二胡音乐艺术论文范文

二胡音乐艺术论文范文第1篇

与纽约百老汇或伦敦西区等剧场群落不同，提及日本音乐剧，第一时间就会让人想起“四季剧团”，它完全不同于西方音乐剧创作、制作、运作及演出协同分工的“全产业链”，而是凭一己之力生生打造出一个剧团的“全产业链”，涉及了创作（改编）、制作、演出、管理、技术和服务等方方面面，这对于音乐剧全产业链生态尚未形成或尚不成熟的中国从业者而言，确实有借鉴意义。正像王翔浅书中引述的说法，四季剧团艺术与经营的奇迹被称为“四季神话”①。当然，四季剧团“全产业链”这个神话并不是一蹴而就的，如今的超大体量更非几个春夏秋冬就形成的。

六七十年前，学法语出身的浅利庆太等十位大学生希望在日本戏剧界发动一场革命，他们选择在1953年7月14日“法国大革命纪念日”这天成立了四季剧团。浅利庆太（1933～2018）等创始人一直秉持这股子“变革”精神，从改编让阿努伊的现实主义戏剧起步，到1960年代后开始原创“家庭音乐剧”，再到1970年代后逐渐转型为以制作百老汇经典音乐剧为核心。1973年，浅利庆太关注到了以新锐姿态登场的音乐剧奇才韦伯，并将其摇滚音乐剧《耶稣基督超级巨星》加入了“歌舞伎”元素，成功搬上东京舞台。1979年四季剧团出品了《歌舞线上》这部百老汇具有里程碑意义的作品，这次搬演是在该剧百老汇首演的仅仅4年后。

1980年代，四季剧团辉煌时期的到来与欧洲巨型音乐剧的“全球化”同步开启，韦伯、麦金托什等人所倡导的音乐剧国际性运营是演出活动的标配，意味着英式巨型音乐剧开始了全面商品化。从打造驻场音乐剧《猫》开始，四季剧团便在孤注一掷的探索中与西方音乐剧版权方达成了双赢，也坚定了欧洲巨型音乐剧的“全球化”策略：而且，四季劇团的转型与崛起与1980年代如日中天的日本经济形势不无关系。

到了1990年代，迪土尼也加入了音乐剧舞台版权复制的阵营，四季剧团又敏锐地嗅到了迪士尼进驻百老汇的新商机，《美女与野兽》《狮子王》等剧都是在进驻百老汇的第二年，四季剧团就获得了在日本的上演版权，谈判过程从最初的半年多到后来的10分钟，四季靠着一丝不苟的专业精神征服了迪土尼。而且当时浅利庆太已经有计划将其音乐剧王国拓展至中国，除了与中央戏剧学院建立起剧目交流和人才培养的联系外，1999年四季剧团还曾与北京一家公司合作推出了中文版《美女与野兽》，创下了三个月82场的演出成绩。直到2001年，韦伯到人民大会堂开了音乐剧演唱会后，麦金托什等相继决定直接到中国市场试水。

世纪之交，由四季剧团出品的日语版西方优质音乐剧的“长期公演”对于日本观众而言，已成为家常便饭。《狮子王》甚至实现了东京驻场版和日本城市巡演版同时进行的日常演出。与西方音乐剧和新锐崛起的韩国音乐剧产业相比，辉煌的四季剧团拓展了独到的“本土化”策略，但它也有隐忧与掣肘，使四季剧团并未超越“亚洲音乐剧的知名品牌”。

在全球化的背景下，音乐剧发展开始市场化的中国，四季剧团能给予我们什么新的思考呢？一个偶然的机会，我参加了四季剧团驻中国代表王翔浅规划的“2020年东京音乐剧艺术之旅”，来了一趟说走就走的观剧旅行。以下内容共有三个关键词：演员、剧目和观众，正是这三方面的卓越发展最终成就了四季“神话”，而这一切都围绕着另一个关键词：“本土化”。

每一位四季演员似乎都是“群舞演员”

到访日本的第三天，我们一行人参观了位于横滨的四季艺术中心。在这里，我的脑海里始终萦绕着一个词：秩序一一得向上攀爬几十级台阶，才能走进四季艺术中心，这对于那些学员而言，似乎是一种隐喻。由于一路的蒙蒙细雨，我们进入大厅后，先依次收好各自的雨伞，随即整齐有序排在一起的拖鞋便召唤我们一一也要将自己的鞋子摆放规整。我仿佛来到了一所音乐剧学校，十几个教室都在上课，芭蕾、爵土、呼吸法……不是剧目排练，原来这里就是培养四季演员的基地。

值得钦佩的是，四季剧团这一“靠演出维持生活的剧团”，打破了西方音乐剧“活动剧组”的惯例，在世界上创造了以“班底制”为基石的音乐剧创演机构。对于一部新剧而言，百老汇都要面向演员工会公开招募每部剧的演员，因为剧组需要的不是新手，而是最适合某角色的演员：四季则反其道而行之，它招募新手，渐进“培养”自己的演员。

多年来，四季剧团也吸引了不少中国艺术院校毕业生前去应试，每一年的公开招募为喜爱音乐剧的年轻人创造了实现梦想的机会。如此，便能理解为何音乐剧《群舞演员》中的一段45秒爵士舞应试段落，会成为一成不变的鉴定考生爵士舞能力的“试金石”，因为本尼特编创的这一舞段恰好能体现一位舞者的基础综合能力，如芭蕾基础、协调性与爆发力，还有舞动中不经意带出的个性。

不过，四季艺术中心又不同于艺校或高校，所有课程均免费向四季演员开放，本质区别在于教室与舞台的“零距离”，比学校更能接近真正的观众。其实日本近年来也有艺术类高校相继开办了音乐剧专业，但四季剧团这种从缺乏音乐剧演员的时代沿袭下来的规则，即“团带学员式”的演员培育机制依然十分有效。浅利庆太曾表示，新学员能进组，成为真正演员的机会只有四分之一，但是每位演员都有可能成为主演。所以，艺术中心又不止于一个像学校一般的机构，它也是一个演出制作和运营的基地，在空气中都弥漫着“舞台感”的味道。

四季剧团与我们国有剧团“养人”的概念也不同，这里绝不养“闲人”，演员不是进了团就万事大吉。除了年终对新演员的考核，内部考察已成常态，条件、天赋、努力和意志力缺一不可，这些抽象的素质往往被数据化为具体的考核指标，比如：上课的次数、科目，演出的次数、角色类别，观众的反馈等。被淘汰、被解聘或主动退团的机制增强了剧团的活力，至今艺术中心的墙上还张贴着浅利庆太那些有名的训诫，比如“惯了、懒了，散了，请你离开”。1300名员工中有近一半都是演员，每年还会有新鲜血液进入四季剧团，替代那十分之一左右演员的位置，这样的“新陈代谢”机制让每个演员都产生一定的危机意识。当然，演员有更大的发展企图，或是高强度工作造成的身心疲乏都是人的正常反应，或许也会造成优秀人才流失的现象。

“班底制”最大的优势是能确保剧团整体实力的“标准化”，不过某些特殊角色和“特色”演员未必就能从有限的几百名演员中找到，比如：《窈窕淑女》中男主角的魅力与歌喉没太大关系，《接触》则需要完全专业型的舞者。我向四季剧团国际部的小林聪部长提出了这个疑问，他表示，的确有这种情况，比如《一个美国人在巴黎》就需要专业的芭蕾舞演员，而《狮子王》等作品则需要大量的儿童演员，此类剧目除了在剧团内部选拔之外，四季剧团也会向社会公开招募。这说明四季剧团的演员制度做到了一種灵活而稳定的动态平衡。

西方音乐剧行业一直奉行“没有谁是不可以替代的”，意味着一部音乐剧任何一个角色都会有“替补”演员，有的“超级替补”演员甚至可以扮演多个角色。当然，制作方也会控制替补演员的数量，否则宁愿叫停演出，也不会敷衍了事。这种理念在四季剧团有了另一种版本。虽然这里也保留着音乐剧行业奉行“角色优先，作品至上”的原则，但具体做法上与西方音乐剧界并不相同，虽然每一个角色也可能被其他演员替代，但这里用“接替”比“替补”或“轮替”更准确。我们很难说哪种做法最优，最重要的是能确保各自高品质的音乐剧“全产业链”能顺利运转。

具体来说，在百老汇演出时，除了领衔主演（Starring），一名演员通常需要具备兼任同一部剧不同角色的能力。倒数几位或最后一位出来谢幕的，就是一部剧的“领衔主演”或主演，而不是“群舞（或合唱）演员”（Ensemble），他们的名号和所扮演的角色名通常都会相对应地、明确地印制在场刊卡司栏上，而“替补”（understudies）和“超级替补”（Swings）演员一般不会替代场刊上的演员，除非一些特殊原因，你会看到场刊内会夹上一张小纸片，列出本场演员：有的大牌演员（或戏份很重的主演）则还会配搭“轮替”演员（Alternate）——在中国，通常会被称为“AB角”，每周固定场次接替明星演员，分担部分演出。还有一类演员距离舞台最近却又最远，他们必须每天化好妆在后台待命，以防不测，他们被称为“候场替补”（Standbys）。

四季剧团的演员们则像是大型联动机器上的一个个螺丝钉，主角、配角，龙套，演员们就在流水线上循环往复。2020年，我们观看的是在海剧场演出的“阿拉丁》。打开场刊，9个有名字的主要角色设置有4至7名演员，他们之间不是“轮替”或“替补”的关系，因为每场演出不提前公布演员表，每个人都要有随时被更换的心理准备，最适合的演员未必是当晚状态最好的演员。这种制度甚至比国际惯例还要苛刻，它既能满足驻地和异地的演出，也让演员尽量保持最佳状态，还能保持四季剧团的整体品质。

除少数突出贡献的演员之外，大多数演员都按演出场次与角色分量来获得报酬，不能也不用外出兼职。让演员“只凭舞台演出就能维持生活”③，是浅利庆太毕生的信念之一。而百老汇的音乐剧演员在咖啡馆、餐厅兼职则屡见不鲜，能够获得一个“角色”，才意味着获得了一份工作合同，一般不跨戏。与百老汇“活动剧组”不同的是，四季剧团的演员基本能够实现更为专注于表演本身，有的演员长期在舞台上扮演同一个角色，也有演员在跨戏的同时兼任不同剧的角色。当然，四季的演员也与剧团的票务推广和公益性、社区性戏剧演出服务息息相关，台前幕后都能感受到与观众的零距离。

另外，西方音乐剧的演员虽说也会参与剧目推广的工作，但彼此之间等级结构比较鲜明，音乐剧行业一直都产生着“明星演员”、明星主创等。换句话说，某个演员受到追捧不一定是因为名气大，而在于其人物塑造和艺术创作本身产生的魅力，这与市场化程度不高，只能凭借明星来造势拉动票房的行为完全不同。虽然近年某些跨界影视明星的加盟让这一现象变得复杂化，比如：2012年以来，百老汇就曾三度邀请日剧天后米仓凉子（RvokoY0nekura）出演经典音乐剧《芝加哥》的女主角，为期一至两周。当然，没那“金刚钻”，她也不可能揽上那“瓷器活”，米仓凉子毕竟曾主演过该剧的日本版。可以说，真正的“行业明星”仍然是百老汇的一种专业精神的标尺，而且正是因为明星的闪耀，才显得音乐剧《群舞演员》中主人公群像的可贵和不可或缺，他们正是吉卜赛式的百老汇演员，默默无闻地奔波于各个剧组的招考现场。

四季剧团则秉持“平权”理念，所有演员几乎都像是歌舞线上的“群舞演员”，相比舞台上的鲜花与掌声，四季的演员被训练去追求一种艺术的纯粹和生活的质朴，这对日本其他商业剧团而言，也是比较特殊的。多年来，四季剧团最大的品牌价值其实就是其创始人浅利庆太和剧团名号本身，其财富核心则是奉行平等主义和“集团主义”所带来的人才和剧目积累。

二胡音乐艺术论文范文第2篇

摘 要：音乐鉴赏（Music Appreciation），可以简单理解为音乐作用欣赏，在高校音乐艺术教育中占据重要作用。但是受到传统教学模式的影响，大学生音乐鉴赏能力偏低，难以帮助大学生提高审美水平、艺术修养以及人文素养。基于此，本文就探究了音乐艺术教育提高大学生音乐鉴赏能力的策略，以期为大学生音乐鉴赏能力培养提供参考依据。

关键词：音乐艺术教育;大学生;音乐鉴赏能力;教学策略

随着素质教育的推进，音乐艺术教学变得越来越重要，而音乐鉴赏作为音乐艺术教学的重点，会直接影响大学生对音乐艺术作品的感知能力和欣赏能力，因此，逐渐成为音乐艺术教学的重点内容。本文就对提高大学生音乐鉴赏能力的有效教学策略进行探究，以期顺利增强大学生对音乐艺术的想象力、创造力以及鉴赏力，实现教学目标。

1 通过音乐艺术语言，提高大学生对音乐艺术作品的理解能力

现阶段，音乐艺术作品的教学重点发生了些许改变，教学中更加侧重于大学生对音乐艺术作品的鉴赏能力，力求使其读懂音乐艺术，并融入多彩多姿的音乐世界中。就像读书的人必须识字一样，音乐艺术语言作为学习音乐作品的基础，直接关乎大学生对音乐艺术作品的理解能力，因此，音乐教师需要通过音乐艺术语言，提高大学生对音乐艺术作品的理解能力，让大学生对音乐要素的听辨能力也顺利得到提升，具体可以从以下几个方面入手：第一，由于音乐基本组成要素多样，如音高、节奏、旋律、和声、音区、调式、織体、力度、音色等等，不同的音乐要素所发挥的作用也存在差异性，所以，教师在授课时，需要抓住重点，让大学生准确了解这些音乐组成要素，为后续学习打下基础;第二，音乐要素在组成过程中，也存在一定差别，使所塑造的音乐作品想要表达的内涵不同，且层次感也不同，因此，音乐教师在授课时，需要抓住音乐作品的核心内容，充分展现出音乐艺术作品的色彩，丰富情感意境，提高学生对作品的理解能力;第三，音乐教师在展开音乐艺术教育时，需要按照乐曲感情内容的需要，合理展示音乐乐曲结构，确保音乐乐曲结构合理，能够有效调动大学生的学习兴趣，提高其对音乐艺术作品的理解能力，实现教学目标。

2 通过赏析著名音乐作品，提高大学生对音乐艺术作品的感知能力

音乐作品，又可以称为“Music Piece”，主要是指受版权保护的包括各种音响的组合，配有文字，且用乐器或人声音所表演的艺术作品，是音乐艺术教育的重点内容。不同音乐家所创作的音乐作品具有一定差异性，所要表达的核心内容也不同，因此，教师要想在音乐艺术教学中提高大学生对音乐艺术作品的感知能力，就需要合理运用著名音乐作品，通过赏析著名音乐作品，提高大学生对音乐艺术作品的感知能力，具体可以从以下几个方面入手：第一，教师在进行著名音乐作品赏析时，需要合理选择著名音乐作品的体裁，多方面考虑音乐作品体裁、风格等因素，确保所选择的著名音乐作品能够吸引大学生注意力，具有可接受性;第二，教师在展开音乐作品赏析教学时，需要提前了解著名音乐作品的创作背景，如时代性、文化蕴含、民族性等等，并将这些内容对大学生进行讲解，让大学生通过学习准确掌握音乐本质;第三，教师在进行著名音乐作品赏析时，需要深入体会音乐所表现的感情内容，并引导大学生对著名音乐作品进行深入探究，通过深入探究，感受著名音乐作品的魅力，获取音乐艺术感染力，从而顺利激发出大学生内心世界的美感和情感，有效增强大学生对音乐艺术作品的赏析效果。例如，教师在进行《祖国颂》这首音乐曲目的赏析时，需要合理把握《祖国颂》这首歌曲的内涵，然后向大学生详细讲解此首歌曲的创作背景，让大学生有一个基本的了解，然后再进行细致教学，从而可以将此首歌曲英勇豪迈、欢欣鼓舞的节奏充分展现，调动每一个大学生对此首歌曲的学习兴趣，潜移默化地提高大学生对音乐艺术作品的感知能力，实现大学音乐艺术教育的目标。

3 注重大学生文化艺术修养的培养，提高大学生的音乐鉴赏能力

文化艺术修养非常重要，内容上涵盖了思想、知识、情感、艺术四个方面，在提高大学生音乐鉴赏能力方面发挥了充足的作用。但是现阶段，教师在展开大学生音乐鉴赏能力培养时，经常会忽略大学生文化艺术修养的培养，使大学生在音乐课堂上学习效果不理想，难以有效理解音乐艺术作品。因此，教师在展开大学生音乐鉴赏能力培养时，就需要从大学生文化艺术培养入手，让大学生的想象能力得到充分发挥，进而实现音乐艺术作品的二次创作，有效增强大学生对音乐艺术作品的学习效果。通常情况下，注重大学生的文化艺术修养培养，提高大学生的音乐鉴赏能力可以从以下几个方面入手：第一，教师需要注重对大学生的引导工作，在课堂上为大学生讲解一些描绘性音乐艺术作品，让大学生对此类音乐艺术作品进行艺术模拟，掌握创作背景，营造创作氛围;第二，教师需要为大学生选择一些像《梁山伯与祝英台》《罗密欧与朱丽叶》这类带有情节性的音乐艺术作品，让大学生发挥自身的象形能力，进行音乐艺术作品赏析，有效提高其对音乐艺术作品的理解能力;第三，教师需要为大学生选择《月光奏鸣曲》等抒情性音乐艺术作品，通过这类音乐艺术作品，让大学生的自由象形能力得到充分发挥，从而实现大学生对音乐艺术作品审美能力的培养。

4 结语

在音乐艺术教育中培养大学生的音乐鉴赏能力是教学的必然趋势，直接关乎大学生的情感、思想意识以及审美观念。面对此种情况，教师在展开音乐艺术教育时，需要将重点集中在大学生音乐鉴赏能力教学，合理选择授课模式，并努力丰富教学内容，让大学生在学习过程中树立正确的人生观、价值观，从而学会欣赏音乐艺术作品，提高审美能力。

参考文献：

[1] 李秀明.浅谈大学生音乐欣赏能力的培养[J].科技信息（学术研究），2008（06）.

[2] 方敏.论音乐欣赏对学生审美能力的培养[J].教育观察（中下旬），2013（07）.

[3] 曹卉卉.浅谈高校音乐欣赏教育中审美能力的培养[J].通俗歌曲，2016（07）.

[4] 王亓彬.审美能力培养在大学音乐欣赏教育中的探讨[J].通俗歌曲，2015（10）.

二胡音乐艺术论文范文第3篇

项目批准号：15ZD002

课题负责人：王耀华

结项报告（部分）

《中国当代音乐的海外传播研究》由上、中、下三篇构成。上篇《历史篇》是对中国当代音乐海外传播历史的简略回顾。从当代专业音乐创作、经过当代中国人诠释的传统音乐和对外文化交流中的中国当代音乐海外传播三个方面，阐述了中国当代音乐海外传播从少到多，从单一体裁形式、单一风格特点到多样化探索，影响力不断提高，为增强国家文化软实力作出的重大贡献。中篇《鉴镜篇》分别对中国当代音乐创作海外传播的成功案例、经当代中国人诠释的传统音乐海外传播的成功案例、外国当代音乐海外传播的成功案例进行了较为深入的分析，总结这些中外当代音乐创作在内容形式方面的特点，它们为什么能够在海内外得以广泛传播，以及在传播路径方面的创新探求等。下篇《创新论与对策》在历史回顾和成功案例分析的基础上，试图探寻中国当代音乐海外传播的内容形式创新论和传播路径创新论，并提出对策建议。

本项目研究最终成果的主要理论观点有三：

第一，试图用辩证唯物主义的观点，来回答传播理论中的传播者与接受者、内容与形式、音乐本体与传播路径、伴随着科技发展而不断创新的多样化传播路径与强调人的感情直接交流的现场口传心授真人表演传播等的关系问题。其结论是：既要充分发挥传播者的主導作用，义要重视传播接受者主观能动性发挥的主体作用;既要重视音乐作品的文化内涵，又要使音乐作品具有动人心弦的艺术性，并使二者有机统一;既要努力使内容形式完美结合的当代音乐作品，通过适应时代发展、科技进步、受众审美观、音乐形式多样、传播目的多元等情况的传播路径创新，在海外得以广泛传播，又不能抛弃最基本而具有浓厚人文性的口传心授真人传播，以达到人与人之间内心感情深度交流的目的。

第二，毛泽东在《矛盾论》中指出：“唯物辩证法的宇宙观主张……事物发展的根本原因，不是在事物的外部而是在事物的内部，在于事物内部的矛盾性。任何事物内部都有这种矛盾性，因此引起了事物的运动和发展。事物内部的这种矛盾性是事物发展的根本原因，一事物和他事物的互相相联系和互相相影响则是事物发展的第二位的原因。”根据这一观点，提倡以中国当代音乐作品内容形式创新论为前提的中国当代音乐海外传播路径创新论。

《中国当代音乐海外传播作品的内容形式创新论》赞同“内容形式统一论”。因此，在分析音乐作品的内容时必定关联到音乐表现手段的运用，在分析音乐表现手段时则多与音乐内容、感受、感情、意境相关联。二者互为因果，紧密相关。作为被传播的对象，中国当代音乐海外传播的每一部作品，从某种意义上说都是在传承与创新这对矛盾中寻求对立统一的接点。传承是自古代以来一直到近现代、当代专业音乐创作传统对内容与形式这一矛盾体对立统一规律的继承、借鉴和运用。同时，又要根据群体、个体对时代、生活、社会、自然的体验、感受、感情等内容的表达需要，对既有的传统形式进行改造、丰富和创新。中国当代音乐应当根据表达当代中国人对当代政治、经济、社会、文化牛活的感受的需要，在传承中国音乐优良传统的基础上，创作出在意境、结构、旋律音高组织、和声复调、演奏技法、音色，以及整体性音乐创作技巧等方面有创新追求的音乐作品，向海内外广泛传播。

《中国当代音乐海外传播的路径创新论》认为可以从系统经济学的“路径依赖论”得到启示，从分析该理论中的“正反馈”“良性循环”和“负反馈”“厄运循环”入手，提出由单一路径依赖到多重路径探索（含路径依赖阶段——路径偏离阶段——路径突破阶段——路径创造阶段），关注影响多重路径探索的科学技术性因素、传播受众的可接受性因素、传播对象的地域性因素、传播音乐的体裁形式性因素、传播行为的目的性凶素，设计了路径创造的效果评信指标、要素和评估方法。最后提出，在探索多种传播路径、进行路径创新的同时，应当坚持喜新不厌旧，创新莫忘人文性，注重中国当代音乐海外传播中人与人之间情感交流的现场演出和口传心授，以交流感情，增进理解，达到人类命运共同体相互之间的认同、友好和合作，迎来全世界、全人类美好的持久和平。

第三，在对新时期中国当代音乐海外传播所取得的成绩、存在的问题进行分析的基础上，提出了对策建议：提倡以人民为中心、“接地气”、创新型的中国当代音乐的海外传播。

鉴定意见（部分）

该项目结项成果已较好地完成了既定设想，对中国当代音乐海外传播历史与现状进行了较充分的研究。内容丰富，框架设置合理，显示了研究者的战略眼光。该成果具有较高的学术质量。存在的主要问题：篇章结构之间不够平衡;有些部分缺乏归纳提炼，理论部分可进一步增加研究的分量。

责任编辑：王瑜瑜

二胡音乐艺术论文范文第4篇

【摘 要】本文阐述广西梧州疍家歌的发展现状，分析乡土音乐资源与小学音乐教育融合的必要性，从提高小学音乐教育中乡土音乐的地位、构建新型的乡土音乐教学模式等方面探索乡土音乐资源与小学音乐教育的融合创新。

【关键词】疍家歌 乡土音乐资源 小学音乐教育 融合

乡土传统音乐文化来源于民间，是原生态的艺术文化，是我国的民族瑰宝，它的形成需要特定的社会环境。不同的历史环境下有着不同的音乐文化，这些文化流传下来的更多的是新时代人们对这些精神文明的传承和理解。只有对乡土音乐文化给予充分的重视，才能使其更好地、更原始地保存、传承发展起来。随着音乐文化越来越趋于多元化，学校的音乐教育也应与时俱进。小学阶段是让孩子发现美、鉴赏美、感知美的能力形成的过程，是学习传承乡土音乐的关键时期。本文以广西梧州疍家歌为例，探索乡土音乐资源与小学音乐教育的融合创新。

一、梧州疍家歌介绍与发展现状

中国是一个拥有多彩的乡土音乐资源的文明古国，梧州疍家歌则是广西乡土艺术文化构成的一部分。梧州疍家歌是藤县地区随着元宵歌而兴起的一种独特的水乡民间歌谣，出现于清朝末期，由一代代藤县人口口相传流传至今。疍家歌对浔江地区以及西江流域水上居民的水乡本土音乐和水上渔民生活习俗的研究与传承发展具有重要的参考价值。梧州疍家歌主要分布在太平、蒙江、和平、天平、藤州等浔江、濛江沿岸船家聚居区。疍家歌有着固定的演唱方式，水上船家民间生活、语言非常丰富，用藤县本土白话诉说演唱，朗朗上口，常用夸张、比拟、诙谐的修辞形式。迎亲送友、相互问候、掌舵撑船这些日常生活在藤县老人们的记忆中，都可以歌代言。

梧州疍家歌属于平腔民歌，它的旋律平稳舒缓，以同音作为重复1、2进行为主，旋律偶尔有5度6度音的跳跃，梧州疍家歌2拍子和4拍子是常用的拍子。梧州疍家歌具有吟唱性强的演唱特点。水上船家娶嫁和水路歌过程中所唱的歌谣，速度基本在中速之下。

随着经济的高速发展，生活过得越来越好，渔民上岸了，很多疍家渔民已经脱离水上生活方式，生活习俗渐渐向陆上人靠近，疍家歌却面临着消失的危险。如今，了解疍家歌的人越来越少，只有一部分年龄稍大的长辈会唱，随着他们年纪的增长，传承的缺失，疍家歌可能很快就在时代的潮流中渐渐消失。值得庆幸的是，梧州各个部门特别是文化部门已经意识到了这一危机，并重视起来，为保护梧州疍家歌，梧州的文化部门从2006年就设立机构，安排专员开始收集、整理疍家歌。其中梧州藤县的水上民歌更是在2008年成为了自治区级非物质文化遗产之一。

二、乡土音乐资源与小学音乐教育融合的必要性

要想把优秀民族文化传承下去，需要数代人不懈的努力、保护、传播。梧州疍家歌的保护传承与发展离不开艺术教育，而小学艺术教育是乡土音乐资源传承的重要途径。乡土音乐是老一辈留给我们的宝贵财富，我们必须加强乡土音乐方面的音乐教育，把老一辈留给我们的财富传承给下一代，让乡土音乐开枝散叶。并且，小学生的可塑性较强，从小学开始就对小学生开展乡土音乐教育是最有效的途径。

（一）增强学生自我认同感和民族意识、民族精神培育的需要。“音乐是文化的灵魂，音乐是民族的血脉”，我国是一个拥有56个民族的大家庭，每个民族都有他们独特的音乐元素，这些音乐元素常常与本民族的宗教信仰、风俗习惯、文化思想等有着密切的联系。学习各民族的不同乡土音乐，有助于学生了解各个民族的文化，增强学生对其的认同感，培养学生民族团结的意识。小学生通过欣赏来源于我国各民族的乡土音乐时，逐渐能用自己的体会去感受当地的文化精神，可以增强小学生的民族观念。利用乡土资源和原有的小学教学结合教育，可以增强学生自我认同感和民族意识民族精神。

（二）乡土音乐传承的需要。乡土音乐的传承是源远流长的。音乐传承的分类一般有两类，即无意识传播和有意识传播。民间艺人的艺术表演或者其他活动这样的无意间造成的文化传播就是所谓的无意识传播。而像学校音乐学院之类的教育部门进行的音乐推广就是有意识传播。有意识传播是通过教育手段，利用老师向学生传授知识、启蒙思想来对乡土音乐进行传承。小学生可能并不懂音乐，但在听的过程中可以培养他们的兴趣，还有欣赏音乐的意识，随着小学生年龄的增长，所起到的效果是潜移默化的，小学生还会表达自己在这方面的需求。因此在小学时期培养小学生的音乐能力事半功倍。首先，学校应该重视音乐课程，提供音乐教室以及所需的音乐器材，并上足、上好音乐课。其次，音乐老师也要注重教学方法，鼓励小学生去欣赏乡土音乐，并在课上多放乡土音乐，提高小学生的鉴赏能力，让小学生养成欣赏乡土音乐的良好习惯。

（三）宣传家乡的传统文化，提高学生素养的需要。我国是一个历史悠久的文明古国，各种历史遗留的音乐资源十分丰富，但很多没有受到重视，利用率很低，甚至很多音乐资源随着时间的流逝消失在了历史长河中。2001年中国音乐教育协会会长谢嘉辛写的《寻找家乡的歌》，其中提到“让每一个学生都会唱自己家乡的歌”的命题。因此，学校通过音乐教育让学生进一步了解、认识家乡传统音乐艺术是传承和发展乡土音乐艺术的有效途径。音乐老师应该把乡土音乐带入课堂，并且增加乡土音乐教育在整个音乐教育中的比重，让学生了解来自五湖四海的音乐文化精粹，从而爱上乡土音乐文化，提升民族素质和爱国情操。因此，小学教育需要重视乡土音乐，通过音乐教育将我国的文化传授给学生，利用这种途径提高我国的民族素质。

三、乡土音乐资源与小学音乐教育融合的建议

（一）提高小學音乐教育中乡土音乐的地位。当前，要强化小学乡土音乐教育，就要从建立“以中华文化为根本的音乐教育体系”入手，让乡土传统音乐文化在小学艺术教育中占据主导地位，而不再是局限于个别课程的改革中。

1.充分利用乡土音乐文化资源。音乐课程标准中提出要把民族乡土音乐加入音乐教学，让学生在课堂上能学习到乡土音乐，接受乡土文化艺术的熏陶。当代的音乐教育事业发展的根基很大程度上离不开民族文化，因此，把乡土音乐带入小学音乐教学对教育学生民族乡土文化具有重要作用。

（1）通过各种手段、途径收集并整理当地梧州疍家歌这样的乡土音乐资源，再将其引入小学音乐课堂中，让学生学习自己家乡的音乐，感受到家乡乡土音乐的文化，进而培养学生的兴趣。

（2）积极挖掘梧州疍家歌音乐文化资源。学校可以组织本校音乐教师走出校园观摩，充实自己。例如，造访藤县地区民间艺人，学习疍家歌的演唱表演方式，通过现场观摩和学习，初步掌握一些简单的表演方式和一些道具使用，了解故事表达内容。现场可以拍一些照片和视频，通过音像加深了解和学习。教师通过学习疍家歌的演唱，收集疍家歌音乐的音像、乐谱、资料积累本土音乐知识，提高本土音乐素质，以便更好地用于课堂教学。

2.自己编撰乡土音乐材料。教材是常见的教学工具和文化载体，也是小学音乐教学使用最多的东西，因此教材的编撰至关重要。在当前的小学音乐教材中，民族音乐也是占有一定比重的。但是因为很多因素，一些地区的小学教材使用率偏低，学校不重视音乐课特别在乡土音乐教学这一模块。因此学校或音乐教师必须结合当地的音乐教育的实际情况，创编或改编一些适合自己使用的音乐课本。特别是创编一些含有疍家歌特色的乡土音乐教材，让学生在自己熟悉的音乐环境中学习音乐，学会唱家乡的歌并感受民族音乐的魅力。把原汁原味的乡土音乐彻底落实到音乐课程里，才能更好地使乡土音乐传承发展起来。

（二）构建新型的乡土音乐教学模式。具体如下：

1.“感染熏陶”式教育模式。“感染熏陶”式教学模式，需要老师模拟教学情境，创造出一种氛围来感染学生，让学生在这样的氛围下不知不觉被带入乡土文化中，受到乡土文化的熏陶。这种教学模式容易培养学生的兴趣，产生学习欲望，对学生影响深远。“感染熏陶”式教学模式有一套流程，一般是“情境—感受—興趣”。

例如，制造疍民生产劳作的情境。教师可以将收集的音乐素材和民间艺术家表演的图片和音像制作成多媒体课件，在课堂中给学生观看欣赏。通过整合后的音乐素材声文并茂，更加形象生动逼真，不仅在课堂中能营造出浓郁的疍家文化氛围，还能让学习对自己家乡的音乐更加了解，从而培养学习的兴趣，让学生喜欢上乡土音乐。

2.“引导探究”式教育模式。“引导探究”式教学模式的宗旨是让学生去自主学习，自己探索发现知识，而老师在其中所起的作用是正确引导，给学生指明方向。学生在这种教学模式中多种感官得到充分调动，在自由的空间里积极参与学习，体会学习带来的乐趣和探究创新的快乐。这种教学模式要求教师在给出相应的学习内容后要说出课堂探讨的目标并提出具体的学习要求，学生在探究老师提供的学习材料过程中，也可以通过不同渠道方法自己搜集补充一些研究材料。学生通过研究发现问题、讨论问题、解决问题，不仅能初步掌握相关音乐知识和技能，还可以开阔音乐视野，提高音乐审美能力。

新课程标准中对老师的教学方法有明确要求，要求老师调动学生在课堂上的积极性，自主学习并能组织课堂活动且让学生加入进来。教师应适当引导学生参与到疍家歌的表演中，进行演唱、模仿简单的动作，学生在参与过程中感受到音乐带来的新鲜感，调动学习积极性。加上身体的律动，学生充分体会到疍家歌音乐的艺术魅力，陶醉在疍家歌的气氛中。

3.“融合”式教育模式。“融合”式教育模式需要教师去寻找素材，让音乐教学更贴近生活，融入生活，关键在于培养学生自主学习的好习惯。这里就要注重教师的教学方式，不仅需要教师去讲解解读课本中的歌曲、选段，还要有所创新，调动学生的积极性自主学习、讨论交流。艺术需要广泛的交流来互补不足。

4.进行多角度创编。教师在教学过程中，要积极鼓励学生运用疍家歌的旋律创编新歌词，歌词内容可以从感恩、友情、校园生活等角度创编。学生除了创编新歌词外，还可以创编节奏，制作疍民劳作的道具等。通过多种形式的创编，学生不仅在创编过程中感受成功的喜悦，还有利于激发学生对学习疍家歌的兴趣。

总之，乡土传统音乐文化来源于民间，是原生态的艺术文化，是我国的民族瑰宝，我国的音乐教育事业也离不开乡土音乐教育。当前，我们必须提高对乡土音乐文化的重视程度，加强学校对乡土音乐文化的教育。乡土音乐艺术想要传承、更好地发展，就必须加强乡土音乐资源与小学音乐教育的相融合教育。教育部门和教育者应该采取有力的措施，探讨多样的教学模式，让乡土音乐在小学音乐课堂中活跃起来。通过对乡土音乐的赏识、学习，小学生感受到家乡的历史文化和变化发展，从而激发热爱家乡，热爱祖国的美好情感，让他们记住自己的“根”，学唱家乡的歌。想要我国乡土音乐文化发扬光大，还需要各位音乐教育者共同努力，为弘扬民族音乐找到方法、出路，为民族文化的传承作出贡献。

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【作者简介】全双华（1993— ），女，广西梧州人，广西师范学院音乐舞蹈学院音乐学专业（主修声乐）2017届本科毕业生；黄 玲，女，广西贺州人，广西师范学院音乐舞蹈学院副教授，研究方向：声乐教学研究。

（责编 王 一）

二胡音乐艺术论文范文第5篇

构建初中音乐艺术课堂要以兴趣为导向，形成音乐课堂分层教学；应对兴趣需求，课堂融入多种艺术形式；关注能力培养，重视艺术综合表现能力，利用课堂教学以兴趣为出发点，培养学生音乐审美能力，艺术表现能力，音乐歌唱能力等。

初中音乐 兴趣 导向 构建 课堂

兴趣是引发学习行为的关键因素，初中音乐艺术课堂的构建要以兴趣为导向，让学生对音乐充满学习兴趣，从而使得教学效率得到提高。本文结合具体的教学经验，总结了音乐艺术课堂的构建对策。

1.以兴趣为导向，形成音乐课堂分层教学

初中英语课堂上要推广素质教育，发展学生的核心素养就必须认识到初中生对于音乐艺术的不同兴趣追求。我们必须承认，音乐艺术能力不同于其他学科的基础知识传授，在艺术感知与天生能力体会下，初中生音乐课堂上的表现会存在明显差异。初中教育要不断地缩短这种差异，实现集体艺术培养与素质养成教育，但是我们也要考虑到初中生对于艺术兴趣的不同表现方面，以这些兴趣表现为导向，形成合理有效地分层课堂教学模式，让音乐课堂变得更为丰富多彩，更为符合学生的心理需求。首先，教师要对初中生的音乐兴趣有充分地学情了解，具体的了解对策就是通过谈话、问卷调查获得。其次，教师根据初中生的音乐艺术兴趣将班级学生进行分层，例如：演唱较好的、舞蹈有兴趣的、欣赏有感知的、纯粹音乐爱好的等等。这样分组之后，教师可以更好地让各个小组来各展所长，也可以让各小组在课堂教学的过程中弥补不足，形成针对性的教学引导。另外，教师要对喜欢音乐，但是歌唱、舞蹈等方面优势都不足的学生进行欣赏方面的培养，我们的音乐课堂不可能培养出全体的艺术家，但是我们可以培养出全体的音乐欣赏者。分层教学就是为了构建学生兴趣浓厚的课堂教学氛围，因为高效愉悦的课堂是课堂的最高层次，广大的音乐教师需要转变观念，充分调动学生的能动性，只有这样才可以构建更高效愉悦的音乐教学课堂。

2.应对兴趣需求，课堂融入多种艺术形式

应对学生学习兴趣的需求，初中音乐课堂上可以融入多种艺术形式，丰富学生的兴趣感知能力。首先，音乐课堂上要融入舞蹈的内容。很多同学歌曲唱得不是很优秀，但是却有较强的肢体表现能力，这时候就可以让学生来进行舞蹈表演。例如：在教学聆听《如歌的行板》，要让学生能从音乐要素方面探索其与音乐情绪之间的关系。所以欣赏音乐的时候，有舞蹈兴趣的同学可以自己创编舞蹈动作，然后在班级后面进行主动表演。音乐表演过程中，孩子们要动态地去展现音乐内容，面带笑容、和谐组织身体语言，让学生感受到音乐表演声情并茂的高超艺术境界。其次，音乐课堂上要融入乐器教学。有些同学从小就在第二课堂接触到乐器，所以课堂上也可以让学生完成一些简单的打击乐器表演，然后其他歌唱能力不佳的同学则是进行和唱，这样学生的综合能力就得到了全面的发展。另外，还可以将现代化信息资源融入到课堂之中，例如：电影音乐是重要的现代化音乐表现形式，也被初中生所熟知与认可，所以教师就要合理使用这种艺术形式。例如：在教学《雪绒花》的过程中可以播放电影片段《音乐之声》；在欣赏管弦乐的时候，播放《指环王》的配乐，欣赏恢宏大气的音乐表现形式等。同时，课堂上还可以适当进行流行音乐的欣赏教学，因为要论21世纪最为流行的艺术是什么，那必定就是流行乐。流行乐是近几十年逐渐流行起来的乐种，深受年轻人的喜欢。所以，教师要敢于活用教程，适当开展流行音乐的欣赏教学活动。总之，要实现这种多种艺术形式的融合，教师必须要敢于大胆地使用教材、活用教材，收集课外的音乐素材等。

3.关注能力培养，重视艺术综合表现能力

以兴趣为导向，构建初中音乐艺术课堂就要充分地认识到音乐艺术课堂是综合的，是多种艺术形式集体的表现，所以教师要敢于设计音乐综合活动，让学生的表现是集体的表演形式。例如：在教学《青春舞曲》的过程中，音乐知识的学习可以请同学们在微課上面反复学习。课堂上就是学生们展示自己设计的《音乐会》的过程，学生们分组上台表演不同的民族音乐，演唱《青春舞曲》、《大阪城的姑娘》、《掀起你的盖头来》等，配合舞蹈，穿上自己制作的民族装饰品等，音乐课堂上会成为学生综合艺术能力表现的平台。总之，音乐艺术作为一门抽象的艺术，自身具有自由性、模糊性和不确定性。正是这种特征，给人们对音乐的理解和表现提供了想象、联想、思维和再创造的广阔空间。

综上所述，构建初中音乐艺术课堂要以兴趣为导向，形成音乐课堂分层教学；应对兴趣需求，课堂融入多种艺术形式；关注能力培养，重视艺术综合表现能力，利用课堂教学以兴趣为出发点，培养学生音乐审美能力，艺术表现能力，音乐歌唱能力等。

参考文献

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二胡音乐艺术论文范文第6篇

[关键词]影视　音乐　声调　器　自然　人工　文化

引言

本课题所论及的影视艺术音乐是指中西著名的、业已成经典的、具有艺术性的影视剧作品剧情音乐：所说的中西洲艺术音乐也是指业已成为经典的、能够体现民族特色的、区域特征的、具有艺术性的经典音乐。

电影音乐是随着现代电影艺术而发展起来的一种新的音乐体裁。是电影艺术综合体的有机组成部分，电影音乐在突出影片的抒情性、戏剧性、烘托剧情方面有着重要的影响和作用，音乐已是优秀影视剧的点睛之笔、点金之手：是影视不可或缺的组成部分。

优秀的、经典的影视剧音乐常常使人难以忘怀。这些音乐往往有一个重要的特点，就是富于民族性和地域特色的。如电影《乱世佳人》、电视剧《红楼梦》以下称《乱》、《红》为代表的影视音乐。这些音乐也往往与自己的文化背景、价值观念、认知体系有着紧密的联系。欣赏这样的作品往往使人产生不同的审美体验。就拿着以上两部风格绝然不同的中经西典影视音乐来比较的话。我们发现以《乱》为代表的西方的影视艺术音乐的创作，一般是建立在欧洲古典音乐的基础之上。也就是说，无论是从乐队的编制、配器、音响、调性色彩的运用，几乎都是以西方交响音乐的骨架为母本进行剧情创作的。而《红》的音乐的民族音乐是建立在民族管弦乐基础之上的。它所依据的是民族的乐器、民族的调性色彩、民族的配器、编制。

如在《乱》为代表的西方影视音乐中，我们时而感到背景音乐的气势磅礴整体划一，时而感到弦乐的丝丝蝉鸣、优美华丽，时而感到木管的和煦如春、娓娓道来;又时而感觉到铜管的惊涛骇浪、乌云压顶。同样的审美体验，我们也可在电视剧《憾红》中找到。但是，这种感觉体验的产生是明显不同于以上的、而由另一种声音色材料所引发的。拿弦乐来说，《红》中我们听到的是胡琴近乎人声的吟唱、倾诉、叙说：而在《乱》中的弦乐几乎听不到这种近人声的吟唱诉说，更多感受到的是整体弦乐近乎人造的、中庸的“器声”的表现。类似的情况还可以在音乐本体的调性、乐器的材料、记谱法等诸多方面找到差异。

因此，本课题就以《乱》、《红》为切入点。在音乐本体及外延的一些方面做一些比较研究。本体涉及的主要是一些形而下的、具体的、技术层次的本体形态。外延主要涉及形而上的文化思想、价值观念、哲学认知等对音乐的本体有着具体影响的抽象形态。

声

这里所指的“声”是指中欧音乐的音色特征。也就是乐音的音质特征。我国的学者认为中国乐器的音色与欧洲乐器的一个明显不同，是欧洲的乐器在音质上远离人声，而中国乐器则接近人声所谓“器声”也就说，这种声音在自然界并未有，而是人为制造的结果。所谓近“人声”，就是指乐器发出的声响接近自然人的声音。

欧洲乐器在很早就完成了自身的标准化和统一工作，很早就将音乐处理成具有相当抽象性的形式体系，这就决定了欧洲乐器在发声一个突出的倾向：是音质尽量远离“人声”。而接近“器声”。而欧洲古典艺术音乐所使用得乐器，也均是人为制造的器物。而接近“器声”的结果可以使各种材料乐器、各种声部的乐器，在音色上获得一种“共和”、“共通”、“协调、统一”的效果。这种共性的音色可以使得许多不同声部不同材料的乐器，在演奏时获得一种整体的有机、有效融合的效果，从而大大提高乐队的整体表现力。

我们在《乱世佳人》、《叶赛尼亚》等欧洲经典音乐中所听到的就是这种接近“器声”的演奏。这种音色“共和”、“共通”、“协调、统一”，或者说是“中庸”，其特色不明显。个性不突出，强调的是整体的有机融合。这种音色即使在单独使用某一组如铜管或弦乐时，也是在不危害整体音色协调统一的条件下实施的。

中国音乐的音色，从先秦时期礼崩乐坏时期就进入一个以民间音乐为美，以人声为美的审美价值取向中，没有将自身从人的嗓音中超越出来，抽象成单纯的形式体系，进入一般的“器声”，而是始终停留在处于自然自发的“人声”的层面。始终以接近人声为自己最高的智趣。

从另一层面来说，中国乐器之所以近“人声”，除了以上所说的礼崩乐坏有直接的关系外。还与自己几千年的传统有着密切的联系。古人曰：“莫酬而工，升歌发德也。歌者在上，匏竹在下，贵人声也”《尚书大传》亦云“古者帝王升歌《青庙》，大琴练弦达越，大瑟朱弦达越，以韦为鼓，不以竽瑟之声乱人声”。这说明在先秦时期，人声的歌唱就其地位来说是高于其他乐器的。在汉代风靡一时的相和歌就有着“千人唱万人和”的记载。唐代段安节《乐府杂录》说：“歌者。乐之声也。故丝不如竹，竹不如肉，迥居诸乐之上”。陈旸《乐书》曰：“以无所因为上。已有所待为下。”人声，即“无所因”者。故贵之：匏竹。则“有所待”者“故贱之”这说明在中国古代的歌唱一直有着高于器乐的地位，而且对于器乐的发展有着重要的影响。

时至现代，中国乐器的发展也是按着“丝不如竹。竹不如肉”的审美观念进行的。近“人声”成了所有乐器价值审美的标准。纵观中国的“丝”乐器的琴、瑟、琵琶、二胡等乐器的音色几乎都是有着近“人声”的特点。在各地的不同剧种和说唱曲艺伴奏当中。这些乐器在今天还可以模仿出各种人声和动物的叫声。在《红》刮中，我们听弦乐的胡琴演奏，就好似人声在诉说般，充满了人世间的苦辣酸甜：听古筝的音色好似在表现柔弱女子的铮铮风骨，《红》剧中音乐很好地体现了这个特点。

中西追求“器声”“人声”的不同。与各自的文化体系有着密切的关系。西方与客观自然世界的关系是征服与被征服、认知与被认知。由此产生了认识自然世界征服世界规律的知识体系。西方的乐器制造也同时深受这一传统观念体系的影响。就小提琴来说，其音色抽象概括，不受地域、国别、时代等艺术客观环境因素的影响，皆可发挥其表现力，其音色几乎可以胜任与其声部相适应的任何角色。和小提琴一样，其他的西方乐器也同样具有同效。

与西方乐器不同的中国乐器，则讲究个性的张扬、色彩的独立、表现力的独到。由于在现实生活中，长期受封建礼教的约束，使得中国古人在反映主观内心精神为主的艺术方面，表现的更为洒脱、自由、独到、脱俗。与此息息相关的音乐音色也受其影响，极具个性色彩。与现实整体化一，伦理井然的封建秩序大相径庭，个性色彩极为突出、张扬、洒脱、自由。

就拿《乱》《红》刮中的乐队演奏效果来说，《乱》的乐队演奏几乎是严格规整，整划一，逻辑性极强，其重在突出整体。而《红》的剧中音乐重在突出角色个性，所以在配器时不同色彩的乐器融合性较差，乐队编制多以小型为主，尤其在突

出一些个性十足的丫环仆人等角色时，配器就更加独特，把民族器乐的个性发挥到了极致。

因此，二者的差异皆可追溯到各自的文化、哲学、价值体系的差异。

调

这里所说的调就是指中欧的调式体系。也就是乐音的组织方式。乐音的组织方式所形成调性调式的不同，也是造成中欧艺术音乐根本区别的原因之一。

西方音乐体系的调式结构的基础是四音列。有三种不同的四音列克组成十二个调式，这些调式称为“中古调式”或“教会调式”。在文艺复兴时期在专业创作中和民间调式结合产生演变为自然大调：爱澳利亚调式、弗利吉亚调式和多利亚调式也逐渐合为一组，演变为自然小调。后来进一步演变，又逐步形成了和声大小调，旋律大小调。其无论是大调还是小调均是七声调式。其后又发展为十二平均律体系;

与西方调式体系不同的是，中国音乐调式的构成是五声性。由五声音阶构成的各调式统称“五声调式”。根据“宫、商、角、徵、羽”排列位置的不同，便有五声宫调式、商调式、角调式、徵调式、羽调式等物种五声调式。在中国传统文化里。“五声”是古人的称法，属于古代阴阳五行的哲学范畴。在中国乐理中。“五声音阶”的地位十分重要，它是传统音乐各种音阶的基础。《左传昭公二十五年》曰：“为九歌、八风、七音、六律、以奉五声”。古人将超过五声的音阶如七声音阶种基本的“五声”称为“五正声”。在中国。也有各种七声音阶，是由七个“声”构成的音阶。这些七声音阶只是不占主要的核心作用，起“奉五声”的辅助作用。

比较而言，中国的五声体系与西方的七声体系有一定的区别。五声音阶较为简洁、质朴、单纯、调性突出、个性鲜明、区域风格独特。《红》剧中，主旋律的四度、五度大跳是经常性的，这并没有破坏剧情。反而使剧情更为紧凑简洁。西方七声体系相对来说较为复杂、精致、细腻。音乐的语言共通、共有，区域风格较为接近，相同的乐思的表现手法接近。在《乱》剧中，整体弦乐组对斯佳丽内心的刻画细腻、精致、有度，而在西方其他的经典影视音乐中如《叶赛尼亚》也有类似的手法。

中国的五声音阶体系与西方的七声体系相比，并没有孰先进孰落后之分，就象《乱》剧和《红》剧一样都是优秀的经典的作品，差别的之处在于风格的不同。风格的不同源自各自不同的文化体系。中国艺术一直走的是从繁就简的道路。先秦时期的编钟编磐也是复杂化、标准化、统一化，用的调式也有七声性，到后来，越来越简单。受此影响。一些具有民族特色的影视音乐的创作，几乎都采用的是五声性的调式。西洋则是一个由简到繁的过程。从早期教堂简单的圣咏到后来复杂的交响乐，欧洲的艺术音乐的发展与其科技文化的发展极其相似，影视音乐的创作同样不例外。

中国艺术的发展和精神一直受中国文化精神的深深浸润，中国在文化方面一直是以儒家精神为主，佛道是其有益的补充，这必然造就了出世与入世两种截然不同的表现形态，一则社会秩序井然有序，一则内心深处的恣情无序，纵情山水、率性使真、体验生命的欢乐、享受生活的惬意!反映在艺术领域则多是后者。因此。中国艺术文化属于内省式的，艺术讲究重生命、享受生活、讲就诗意、重顿悟、返璞归真!因此，观《红》剧听音乐，在中国式园林、五声调性的音乐、传统诗词歌赋等中国文化符号的烘托下，我们就好像进入富于诗意的、山水般的中国文化大观园，是那样的空灵、玄妙。不仔细品、咂摸、推敲，是参悟不了其中的内涵和韵味的!而在该剧的外围又隐隐笼罩着一层摸得着打不破的封建伦理纲常。

西方文化则属于海洋性文化，征服海洋需要合作，需要同舟共济。需要创新。因此，其思想活跃、外向协作能力强，人与自然的关系是征服与被征服的关系，他们可以得出客观世界的规律性认识，可以建立起庞大的哲学体。可以推演出复杂的逻辑系统，计算出微乎其微的差距，建立起科学的知识体系。与此相适应的艺术也有着复杂的体系，浑厚的织体，高度概括抽象的语言等等。可以说，欧洲文化充满了理性之美、进取之美，一方面是与自然的搏斗进取，一方面是艺术的高度规范性，我们从《乱》剧的剧情和音乐中可以个明显地感到这种文化力量。如家道败落后的斯佳丽一方面显示出与世抗争的不屈精神，而另一方面背景音乐却是整体划一地、如暗潮涌动般在烘托这种气氛。鼓励这种拼搏精神。

因此，调式的不同从另一个侧面也反映了文化的不同!

器

这里所说的“器”是指中西乐器的风格和制作材料的不同。前面讲了，中西乐器在音响上的区别是进“人声”和“近器声”。这也造就了中西乐器音响上的天壤之别。中国乐器一直以人声的富于歌唱作为自己的审美标准。人声的千差万别个性突出，受此影响中国乐器的音色也是千差万别。总的有一个特点是个性十足、色彩鲜明。无论是古琴、琵琶，还是笛子、唢呐等，几乎都有着自己独特的曲目和演奏技法。而西洋乐器由于受标准化、统一化的影响，追求和同、融合，所以其各种声部的乐器在音色上有一个统一的尺度和标准。这也形成了西方乐器与中国乐器比较个性不突出、色彩不鲜明，整体融合性较强的特点。

在乐器的应用上。中国乐器的集体合作演奏的能力较差，乐器的合奏一般以小型为主。大型的合奏非常少。在作品的织体方面，中国乐曲的乐思以单线的横向思维为主。有时也有纵向的交叉但不多。这与中国独特的人文环境有着密切的关系。具体说来，中国的审美文化是以时间性展开的。从先秦的文字、建筑到后来的诗赋书法字画等均是以时间性、线条性展开的。“山重水复疑无路，柳暗花明又一村”是其真实的写照。受此影响，中国乐器也好乐曲也好，均体现出强烈的个性倾向。一只结构简单、材料质朴的小喇叭(唢呐)可以演绎出一场动物狂欢会《百鸟朝凤》。一把两根弦索的胡琴可以演绎出一场场旷世奇观的悲欢离合：一把五弦的琵琶可以演绎出一场千古战争：一张古朴的七弦琴又可导引出一段段千古佳话!

《红》音乐如同剧情一样，是在“山重水复疑无路，柳暗花明又一村”的大观园中进行的，线性的旋律、不断变化的动机，既有诗词歌赋的韵味，又有书法线条的道劲、明快，同时又有乌云压顶的不安。总之给人以无穷尽的感觉。其乐队以小型化为主，乐器以张扬个性为其主要特色。如以古筝表现宝黛的不屈，以二胡、笛、箫等来刻画人物的内心：而象征封建势力的音响则非常简单就用一个大铜锣。因此，在《红》乐器不多，乐队不大，以小取胜。这丝毫没有影响其对剧情、人物、关系的刻画、描写和烘托渲染。

西洋乐器的整合能力非常强，常常善于大规模的组合演奏，而且题材、体裁多样丰富，音响的交响性特强，能够做到整齐划一。在音乐织体的组织应用方面，乐思是以空间性展开的，讲究织体的浑厚、立体、交叉、虚实等等。这种交响性融合性必然要求乐器要以付出个性追求共性为代价。个性多色彩强必然会损害整体的融合性。此根源可以追溯到西方文化艺术精神的特点。大致说来，西方艺术精神是以空间性的展开为主，从油画的透视、明暗、色块的写实应用，到西方建筑的高耸等等皆源于此。

因此。在《乱》中我们聆听到的剧情音乐大多为整体乐队演奏，即使是局部刻画内心的弦乐，也是以弦乐组为核心演奏的，单独的小提、大提刻画内心的并不多。总的说来。《乱》的音乐以整体取胜。但是这并不影响对剧中人物、形象、关系的精心刻画、烘托和渲染。

在制作材料方面，中西的区别较大，各有不同的倾向。西方注重人工化、标准化统一化的材料。如提琴家族的木质选料，管乐家族的金属选料等等都是经过人工细细遴选。在制作上。更讲究不同声部乐器的严格标准尺寸。中国乐器的制作材料比较自然化、特性化。如埙就是利用泥土烧制的，笛子就是将竹子掏洞定音即可吹奏，二胡、琵琶等乐器的制作也是同样的道理。天然材料的使用意味着对材料属性的尊重和保护，自然材料的多样性又赋予乐器更多的个性色彩。在制作尺寸上，中国乐器的制作没有严格的标准。同一调的笛子用不同地域的竹子差异很大，音色因材料的地域不同而不尽一样

在演奏发声方面。中国乐器是尽量发挥材料的自然属性，因而使得音色独特。西方乐器则尽量减少材料在发生中的作用，进而达到音色的统一一致。

以上的差别，还是根源于不同的文化艺术精神。西方与自然的关系是对立的。是征服与被征服的关系，西方人一直以驾驭、改变、征服自然为荣。人与自然的关系一直是对立的、疏远的、冷漠的。西方的艺术到18、19世纪才出现自然的作品。中国与自然的关系则不同于西方。中国并不把自然作为自己的征服对象，中国与自然的关系一直是亲近的、相互尊重的、和谐的，把自己作为宇宙的一部分，“天人合一”“神人以和”是最好的说明。因此，材料、发声的自然化个性化就不难理解了。

总之，中西艺术音乐的区别很大。还可以从其他的一些方面作一些比较的研究。笔者只是仅仅以中西两部不同的影视音乐作为切入点，选其中有代表的一些方面作了一些探索式的比较。不妥之处望予指正。