我国舞蹈艺术研究论文范文

我国舞蹈艺术研究论文范文第1篇

【摘要】21世纪是我国高校“素质教育”全面发展和提升的时代。审美素质是新时代人才重要的基本素质之一，是通向成功之路的桥梁，更是大学生自我发展的需要。本文从舞蹈美学视阈，通过对舞蹈艺术欣赏养成学生审美素质的艺术鉴赏能力和通过舞蹈艺术训练养成学生审美素质的形体和动作艺术塑造方面的分析，探寻可以促进社会人文素养提高和高校综合素质的持续提高的路径。

【关键词】舞蹈美学；大学生培养；审美素质养成

一、舞蹈美学与审美素质的关系

舞蹈美学作为艺术哲学的一个分支，是一门独立的学科，我国在20世纪80年代兴起了“美是舞蹈的本质特征”讨论的美学热。舞蹈是人类艺术之母，是人类历史最悠久、资格最古老的艺术形态之一。舞蹈在人类进化和文化进步中起着重要的意义。关于舞蹈美的探讨，在古代哲学家、思想家和艺术家的著作中早有涉及；在近现代的舞蹈理论中，愈来愈趋向于对舞蹈的特殊规律及其本质的探求，为舞蹈美学从一般美学和舞蹈理论中独立出来奠定了一定的基础。舞蹈是劳动人民在人类社会生活中通过形体动作对生活的一种艺术提炼和展现，包括劳动生产、狩猎、巫术等社会动作的模拟和再现，以及图腾崇拜和表现、交流思想情感的内在冲动，具有现时性和鲜活性。从简单的模拟再现，到复杂的概括表现，是舞蹈艺术发展的必然进程。舞蹈作为一门艺术，源于生活，却又高于生活，对人们的学习、工作、生活予以积极的作用和影响。舞蹈艺术的功能和作用很多，最关键赋予人们的是她的教育意义、审美意义以及开发“多元智能”的功能和作用。

审美素质作为一种国民素质，是比文化、道德等素质更高、更综合的人类社会文明进步的标志。加强审美素质、提高审美能力是一个学习和实践的过程，青年大学生为了把自己培养成德、智、体、美全面发展的建设人才，就必须提高自身的审美素质。那么，什么是审美素质？所谓审美素质就是指人们在长期生活、工作、学习中随着知识、思想、道德的积累、升华，而表现出来的一种对美的鉴赏能力。审美素质包括审美态度、审美趣味、审美理想、审美人格、审美领悟等几个方面的内容[1]。从舞蹈美学视阈，通過舞蹈艺术欣赏养成学生审美素质的艺术鉴赏能力和通过舞蹈艺术训练养成学生审美素质的形体和动作艺术塑造，促进社会的人文素养提高和高校综合素质的持续提高。

二、大学生审美素质养成训练探索

（一）通过舞蹈艺术欣赏养成学生审美素质的艺术鉴赏能力

康德说：“鉴赏是评判美的能力”。要想获良好的鉴赏能力必须从舞蹈艺术欣赏开始，人们在进行舞蹈艺术欣赏时，会随着所观看的舞蹈艺术情节发展而产生精神活动，当情节发展是悲切的时候，观赏者就会产生悲伤的精神活动，当情节发展是愉快的时候，观赏者就会产生愉悦的精神活动，通过舞蹈艺术中所塑造出来的舞蹈形象，去感受、想象、体验、理解舞蹈形象所反映出来的社会生活，体会舞蹈形象所蕴含的思想情感，欣赏舞蹈艺术作品中美的动作、舞蹈韵味儿和随心而动的表情，进而潜移默化地接受感染、受到审美教育和提高认识审美；对舞蹈艺术作品中艺术形象在脑海中再创造到艺术所反映的生活再评价的过程，在这种再创造到再评价过程中，不仅可以锻炼观赏者的想象力，还可以发现和挖掘出艺术形象的内在美和形式美，产生强烈的感情共鸣，并感到由衷的喜悦，在寓教于乐中接受教益。

在培养学生的鉴赏能力时，先让学生欣赏古典芭蕾舞剧《天鹅湖》——《四小天鹅舞》，《四小天鹅舞》是该舞剧中最受人们欢迎的舞曲之一，它所展现的美，整齐划一，象征着团结进步、象征着步调一致，象征着力量，象征着美，构成了芭蕾舞真正的审美。接下来让学生欣赏舞蹈诗剧《天边的红云》，《天边的红云》在艺术上具有现代审美意识。在舞蹈编排和空间处理上，该剧突破古典主义均衡协调的处理模式，不追求传统舞蹈整齐划一的美感。不在整齐中求协调而在错杂中显统一，构成了贯穿全剧的编排基调，给人耳目一新的感觉。这部舞蹈诗剧中的五位红军女战士“云”“秋”“娃”“秀”“虹”，用肢体呈现她们对生命、爱情、理想和信念的追寻。在舞蹈欣赏的过程中，教师引导学生欣赏，并进行舞蹈内容和舞蹈精神解析，欣赏完后，让学生总结欣赏内容，通过自己的情感分析写出观后感；随着舞蹈欣赏的渗透，潜移默化地转化为审美素质的鉴赏能力。

（二）通过舞蹈艺术训练养成学生审美素质的形体和动作艺术塑造

进行舞蹈艺术训练，可以给学生带来很多好处。首先，舞蹈能够改善形体，成就艺术气质，塑造形体美。舞蹈艺术训练可以克服弯腰驼背等一些不良的身体姿态，使身体变得挺拔；还可以使肌肉的力量得到提高，使肌肉均称而有线条，也使肌肉、韧带等得到拉伸，变得纤长而有弹性，从而增加了美感；再次，舞蹈艺术训练能够促进心理健康发展。如今大学生受网络、手机使用的影响，容易注意力不集中、沟通能力、自信心不足，经过舞蹈训练都会得到相应的改善。因为舞蹈使人的听觉、动觉等几乎所有感觉器官都发挥作用，生命机能得到了总动员，因此，能够调节精神、注意力和宣泄情感，并使大脑皮层得到休息，使人注意力更容易集中、沟通能力加强、自信力递增；再者，舞蹈能够培养人格魅力。通过集体舞蹈艺术训练，可以在舞蹈艺术训练合作、竞赛过程中，培养出团队合作和良性竞争的意识，也能使其具有吃苦耐劳、乐观积极的精神，时刻给人以大方得体、知书达理的感觉。最后，舞蹈具有文化传承性。中华民族有56个民族，每个民族都有自己不同文化的舞蹈，舞蹈艺术可以让你了解不同民族的舞蹈文化和风俗，让民族舞蹈文化得到了很好地传承。

在舞蹈艺术训练当中，第一阶段先让学生系统的练习芭蕾形体训练，芭蕾形体训练是具有科学性与系统性的舞蹈训练，它作为一门世界性的艺术制约着人类的形体美，同时也影响着人的形象与气质，芭蕾舞形体训练有音乐的伴奏，动作、姿态的表现内心世界，使大学生潜移默化地接受到艺术表演的熏陶，使他们热爱生活，并能欣赏美、体验美。

芭蕾形体训练主要是通过芭蕾形体组合训练塑造学生的形体美，让身体养成开、绷、直、立的良好姿态。“开”是指身体部位“肩”“胸”“胯”“膝”“踝”向外打开。可以先通过芭蕾手位和脚位的舞蹈组合来训练“肩”“胸”“胯”“膝”“踝”向外打开的认知度；“绷”是指脚部、膝关节及踝关节绷直。可以通过勾绷脚舞蹈组合来训练脚部、膝关节及踝关节绷直；“直”是指训练者腿部、双腿膝盖以及后背的垂直。可以通过把上舞蹈组合（擦地、小踢腿舞蹈组合等）训练腿部、双腿膝盖以及后背的垂直；只有塑造身体垂直、拉长，才能使姿态、动作舒展、优美。“立”是指身体的直立、挺拔，也是身体姿态的一种综合展现，可以通过中间舞蹈组合进行综合训练。

在舞蹈艺术训练当中，第二阶段是让学生进行民族舞蹈训练。民族舞蹈具有较强趣味性、可以培养学生气质、心性、还可以传承中华民族舞蹈文化。训练时可以把學生分为男生组和女生组，男生组训练蒙古舞组合，女生组训练傣族舞组合。蒙古族舞蹈的特点浑厚、含蓄、舒展、豪迈，这些舞蹈特质非常适合男生训练，通过训练可以养成男生淳朴、热情、勇敢、以及开朗豁达的性格和豪放英武的气质。傣族舞蹈的动作大多婀娜多姿，表现为外柔内刚、充满着内在的力量。最有特点的是身体“三道弯”的独特造型，以及刚柔相济、动静配合的特点很适合女生训练，通过傣族舞蹈孔雀舞的训练可以养成女生如何展示婀娜多姿的姿态，养成何时当含蓄、何时当豪放的情感表现以及独立、善良、大方的性格和青春活泼的气质。

三、结语

通过对舞蹈美学与大学生审美素质养成的相关理论进行分析，

以及通过舞蹈艺术欣赏《天鹅湖》—《四小天鹅舞》《天边的红云》，养成学生审美素质的艺术鉴赏能力；通过芭蕾形体训练、蒙古族舞、傣族舞舞蹈艺术训练，养成学生审美素质的形体和动作艺术塑造；也养成了大学生青春、活泼、独立向上的性格和健康、自强、自信的心理。通过养成学生审美素质的艺术鉴赏能力和养成学生审美素质的形体和动作艺术塑造的训练对学生审美素质养成达到了预期的效果。

参考文献

[1]谢定国.论大学生的审美素质[J].课程教育研究，2015.

[2]吕艺生.舞蹈美学[M].北京：中央民族大学出版社， 2011.

基金项目：2017年湖南省教育厅科学研究项目课题“舞蹈美学视阈下审美素质养成研究”（项目编号：17C1615）。

我国舞蹈艺术研究论文范文第2篇

摘要：少儿舞蹈培训是我国群众性舞蹈活动中的重要组成部分，对于提升国民文化素养、助推群众文化生活多样化具有重要意义。文章从培训机构建设、学员情况、教学效果三个方面剖析少儿舞蹈培训现状及问题，并对现存问题进行正确归因，重点结合少儿舞蹈培训发展实际、少儿舞蹈培训需求等从监督管理、以赛促练、培训教师学历及教学水平提升三个方面探究少兒舞蹈培训优化措施，以供参考。

关键词：少儿舞蹈培训;全民健身;文化素养;群众文化

自全民健身计划实施以来，我国少儿舞蹈培训事业获得蓬勃发展，对于提升儿童身体素质、促进儿童全面和谐发展、提升儿童文化素养、创设浓厚群众文化氛围具有重要意义。但当前我国少儿培训机构教育水平与培训成效参差不齐，部分机构自身建设不完善、优质师资力量匮乏、学员年龄及性别结构失衡、培训体系不健全，且在培训指导、动作示范方面缺乏科学性与规范性，不利于少儿舞蹈的推广与普及，并且会导致家长树立错误观念。为促进少儿舞蹈培训行业高质量、可持续发展，充分发挥少儿舞蹈培训作用，有必要了解并掌握少儿舞蹈培训现状，从中发现问题并采取有效性、针对性优化措施。

一、少儿舞蹈培训现状及问题

（一）少儿舞蹈培训机构建设现状及问题

数据显示，截至2020年我国少儿舞蹈培训行业市场规模为142亿元，少儿舞蹈培训机构数量约为5180家。开放完善的市场环境、与日俱增的少儿舞蹈习练需求为少儿舞蹈机构的建设注入了新的活力。当前我国少儿舞蹈机构已经出现分化态势，小零散、资金实力薄弱的少儿舞蹈机构逐渐被市场淘汰，获得生存机遇的机构或是做精做细，以一类舞蹈艺术门类为核心提供培训服务，或是涵盖多种舞蹈艺术[1]。

虽然当前少儿舞蹈机构发展动力充足，但依然存在诸多建设问题。一是收费标准不统一，看似为家长提供多样化付费选择，但这些付费方式一般具有额外标准，加大了少儿舞蹈培训负担，不利于少儿舞蹈培训可持续发展;二是场地选择、内部空间规划等缺乏科学性，部分舞蹈训练室空间狭窄、通风与卫生情况不佳，长期处于此种环境下将阻碍儿童身心健康发展;三是培训成效难以保证，因内部管理规则、考核制度缺失，部分少儿舞蹈培训机构所提供的教育教学、舞蹈课程等流于形式，无法真正培育儿童舞蹈艺术素养，甚至可能诱发严重安全事故。

（二）少儿舞蹈培训学员情况现状及问题

伴随着素质教育理念的深入、教育培训市场的发展壮大，当代家长高度重视对孩子的兴趣与专长培养。舞蹈作为素质教育的一大分支、一项修身养性的艺术门类，习练舞蹈可以培养儿童身体协调性、灵敏性，促进儿童全面和谐发展。为此参与少儿舞蹈培训的儿童数量不断提升，但与此同时也使学员结构更为复杂。当前少儿舞蹈学员男生比例远低于女生比例，且学员年龄集中在4-10岁。同时，学员参与培训的动因一般为个人爱好、家长意愿，且以家长意愿为主。此外，舞蹈学员中初中级水平学员数量较多，高水平学员不足。

学习少儿舞蹈可以为儿童未来发展提供更为广阔的空间，但从舞蹈学员情况现状可以看出，当前家长对于少儿舞蹈培训的认知程度较低，学员与家长均缺乏参与舞蹈技术比赛、评级的内部动因，不利于少儿舞蹈培训的专业化与高水平发展。

（三）少儿舞蹈培训教学质量现状及问题

现行少儿舞蹈培训课程体系以基本步、基本组合步为主要内容，部分培训机构也根据地方文化特色自编课程，在日常培训中纳入身体素质锻炼、艺术修养提升、审美鉴赏等内容。同时，少部分少儿舞蹈培训机构参与比赛或表演，表明少儿舞蹈培训训练水平较低、强度不足。此外，少儿舞蹈培训教师趋向低龄化，教师年龄集中在18至29岁之间，再加上舞蹈培训教师准入门槛较低，虽然教师数量充足，但教师学历、技能结构失衡，仅有半数教师来源于专业舞蹈院校，其余教师多为舞蹈爱好者或经过社会培训的教师。另外，舞蹈培训教师认证级别较低，甚至有部分教师未通过国家及升级认证。由此可见，当前少儿舞蹈偶培训教学质量存在内容深度有待提升、教师学历及教学水平难以适应多样化舞蹈培训需求的问题。

二、少儿舞蹈培训问题成因分析

（一）少儿舞蹈培训监管不到位

少儿舞蹈培训机构建设依赖于完善的培训市场、强大的监管效能。因此，少儿舞蹈培训机构收费标准不统一且收费较高、场地选择及空间规划缺乏科学性、内部管理制度不健全问题产生的根本原因在于监管不到位，未能界定少儿舞蹈机构行业定位、制定明确且清晰的行业标准，部分少儿舞蹈培训机构由于逐利思想在场地、建设经费上节约成本，或向家长变相收取额外费用，再加上对少儿舞蹈培训机构卫生环境、安全性监督的重视程度不足，导致少儿舞蹈培训机构建设缺乏明确的方向及完善的法律法规、行业规范依据，进而诱发其一系列建设问题，不仅会阻碍少儿舞蹈行业的整体发展，而且会降低家长对少儿舞蹈培训的信任程度、接受程度，不利于少儿舞蹈文化的传播与推广。

（二）未形成品牌化的培训机构

家长与儿童选择少儿舞蹈培训机构的依据为品牌、口碑、信誉、费用、培训效果等。从少儿舞蹈培训学员情况可以发现，当前大部分家长认为舞蹈培训对孩子的积极影响体现在气质、身体素质之上，未能认识到舞蹈培训可以为孩子开辟广阔发展空间，部分家长在固有观念的制约下阻止男生学习舞蹈。再加上儿童自身学习动因不足，不能认识舞蹈习练的价值。出现此现象的主要原因在于未形成品牌化少儿舞蹈培训机构，尤其是当前大部分少儿舞蹈机构没有通过参加比赛、大型表演活动等彰显自身培训水平、打造良好口碑、体现自身在舞蹈教育上的专业性，导致其辨识度偏低，无法激发家长的内在消费需求，不利于培养高水平学员、获得不可复制的竞争实力[2]。

（三）教师教学专业化水平较低

教学质量是评价少儿舞蹈培训机构的关键指标，教师则是提供培训教学的主体，其专业知识与技能水平、职业道德素养、创新意识与思维将直接影响少儿舞蹈培训效果。当前少儿舞蹈培训内容缺乏深度、师资力量不足的主要原因在于教师教学专业化水平较低。在日常培训中教师难以确立明确的教学目标、所选择的教学内容缺乏针对性、教学方式不够新颖、教学活动形式单一僵化，会弱化学员的舞蹈习练兴趣，制约其审美鉴赏力、创造力的发展，久而久之便会影响培训实际效果。

三、少儿舞蹈培训优化措施

基于对少儿舞蹈培训现状、问题及成因的深度剖析，建议从以下三个方面入手推进少儿舞蹈培训行业水平迈向更高台阶。

（一）强化监督管理，规范少儿舞蹈培训机构建设

监督管理是约束少儿舞蹈培训机构经营行为的重要保障。为规范少儿舞蹈培训机构建设，建议实行以政府相关部门为主导、以行业协会为自我约束、以公众监督为延伸的“三位一体”监管机制[3]。政府相关部门结合辖区少儿舞蹈培训发展实际情况、地方特色文化等优化少儿舞蹈培训空间布局，保证培训资源优化配置、不同区域的儿童都能享受优质舞蹈培训服务，进而营造和谐平等的培训行业氛围;同时，少儿舞蹈协会发挥自身资源优势为少儿舞蹈培训机构制度建设、教学团队建设、收费标准建设、场地建设、内部空间建设等提供针对性、差异化、专业性指导，鼓励少儿舞蹈机构在遵守行业准则、国家相关规定的基础上发展特色、形成规模;最后，畅通家长检举投诉渠道，及时解决家长所反馈的不合理收费、专业性不足、安全等问题，以此保障家长与学员合法权益，保证少儿舞蹈机构合法、合规经营。

（二）实行以赛促练，推动合并化以及连锁化运作

为体现少儿舞蹈培训在拓宽儿童发展空间方面的作用，解决少儿舞蹈培训学员年龄、性别结构失衡且家长认知程度不足问题，建议实行以赛促练：一是完善少儿舞蹈竞赛规则及制度，开展丰富多样的比赛与表演活动，一方面使少儿舞蹈培训机构认识到自身对推动区域文化建设、传播少儿舞蹈文化的重要价值，倒逼少儿舞蹈机构提升培训等级。另一方面激发家长与学员内在动因，为学员展现自我提供广阔舞台;二是由地方政府主导定期选拔少儿舞蹈培训机构教师参观学习省市级、国家级高水平舞蹈赛事，鼓励行业协会定期举办研讨会、学术交流会等，指派优秀赛事裁判、通过省级及国家认证的舞蹈专业教师为少儿舞蹈培训机构日常教学提供实践指导，可以使少儿舞蹈机构认识到自身的不足之处，并通过专业知识交流、技能共享等重塑家长舞蹈培训理念、学员学习观念，既可以达到以赛促练目标，推进少儿舞蹈培训行业“赛培”合并化与连锁化发展，又能为少儿舞蹈培训行业积蓄发展力量[4]。

（三）夯实师资力量，提升教师学历以及教学水平

为夯实少儿舞蹈培训师资力量，首先需适度提升培训教师准入标准，综合考察教师职业道德、职业理想信念、职业素养、学历、实践教学经验、创新创造精神等，以此从源头上保障培训效果;其次，组织培训教师定期进行教学研究，将教师教学内容深化、教学方式革新、教学活动组织等纳入培训教师考核中，使培训教师自觉主动提高自身专业技能与教学能力。同时，建立信息化教师培训平台，定期发布少儿舞蹈培训行业政策、资格认证、行业标准、舞蹈训练方法等信息，请教师利用碎片化时间丰富自身舞蹈培训相关知识储备，通过反思重构保证自身知识、技能结构适应学员多样化动因、多元化需求、差异化成效。最后，积极与家长进行沟通，取得家長对培训教学的支持，向家长反馈学员参与培训的情况，从家长处获取其对培训的满意程度、建议及意见等，进而增强家长对少儿舞蹈培训的信任感，不断优化革新少儿舞蹈培训课程及内容体系，促进少儿舞蹈培训行业高质量、可持续发展。

四、结语

少儿舞蹈培训是群众性舞蹈活动的重要组成部分，也是提升儿童文化素养、促进儿童身心健康发展的有效渠道。当前我国少儿舞蹈培训行业十分繁荣，但依然存在诸多问题，主要原因在于监管不到位、未形成品牌化培训机构、教师专业水平偏低。为此，应建立政府+行业协会+家长的三位一体监管机制，完善少儿舞蹈比赛制度及规则，适度提升培训教师准入标准，以此为少儿舞蹈培训的高质量与可持续发展蓄势赋能。

参考文献

[1]古文军.少儿舞蹈培训的现状及优化对策分析与研究[J].戏剧之家，2020（20）.

[2]惠子.少儿舞蹈美育教育理论与实践[J].戏剧之家，2019（15）.

[3]蒋婧雅.浅谈少儿舞蹈培训的教育现状[J].北方音乐，2017，37（18）.

[4]王然晓.少儿舞蹈培训现状初探[J].大众文艺，2017（05）.

我国舞蹈艺术研究论文范文第3篇

摘要：随着时代的发展，人们对艺术也有了更高的追求，相关学者在艺术领域的研究也更加深入。传统舞蹈性音乐是舞蹈编创中一种非常关键的元素，相对于传统的音乐形式来说，传统舞蹈性音乐需要满足舞蹈编创的各方面要求，这种音乐形式通常是与舞蹈相互依存的，独立性并不是很强，二者的有效结合才能完整地展现艺术的魅力。本文首先对传统舞蹈性音乐的相关内容进行简要概述，进而探究传统舞蹈性音乐艺术所具备的几种特征。

关键词：传统舞蹈性音乐 旋律 节奏 雅俗共赏

研究传统舞蹈性音乐艺术的特征对舞蹈编创以及音乐舞蹈的发展都具有重要的意义，通过对传统舞蹈性音乐各种特征进行详细探究能够在舞蹈编创中对二者进行有效结合，进而更好地凸显舞蹈性音乐的特征，有效提升舞蹈的艺术性，从整体上强化音乐舞蹈的魅力。无论是表演人员还是观赏人员都能够在艺术的熏陶下产生美的享受。因此，深入探究传统舞蹈性音乐艺术的特征对于艺术的发展至关重要。

一、传统舞蹈性音乐相关概述

传统舞蹈性音乐在我国有着非常悠久的发展历史，在原始社会时期就已经有了将舞蹈与音乐相结合的先例，那个时期多是采用击打伴乐的方式来为舞蹈奏乐，这些有关于传统舞蹈性音乐的发展历史在《尚书·益稷》以及《吕氏春秋·古乐篇》中均有相应的记载。随后在时代不断发展的过程中传统舞蹈性音乐也在不断地完善和发展，从唐尧时代，到周武王时代，一些作品中均有关于传统舞蹈性音乐发展过程中如何进行音乐舞蹈编排以及表演等的记载，并作为教学的典范用于教习贵族子弟。时至今日，我国传统舞蹈性音乐在发展的过程中形成的种类以及特色也越来越丰富，有秧歌、花灯以及各个民族的音乐舞蹈，如少数民族的打歌等，各个种类各有千秋，汇集在一起形成了我国传统舞蹈性音乐现如今的发展盛况。传统舞蹈性音乐是舞剧表演中必不可少的元素，同时也是我国优秀传统艺术文化的重要组成部分。

说到传统舞蹈性音乐不难理解是舞蹈与音乐的结合，这种音乐主要是为舞蹈服务，提升舞蹈的艺术性。事实上，从目前舞蹈领域的发展情况来看，每一种舞蹈几乎都是建立在音乐的基础上的，脱离音乐的舞蹈几乎没有。哪怕仅仅是一个简单的节奏也会让舞蹈更具观赏性。另外，舞蹈从某种意义上来讲也是对音乐的诠释，是通过肢体语言、流畅的线条等来表达音乐所蕴含的情感与故事，给人视觉和听觉上的双重冲击。可见，音乐与舞蹈二者是相辅相成、相互依存的关系。说到舞蹈性音乐的独立性，大部分的舞蹈性音乐本身并不具备较强的独立性，但这也不是绝对的，有部分舞蹈性音乐其自身的艺术气息非常浓郁，单是从音乐欣赏的角度就能带给人很好的享受。因此，这类舞蹈性音乐本身就具备一定的独立性，比如被大家所熟知的《天鹅湖》就是非常典型的例子。除此之外，还有一些舞蹈性音乐本身并不是为了舞蹈编创而创作的，而是被舞蹈编创者所选中，根据音乐的特点来进行舞蹈的编创，这部分舞蹈性音乐也具有一定的独立性。通过以上的分析可以看到，传统舞蹈性音乐对于舞蹈的发展具有重要的影响，对实现我国舞蹈艺术文化的持续稳定发展，加强对传统舞蹈性音乐艺术特征的研究至关重要。

二、传统舞蹈性音乐艺术的特征

（一）传统舞蹈性音乐在旋律上具有流畅性的特征

通过对传统舞蹈性音乐的深入研究可以发现，大部分舞蹈性音乐在旋律上都具有旋律流畅的特征。能够让人印象深刻的舞蹈性音乐往往都具有优美动人的旋律，舞蹈性音乐的这一特征也并不是无所依据的，因为大部分的传统舞蹈表演也是通过抒情的方式来表达情感以及舞蹈的内涵，因此，舞蹈性音乐在旋律上往往优美动人、旋律流畅，以此来配合舞蹈表演的抒情，也正是因为如此，才能让舞蹈与音乐更好地融合。优美而流畅的旋律往往更容易将观众带入到一个特定的情境中，再配上与之协调的舞蹈，就会使意境更加生动，更具画面感，使观众更能感受与体会到音乐舞蹈中所蕴含的艺术气息和丰富的内涵。另外，流畅的旋律对于舞蹈的编排也更有利，传统舞蹈通常具有动作连贯、线条优美的特点，这一点与流畅的旋律更加匹配，流畅的旋律配上线条优美的舞蹈浑然天成，这也是舞蹈性音乐通常具有旋律流畅特点的另一个主要原因。例如，在《天鹅湖》中有一个天鹅主题的音乐旋律就是在多种乐器的配合下表现出轻盈、流畅以及哀婉的主题，这个音乐的旋律本身就对观众有极强的吸引力，能够迅速地将观众带入到所刻画的意境中，再加上舞蹈表演者配合着音乐翩翩起舞，画面绝美，让人久久不能忘记。

（二）传统舞蹈性音乐在节奏上具有鲜明性的特征

传统舞蹈性音乐主要是为了给舞蹈表演进行配乐，舞蹈表演的动作具有很强的节奏性，而且在整体的舞蹈节奏以及时间控制等方面都需要音乐来配合，因此，大部分的传统舞蹈性音乐都具有节奏鲜明的特点，也正是因为传统舞蹈性音乐的节奏鲜明，才能更好地促进舞蹈的编创。舞蹈性音乐的节奏鲜明是其非常显著的特点，但同时也是舞蹈对音乐的最基本的要求，如果音乐在节奏上不具备鲜明的特点，也就算不上是舞蹈性音乐，也就无法与舞蹈进行紧密结合。比如以自由拍子为主的音乐，通常情况下也是音乐创作者根据自身对音乐的理解进行的自由创作，这种音乐形式并没有相对固定且鲜明的节奏，表演比较具有随机性，而且每一次的演奏都会在节奏上有一定的差异，这无疑给舞蹈表演者的表演带来了很大的难处，因其摸不准音乐的节奏，就无法准确地对音乐进行表达。可见，在舞蹈编创过程中舞蹈性音乐是首要的，要在舞蹈性音乐的基础上来进行舞蹈动作的编创。因此，舞蹈性音乐节奏的鲜明是必备的条件，这样才能确保舞蹈表演者在反复的排练过程中越来越熟练地掌握音乐的节奏，最终做到舞蹈与音乐的完美结合。例如，《瑶族舞曲》就是在高胡、笛子以及笙等乐器的配合下共同演奏，其节奏鲜明、旋律优美流畅，这种鲜明的节奏即便是非专业的观众在观看时都会不由自主地跟着节奏摆动，可见其节奏的鲜明程度。

（三）传统舞蹈性音乐具有音乐的情节性特征

传统舞蹈性音乐所具备的情节性特征也是非常具有代表性的一个特征，在传统的歌舞表演中，无论是规模较大的舞蹈剧，规模较小的双人舞，还是独舞，哪种形式的歌舞表演都具有一定的情节性，也就是说，通过观看歌舞表演能够从表演中看到一定的故事情节，并借助于这些情节的表达来进行情感的抒发，以实现对舞剧有更深入的理解，使观众能夠产生情感上的共鸣。传统舞蹈性音乐在舞剧中的作用是非常重要的，它不仅仅是给舞蹈表演进行伴奏，还在音乐上起到了一定的暗示情节的作用。另外，音乐对于情节中角色的刻画以及情感的衬托也具有重要的作用，能使音乐与舞蹈表演更紧密结合，使整体的表演浑然天成，情节的表述也能引人入胜。例如，在大家比较熟悉的《红色娘子军》的大型舞剧表演中，它的情节主要是讲述一个女奴经历了艰苦的过程最终成为一名优秀的共产主义战士，情节起伏、内容丰富，根据不同阶段的情节需要而采用了不同的舞蹈性音乐。这个大型的舞剧表演总共使用了49首舞蹈性音乐，从类型上可以分为三大种，其中一种主要是用来渲染人物性格以及刻画艺术形象的，比如用于渲染洪常青的舞蹈性音乐，通过其曲风、节奏以及旋律等让人感受到洪常青奔放以及豪迈的性格特征。一种是用于抒发人物情感的，比如在抒发人物激动的心情以及对未来充满向往与渴望的心情时，选用的是以小提琴为主要乐器奏出的酣畅淋漓的乐曲。还有一种是进行场景烘托的音乐，根据不同场景的需求来选择不同的音乐旋律，比如有欢快活泼的旋律，有紧张低沉的旋律等。无论是哪种类型，其在舞剧表演中都有舞蹈性音乐具有的情节性特征。

（四）传统舞蹈性音乐具有雅俗共赏的特征

随着艺术的不断发展，人们对于艺术的审美以及追求也在不断地发生着变化，尤其是在当代艺术发展中，追求雅俗共赏可以说是艺术创作中的一个主要研究方向。所谓的雅俗共赏简单来讲就是既要优雅又要通俗，在传统的艺术表演中由于专业性过强导致对观众的素质要求也较高，只有具备非常丰富的专业知识基础以及具备较高的审美能力，才能对艺术表演进行欣赏。但是在现今时代，为了能够让普通群众对艺术表演进行賞析，满足普通群众观赏艺术表演时的各种需求，传统舞蹈性音乐的创作也在向着雅俗共赏的方向发展，从目前我国大部分传统舞蹈性音乐的实际情况来看，音乐的雅俗共赏已经成为它们的主要特征之一，它的通俗性可以满足普通群体的观赏需求，而它的艺术性也可以满足具有较高文化修养的群体的观赏需求。这样就扩大了舞剧表演的受众范围，对于传承与发展我国优秀的传统艺术文化也具有重要的意义。传统舞蹈性音乐的雅俗共赏最基础的要求就是音乐的通俗易懂，这样在进行舞剧表演时，观众在观看表演者的表演过程中借助于音乐也能加深对舞剧表演的理解。但是，如果是一首艰涩难懂的音乐作为舞蹈性音乐配合舞蹈表演完成的舞剧，可以想象其效果如何。比如《春之祭》这部舞剧，一方面在音乐上没有做到雅俗共赏，另一方面在舞蹈表演上也没有做到雅俗共赏，音乐难懂再配上几乎原始性的生硬的舞蹈动作，让观众一时间很难欣赏上去，这也是这部舞剧在首次演出时就以失败告终的关键原因。现如今，这部舞剧基本已经在舞台上消失。可见，传统舞蹈性音乐的雅俗共赏这一特征对于音乐本身以及舞剧的发展都具有重要的意义。

三、结语

基于以上分析，了解到传统舞蹈性音乐的发展历程以及音乐与舞蹈之间的关系，并通过对传统舞蹈性音乐几方面特征的分析为今后舞蹈艺术的发展提供参考。作为音乐舞蹈方面的研究学者，要加强对传统舞蹈性音乐的进一步研究，使其能够更好地协助舞蹈表演，提升舞蹈表演的艺术性。

参考文献：

[1]李静.满族民间舞蹈音乐艺术特征研究[J].艺术评鉴，2019（15）：56-57.

[2]晁世奇.达斡尔族传统音乐舞蹈传承的现状探析[J].明日风尚，2019（08）：52-53.

[3]娄杨.论传统舞蹈性音乐艺术的特征[J].大连大学学报，2019（01）：122-125.

（作者简介：刘姗，女，硕士研究生，三门峡职业技术学院，讲师，研究方向：音乐舞蹈、职业教育）

（责任编辑 刘月娇）

我国舞蹈艺术研究论文范文第4篇

本文系2014年广东省普通高校青年创新人才类项目（育苗项目）“中美艺术管理专业发展模式与路径的比较研究——以广东高校为例”、2014年广东教育研究院课题“广东高校艺术管理专业的发展模式与协同创新机制研究——基于中美艺术管理专业发展的比较”（GDJY-2014-C-b008）研究成果。

摘要：艺术管理是以艺术学科为基础、以管理学科为依托的新兴交叉学科，是文化产业发展的重要组成部分。文化产业的大发展，给艺术管理专业提供了前所未有的良好机遇。目前，学术界对于艺术管理学科建设与教育教学创新的研究还处于不断摸索和实验阶段，尚未形成成熟的人才培养模式和专业发展模式。破解艺术管理专业发展的困境和难题的关键在于，要树立与经济全球化和全球文化竞争时代的文化产业发展相适应的专业发展理念，借鉴欧美大学艺术管理专业的办学经验，通过进一步明确学科定位，建立协同机制，提高人才培养质量。

关键词：艺术管理;协同创新机制;人才培养任何学科专业的产生与发展都是因应经济社会发展的需要产生并随之变化和发展的。自1966年，为适应开始蓬勃发展的电影业、音乐产业和艺术展览业的发展，第一个艺术管理专业在美国耶鲁大学开设。[1]20世纪90年代，随着我国文化体制改革和文化产业的兴起和发展，我国的一些艺术类高校开始开设艺术管理专业。据不完全统计，目前已有四十多所高校开设了此类专业，为推动我国文化产业的发展培养了从事艺术管理工作的专门人才，但其发展也遇到了许多困难。党的十八届三中全会明确提出了“推动政府部门由办文化向管文化转变、建立健全现代文化市场体系”的要求，这一重大转变急需大量的文化管理和艺术管理专业人才，也对现有的艺术管理专业的发展模式提出了重大挑战。

一、文化体制机制创新呼唤艺术管理专业人才培养模式改革艺术管理是以艺术学科为基础、以管理学科为依托的新兴交叉学科，是文化产业发展的重要组成部分。文化产业包括传媒、广告、文化创意、文化旅游、文化会展、动漫游戏、影视、音乐、舞蹈、戏剧、视觉艺术、艺术设计等产业领域。其中影视、音乐、舞蹈、戏剧、视觉艺术、艺术设计等艺术文化产业领域都离不开艺术管理的专业人才。随着近年来我国文化体制机制改革力度的不断加强和文化产业的快速发展，我国的艺术管理专业迎来了良好的机遇和外部发展环境。2013年11月召开的党的十八届三中全会通过的《中共中央关于全面深化改革若干重大问题的决定》指出，要完善文化管理体制，建立健全现代文化市场体系，构建现代公共文化服务体系，提高文化开放水平，并提出一系列的改革举措。2014年8月下发的《文化部 财政部关于推动特色文化产业发展的指导意见》（文产发〔2014〕28号）提出“到2020年，基本建立特色鲜明、重点突出、布局合理、链条完整、效益显著的特色文化产业发展格局，形成若干在全国有重要影响力的特色文化产业带，建设一批典型带动作用明显的特色文化产业示范区和示范乡镇，培育一大批充满活力的各类特色文化市场主体，形成一批具有核心竞争力的特色文化企业、产品和品牌”[2]，并提出以培养高技能人才和高端文化创意、经营管理人才为重点，加大对特色文化产业人才的培养和扶持。可以预见我国的文化产业发展迎来了新的春天，同时也对包括艺术管理在内的文化产业人才提出新的要求。

第一，政府部门由办文化向管文化的转变，要求艺术管理专业改变重艺术素养轻管理技能思维定势，创新重管理兼艺术的培养模式。传统的政府对文化的管理方式是办管合一的体制，沿袭的是计划经济时代的管理方式，文化产业的改制并不彻底，在这一模式下艺术文化团体往往专注于艺术领域、机械按照政府的政策运行即可。政府由办文化向管文化的转变，意味着政府将减少拥有所有权的直接投资，更多的是以少量的资金奖励或项目资助的方式鼓励社会资金的投入，更加注重以政策推动行业发展。特别是随着政府审批制度的改革，文化产业有更多的自主权和积极性。这一转变，对政府对文化产业的宏观管理水平提出新的要求，也对文化产业自身的经营管理水平提出更高的要求。对于艺术文化产业来说，具有一定艺术素养、熟练掌握艺术文化产业经营管理的专门人才将成为迫切需要。我国目前的艺术管理专业多起步于艺术院校，依托的是相关艺术专业，其培养模式基本上采用的是“艺术专业课程+若干简单的管理课程”的课程体系，实质上是重艺术素养轻管理技能的思维，已不能满足文化产业体制机制创新的需要。由于艺术文化产业的特殊性，管理者必须具备一定的艺术素养，但不能由此颠倒了艺术素养培养和管理技能培养的主次关系。只有重管理兼艺术的培养模式，才可能适应新形势下艺术文化产业的发展需要。

第二，建立健全现代文化市场体系，要求艺术管理专业改变固步艺术圈子、习惯于上级行政管理的思维定势，强化市场知识和营销技能的培养。十八届三中全会提出，要建立健全现代文化市场体系，完善文化市场准入和退出机制，鼓励各类市场主体公平竞争、优胜劣汰，促进文化资源在全国范围内流动。[3]市场将在文化资源配置和文化产业发展中起基础性和决定性作用。对于艺术产业来说，所有的艺术团体不再是传统的事业单位，而是参与公平竞争的市场主体。阳春白雪的艺术产品成为了市场产品，市场的需要和艺术产品的推广与营销水平成为了艺术产业市场主体生存发展的决定性因素。因此，具有市场知识和营销技能的人才，才是高度市场化环境中的合格的艺术管理人才。

第三，推动文化产业社会化、多元化和国际化，要求艺术管理专业改变校园封闭的培养模式，树立开放办学和协同育人意识。十八届三中全会提出了文化产业多元化的发展战略，明确要求鼓励非公有制文化企业发展，继续推进国有经营性文化单位转企改制，加快公司制、股份制改造，推动文化企业跨地区、跨行业、跨所有制兼并重组;降低社会资本进入门槛，允许以控股形式参与国有影视制作机构、文艺院团改制经营;支持各种形式小微文化企业发展;引入竞争机制，推动公共文化服务社会化发展。同时，明确提出扩大对外文化交流，加强国际传播能力和对外话语体系建设，推动中华文化走向世界，培育外向型文化企业，支持文化企业到境外开拓市场。[4]在文化产业日益社会化、多元化和国际化的背景下，高校闭门培养的艺术管理人才，注定不能适应技术、信息和市场的变化，从而无法适应艺术文化产业的需要。因此必须树立开放意识，注重与政府、艺术产业、其他社会机构和国际知名高校合作，构建协同育人的机制，强化学生的跨行业视野、市场视野、多元化视野和全球视野的培养。

二、我国艺术管理专业发展的困境

文化产业的大发展，给艺术管理专业提供了前所未有的良好机遇。但令人尴尬的是，在我国，艺术管理专业发展还很不成熟而且面临着不少问题，因此也引起了相关部门和专业学会的重视。2005年6月9日“中国艺术管理教育工作研讨会”在中央美术学院举办，2005年12月13日“社会主义市场经济条件下艺术管理与经营研究”科研课题研讨会在中国戏曲学院召开，2006年10月“全国音乐院校首届艺术管理学科建设研讨会在天津音乐学院举行，自2006年起“中国艺术管理教育年会”在中央美术学院举办了八届，这些年会力图推进艺术管理专业研究与实践的发展。但是学术界对于艺术管理学科建设（学科定位、培养模式、师资生源等）与教育教学创新（理论与实践教学、课程建设、就业口径等）的研究还处于不断摸索和实验阶段，尚未形成成熟的人才培养模式和专业发展模式。其面临的主要问题是：

第一，学科定位不清晰，学科发展较慢。作为艺术学与管理学的交叉学科，艺术管理的学科定位长期处于争论中，到目前为止尚无明确的边界。除少数学者把艺术管理归为人文学科或艺术学科，大部分的学者还是把它归之为管理学科。国内较早从事艺术管理研究的孙仪先认为：“艺术管理可分为艺术经济管理和艺术行政管理两大类，都属于研究社会精神文化的管理学范畴。”[5]但有人对之提出质疑，认为把艺术管理分为艺术行政管理和艺术产业管理更加合适。还有人认为，艺术管理应属于公共管理学范畴。“将艺术管理的学科定位于对非营利性艺术组织及艺术活动的研究，这不仅仅是一个工作划分，还关涉到对‘艺术管理’的理解。在艺术管理活动中，艺术和管理的关系总是以艺术为先。艺术管理的目标是要把艺术送达到更多的人面前，而不是把‘商品卖出去’。”[6]也有人认为，艺术管理不存在学科属性。他们认为“艺术管理专业”是为培养专门职业人才的一种教育形式，并不存在严格意义上的学科属性，它既有人文色彩，也具有社会学色彩。[7]众说纷纭的学科属性争论，使学科定位产生不确定性，自然造成了艺术管理学科发展缓慢和教育实践的盲目性。2013年的教育部高等学校研究生专业目录和2014年教育部高等学校本科专业目录均无艺术管理专业的一席之地。

艺术管理是在艺术学和管理学成果基础上，以艺术学为基础，以管理学为依托形成的一门理论和应用相结合的新兴交叉学科，其基本的学科特点是：新兴性、交叉性、综合性。笔者认为，如果简单地把它定位为某一学科，是不准确的。学科的分化和发展，是学科自身发展和社会实践发展的需要决定的。从艺术管理的实践来看，其涵盖面非常丰富，其中政府对艺术类文化组织和艺术文化产业的宏观行政管理，应属于公共管理范畴，部分作为非赢利性组织的艺术团体和组织机构也存在管理行为，应属于公共事业管理范畴，而作为文化产业市场主体的艺术产业组织的经营管理应属于工商管理范畴。艺术管理横跨了艺术学、管理学中的公共管理学、工商管理学，但又不能归为其中的某个学科。因此，应在管理学门类下，设立与工商管理、公共管理一级学科并行的文化管理一级学科，而艺术管理作为其中的二级学科，下设艺术事业管理和艺术产业管理专业。

第二，规模扩张快速，专业标准凌乱。因高校规模扩张，更因近年来中国文化艺术与创意产业的快速发展，市场对有一定艺术经营能力和管理经验人才的需求也日显急迫，艺术管理专业规模扩张迅速。据不完全统计，目前我国已有40余所院校设立了艺术管理方向的本科专业，有近400所院校创办了文化艺术管理、文化产业管理、艺术传播管理等院系或专业。其中仅广东省就有5所学校（三所本科、2所高职）开设了（文化）艺术管理专业。分析这些专业依托的院校与学科的机构，其大部分依托于音乐类、美术类、戏剧类院校的相关艺术专业，甚至作为某一艺术类专业的括号内的专业方向（例如音乐学（艺术管理）、艺术设计（艺术管理）等，也有部分综合性大学在公共事业管理专业开设了艺术管理方向。

艺术管理专业的学科定位模糊，自然形成了专业标准的混乱。教育部2013年颁布的《关于提高高等教育质量的若干意见》明确提出，要建立专业的国家标准、行业标准和学校标准，其中国家标准是基础、行业标准是行业规范、学校标准是在前两者基础上的学校学科特色。遗憾的是，由于没有明确的学科定位，艺术管理专业的国家标准和行业标准至今仍缺失，因此各个不同的院校的艺术管理专业的依托的专业五花八门，其培养方案“八仙过海、各显神通”。美国国际艺术管理教育者协会（AAAE）前任主席、哥伦比亚大学教授琼·杰夫瑞认为：“艺术管理涉及到的学科门类非常多，但不管涉及到多少门类，最核心的东西是应该统一的，比如要有核心课程，从事艺术管理的教师在学科发展的大方向上要有一定共识，对于这个领域的总体理念要一致……然后才能由大及小。”[8]不明确的专业定位和凌乱的专业标准，自然影响人才培养质量，更谈不上与文化产业发展的有效对接。

第三，师资力量单薄，缺乏有效协同机制。拥有一支数量充足、有一定国际视野和行业知识、有较高学术水平的专业化师资队伍是保障人才培养质量的关键性因素。然而，由于艺术管理多依托于艺术类专业，其课程体系往往采用的是“艺术类课程+一般管理学课程”的拼盘式设置，其师资来源大多是原来艺术类专业的教师或从艺术类专业转行的教师，加之外聘若干管理学学科的教师。特别是没有艺术管理专业的学科定位，国内尚无专门的艺术管理专业的博士和硕士的培养点，因此专业化的艺术管理专业奇缺。以广东省为例，目前开办的艺术管理专业的5所高校的专门承担艺术管理专业课程教学任务的教师合计不超过15人。艺术管理专业是对实践性、创新性、技能性有较高特殊要求的应用型专业，要求学生不仅有较高的艺术管理的理论素养，而且必须熟悉产业发展前沿、有较强的艺术管理实践能力和创新意识，而高校闭门办学能难培养出此类人才，因此必须建立艺术学与管理学学科之间、学校与行业之间、学校与艺术文化产业之间的协同育人机制。协同机制的缺失，也就造成了目前的艺术管理专业的培养方式很难适应艺术文化事业和艺术文化产业的发展需要，更是无法适应文化产业体制机制改革的需要。

三、突破我国艺术管理专业发展的困境的基本路径破解艺术管理专业发展的困境和难题的关键在于，要树立与经济全球化和全球文化竞争时代的文化产业发展相适应的专业发展理念，借鉴欧美大学艺术管理专业的办学经验，通过进一步明确学科定位，建立协同机制，提高人才培养质量。

第一，借鉴欧美大学艺术管理专业的办学经验，确立与艺术文化产业发展相适应的新理念。艺术管理专业发端于美国，现今有Indiana University-Bloomington（印地安那大学）、Carnegie Mellon University（卡内基梅陇大学）、Columbia University（哥伦比亚大学）等数十所大学开设了相关的专业，覆盖从本科到研究生博士阶段。尽管其设在不同的学院下，专业的侧重点也不尽相同（主要是设在教育学院、公共管理学院、艺术学院，极少数的设在商学院），但由于注重适应市场、学科协同和有效交叉，其整体综合实力较强。20世纪60年代后期以来，美国为首的西方艺术领域发生了艺术发展的重心从艺术创作与文化生产转移到文化艺术消费方面根本性的变化。[9]因此不论是公共的非赢利性艺术机构，还是私人的赢利性艺术机构，适应多元化的市场尤显关键。美国各高校的艺术管理专业都把目光跳出艺术学科领域，加快了艺术学科和管理学科的融合，新开辟了以管理学为基础以艺术学为依托的艺术管理学科的新的独立学科领域，增强了艺术管理专业的学科协同性、交叉性、综合性和市场的适应性，建立了艺术管理专业与市场和社会的对接机制。英法等欧洲国家的艺术管理专业也走了相似之路，唯一与美国不同的是，由于英法等国家的部分艺术组织与机构是政府出资的公益性组织，他们在课程设置上增加了公共事业管理部分课程，深化艺术学科与公共事业管理课程的融合力度。与欧美高校相比，我国高校的艺术管理专业无论是从专业开设、人才培养体系还是专业建设等环节，都不注重专业与市场和社会需要的适应性，因此必须摈弃校园和学术自我封闭的艺术，树立面向市场、面向社会、面向全球的开放办学理念。

设立艺术管理教育者协会（AAAE： Association of Arts Administration Educators）是美国艺术管理学专业和学科建设的显著特征。该协会对美国的艺术管理学专业起到了良好的导向作用，值得我国借鉴。AAAE虽然并未对艺术管理专业设置决定性的认证门槛，却设定了艺术管理学研究生和本科生的教育标准。AAAE还汇聚了来自各所学校的艺术管理学精英，向其推广这些教育标准，促使其艺术管理学专业教育不断走向标准化、专业化和国际化。[10]

另外，AAAE还设置了严格的会员准入制，即：（1）具有指定的教育管理者;（2）授予过艺术管理学学士或研究生学位;（3）具有明确并公开的艺术管理学专业课程;（4）至少在三年内有过授予学位的记录。2004年美国的46所设置有艺术管理学专业的学校中有40所为AAAE会员。到2012年，美国有82所学校开设了艺术管理学专业，其中56所为AAAE会员。可见AAAE对设置有艺术管理学专业的学校影响日益加深，促进了艺术管理学的专业建设和学科发展。

我国可根据经济发展的特殊性和艺术管理学科的交叉融合性，结合我国文化产业的发展需求实际，构建符合我国特色的艺术管理教育者协会，对艺术管理学的专业建设和学科发展进行适当的监督、引导和管理。

第二，明确学科定位，构建“多学科协同、校际协同、校企协同、国际协同、高校与行业协会协同”的协同创新机制。

鉴于学界凌乱的艺术管理学的学科界定，有必要确立其理论框架，明确学科定位。艺术管理学的研究范围可从学科层面、历史层面、组织管理的宏观和微观层面加以探讨。艺术管理学的核心内容包括：（1）艺术行政管理与艺术行业管理;（2）艺术企业管理与艺术团队管理。前者聚焦于管理过程及程序，可译为“Arts management”;后者侧重于公权力的决策，可译为“Arts administration”。学科和历史层面的知识是构成艺术管理学的必要支撑，具体见图1。图1艺术管理学的理论框架[11]

要明确艺术管理学的学科定位，首先须克服把艺术管理当做艺术类专业的衍生专业的思维，真正把艺术管理作为新的管理学科来设置。丹恩·马汀在《艺术管理这一行》的推荐序中写道： “今天，第一流的管理者不但要懂得让表演搬上舞台或是让展览能够顺利进行的各项事宜，他们还得了解管理程序的内部各项理论与实务、外部的环境挑战、组织文化对运营的效应、不断变动的挑战，以及策略性抉择的契机与现实（ 还有不作抉择所可能产生的后果） 。”[12]由此可见艺术管理作为管理学的学科属性的重要性。其次，为克服目前的“学科资源稀薄、课程标准凌乱、教学团队水平低、校企脱节”等问题，探究构建“多学科协同、校际协同、校企协同、国际协同、高校与行业协会协同”的协同创新机制，汇集多方资源，创新多层次艺术管理人才培养体系。作为新兴的学科专业，单个学校的力量是极其单薄的，要主动满足文化产业发展需求，与行业学会协同编制艺术管理专业人才培养标准;构建学科交叉协同、校际协同、校企协同的艺术管理专业教学团队，搭建专业实践平台，推动艺术管理专业在招生选拔、培养模式、评价机制、资源配置、国际合作等方面的改革，从而为我国的文化产业的体制机制改革和文化产业的发展提供智力和人才的支持。

参考文献：

[1][加]弗朗索瓦·科尔伯特，著.文化产业：营销与管理[M].高福进，等译.上海人民出版社，2002年，译序.

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[3][4]中共中央关于全面深化改革若干重大问题的决定.人民出版社，2013：54.

[5]孙仪先.关于艺术经济学研究重点与框架的思考[J].装饰，2002（2）：11.

[6]周立.对艺术管理学科建设的思考[J].教育评论，2011（1）：104.

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[9]商尔刚.浅析艺术管理学及其在我国的学科建设[J].艺术评论，2007（5）：58.

[10]Varela Ximena.Core Consensus，Strategic Variations：Mapping Arts Management Graduate Education in the United States， The journal of arts management， law， and society，43： 7-87，2013.

[11]李精明.艺术管理学基本问题研究[D].中南大学硕士研究生论文，2012.

[12]Association of Arts Administration Educators.2011.Accessed March 15，2011.http：//www.artsadministration.org.

我国舞蹈艺术研究论文范文第5篇

摘要：舞蹈是人类通过自身的肢体语言来表达日常生活以及内心情感活动的艺术表现形式。人们根据舞蹈自身特有的节奏韵律和语言表达方式来表现内心的情感世界，并以此来感受美、发现美、创造美以及展现美。懂得如何去鉴赏，才能真正进入舞蹈美丽的情感世界，进而感受到舞蹈艺术的美。随着国家对高校大学生素质教育的重视，舞蹈艺术教育在高校教育中起到越来越重要的作用，本文将从高校舞蹈艺术鉴赏出发，探讨其对高校舞蹈教育的重要意义。

关键词：舞蹈鉴赏；高校；舞蹈艺术教育；意义

艺术欣赏是一种对审美意识的接受形式，任何一门艺术形式的创作若没有被大众接受或认可，那么艺术作品也将会失去其存在的价值，舞蹈作为一种与人们生活息息相关的艺术也需要被人欣赏和认可。按照现代艺术审美的观点，艺术品创作发展的动力在于其被大众接受或认可的程度，一件艺术作品被大众鉴赏和接受的过程也是艺术家包括欣赏者在内对作品的再创造过程，无论是艺术家还是欣赏者他们都直接或间接的参与了艺术品的创作，因为从一定意义上来说，没有欣赏便没有创作，只有在欣赏过程中才能实现艺术创作本身所体现出的价值。同样的，对于舞蹈艺术鉴赏而言，欣赏者只有具备了相应的欣赏能力，才能更好地体会舞蹈艺术的魅力。舞蹈艺术鉴赏教育作为高校的一门艺术课程应受到社会的广泛关注和重视，提高大学生对舞蹈鉴赏的能力可以更好地实现舞蹈艺术的现实价值，这对高校学生综合素质的提高也有很大帮助。

高校开展舞蹈艺术教育是素质教育及社会发展的必然需求，也是高校学生接受艺术熏陶的有效途径。它指导着舞蹈艺术教育大胆的朝着正规化、科学化、系统化的道路发展，进而不断地进步和成熟。其中，舞蹈艺术鉴赏教育已受到全社会的普遍关注，舞蹈艺术鉴赏经过不断地发展，其已不再是各高校形同虚设、可有可无的课程，它将会为祖国培养更多优秀的、高素质的全面发展型人才。

我国素质教育的现状及舞蹈艺术教育的发展状况

素质教育是我国教育现阶段的主要发展方向，其中艺术教育是素质教育的一个重要组成部分，而舞蹈艺术教育又是促进我国艺术教育发展的重要教学形式之一。素质教育是人们利用自身遗传与其所处环境产生的积极影响，调动学生认识与实践的主观能动性，促使学生生理与心理、智力与体力、情感与意向等因素全面和谐地发展，促使人类文明向个体身心素质的影响深化，从而为学生今后人生规划道路打下扎实的基础。新世纪高校人才培养计划的方向应是全面培养多方位复合发展型人才，且具备较为完善的人格，这是新时代发展赋予教育的使命，而舞蹈艺术教育则是达到这种目的的良好载体。自步入新世纪以来，科技、经济、社会的快速变革给我国现阶段教育的发展带来了新的挑战，这就要求高等教育必须作出新的人才培养模式，注重培养一专多能的高素质人才。素质教育作为一种全新的教育理念为现阶段教育教学模式提供了更为宽阔的发展空间，为高校教学提供了更为先进的思想观念。没有艺术教育就不是完整的素质教育，舞蹈艺术教育是艺术教育中不可缺少的组成部分，舞蹈是人们通过肢体的律动，为表达心中的思想感情，反映社会形态，经过提炼、组织和美化为主要表现手段的一门艺术形式。它起源于劳动，又与文学、音乐、美术相伴而生，是人类历史上最早产生的艺术形式之一，其以动作的姿态、音乐的节奏和人的肢体动作语言来展示其独特的魅力。

目前，全国许多高校都不同程度地开设了舞蹈鉴赏选修课程，这些课程设置对于陶冶学生情操、开发学生的想象力和创造力发挥着重要作用，受到了同学们的一致青睐。虽然大多数院校将舞蹈鉴赏列入到选修课范畴中，但由于学生进行艺术教育是一个循序渐进的过程，不分情况地要求学生选择多门艺术类课程进行教学只能是蜻蜓点水式的教学，效果反而不尽人意。这说明了高校对舞蹈鉴赏课还不够重视，客观上也使学生在心理上存在这类课形同虚设的想法，很多高校都普遍存在这样的现象，学校的舞蹈鉴赏课往往一开始听课的学生特别多，到后来越来越少，即便是去的也是为了应付老师点名。归根结底，还是因为学生对于舞蹈鉴赏课程安排或教学方法上存在偏见，因此，改善舞蹈鉴赏课程教学模式，激发学生的学习兴趣，这是解决课程教学困境的重要途径。

高校开展舞蹈艺术教育的方式方法

创作出美的作品是舞蹈和其他艺术形式所具有的共同目的，通过自身艺术价值来展示自然与社会，以及表达人们对生活的感受与理解，抒发情怀、愉悦身心。舞蹈的表现形式是通过人的肢体动作表达各种内心情感，它是一种特殊的技与艺巧妙结合的表现手段，抒发人们的内心情感是艺术赋予舞蹈的本质属性，节奏性和造型性是构成舞蹈艺术形式的基本要素。

知之者不如好之者，兴趣是学习的基础。要激发学生学习舞蹈鉴赏的兴趣，教师就必须从以下几个方面着手。在题材的选择上，应尽量选择一些贴近学生，使学生都乐于接受、学习的作品；在流行元素的选择上，应有选择性的介绍街舞、爵士舞和拉丁舞等符合学生欣赏品味的舞蹈元素，让学生学习一些简单的舞蹈动作，舞蹈鉴赏课程教学内容的选择在于精而不在于多，在于理解而不在于盲从；在舞蹈课程讲解上，要根据学生的喜好，从易到难循序渐进的讲解。课堂教学时间和资源毕竟是有限的，“授之以鱼不如授之以渔”，舞蹈艺术鉴赏教育要把培养学生通过自学来获取新知识的能力放在首要位置。首先，具有强烈的审美认知是舞蹈鉴赏的必要条件。舞蹈是一个民族生活习惯、传统习俗以及思想文化的体现，对其鉴赏不能够只停留在形式上，而应该通过深层挖掘它所蕴含的文化、情感来感受舞蹈艺术的美，并掌握一定的鉴赏方法；其次，要加强大学生对舞蹈律动与审美构图的掌握，提升舞蹈意境想象的能力。因此，在对舞蹈已经展开想象和联想之前，要引导大学生对舞蹈所包含的情感进行反复体验。传统模式下单纯的鉴赏已不能满足现在教学发展的需求，尽管舞蹈艺术鉴赏是理论课，但加强师生之间的互动，就能很好的提高学生的主动参与性，进而提高教学效果。有情感色彩的、规律的肢体动作是舞蹈本质体现，在讲到不同舞种的特点时，我们可以安排教一些简单手位及具有代表性的动作，把舞蹈知识与动作结合起来，让学生亲身体验舞蹈的魅力。

高校开展舞蹈艺术鉴赏教育的意义

应试教育忽视了学生对艺术鉴赏审美的学习，造成了大学生虽然专业知识过硬但情感审美方面存在欠缺的现状。而舞蹈通过对优美的人体动作、造型和表情的舞蹈鉴赏，可以净化人的心灵，提高人的思想境界，同时，舞蹈艺术中蕴含着丰富的文化内涵、人文精神和美学、哲学思想等，可弥补大学生审美方面的缺陷，丰富大学生的审美情趣，提高大学生的综合素质。

在艺术教育与社会的联系中，通过前人的观察总结与后人的具体实践，我们从中得到了这样的启示：艺术教育与社会是一种互相的联系，通过艺术作品的创作情感或背景使受教育的人对艺术产生认知。受时代背景、社会现象、生活习惯等条件的影响，艺术作品本身会产生内容形式及题材的繁衍、风格的形成以及艺术历史的发展，认识观念的多样化等现象。艺术作品是社会发展变革的产物，是社会生活间接的、曲折的反映，这种反映是通过人的情感变化所形成的，在认识艺术作品的过程中，人们的感情会受到艺术作品的启发而产生反作用于人的社会行为与社会关系。大学生群体大多都不重视对艺术审美能力的培养，只关注自身在专业知识技能方面的发展，从而对综合能力的培养不够重视，这对大学生综合素质的培养与发展都是不利的。舞蹈鉴赏能力作为艺术教育培养的一门课程，在一定程度上能提高大学生的艺术涵养与品位，促进大学生全面的发展与进步。

舞蹈教育对培养大学生健康的审美观念和审美能力、陶冶高尚的道德情操以及塑造良好体态美等方面都起到了重要作用。舞蹈教育作为艺术教育的重要组成部分，目的是为现代社会的蓬勃发展培养更加优秀的复合型人才。因此，舞蹈鉴赏应该被列为高校素质教育的重要课程，它对提高大学生的综合素质和各方面能力的培养都起着很重要的作用。舞蹈是民族的也是世界的，舞蹈的产生，传承了民族的优秀文化，促进世界艺术之间的交流。舞蹈鉴赏对民族文化的传承有着重要作用，通过对本土民间舞蹈的选择，能够激发学生学习、探索本土民间艺术文化的兴趣，发扬我国传统民族文化，形成关注民间文化的良好的文化氛围，从而促进民族舞蹈传承和发展；同时，通过鉴赏外国舞蹈，又能使学生感受到异国的风土人情，增长见识，促进世界文化的交流。当代的教育目标在于培养“德智体美劳”全面发展的人才，舞蹈艺术鉴赏教育属于美学范畴，是实施素质教育的重要部分，对社会培养文化型、创新型人才及大学生综合素质的提高具有重要意义，是社会培养具有创新精神和实践能力的高素质人才不可或缺的重要内容。

参考文献：

[1]黄明珠.中国舞蹈艺术鉴赏指南[M].上海：上海音乐出版社，2004.

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[5]吕艺生.舞蹈教育学[M].北京：中国戏剧出版社，1994年版.

| 作者单位：广东技术师范学院

编校：郭 花

我国舞蹈艺术研究论文范文第6篇

摘要：静态造型是舞蹈艺术创作中，塑造艺术形象的主要方式之一，也是舞蹈审美的基本特征之一。舞蹈是一种依靠肢体动作的变化展现艺术美感的形式，由于舞蹈更多的是动态造型，导致许多人忽视了静态造型对于舞蹈整体美感的重要影响。舞蹈艺术中静态造型的艺术美是舞蹈家根据自身理解，在舞蹈过程中某个造型的停顿、静止，形成的独特美感。静态造型不是单纯的造型摆设，而是一种富有深刻内涵的舞蹈动作，是整个舞蹈艺术造型中重要的组成部分。本文主要从舞蹈艺术中静态造型概念进行切入，探讨舞蹈艺术中静态造型的艺术美。

关键词：舞蹈艺术 静态造型 艺术美

静态造型是舞蹈艺术中不可或缺的一种表现形式，舞蹈表演通过静态造型与动态动作的结合，实现了动静结合的舞蹈表现目标，使舞蹈艺术更加富有韵律美。静态造型是舞蹈家自身对于舞蹈的理解，依靠停顿、静止来表达内心情感，展现舞蹈艺术的丰富内涵。舞蹈艺术中的静态造型，以其独特的美感，给观众眼前一亮的感觉，使整个舞蹈变得更为生动，更为灵动。静态造型是舞蹈艺术表现中情感的过度，起到了承上启下的作用。

一、舞蹈艺术中静态造型的概念

舞蹈艺术中静态造型主要是利用舞蹈家的身体作为基本素材，通过停顿、静止使舞蹈队形、路线与整体空间构图发生变化，实现深化舞蹈主题、塑造人物形象、烘托舞蹈氛围、丰富舞蹈情节的目标。

舞蹈艺术通过塑造静态造型，使舞蹈家仿佛雕塑一般具有立体感与艺术感，给观众一种耳目一新的感觉。在舞蹈艺术动态动作中穿插静态造型，可以使观众更直观的感受到舞蹈的节奏感与力量感，充分的了解舞蹈艺术中蕴含的深刻而又丰富的内涵。一般来说，舞蹈艺术的造型有多种多样，每种都具有其特殊的艺术美感，相较于其他类型的舞蹈造型，静态造型更富有创造性，以期天马行空的方式带给观众以强烈的想象空间。舞蹈艺术是一种跃动的情感，造型则是舞蹈家展现舞蹈艺术以及表达自身情感的主要形式，通过凝情于型、动静结合等方式，展现舞蹈艺术的独特美感，舞蹈家将自身情感凝聚于舞蹈的造型中，随着节奏起伏舞动，随着节奏的跌宕静止，充满韵律感的舞蹈使舞蹈艺术魅力得到独特的体现。

例如在《金山战鼓》舞蹈中，舞蹈家入场时，采用点步翻身随后转身，然后摆出一个静态造型，让观众瞬间感受到了抗倭女英雄梁红玉飒爽英姿，静态造型下的威武英伟的巾帼英雄气概，给观众一种身临其境的感觉，使舞蹈艺术以及舞蹈中蕴含的丰富情感得到了充分的体现。又如在《丝路花雨》舞蹈中，反弹琵琶是英娘的标志性动作，贯穿了整个舞蹈过程。《丝路花雨》是由多幕小型的舞蹈剧组成，每一次舞蹈剧的过渡，都会有一个极具神圣、美妙的静态造型亮相，将敦煌舞姿中特有的“S”型造型以及英娘淳朴、天真的性格表现出来。如果仅仅依靠动态的舞蹈，势必无法充分体现敦煌舞姿的独特造型，展现敦煌舞姿的神韵，也无法表现英娘的淳朴、天真性格。静止造型的亮相处理，也是根据舞蹈人物情感表达的需要来设计的，恰当运用正确的舞蹈造型动作设计，能给舞蹈作品增添更加夺目的光彩。

舞蹈艺术的主要审美特征之一就是造型性。舞蹈中恰到好处的融入静态造型，才能完美地展现人物性格，表达人物情感、人物的性格，更能完美的表达人物的思想感情。每一组成功完美的舞蹈造型，都是经过舞蹈编排人员精心的提炼和美化，使其具最生动、最鲜明的特点，而且保证其具有极强的表现力。富有典型意义与时代精神的艺术造型，往往能在瞬间捕获观众的心。比如舞蹈剧《千手观音》，就以浪漫的表现手法，将数千年静态的壁画、雕塑形象以动态的造型艺术表现，尤其在“单边手”上有着极为细腻的体现，同时也将“单边手”与“双吐蕊”形象完美的结合，给观众以强烈的冲击，最后，以“雀尾屏”结尾，使整个舞蹈剧达到了巅峰。

二、舞蹈艺术中静态造型的归纳与分类

一般来说，舞蹈艺术中静态造型有三种呈现方式：第一种是人物塑造、情感表达完成后，依靠造型的停顿、静止作为完结符号；第二种是在舞蹈剧衔接过程中，依靠静态造型作为间歇转换的标志；第三种是舞蹈剧的动作或者是着力点的转折，依靠舞蹈家突然的静态造型实现。

观众在审美方面有其独特的理念，因此，在舞蹈艺术中静态造型的设计方面需要着重考虑。由于观众的年龄层次不同、社会经历不同、个人习惯不同、知识层次不同等等，众多的差异性导致观众对于舞蹈艺术中静态造型的要求也存在一定的差异。例如，有些观众认为对称与平衡的静态造型才是最美的，有些观众却认为舞蹈家脚尖的动作才是舞蹈艺术中静态造型的神韵，还有些观众认为恬静、温和的静态造型才能符合现代人审美观念。综合考虑到观众的不同需求，在动态的舞姿中穿插独特的静态造型重要性不言而喻。

三、静态造型在舞蹈艺术中的运用

静态造型是在动态的舞蹈过程中瞬间的停顿、静止，可以是两个舞蹈剧组合之间的衔接过程，也可以使舞蹈结尾的停顿动作，一般也被称为亮相。静态造型是舞蹈动作组合过程中情感的过渡与衔接，也正因为静态造型的存在，才使得舞蹈艺术中动静结合，展现了舞蹈的独特艺术魅力。

（一）静态造型在民族舞蹈中的运用

中华民族地大物博，九百六十万平方公里的土地孕育了五十六个民族，不同的民族都有着自身传统的舞蹈形式以及极具民族特色的舞蹈造型。就拿藏族舞蹈来说，由于藏族人民生活在高原环境下，空气较为稀薄，在一般行走的过程中，都以曲背、弓腰为主，因此，藏族舞蹈的特点就是弓腰、曲背、舞袖等。藏族人民信奉的是雄鹰的图腾，所以在藏族舞蹈中，许多造型都是模仿雄鹰展翅。再如，傣族舞蹈中著名的孔雀舞，标志性动作为“三道弯”与“一边顺”，我国著名舞蹈家杨丽萍通过肢体动作将其特点发挥到了极致，更是以一舞《雀之灵》获得了全国乃至世界观众的一致好评。杨丽萍通过对手部、肩部、肘部、腿部、脚部等一系列动作的变化，演绎出孔雀开屏的造型，展现给观众一种静态造型的艺术美感。

（二）静态造型在古典舞蹈中的运用

中国古典舞蹈是中国舞蹈文化的精粹，是传统舞蹈的具象化体现，在造型方面重视“圆润、倾斜、拧结、弯曲”。前文所例举的《丝路花雨》也充分体现了中国古典舞蹈中“圆、倾、拧、曲”的特点。

一般来说，造型在不同舞种中有着截然不同的表现形式，也有其独特的艺术美感，民族舞的特色是模仿该民族极具象征性的动物并将其用舞蹈的形式展现出来，古典舞则是表现“圆、倾、拧、曲”的特点，凸显人体的线条与动作的协调，展现了独特的静态造型艺术美感。

四、结语

静态造型是舞蹈艺术中不可或缺的一种艺术表现形式，舞蹈表演通过静态造型与动态动作的结合，实现了动静结合的舞蹈表现目标，使舞蹈艺术更加富有韵律美。本文主要从舞蹈艺术中静态造型的概念进行切入，分析与探讨了静态造型在民族舞蹈以及古典舞蹈中的运用，阐述了静态造型的艺术美感。

参考文献：

[1]郭丽娟.敦煌造型艺术再生问题研究——从敦煌造型艺术到敦煌舞蹈艺术[D].兰州：西北师范大学（文史学），2008年.

[2]张彩凤.从可触摸的实体到空灵的光芒—光材料在雕塑中的应用初探[D].长春：东北师范大学（美术学），2008年.