杂技培训艺术民族文化论文范文

杂技培训艺术民族文化论文范文第1篇

一、杂技表演的艺术性分析

近年来, 杂技艺术在频繁的艺术交流与革

新中, 得到了完善和发展。很多大的杂技团队同时重视杂技综合艺术与形体训练的有机结合, 收获了反响强烈的舞台效果。如何从艺术的角度更好的表达情感, 使杂技的艺术表现力更加强烈是表演者应当探寻的问题[1]。首先, 杂技是一门综合性的艺术, 需要技巧、表演和音乐等艺术形式的共同配合, 缺一不可。杂技表演者需要从以上几个方面做艺术素养的提高。对于杂技演员来说, 需要有扎实的基本功, 同时还要去感知和把握杂技艺术中的规律, 吸取别人成功的经验以及失败的教训, 突破自己完成更具难度的动作。对于杂技表演者来说, 突破自我是一个非常艰难和痛苦的过程, 也是一个能使人在精神上逐步升华的过程。其次, 杂技表演的艺术性还表现在对于音乐的理解和运用。音乐是杂技艺术非常重要的组成部分, 为杂技的表演提供了节奏、制造了气氛, 同时还能够使观众在没看到后面节目时充满了期待的情感。搭配良好的音乐好比是杂技表演的精髓, 好的音乐搭配可以使观众心旷神怡。例如:空中飞人中婀娜多姿的少女, 在表演艺术、舞台艺术和音乐完美结合之后, 有时使观众联想到神话中的仙女、飞天, 仿佛自己身在空中自由的翱翔;有时又会使观众联想到轻盈的白天鹅, 为人们带来遐想。再次, 杂技艺术向人们展示了人的智慧和创造力带来奇迹, 使人们感到振奋的同时, 也深化人们对人类能力的认识。杂技表演者通过辛勤的劳动、持久的毅力、傲人的勇气获得了观众的掌声和赞美, 同时带给人们艺术的享受。另外, 杂技与其他艺术形式的相通之处在于, 需要充分调动观众的审美积极性, 使杂技表演者的努力受到观众的关注并与观众产生欣赏层面的共鸣。因此, 杂技表演需要创新、需要增强其艺术性、需要进行艺术性的改革。

二、杂技表演的形体审美分析

杂技艺术源于人体的美感, 是人的形体通过训练与杂技艺术形成一种艺术创新, 既反映舞蹈形体艺术, 同时也保持了杂技元素的纯洁性。从理论上来说, 形体训练可以使杂技的严谨的协调性进行完整的保留, 而出色的技巧、流畅的动作、优美的造型相结合, 就是刚与柔的完美配合, 使杂技质量得到优化和提高, 即使是古老的杂技也会散发青春和活力。首先, 杂技表演的形体之美是处于三维空间中的, 是一种三维的空间美[2]。杂技表演的形体美包含在不同角度、不同侧面的审美过程, 这就要求杂技表演者进行多角度的训练, 保证每一个观看点对于观众来说都是美的享受, 并可以产生多种变化的美的组合。那么在这一过程中, 就表现出了形体审美的特征, 其一, 是形体的力量感。形体理论指出, 一个实体处于大气压力的中心, 既体现了挤出自己生命的空间的感觉, 又将人内在生命力向外扩张的力量表现了出来。是人的身体极限与丰富性的一种彰显。其二, 则是复杂的人体“形”的组合之美。从观众的角度来说, 这种组合之美是一个整体的表达。而从表演者内部来说, 表现形式则是丰富多彩的[3]。统一与多样构成了美的组合。这两个特征只有相互和谐一致, 才能形成美的韵律, 给人以强烈的美感。其次, 形体美需要经过长期系统的训练才能达到。当下的杂技表演者应努力进行舞蹈课训练, 其中包括古典舞、芭蕾舞、现代舞等, 吸收此类舞种的艺术风格及专业素养。从实用性角度进行分析, 杂技表演者既要注重演员文化课的学习, 又要提高表演者的综合素质, 而形体训练则是表演者综合素质的重中之重。对于杂技表演者来说, 力量的训练是必不可少的, 但力量训练会使肌纤维增粗, 肌肉变得粗且块大, 从而降低了肌肉的弹性和放松能力。这对于杂技表演者来说无疑是一种负担, 无益于形体美的实现。由此可见, 形体美对于部分杂技表演者来说, 难度相当大。这就要求表演者注重科学训练, 学会有效而有力地控制、放松肌肉, 摆脱形体训练的盲目性, 逐步使肌肉听从意志的支配, 使之能够较好地在舞台上展示形体美, 以观众以美的感受。

三、杂技表演的艺术性与形体美相结合

杂技表演将其艺术性与形体美有机的结合起来, 形成有个性特色的综合性艺术, 可以说是当今杂技节目的趋势和方向, 很多大的杂技艺术团体已充分意识到了形体训练是杂技节目走向完美不容忽视的重要环节[4]。在今后的杂技表演发展过程中, 更要重视和实施严格的形体训练, 让表演者的身体发生质的改变, 形成一种自然的、延伸的美, 并通过艺术与形体的结合展示作品的情感与内涵, 体现杂技的美感, 增强节目的感染力和层次性。表演者还可以通过加强演员的柔韧性、灵活性、稳定性、平衡能力和控制能力以及手、眼、身、法、步等方面的训练, 强化表演者在舞台上的二次创作。在反复探索研究中, 不难发现舞蹈形体训练给杂技艺术的发展起到了不可估量的推动作用。形体训练对杂技在实践中的创新也起到了积极的影响作用, 反映舞蹈形体艺术的同时, 也保持了杂质元素的纯洁性。

综上所述, 杂技是综合人体骨骼、肌肉、和形体的变化, 用每个组成部分的高难度动作、技巧, 与观众进行沟通与展示的过程, 向观众展示的就是人体无限的柔韧性和生命极限的潜能性。我们要充分发挥杂技的特点, 使观众从杂技表演中体会到美感以及表演者的勇气和智慧。

摘要：杂技表演是一种综合的表演形式, 要求杂技表演者有精湛的技艺或高超的人体极限挑战能力, 以刺激和激活观众的兴奋点。杂技与舞蹈相似, 展现的是人体的艺术, 是通过人体动作来塑造艺术形象的。本文通过杂技表濱的艺术性和形体审美两方面进行分析, 进一步明确了两者的重要性

关键词：杂技,表演,艺术性,形体审美

参考文献

[1] 常淑惠.对杂技表演中平衡问题的探讨[J].济南教育学院学报, 2002 (3) :22-23.

[2] 柳海峰.杂技技术美感的再认识[J].戏剧文学, 2006 (9) :56-57.

[3] 苏兆云.浅谈杂技艺术中的“难”与“美”[J].华夏星火, 2004 (9) :89-91.

杂技培训艺术民族文化论文范文第2篇

中国的杂技艺术源远流长，存在悠久的历史。是中华民族文化艺术中独特的一门艺术，人们的生产生活使得人类人体机能产生异化与延伸，人类劳动技能得到提高和升华，中国杂技及其艺术观念的发展历史脉络和丰硕成果显而易见，。随着时代的发展，人类审美观念的变化，对杂技艺术的要求更为高，促使杂技艺术向更新领域去发展，让新一代的杂技艺术以全新的形式、风格展示在人类的面前。因此，我认为杂技艺术应该在以下几个方面进行创新：

舞台视觉为创新之本。中国杂技素来以“惊、奇、险、难”为主要特点，以独具的中华民族特色文化差异为特征，杂技的完美呈现需要多方面的结合，比如炫耀的舞台、艳丽的服装、震撼的音乐以及充满玄机的道具、杂技演员精湛的表演。而舞台视觉的设计随着杂技艺术的发展显得尤为重要，2012年春晚杂技表演——《空山竹语》，她从美学设计的角度来看可以说得上是一场视觉盛宴，带给人一种无可比拟的震撼感。而杂技艺术的美是由多方面组成的，在杂技表演中我们通常会发现演员的服装多为鲜艳的，如前进杂技团的《女子跑车》，演员服装呈现一种潇洒利落、完美造型、气势磅礴，场景由红、白、蓝、绿、黑、黄等各种色彩搭配形成，服装设计以自然为主，体现出一种自然朴实，强壮健美，拼搏进取中华民族的精神面貌，展示的中华民族团结一致、欣欣向荣的美感。由此看得出来，杂技的发展由技巧转向巧、美，即是杂技需要更加完美的视觉艺术来包装，唯有震撼的视觉设计结合充满玄机的道具、演员绚丽的服装，再加上演员精湛的表演技巧，才会呈现给人类不同的惊喜，才会让杂技艺术赢得广大百姓的追求和喜爱。

戏剧元素为创新之魂。杂技剧《西游记》在国际上获得比较高的赞誉，受到全世界人民的喜爱，这是为什么？因为《西游记》融入了剧情元素，把戏剧元素和杂技完美的结合起来，更好诠释了中国名著《西游记》。全国甚至全世界有很多的杂技团，他们有出名的也有默默无闻的，究其原因主要是：有巧没美，有巧有美但是缺乏新颖，所以存在不同级别的差异。杂技单有高难度的技巧是远远不足的，即使舞台设计、服装、道具等技术层面呈现的视觉比较完美，但杂技其本身的艺术元素不多就会出现“萧条”的情况。纵观杂技发展，杂技与戏剧、音乐剧、童话剧等有机结合起来，通过这些艺术元素对中国文化进行完美的阐述，让人产生遐想。利用扣人心弦的故事、唯美的戏剧来打动人，杂技表演变得充满灵魂，仿佛有了语言，重新以一种更加新颖的艺术形式表现出来。相信这种呈现方式会将杂技表演带向崭新的未来。

展望中国杂技艺术的未来，创新仍然是杂技艺术进步的重要指标和生存根本。杂技技巧的创新日益艰难，亟需创新，基本功缺乏科学、系统、针对性的训练，杂技理念研究不透彻，处于间歇的状态。杂技艺术从形式方面上看，其本身就是一门追求极致完美的艺术，她推崇原创，展示精美，追求独特，每一次创新都是质的飞越、“灵魂”的升华。只有用最优秀的作品、最先进的思想去鼓舞、引领和凝聚人，杂技艺术的生命才会得到延续和兴旺。

杂技培训艺术民族文化论文范文第3篇

摘    要：中国戏曲作为承载着东方传统文化精髓的艺术瑰宝，它对民族声乐的发展起到不可替代的作用。在当今高校民族声乐教学中，对戏曲文化的传承与创新既是响应党和国家相关政策的号召，也是民族声乐自身发展的需要。文章从戏曲文化融入高校民族声乐教学的必要性着眼，阐述戏曲对民族声乐演唱的影响，并提出戏曲文化融入高校民族声乐教学的路径。

关键词：高校;民族声乐;戏曲文化;路径

随着党的十八届三中、四中、五中全会的召开，习近平总书记在文艺工作座谈会上讲话的发表以及《中共中央关于繁荣发展社会主义文艺的意见》的出台，特别是党的十九大以来，繁荣发展社会主义文艺，构建中华优秀传统文化传承体系，推进和完善中国特色社会主义艺术科学体系建设成为了目前重要任务[1]。中国戏曲作为承载着东方传统文化精髓的艺术瑰宝，它对民族声乐的发展起到了不可替代的作用，所以在高校民族声乐教学中对于戏曲文化的融入需要得到我们的重视。

一、戏曲文化融入高校民族声乐教学的必要性

纵观我国民族歌剧创作，从《白毛女》到《小二黑结婚》《江姐》《野火春风斗古城》等一系列经典剧目，作曲家们常运用戏曲手法融进这些剧目唱段的创作，以便更好地帮助演唱者塑造形象和抒发情感，也对剧情的发展和戏剧的冲突产生了一定作用;而不论是处在民族声乐教学一线的教师、学生，还是大街小巷的寻常百姓，他们都能或多或少、或深或浅地感受到一些出现在荧幕前的民族声乐歌唱家们的戏曲功底，而这些民族声乐歌唱家们的戏曲演唱常常能吸引到许多人的欣赏。事实证明，很多歌唱家扎实的技术功底和全面的艺术素养得益于前期戏曲学习的经历，比如德艺双馨的郭兰英从六岁就开始学唱山西中路梆子、河北梆子、京剧等，并向其他剧种演员进行学习与交流;经常出现在荧幕上的李谷一曾在湖南花鼓戏剧院当过十几年的演员，她的一招一式都拥有着戏曲的色彩;而雷佳也曾在湖南艺术学校的花鼓戏专业学习，这为她后来的民族声乐学习打下了良好的基础。

目前国内很多开设民族声乐专业的高校都会在本科或者研究生招生考试中要求考生演唱戏曲选段，而在当今高校的民族声乐教学中，教师会出于教学培养的需要给学生布置戏曲剧目中的唱段，教师也会建议学生演唱一些具有戏曲元素的创作歌曲，如《醉了千古爱》《千古绝唱》《贵妃醉酒》等等。一些高校民族声乐教学对于戏曲文化的传承仅仅是开设以京剧为主的戏曲类课程，缺乏对学生如沪剧、豫剧、黄梅戏等其他剧种的知识传授。所以学校里的学生由于缺乏对传统戏曲声腔艺术和板式变化特点的了解，他们在演唱这类富有戏曲元素的创作歌曲与歌剧选段时，尽管在演唱控制、高音发声以及音色把握等方面做的不错，但行腔走句、板式转换或润腔吐字等往往力不从心，不知道如何更好地演唱出其中的意蕴，导致作品的整体演绎缺少风格和韵味，很难真正地打动人心。所以，在高校民族声乐教学中，关于戏曲文化的真正融入是十分必要的。

二、戏曲对于民族声乐演唱的影响

民族声乐与戏曲唱腔是血肉相连、一脉相承的，在演唱的方法、技巧以及风格等方面，戏曲对民族声乐演唱产生了十分广泛的艺术影响。在当今的民族声乐教学中，我们有必要从戏曲的演唱与表演中汲取精华为我所用。

（一）气息运用

在民族声乐教学中，气息历来受到教学者和学习者的高度重视，而古人之言“善歌者必先调其气”更是说明了气息对于歌者演唱的首要作用。戏曲演员在演唱的时候更加讲究丹田之气，当丹田气沉后演唱的声音才会显得更加沉稳有力。戏曲演员常常运用嗽音、顿音、颤音等气息使用来转换润腔，以便更好的演唱具有地域特色风格的作品。戏曲演唱与民族声乐在气息运用方面有许多相似之处，所以在平时地民族声乐教学中，教师应有针对性地给学生布置戏曲风味浓厚的歌曲或唱段，鼓励学生学习戏曲演员传统练气的好习惯。

（二）咬字行腔

吐字、咬字的技法以及它们在歌唱中的地位常常在我国古代的戏曲唱论书籍中能发现，歌唱的音韵之美往往体现在字上，而从古到今的音乐家们通过长期的艺术实践与交流，逐步得出了“依字行腔”的演唱要求和“字正腔圆” 的审美准则，比如在《曲律》这本书中，明代昆腔大师魏良辅就精辟地归纳出“字清”“腔纯”“板正”的审美观念[2]。中国戏曲的演唱发声给人以清润、腔圆、字正等感觉，而在平时的教学活动中，我们有时会听到一些民族声乐学生如在演唱《在银色的月光下》这首歌时，将“飞呀飞呀我的马”中“飞”字唱成“fai”、在演唱《送友人》这首歌时将“白水绕东城中“水”字唱成“shuai”音等，这样的咬字和发声使人听起来感觉歌者喉头位置偏高且处于紧张状态、声音音色偏暗淡且缺乏统一感。而戏曲演唱中的高位置念白技巧也许能解决或改善这一现象，而高位置念白的训练方法对于民族声乐演唱学习者咬字不到位、吐字不清楚或者声音听起来偏后等一系列问题的改善与解决有着十分积极的意义。在高校民族声乐教学课堂上，许多教师可能会强调“用说的感觉来唱”或“像说话一样去唱歌”这类话，所以高校民族声乐教学中如若将戏曲表演中的咬字、吐字技巧灵活引进课堂，会促使民族声乐教学收到事半功倍的效果。

（三） 舞台表演

“神无形则不显，形无神则僵死”，想要避免学生在舞台上演唱时姿态别扭或表情呆板木讷，教师在教学活动中可以引进戏曲舞台表演的训练，促使学生的演唱与表演富有生命力。众所周知，戏曲表演讲究“四功（唱、念、做、打）五法（手、眼、身、法、步）”，所以演员在舞台上，不仅能将自如的身段、符合剧情的手势、传神的眼神以及丰富的表情融入表演，还结合了如音乐、舞蹈、杂技等姊妹艺术[3]，使得观众叹服戏曲演员表演时是潇洒、灵动且具有美感。笔者常常思索：挺拔且不僵硬的身姿、舒展且不失力度的身体、潇洒大气的动作和恰如其分的表情是自己比較喜欢的歌者舞台状态，因为这样的状态比较自然。在当今高校民族声乐教学中，教师可将戏曲舞台表演技巧（“四功五法”等）灵活地融入课堂中，努力帮助学生提高表演意识;教师也可通过录制学生演唱视频等形式，进行前后对比分析和具有针对性的指导，进而帮助学生更好地在舞台上生动传神地演唱。

三、戏曲文化融入高校民族声乐教学的路径

发展至今，高校民族声乐教学中对于戏曲文化融入教学急需改革，如果仅限于传统的师徒传承或者讲座讲授，已经跟不上时代发展的步伐。

（一）树立全新教学观念，弘扬民族优秀文化

“如果把祖先崇拜演化成现代人对祖先的刻板模仿，传承的戏曲艺术就只是文化的外壳，而非灵魂”[4]。目前一些高校在声乐教学中对于戏曲文化的研究还仅停留在戏曲理论的梳理和戏曲作品的学唱上，新的传承发展戏曲艺术的方式需要我们师生不断探索。传统是在人民的不断创造与实践中才逐渐形成的，而当今时代要求我们传承戏曲文化不只是简单的继承，而是应在前人的基础上不断地革新和创造。我们在民族声乐教学中应重新审视戏曲文化与民族声乐之间的关系，把戏曲文化教育与繁荣民族声乐及弘扬民族文化联系起来，这样才能更好地将中华戏曲文化传承与发展下去。

在当今的高校民族声乐教学中，要树立全新的教学观念，一方面在现今民族声乐教学中积极灵活地融进戏曲文化，另一方面将教学中戏曲文化的融入与弘扬民族文化结合起来，既加强与各专业院校、院团的交流，也努力挖掘高校所在地的戏曲文化资源，整合高校和学科现有优势，这对适应新时代的高校民族声乐教学有着十分现实的意义[5]。深入研究戏曲历史，细致挖掘身边戏曲文化资源，积极融入戏曲文化于高校民族声乐课堂，努力打造弘扬民族文化、符合时代要求、满足观众需求的高质量艺术产品，不仅可以较好地传承戏曲精髓，更是未来民族声乐教学的发展趋向。

（二）编写戏曲唱段教材，聘请专业戏曲师资

民族声乐教材中关于戏曲方面的内容亟需编写，它直接影响到传统戏曲在高校民族声乐教学中的推广与创新。一些高校的民族声乐教学中基本不会涉及戏曲选段的教学，或仅仅是将戏曲选段作为教学中的点缀，在这种情况下，很难将戏曲传承下去，更谈不上培养学生主动学习和传承戏曲的意识。而在编写这一方面教材时，应多将朗朗上口意义深远的戏曲选段编写进去，不拘泥于独唱选段一种样式，还应多选择或者改编重唱、对唱、小组唱等选段，因为开设民族声乐专业的高校并非是专业的戏曲院校和院团，所以在教学内容方面应选用多种类型的戏曲唱段或含有戏曲音乐创作元素的优秀民族声乐作品，这样既能激发学生的学习热情与积极度，也能增強教学实施的可行度。

而在高校关于戏曲教学师资现状方面，传统戏曲教师是十分缺乏的。目前很多高校内教授学生戏曲方面知识的大多为专业主课教师，而声乐专业的教师毕竟大多是声乐专业毕业，缺乏一定的戏曲理论知识和戏曲表演实践，他们未必能真正意识到关于民族声乐教学中戏曲文化融入的实际需要。所以，高校与相关专业应聘请专业的戏曲师资，通过共同课、讲座、课题研究、走进专业主科课堂等多种方式，学生和教师共同系统学习戏曲演唱的理论知识与艺术处理，深入了解戏曲演唱与民族声乐演唱的关联与异同，从演唱、表演、形体、理论等方面较全面地对戏曲文化进行传承。

（三）拓宽戏曲表演形式，加强校际之间合作

在高校的音乐或艺术学院里，对于戏曲文化的传承不应只是民族声乐专业师生应该做的，每个专业每个师生都应献出自己的一份力：音乐学专业的师生可以积极梳理戏曲历史与整合戏曲文化资源;作曲专业的师生可以在创作新作品时从戏曲音乐中汲取素材，对于经典悦耳的传统戏曲音乐进行改编，为其注入青春活力和时代特色;中国乐器、西洋乐器专业的师生可以积极探索关于戏曲音乐的伴奏方式，努力为戏曲文化的传播贡献出自己的一份力。

在教学成果汇报时，每个专业的师生可以协同创新，不仅是钢琴伴奏，还可以尝试民乐队伴奏甚至是电子音乐伴奏。为了在舞台上呈现更真实、更贴切的人物形象，学生们表演唱段时应扮上相对应的戏妆、服装和道具。如果在汇报时能穿插简洁的戏曲文化讲解，并在演员后方设立大屏幕放映相应的主题视频或贴切的新潮动漫等，通过音画结合等形式，更能增强学生演唱时的艺术感染力。

最重要的是我们不仅可将好的作品与演出在兄弟院校间交流，也可以将这些好的演出或作品推往其他类型的高校，这样不仅能给予民族声乐专业学生艺术实践机会，也能提升非艺术专业师生的艺术修养，更能从他们的反馈中总结我们民族声乐教学的不足之处，促使我们不断创新出不负于国家与人民的艺术精品。

（四） 创新教育教学模式，适应时代发展潮流

当今时代是“互联网+”“人工智能+”的时代，这是我们不可回避的话题。戏曲文化在高校民族声乐教学传承中，在线教育或者慕课教育显得格外符合时代潮流，互联网对当今高校民族声乐教学戏曲文化传承有着不能替代的优势。

随着时代发展，国内许多地方的传统戏曲艺人普遍走向老年化，而因为经费匮乏和人才断层等种种原因，专业戏曲院团的发展也进入了瓶颈。另外一些90后、00后学生因一些社会上的错误思想引导而不能正确看待戏曲，他们中的一些人会觉得戏曲很“土”，高校民族声乐学生难以很快地接触并爱上戏曲文化。当今世界，互联网是传播最快、最便捷、最广的新媒体，它也催生了手机软件APP如微信公众号文章、网络慕课、抖音、快手等，这可以拉近戏曲与学生们的距离，让学生们随时随地感受到戏曲文化的魅力。

借助互联网，高校教师可将优秀的戏曲作品便捷地展现在学生眼前，及时地对学生进行专业指导;而高校学生也可以通过互联网这一平台，便捷地与专业教师和社会上专业的戏曲教师进行交流、学习、切磋与互动。难能可贵的是互联网也为学习戏曲的民族声乐专业学生或教师们提供了对外交流的平台，爱好演唱戏曲的声乐专业学生或教师，可以通过各种APP如抖音、微博、5Sing、WeChat、QQ、快手等，登录并上传自己学习演唱戏曲的小视频或小音频 ，一旦得到了网友或粉丝们的点赞、关注或评论，他们的戏曲学习积极性会被激发，而这些网络上的反馈也会引起教师、学生对于教与学的思考。另外，如若网友或粉丝们对这些戏曲视频进行赞赏、关注或评论，从某种意义上来说戏曲的传承面也得到了扩大，高校民族声乐专业的教师和学生也对戏曲文化在社会各阶层的广泛传播贡献出了一份力。

高校民族声乐教学中对于戏曲文化的融入不仅将专业发展与文化传承创新相结合，也是贴近时代特色和增强文化自信的声乐教学实践。对于戏曲文化的传承不是仅靠一两个课题的研究或者一些讲座就能完成的，而是应树立全新的教学理念，积极探索新的教学途径，促使戏曲文化与声乐教学相互支撑，逐渐形成立足传统、面向未来的教学特色，为中国未来民族声乐的教学乃至新的艺术流派的形成进行铺垫。

参考文献：

[1]宋希芝.通识教育理念下高校戏曲教学改革研究[J].临沂    大学学报，2019，（3）.

[2]张文英.论现代民族声乐表演艺术对戏曲演唱与表演的    借鉴[J].四川戏剧，2005，（5）.

[3]危瑛.戏曲表演技巧在民族声乐演唱教学中的应用研究    [J].艺术教育，2016，（4）.

[4]吴礼建.传承发展戏曲艺术更需要创新[EB/OL]（2016-04-04）    [2019-08-10].http：//gx.wenming.cn/wmsp/201604/t2016    0405_3259943.htm.

[5]柯琳.“互联网+”和高校曲艺专业教育对曲艺传承的    影响[J].曲艺，2019，（2）.