手风琴演奏范文

手风琴演奏范文（精选10篇）

手风琴演奏 第1篇

关键词：手风琴,演奏,作品分析,技巧运用,风格展现,情感表现

手风琴作为西洋键盘乐器之一种, 因其携带比钢琴方便, 大受人们青睐。

演奏是手风琴艺术的中心和生命, 没有演奏, 便没有真正的手风琴艺术, 换言之, 手风琴艺术只有通过演奏才得以具体呈现, 这就如同戏剧艺术只有通过演出才得以具体呈现一样。所以, 从某种意义上讲, 手风琴演奏就是一个艺术创造工程。这正如波兰当代著名音乐理论家卓菲娅·丽莎所言:“属于音乐的特殊性的, 还有作品与听众之间的中间环节, 即表演, 它具有自己的历史发展规律, 具有自己的美学价值, 并在很大程度上服从于社会的要求, 同时也改变着作品本身的面貌。构成音乐特殊性的这个因素, 同戏剧艺术和舞蹈艺术是共同的。” (《论音乐的狂》) 的确如此, 作为“二度创作”的手风琴演奏艺术, 处于“一度创作”的作曲与“二度创作”的音乐欣赏的桥梁、中介、枢纽位置, 其重要地位与作用, 是不言而喻的。

那么, 手风琴的演奏艺术又包含哪些要素呢?笔者以为, 其中主要有以下四大要素, 现分别予以解析。

一、作品分析

手风琴演奏的第一大要素, 是对演奏曲目的作品分析, 也是演奏的基础与前提, 依据与准绳, 也是一项“软工程”。如果说, 音乐作品的曲谱是作曲家的“设计图”的话, 那么手风琴演奏作为建造“音乐大厦”的具体“音乐施工”过程, 就必须遵循“设计图”的规定与要求, 否则就会建成“劣质工程”。这道理是勿庸赘述的。

然而, 从手风琴的演奏实践上看, 有不少演奏者恰恰小视甚至无视作品分析这一基础工程, 因此常常从根本上导致演奏的失败。

作品分析不仅包括全面、正确地解读音乐作品, 而且更为重要的, 是在此基础上形成制订出完整的、富有创造性的演奏方案, 也就是具体可行的“音乐施工计划书”。

作品分析的主要内容包括:其一, 作曲家的生平简历、艺术道路、风格特色, 演奏曲目创作的时代背景;其二, 作品的思想内容 (题材、主题、形象、事件等) ;其三, 作品的艺术形式 (体裁、结构、语言、表现手法等) ;其四, 作品的风格与流派;演奏方案 (旋律、节奏、重点、难点、情感表现方式、技巧运用、风格展现方法等等) 。

二、技巧运用

同所有的音乐表演 (演唱、演奏) 一样, 手风琴演奏也必须以技巧运用为主要的艺术手段。

手风琴的演奏技巧分为左手的拉法技巧与右手的指法技巧两种:左手的拉法技巧主要是掌控节奏, 又分为快慢、轻重、徐疾等不同的拉法技巧;右手的指法技巧主要是演奏旋律, 又分为连音、跳音、断音、颤音、装饰音等不同的指法技巧。如此说, 钢琴演奏是“手指在键盘上跳舞”的话, 那么手风琴演奏同样是“手指在键盘上跳舞”, 只不过钢琴演奏时手指是“立跳”;手风琴演奏时手指是“横跳”;钢琴是两手“双人舞”;手风琴是单手“单人舞”。

必须指出的是, 手风琴演奏中的拉法技巧与指法技巧是紧密结合、同步一体、相辅相成的。

三、风格展现

风格展现是手风琴演奏艺术的重要构成要素之一。

所谓“风格”, 是“艺术风格”的简称, 指的是作家、艺术家在作品中所表现出来的独特而鲜明的艺术个性。风格具有主客观两方面的因素:主观因素是作家、艺术家的创作追求;客观因素是时代、民族对文艺创作的规定性。独特风格的形式, 是一个国家、民族、时代通过个人所表现的出来的, 是文艺作品成熟的重要标志之一。由于作家、艺术家生活经历、立场观点、艺术素养、个人气质、艺术追求的不同, 在处理题材、熔铸主题、塑造形象、驾驭体裁、运用表现手法与艺术语言等各方面, 都形成了个人特色, 便成为风格的基础。

风格即个性, 手风琴演奏就是要展现作曲家在音乐作品中所表现出来的这种个性风格。

四、情感表现

手风琴曲同所有的音乐作品一样, 都是抒情的艺术, 因此手风琴演奏必须以情感表现为红线, 作为整个演奏艺术的出发点、落脚点、支点、亮点、动情点。

浅谈手风琴的基本演奏 第2篇

【关键词】演奏姿势 ； 风箱运用 ； 触键 ； 指法练习 ； 手腕弹性 ； 速度 ； 节奏 ； 节拍

【中图分类号】G623.71 【文献标识码】B 【文章编号】2095-3089（2015）15-0159-01

近年来，在音乐教学及演出活动中手风琴是被普遍使用的一种乐器，所以学习好手风琴的基本演奏有利于教学和演出。于是如何掌握手风琴的演奏也成了许多音乐爱好者共同关注的问题。我自己对手风琴的学习已有三年而且非常爱好手风琴，在求学的路上我遇到了许多手风琴的演奏问题，但经过多方面的求解和老师的指点找到了解决演奏技巧的方法，为以后学习手风琴演奏积累了一定的经验。下面介绍一些我自己总结的关于手风琴学习的基本理论知识：

一、手风琴的基本演奏法

1.了解手风琴的结构及发展史。手风琴有两种类型：键盘式和键钮式手风琴，在我国普遍使用键盘式手风琴，它是由高音键盘，低音键钮及风箱三部分组成。很多人把低音键钮称做“贝司”。“贝司”是英文boss的译音，即“低音”的意思。一個琴有多少低音键钮，就叫多少“贝司”的琴。手风琴的产生源于欧洲，而根溯源其制作原理却是源自中国传统乐器“笙”的竹簧发音原理。手风琴是一种既能够独奏，又能够伴奏的簧片乐器，不仅能够演奏单声部的优美旋律，还可以演奏多声部的乐曲，更可以如钢琴一样双手演奏丰富的和声。手风琴声音宏大，音色变化丰富，手指与风箱的巧妙结合，能够演奏出多种不同风格的乐曲。在十八世纪下半叶中国的笙传入欧洲，随即便在欧洲开始出现了手风琴的前身乐器，但它们大都未能成型就被淘汰了。真正用手拉的琴是由德国人布期曼在一八二二年创制的，后经奥地利人德安在在布斯曼的琴的基础上集当时手风琴的各种前身乐器而成，成功的改良创制了世界上第一架被定名为Accordin的手风琴。

2.手风琴的演奏姿势：演奏手风琴演奏的最根本在于姿势，可分为站姿和坐姿两种。站着演奏时，两腿自然分开，上身保持端正。随着拉风箱的力量变化，人体重心可以落在左脚或右脚上。背琴的高度要适中。过高，身体受束缚影响演奏，尤其右手在低音区演奏时，手势勿要抬的很高，这样既易造成手臂紧张，又易使身体向左倾斜。太低，开关风箱时就会左右摆动，难以控制风箱的平稳，因此，站着演奏时，要特别注意把肩带（或称背带）调节合适。 坐着演奏时，又有两种姿势。一种是把琴平放在两腿上，使之呈直立状，左腿稍向前伸出，以便风箱的运行，这种姿势适于演奏小琴。另一种姿势则适于演奏大琴：把键盘的下端紧靠右腿的内侧，使键盘部分有些倾斜（不致使键盘上沿紧挨下颚），同时低音共鸣箱与风箱的一部分尽量突出到左腿的外侧。这种姿势对于大琴来说，便于控制风箱，在键盘的高音区演奏时，对右手也更方便些。不管站着或坐着演奏，都应注意人体不要随着音乐的节奏或风箱的开关出现太多的外在动作，如身体上下颤动或左右晃动等。

在练习风箱推拉时还要注意以下几点：

（1）左手变换节奏时不能影响风箱的平稳进行。（2）奏强音时，风箱不可用力过猛。（3）奏弱音时声音弱但不发虚，特别要注意保持风箱的平稳进行。（4）渐强时，左臂逐渐撑紧，加大力量，使声音产生渐强的效果。（5）渐弱时，先用强力度控制风箱，然后将力度逐渐减弱，使声音产生渐弱的效果。另外还在推拉手风琴时要找到动作的着力点，推风箱时手肘要全部打开，拉风箱时是与风箱皮带接触的手腕部位，不然就会出现刚拉一会儿琴就觉得肩膀酸疼。

二、手风琴的触键要义及演奏的基本指法

手风琴是键盘乐器，凡涉及到键盘类的乐器都少不了谈及“触键”的问题，于是“触键”，也成为一个重点讨论的话题，下面就重点讨论一下触键要义：

（1）手风琴演奏过程中相关触键钮肢体部位相对协调放松的目的在于获得演奏技巧的高质量音效。相对协调放松可使大、小臂、手腕、触指处于相对松弛积极的演奏状态，对乐曲各种技巧的顺利完成具有决定作用。因此，最初左手练习触键钮时要“长、强、猛、狠、准”弹和弦键要“、弱、灵、巧、轻、”。

（2）相对松弛是指演奏者触键钮过程中相关肢体部位的协调放松与控制。所以手指是用弹的力量去触键，而不要死死地把键钮按下去。手指离键钮的速度、力度、下键的深度都有着不同的音响效果，可根据曲子的具体情况灵活运用。

手风琴演奏的右手触键：

关于手风琴演奏时右手的触键和钢琴的触键是同一原理即：触键后立即放松。在以上左手触键要义中已经提到这里就不做太多的重复。只要记住右手触键时要张弛有度，劳逸结合，节约有效的原则，初学者可以通过手腕的轻度拱起和手臂的轻松摇动来体会放松的感觉。

由于在简易歌曲的演奏中右手多数弹奏旋律部分，故右手指法的安排则成为初学者需要学习的课题之一。合理的安排指法，不仅弹奏方便，而且直接影响乐句的完整性及歌曲思想感情的表达。右手弹奏指法一般有下列六种：顺指法、缩指法、穿指法、跨指法、重复换指法、长音换指法。

（1）顺指法：当曲调从某个音开始顺次向上或向下级进不超过五度时，指法可按五个指头的顺序来排，这种指法就叫顺指法。

（2）缩指法：不相邻的两指缩小距离，使手的位置上推或下推，以联系弹奏乐句中更高的音或更低的音这种指法就叫缩指法。

（3）穿指法：当右手上移时，将第一指从第二、第三或第四指下穿过去，使其它手指继续弹奏下去，这种指法叫穿指法。

（4）跨指法：当右手下移时，将二或三、四指跨越第一指，使其它手指弹奏下去，这种指法就叫跨指法。

（5）重复换指法：在进行中，同高度音重复出现时，换用不同手指弹奏叫重音换指。

（6）长音换指法：一个手指弹下去迅速用另一个手指代替原来的手指去弹奏同一个音叫长音换指法。

总之，应根据旋律的进行，合理安排使用各种换指方法，各种指法配合使用得方便、得当、省事为好不可因为一、二、三指好用便反复使用，而不愿使用四、五指弹奏，应使五个手指能灵活弹奏，合理负担等。

三、手风琴演奏时的其它技巧

音乐本身就是一门时间艺术，而重奏这一形式更加体现了演奏者在时间配合的严谨和默契，从广仪看，音乐的时间要素有三个：节奏、节拍、和速度。

节奏与节拍通常处在一个统一不可分割，节拍常从音乐作品的整体结构上体现出乐音在强弱规律中的变化。如同音乐的脉搏，而节奏能具体到某个片段音乐时值时的对比关系和交替更换，节拍和节奏的表现作用也决不是经常相同的。

浅析流行手风琴的演奏特点 第3篇

一、音色的变换与运用

流行手风琴除了比普通琴有夺目的颜色之外, 最大的不同是音色的不同。如果没有看到琴身, 却先听到了琴声, 这也很容易区分该乐曲是否是由流行琴来演奏的。这是因为流行琴里面基本上都有“波音”这个独特的音色, 虽然普通琴也有波音, 但是相比较而言, 流行琴的波音显然比普通琴大很多, 而且很容易听出来。波音的声音比其他的音色更加圆润, 再加上流行琴的音箱比普通琴的宽、厚实很多, 所以共鸣声很大, 演奏时旋律是发出的声音很饱满。在当今的流行琴演奏中, 波音的音色被演奏者广泛地运用。

近些年, 许多风格迥异的乐曲被移植到手风琴上来, 例如爵士, 布鲁斯, 桑巴等, 这些音乐风格也填补了手风琴在流行音乐上的空白, 而流行琴对于演奏这些风格也有独特的地方。除了“波音”这个音色, 流行琴还有可以演奏爵士的低沉音色, 演奏桑巴的明亮音色等, 这些被改编过来用手风琴演奏的乐曲形成了一种独特的韵味, 既不失原曲的风格, 又体现出流行手风琴独有的魅力。

流行琴的右手变音器与普通手风琴有着很大的区别。老式键盘琴的变音器在琴键的上方, 自由低音手风琴为了方便变换音色, 在下颚处又添加一些常用的变音器, 使其能迅速的变换音色。然而, 流行琴的变音器在琴键的背面。由于流行琴的体积小, 演奏时琴体一般都在胸部, 下颚距琴很远, 所以当演奏者需要换音色的时候只需用右手大拇指轻轻一按就能迅速的变换需要的音色, 从而保持了乐曲的完整性和可听性。

二、肢体语言的丰富

流行手风琴的体积较小, 重量较轻, 因而表演时可以选择坐或者站立拉琴。与自由低音琴不同, 流行琴的左手只是单纯的贝斯, 而不是像自由低音琴在贝斯的基础上又加了一个系统, 因而站立时演奏也不会觉得过于笨重。流行琴是可以让演奏者把所有技术全面的表现出来, 手指的灵活度, 风箱的收放自如, 声音发出的穿透力等等, 这些都通过演奏者的肢体语言夸张地表现出来。在乐曲保持其完整性和可听性的同时, 把所有的点都进行放大, 毫不拘束, 随心所欲地进行演奏。这样, 演奏者与台下听众的交流也就越密切, 互动性越强。所以当流行手风琴演奏者在舞台上激情四射地演奏时, 所演奏的音乐能感染到每一个听众, 从而带动观众的高昂情绪, 使听众置身于一场欢乐地派对中, 主角不是演奏者, 而是在场的每一个人。

三、形式多样化的演奏

流行手风琴的演奏方式有很多种, 既可以独奏、可以重奏, 也可以利用伴奏带或者乐队现场伴奏的方式来进行演奏。无论是任务形式任何地点的演出, 都能体现出流行琴的表现力和感染力。独奏时, 它那优美的旋律以及干净纯真的声音把听众仿佛带到了另一个世界;重奏时, 两台或更多的流行琴发出的声音交织在一起, 形成悦耳的和声, 推动着旋律一步步地深入人心;有伴奏时, 流行琴又像一个乐队的主唱, 通过旋律的优美性和律动性把整个乐队的效果带动出来。除了这些, 流行琴还可以与很多的乐器以及音乐元素结合, 例如与中国民间乐器二胡, 扬琴等, 通过这些, 使流行琴的开发空间进一步扩大, 更多的融入音乐的各种元素, 再加上演奏方式的多样性, 使得越来越多的人发现并加入流行手风琴的行列中。

四、乐曲的旋律性和可听性

流行琴吸引大部分人的眼球一是华丽的外观, 二是悦耳的音色, 三就是动听的旋律。现在流行琴的大部分作品都是来源于法国, 有着很浓郁的法国风情, 其简单的线条, 优美的3/4拍的旋律, 令无数人为之陶醉。例如《天使爱美丽》这首电影主题曲, 只有那么简单的几个音, 没有那种现代音乐作品追求复杂的和声, 只是像儿歌一样自然地流露出来, 给人却以无尽的回味和思考。流行琴也有不少爵士的作品, 比如像手风琴大师噶里亚诺所写的作品, 其深遂的感觉, 就像是一杯浓浓的咖啡, 很自然, 很惬意。

五、小结

流行手风琴, 它就像是一个时代的弄潮儿, 继承了手风琴的优秀而独特的品质, 又结合了时代的发展与时俱进, 不断地吸收一切与其有关的各种各样的元素, 为手风琴注射了新鲜的血液, 使其向前发展。在我国的手风琴事业中, 越来越多的学者和专家认识到流行手风琴的社会价值和学习流行手风琴的重要性。在手风琴爱好者中, 也有越来越多的人关注到了手风琴领域中这一新的门类, 并且参与其中。在世界上, 有专门的流行手风琴比赛, 使全世界的流行手风琴的爱好者聚在一起, 交流经验与心得。

近些年, 随着流行琴地引入, 我国也开始重视起了流行琴在手风琴之中举足轻重的地位, 学习流行琴的势头如雨后春笋般的出现, 这不仅体现了对新事物的勇于探索, 也反映出人们对于音乐新理念的认识以及音乐审美的更高要求。我相信, 流行手风琴的推广和普及将会推动手风琴事业更快、更好地向前发展, 而流行手风琴将会成为手风琴历史上的一座里程式的丰碑。■

参考文献

[1]陈一鸣.手风琴手册.上海:上海音乐出版社, 2005.

[2]王树声.手风琴教学与演奏.天津:南开大学出版社, 1999.

试论流行手风琴演奏中的肢体语言 第4篇

关键词：流行手风琴 肢体语言

一、流行手风琴演奏中的肢体语言的界定

肢体语言又被称之为身体语言，也叫副语言。它可以辅助或者代替口头语言达到表情达意的目的。作为一种人际交往的重要方式，肢体语言的艺术性被抬高到了一个新的层次。流行手风琴的肢体语言就是演奏流行手风琴时为表达内容和情绪的需要所产生和运用的所有的肢体动作。

（一）与生活中的肢体语言的差异

日常生活中的肢体语言运用频繁，可以很随意，例如鼓掌表示兴奋，顿足代表生气，措手代表焦虑，垂头代表沮丧，摊手表示无奈，捶胸代表痛苦……而流行手风琴演奏中的肢体语言是有音乐贯穿的，是为了烘托音乐而加入的。没有特定的模式，完全是演奏者的二度创作。动作可以很夸张，但无论如何，都要与情、景相得益彰，不能超越乐曲本身的界限。

（二）与舞蹈表现中的肢体语言的差异

两者并没有太大的可比性，但还是存在一些差异。

相对于舞蹈中的肢体语言，流行手风琴演奏中的肢体语言没有那么严谨，主要是演奏者自身对于作品的理解的展现，比较随意。演奏不同曲风的作品时所需要的动作的界限也没有那么清晰，大多就仰头、抬脚，身体跟着音乐做一些恰当的律动等等。而舞蹈中的肢体语言则要求精准，有一套完整的体系，还要穿插一些技巧的动作；不同舞种在动作的编排和情绪的宣泄上差异都很大。但归根结底，两者的肢体语言地运用都是美的表现。

（三）与其他手风琴演奏中的肢体语言的差异

流行手風琴和其他手风琴最大的区别在于：

1.从外形上来说：流行手风琴的体积小，现代感强，需要演奏者做一些大幅度的动作以带动情绪的表达和现场的气氛。相对于其他手风琴来说，流行手风琴的动作不会受到过多的约束。

2.从曲风上来说：其他手风琴的作品专业性强，曲风没有流行作品多变，多以古典和浪漫为主。而流行手风琴作品的风格轻松活泼，如爵士、斗牛舞、缪亚特等，旋律感很强，还常用来演奏电影电视的插曲。演奏这些曲风的曲目时，身体的律动和面部表情的变化都能更好的衬托音乐。为了更贴近观众，流行手风琴的肢体语言比一般手风琴演奏必然会运用得更多，形式也会更丰富。

由此可见，流行手风琴的肢体语言不像生活中的那么随性，不像舞蹈中的那么有体系，也不像其他手风琴演奏中的那么规矩，它的肢体语言是有音乐性的，是很随性，很自由的。

二、肢体语言在流行手风琴演奏中的作用

（一）可行性

所有的乐器在演奏中的肢体语言都是可行的，相对于其他的乐器来说，流行手风琴演奏中的肢体语言则具有个性。

流行手风琴曲多以篇幅短小，轻松的乐章呈现，风格多变，融合了多少流行元素的同时还需要MIDI的伴奏，因此，肢体语言在其演奏过程中是不可或缺的，起到了带动气氛的作用。有的时候甚至需要夸张的效果来衬托出乐曲的色彩感，使乐曲更具张力。

我国目前在对流行手风琴的认知上面已有了逐步提高，各类国内外比赛中，肢体语言是否能帮助选手更好的演绎乐曲已成为评判的准则之一。越来越多的肢体形式逐渐呈现出来：随着音乐扭动身躯的，有韵律地晃动脑袋的……我们在欣赏选手演奏的同时，并不觉得这些肢体语言显得突兀，反而，更能快速地将听众带入音乐。

不同的演奏者在控制风格迥异的曲目时都会有独特的情感体验，因为流行手风琴的特殊性，不拘一格的肢体语言很符合琴本身和特点和演奏需要的效果。

（二）重要性

任何一种艺术都是有灵性的，都有其不同的艺术表现形式。流行手风琴的演奏中，肢体语言是演奏者自然的情感抒发，通过乐曲来诉说内心的声音。没有了这一份律动，音乐则显得苍白，没有感动，没有故事的音乐，再怎么优美，也不能引起听众们的共鸣。所以说，肢体语言是演奏者从内而外的情感体验，是为了作品的内涵而服务的，有时候也为演奏者表演气质的形成做好了铺垫。

因为流行手风琴曲风各异，怎样在演奏中凸显个性则值得演奏者深思：不仅仅是身体上的律动，手腕上的律动也是演奏悠缓、柔美乐曲时必要的动作。通过手腕的带动，可以使音乐具有抛物线，起承转合分明，听起来也更加流畅。当演奏快速急板的乐曲时，则需要手腕用力，手指有力、清晰地触键，要有颗粒感，显得果断，铿锵有力。

这些许的小动作在表现乐曲上起到了锦上添花的作用。可以说，肢体语言是流行手风琴演奏的一部分，没有好的肢体语言表达，很难成就优秀的流行手风琴演奏。

1.审美的需求

从前，手风琴的演奏仅仅是一门听觉艺术，人们追求的是音色的饱满、干净。随着人们审美水平地提高，他们不单单只是追求好听，在此基础上，人们更多的把焦点转移到了视觉美感上。这种美感来自于演奏者在不同乐曲、不同节奏、不同曲风、不同情绪的酝酿，通过适合的肢体语言和面部表情呈现出来。这种恰到好处的表现更能将聆听带入音乐的海洋。

流行手风琴在传统手风琴的基础上融合了许多创新的元素，在听觉上，音色更有立体感，可以模拟出钢琴、萨克斯等多种流行乐器的声音，显得更时尚，更能满足当下的审美趋势：新，潮！视觉上，流行手风琴的表现力强，演奏时需要灯光、伴奏的烘托，演奏者可以规矩地坐在椅子上演奏，也可以合着节拍站立着拉，为了带动全场气氛还可以走动……演奏者深深地陶醉在乐曲之中，不由自主的屈膝、昂头、甩手、闭眼等动作，动中有静，静中有动，从不同角度展现了流行手风琴的美，显得更有层次感和内涵。总之，良好地肢体语言能使流行手风琴的演奏更吻合人们的审美需求。

2.诠释乐曲的需求

法国流行手风琴逐渐成为了一种风格，潜移默化中被烙上了法兰西风情。法国人的音乐一直以来都追求纯正的音乐风格，他们以浪漫号称，音乐作品总能让人产生联想：地中海的阳光、郁金香、玫瑰、情人的欢笑和泪水……在诠释流行手风琴作品时除了娴熟的技术技巧外，肢体语言地恰当运用也不可或缺。

除了正常地演奏音符外，为了作品的需要，流行手风琴作品中还穿插一些特殊的处理：

谱例1：

这是该乐曲的第一版谱例的前半部分。如图：前13小节右手刮右手变音器和风箱，13-20小节右手按左边的变音器，左手做16分音符的余音。变音器刮奏等肢体动作的运用会对乐曲的处理带来一定影响。单纯的刮奏还不能将流行手风琴的魅力发挥出来，有的演奏家会闭眼，用头跟着节奏打拍子；有的演奏家则会跟着节奏轻声附和等等。这些略带夸张的动作对爵士风格的表现尤为重要。它们能在表达好乐曲本体的同也将探戈热情奔放、节奏鲜明的特点呈现了出来。

甚至，演奏者还会吹口哨或边拉边演唱来抒发情感……在更随性的状态下表现作品，更符合流行手风琴对肢体语言的要求。

3.引导现场气氛的需求

都拿饕餮盛宴来形容流行手风琴演出的现场，其实一点也不为过。流行手风琴演奏的现场氛围很关键，因为它需要演奏者和观众互动，需要有欢呼、呐喊和律动。为了使得演出现场更具感染力，流行手风琴演奏通常会用伴奏带来加重音响效果。演奏者除了坐着演奏外，还可以在舞台上来回走动，甚至可以不演奏，带头鼓掌等。情到浓时，还可以肆意地屈膝、踏节拍、点头等等。

华丽的舞台，绚烂的灯光，色彩缤纷的流行琴，极具造型的演出服，表现力丰富的演奏者，热情的观众等，完全就是一副内容生动的画卷。

手风琴演奏中紧张心理成因及其调适 第5篇

在手风琴演奏教学中, 我们经常看到这样的情况:在别人面前演奏时心理十分紧张, 心跳加快、手也冰凉, 即使平时花了很多功夫, 认为自己已经练好的曲子, 演奏时也大打折扣, 甚至出现“抛锚”, 使演奏中断。即使演奏没有中断, 但整个演奏处于“混”的状态。这就是我们常说紧张导致的怯场。手风琴演奏中的紧张现象, 心理学认为:“是大脑皮层兴奋过程与抑制过程之间斗争的表现”。一方面是过度紧张阻断了人脑已建立的暂时联系, 另一方面还造成了人体肌肉与器官的紧绷。造成这种现象的原因有主客观两个方面的原因。 (一) 主观原因。1.缺乏信心。自信, 是人类心理生活中最基本的内在品质之一, 也是一个人个性结构中的本质因素, 是人的内在的自我的核心部分。自信是成功的必要条件。当一个人失去自信的时候, 他的精神世界定然会变得暗淡无光, 便会自卑。实事求是讲, 没有完全自信的人, 也没有完全不自信的人。自信不足导致自卑, 这种不良心理往往发生在个性较为内向的演奏者身上。他们事实上在平时的生活学习中, 就可能表现出自卑的情绪。面对正式的表演场合, 对演出更是缺乏信心, 瞻前顾后, 甚至临阵退缩, 不愿出场。2.技术欠缺。演奏者由于某种技巧掌握不到位熟, 临场感到不安, 这是常有的事。所谓艺高人胆大所指就是这一因素。应该说, 演奏技术水平越高人的演奏便会越胆大、越出色, 而在初中级学习者中决定紧张心理是否产生的不是演奏技术绝对水平的变迁, 而是演奏者对自己技术水平的估价及掌握程度, 即相对水平。而相对水平的高低取决演奏者以什么样的人为参照物来评估自己。如一弹奏各方面较为出色的初学者以其他表现一般的初学为参照来评估自己并由此得出自己出类拔萃的感觉来判断时。在同样的演奏场地他的紧张比别要少得多, 这也就是通常所说的表演欲。3.期望值过高。有的演奏者面对一些较大较正式的演出机会, 功利心过重, 总想通过这样难得的机会一展才华, 功成名就。这样势必在演奏之前就背上不必要的的心理包袱, 造成考虑过多, 注意力过于分散, 导致演奏频繁失误, 表演失败【3】。4.经验不足。实践表明, 几乎每一位演奏者在第一次登台的时候, 都毫无例外的感到紧张。马来西亚创作型歌手易桀齐甚至爆料自己第一次登台“在台上紧张到尿了裤子”。常见的是初次登台的演奏者, 出现的心跳加速、手脚紧张等自然生理现象。5.失败经历。由于演奏者曾经受挫, 有句话说“一遭被蛇咬十年怕井绳”就是这个道理。演奏者有了这样的经历, 表演之前势必会顾虑重重, 记忆中的不快经历使演出心理蒙上阴影, 形成对舞台的焦虑惧怕。进而加重加重自身的心理负担, 使他们在表演之前就背上极重的心理包袱, 如不能进行有效的心理疏导, 他们极可能陷入心理恶性循环怪圈。 (二) 客观原因。1.生理条件不佳。演出前演奏者身体状况不佳, 比如感冒引起的全身关节酸痛;篮球场上的手腕受伤;害上红眼病等等。这势必影响演奏者的正常发挥, 使演奏者不得不担心害怕起来。2.在场观众。如一人在琴房独自练琴时就不会出现紧张而在上课时便会有紧张感。这是因为有教师在现场进行教学指导, 这时的紧张会有它的二重性心理素质。好的学生面对教师的指导但又有着强烈的表演欲, 虽有些紧张却能弹奏自如。而心理素质差的学生则正好。相反观众教师在场能否引起紧张或者引起紧张的程度因在场观众的特点及学生本身的特点而有所不同。

那么, 这种紧张心理如何调适呢?笔者认为, 应采取以下几个措施。1.增强自信。在手风琴演奏之前, 多说几次“我能行”进行自我暗示。心理学研究发现, 自我暗示的力量是巨大的。如果我们暗示自己“我能行”, 我们就会逐渐变得更有能力。因此, 你上台前, 一定要对自己说:“我比你们弹得都好, 你们不如我。”之类的话, 而且, 在台上不要总想什么专家、教授、领导, 你就觉得台下是一大堆大白菜、大萝卜!虽然, 这么说不太礼貌, 但是, 这样的戏说, 可以使自己从紧张中摆脱出来, 使上台前的紧张空气荡然无存, 把自己的成败置之度外, 思想全部都集中在你的演奏、艺术处理和美好的艺术表现中, 排除一切杂念, “进入角色”, 紧张和怯场也就会消失了, 你的演奏会很完美的。【4】总之, 一句话, 演奏时要学会“目中无人”。2.提高技巧。技巧的纯熟程度是克服表演过程中过度紧张情绪的关键。演奏者若能将相关技巧练得炉火纯青, 演奏前自然胸有成竹。俗话说“艺高人胆大”, 只有技巧掌握得好, 演奏者才真正不会心慌, 稳定发挥演奏水平。对此演奏者应该对乐曲中出现的技术性段落多加练习, 除要慢练、多练外, 还应练习一些有着相同技术难点的练习曲, 使之在任何组合下都能熟练流畅地演奏。这样演奏者对掌握技术性乐段的自信心加强了, 紧张的心理状态就有所减轻。【5】3.平常心态。对于演奏紧张心理而言, 制定切合实际的目标是缓解紧张情绪的最佳办法。由于受到不切实际的目标的压力, 我们常常发挥失常, 这是因为不断地对每个细节加以评判, 竭力去实现根本不切实际的想象。因此, 丢掉“一切都看今天这一回了”的想法, 相信“今天的演奏, 不论发生什么都会是下一次的良好开端”。任何时候都没有十全十美的, 每次演奏都是“学习”这条长链条中的重要一环。【6】建立这样的平常心态, 必然会甩掉身上不必要的包袱, 轻松演奏。4.多参加实践。一方面可通过模拟场景进行实践。如:可在小范围在教室中、琴房等非正式的演奏场所进行观摩演奏。也可先使几位演奏者同时上台表演, 随后渐渐减少上台人数, 最终发展为独奏。遵照如此程序对演奏者进行训练, 久而久之会取得较好效果。5.体验成功经验。如果我们多回顾以往的成功演奏经验, 我们就会对当前的演奏充满信心。增强自信心就要有意识地回忆自己成功的演奏经验。哪怕是一次回课, 哪怕是一场考试、哪怕是一台社区演出。只要它给你能带来成功的感觉就可以了。总之, 凡是成功的经验都可以, 回忆越多越好。【7】

总之, 在手风琴演奏, 紧张心理是一个重要的问题, 它是在演奏中能否发挥最佳水平的关键环节, 演奏者要想取得好成绩, 必须有良好的心理训练, 只有良好的心理状态, 演奏才能有最佳效果。

摘要：紧张心理是手风琴演奏中出现的一个重要的问题, 它是手风琴演奏能否发挥最佳水平的关键因素。演奏者要想取得好成绩, 必须要给予足够重视。文章针对手风琴演奏中紧张心理的形成原因从主客观两个方面加以细致分析, 进而就存在原因, 提出有针对性的解决设想。

关键词：手风琴演奏,紧张心理,调适

参考文献

[1]中国音乐家协会编.音乐建设文集[cl.北京:音乐出版社, 1959.

[2]王次昭.论音乐表演.人民音乐, 1989 (11)

[3]沈金华, 宗莉加.声乐表演中的不良心理素质成因及矫正[J].西南大学学报 (人文社会科学版) 2007年3月

[4]李然.从紧张到自信——如何克服钢琴演奏中的怯场[J].儿童音乐, 2003 (04)

[5]何巍.浅析手风琴演奏中“怯场”心理的克服[J].电影评介, 2007 (09)

[6]郭兰兰.浅谈消除演奏中的紧张焦虑情绪[J].钢琴艺术, 2002 (8) .

手风琴演奏 第6篇

学生要对作品进行理性的正确分析和感性的把握。首先, 对所演奏的音乐作品首先要了解其年代、背景及作者的创作思想意图; 其次, 进行准确的曲式分析, 了解其结构, 划分乐句、乐段, 乐句的划分是呼吸的前提。手风琴演奏中, 要想表现乐曲的起承转合, 要像唱歌一样呼吸换气, 这就依据于演奏者所划分的乐句。对作品的乐句要有一定的认识, 每个乐句都有始有收, 注重研究每个乐句的声乐表现特征。乐句是构成一首乐曲的一个具有特性的基本结构单位。它能表达出相对完整的意义, 如同文章中的一句话一样。在歌曲中, 乐句比较容易理解。特别是结构方整的歌曲。比如, 四句歌词, 对应着四个乐句, 句句之间有呼吸。器乐曲中的乐句, 有类似的, 比较清楚。但有时就不那么规整, 也不那么一目了然。这就是“器乐化”了的乐句。在文章中, 标点符号是分句及表达情感的重要组成部分, 而由于音乐是表现人们内心感受的, 所以没有像文字那样用标点把句子分开, 它则需要演奏者进行二度创作, 通过演奏来表现音乐作品的情感。划分乐句可以从单声部, 简单作品入手。如《小星星》《雪绒花》《小松树》等。这些乐曲在演奏之前, 跟着音乐的旋律走向唱一唱, 这些规整的乐句就显现了。如谱例1《小松树》: 四句歌词对应着四个乐句, 句与句之间都有明显的呼吸。

对于“器乐化”的乐句, 必须先了解作品创作的背景、风格特征及作曲家的创作特征等等, 反复唱并感觉。有时会出现几种不同的乐句划分方法, 作为演奏者的二度创作者, 要细心比较分析, 体会, 从而选出最满意的一种。

二、呼吸在手风琴演奏技巧中的运用

正确的歌唱呼吸是歌唱者首先应该学会的一项基本功, 也是歌唱艺术重要的基础。歌唱时的呼吸作为一种艺术手段, 有它自身特有的规律和方法。手风琴演奏中, 呼吸也同样是最必要的基础, 是一项技术, 需要方法得当的训练。

1. 风箱的呼吸

风箱的呼吸包括三部分:

( 1) 风箱的正确运行

风箱的推拉, 就像人们的呼吸。在演奏中, 风箱的运行就像一把扇子, 开风箱如同扇子打开, 风箱的上部分先缓缓打开; 回风箱如同扇子合上, 也是先回上部分, 下部分稳住, 在运行中要保持风箱的平稳, 开、合风箱都要自然的随着“扇形”运行, 这种运行风箱的方法, 有助于表现乐曲的歌唱性。

( 2) 风箱的控制

风箱的控制也就是对“力”的把握, 对初学者来讲, 对风箱的基本要求就是训练风箱的平稳运行, 只有平稳的运行才能不破坏乐曲歌唱性的表现。风箱的平稳运行是演奏者的最本质的条件, 同时也对乐曲音乐处理的表现起着非常重要的作用。要做到风箱运行的平稳, 要以手带臂, 自然、均匀的进行开、关风箱的运行。在运行中, 左手手臂不能太紧张, 同时也不能太松懈。当演奏者单独进行右手键盘部分的弹奏时, 风箱的平稳运行较容易做到, 但当进行左手贝司的弹奏时, 风箱的平稳运行就随之增加了难度。常常会出现风箱随着左手触键而晃动。这个力的掌控, 不能与左手贝司的弹奏相混, 也就是说在左手贝司的触键是手指的弹奏, 而风箱在乐曲中的运行不能随着节奏或左手触键的弹奏而晃动, 这一点是在演奏中容易出现的问题, 也是风箱控制的重要环节。风箱是否平稳运行, 不仅要求风箱在开, 关运行时都保持平稳, 不能晃动, 而且还要求其强弱力度控制均匀。

( 3) 风箱的设计

想要更好地控制风箱, 密不可分的就是合理的设计风箱。很多学生在演奏音乐作品时, 往往都是跟着感觉走, 有一定的随意性, 每一遍的演奏, 风箱的转换都在不同的位置。当然, 这样演奏也可以表现音乐作品, 但如果要把音乐作品表现的更准确、细致、流畅, 而且在转换风箱时, 表现的不留痕迹, 则需要在音乐作品中进行风箱的设计。演奏中, 要像歌唱处理呼吸一样细致地控制风箱。风箱转换时要柔和自然, 可以每两小节或四小节变换一次风箱的方向, 也可以按乐句间的“呼吸”, 也就是是以作品的乐句为依据, 变换风箱。我们还以《小松树》为例看看风箱的设计, 每一句换一次风箱, 都是在歌曲呼吸的时候换。

如谱例2:

2. 手指的“呼吸”

呼吸运用的正确与否, 对于演奏中的技艺表现、音乐情感表现、优美音色等都起着决定性的作用。在演奏旋律感较强的音乐时, 要求手指的弹奏动作要连贯, 触键要触到底, 做到音和音之间没有缝隙。但常出现音和音的叠加, 也就是当第二个音下键时, 前一个音还没有抬起, 造成浑浊, 不清晰。这需要在训练时克服。有时还要求演奏者体会手指与手腕的相互配合, 如演奏巴赫的作品, 要十分注重结构层次的均衡性、旋律线条的歌唱性和音乐表现的装饰性处理。在演奏时强调以轻微简捷的手指弹奏和轻盈的手部动作为主, 在气息上要做到有控制、有层次地呼吸。

在演奏一首新的乐曲之前, 不要急于上手弹奏, 首先要认真分析整首曲子, 了解乐曲包括作曲家的背景及内涵, 弄清楚乐曲中的旋律乐句, 找到“气口”合理划分乐句。最有效的方法是“歌唱旋律”, 把旋律唱出来, 这样, 很自然的我们就会在“该停顿的地方”停顿下来。钢琴的弹奏要求有“双臂呼吸”, 手风琴的演奏同样适用, 手臂的放松和调节能给予音乐连贯性和流畅感; 而手腕的呼吸是运用最普遍、也出现最多的呼吸手段, 如连线的划分, 通过手腕力量的“上抬”和“下沉”也可以实现乐句起伏中的“气息”。

三、内心的歌唱及情感的表达

诗歌、散文等文学作品使用文字来表现作品的内容和情感, 音乐则用声音来表达音乐作品的情感, 它是把我们内心从音符中感受到的东西, 通过弹奏音乐作品, 也就是二度创作的方式显现出来。因此, 演奏者首先要把作品弹奏的悦耳, 让听众能收到感染, 也能在欣赏作品的同时感受到作者的情思。要做到这些, 需要演奏者在平时要注意多听、多分析、多比较各类风格的音乐作品, 以加强内心对音乐的感受和理解。比如, 《夕阳箫鼓》, 这首中国作品, 旋律委婉质朴, 节奏多变。演奏者注意到了旋律线条的起伏, 感受到了节奏的转变, 随后注意到音色的转化, 于是内心就勾勒出一幅夕阳映江、晚风轻抚、江楼钟鼓的画面, 这就让演奏者首先进入了画面, 从音乐中获得这种情感体验, 他把其感受表达弹奏出来, 让听众得到一种感性的直接体验, 产生共鸣。

总之, 歌唱性并不是简单的连贯的弹奏技术, 而是技术技巧与音乐表现、演奏者内心感受的统一。音乐就是歌唱, 弹奏手风琴, 就是传递给听者一种美妙的声音, 激起听者内心的音乐共鸣。当我们把手指、风箱、内心、感觉等都融为一体时, 音乐的歌唱性就显现了。

摘要：大家对歌唱并不陌生, 我们通常讲歌唱, 也可以称唱歌, 是指人类通过发声器官产生音乐性声音的过程, 与说话相似。它是一门艺术, 包含唱歌的姿势、呼吸、发声和咬字等各方面的训练和要求。手风琴演奏中的“歌唱”, 也相似于唱歌或说话, 他要求以演奏的形式, 把音乐完整、清晰、动听的展现给听者。就手风琴演奏中如何把握“歌唱性”进行了论述。

关键词：手风琴,歌唱性,呼吸

参考文献

[1]夏雨.钢琴演奏中的“呼吸”处理.文化艺术研究, 2009, (23) .

手风琴演奏 第7篇

关键词：中国手风琴,发展道路,民族化,大众性,多元化

手风琴 (accordion) 这件借鉴于中国笙簧发音原理而形成的乐器, 其表现形式多样, 声音宏大, 音色变化丰富, 手指与风箱的巧妙结合, 能够演奏出多种不同风格的乐曲, 除了独立演奏外, 也可参加重奏、合奏。可以说一架手风琴就是一个小型乐队, 加之音高固定, 易学易懂, 体积小, 携带方便, 因此, 手风琴很适合不同年龄的演奏者自娱自乐, 也可以很方便的携带到学校、剧场参加演出。

一、手风琴的发展现状

作为一名手风琴演奏专业的研究生, 我对手风琴的认识和学习历程也接近20年了, 我国的手风琴是在新中国成立后的红色年代才开始兴起和发展的。从50年代初期至70年代末, 手风琴在我国从部队到地方、从工厂到学校, 从文艺团体到群众舞台, 在人民群众中得到了较为广泛的传播。同时, 各级各类师范院校和部分音乐艺术院校也逐步开设了手风琴必修课、选修课和主修课。从80年代初开始, 我国的手风琴教育事业和演奏艺术逐步专业化, 到20世纪90年代初, 我国的手风琴和世界各地的手风琴有了更为广泛的交流, 2007年“北京国际手风琴艺术节”、2009年“上海之春国际手风琴艺术节”的成功举办和所形成的广泛影响, 都证明了中国手风琴所取得的辉煌成就。然而进入20世纪90年代末期, 尤其是21世纪初, 随着人们物质水平、精神文化水平的提高, 人们看待音乐的视野大大拓展, 各种乐器, 洋乐也好民乐也罢, 层出不穷, 争奇斗艳。渐渐地将手风琴挤出了主流音乐的舞台。90年代初手风琴考级时门庭若市、热闹非凡的场景现今只能成为一种回忆。以至于现在仍坚持在手风琴教育和学习的人面临择业困难的境地。可是, 真正喜爱它的人, 真正感受过手风琴给予的快乐的人, 又怎么忍心看它就此败落下去直至销声匿迹?面对这样进退两难的尴尬境地, 我们该如何去改变呢?作为手风琴演奏专业的学生, 我也在反复思考这个近乎老生常谈, 却一直没有解决, 但又迫切需要解决的问题:如何让手风琴演奏再次散发光芒?手风琴演奏事业未来的路到底该怎么走?

二、手风琴演奏的发展方向

其实我们的前辈早就意识到了这个问题, 也都在积极的进行着各种研究和尝试, 我大致总结了一下, 大部分对手风琴演奏改革建议的落脚点都是在谈手风琴演奏需要更贴近民族化、大众化、多元化这三点。但在2008年“上海师大手风琴多元化发展研讨会”上, 就有一个声音一针见血的指出:虽然我们一直在改进, 从作品到演奏技法到表现形式, 都在努力倡导、尝试实现多元化, 推广普及化, 但这个多元化, 是“伪多元化”, 这个推广普及, 似乎还很困难而且无法做到足够的大众化。大家仍然在手风琴演奏事业如何前进的岔路口上徘徊, 对于这个棘手的问题, 我认为还是应该从根源上、从观念上开始改革。

1. 实现更加贴近本土的民族化

手风琴是一样外来乐器, 它本身就是植根于俄罗斯民族文化土壤上的产物, 进入中国市场到现在也不过几十年时间, 要想这么短的时间实现中国本土手风琴的民族化, 几乎是在揠苗助长。但我认为这却是可以逐步实现的。首先要实现的是作品的本土民族化;相信手风琴专业的学生都有感触, 我们接触学习到的大部分都是国外的作品, 本土的作品比例很低, 而且大部分的同学拿到本土作品时都感觉有困难, 很头疼。久而久之, 能被大众所接受和理解的本土手风琴作品被演奏者们所忽略, 而只有专业人士才能听懂的国外作品也只能在本行业圈内演奏, 演奏者们也始终跳不出这个深井。然而想要实现作品的本土民族化, 我们就要面对两个问题: (1) 缺乏适合手风琴演奏的本土作品; (2) 无法引起本土观众的审美共鸣。由于最初的手风琴是传统的120贝司, 之后德国的霍乐在此基础上增加了四个半八度的185贝司完成了自由低音手风琴, 而意大利的手风琴制造家又进一步的实现了传统向自由转换的双系统自由低音手风琴, 使得手风琴本身的表现力已近乎无瑕。可是这样一件几乎完美的乐器, 却不能很好地表达我们中华民族传统特有的民族文化特色和民族思想感情, 问题的关键就出在作品上。曾经的《马刀舞曲》《上山打虎》《天女散花》《诺恩吉亚》《吐鲁番的葡萄熟了》之所以能经久不衰, 正是因为创作者都立足于本民族的文化底蕴, 在人民的劳作中、生活中, 在各民族不同文化差异的基础上利用我国的各民族地域的音乐语汇来展开创作, 只有这样的作品才会引起我们本民族审美心理上的共鸣!值得一提的是, 从手风琴演奏的教学设计上来看, 大部分的音乐院校都是以国外作品为主流科目和内容进行教授的, 但凡大型比赛或者音乐会, 均有国外作品多于本土作品的现象。不可否认, 通过对国外作品的演奏、学习和借鉴, 能大大提高我们的演奏技能和对不同音乐风格的认知领悟能力, 但请记住, 最终我们要通过手风琴演奏这个媒介, 去表达我们自身的文化特征和思想感情, 如果我们手风琴的学习者都不能真正地驾驭本民族的音乐, 那又如何获得民族大众的审美心理共鸣?所以如果我们能多一些像《春到帕米尔》《二泉映月》《送你一枝玫瑰花》等这样的优秀作品, 专门有中国手风琴作品课程, 并且我们的内心是真正的接受它, 用心的去体会、学习、钻研它, 那我们才真正敢说我们正在尝试让中国手风琴演奏事业更加具有民族化的特点。

2. 实现更加贴近生活的大众化

也就是我们所说的手风琴音乐普及化。讲到这里, 我想到曾经红极一时的流行歌曲《白桦林》中那段唯美的手风琴伴奏, 悠扬的音色, 舒缓且略带忧伤的旋律, 一度使手风琴爱好者甚至是广大听众为之疯狂。这是手风琴在大众的审美理念中塑造出非常成功的一部作品, 因为创作者将手风琴的传统民族音乐语汇与当代流行元素相结合, 在保留手风琴原汁原味的基础上, 迎合了大众的欣赏口味从而达到了心理共鸣。然而现在, 我们大多数手风琴曲谱“洋味”十足, 且“专业化”居多, 尤其是近些年出现的“考级热”“比赛热”, 更是将我们的手风琴与大众分割开来, 我不否认, 经过一次次的大赛和考级, 使得我们在演奏的技能技巧上、心理素质上, 对作品的驾驭能力上都是一种好的锻炼和提高, 可是, 大部分的考级及比赛曲目都是外国曲目, 圈内人看的是技能听的是风格把握, 比的是心理素质。试问, 在当今这样一个百花竞开、争奇斗艳的音乐世界里, 传统的演奏方式与曲目如何能够征服大众, 赢得视听享受的上等评价?如何能让大众在众多的音乐表现形态里对手风琴的演奏情有独钟?其实这些问题再很早以前就被提出, 但这些问题为什么一直都没有得到根本上的解决, 我认为最重要的一点是, 我们的学习理念和模式上的单一。其实相比较其他演奏形式, 手风琴的伴奏条件是最为优越的, 虽然现在随着钢琴、电子音乐、交响乐的介入, 手风琴是略显单调些, 但在大众娱乐中还是有实用价值的, 可是我们为什么没有将这个价值体现出来?关键是我们的学习者对于大众的欣赏心理需求并不了解, 就拿这个例子来说, 大部分经典曲目的演奏高手, 即兴伴奏的能力也相对平平, 我们大部分的时间都是在演奏外来的“经典曲目”, 以熟练和高难度作为高标准的判定, 对于伴奏知识和技能无从知晓, 试问, 在传统复印式的学习中, 如何能够让这门艺术被更多的大众所接受?所以, 我们一直提到的这个大众化, 应该是在各个阶段都要符合当代人们的审美心理要求, 要达到大众心理上的共鸣

3. 实现更能包容时尚的多元化

我想, 这个“多元化”, 除了我们前面提到的作品多元化, 更多的还是手风琴演奏及表现形式的多样化。手风琴由最开始的为合唱伴奏, 到独奏再到重奏, 现在发展到室内乐甚至在交响乐当中也出现过, 这无疑是一个飞跃。但我们目前的这种多样性是不是更多的趋向于专业性?我认为手风琴的多元化, 关键还是在与时俱进。就拿中国民乐器来说, 90年代的民乐似乎还是一个冷门, 从20世纪初, 尤其是近几年, 民乐开始火爆, 并且大部分的民乐都渐渐的现代化, 电子化, 流行化。“女子十二乐坊”就是一个成功的例子, 从二胡到古筝, 从古笛到独弦琴, 都进行了包装, 无论从演奏作品及形式上, 还是从舞美、服装上都给人以焕然一新的面貌。既保留了传统民乐的精髓, 又添加了与时俱进的现代流行音乐元素, 既在国内流光溢彩, 更在国际舞台上崭露头角。我想, 我们的手风琴要走多元化道路, 要想真正的跳出深井, 就必须从中借鉴经验, 我们的传播方式、传播途径是不是也应该与时俱进, 更加的多元化呢?比如流行音乐的领地, 电视、电影背景音乐的尝试等, 不是等着别人来找上门告诉我们, 而是我们自己要去寻找, 去创作。因为我们面对的大众是多元化的, 所以我们既要追求“阳春白雪”, 也要“下里巴人”, 既要能优雅地坐在音乐厅的椅子上演奏“巴赫”, 也要大胆地走出去站在大众的舞台上挥舞一曲“好汉歌”。

结语

手风琴是一只年轻的乐器, 在中国的文化土壤上, 它曾经绚烂过, 相信每一个热爱它的人, 那些为它付出过汗水, 同时也感受过它所带来的快乐的人们都期待着它再次活跃在我们的舞台上, 我们相信, 在我国广大手风琴专业工作者和爱好者的继续合作努力下, 具有中华民族风格特色的手风琴艺术之花, 必将在我们社会主义百花园地里, 开放得更加芬芳艳丽, 就让我们一同去研究、尝试, 并且释放他更加辉煌的风采吧。

参考文献

[1]王域平《世纪之交的回顾与展望》.中国音乐2001.第4期.

[2]于佳《我国手风琴发展进程中的阻碍现象分析》大舞台2009第4期.

手风琴演奏中艺术表现力的重要性 第8篇

一、手风琴演奏中艺术表现力的重要性

1. 人格熏陶作用

手风琴的艺术表现力虽然与演奏者的演奏熟练程度有关, 但是它更关注的是演奏者在演奏过程中对乐曲情感的表达及演奏者所表现出的良好的艺术修养。手风琴在构造上由左手贝司、右手键盘和风箱组成, 演奏者要想演奏出圆润、优美的旋律, 首先要克服手风琴连奏、断奏的难度, 熟练掌握手风琴演奏基本技能。但是, 东西不过是通向艺术的手段, 并不代表真正的手风琴演奏艺术, 真正的手风琴艺术是将乐曲中寄托的情感准确地表达出来。演奏者在演奏手风琴时, 首先要能用审美的眼光去理解事物、看待事物, 才能有对音乐情感有深刻的领悟和体会, 其次才能使演奏更加生动和传神。从物理角度来讲, 演奏者只有立足于审美经验之上展开丰富的联想, 才能调动艺术细胞去淋漓尽致地表达乐曲情感。这个过程, 也是演奏者艺术审美经验积累、艺术涵养培育、人格接受艺术熏陶的过程。纵观那些优秀的艺术家, 无一不是在专业方面出色, 同时在音乐修养方面也出类拔萃的人。就是因为在乐器演奏过程中, 乐器演奏能如音律一样熏陶演奏者的人格, 舒展其情感, 提高其艺术修养。

2. 文化交融作用

手风琴的前身是中国传统器乐“笙”。1777年, 意大利传教士阿莫依特神父将中国的“笙”带入欧洲后, 根据“笙”的活簧原理, 德国人德里克·布斯曼在1821年制造了奥拉琴, 并于1822年对其改良, 在琴身上增加了手控风箱和按钮;不久, 奥地利人西里勒斯据此创制出了第一架手风琴。手风琴在发展的过程中, 历经了多次改良, 它的形式和内部构造也越来越精良。虽然如今从手风琴身上已经看不到中国传统器乐的影子, 但是, 手风琴与中国传统乐器“笙”的艺术原理都是相通的, 它从无到有、由有到优的产生和普及过程, 正是中西方艺术文化交融、碰撞的结果。二十世纪初, 手风琴传入我国, 我国艺术家很快被其吸引, 手风琴艺术也迅速在中国发展开来。即使是在条件最为艰苦的年代, 手风琴那极具穿凿力的音响也从未断绝。相反, 我国艺术家还根据手风琴的特性, 创作、改编了许多优秀的手风琴曲, 如《铁道游击队之歌》和《牧民歌唱毛主席》。在社会主义新时期, 我国民族音乐的包容性和进步性不断提高, 手风琴也成为人们最喜爱的流行乐器之一, 手风琴也多次亮相大型舞台与其他乐器一起奏响了华丽的时代乐章。在手风琴艺术学习、演奏和欣赏过程中, 人们不仅能了解中外文化兼容并蓄的性格, 还能开阔视野, 接触到不同时期、不同风格的艺术作品, 这不单是音乐艺术学习的过程, 更是音乐文化传播的必经之路。

二、如何提高手风琴演奏的艺术表现力

1. 掌握扎实的手风琴演奏技巧

技巧虽然无法与艺术挂钩, 但是, 要想使手风琴演奏更具艺术表现力, 演奏者必须具有扎实的技术基础和高超的演奏技巧。一般而言, 演奏者的演奏技巧不是一朝一夕就能练成的, 它需要长时间的积累和训练。其中, 在手风琴演奏技巧训练中, 触点和风箱训练最为重要。触点训练的基本方法是:以掌关节活动为主, 力量下放到指尖, 借助关机和手腕运动去指挥同音换指、同度音、手腕断音动作, 同时触点的力量、速度、手指离键高度也要随着乐曲的变化而变化, 如在演奏歌唱性旋律时, 要适当放慢触键速度;在演奏轻快而颗粒性较强的片段时, 要适当加快触键和离键速度。手风琴的风箱好比它的心脏, 借助风箱运动和不同的风箱推拉速度, 手风琴才能演奏出不同的音色、音质的声音。手风琴风箱技巧分为平风箱、顿风箱和抖风箱等, 不同的音箱技巧针对的是不同的音乐情绪和音乐形象。演奏者要经过长期的严谨而科学的训练, 才能轻松驾驭手风琴演奏技巧, 才能使手风琴更具感染力和艺术表现力。

2. 提高心理素质

音乐是情感的表达和传递, 音乐的最终目的是传情达意。因此, 从某个角度来说, 乐器演奏也是一种包含着情感的艺术样式。这就要求演奏者在演奏音乐时, 必须能透过乐谱、音符和乐器去感受音乐的情感和思想, 然后从自我理解的角度将其表达出来。只有这样, 观众在倾听这样的音乐时, 才会被其中饱含的深情所感染、打动, 音乐自此才算真正完成“美”的传达和心灵净化作用。具体到手风琴演奏中, 演奏者同样要以情感传递为最高目标, 充分调动心理因素, 充分发挥主观想象能力, 去挖掘音乐作品的艺术内涵, 同时结合自己的感悟去诠释、演绎作品。整体来看, 手风琴演奏者在演奏过程中要具备两方面的能力, 一是对作品的理解和感知阶段, 一是对作品艺术情感的想象和联想阶段。这两点都要求演奏者有一定的审美经验和良好的心理素质。因此, 演奏者在日常学习和表演的过程中, 要有意识地去调试自己的心理因素, 不断提高自己的心理素质。只有这样, 才能在演奏时真正与乐器、音乐融为一体, 表达出最真挚而优美的情感。

3. 加强艺术修养

演奏美学告诉我们, 技术只是艺术表演的基础, 艺术修养才是艺术表现力成长的土壤。换而言之, 艺术演奏家的艺术修养越好, 他的演奏技巧才更具艺术表现力。因此, 演奏者要不断提高自我艺术修养, 那么, 演奏者提高个人艺术修养的途径有哪些呢?笔者认为, 首先, 演奏者要放宽视野, 多方涉猎, 多接触不同风格的艺术形式和艺术作品, 以提高自己的艺术理解能力, 进而在准确把握作品情感内涵、主旨的基础上, 提高自身音乐修养。其次, 演奏者要尝试着接触一些文学、美术和诗歌艺术作品, 以提高自己的文学和美术修养。因为许多音乐都是以文学、美术和诗歌的形式来体现的, 个体的文学、美术修养提高了, 对个体音乐修养也有所帮助。再次, 音乐是一种脱俗的艺术形式, 古代人们常见音乐当做修身养性的艺术。音乐美学思想告诉我们, 演奏者在演奏时只有内心清净、心思纯洁, 才能演奏出纯净质朴的音乐。因此, 手风琴演奏者在学艺的道路上, 要摈弃浮华, 重视修身养性, 争取用最纯洁的心灵去贴近和演绎音乐。

综上所述, 手风琴演奏中的艺术表现力在个人艺术修养和社会文化发展中都具有重要作用。因此, 在手风琴演奏中, 演奏者要练就扎实的基本功, 以提高自己的演奏技能和艺术修养, 赋予手风琴演奏以更独特的艺术表现力。

参考文献

[1]王茜.论流行手风琴演奏中舞台表现力的培养[J].北方音乐, 2014 (13) .

手风琴演奏 第9篇

音乐会在国家大剧院艺术资料中心举办，在这个不太大的资料馆里坐满了观众，其中有很多都是上了年纪的听众。

许可卿2009年考入中央音乐学院附中手风琴专业，师从曹晓青教授。除了学习古典和流行音乐演奏之外，他个人对室内乐尤为热衷。由他牵头组合的和合室内乐团成立后，被越来越多的人们所熟知和喜欢。

“摇摆的圣诞——手风琴室内乐音乐沙龙”举行当天，中国手风琴界老前辈閃源昌老师、中国戏曲学院孟茜老师等业界专家亲临音乐会现场。青年作曲家李勇敏老师、解放军军乐团单簧管演奏家袁威老师也亲临现场助阵。现场的观众对整场演出抱以极高的热情，在互动环节中有很多观众向许可卿主动提问，一些观众还表达出了对许可卿由衷的喜爱。面对观众们的问题，许可卿都逐一作答。

和合乐团演奏了改编版的《花儿与少年》《圣诞串烧歌曲》等应景和大家耳熟能详的作品，以及多部皮亚佐拉的作品。解放军军乐团单簧管演奏家袁威老师在现场与和合乐团合作演出了二胡名曲《赛马》，此次手风琴和单簧管的演奏让观众倍感新奇，其效果更令人意想不到。一曲结束，观众们不肯离席，纷纷要求加演，最后在一曲皮亚佐拉的《自由》名作中结束整个音乐沙龙。

音乐会结束后，许可卿做了自己首张专辑《公路快车》的签发活动。而此张专辑也被国家大剧院资料馆收藏。

（柳 蕾）

手风琴演奏 第10篇

《诺恩吉亚幻想曲》是汲取蒙古地区流传已久的歌曲“诺恩吉亚”的灵感发展而来。蒙古族的音乐多用五声音阶,A羽调式是最常用的调式,作者紧紧抓住蒙古民间音乐的特点,旋律中连续使用四度音程体现了蒙古民歌中最常见的音调。

这首作品的结构为回旋奏鸣曲式,结构清晰,如下图:

在开始24小节的引子中共出现五种材料,是整个作品的绪论。前四小节仅用了一个a音,强调了羽调式的主音,将乐曲中要表现的浓烈淳朴的草原气息以极其简要的音响形式揭示出来。装饰音的使用也表现了蒙族音调中特有的手法,隐喻了马头琴的歌唱特色。连续的减七和弦转换以左右手交替手法把戏剧性的矛盾冲突推向一个高潮,九和弦分解上行解决到羽调式的主音上,使其前后呼应,有再次点题之感。

呈示部的主题优美如歌,带有伤感、哀婉的音调,表达出主人公诺恩吉亚怀念家乡、思念亲人的惆怅心情。旋律纯朴、清新、极具歌唱性。

这一主题是典型的蒙古族音乐体裁中的短调主要用于狩猎歌、叙事歌以及一部分带舞蹈性的宴歌、情歌、婚礼歌。主部主题取材于蒙古地区民歌,抒发人与人之间的感情。副部主题则在描述景和物,作者把心情极度复杂、哀伤痛苦、思念家乡的主人公与辽阔的草原景色,迷人的自然风光形成一种情与景的反差对比,用音响的形式再现出来。

二、演奏技巧运用及处理分析

乐曲的引子部分,前四小节只用了一个a音,强调了调式的主音,将乐曲的主要信息草原上以及其简要的形式刻画出来。简短的装饰音模仿蒙古族的特色乐曲马头琴的音色,这四小节演奏时主要注意的是使风箱平稳但有力度的拉出来,每三声长调结束后都不能急着弹下一声,仿佛演奏马头琴的乐者要换一口气,休息一下。

谱例1:

接着,回风箱模仿马头琴的回声,要注意的是,声音听上去既要和前2小节的力度不一样,又要完整的把拉出去的风箱完全的收回来,好为接下来的连续八度跳动做准备。第四小节的2声长调可以拉的长一些,一是为了有足够的空间把风箱回来做准备,二也可以解释是最后回声在草原上响的时间久一点。紧接着是连续的减七和弦转换以左右手交替的手法把戏剧性的矛盾冲突推向一个高潮。

谱例2:

九和弦分解上行最后回到a上,再次点题,使乐曲的主题发展深入人心。在呈示部的A部分结束后,风箱回到原点,注意这里的左手要有一个渐行渐远的感觉,要慢慢的变弱,放慢。仿佛送亲的队伍渐行渐远的脚步声。

(一)呈示部的处理

呈示部的主部主题歌声优美,主要表现主人公诺恩吉亚怀念家乡思念亲人的惆怅心情,具有歌唱性。这一段演奏的时候,头部要向远处张望,不能有大的跳跃,不能破坏这一部分体的完整性,还要注意适当的空隙,休息。在接下来的连接部分中,右手上行旋律,左右手形成反向进行,使音乐出现了整个乐曲的第一次大的波动,这一部分弹奏的时候,要非常的投入,加上面部表情,音乐给人一种精神的失落与压抑感。仿佛诺恩吉亚在夜深人静时思念家乡轻轻抽泣,之后转为大声的痛诉又无奈的感觉。随后的音乐有较大的变化,出现了与痛苦,伤感的主部主题形成强烈对比的副部主题。

谱例3:

副部主题明朗,清晰,运用了持续低音的蒙古长调,再现了草原的生活景色。副部主题主要表现蒙古族草原的迷人景色与美丽的自然风格,与之前的痛苦思念家乡形成了一种强烈的反差。

(二)展开部的处理

展开部是以非常典型的后十六分音符开始的,简单而又朴实,似骏马奔腾而过。

谱例4:

这12小节的插部要弹的十分干净利落,所以的音符都简短并且清晰,尤其是每小节后面的四个十六分音符,都要奏的准确并且简短有力,清晰不含糊,在弹奏后面的十六分音符时有向上扬起的感觉,并且把结尾加重,这部分内容虽然不是全曲的高潮,但是可以体现一个演奏者的技巧和熟练程度。

接下去主部主题的动机出现,这个地方处理的时候,要遵从不急,不缓,准确,干净的演奏出来,不能使用连音,也不能用跳音,后面三组的十六分音符是一个上行渐强的过程。突出音乐中的强进行,衬托剽悍又迅疾、敏捷又奔放的性格特征。

(三)再现部的处理

再现部是情绪突然激动,预示着某种力量的升起,生命的活力在这里奔放。

谱例5:

左手持续的三连音渐次下行,右手是不间断的柱式和弦,这里的风箱要非常的平稳,不能有空隙,也不能有习惯性的甩风箱的毛病。在开风箱时要平稳的出,在合风箱时也要平稳的回,基本属于正扇形开出去、正扇形收回来,并且在此期间也要保证每一个音的时值均匀、流畅、连贯。

(四)结束部的处理

结束部分整体是一个急板,严肃,整齐,充满了力量。整个结束部节奏统一,风箱开合要果断,气流给足,风箱绷紧,左手手臂用足力气,但风箱开合的造型应呈扇形和倒扇形,如此运行,从视觉上给人以醒目的美感,从音响及情绪上给人以听觉上的交响性效果,几乎能够与大乐队媲美。

最后的5小节采用了分裂的八度上行的手法而写成,最后结束在一个单音上,在弹奏完最后一个音以后,要保持最后弹奏的姿势定格一秒钟,再回到初始状态。这样与全曲形成一个完美的呼应,乐曲到此而终。

三、结语

《诺恩吉亚幻想曲》是一部极具研究性的中国手风琴民族作品,它不仅是中国手风琴民族音乐风光的画卷,也是手风琴艺术在历史上的沉淀。它的最大价值在于发掘民族性与世界性的结合。笔者通过对本曲的分析,从中总结出一些手风琴乐曲的演奏处理技法,愿与广大热爱手风琴的音乐人共同探讨。

摘要：《诺恩吉亚幻想曲》是天津音乐学院王树生教授创作的一首大型手风琴独奏曲。作者在创作中以新颖独特、形式自由的手法,赋予了作品以极具生命力的音乐形象。本文通过分析本曲的曲式结构以及演奏技巧,以推动本民族手风琴的发展。

关键词：手风琴,《诺恩吉亚幻想曲》,民族化

参考文献

[1]陈一鸣.诺思吉亚幻想曲的创作特点与艺术风格浅析[J].山东艺术学院学报,2001.

[2]胡志文.当前中国手风琴创作与其特色[J].中国音乐,1996,04.