学习美术鉴赏有感范文

学习美术鉴赏有感范文第1篇

摘要：当前，教学及教育方式进行革新的进度持续加快，使得各大学校及教师本身的教学思想也产生了不小的改变，同时教学的质量及成效也获得了相应地提高。高中学校也愈加重视学生整体素质的提高，这也逐步变成了高中教师需要深入探究的课题。对当前高中阶段所开展的美术鉴赏这一课程同高考美术间的矛盾进行了阐述，并列出了相应的改进措施，目的在于给相关的教师进行教学时提供一定的借鉴。

关键词：美术鉴赏 高考美术 现状 对策

一、前言

现如今，高中阶段的基本教育课程进行了革新，而这种革新的持续推进，是在革新原有的美术教育思想、提升学生整体素质、推动全方位进步、让学生变成优质人才的呼声下进行的。高中阶段的美术教学纲要内也列出了：对艺术进行教育即促使美育得以实现的关键渠道，可以培养出各方面都很优秀的建设及继承社会主义事业的人才。但是，依据现今高中阶段开展的美术教学及国家艺术学校实行的招生方式可以看出，高中阶段开展的美术教学同美术高考极不相符。这样的矛盾长时间以来都不曾消失，现如今已逐步扩大。

在高中阶段对美术进行教学的教师，一定要拥有长远的眼光，从另一个角度去发掘国内高中阶段美术教学的特性，实施教学及监管的全面革新，以促使国内高中阶段的教育朝着更好的方向迈进。

二、高中阶段对美术鉴赏进行教学同高考美术间的矛盾

高中阶段对美术进行教学的教师都了解，当前国内各大高校内的艺术专业在开展招生时，几乎都更为注重学生对美术技艺进行的学习，考试的题目有三类，即色彩、素描及速写。没有任何一个高校在进行招生时的考题内涵盖有高中阶段的美术教学纲要。由此可见，美术鉴赏同美术高考间有一定的矛盾。同时，这样的矛盾导致了各种问题的产生，想要借助对美术进行学习而考大学的学生只是重视对美术技艺进行学习，甚至其中的部分舍弃了对美术鉴赏这门课程进行学习；而不想考艺术学校的学生则更不会去对美术鉴赏这一课程进行学习。这些问题都使得高中阶段的美术鉴赏这一课程的存在与否无关紧要，学生不去学习，教师也没有热情。

有了应试教育的硬性要求，非统考课程就无法获得學生的关注，教师在进行教学时学生会开小差，无心听课。美术鉴赏这门课程内有关美术实践的实际绘画训练基本上没有，而很多美术鉴赏这门课程的教师在大学中所学习的各项技能均不少，但都不深入，因此对某一绘画作品进行鉴赏的美术理论及其他的教学观点都没有全方位地把握，所以发生这些问题也在常理之中。即使在进行教学时展示出绘画作品并对其开展相应的鉴赏指导，教师教学时的主要内容也大部分都是现成的，没有自己的观点及创新的想法，这就会使得学生也必须接受这种固定的鉴赏方式及思想，在这一环境中，美术鉴赏这门新设立的课程不能达成对学生自身美术鉴赏的水平及能力进行提升的目标，也就不足为奇了。

再有，许多学校所设立的美术鉴赏这门课程大多都是为了应付教育部门的要求，重视艺考的部分学校也只是关心学生对美术技艺进行的学习，基本不关注其对美术鉴赏进行的学习。因此，高中阶段的美术教学纲要已逐渐变为了一种摆设。

三、消除高中阶段对美术鉴赏进行教学同高考美术间矛盾的策略

1.艺术类学生要具备良好的审美感悟及体会、对绘画作品进行鉴赏的能力，形成准确的审美观点

就美术鉴赏的实际内容而言，对美术进行鉴赏要求学生要对作者使用的绘画方式与技艺、写实与抽象的绘画手法、体现出来的作品构造及颜色使用等依据作品体现的主要思想及作者的时代背景进行探究及体味。其关键的作用就是对作品能够有一个深刻地体会，在作品内挖掘出作者的心情与其中暗藏的含义、意境，甚至还有作品内体现的作者所处时代的精神风貌。比如青花瓷及唐三彩展现出了我国极深的艺术造诣，古罗马展现出了追求自由与和平的精神，文艺复兴展现出了人文主义精神等。这些美术鉴赏展现出来的精神方面的价值即作品的最终价值，也是美术鉴赏这一课程设立的意义及目的。

但是，美术高考这一课程，所体现出来的各种情况同美术鉴赏设立的目的差距较大，甚至是完全不沾边，就连最为基础的使学生学习绘画作品这一目的都无法达成，更不用说针对作品开展深层次的鉴赏型教学了。

发生这种矛盾的原因不但包括了应试教育中所提出的硬性要求，同时还有艺术作品给学生的日常生活带来的影响较小，或者可以说成学生在日常生活内对绘画作品没有进行鉴赏这样的想法。这些学生在平常对最熟悉的建筑物都不会去进行鉴赏，更不用说对绘画作品进行鉴赏。而对绘画作品进行鉴赏的群体基本上都是专业的人士，影响的范围较小，同时在大学相关的专业内对艺术类专业学生本身的鉴赏能力进行培养不充分也是导致美术鉴赏同美术高考间产生矛盾的原因之一。

2.重新发掘对美术进行教学的特性，革新并管理现如今的高考形式

美术鉴赏同高考美术间的矛盾并非无法避免或是减小，尽管将美术鉴赏归入到高考中不太可能，不过在对美术鉴赏这一课程进行教学时，使学生充分了解相关的知识及理论，并提升其对美术鉴赏这门知识性较高但具体的操作性较弱的课程加以注重的程度，也能够对减小相关的矛盾发挥相应的作用。而就学生这一角度而言，美术鉴赏能够提升学生的内在修养与情感经验，但是大众型美术鉴赏还是很缺乏，这就导致了较多矛盾的出现。但是，就美术高考内的美术鉴赏这一课程而言，除对美术进行学习的学生会由于对所需的美术相关知识进行自行学习外，其余的学生对于美术鉴赏这一课程大多都抱持着漠不关心的心态，而这样的情况就在某种程度上凸显出了美术鉴赏同美术高考间的矛盾，这样的矛盾会伴随学生年纪的增加，而在各式美术氛围较好的地方，通过其自身的行为及思想而展现出来，时常都会发生不理解绘画作品而妄自进行评论这样的情况，同时只会用金钱来评判绘画作品的人也不少。而同这样的情况相反的即那些接受了优良美术鉴赏教育的学生，这部分学生对绘画作品内部的艺术特性与内涵有自己的想法及体会，这两种情况同时存在就会让美术鉴赏同美术高考间的矛盾极大地显露出来，同时也愈发凸显出了美术鉴赏这一课程的关键意义。即使要以高考为前提，高中学校也不能舍弃美术鉴赏这一课程，其中所包含的是学生的艺术性思想及修养，同时也体现出了这个国家国民的整体素质。

四、结束语

综上所述，高中阶段的学生对美术鉴赏这一课程进行学习所体现出来的作用是不言而喻的，其可以增强学生对艺术性规律的知晓及把握程度，同时还能够开拓学生的视野，让其在日常的生活内类似于不理解绘画作品却妄自进行评判这样的问题有所减少。学生在平时的生活内对艺术进行审美这一能力是不可或缺的，若不具备相应的审美水平及能力，其日常生活的方方面面也都会被影响。因此，在高中阶段对美术进行教学期间，要求教师同学生都一定要对美术鉴赏这一课程抱以极高的关注度，对于需要进行鉴赏的绘画作品，要从理论研究同价值判定这两个方面进行思考，如此，才能够更好地促使学生对美术进行学习，还可以让其在无形中形成优良的鉴赏品味。

学习美术鉴赏有感范文第2篇

关键词：高中美术 鉴赏教学 创新

随着我国新课改的不断深入，对于美术鉴赏教学提出了新的任务与要求。高中美术教师在引导学生进行艺术鉴赏时，应符合当今高中学生的心理特征。对于教师来讲，应采取适合学生的审美方法对艺术作品进行鉴赏，重视学生鉴赏能力、创新能力的培养。本文正是基于这一点，以传统教学模式为基础，根据学生的心理特征并结合笔者的教学经验，对高中美术鉴赏教学进行较为深入的研究。

一、当代美术教学概述

美术教育，顾名思义就是学习一些关于美术的知识及技能，包含素描、色彩、速写、油画、国画、装饰画、陶艺、版画、书法、装裱、刻印章、平面设计、立体设计、动画设计等一系列同美术相关的技能。

近年来，我国的艺术教学主要呈现出以下三种模式。首先，是以学校教学为主的艺术教育，从小学到大学，其中高中阶段对美术进行了方向的划分。其次，是社会式美术教学，集中表现在一些美术馆、美术教育活动中心等公共场所进行的美术教育，以及私人开设的美术教育机构等。再次，是家庭式美术教育，有些家长从事美术教育或相关活动，如美术老师、画家等，因此，从小就对孩子进行了家庭式美术教育。这三种美术教育最重要的，就是教师对于美术的鉴赏能力以及培养学生鉴赏、审美的能力。

二、高中美术鉴赏的意义

(一)完善审美认知心理

著名艺术家阿诺德豪泽尔(Hauser Arnold)指出：“人要想成为鉴赏家，必须通过教育才能完成。”对高中学生进行美术作品的鉴赏教育，可以培养学生对美的价值的认知，教学生如何对作品的外在结构和内在情感进行了解，最终有利于形成正确的审美价值观，提升审美能力。

(二)陶冶审美情感

审美情感是在不断地鉴赏实践中形成的，高中生需要有专业的鉴赏教师进行指导。在这一过程中，学生作为美术鉴赏的主体，应该从优秀的美术作品中获取审美情感，提高对美术作品的鉴赏能力与审美意识，让学生陶冶情操，心情舒畅。

(三)塑造审美心理倾向

对于高中学生来讲，心理的审美特征决定了他们对于美术作品的判断与认知，但是这种判断形成的基础并不牢靠，因为学生接触的美术鉴赏作品不够多，没有形成对美术鉴赏稳定、理性的判断。高中美术教师在对学生进行鉴赏指导时，应对学生的审美爱好、情感等有所了解。美术的鉴赏教学不仅仅培养学生的美术鉴赏能力，更重要的是培养学生的创新能力。

三、培养学生鉴赏能力的教学方法

(一)实现课堂互动，营造和谐审美环境

任何个人对于美术作品的赏析都是对于艺术作品的欣赏与心得的交流，而不是对于艺术能力的灌输。所以，教师对学生的艺术鉴赏进行指导时，应该发挥学生的主观能动性，而不是一味地否定学生、批评学生、引导学生朝着自己的主观认知上发展，实现教师与学生课堂上的互动，增加师生之间的沟通交流，通过学生之间对于美术作品不同观点进行交流学习，在开放和民主的鉴赏环境中，仁智毕见，提升高中生的鉴赏能力。这种方法笔者在日常教学过程中经常使用，取得了良好的教学效果。

(二)紧扣学科特点，强调基本审美知识

众所周知，美术鉴赏的教学目标是培养学生的鉴赏能力与审美能力，为了实现这一目标，最基础的是要具备审美意识。对于教师来讲，首先应该具有较强的专业素养，具有深厚的美术鉴赏理论知识与丰富的美术鉴赏实践能力。在对某一美术作品进行鉴赏时，应具备足够的理论知识，将课本内容融会贯通，为学生做深入浅出的讲解。同时，要求教师在引导学生进行美术鉴赏时，能够多角度、多层次地对学生进行有效指导。有些美术教师认为，对于美术鉴赏进行授课时难度较大，这是因为很多东西都是用语言表达不出来的，只能用心去体会。这种说法是不正确的，无法用语言进行表达，实际上就是没有抓住美术鉴赏的精髓，是艺术知识储备有限的表现。笔者在指导学生进行美术鉴赏时，采用了多重方法进行指导，从形式到内容，从表面到精髓，面面俱到。

(三)展开对比鉴赏，提高视觉审美能力

在对美术进行鉴赏教学时，偶尔会遇到一些美术领域专业性较强的知识，主要表现为理解起来抽象、不易理解等。要想把该知识点通俗易懂地为学生解释出来，就需要教师抓住其精髓，为学生做深入讲解。美术作品实际上是视觉艺术，能够在直观上进行对比。所以，艺术的“对比鉴赏”也是对艺术作品进行鉴赏的重要组成部分。通过不同作品的鉴赏，感受美在不同作品中的体现和不同内涵，提高学生对美术鉴赏能力的认知与创新能力，有利于提高学生的审美能力。

四、结语

本文是笔者通过对日常教学经验进行总结得出的结果，阐述了美术鉴赏教学对于学生的重要意义，将传统美术教学模式与实践教学体会相结合，提出了教师培养学生美术鉴赏能力与审美能力的教学方法。

参考文献：

[1]朱晓颖，吴丹.谈互动式教学在高中美术鑒赏课中的应用[J].明日风尚，2018(15)：54.

(作者简介：梁军艳，女，本科，临汾市第五中学校，中级，研究方向：美术教育)(责任编辑 刘冬杨)

学习美术鉴赏有感范文第3篇

拉斐尔，这个擅长画圣母像的伟大作家，其中《西斯廷圣母》是他的著名代表作。这幅画我看到了西方人心目中的圣母是一个温柔善良很有母性的女人。这幅画用了明暗的对比，黑色调的窗帘下还有很多个小孩的脸容，圣母脚才云雾，前面两个丘比特画得非常神似。这幅画主要用了红黄蓝三种颜色就能把圣母的慈爱，母性表现的极好，也表现出一种强烈的新生的感觉。我觉得拉斐尔把圣母话得那么慈善，是觉得人应该要亲善远恶。我觉得每个人的生活都不能是完美，总会遇上痛苦的事，拉斐尔的画让人有了对美好事物的渴望。人活在当下不容易，可是想要活得好是要看你是积极生活还是悲观面对。

米开朗基罗是一个既幸运又不幸的人。他虽然有一个当法官的老爸，而且从小就能进入一些比较高级的学院学习，但他的人生经过三起三落。他这一生主要是从罗马和佛罗伦萨两个城市奔波，主要是为教皇办事。其中有著名的西斯廷教堂天顶壁画、《最后的审判》、《哀悼基督》、《大卫》，这些都并不是一两天能完成的，是需要经过几年的坚持才能完成。他一生为几个教皇做事，可是并不是所有事都一帆风顺，他经历几起几落之后真正的让自己名垂千古。这告诉我们遇上困境是一件不可缺少的事，不可能一生总是平平安安的过。我们遇上了困难是要用积极的心态去面对，去积极进取而不是一蹶不振。太过美好的生活，是难以锻造出一个让人惊叹的伟人。

以前，我高中门口对面挂着一幅很大的《蒙娜丽莎的微笑》，那一幅让人看了总觉得应该学她那样需要微笑。这幅画用了明亮的手法画出蒙娜丽莎的丰满，白皙，优雅的神态，让人一看就觉得是个贵妇人。达芬奇画工精湛，如果将画放大一定程度竟然能看得出主人公的皮肤纹路，眼睛的轮廓清晰，用了三角的构架把人画出来，后面的背景也是呈三角的。她那神秘的笑容，眼睛像是注视着远方，每一个手指都清晰而且能看出有点水肿，像是个孕妇。我看到她的微笑，我觉得我们平时是不是缺少了些什么，那就是微笑。现在的人生活节奏会随着经济的快速发展而加快了，早上起床一幅疲惫的样子，看到舍友也很少会笑着打声招呼早上好;坐公交车的时候，都是眼睛盯着远方看有点迷茫，或者只是坐着看不到笑容。所以，这幅画我觉得我们应该好好反省下自己该有怎样的生活。《最后的晚餐》也是达芬奇的著名作品，他在画里把十三个人的不同表现呈现出来。虽然现在很多广告会利用这画来做一些搞笑的广告，可是这画还是深入到人们的心里。背叛，是别人难以接受的。我觉得背叛已经超过了人们所能忍受的道德底线。因为自己的利益而出卖了对自己没有防备的朋友或者同伴，即使别人的牺牲成就了自己的未来，可是会感到心安吗?

学习美术鉴赏有感范文第4篇

与中国的画家总是偏好梅兰竹菊不同，西方的一些画家并不是很喜好这类幽静，委婉，清秀的植物。相反，他们更钟情于那些热烈，奔放，富有表现力，充满生命活力的植物。梵高的《向日葵》就是这样的一幅代表作。 文森特威廉梵高(1853-1890)，荷兰后印象派画家。他是表现主义的伟大先驱，并深深影响了二十世纪的艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已挤身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。其中《向日葵》就是他广为人知的作品，也是他最著名的代表作之一。 梵高在自己绘画的成熟期创作了《向日葵》这幅作品，画面上朵朵葵花夸张的形体和激情四射的色彩，使人头晕目眩。画家用奔放不羁、大胆泼辣的笔触，仿佛使其中的每一朵向日葵都获得了强烈的生命力，在这里你用“栩栩如生”来描绘这些向日葵，已经显得软弱和浅薄，因为那火焰般的向日葵及仿佛是一朵朵燃烧的生命，是那样艳丽,华美,同时又是和谐,优雅甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。画家赋予它们一种生命蓬勃燃烧的冲动和张力。有人说这是“梵高的向日葵”，因为那是他内心火热感情的写照，是他精神力量的外露，就如同没有曹雪芹就没有《红楼梦》一样，没有梵高就肯定没有梵高式的《向日葵》。天才的艺术家往往能在某个领域树立起划时代的艺术高峰，后人只能膜拜，绝不可以企及。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,梵高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。

梵高就是如此。作为现代表现主义的先锋，极端个性化艺术家的典型，梵高更强调他对事物的自我感受，而不是他所看到的视觉形象，他大胆追求线条和色彩自身的表现力，不拘一格，恣意妄为。他曾说过：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，在这幅作品中不仅是色彩、线条，就是透视和比例也都面目全非，彻底变了形，以适应画家随心所欲表现自我的需要。梵高这种无拘无束的创造风格，使他把不同类型的人物、花卉和静物，都拿来当作了“习作”的对象，并一丝不苟地把它们直接写生出来的，从这个层面看他是在描写印象，但外在的手法已经不再重要，他更注重画中的内涵和神韵。从而可以很清楚地看到，从印象派那儿得到不可或缺的艺术启蒙后，他以超越印象派极远。正如他说过的那样：“关于艺术‟一词，我找不到比下述文字更好的阐释：艺术即自然、现实、真理，但艺术家能以之表现出深刻的内涵，表现出一种观念，表现出一种特点，艺术家对这些内涵、观念、特点有自己的表现形式，其表现形式自成一格，不落窠臼，清晰明确。”后来的法国的野兽主义、德国的表现主义，以及20 世纪初出现的抽象派，都曾经从梵高的艺术中汲取了营养。他对西方20 世纪的绘画艺术产生了深远而又广泛的影响。

作为一位用生命创作的画家，梵高将自身的主体创作意识、内心的情感意识与东方绘画的因素加以巧妙融会，在最惨烈的生活境遇和对艺术狂热执著的追求中，树立起了划时代的丰碑。这样的《向日葵》堪称梵高的化身。《向日葵》是他内心火热感情的写照，是他精神力量的外露，表明了他强烈的个性和和形式上的独特追求。也许这就是《向日葵》能在世界美术史中能成为永恒作品的原因吧!

《掷铁饼者》米隆 历史背景 公元前449年到公元前334年是希腊雕塑艺术的全盛时期，艺术史上称为“古典时期”，大量优秀的雕塑作品出自这个时期，《掷铁饼者》就是现存流传最广的艺术杰作之一，也是古希腊著名雕塑家米隆的代表作。这个作品是古希腊雕塑艺术的里程碑，显示出希腊雕刻艺术已经完全成熟。雕塑赞美了人体的美和运动所饱含的生命力，表现了作者高超的艺术技巧。虽然原作已经失传，但我们仍能从复制品中感受到那生命力爆发的强烈震撼，也是我们研究古希腊雕刻的重要资料。 艺术价值

《掷铁饼者》取材于希腊的现实生活中的体育竞技活动，刻画的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间。雕塑选择的铁饼摆回到最高点、即将抛出的一刹那，有着强烈的“引而不发”的吸引力。虽然是一件静止的雕塑，但艺术家把握住了从一种状态转换到另一种状态的关键环节，达到了使观众心理上获得“运动感”的效果，成为后世 艺术创作的典范。

作者米隆在这一作品中创造了一个出色的充满活力的运动员形象。尤见作者匠心的是，他出色地概括了掷铁饼这一运动的整个连续的过程，表现了一种动态的美。掷铁饼者张开的双臂像拉满的弓，使人产生一种发射的联想。铁饼和人头的两个圆形，左右呼应;紧贴地面的右腿如同一个轴心，使曲折的身体保持稳定。整个雕塑给人的印象是：健美、壮重、和谐，洋溢着青春的活力。

掷铁饼的强烈动感与雕像的稳定感结合得非常好。雕像的重心落在右腿上，因此右腿成了使整个雕像身体自由屈伸和旋转的轴心，同时又保持了雕像的稳定性。掷铁饼者张开的双臂象一张拉满弦的弓，带动了身体的弯曲，呈现出不稳定状态，但高举的铁饼又把人体全部的运动统一了起来，使人们又体会到了暂时的平衡。整尊雕像充满了连贯的运动感和节奏感，突破了艺术上时间和空间的局限性，传递了运动的意念，把人体的和谐、健美和青春的力量表达得淋漓尽致。体现了古希腊的艺术家们不仅在艺术技巧上，同时也在艺术思想和表现力上有了一个质的飞跃。这尊雕像被认为是“空间中凝固的永恒”，直到今天仍然是代表体育运动的最佳标志。这尊男运动员塑像标志着古希腊人体雕塑达到了无与伦比的完美。 米隆的这尊雕像解决了雕塑的一个支点的重心问题，为后来的雕塑家创造各种运动姿态动作树立了榜样。

对《洛神赋图》赏析

《洛神赋图》中国东晋顾恺之((348 409)字长康，小字虎头，晋陵无锡(今江苏无锡)人，汉族。约364年在南京为石棺寺画维摩诘像，引起轰动。366年当上大司马参军，392年为殷仲堪参军，405年升为散骑常侍。顾恺之多才，工诗赋，善书法，被时人称为“才绝、画绝、痴绝”，他的画风格独特，被称为“顾家样”，人物清瘦俊秀，所谓“秀骨清像”，线条流畅，谓之“春蚕吐丝”。 他提出的“迁想妙得”、“以形写神”等著名论点，对中国绘画的发展有深远影响。)所作。画中的曹植带着随从，在洛水之滨凝神怅望，仿佛见到思念已久的洛神。远处凌波而来的洛神，衣带飘逸，动态委婉从容，目光凝注，表现了关切、迟疑的神情。原作已佚，今存有宋代摹本5卷，皆绢本设色，分别藏于中国大陆、台湾台北及美国。一纵27.1厘米、横572.8厘米，藏故宫博物院;另一纵26厘米、横646厘米，藏辽宁省博物馆。

学习美术鉴赏有感范文第5篇

与中国的画家总是偏好梅兰竹菊不同，西方的一些画家并不是很喜好这类幽静，委婉，清秀的植物。相反，他们更钟情于那些热烈，奔放，富有表现力，充满生命活力的植物。梵高的《向日葵》就是这样的一幅代表作。 文森特威廉梵高(1853-1890)，荷兰后印象派画家。他是表现主义的伟大先驱，并深深影响了二十世纪的艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已挤身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。其中《向日葵》就是他广为人知的作品，也是他最著名的代表作之一。 梵高在自己绘画的成熟期创作了《向日葵》这幅作品，画面上朵朵葵花夸张的形体和激情四射的色彩，使人头晕目眩。画家用奔放不羁、大胆泼辣的笔触，仿佛使其中的每一朵向日葵都获得了强烈的生命力，在这里你用“栩栩如生”来描绘这些向日葵，已经显得软弱和浅薄，因为那火焰般的向日葵及仿佛是一朵朵燃烧的生命，是那样艳丽,华美,同时又是和谐,优雅甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。画家赋予它们一种生命蓬勃燃烧的冲动和张力。有人说这是“梵高的向日葵”，因为那是他内心火热感情的写照，是他精神力量的外露，就如同没有曹雪芹就没有《红楼梦》一样，没有梵高就肯定没有梵高式的《向日葵》。天才的艺术家往往能在某个领域树立起划时代的艺术高峰，后人只能膜拜，绝不可以企及。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,梵高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。

梵高就是如此。作为现代表现主义的先锋，极端个性化艺术家的典型，梵高更强调他对事物的自我感受，而不是他所看到的视觉形象，他大胆追求线条和色彩自身的表现力，不拘一格，恣意妄为。他曾说过：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，在这幅作品中不仅是色彩、线条，就是透视和比例也都面目全非，彻底变了形，以适应画家随心所欲表现自我的需要。梵高这种无拘无束的创造风格，使他把不同类型的人物、花卉和静物，都拿来当作了“习作”的对象，并一丝不苟地把它们直接写生出来的，从这个层面看他是在描写印象，但外在的手法已经不再重要，他更注重画中的内涵和神韵。从而可以很清楚地看到，从印象派那儿得到不可或缺的艺术启蒙后，他以超越印象派极远。正如他说过的那样：“关于艺术‟一词，我找不到比下述文字更好的阐释：艺术即自然、现实、真理，但艺术家能以之表现出深刻的内涵，表现出一种观念，表现出一种特点，艺术家对这些内涵、观念、特点有自己的表现形式，其表现形式自成一格，不落窠臼，清晰明确。”后来的法国的野兽主义、德国的表现主义，以及20 世纪初出现的抽象派，都曾经从梵高的艺术中汲取了营养。他对西方20 世纪的绘画艺术产生了深远而又广泛的影响。

作为一位用生命创作的画家，梵高将自身的主体创作意识、内心的情感意识与东方绘画的因素加以巧妙融会，在最惨烈的生活境遇和对艺术狂热执著的追求中，树立起了划时代的丰碑。这样的《向日葵》堪称梵高的化身。《向日葵》是他内心火热感情的写照，是他精神力量的外露，表明了他强烈的个性和和形式上的独特追求。也许这就是《向日葵》能在世界美术史中能成为永恒作品的原因吧!

《掷铁饼者》米隆 历史背景 公元前449年到公元前334年是希腊雕塑艺术的全盛时期，艺术史上称为“古典时期”，大量优秀的雕塑作品出自这个时期，《掷铁饼者》就是现存流传最广的艺术杰作之一，也是古希腊著名雕塑家米隆的代表作。这个作品是古希腊雕塑艺术的里程碑，显示出希腊雕刻艺术已经完全成熟。雕塑赞美了人体的美和运动所饱含的生命力，表现了作者高超的艺术技巧。虽然原作已经失传，但我们仍能从复制品中感受到那生命力爆发的强烈震撼，也是我们研究古希腊雕刻的重要资料。 艺术价值

《掷铁饼者》取材于希腊的现实生活中的体育竞技活动，刻画的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间。雕塑选择的铁饼摆回到最高点、即将抛出的一刹那，有着强烈的“引而不发”的吸引力。虽然是一件静止的雕塑，但艺术家把握住了从一种状态转换到另一种状态的关键环节，达到了使观众心理上获得“运动感”的效果，成为后世 艺术创作的典范。

作者米隆在这一作品中创造了一个出色的充满活力的运动员形象。尤见作者匠心的是，他出色地概括了掷铁饼这一运动的整个连续的过程，表现了一种动态的美。掷铁饼者张开的双臂像拉满的弓，使人产生一种发射的联想。铁饼和人头的两个圆形，左右呼应;紧贴地面的右腿如同一个轴心，使曲折的身体保持稳定。整个雕塑给人的印象是：健美、壮重、和谐，洋溢着青春的活力。

掷铁饼的强烈动感与雕像的稳定感结合得非常好。雕像的重心落在右腿上，因此右腿成了使整个雕像身体自由屈伸和旋转的轴心，同时又保持了雕像的稳定性。掷铁饼者张开的双臂象一张拉满弦的弓，带动了身体的弯曲，呈现出不稳定状态，但高举的铁饼又把人体全部的运动统一了起来，使人们又体会到了暂时的平衡。整尊雕像充满了连贯的运动感和节奏感，突破了艺术上时间和空间的局限性，传递了运动的意念，把人体的和谐、健美和青春的力量表达得淋漓尽致。体现了古希腊的艺术家们不仅在艺术技巧上，同时也在艺术思想和表现力上有了一个质的飞跃。这尊雕像被认为是“空间中凝固的永恒”，直到今天仍然是代表体育运动的最佳标志。这尊男运动员塑像标志着古希腊人体雕塑达到了无与伦比的完美。 米隆的这尊雕像解决了雕塑的一个支点的重心问题，为后来的雕塑家创造各种运动姿态动作树立了榜样。

对《洛神赋图》赏析

《洛神赋图》中国东晋顾恺之((348 409)字长康，小字虎头，晋陵无锡(今江苏无锡)人，汉族。约364年在南京为石棺寺画维摩诘像，引起轰动。366年当上大司马参军，392年为殷仲堪参军，405年升为散骑常侍。顾恺之多才，工诗赋，善书法，被时人称为“才绝、画绝、痴绝”，他的画风格独特，被称为“顾家样”，人物清瘦俊秀，所谓“秀骨清像”，线条流畅，谓之“春蚕吐丝”。 他提出的“迁想妙得”、“以形写神”等著名论点，对中国绘画的发展有深远影响。)所作。画中的曹植带着随从，在洛水之滨凝神怅望，仿佛见到思念已久的洛神。远处凌波而来的洛神，衣带飘逸，动态委婉从容，目光凝注，表现了关切、迟疑的神情。原作已佚，今存有宋代摹本5卷，皆绢本设色，分别藏于中国大陆、台湾台北及美国。一纵27.1厘米、横572.8厘米，藏故宫博物院;另一纵26厘米、横646厘米，藏辽宁省博物馆。

学习美术鉴赏有感范文第6篇

在以往美术鉴赏课中教学中, 我们经常会有一些失败的教学法。像“照本宣科”教学法, 认为美术鉴赏只要把书上的内容说给同学们听听就行, 划一下重点记住就可, 学生毫无学习激情而言, 知识讲过后就抛在脑后。像“理论型”教学法, 把我们的学生当成专业的美术人才, 对着学生大讲构图、造型、色彩、笔触等等专业绘画语言, 从小没有受到专业训练的中师生听的昏昏沉沉, 哪里还谈得上什么鉴赏、美感、感悟艺术。像“故事会”教学法, 有的教师低估了中师生的美术鉴赏能力, 以自己的眼光分析、鉴赏甚至批评美术作品的能力, 在教学过程中对艺术家的生平津津乐道, 甚至以一些秘闻轶事来招徕笑声, 哗众取宠。分析作品却三言两语, 一笔带过。这种主次不分, 不求质量, 只求热闹的“故事会”式教学只是让学生走近了作品, 而并没有进行剖析, 学生当然无法发表对作品的见解, 也无从获得鉴赏作品的能力。像“答案型”教学法, 一味通过不断的暗示、诱导, 使学生抛弃自己的观点, 而步入教师铺设的标准轨道, 这无疑是给作品贴上了标签, 也影响了学生创造能力的培养与发挥。以上这些教学法我相信对教师一定不陌生, 它约束了学生的理解力、想象力和创造力, 让学生面对美术鉴赏课, 就像面对八股文一样, 毫无兴趣, 毫无激情。作为一名美术教育工作者, 我常常思考着这些问题, 怎样上好美术鉴赏课我结合自己的教学实践, 在这里谈一下自己的一些教学体验。

1 明确美术鉴赏是艺术化的艺术教育

首先, 艺术化的艺术教育, 注重学生对艺术本身的领悟, 通过对艺术形式与艺术内容之间相互关系的把握来理解艺术的思想内涵, 从而获得美育效果。美术鉴赏的艺术教育, 主要是教学生懂得什么是美, 什么是丑, 激发学生对美好事物的追求, 从而使自己的心灵变得更加美好。我在上中国美术鉴赏课中对罗中立《父亲》鉴赏时, 我采用“艺术我做主”讲解方式, 让学生独立完成作品鉴赏过程。学生不但理解了绘画的方式, 体会了画者的绘画意图, 更加深了对父亲的理解, 尤其是那些来自农村的中师生。

2 参与型教学方式的使用

中师生美术鉴赏教学过程, 应该主要是一个在教师启发和指导下学生参与体验艺术的过程, 没有学生的参与, 就难有真正的艺术教育。正是由于在美术鉴赏教学中学生的参与具有十分重要的意义, 而且这种参与又与一些学科教学中学生的参与具有很大的不同。因此, 中师美术鉴赏教学就不能仅仅是让学生采用其他一些学科教学所惯用的参与方式。比较被动的参与, 它不能成为美术鉴赏教学中学生的主要参与方式。

艺术教育本身十分有趣, 学生若对它不发生兴味, 很显然, 首当其冲的责任人是教师, 教师应积极调动学生参与意识, 运用一切教学手段让学生全身心地参与艺术活动中来, 切身获得对艺术鉴赏的审美体验。我在讲授外国美术史中世纪与文艺复兴美术史时, 首先请学生在课前做一些查阅资料、查看图片等的准备工作;再在课堂讲解前布置问题阅读十分钟;其次让学生发表自己的艺术见解;教师总结提出新的审美取向, 完成教学。

3 愉悦式教学模式的尝试

愉悦是艺术审美体验的结果, 享受艺术愉悦的途径便是对艺术进行审美体验, 而不是尝一尝看它合不合口味。对此, 许多教师并不理解, 以至于虽然有心为学生参与艺术活动创设条件, 并努力启发他们进行艺术审美体验, 可事实上学生并没有真正获得艺术审美的机会, 即使能有所体验, 那也是肤浅的。我们上课并不是要问学生“你喜欢这张画吗?”而实际上要紧的是“你在这幅画中看出什么名堂?对你看到的绘画作品有感触吗?”等。要想让学生真正喜欢上美术鉴赏, 就必须帮助他们对艺术进行审美体验, 让他们从中获得愉悦, 而且它是存在于此时此刻而非彼时彼刻的。事实上为将来获得愉悦体验的最好准备, 就是现在获得最愉悦的审美体验。那一种都期待未来的“先苦后甜”式艺术教学, 除了泯灭学生的艺术兴趣, 剥夺其享受艺术的权利之外, 恐怕难有其他作为。在愉悦教学中, 学生不是拜师学艺的徒弟, 不需要那种能训出高徒的“严师”, 学生需要的是教师永远伴随着鼓励和关怀的欣赏, 而不是教师对学生的苛刻挑剔。我们必须激励、唤醒、鼓励学生把他们所获得的艺术审美体验独立地、个性地表达出来, 同时让他们有充分的机会享受自己成功的喜悦。只有这样, 学生的艺术兴致才会保持长久, 不会时生时灭乃至灭不再生。

4 融合式教学法在美术鉴赏教学的运用

中师美术鉴赏教学的融合原则, 是指运用各种教育与艺术形式所提供的手段与方法, 在某一艺术课教学过程中, 充分融合其他门类的学科内容, 以便有效地提高艺术教学效益, 拓宽学生的艺术视野与审美空间, 全面提高学生的艺术修养。

融合式教学法要真正付诸艺术教学实践, 不可回避的外在条件至少包括:艺术教师必须具备足够广泛的艺术修养, 以便能清楚地看到他正在进行的教学工作同其他领域之间的关系;艺术课教材所选内容及其编排方式等, 必须为艺术教学遵循融合原则提供广泛的空间;学校必须提供必要的设备等等。在讲授美术鉴赏的同时我们要调动多元化教学手段, 利用绘画、音乐、文学、民间艺术以及不同艺术的共同点和不同点去启发学生, 让学生切实感悟艺术, 沉醉于艺术的熏陶中。我在讲授印象派大师作品是配以优美的钢琴曲, 让学生听音乐用准备好的油彩画出自己内心的感受。学生的感悟的印象有的浓烈、有的深沉、有的喜庆、有的飘逸, 所有这一切都是学生对音乐表现出的印象。教师把握要领讲叙印象派的形成以及画风特点, 代表人物等等。

以上是我在中师美术鉴赏教学中一些教法感悟。目的是让“美术世界”与学生的“生活世界”相沟通, 从而使学生在真正意义上获得对他们终身发展有益的美术鉴赏能力, 从而达到人格的完善。让我们携手为培养学生良好的审美素质而共同努力。

摘要：本文主要论述了中师美术鉴赏教学中所存在的一些问题并通过对这些问题的分析提出了美术鉴赏的一些教学方法。

关键词：中师美术鉴赏,美术教学方法,艺术化教育,参与式教学,愉悦式教学,融合式教学

参考文献

[1] 郭声健.艺术教育[M].教育科学出版社.