借用等，在之后的发展过程中，又出现了用舞台布景来烘托表演气氛的模式。室外舞台转向室内舞台后，舞台艺术又衍生出了舞台灯光、音响设备以及舞台机械等塑造的立体舞台空间，使演员的表演更加为人们所接受。近年来，随着我国科技技术的不断发展，与舞台艺术相关的技术以及设备也出现了日新月异的变化，舞台艺术的设计手法也层出不穷，一方面为演员提供了一个各项条件都比较完备的表演空间，另一方面还让观众获得了更完美的视觉感受。比如最近几年的央视春晚，它就借助了许多先进技术，如数字投影、LED显示屏等，使晚会的舞台效果震撼了亿万观众的心。

二、舞台艺术的创新途径

1、舞台艺术的融合

将两种或以上的舞台艺术表演形式融合在一起，已成为舞台艺术创新的重要手段。我国已在这一领域取得了不错的成绩，其中，最具代表性的就是十年前在俄罗斯克里姆林宫上演的杂技芭蕾舞剧《天鹅湖》。它巧妙地将中国的传统杂技与西方经典的芭蕾舞相结合，创造出了极具中国特色的《天鹅湖》，让这一经典又焕发出了新的生机，不仅是舞台艺术的一次创新，同时还带来了可观的经济效益以及社会效益。然而，并不是所有的舞台艺术都可以通过融合而形成新的艺术，关键在于艺术家能否发现这两种或以上的舞台艺术之间存在的共同点，并找出融合后新的生长点。就像杂技芭蕾《天鹅湖》，艺术家在融合芭蕾以及杂技时，不仅要处理好芭蕾与杂技之间的关系，同时还要对“融合物”与柴可夫斯基音乐之间的关系加以重视，后者的处理难度相对较大，但是在中国艺术家的通力协作下，改编后的《天鹅湖》获得了世界各国人民的认可。因此，在融合舞台艺术之前，要正确处理好以上问题，从而在创新舞台艺术的同时，推动它的健康发展。

2、舞台艺术的颠覆

颠覆这一词汇出现在舞台艺术中最直观的体现就是对经典剧目的改编。尽管有些专家学者认为对经典剧目的颠覆是在亵渎经典，然而在实践中我们可以发现，通过这一方式改编甚至是颠覆舞台经典剧目更容易被大众所接受，并形成了一种新的理念，即后现代主义美学。举例来说，中国的杂技芭蕾《天鹅湖》只是将芭蕾以及杂技巧妙的融合在一起，对原剧剧情的改动并不是很大，而由英国推出的“男版天鹅湖”则是在沿用原有音乐的基础上，对剧情以及舞蹈动作都进行了改编。导演马修伯恩不仅对天鹅湖的剧情进行了改写，其中男主角的形象也是变动较为明显的一点。这一剧目从上演之初就广受质疑，然而这种大胆的创新还是带来了极大的震动。除此之外，由英国剧作家斯托帕根据《哈姆雷特》改写的《罗森克兰兹和吉尔登斯特恩已死》也是颠覆经典的代表，同样遭到质疑、批判，但是同样为大众所接受。这都从另一个角度说明，经典已经不再是神圣不可侵犯的。通过这种方式，可以让人们从对经典名著产生另一种理解。由此可见，对传统舞台艺术的创新，要在对原作充分了解的基础上，敢想敢做，对其中的某一点或几点进行深入挖掘，从而为之后的改编奠定基础。

3、合理运用新媒体技术

新媒体艺术，也被称作是数字媒体艺术，它主要是依托数字化技术而形成的新型艺术类别。其中，較为常见的新媒体艺术，包括电脑三维动画设计、投影技术、激光布景、数字调控音响技术以及其他先进高科技手段等。在我国数字化技术飞速发展的今天，新媒体艺术也对传统舞台艺术造成了巨大的冲击，然而传统舞台艺术并没有因此而消散，在艺术家们的共同努力下，正确处理好新媒体艺术以及传统舞台艺术之间的关系，在传统舞台艺术中适当的加入新媒体技术，已成为舞台艺术创新以及发展的必然趋势，并在这一基础上，形成了一种新生行业，即新媒体舞台艺术设计，也可称作数字舞美影像设计以及舞台视频设计等。举例来说，在08年的北京奥运会开幕式上，我国运用多种新媒体技术，为全世界人民带来了空前壮观的视觉享受，人们在惊叹之余也感受到了中国舞美影像技术以及创意的综合实力，而从这一刻开始，中国的舞美设计也翻开了新篇章。

从上世纪末开始，各种新媒体技术如雨后春笋般的不断涌现，而传统舞台艺术则由于其自身对“镜框式舞台”的依赖性而逐渐走向下坡路，与此同时，它在反应生活、传达美感以及观众感受等方面都有很大的局限性，并且在数字影像技术迅速蔓延的背景下，流失了大量的观众。为了解决这一现象，艺术家们在传统舞台艺术中加入了新媒体技术，并通过不断的尝试、摸索，实现了新媒体艺术以及传统舞台艺术的巧妙融合，并为传统舞台艺术的发展创新提供保障。

三、结语

综上所述，舞台艺术作为我国传统文化中不可或缺的重要组成部分，它的创新发展不仅可以满足老百姓日益增长的精神文化需求，同时还在提升国家文化软实力的前提下，进一步继承和发扬了中国传统文化瑰宝。在科技技术不断发展的今天，艺术家们通过融合传统舞台艺术、颠覆经典剧目以及巧妙运用新媒体技术等方式，实现了对舞台艺术的创新，并促进了舞台艺术的良性发展。

参考文献

[1]甘婷.舞蹈与杂技表演的舞台融合性探究[J].美与时代·城市，2014，（10）：102-102.

[2]郭静舒.文艺精品生产必须去除贵族化和狭隘功利主义——对大型地域风情舞蹈诗《家住长江边》成功实践的思考[J].理论月刊，2012，（8）：99-101.

[3]岳音.市场化对文化资源的整合与舞台艺术的促进创新——评大型实景历史舞剧《长恨歌》[J].山东社会科学，2013，（12）：76-80.

舞台摄影艺术 第7篇

1. 舞台技术创新符合时代背景要求

随着人们生活水平的提升, 人民群众越来越注重对精神文化的追求。而作为国民文化的重要组成部分, 戏剧艺术受到社会公众的广泛推崇。戏剧表现形式较为丰富, 话剧、舞剧、歌剧等都归属于戏剧范畴。在中国乃至全世界, 戏剧都有着较为长远的发展历史。在国内, 传统戏曲已有了上千年的悠久历史, 在其发展中积淀了较为深厚的文化内涵, 浓缩了中国传统文化与人文精神的精髓, 堪称为中国的国粹。而在舞台技术方面, 也随着戏剧艺术的发展, 积攒了丰富的经验与多元化的表现形式, 为传统文化的传承提供了必要的技术支撑。而进行舞台创新, 能确保戏剧艺术与时代背景更加贴合, 为观众提供听觉、视觉等感官上的全方位体验。

2. 舞台技术创新有利于推动传统戏剧的发展

戏曲是我国的非物质文化遗产, 种类较为丰富, 高达300多种剧中。其中, 包括京剧、越剧、评剧、豫剧、黄梅戏等, 为我国传统艺术文化的瑰宝, 深受各地人民的喜爱。但是, 随着电影电视、流行音乐等现代文化的发展, 对传统戏剧造成了较大冲击, 加之戏剧的地域限制, 传统戏曲逐渐衰落, 对戏曲的创新与改革刻不容缓。而对戏曲的创新, 不仅包含内容与形式, 对舞台技术的创新也非常重要。通过布景、灯光、音效、舞台机械等形式的舞台技术, 呈现给观众一个充满创造性的舞台, 在辅助剧情的基础上, 提供了更高级的服务, 有利于激发观众的观赏热情, 满足了新时期观众的审美需求。

3. 舞台技术创新为戏剧创作提供新思路和新方向

随着信息时代的到来, 各类信息不断冲击着人们的思想观念。社会公众对艺术的追求, 在态度上也发生了较大转变, 对戏剧艺术表现出更大的期待, 也提出了更多的要求。而舞台技术创新能为新形式的戏剧创作, 提供新的创作方向与思路, 避免因舞台技术的限制而使创新难以实现现象的发生, 使戏剧创作的内容变得更为宽泛、形式更为丰富。通过舞台技术创新, 让戏剧在舞台上的表现得更为绚丽多彩, 为观众带来丰富的感官体验。

二、戏剧舞台技术的运用与创新现状

1. 以内容创新为主, 技术创新较少

随着社会经济的快速发展, 人们已由原本的物质追求转变为文化追求, 而其娱乐方式也变得更加丰富, 在很大程度上造成了对传统戏剧的冲击。在此情况下, 虽然对传统戏剧进行了一定程度的创新, 以改善其濒临消失的危险境地, 但其创新与改革主要集中在戏剧内容上, 对戏剧舞台技术的改革与创新较少。一些剧团为了迎合新一代观众群体的喜好, 在传统戏剧中融入大量的西方文化, 或对内容进行颠覆性地改动, 抛弃了戏曲中原有的文化内涵, 让老一辈的观众群体难以接受。

2. 舞台技术创新发展缓慢

通过舞台布景、灯光、音响、舞台机械等技术, 能为观众带来身临其境的多重感官体验, 让戏剧的内容变得更加丰富, 进而引发观众思维上的联想与情感上的共鸣, 为观众呈现出清晰的戏剧内涵。但是, 在当前舞台技术创新中, 由于技术、资金、人员等各方面因素的影响, 舞台技术的创新应用发展较为缓慢。

三、舞台技术的创新运用方法

1. 舞台布景的创新

作为舞台技术中的关键组成部分, 舞台布景占据着中心地位, 在戏剧中起到交代背景、环境、地点的重要作用。同时, 舞台布景能有效烘托戏剧, 为观众传达出戏剧中蕴含的深刻意境。因此, 舞台布景创新是戏剧创新中不可缺少的一部分。而随着当前多媒体技术的普及, 为舞台布景的创新带来了更大的发挥空间。与传统写实绘景的舞台布景方式不同, 新的布景方式融入了多媒体技术, 可为舞台戏剧打造虚拟实景, 并以动态的视觉进行传达, 突破了空间与时间上的限制, 为戏剧内容的创新开拓了更广阔的平台, 特别是在一些对舞台技术要求较多的神话类剧目上, 有了更大的发挥空间。

2. 舞台灯光艺术的创新

在戏剧舞台中, 不可避免对灯光的使用。通过灯光的变换辅助戏剧内容, 最大限度让观众感受到剧情的跌宕起伏, 进而让观众体会到戏剧所要传达的复杂情感变化。在进行舞台灯光艺术创新时, 需要重点关注细节问题, 通过对灯光色彩、持续时间长短、明暗等个方面的调整, 调配出灯光的最佳亮色点、感染点已经细腻点, 更好地衬托演员的表演, 烘托出剧情的丰富变化以及剧中人物的复杂的心理历程。例如, 在打面光时, 能利用灯光不断变换色彩与明暗的调整, 无限放大剧中人物丰富的内心情感, 推动剧情的发展, 帮助观众更直观地体会剧情的丰富内涵, 也让观众体会到戏剧舞台中灯光所蕴含的魅力。

3. 舞台音响艺术的创新

在戏剧舞台中, 音响也是极为重要的构成部分。可通过舞台音响的“虚”“实”结合, 满足新时期观众对戏剧舞台的观赏要求。其中, “实”主要指利用音响实现对生活情境的真实再现, 让戏剧中人物的行为、舞台氛围、艺术环境变得更加真实与生活化。通过模拟或复制现实音响, 便能实现以假乱真, 达到真实化戏剧舞台艺术的效果。“虚”主要为写意, 通过舞台音响, 将现实生活中的音响变得更加音乐化, 是对现实生活的升华, 取意而舍形, 达到舞台音响“虚”的效果。通过“虚”“实”的结合, 将戏剧舞台中人物的情感世界更直观地呈现给观众, 实现舞台音响艺术的创新。

4. 舞台技术的综合创新运用

在对舞台布景、灯光、音响、舞台机械等不同方面进行创新的同时, 也可通过对多种技术的协调使用, 实现综合创新, 进而让戏剧的内容变得更加丰富, 通过视觉、听觉等多重感官的全新体验, 为观众营造身临其境的感觉, 进而产生情感上的共鸣。

例如, 京剧《赤壁》, 其为国家大剧院所创作的戏剧。在这部戏剧中, 凸显出对舞台技术的综合创新, 在舞台布景中、服装道具等方面都进行了大胆创新, 并将灯光打到舞动的红绸上, 呈现出焰火冲天的场景, 同时将现代声光电技术充分运用进来, 还设置了升降舞台滑倒, 通过舞台机械创新, 营造出一种草船漂浮的情境氛围, 成功再现了“火烧赤壁”“草船借箭”等经典、壮观的场景, 通过高度逼真的舞台效果, 让观众产生一种身历其境之感, 既受到了老一辈观众的喜爱, 也吸引了新一代观众的关注, 堪称为传统戏剧创新的典范。

参考文献

[1]杨静薇.再谈舞台艺术创作中“妙悟”的获得与运用[J].戏剧文学, 2015 (03) .

舞台摄影艺术 第8篇

江苏省演艺集团东海吕剧团在江苏省第七届戏剧奖·小戏小品奖大赛中, 参赛的小吕剧《一抹残阳》在众多参赛的作品中脱颖而出, 一举囊括六项大奖, 得到了专家和同行的众多好评, 这部作品所描述的是一抹残阳里, 老夫妻倚门怅然……为了找乐解闷, 只好挖几勺年轻时那锅“麻辣烫”, 来勾兑一席黄昏大餐……晒出隐痛时, 孩提似的郁怨流涕;炫至风彩处, 过家家般的阳光灿烂。谁说老小真没治?边“死掐”边涂抹出一张垂暮之年的诙谐画卷。为了能让观众不由自主的进入到剧情, 首先就需要舞台能给观众呈现一个视觉的感染, 这就是外部形象的塑造。这部小戏的舞美布置非常的简单, 一个屏风, 两把椅子, 屏风这样一个简单的道具, 舞美工作人员在处理上做出了大胆的创新, 一般的屏风都是山水画或者人物造型作为背景图案, 而这部小戏的屏风采用了活动翻页的设计, 不用翻转整片的屏风, 这部戏呈现老年时候的一面屏风采用的是象征着福禄寿的图案, 给人一看就知道这是象征着美满、祥和、温馨的感觉, 呈现年轻时野外情景的时候采用的一面是象征着丰收后的高粱地的造型背景, 视觉和感官上将这片小小的高粱地得到了无限的延伸, 这就为这部戏时间的跨度做好了外部形象的铺垫。两把椅子在形象上也做了修改, 在家里的时候正面采用了古色古香的老式家具的做法, 给人一种年代久远的视觉冲击, 戏中需要展示野外的场景时, 把两把椅子翻转过来后背面采用了高粱红颜色做的挂兜, 象形的代替了高粱从的道具, 既为演出时的小道具安排了放置的地方, 又和翻转过来屏风上展示的高粱地和高粱丛相互呼应, 为这段戏的场景做了铺垫, 可以说舞美工作人员是煞费苦心, 让观众在欣赏作品的时候, 不觉然的进入到那个年代那个时候, 给观众用视觉的感染来带动内心的认同。

二、内部形象的塑造

灯光一亮, 演出开始, 年近八旬的老太太拿着镜子静静的坐在椅子上, 看着镜子里的自己, 忧郁的眼神在叹息着自己逝去的青春, 百无聊赖的生活扼杀着还在幻想着青春年华的老人, 她的脸上很静, 如古井无波, 只是眉间有几条皱纹, 步子走的很慢, 每一步好像都留下了沉重的脚印, 这些我们可以看得出, 演员是抓住了剧本赋予自己角色的行动线, 在努力体验角色的思想矛盾, 做到形似和神似的统一, 从内心的深处去刻画人物的形象。灯光一转, 演员脱掉外面宽松的外套, 露出里面鲜亮的小媳妇的服装, 演员从老态龙钟的老人一下子转变成一个年轻俊俏的小媳妇, 这时候演员的内心世界也要随之转变, 老人的感觉荡然无存, 一个活泼俊俏小媳妇的形象展现在观众面前, 年轻人是什么样的感觉?不单单是外部形象的塑造, 还需要演员对人物进行内部人物形象的塑造, 通过演员动作和语言节奏、音色的变化和年轻人的那种朝气蓬勃、年轻女子的那种含羞脉脉的内心感受, 从有意识到无意识的年轻女子特有的感觉来刻画年轻人的形象, 一般的来说, 人物处在青少年、中年、老年的不同时期, 语言的速度节奏和音色上会有很大的变化, 而剧中的人物需要同一个演员来饰演两个不同年龄不同人物性格的人, 这就需要演员在语言速度节奏上、音色变化上能够准确的体现, 才能让观众从听觉上很容易的辨别出剧中人年龄的反差。让观众感受和体验到角色的心情而获得幻想, 感受和体验到人物的内心世界, 使观众似乎身临其境, 达到了以假当真的感觉。

三、以假当真

这出小戏在演出的时候, 观众为什么会随着演员的表演而有着身临其境的感觉呢?首先是由于观众对于舞台上所看到和听到的一切事物都信以为真的缘故, 观众承认舞台上所发生的事物都是真实的话, 那么观众就会受到感动, 反之他们就不会受到感动, 那么怎样才能让观众承认舞台上所演出的剧情都是真的呢?要形成戏剧艺术的真实, 除了所要表达的内容符合现实生活的客观规律以外, 还必须要做到使观众得到形象感觉方面的真实, 在形象感觉方面的真实, 则是一种以假当真的, 能给观众以真实感的创造性的真实, 是和人的感官规律一致的真实, 因此, 这就又使我们得出了这样的一条有关艺术规律性的认识, 那就是:艺术创作的作者, 必须与观众的生活经验一致, 这样他的作品才能为观众所承认, 否则, 便不会为观众所承认, 那么便失去了创作的意义了, 艺术是为了观众进行创作的, 是为了欣赏它的人们去创作的, 人们要求欣赏的是那种以假当真的艺术创作, 而并不愿意看到那种在现实生活里经常看到的真的东西, 因此, 真正的物品搬到舞台并不能让观众所接受, 所以我们的舞美工作人员要发挥自己最大的想象空间, 用抽象的作品来代替现实生活中真实的物件, 做到了以假当真。

摘要：艺术创作的过程中, 需要多样的造型组合, 造型是艺术作品创作中不可忽视的重要元素, 其中分为外部舞台形象和内部人物形象的塑造, 那么怎样才能使观众承认舞台上所出现的实物都是真实的呢?要形成戏剧艺术的真实, 除了他所表达的内容必须符合现实生活的客观规律以外, 同时必须还要做到让观众得到形象感官方面的真实。

关键词：外部形象,内部形象,以假当真

参考文献

[1]曲六乙.戏剧舞台奥秘与自由[M].百花文艺出版社, 1984.

[2]周翰雯, 冯明义.舞台语言外部技巧初探[M].中国戏剧出版社, 1986.

试论《鼓神》的舞台艺术 第9篇

舞蹈作品《鼓神》简介:《鼓神》 (编导:黄秀珍、郑子墉 (台湾) 鼓曲:曾德伟演出:福建省厦门市思明区艺术团、台湾九天民俗技艺团) 是以台湾阵头鼓为主体, 通过强与弱、快与慢和跌宕起伏的鼓曲来渲染情感, 在阳刚和阴柔之间达到起承转合与和谐共鸣。舞蹈以人神精神交汇的方式, 把人们在凡尘俗世中的寻觅和追求演绎出来, 以鼓作乐, 以情释舞, 在天地之间, 人性之中, 传递着真、善、美。

这个历时2年的舞蹈作品《鼓神》吸引了国内外30多家的媒体报道以及转载。而《鼓神》是在一个在怎样的机缘下产生创作动机?隔着海峡双方又是如何做到融合的?下面, 我将通过在创作《鼓神》过程中分为两大方面进行全面的整理和表述:将感受和学习到的台湾神将、家将等美学, 及创作作品过程中的直觉和激情与大家分享, 并希望大家能从中得到些许的启示和文化认同。

一、《鼓神》中的家将美学

1. 什么是台湾的神将文化?

在台湾最具有民俗、民间宗教特质和人文精神的就是阵头文化。俗称——神将文化。例如:官将首、家将、跳将、尬阵等。这种起源于在民俗宗教活动必不可缺的阵头文化, 是融合了各种民间艺术于一体的表演艺术, 兼具了神圣与世俗的特性。《鼓神》其中的阵头鼓的表演, 在迎神赛会的活动中是占据了首要的位子, 是整个民俗活动的重中之重。家将和官将首是台湾庙会中经常可见的宗教艺阵, 时常看到他们面谱鲜艳的色彩, 韵律动态般的舞步, 夸张雕塑感的动作, 十分引人瞩目。而且总是威风凛凛地走在神轿前, 负责鸣锣, 开道, 驱煞的任务。

2. 在这种阵头的表演形式中, 特别引人注目的就是跳将表演。

它类似于古代的巫舞, 而巫舞是源自古代的「大傩」, 而傩在人类历史上, 是人们运用思想创造出来的一种巫文化。巫术活动, 是腊月驱逐疫鬼的仪式, 《吕氏春秋、冬季》云:“命有司大傩。 (注:大傩, 逐尽阴气为阳导也, 令人腊岁前一日击鼓驱疫, 谓之逐除是也。) ”包含了酬神、驱鬼、祭神、祈谷等形式。在这种巫文化里, 它有着自己独立的观念和文化核心。还有和这种观念相适应的行为方式, 即傩舞、巫术。当这种文化核心与文化外形结合起来时, 充满了神秘的宗教色彩, 也构成一个独立的文化体系。台湾神将、家将团在出阵的过程中, 包含了从请神、开面、净身、喊班、领令、出将到缴令, 过程严谨而繁复。在保存了古代大傩神秘性的同时, 家将、将爷跳将时的造型, 肢体动作、礼仪显得非常庄严、神圣、肃穆而威力。我们因此可以从中窥探出:家将、将爷的面谱属于彩绘艺术;表演的台步身段是民族舞蹈;武打功夫又是武术的延伸和发展;而服饰装扮则属民俗工艺。台湾阵头除了神圣又神秘的特质之外, 在其实践过程中, 因其带有创造性以及外在的形式魅力, 便产生了家将文化的审美美学, 与古代的跳傩有着异曲同工之处。

将团也是台湾特有的宗教艺阵, 一般认为家将的形成于台南白龙庵, 官将首则是创自于新庄大众爷庙, 南部地区以家将居多, 北部地区以官将首为主。因此, 出将是神圣的宗教礼仪, 跳将是精彩的表演艺术, 将团是台湾特有的民俗表演, 将文化则是台湾地区独步全球的非物质文化瑰宝。

3. 在舞蹈作品《鼓神》中九天民俗技艺团所塑造和勾勒出

的春、夏、秋、冬四季神, 分别以春——莲花, 夏——葫芦, 秋——大鹏鸟, 冬——虎尾作为形象符号, 并融合了甘、谢、范、柳、将文化中, 阴阳脸, 黑白面, 黑条柳叶, 双蝙蝠等家将脸谱抽象化的设计, 让人们可以从中领略线条与图案的美感。在经过了传统的传承与创新之后, 呈现家将文化在时代演进下多元面貌, 及其发展成为台湾新美学的可能性, 让民众认识不一样的家将文化, 同时赋予观众神将美学一种新的视野和全新体验。充分体现了家将中具有神圣又神秘的特质, 将民俗民间的宗教信仰和信仰崇拜以艺术的方式出现在了舞台上。

正是因为要模拟扮演虚拟的鬼神, 通过人的表演性行为来实现人与虚拟鬼神的交往。虽然在仪式是一种表演, 但功能上确能体现为天地人, 人鬼神秩序的重建。是建立在人与自然万物融为一体的宇宙整体秩序。《池州府志》讲:“妆神象, 扮杂戏, 震于锣鼓, 和以喧号”用这种做法唤醒人们的注意力, 以提高宣导目的。舞蹈《鼓神》中表现为:当人神共同为一体时, 以达到与神灵的感应和沟通。通过融合“人扮神”“人和神”“人与神”的一种表演艺术;通过大鼓、通天鼓与扮神等神形兼备的表演载体为共同点;通过综合了台湾庙会阵头文化中神将的化身;通过种种有效的技艺手段将“神”的魔力再现, 打造实现人与神的和谐相处的场景。实现了创作初始所自身预期的目的。

例如, 《九歌》就是作者根据楚国民间祭祀神灵的歌舞加以改写而成的, 这组歌曲共有十一首, 前十首分别祭祀了十位神灵, 最后一曲是送神曲。其中内容不仅绘声绘色, 表现了场面的热烈, 还渲染了曲中情。从迎神, 直至送神, 给人一种神舞一体的力量。

再如:2013年在台中圆满户外剧场演出的《鼓神》专集, 是以“万物共鸣”展开序幕, 围绕“天、地、人、神”四个章节;如:春大神、夏大神、秋大神、冬大神四季神和三太子爷, 范、谢、柳、甘神将等。通过“祈福太平”将神明与自然的和谐呈现了出来。整个《鼓神》专集的展演, 充分地体现了以海为生的生活常态和民俗宗教信仰, 表现出了海峡两岸共通的闽南民俗、民间的特质和人文精神。给观众带来了的是:像阳光普照般的温暖;像春风化雨般的滋润;像气宇轩昂般的精神震撼, 让民众感受扑面而来的视觉冲击和祈福蔚籍。

二、《鼓神》直觉与激情的世界

“隆隆的鼓声, 在一群满脸彩绘的舞者激荡的舞蹈节拍中恣意飘散……”台北记者会上媒体是这样描述的。当观众看到舞蹈作品《鼓神》的瞬间, 第一直觉就是, “震撼”。用更通俗的叫法就是看到起“鸡皮疙瘩”。而观众的直觉和观感, 起源于编导的创作思想情感和创新理念, 当所有的理念转化形成表演语言时, 加上表演者形象塑造能力和功力等, 这些不可缺的结合与融合通过艺术的技术技巧为作品服务时, 便可以从以下三个方面来解读《鼓神》。

1. 一是“神”在行头:

在舞蹈《鼓神》中所描绘的神将的人物脸谱, 则是根据台湾民俗专门研究家将文化的学者吕江铭的说法, “家将的信仰远祖可追溯到殷商时期”其论点为《周礼、夏宫》书篇中对于 (傩) 文化的描述:“方相士掌熊蒙皮, 黄金四目, 玄衣朱裳, 执戈提盾, 帅白隶而时傩, 以索室驱疫, 大丧先柩及, 入场以戈击四方殴方良”讲的就是方相士行傩驱疫的仪式。而这种安定民心的礼仪, 至今仍在各地出现。就台湾家将表演的神职和信仰及驱瘟除疫功能来看, 确与古代傩舞有一脉相承的血缘关系。这种全世界都有的 (傩) 文化, 是以面具收纳人类原始对自然、神灵崇拜的表征图腾, 而台湾神将、等将则是直接将繁复的神职系谱、性格、部族属性等资讯极其张扬地直接画在了脸上。《鼓神》中的脸谱则是结合神将与家将的融合与创新之后, 更加符合现当代的审美意识, 符合该作品的表达意图。

2. 一是“神”在技艺:

《鼓神》通过娴熟的表演技艺, 在双槌挥舞中传递和收到这样一种信息;神将身怀绝技, 出巡惊天动地;在鼓声的变化多端中达到了出神入化的地步, 表演过程中张力十足极具艺术感染力。

3. 三是“神”在精神:

舞蹈《鼓神》作品中, 鼓与击鼓的舞者是随鼓声而迸发, 也蕴含象征了民间宗教信仰中的“神明”, 当二者融为一体时, 则是成为了具有生命象征性的共同体。《鼓神》是以有生命的, 有色彩的和“以无形替代有形, 以有形传情达意”的这样一种境界, 令人敬畏和震人魂魄。作品中“鼓”不仅仅是象征着一个图腾, “神”更是一种精神的信仰。激发人类进取正面的力量和立地顶天的精神, 使人们受到极大的鼓舞。

这些在作品中代表了春大神、夏大神、秋大神、冬大神等神将, 呈现在时间和空间上的变迁与轮回。是以达到了“人神合一”的直觉效果为目的。因此, 舞蹈作品《鼓神》在表演中的龙头大鼓和通天鼓, 是在保留和传承了中华传统鼓艺的形式中, 增添了闽南民俗庙会文化中不可缺的精神特质。通过不同音质、不同音色的鼓声来传递各种色彩和信息。并将它作为载体, 把人们引入了一个想象的世界, 在想象的精神世界中进入一种激情的迷狂状态, 这与进入艺术审美境界的精神状态相似, 为艺术创造提供了的意象准备, 给人们带来了另一种精神超越性。

引用媒体的描述:“苍劲有力的鼓声, 随着台湾九天民俗技艺团7位男演员的激情敲打直击人们的心坎;优美曼妙的舞姿, 厦门市思明区艺术团的7位女演员用肢体语言将这种震撼展现出来……2013年10月14日第十届中国艺术节“群星奖”决赛现场上, 14名来自两岸的演员, 用精湛的表演赢得了雷鸣般的掌声”。每种语言都是一种特殊化了的身体姿态形式, 所以, 《鼓神》以舞蹈的方式呈现是意义非凡的。

一切的艺术都会身居于某个时期的历史脉络中, 去顺应时代的审美需求。而《鼓神》正是以这样全身心地投入, 做到这样充满直觉与激情的世界里去达意。激起所有人的情感反应。《鼓神》之所以定性是当代舞, 意味着它并不仅仅是对过往岁月的总结, 更要做面对当下观众、面对未来的表演。“创作上首先要明确一点, 我们所使用的元素, 比如声音、色彩等, 都来源于民众生活。台湾九天民俗技艺团团长许振荣如是说:“《鼓神》是个生活艺术化, 艺术生活化, 与大陆倡导的方式一样, 深入生活也是对岸文化业者的义务, 需要时刻思考民众喜欢的方式, 像当代舞的前卫感和艺术范, 能吸引年轻群体, 而民俗活动中的各种参与互动, 让台湾庙会文化持续被民众认同。”

也正如大众网刊登出充满内涵的标题那样, 当代舞《鼓神》体现精神图腾。

参考文献

[1] (台湾) 妙莲生.《就是要将》.云游天文化.

[2] (台湾) 许振荣.《九天民俗技艺团热血追梦》.商周出版.

电视音响艺术与舞台音响艺术的异同 第10篇

1电视音响是平面艺术的创作与延伸

电视是人们日常生活中的重要组成部分,能给人们提供良好的视觉享受,对丰富人们的精神生活具有重要的作用,其由视觉艺术和听觉艺术共同组成,两者的结合形成了电视艺术,可表现出良好的艺术表现效果。电视节目在制作过程中,需要深入了解电视语言,将画面语言、文学语言和音乐语言有机结合在一起,展现出艺术表现手法的复杂性特点,对提高观众的注意力,为观众提供良好的视觉享受,具有重要的作用。电视工作者需要充分了解图像和声音的特点,促进两者之间紧密结合,以便强化两者之间的配合,完美展现出电视平面的立体艺术效果[1]。

电视音响被划入听音的范围内,通过声源与声环境之间的有效协调,能创造出良好的声音效果,具有较高的观赏性价值,可以营造真实的艺术情境。电视工作者应该恰当运用音响进行艺术创作,让观众在短时期内明确电视音响的作用,以便构建身临其境的感觉。电视音响的表现效果与图形之间关系密切,同时,电视音响也可表达创造者的情感,对客观事物的本质进行真实展现,表现现出画面的艺术活力。

在制作电视节目时,应该促进画面语言和文学语言的有机协调和有机补充,通过对画面的渲染,展现出人类最真实的情感,确保音响的合理运用。音乐可以延伸语境,深化人们之间的感情,对塑造良好的艺术性特点,展现电视音响强大的艺术创造力具有重要的作用。在电视音响艺术创作中,需要借助音响效果来展现人们的真实情况,确保音乐能发挥轻、重、缓、急的作用,展现出强弱的不同变化特点,丰富电视画面,展现出创作者的真实情感。电视音响录制是电视节目的重要组成部分,是一项综合性较强的艺术类型。在录制前需要充分了解艺术作品,明确艺术作品之间的情感,这对营造良好的画面效果,促进音响内容的表达具有重要的作用[2]。

2舞台音响是环境音响的艺术再现

舞台艺术在实际的表现过程中,主要由舞台空间演员的肢体动作和语言动作共同组成,其能够刺激观众的视觉神经,提高观众的观看兴趣。剧场能对声音真实传播,展现出良好的艺术表现形式,是环境结构的重要展现,可以对艺术功能起到重要的支撑性作用。声音在传播过程中,具有传播力强和声音穿透力大的特点,可体现出舞台的魅力。

舞台音响的运用是戏剧表演的要求,能够起到烘托气氛的作用。结合不同的剧场环境和不同的声音传播特点来进行声音的传播,可以展现出较强的距离和方位性特点,使演员能够融入到情境之中,给演员真实情感的表露提供了良好的条件。舞台音响的选择需要由舞台表演的具体情况来决定,需要满足舞台剧的表演需要,给观众提供良好的观看感受。由于舞台剧的声音有一定的层次感,声音有一定范围的变化。观众作为舞台剧的欣赏者,其听到的声音具有较强的立体性,对声音的感受较为直接,舞台音响的声音会随着舞台表演而不断发生变化。

为了确保舞台音响能够取得良好的表现效果,对舞台表演起到重要的作用,应该加强对舞台音响的处理,结合剧情和环境的需要,设定合理的情境,加强对剧情的定位,展现出舞台音响的方位感和立体感,给观众传播立体化的信息,提高艺术创作的真实感,展现出强大的艺术表现力,使观众可以真实感受到舞台音响与电视音响之间的差异。

在舞台艺术表演中,表演者与欣赏者之间直面接触,对营造良好氛围,使用户直接接受信息具有重要的作用。在舞台艺术表演中,能够展现出表演者随机应变和临场应变的能力。电视观众在观看艺术表演时,主要通过对艺术品的再加工来体验节目的艺术表现效果,表演者可根据观众的反映接受其反馈的动态信息[3]。

3结语

声音是一切艺术来源的重要表现形式,是艺术类作品的重要组成部分,真实的艺术类声音能够展现出良好的艺术手段。音响艺术的创作阶段对音响的表现效果具有重要的作用,需要结合具体的舞台表演情况来设置艺术音乐,使艺术音乐能够与艺术表演相结合,加深观众对艺术表现形式的理解和认识,展现出创作者的真实情感和艺术作品的魅力。同时,特殊的艺术功能,还能提高艺术作品的品味。

参考文献

[1]张佳蕾.论音乐音响小品在戏剧导演教学中的特殊性[J].浙江艺术职业学院学报,2012(2).

[2]王珺.浅论电影声音中的音乐音响化与音响音乐化[J].电声技术,2015(4).

舞台化妆艺术与服装表现 第11篇

关键词：舞台化妆艺术；服装；曲剧

中图分类号：J815文献标识码：A文章编号：1671-864X（2016）08-0269-02

在舞台上演表演的种类非常的多，曲剧就是舞台表演的一种，而想要衬托曲剧表演的魅力就需要利用环境和场地气氛以及演员的表演。在舞台上的表演人员也需要利用服装和化妆艺术对自己进行造型，在化妆和服装造型的过程中工作人员要对所饰演的角色进行揣摩，掌握好角色的性格定位，并配合化妆的效果，完美的展现曲剧中的人物形象。

一、舞台化妆艺术与服装表现的重要性

（一）增加角色的亲和力。

在曲剧表演的过程中，所有的故事情节都需要演员利用自身的演技推动人物的发展，所以在曲剧的表达过程中，人物就是整个剧场的灵魂，在人物身上所体现的魅力是无法用其他辅助道具能够表现的。为此，曲剧需要不断增加整体舞台的效果，以便更加突出人物的亲和力，而服装表现与化妆技术也需提升一个档次，将人物描述的更加真实。

在曲剧表演的过程中，人物可以通过不同的服装造型和化妆技术，展现不同的人物性格和职业，而好的化妆技术和服装造型也能够让人物展现的更加活现，这是因为化妆和服装是一种无声的描绘方式，也是塑造形象的手段，这两种方式不仅能够让舞台更加丰富，也能够让舞台上表演的人员更加的贴近观众，让观看者从中了解到曲剧所表达的意义。

在曲剧舞台上，人物的年龄、性格特点都可以利用化妆来展现，而人物的地位、身份、民族等都能够利用服装来表现，再加上舞台中的灯光展现以及布景就能够将曲剧的剧情展现的淋淋尽致，让观众能切身的感受到曲剧中人物的喜怒哀乐，达到观众与演员境界合一目的[1]。

（二）增加人物的形象性格表现。

在任何曲剧的舞台上，舞台与观众都是有一定的距离，而且舞台的灯光一直都非常的亮和耀眼，所以演员在没有化妆的情况下或是淡妆都不能够让台下的观众看清楚演员的脸部轮廓，这样就影响了演员表演的效果，也失去了演出的意义。为此，演员通过化妆的手段加深刻画角色的形象，利用脸部彩妆达到放大人物形象增强人物性格的目的，也利用脸部色彩的深浅来调和场内灯光的明暗，协调演员的形象，让观众深刻的体会演员技能的表现。

再者，在曲剧中人物的性格都是演员通过个人的表演展现出来的，演员的外部形象对塑造的人物有非常大的影响，所以不难看出，演员的服装以及化妆的水平对于演员的形象是非常的重要。

（三）吸引观众达到演出效果。

曲剧的表演最终的目的就是吸引更多的观看者，而能够吸引观众的目光的方式，就是让舞台上人物的形象和色彩的表演更加的鲜明，并能够利用更加真实的舞台表演让观众融合到曲剧的表演情节中。这些单靠演员的表演是不能够达到的，而是需要将演员进行完美的包装，利用服装以及化妆技术让演员能够更加完美的展现自身。当曲剧表演者达到一定的水准的时候，舞台下的观众的情绪就能被深深的感染出现变化，让观看者有种身临其境视觉感官效果。

二、舞台化妆艺术与服装表现的主要特点

（一）多元化。

人们在观看曲剧的时候，对曲剧的表演环境和装饰要求越来越多，这个表现了观众的审美观点在不断的提高，同时也让曲剧的表演艺术不断的发展前进[2]。就现在曲剧的表演情况来看，化妆艺术与服装艺术已经出现了多元化的发展趋势，曲剧为了能够体现更加绚丽的舞台效果，服装上已经是百花齐放的现状，而化妆艺术也受到了一定的影响，在这样的曲剧舞台效果下，多元化的舞台展现形式已经成为了未来发展的主流。

在曲剧的表演过程中，从最初一个人物的服装只有固定的一套到现在有很多种，都是多元化的表现，这样的形式不仅让演员在表演的过程中更加深刻的刻画人物的形象和性格，也能够通过化妆的配合，将人物的形象深深的印刻在观众的心理，并让观众能够记住角色。这样多元化的追求也并不是随意进行的，需要针对曲剧剧目的情况以及现场的情况而定，避免误导观众的审美和欣赏。

（二）个性化。

我国现在的社会正在慢慢的进入到一个个性化的时代，而曲剧也受到了社会发展的影响，在表演的过程中针对化妆和服装方面也突出了个性的表现，以此形成了自身独有的特点。最明显的就是曲剧中女性的眉毛，在上个世纪30年代的时候，女性的眉毛都是以柳叶眉为主，无论是在生活中还是在曲剧的表演中，都体现了柳叶眉的存在；而在60年代的时候，人们的思想发生了变化，眉毛的形状也发展成为了更加妩媚的弯月眉，直接展现了女性的阴柔美；而在现在，女性的眉毛已经是个性展现的标志，在曲剧中的横眉也是一种个性的标志，也是曲剧在追求符合现代标志个性的展现。

（三）重现经典。

曲剧所展现的都是过去人们在生活中的琐事和经典的案件，以及英雄事迹，而曲剧对经典的描述是拥有自己独特的方式，在传统的舞台上面进行创新和突破，在尊重经典事实的基础上，将剧情表现的更加清晰和细致，也通过服装和化妆艺术的展现，将经典重现在人们的视野中。曲剧的表演不同于影视表演，影视能够通过风景以及实际的建筑对历史和事件进行描写，而曲剧只能够通过舞台这样一个浓缩的场景进行阐述事件，所以想要将经典展现的更加的真实，就需要利用服装以及人物的化妆技术进行装饰，将民族的特点，以及经典曲目中的亮点都展示在服装或是妆容上，这样就更加完善了整体的曲剧表演，也让观看者体会到了经典曲目在曲剧中的表现以及魅力[3]。

三、加强舞台化妆艺术与服装表现的对策

（一）让化妆与服装更加真实。

化妆师在曲剧中是是非常重要的角色，不仅需要针对剧本进行细致的了解，也需要了解人物的时代以及人物的职位等方面，这样才能够通过装扮展现历史，让人物更加真实。对此，建议曲剧中的化妆师和造型师应该认真的了解剧目中的历史情节，并在工作的过程中多查阅相应的历史依据，让人物的装束能够在展现艺术美的同时更加贴近历史，让曲剧表演更加现实。而在创新的过程中，需要注意的是，服装与化妆是否考虑到了现实观众的审美要求，再者就是需要符合历史的真实，不能够因为追求现实的美感而忽略了真实。例如，在曲剧演绎的过程中，服装方面不能为了追求舞台的效果，而让清朝的人员穿着上唐朝的服饰，这样就显得不伦不类，让观看的人员贻笑大方，这样的曲剧就不能够得到观众的认可，反而会误导观众对历史的认知。

（二）提高舞台整体的表演效果。

在曲剧的表演中，舞台上整体的表现效果是能够直接表现曲剧情节，并结合对人物的形象将曲剧展现在广大观众的眼前。在曲剧的表演中，工作人员为了能够让舞台的效果看起来更加的逼真，都会针对周围的环境进行布置，而且也严格的要求演出人员的服装与化妆能够更加特近人物的形象和性格[4]。下面分几个方面来建议如何提高舞台整体的表演效果：

第一，在曲剧上演之前，化妆师与服装造型师应该积极的与导演进行沟通，及时的了解曲剧的曲目，然后能够从深层次的解析剧目所需要表达的意义，最后针对剧目对演出人员进行定位，而服装师则需要针对剧目的情景和朝代来对演员进行服装的搭配。

第二，服装师和化妆师在对演员进行装扮的过程中，应该以整体的舞台效果为基础，与整体的布景以及表现手法相呼应，不仅要突出演员的形象美感也要突出整体搭配的效果。

第三，一定要注意美丑的尺度，不能够只追求人物的美而忽略场景及舞台的设计，整个表演的过程中是一种综合性的表现效果而不是单独的场景表现。

（三）利用化妆和服装塑造舞台灵魂。

化妆师和服装师是演员的有利后台支柱，演员的形象都是由后台的工作人员进行装扮，所以化妆师和服装师不仅能够提升人物的整体价值，也能够提升舞台的整体效果。

化妆师和服装师也是随着社会时尚的前进思想随之而变化，这样的思想在曲剧演员的造型中有所体现。他们在服装中添加了时尚的元素，却又能展现古代的气息，就如质地精良的红纱、红色的丝线、以及精美的银饰品等。在曲剧的舞台上，人物的形象是剧目的标志也是时代的代表，而化妆师和服装师则是时代的前沿者，只有化妆师和服装师充分的展现自己的能力，才能够让舞台充满灵性，让舞台充满活力，也能够让整个舞台更加有灵魂。

（四）充分展现舞台人员的价值。

曲剧表演不同于影视剧，曲剧的表演时间比较短，而且场地有限，布置也受到了局限，演员就只能够通过有限的资源进行精湛的表演。那么演员的形象塑造也成为了重点的工作内容，化妆师和服装造型师都需要将曲剧中的人物塑造成有价值体现的人物[5]。所以想要充分的展现演员的价值，就需要化妆师与服装师能够准确的把握剧目中的人物的性格，并不断的研究和探讨寻找人物的细节，帮助演员表演的更加形象与生动。

结语

在曲剧的发展过程中，人物塑造是重要的话题之一，如何能够利用化妆技巧和服装造型将演员所塑造的人物表现的更加活灵活现，也是重要的研究对象，所以本文针对人物的服装以及化妆艺术进行分析，让曲剧人物在舞台上能够展现出自身的魅力，并利用化妆技术和服装造型让人物的形象更加鲜明，让观看者的情绪和舞台塑造的环境融合到一起，突出曲剧的魅力。

参考文献：

[1]李莉.戏剧服装设计与舞台表现之和谐——浅谈戏剧服装的舞台表现[J].才智，2014.

[2]张恒，郭亚楠.爱丁堡戏剧节剧目《仲夏夜之梦》的人物化妆造型设计[J].四川戏剧，2015.

[3]黄世智.中国话剧写实舞台美术的第一个范本——论《少奶奶的扇子》演出的舞美设计[J].贵州大学学报（艺术版），2011.

[4]杨红薇.戏剧服装的产生发展及设计与管理[J].艺海，2011.

论声乐艺术与舞台实践 第12篇

一、舞台实践是感染大众, 服务于大众的重要艺术形式

声乐是音乐与语言相结合的艺术, 歌曲除了歌词直接表达内容之外, 还通过音乐去深化歌词内容, 并通过演唱去升华歌曲所创造的基本艺术形象。如果演唱者没有纯熟的声音技巧, 就不可能有完美的艺术表现;相反, 在声乐学习中, 如果只单方面的注重声音技巧的运用, 而忽略情感的运用, 以及艺术表现的运用, 那么我们的练声和唱歌必然会毫无朝气, 缺乏激情。因此, 声与情是歌唱艺术中密不可分的两个部分。“声情并茂”来源于生活, 是生活中人类各种感情的集中、提炼、美化和再现。海顿说过:“艺术的真正意义在于使人幸福, 使人得到鼓舞和力量。作为专业演员就担负着将音乐这一重要的文化元素普及于社会, 并将其不断发扬壮大的责任。使音乐渗透到社会的每一角落, 渗透到每一个人的心里, 使音乐真正地服务于社会。要尽到这一职责, 就要求我们不仅要具备过硬的专业素质, 又能通过实践感性地认识音乐, 用舞台实践的形式让人们多去接触高雅音乐, 在将音乐素养普及于社会的同时, 通过传授音乐的真谛来感染大众, 服务于大众。通过传播普及高雅音乐, 让每个人都懂得什么是美的感觉, 发现美, 体会美, 心里都有一份属于自己的美与善的感觉, 这才是真正的将音乐服务于社会大众, 促进社会的和谐统一。

二、调整心态, 克服怯场是舞台表演首要解决的问题

声乐演员在每一次上台演唱之前, 要学会调整状态, 要有意识地进行训练安排, 注意休息, 但不能睡过头, 那样容易使身体懒惰没有精神。反之也不能过于疲劳, 从事舞台表演艺术的人一定需要“拿得起放得下”的心态, 繁杂小事, 不必牵挂, 要保持平静心态。

演员在上台演唱前最大敌人就是怯场, 尤其是针对刚登上舞台不久的年轻演员, 怯场是个不容忽视的心理问题, 表面上看似乎是个小问题, 锻炼锻炼就可以克服的, 但事实上有许多人一辈子都没有克服, 一些有相当歌唱水平的人因为怯场而造成心理障碍, 最终成不了一个出色的歌唱家。怯场往往是紧张造成的, 紧张的原因是多方面的, 有的是缺少实践的锻炼;也有些由于演唱基本功不够扎实, 担心自己能否唱好, 心事重重瞻前顾后放不开, 所谓艺高人胆大, 平时扎实的基本功训练是舞台艺术展现的基本保证。有的人却是因为希望表现出自己的实力而挑选了勉强能够胜任的高难度作品, 甚至是力所不能及的作品, 这样的情况当然要担心, 担心了就必然怯场, 所以首先演员在选演唱曲目时要谨慎, 要选适合自己声音特色的, 自己唱起来非常流畅的, 自己有信心能把握的作品, 这样在舞台上就可以放心大胆地去展现作品。不要冒险, 冒险往往失败, 还会因为某次演出的重大失败而带来长期怯场心理惯性。在音乐会开始之前有些紧张也不完全是坏事, 适度的紧张可以提起精神, 增加歌唱的生气, 如果完全和台下一样放松, 往往也不能达到舞台艺术表现的最好状态。

三、良好的台风形象是舞台实践的关键

艺术实践中良好的舞台形象是至关重要的。我们常说的“台风”要正, 就是表演者要落落大方, 举止得体, 有气度有风度。良好的台风来自于两个方面, 即内因和外形。外形的要求比较明显, 演唱者要精神饱满、舒展协调、自如自信, 不能做出奇怪的态势, 缩头弯腰、手脚乱动、挤眉弄眼都是舞台之大忌。也不能因此而缩手缩脚, 不敢做一些与情感表现有联系的表情动作。内因的因素就太多了, 丰富的知识和舞台经验的积累, 对艺术的理解和表现都会在歌唱过程中不自觉地流露出来, 内心丰富厚实了, 自然而然会显出胸有成竹、稳健踏实的舞台风采, 所以我们在台风方面要加强内功和外功两方面的学习。

良好的台风不是靠一些小动作获得的, 良好的台风也不是几件漂亮的演出服和精心的化妆能替代的, 衣服穿得再漂亮, 人的一举一动和眼睛里仍然可以流露出思路敏捷或无知浅薄、机智或愚笨。现在的舞台上, 有些笑容不是发自内心的, 歌曲的前奏一响起, 演员就像上了发条似的, 脸上的笑就提起来了, 笑得很机械, 是“做”出来的, 说“强颜欢笑”一点儿也不过分, 经常笑着唱完一首歌后, 连脸上的肌肉都放不下来了。现在许多演员过分注意外表, 反正录音已经在录音棚里反复折腾摆弄好了, 在台上根本不用真唱, 对对口型就可以。注意力就被转移到外表上面, 观众花钱买票听到的是假唱, 面对的是演出服展览会、发型展示会或高跟鞋广告会, 看她们灿烂的笑容和美丽的化妆。这种台风影响了我们许多爱好声乐的年轻人, 在学校艺术实践中, 要防止这种只注意表面而忽视内心的倾向。

良好的台风不是一天两天就能够形成的, 需要在艺术实践中积累和提高, 要注重内心的培养, 这比外表更重要。

四、选择适合自己个人风格的作品是舞台表演成功基础

作为一个较成功的歌唱演员, 到了一定时候, 有了一定成就, 就会举办个人音乐演唱会。音乐会节目的安排, 往往显示出一位演员音乐修养高低, 选择演唱曲目并不是把一些歌曲罗列在起, 分组唱唱就可以的, 音乐会节目的安排是有一定学问的。有的人喜欢把自己平时喜欢的歌曲或老师在课堂上教的歌曲放在一场音乐会上, 貌似丰富, 包罗各种类型, 但结果是杂乱无章, 影响了音乐会的质量。

音乐会曲目的安排首先应该有个性, 有自己独特之处, 譬如高音区特别出色, 中音区特别丰满, 低音区特别厚实等, 同时要有时代的分类;不同作者的作品安排;歌唱技术难易的安排;调性的安排;节奏速度的变化安排;不同风格不同情绪的作品的搭配。无论从歌唱者技术上考虑, 从歌曲的难易程度方面考虑, 还是从表达情感的程度、方式方面考虑, 这样的排列比较符合音乐会本身的气氛变化。如果开始就演唱近现代的作品, 往往就难以再回到比较安静的古典气氛中去。如果音乐会节目有外国作品, 也有中国作品的话, 两方面都宜考虑时代的顺序, 交叉进行。

个人音乐会节目安排要注意歌唱技术难度的巧妙搭配, 对声音要考虑到轻重缓急, 不能将好几首用声音较重的作品放在一起, 这样容易疲劳。也不能将好几首较小的歌曲连在一起, 这样会使得音乐会气氛松懈, 容易使人感到单调枯燥。一般情况下, 由技术相对容易的作品开始, 这样可以保证心理稳定, 同时逐渐提高难度, 然后再出现难度较小的作品, 一张一弛、轻重得当, 非但演唱时可以调节肌肉的运动量, 对于听众来说也是乐于接受的。音乐会一般有上下两个半场, 在上半场结束的前面, 可以适当地安排一两首难度比较大的作品, 这样在中场休息可以让嗓子得到一些休息。

调性的安排。在这个方面大家一般注意得非常少, 几乎不考虑音乐会节目单上作品的调式调性关系。音乐是听觉艺术, 听的感受是第一位的, 不同的调的变化, 可以影响听众的情绪变化。如果在音乐会上演唱的作品表现的是一组明快的抒情的歌曲, 前面的作品是A大调, 后面的一首最好不要是降A调或小调歌曲, 听觉上会因调性和音高的下降而显得忧郁。而表现悲痛思念或伤感情绪时则相反, 应该尽可能安排后面的作品的音调音高比前者低些。如果后面的歌曲是前面歌曲的下属调, 也时常会产生情绪开朗的感觉。所以在选择节目的时候, 要根据节目的内容, 反复将演唱的作品进行比较, 找到你需要的调性变化方案。

速度节奏的变化搭配。音乐会节目安排中要充分考虑好速度快慢的搭配, 不能长时间的只有慢速度作品, .这样显得气氛沉闷, 演唱的人和听众都感到压抑和枯燥, 当然也不能把几首速度快的歌曲连续演唱。节奏方面也是如此, 尽量避免相同节奏型的歌曲的连续, 否则缺少变化而显得呆板。

不同风格和不同情绪作品的布局也是要认真注意的方面。我们开音乐会, 一方面是显示自己的演唱能力, 另一方面要让听众在音乐中与你同行, 要让听众保持良好的欣赏心态, 同样的速度、同样的节奏、同样的风格、同样的情绪会使听众因单调而疲乏厌倦, 节目的安排要抓住听众的欣赏心理, 否则听众的情绪会影响到演唱者的情绪, 从而影响到音乐会的成功与否。