主观色彩油画艺术论文范文

主观色彩油画艺术论文范文第1篇

【摘要】从古希腊时期到20世纪，西方艺术批评史上对色彩与素描在艺术创作中孰优劣孰的争论，呈现一种纷繁复杂而态度鲜明的艺术评判轨迹。实际上，色彩与素描只是艺术创作的符号，而不是借以评判艺术品高下的尺度，当作品生成时，素描与色彩已合乎逻辑地存在于作品之内了；它们在艺术创作中具有不同的作用，它们相互之间也存在着密切的关系。素描与色彩之争不能仅仅看做是审美趣味的差异，更是艺术观念与审美理想在起主导作用。

【关键词】西方艺术批评史；色彩；素描；艺术符号；审美趣味；艺术观念

绘画中的色彩与素描孰优孰劣，在我国艺术界还时见争论。西方艺术批评史上有关这个话题的争论也由古希腊时一直绵延了下来，是西方艺术批评史上的基本论题。意大利艺术史家文杜里的艺术史学名著《西方艺术批评史》是西方第一部艺术批评史，提供了丰富的艺术史资料和线索，色彩与素描则是本书的关注重点，几乎每个艺术发展时期文杜里必以相当篇幅涉及。本文试着将他著作中有关这方面的内容梳理一下，归纳西方不同的艺术发展时期对色彩与素描的认识、他们对这个跨越2000多年的热门艺术话题的结论以及文杜里对上述论题的见解，

西方艺术批评史关于色彩与线条的争论，始于古希腊时期，止于20世纪，在每个艺术时期，都有著名的艺术家、艺术批评家或哲学家参与其中，是艺术批评史上最重要的话题之一，其中可见不同的艺术发展期对艺术媒介与艺术评判尺度的不同认识，具有珍贵的艺术史料价值。

（一）古希腊、古罗马时期

古希腊时期，亚里士多德在《诗学》里说过，用最鲜艳的颜色随便涂抹成画，不如在白底子上勾出来的素描轮廓可爱。亚里土多德的这个绘画思想跟孔子的“绘事后素”如出一辙。古罗马哲学家琉善认为运用色彩可以带来豪华，但这种华丽是为了给野蛮人的眼睛观看，野蛮人不懂得欣赏美，他们用色彩炫耀华丽是为了让人们惊奇而不是为了让人们欣赏。古罗马批评家狄昂尼西奥说过：“在古代绘画中，色彩的组合是简单的，而线的运用却是精致和完美的。”他还指出色彩的发展与整个艺术的衰落相伴随。古罗马科学家普林尼也认为艺术的衰落与色彩的运用有关，他说：“古希腊著名画家阿佩莱斯的不朽作品中只使用四种颜色，而现在的艺术创作却是大红大绿。”他断定艺术杰作不会再有了，在他看来只有加工少的东西才有可能成为杰作。古罗马作家维特卢维亚也认为，在古代人们欣赏的只是艺术家的天才和作品的完美.而今天只赞美华丽的色彩，艺术是在堕落，因为绘画的科学不被重视。

（二）中世纪

在文杜里看来，在14世纪前，艺术批评似乎趋于沉默。中世纪最伟大的美学家奥古斯丁和托马斯·阿奎都意识到造型艺术法则中精神的因素，这使得艺术能有效地从古希腊人所理解的那种自然中解放出来。14世纪末，佛罗伦萨画家切尼尼的《艺术指南》，评论的主题涉及色彩和素描之间的关系：素描的理性价值、色彩的魅力、素描和色彩达到和谐统一的困难。切尼尼提出艺术的基础是素描和色彩，他认为素描涉及用脑子的问题，素描是一种感觉形体与表现形体的能力，而不仅仅是用什么方法画的问题，更不仅仅是一种练习和技术。切尼尼意识到为了使素描显得比较高明，要通过深浅层次不同的光逐渐转变过去，明暗的转变不能显得太突然。他知道明暗要破坏色彩的美，但还是倾向通过明暗的处理来突出素描，可见切尼尼更青睐素描的造型。文杜里认为切尼尼给予定义的艺术不是一般的艺术，而是乔托的艺术，乔托素描所达到的高度在艺术史上是由切尼尼清楚说明的，因此切尼尼偏爱素描也在情理之中。

（三）文艺复兴时期

文杜里注意到威尼斯的批评家非常注重色彩的经验，佛罗伦萨的批评家则更看重素描的力量。艺术批评家多尔齐认为立体感的问题也就是色彩的问题，应该是立体感服从色彩，而不是色彩服从立体感。多尔齐相信当一个画家有能力再现物体的真实色彩和真实质感时，他的画就活了；着色的关键是明暗的对比之处，明暗部分应有一块中间的颜色做过渡，不能把颜色画得很强很硬，也不能把阴暗画得很黑。着色的关键不在于选择漂亮的颜色，一定程度的漫不经心是必要的，色彩过于周到是最大的危险。意大利艺术史家瓦萨里在其名著《画家、雕塑家和建筑家的生活》（1550年版）表达了对米开朗基罗的崇敬之情，在他看来，米开朗基罗通过人体，以其雄伟的气魄、精确的比例、有力的姿态和表情，表现了艺术上的完美性，米开朗基罗抛弃了色彩的妩媚、细节的变化和多样；而别的画家由于素描的基础不扎实，就只好在色彩上寻求浓淡和层次的变化。可见在1550年的版本里，瓦萨里是以素描基础的扎实与否来判定艺术成就的，不过在1568年的版本里，瓦萨里承认色彩浓淡和层次的变化也是通向艺术的一条道路。他还指出拉斐尔在他最后的作品中由于运用了米开朗基罗式的素描，而部分失去了他原来的艺术特色。瓦萨里的这一评价由于表现出对艺术个性的理解，而受到现代批评家的赞同。活跃于16世纪中叶的意大利艺术批评家宾诺认为绘画应该是米开朗基罗的素描与提香的色彩相结合，文杜里认为这种折衷主义理论是艺术个性消失的一个信号。

（四）巴洛克时期

法国艺术理论家费利拜恩在他的《有关古今最优秀的画家的对话》中指出为了达到理想的美，首先要抓紧构图，构图高于技巧，属于精神性的东西，他认为素描支配色彩，在表现历史、寓言、人物表情方面，素描是重要的；但色彩则不具备这种重要性，因为人们无法科学地对色彩进行控制。费利拜恩承认美是没有规则的，但当把构图设想出来之后，就需要按照范例来画好素描。意大利艺术史家鲍希尼认为素描是油画的基础，不过在实践中，素描只是艺术的入门，赋予素描生命的是色彩，如果没有色彩，素描就只是没有灵魂的肉体。对色彩的运用，鲍希尼认为厚涂便于产生速写效果，点彩便于从容观自然对象中解放出来，色彩的统一能使画面调子柔和，色彩平滑能使各部分更清晰，笔触迅速可获得大胆的色彩效果，用渐强或渐弱的方法能使色彩显得丰满圆润，涂上透明的色彩可以使画面更加协调统一。鲍希尼关于色彩的见解代表着当时色彩理论的最高成就。

（五）启蒙主义与新古典主义时期

18世纪最伟大的展览会评论家、启蒙运动的领袖狄德罗盛赞夏尔丹才算是画家，才算是色彩家。他认为夏尔丹的画色彩相互覆盖，其效果从最底层一直透到最外层。狄德罗在《绘画随笔》中声称色彩是生命的形式，素描能手并不缺乏，伟大的色彩家却很少。德国艺术史家温克尔曼把艺术家的内外感觉加以区分，内部感觉指的是欣悦温柔和具有想象力的情感，外部感觉由造型和色彩表现出来，造型是基础，因为它能准确地表现出对象的实在性，而色彩却是随着观察者的个人而起变化。

（六）浪漫主义时期

德国评论家海因斯在莱辛开创的绘画与诗歌关系的论题中，不再满足于找出诗与绘画的区别，而是力图找出素描与油画之间的区别。他提出油画用色彩作画，那么色彩应该始终是绘画的目的，温克尔曼是由于没有色彩感才会认为造型是绘画的基础。英国艺术评论家罗斯金观察到线、面、块体是审美发展的三个关键，人们通过光暗和色彩两种方法去完成这样一个过程，光暗的方法与科学探讨相一致，而色彩的方法则与天然趣味、自由、艺术想象相一致。因为罗斯金能把艺术家的审美观与造型技巧统一起来考虑，所以他成功地摆脱了古典艺术认为造型高于色彩的偏见。

（七）唯心主义美学时期与19世纪当代的艺术批评时期

文杜里所谓的唯心主义美学运动，其艺术上的雄心是要造成一种兼具浪漫主义内容和古典主义形式的艺术，始于18世纪结束之前，在19世纪最初十几年间达到鼎盛，到19九世纪下半叶才渐趋衰败。其间批评家的代表人物是黑格尔，黑格尔认为画家以幻想取代真实，因而需要更多精神上的东西，色彩所擅长表现的是通过对象反映出更多个人的特征。在黑格尔看来，色彩更能适应情势的多样与瞬间的不同，色彩的基础是光，光属于绘画的物理因素，它是由绘画产生的明暗效果的对比而产生的。色彩具有心理学的象征性，依靠基本色的调配，可以达到自身的调和，色彩应是大胆的、充满力量的。

德拉克洛瓦认识到色彩分布在构图上的重要性，附属性的细节必须完全服从整体的色彩效果。色彩自身的力量、效果和变化是德拉克洛瓦绘画时首先考虑的，他很不满把素描视为绘画质量关键的新古典主义艺术。他细致地探讨了色彩的要素，比如他认为掌握中间色调的处理原则对于取得真实的色调是最富于效果的：为了取得各种色彩的明亮，应尽可能运用色彩的并置。安格尔却认为素描才是真正的艺术，素描包括了除色彩外的艺术中的一切。他确信凭素描就可以造就出油画家，而色彩只能给予绘画装饰作用，只能使真正完美的艺术显得更可爱，其他别无它用，安格尔嘲讽色彩只是绘画中的婢女。对于用色，他提出不要用过于热烈的色彩，过于热烈的色彩与传统不合，用色宁可偏于灰暗而不要偏于炽热。象征派诗人波德莱尔也是一位对绘画有精深研究的专家，他以委罗内塞为例，提出色彩实际上并不排除杰出的素描：委罗内塞创作时争取大块的整体效果，忽略某些素描的细部以及轮廓上的小变化，在这些地方色彩的笔触吞没了清晰的线条。

在西方艺术批评史上，古希腊、古罗马、中世纪，一边倒地偏向素描而非色彩。文艺复兴时期，威尼斯的批评家注重色彩的经验，佛罗伦萨的批评家更看重素描的力量。巴洛克时期、启蒙主义、新古典主义时期是色彩与素描相持不下的时期，既有评论家不理解色彩是一种艺术语言，认为素描支配色彩，也有评论家认为素描只是艺术的入门，赋予素描生命的是色彩。浪漫主义时期，色彩被认为是绘画的目的。唯心主义美学时期与19世纪当代的艺术批评时期，德拉克洛瓦、安格尔对素描与色彩的见解及当时围绕他俩作品所展开的讨论，使对色彩与素描的探讨进入新阶段，它们的各自优点都得到了彰显，实际上是在尖锐冲突中达到了意想不到的和解。进入20世纪后，西方艺术批评界对素描与色彩的争论归于平静。

文杜里认为线条和色彩只是两种艺术符号而并非艺术本身。普遍性的艺术观念和一件具体作品之间的直观联系很紧密，历史的任务要求说明这种直观性的关系并找到相应的符号。把符号由普遍性转化为具体的艺术作品时，线条与色彩这两种符号已经合乎逻辑地存在于作品之内了。文杜里反对把艺术品与观者的审美趣味混淆起来，反对把一种视觉符号当做批评的尺度。在文杜里看来，各种符号联系着各个特殊的人，同样也联系着各个不同的时代，素描与色彩作为艺术符号，包含着不同的艺术家和属于不同集团的艺术家们的风格和他们使用的不同的艺术词汇。符号是属于心理学方面的并不具备艺术判断的价值。素描与色彩只是两种符号而非艺术本身，所以可以说它们具有同等的价值，而且任何选择都可能是恰当的，因为这有赖于审美趣味。文杜里认为关于素描孰优孰劣的界说，都只是某种审美趣味的偏爱，而不是一种永久性的美学真理，并不具有客观的带着普遍性的哲学意义，因为这只是评论家个人感觉上的主观的偏爱。审美趣味带有过多的个人特性，审美趣味的相对性，很容易产生对于艺术家个人特性的种种误解；对于作品的理解，必须按照过去艺术的愿望和观点去解释它，要按照原作者的审美趣味去进行分析。

文杜里看到素描与色彩只是艺术符号而非艺术本身，当作品生成时，素描与色彩已合乎逻辑地存在于作品之内了，离开作品谈素描与色彩孰优孰劣是不恰当的，正如吴冠中对笔墨之争的著名论断：“脱离了具体画面的孤立的笔墨，其价值等于零。”不过，文杜里只强调素描与色彩是艺术符号，而没注意它们在艺术创作中的不同作用与相互关系，实际上“线条具有一种附加的物理特性，这种特性与其他艺术元素紧密相关，线条可以支配色彩、明暗和构图。”对色彩而言，“将色彩引入一根线条，会增加一种重要的表现性潜能，色彩可以强化其他线条的质感。”并且对有些艺术家来说，“创作时头脑中最先考虑的头等重要的因素是色彩对事物的识别作用。”

文杜里把素描与色彩之争仅仅看做是审美趣味的差异，也略有不妥，重素描还是重色彩，往往是艺术观念在起作用。“观念支配世界，观念改革世界。”对什么是艺术的认识才会从根本上决定如何创作艺术品，艺术观念与审美理想紧密相关，审美理想是艺术家进行艺术创作的最高指导，审美趣味是受审美理想制约。古希腊评论家更欣赏能简单赋形的线条而忽视色彩的价值，因为色彩的善变与不易把握与他们的重理性的审美理想相悖。野兽派转向平面上涂满色彩的绘画，并不是色彩偏好的审美趣味在起主导作用，主要是由于艺术观念的转变：他们反对以对事物表象的反应所产生的情感为基础来进行艺术创作。

三

素描与色彩之争是西方艺术批评史上最重要的论题之一，文杜里的《西方艺术批评史》评述了不同艺术时期对这个问题的争论要点，理清了纷繁复杂中的主要线索，并提出了自己的意见。他自信地表示：“只有当一个人具备了他的文明条件所允许的十分完善的审美观时，才能够理解过去的文明和遥远区域的审美观。”可以说，他对西方艺术批评史上的素描与色彩的精彩论述，基本实现了他摆脱各种复杂的唯美主义而使本书“成为真正的艺术批评史”的意图。

主观色彩油画艺术论文范文第2篇

摘 要：绘画中的色彩，是一件作品的生命力之所在。但色彩艺术同其它艺术种类一样，在漫长的历史时期中，经过历代艺术家的努力和探索，其观念也在不断地发生变化。如今，逼真地再现物象的色彩，表达物象的质感，已不是绘画中色彩的最终目的，色彩自身应具有充分的表现力和相对的独立性。

关键词：色彩；绘画艺术；魅力

梵高认为，绘画色彩的目的在于表现人类最炽热的情感，而色彩在绘画中最擅长的是表现人物内心的情感，达到情感共鸣的效果和有着瞬间性的唤起视觉的注意力。绘画中不同的色彩运用将会给人们带来不同的审美感受，人们对于色彩的感觉和自身的体验都会有客观性的联系和情感的体验，就像人们看到绿绿的大草原就感到愉快和幸福一样，色彩都具有着自身的“情感”。色彩还具有着表达“积极”或者“消极”情绪的作用，色彩的情感又受到各种因素的影响，比如，环境和地域、不同的民族与肤色等等。

自然界的色彩现象为我们的视觉提供了丰富的色彩资源，画者作为视觉艺术的创造者，更应关注对色彩的体验和感受，让色彩成为我们表现自然，表现情感的自由手段。视觉形象不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性的把握。色彩可以传达人的思想和感情，明快与忧郁，兴奋与平静。然而，不同色彩的完美组合，会使人寻觉到色彩的奥妙，感受到迷人的旋律。色彩在绘画中从来不是单一的角色。色彩既是无限变化的，又是有规律可循的。从色彩的对比中依靠虚与实，明与暗，疏与密，厚与薄，有行与无行的变化，成为表现性的重要语言。在今天这些媒体发达的时代，应当去磨练我们的全部感性和感觉，挖掘自己真实的色彩感觉，建立属于自己本质的色彩感觉。葆蓄珍贵的感觉，相信自己的眼睛！

一、色彩具有体现艺术品冷、暖感受的魅力

从唯物辩证法的角度出发，冷和暖是一对矛盾，冷和暖在一定的条件下可以相互转化。哲学范畴来看，色彩的冷、暖感是并不是色彩本身具有的性格，而是人们对客观的事物本身，通过人的精神世界所反映出来的感受，是一种视觉上的感受。因此，人们在不同的精神状态和情绪下会对不同的色彩产生不同的心理，就像马克思所说的“顾虑重重的穷人对最美的景色也无动于衷”，即使是同样的色彩，根据观众不同的情绪和精神状态会产生不同的审美效果。这也充分地说明了客观世界的物质景观与人的主观精神世界的关系。

冷暖色调的运用在美学的艺术范围中，使一些才华横溢的艺术家们能够在强烈的阳光照射中发现出闪亮的冷光，在冰山雪景中充满着光照的温暖色彩。对于有背光和受光部分的物体，我们不仅要分辨出来亮的部分和半影部分的冷热调子，还应该感受到这一冷热调子所给带来的影响和情绪，也就是冷调子和热调子哪一方更倾向主导和统治地位。有些情况下，虽然有阳光的直射，某些物体的表面还会有强烈的冷光色调的反射，这就需要我们不断地深入觀察和比较，去发现去发现客观的规律。在大片的阴影中，其阴影边缘的颜色与所相邻物的色彩可以构成冷暖的交织。由于强烈的光照耀，相对的在受光部与更冷更暖色彩的对比下，受光的部分会有耀眼的光点产生，而这些光点的色彩会根据观看的不同角度和位置背景的衬托而产生色彩的差异。色彩的冷暖变化规律是可以在长期的艺术实践中掌握，美学中的绘画色彩贵在独创，而非单纯地模仿自然的颜色。

二、色彩具有体现艺术品节奏韵律的魅力

“节奏”一词本出自于 音乐 术语，节奏是在电影、音乐、诗歌等能够从视觉和听觉的角度所感受到的，是存在于有着时间形式的艺术作品当中。在绘画的艺术作品中体现到的节奏是通过反复的色与形的结构，间断和连续性的线条，色阶的转变的过程和色调的明暗和浓淡产生的顿挫抑扬都可以表现绘画中的节奏。从静止的画面中，追随着画中的色、线和形的变化与配列，使观众逐步地深入到艺术作品所塑造出的艺术形象当中去，反复出现的形态将给观众造成节奏的韵律。在一幅画中多种色彩之间，由一种色彩向另外一种色彩的过渡转变和色彩明暗度的变化上会出现跳跃和高低的亮点。线条的长短和轻重的组合，相似色块反复出现在一定位置等都会使色彩的韵律加强，给画面增强节奏感。对于整个画面的色彩配置，形成显着的色彩节奏，以增强整个画面的构思来创造的节奏进程是画家们要考虑到的“构思”。对于画家，只有能够正确估算到不同的色彩倾向和色块之间的邻接和对比的关系，预想到色调转变的情况下才能根据“节奏的进程”来创造和谐色彩，造成色彩节奏的强烈感。

三、色彩具有传达人的思想和感情的魅力

明快与忧郁，兴奋与平静。红色能把人带入热烈奔放，令人振奋的气氛中；蓝色则传递一种忧郁和悲哀的情绪。然而，不同色彩的完美组合，会使人寻觉到色彩的奥妙，感受到迷人的旋律。面对丰富多彩的世界，画者通过对不同色彩的感受把自身的情感和富有诗意的想象力，创造力一起融入绘画当中，使色彩和画者的情绪并置在一起。

从色彩的感觉来看，色彩是一种活跃的视觉力量，也是视觉之根本。视觉的基础无非是准确的色彩，有物体存在的知觉，可以说就在于能够分辨色彩。就美感而言，色彩的力度并非一定要以素描的形准为依赖。绘画色彩终究是人的包括大脑在内的视觉机能的综合反映，是以人的视觉感受为基点的，首先要由画者自己的感觉发现，任何意义的模仿都不可能产生现代意义的绘画作品。关于色彩的情感，我们不能不提起凡·高。凡·高是人类绘画史上最典型地运用全部生命，倾注色彩感情本质的画家。全部感情色彩的投入，使凡·高的绘画以一种扭动，旋转以及福运动的笔触，画面的厚重堆积而大放异彩，每一个笔触的排列都散发着拨动内心的强烈激情。明确地显示着色彩自身的情感力量。给你留下了唯以磨灭的生命情感的印象。因此，应正确认识色彩在绘画中的价值和色彩的自身价值，要意识到色彩的独有的视觉地位，把色彩用在“写”，而不是“描”和“填”中去得到体会。培养和掌握从理性和感性的两方面去观察色彩的习惯和方法，用色彩关系及变化规律去理解和分析对象的色彩，提高色彩感觉能力和运用色彩的能力，而保持色调的整体感觉，保持画面的新鲜感是色彩训练的重中之重。在美术方面，理论先与实践是绝对没有的。用理论选择色彩，要算作是将来的事。“如果要求技法仅仅遵从共通的法则，是不可能适应一切的。”

主观色彩油画艺术论文范文第3篇

【摘要】民间美术艺术色彩与现代美术设计中的元素是有联系的。并且随着时代的发展，民间美术也越来越深刻并广泛应用到现代艺术设计当中。由于民间美术有着丰富的造型和绚丽多姿的色彩，所以在现代美术的艺术设计中要不断利用民间美术的优势，创造符合人们审美情趣的艺术作品。只有将民间美术艺术造型和色彩的优势融入现代艺术设计当中，才能促使现代艺术设计进一步发展，使现代艺术作品具有别样的意义和韵味，才能增强审美价值，增强作品的生命力。

【关键词】民间美术；艺术造型；色彩；现代美术设计；应用

引言

许多现代美术设计都离不开传统的民间美术，民间美术为现代美术设计带来了无尽的资源。我国千百年流传下来的民间美术蕴藏着深厚的历史文化和民族精神，在给现代美术设计者带来灵感的同时也促进了设计者对民间美术的思考。丰富的民间美术不仅仅是劳动人民智慧的结晶，更是民族精神的凝聚，是劳动人民精神世界的体现，它为现代美术设计提供了巨大的发展空间。

1 民间美术概论

民间美术充分体现了我国劳动人民的智慧，是我国先民对于造型和色彩的审美情趣的充分体现。在新世纪，如何传承民间美术的精华和对民间美术进行发扬，成了一项重要议题。同时，在美术创作和设计的过程中，如何将民间美术的特色加以甄别，并将民间美术中的文化品位和价值认同与现代美术设计更好地结合，使中华民族文化得到更好地传播与延续，就成了重要问题。

2民间美术的艺术特征

我國历史悠久、文化丰富，在长期的历史发展过程中我国的美术作品在发展形势上也呈现出多种多样的特点。我国传统的民间美术作品在造型上普遍具有较强的视觉规律和艺术性。民间美术作品在造型设计上融入了设计者的情感，在人们观赏民间美术作品时，会被作品自身所具有的艺术情感所震撼。民间美术作品也具有典型的地域性特点，不同的地域对于不同的美术作品具有不同的审美感官。这就是为什么人们会被民间美术作品深深吸引的原因，也是民间美术带给现代美术设计灵感的原因。

3民间美术的色彩分析

我国民间美术在色彩运用上具有象征性的含义，这是由于我国先民对于祭祀情有独钟。先民对自然的敬畏形成了中华民族特色的五色应用传统。五色分别是红、黄、蓝、白、黑，这五种颜色在民间美术中分别代表不同的含义和象征。比如红色是年节习俗中形成的独特的民间美术文化色彩。对于传统色彩的应用在河北武强县有着丰富的历史，当地的年画制作还保留着原始的色彩和风格。这不仅仅是仿制古人的技术进行传统的民间美术展示，更高层次上是对民间美术色彩所蕴藏和象征的含义进行文化理解与传承。

4 民间美术色彩在现代美术设计中的应用

现代美术设计和民间美术设计在造型方面有许多共通的地方，都是追求最简洁的形式、概括复杂的情感。创作者都想在造型与内容之间寻找到契合点，充分表达自身的艺术追求。所以，民间美术对现代美术设计具有重要的启示意义，在色彩运用、对比手法等方面具有明显的艺术特色和艺术表现力。

民间美术，在实体的抽象化和抽象内容实际描绘等方面也具有一定造诣，非常的自然和谐，是强调线条视觉冲击力的现代美术设计中所不具备的优势。所以，现代美术设计可以学习民间美术艺术造型中，这种利用抽象与实体之间相互过渡的方式，设计一些内容丰富的作品，使作品具有深刻的艺术表现力。比如在自然界中并不存在的物体，在现代设计创作过程中可以利用自然形态将抽象的内容表现出来。利用现代美术设计的粗线条的美，使作品更具装饰感，这一点在北京奥运会的火炬设计上得到了充分的体现。北京奥运会的火炬主要由祥云构成，祥云的造型极具动感，在祥云与火炬之间实现了抽象与实体的转换与过渡，体现了自然和谐的设计理念。

色彩是人类在欣赏美术作品时的第一感觉，由于每个人生长的环境不同，他们所形成的艺术感受和审美也不尽相同。在长期形成的自然文化环境中，中国形成了丰富的民族色彩形式和色彩观。我国的民间美术艺术造型，如木版年画、风筝、剪纸、皮影等艺术形式，色彩丰富、文化底蕴深厚。同时，民间美术对于色彩的创造性运用是现代美术设计所不能比拟的，这就决定了现代美术设计必须重视民间美术色彩的使用经验。民间美术对于色彩的理解不仅局限于色彩本身，更多的是如何表达一种特殊的情感。在民间的美术作品色彩运用上，艺术创作者们赋予颜色以生命，不同的颜色代表了不同的含义。将这些不同的含义融入美术作品的创造上，以此达到趋利避害的目的。同时，从事民间美术创作的人们不受居住地的限制，与宫廷绘画、文人绘画和现代绘画相比多了几分自由创作的气息，少了一份文化的束缚。民间美术创作者的视野宽阔，他们能得到任何想要的颜色并赋予这些颜色不同的含义，所以在色彩变化上，现代美术设计必须学习民间美术的色彩运用。这就要求创作者自身将创作和生活联系在一起，充分发掘身边的颜色和材料，用生活化的笔调和不同的视角寻找与制作符合人们日常感官的作品。在色彩上要更加大胆地尝试新元素，做到“人无我有、人有我优、人优我精”，由此达到色彩创新的艺术效果。

5结束语

民间美术是民间艺术的重要组成部分，其变化多端的造型、绚丽多姿的色彩，给人不一样的视觉冲击。受历史文化的浸染，民间美术更增添了古朴和神秘的特点。本文主要分析民间美术艺术造型和色彩在现代美术设计中的运用。我国民间美术是由人民群众创造的，自古以来一直以美化环境、丰富民间资源、还原生活形态为主题。每个地域的生活习惯、生活形态不同，便产生了不同风格的民间美术。

参考文献

[1]李蓓.民间美术艺术造型和色彩在艺术设计中的实践与应用[J].艺术评鉴，2017（04）：34-36.

主观色彩油画艺术论文范文第4篇

摘 要：色彩课程是高职院校艺术设计专业的专业基础课，我们在色彩教学中经过多方面的实践与探讨，对课程进行了重新调整与设计。主要是根据工作过程系统化的有关理论，针对不同艺术设计专业特点和共性特征将各种色彩教材中的教学内容进行了精心设计，以期提高学生的实际操作能力，并希望成为艺术设计专业课程改革的突破口。

关键词：艺术设计；色彩；教学情境；工作过程

色彩课程是目前高职院校艺术设计专业的专业基础课，目的是通过对色彩科学规律与色彩美学知识的重点讲授，以及结合具体的实际任务进行必要的作业训练，使学生对色彩理论有一定的认识；同时注重学生在设计色彩中开拓性思维能力的培养，培养较强的创造意识和创造能力，为具体的专业学习打下坚实的基础。因此，色彩学习对于艺术设计专业学生来讲十分重要。

但是以前高职院校设计专业教学却没有自己的特点，一段时间教材沿用的大多是本科院校的教材，教学方法模式也是一成不变，对教学对象没有做具体研究，对培养目标没有准确定位。导致的结果是教材难度过大、教师重理论轻实践、色彩课程在以前的色彩教学执行过程中缺乏应有的整合，色彩课程罗列，有绘画色彩、色彩构成、设计色彩，再加上常规意义上的装饰绘画中的装饰色彩，每本教材在色彩基础理论上都有不少重复，分开且不同教师教学时非常浪费课时，导致课时不够用，学生学习没兴趣、最后学生就业时对实际工作无从下手。因此高职院校课程改革迫在眉睫，此后出现了“校企合作”的办学模式，“工学结合”的人才培养模式。但许多时候具体操作时往往流于形式。

教育专家姜大源教授文章指出1996年之前的七八年和到现在的十几年，德国人用超过20年的时间，对大量企业进行广泛调查的结果表明，其所获得的广泛共识是：职业和职业不同主要是工作过程不同。由此，可以这样认为，无论是理论的演绎，还是实证的研究，都表明职业教育课程开发以工作过程作为结构很可能是一个大的突破。根据学习相关理论，我们知道工作过程系统化已经是工学结合和校企合作情况下的一个新的具体的课程模式。工作过程是指在企业里为完成一件工作而获得的一个工作成果当中的一个完整的工作程序。

工作过程系统化中心思想是根据典型工作任务设计具体的学习情境，情境是对课程的具体化，就是单元。它可以用项目、任务来做，可以用案例来做。横向的学习情境相当于学习单元，每一个学习情境，即每一单元都是独立的，并且也是一个完整的工作过程。此外，课程设计时要求每一个学习情境都是独立的，并且是同一个范畴的东西，这样才能进行比较，否则就丧失了其比较的意义。如果学习情境不属于同一个工作范畴，并且把工作过程的步骤作为学习情境，就不合适。基于工作过程系统化的课程开发首先在制造业职业教育领域获得突破，接着是服务业、农业，现在高职公共课的开发也有了突破。目前，许多高职院校已经开发出了不少以工作过程系统化为导向的课程。并加以具体实施。

在高职院校，目前针对艺术设计专业中某些应用课程结合工作过程系统化有部分的研究和实践，但也只是针对某一应用软件课程进行的项目教学研究与实践，没有对平面类视觉传达设计专业所涉及的常用实际工作项目(此项我们将做深入的市场调查)所涉及的应用课程做综合的实践教学研究，虽然课程内容繁杂，但开发的必要性巨大，一旦形成该专业综合的课程设计，将很大程度上改变我们教师的角色和提高学生的实际操作能力，形成高职视觉传达设计专业的教学特色和提高学生就业能力。

本文作者长期从事高职艺术设计专业色彩及相关课程的教学与研究，会同所有相关教师我们对色彩课程的教学方法和手段等方面的进行了改革探索，如：重新修订了色彩课程教学大纲、建立了课堂教学评价体系，开展了任课教师课堂教学质量的评比，促进了教学质量的提高。并希望成为艺术设计专业课程改革的突破口。

经过各位教师在色彩教学中多方面实践与探讨，在课程进行重新调整的基础上，根据工作过程系统化的有关理论，针对不同艺术设计专业特点和共性特征我们将各种色彩教材中的教学内容设定为认识色彩、调配色彩、表现色彩、借鉴色彩、归纳色彩、应用色彩六个部分。同时我们把色彩教学内容中的情境设计为：色彩知识准备、色彩调配与不同视觉效果、主题性色彩感受表现、色彩写生、装饰色彩采集归纳与应用、设计思维的实际应用与表达。例如，主题性色彩感受表现就是在对色彩的心理、情感、象征以及不同地域、国家、风俗、文化的差异等知识进行学习了解后，把人们的某种心理活动和感官概念作为色彩表现的主题，以此提高学生对色彩的准确把握和个性化表现。而设计思维的实际应用与表达则可以给出一个具体的设计主题或者设计内容，再让学生进行色彩方案的设计。这些课题学生可以单独完成，也可以以小组的形式合作完成。

通过色彩整合并经过教学实践我们得出结论：这样可以使学生的手绘能力、模仿能力、对色彩变化的控制与逻辑思维能力、审美能力及在设计中的应用能力等方面都能获得全方位的锻炼。最主要是通过将侧重点不同的色彩训练合理有序地组织，便于学生由色彩认知向设计实践的转移，避免了知识与运用的断层，突出了针对高职院校艺术设计专业学生特点和教学方法的要求。尤其是面对毫无美术基础的图形图像处理专业和动漫设计与制作专业的学生有较强的合理性与针对性。

因为我们深知从艺术设计专业教学来讲，色彩课程不是去花大量时间写生作画，重要的是要使学生了解和掌握色彩基础知识，培养学生一种艺术设计素质。我们也深信基于工作过程系统化对高职艺术设计专业色彩课程的教学设计也是艺术设计专业课程改革的先锋。

参考文献：

［1］ 姜大源.基于工作过程系统化的课程开发模式［J］.中国职业技术教育，2008(27).

［2］ 荆雷.设计艺术原理［M］.山东教育出版社，2002.

［3］ 林家阳.设计色彩［M］.东方出版中心，2011.

［4］ 刘爽、张林.设计色彩［M］.南京大学出版社，2011.

作者简介：董有国(1974—)，男，甘肃凉州人，甘肃武威职业学院艺术系讲师，研究方向：艺术设计理论与绘画。

主观色彩油画艺术论文范文第5篇

摘要：任何景物本身就具有色彩的物理属性，色彩构成赋予了园林景观多样性和可变性。视觉是人与色彩景观之间交流的媒介，人在自然中看到的色彩，是不同的光波被物体吸收反射到人眼中的视觉成像。人的视觉接收到的色彩会在大脑中形成信号，从而对人的身心健康产生一定的影响。本文以长荡湖旅游度假区的景观色彩为研究对象，采用色彩方案设计工具对景区的景观色彩进行提取分析，并阐述其对人心理的影响，最后对该景区的景观色彩构成进行心理感知评价。

关键词：风景园林;色彩构成;景观;视觉;健康;长荡湖

1 相关概念界定

1.1 色彩景观

20世纪70年代，英国色彩规划专家兰卡斯特提出了色彩景观的概念，即从宏观、景观的角度对色彩进行系统研究，通过对色彩因子的控制性规划与设计，形成个性化、地域化的城市景观[1]。

在城市建设与发展的过程中，城市中的建筑物、标识牌、植物等元素将过多的色彩糅合在一起，使城市的整体色彩景观杂乱无序。在此基础上研究园林色彩景观，一方面能提升城市景观在视觉审美方面的创造能力，另一方面能根据地区特有的自然条件、历史文化等因素，打造适合地区的色彩景观。

1.1.1 人对色彩景观的感知机制

色彩与人的视觉感知系统是不可分割的，色彩需要通过一定的载体来表现，在园林景观中，人所感知到的色彩其实是光波在景物上被吸收反射到人眼中形成的，人对色彩景观的感知机制可以从景观和视觉环境两个方面进行分析。

景观是色彩的载体，从风景园林学的角度来讲，景观本身是色彩的有序集合体。景观美学一部分通过空间的组织形式、营造手法等进行表达，另一部分则运用色彩的组合搭配原则来构建。景观能给予人听觉、嗅觉、触觉等感官感受，而视觉对美景的感知效果最为突出。人是色彩景观感知过程中的主体，景观是被感知的对象，即客体，主体和客体两者产生相互作用的媒介是视觉环境[2]。山、水、林、田等要素构成了视觉环境中的自然环境，而人工创造、改造出的更符合人类生活需求的人工环境也是视觉环境不可或缺的一部分。其主要包括景区中的观赏点、观赏路线、观赏距离、观赏心理等要素，以及景区内建筑和构筑小品的形式、体量、色彩等要素。

1.1.2 色彩在园林景观中的设计原则

（1）对比与调和原则。园林景观的色彩设计因场地功能的不同，具有不同的设计目标，但最终均以获得对比调和、和谐统一的色彩景观为目的。在色彩规划设计时强调色彩的调和，其意义在于有序搭配多种颜色，创造出使人感觉舒适平和的景观。色彩景观由自然色彩、半自然色彩和人工色彩三部分组成。自然色彩和半自然色彩通常源自自然景物，在色相、明度、对比度等色彩要素方面，稍加调整就可以获得统一调和的景观效果。而人工色彩大多来自建筑物、构筑物、标识牌等人工设施，为了保证其与自然色彩的相似性，应妥善选择人工色彩的明度、对比度，尽量与自然色彩相融合。同时，一味注重色彩调和，会使整个景观效果变得沉闷、单调，适当安排色彩的冷暖对比、明暗对比、色相对比等，可以使部分景观得到凸显，提升色彩设计的趣味性和多样性。

（2）以人为本原则。园林以人的审美需求、生活需求为中心展开设计，其服务的对象是大众，良好的园林景观环境能在一定程度上对人的健康状态产生积极的影响。为了提供一个适宜居住、健康舒适的生活环境，应始终贯彻以人为本的设计原则。实验证明，色彩能对人的生理和心理健康产生一定的影响，因此，在进行色彩设计时，应处理色彩与人心理之间的关系，避免色彩设计对人造成负面影响。一方面，应根据人的心理对色彩的需求，提供相对应的色彩景观。以儿童活动场所为例，应根据儿童对较明艳色彩的心理需求，妥善使用明度和对比度较高的色彩，同时尽可能地使场地的色彩丰富多变。另一方面，在城市生态系统日益恶化、生物多样性锐减的环境下，人们对生态园林的要求越来越高，如何吸引更多的物种以满足人们对生物多样性的需求，其解决方法也与色彩景观存在一定的关联。进行色彩选择时，应模拟动物栖息环境的色彩搭配，形成不产生威胁的人工自然环境。

（3）融合地域文化原则。不同地区、不同国家由于自然条件和历史文化不同，形成了不同的自然景观和人文景观，这些地域景观构成了不同地域的独特色彩风貌。当今城市景观建设的问题之一是景观千篇一律，不同的城市景观在建筑色彩、形式上的相似性，使城市与城市虽相隔千里，却宛如一城，逐渐丧失了基于传统文化的地方特色。因此，在进行色彩景观的规划设计时，首要任务是挖掘能够展示地域历史文化的色彩，充分了解研究地域原有的色彩面貌。其次，要在此基础上进行筛选与创新，创造出更多类似于“白墻黛瓦”“红墙黄瓦”的特色景观色彩。

1.2 健康景观

1.2.1 健康景观的作用及现实意义

后疫情时期，人们更加重视景观的健康功能，健康景观的研究范围也从原有的医院、疗养院等康养场所扩展到城市景观设计的多个方面。良好的景观有利于人的身心健康，丰富的植物景观能改善空气质量，多样的景观空间能满足人群交往的心理需求。城市生态环境日益恶化，发展建设健康景观有两方面的现实意义。一是能进一步改善人居环境，健康景观的前提是创造良好的生态环境，多样的物种、丰富的植物群落、清洁的水环境等是景观发挥健康效益的基础。二是能营造健康的社会氛围，现代社会人们基本处于亚健康状态，心理疾病的患病率逐年上升。健康景观设计能为人们提供更多的公共交往空间和锻炼放松的场所，促使人们加强锻炼，引导人们积极健康地生活。

1.2.2 色彩对人体心理健康的影响

（1）缓解精神疲劳。现代社会，人们的工作、生活、学习压力均明显加大，城市生活节奏变快，城市中的园林景观能为人们提供“慢下来”的场所。研究指出，观看自然风景录像的测试者与观看城市景观录像的测试者相比，疲劳感能更快地得到缓解[3]。相较于城市中千篇一律的以灰色系为主的人工色彩，自然景观中以绿色系为主的植物景观，可以起到舒缓、放松的作用，对消除视觉疲劳、缓解精神长时间集中产生的精神疲劳都有一定的积极作用。此外，在工作场所中适当地放置绿色植物，有利于缓解工作中的压力和焦虑。

（2）舒缓负面情绪。负面情绪的积压不利于人的心理健康，近年来心理疾病的患病率逐渐升高，良好的景观能引导正向情绪，在舒缓负面情绪方面的作用也越来越突出。景观由丰富的色彩组合而成，而花卉是自然色彩的主要来源。黄色、橙色、红色等暖色调的花卉能给人一种积极向上的感觉，对抑郁、压抑、悲伤等情绪有一定的舒缓作用;蓝色、紫色等冷色调的花卉又能给人一种宁静、平和的感觉，具有减缓心率、舒缓焦躁、消除不安等作用。

2 研究地区与研究方法

2.1 研究地区

长荡湖位于长三角辐射区的江苏省金坛区，地跨溧阳、金坛两地，属太湖水系，西望茅山，东接滆湖，北连长江。因其盛产中国十大名蟹之一的长荡湖大闸蟹，已成为苏、沪、浙游客最喜爱的湖景旅游度假区[4]。本文选择长荡湖旅游度假区内以人工景观为主的长荡湖水街和以自然景观为主的长荡湖湿地公园两地，进行基于色彩构成的景观视觉健康研究。研究区域位于长荡湖东南侧，邻近常溧高速，交通便捷。

2.2 研究方法

2.2.1 照片拍摄与选取

通过实地调研对研究区域景观进行拍照，照片拍摄于2019年11月，各样点的景观照片以景观构成要素占比的不同分为自然景观样片与人工景观样片。为了减少外界因素对样片的影响，拍摄时尽量规避太阳光照强度、光照方向等因素的影响，拍摄视角均为人视角。

此次研究共拍摄照片100多张，除去受视点、光照等外界因素影响较大的照片，从56张效果较好的照片中，选择了12张具有代表性的研究区域自然景观和人工景观的样片，作为色彩构成评价的媒介。

2.2.2 调查问卷

景观色彩对人的心理感受存在普遍的影响，笔者设定愉悦、舒畅、平静、忧郁、烦躁、不安七种词语代表人的心理感受，通过网络调查问卷（问卷星）的方式展示12张景观样片，让评判者选择基于样片色彩构成所产生的感受类型。本次调查共收到79份有效问卷。

2.2.3 色彩提取

通过图像处理软件与色彩方案设计工具软件的配合使用，对研究区域的景观色彩进行提取，采用HSB模型（色相、饱和度、亮度模型）对色彩进行量化分析。

3 基于色彩构成的景观视觉健康关系分析

3.1 研究区景观色彩构成分析

3.1.1 自然景观色彩

天空、植物、水体、土壤是研究区域自然色彩的载体，运用色彩方案设计工具软件对其进行分析提取，得到各自的HSB模型（色相、饱和度、亮度模型）取值。天空色彩以灰色和蓝色为主，大部分H值分布在190°～210°，少部分分布在75°～100°，S值集中在1%～5%，B值集中在75%～90%;水体倒影、岸边植物、护栏以及天空的色彩以黄棕色、黄绿色和灰色为主，H值集中分布在65°～80°、180°～210°，S值集中在1%～10%，少部分在20%～30%，B值集中在50%～60%、85%～90%;植物和土壤以黄绿色、黄棕色为主，H值集中在55°～85°，S值大部分集中在45%～55%、少部分在20%～35%，B值集中在25%～30%、50%～60%。植物色彩以黃色为点缀色，主要表现为中饱和度的绿色，天空和水体均由饱和度低的蓝色、绿色、黄色和冷灰色组成，整体色调偏冷，以衬托前景植物和其他景观小品的色彩。

3.1.2 人工景观色彩

自然色彩体现景区的自然美，而人工美也是景区不可或缺的部分。研究区域的人工景观主要以铺筑、景观小品、建筑为载体，运用色彩方案设计工具软件获得其HSB模型的取值范围。研究区域人工色彩以红棕色、棕黄色、蓝色和灰色为主，H值分段分布在15°～25°、40°～60°、200°～210°，S值分布在15%～30%、45%～65%，B值大部分集中在55%～80%，少量分布在30%～35%。人工色彩整体表现为低饱和度的红棕色和暖棕色、中饱和度的蓝色和冷灰色，其中红棕色和棕黄色为主要色彩。不同于自然色彩以绿色和冷灰色为主色的情况，凸显了人工景观的轮廓，在整体景观色彩统一调和的基础上，形成局部景观色彩对比。

3.2 研究区景观视觉健康整体评价

不同的受众观察研究区域色彩构成，会产生不同的视觉感受，进而使被调查者的心理感受发生变化。

研究区域自然景观色彩以中饱和度的绿色，低饱和度的蓝色、黄色和冷灰色组成，其所获得最多的心理感知评价为平静，占调研数据的39.57%;其次有20.55%的被调查者感到舒畅和18.26%的被调查者感到忧郁。

人工景观色彩以低饱和度的红棕色和暖棕色、中饱和度的蓝色和冷灰色组成，其色彩构成所引起的心理感知评价由多到少依次为平静、舒畅和愉悦，分别占调研数据的35.00%、19.26%、14.13%。

总体而言，研究区域色彩景观不会对人体心理健康产生较强烈的负面或积极影响，能使观赏受众感到平静、舒缓，具有稳定情绪的作用，在色彩选择上没有能够刺激心理波动的色彩景观，整体色彩以暗色调、偏冷色调为主。

4 结语

对于园林景观而言，色彩景观是提升景观多样性和增强景观表达效果的重要设计手段，也是景观设计师们表达其美学思想和艺术构思的重要途径。而从受众的角度出发，其对色彩景观的主观评价建立在园林色彩与心理感受的基础上。研究不同对象通过色彩感知所获得的心理感受的异同，可以为建设有助于受众舒缓心理压力、保障心理健康的色彩景观提供可靠的数据依据，增强色彩景观设计的针对性与可行性，从而使景观色彩设计走健康和科学发展的道路。

参考文献：

[1] 钟琪.城市湿地公园景观色彩规划设计初探[D].雅安：四川农业大学，2013.

[2] 侯博.色彩心理在城市色彩景观规划设计中的应用研究[D].青岛：青岛理工大学，2014.

[3] 李霞.园林植物色彩对人的生理和心理的影响[D].北京：北京林业大学，2012.

[4] 范榕，王浩，邱冰.基于视觉吸引机制分析的长荡湖景观风貌优化策略[J].中国园林，2018，34（08）：56-61.

作者简介：马欣雨（2000—），女，四川成都人，本科在读，研究方向：风景园林规划设计。

张跃（1987—），男，山东青岛人，硕士，讲师，研究方向：大学生思想政治教育、环境伦理。

主观色彩油画艺术论文范文第6篇

【摘 要】随着社会的进步和科学技术的不断更新发展，人们对于生活的追求更加挑剔。精神生活的不断丰富也影响了人们对于居住环境的室内设计要求。在现代多元化的设计形势下，人们对色彩的感官冲击和反应越来越激烈。由于大众的需求，色彩艺术在设计成为室内设计的重要组成部分。

【关键词】色彩艺术；室内设计

1、色彩艺术设计在室内设计中的重要性

1.美化功能

室内空间要想达到最佳的视觉效果，就必须在形态、材料及色彩等三方面设计元素上保证协调、完整与统一，而在这三者中，色彩元素则显得尤为重要，因为它具有着最强烈、最直观的艺术特点，能更给人们的生理及心理带来不同影响与作用。同时，室内色彩与室外色彩是有所不同的，室外色彩强调与周遭环境的协调统一，而室内色彩则更贴近于人们的实际生活，它运用搭配合理的色彩来对室内空间的细节进行处理与调整，有效营造了气氛，提升了美得境界。

2.调节功能

众所周知，不同的色彩及不同色彩之间的组合与搭配，不仅会让人们在空间体积和面积的视觉上发生改变，同时还会产生不同的冷暖体验，即形成不同的温感，而这也正是色彩艺术设计在室内设计中调节功能的有力体现。例如，在一个相对狭长的空间中，可以在空间的顶部运用暖色，在墙体的两边运用明亮的冷色

调。再者，像黄色、红色及橙色这样的暖色调能够给人以一种温暖的感觉，因此，可以运用在北方等严寒地区的室内色彩设计中。

3.个性体现

颜色本身本没有情感，但由于人们对不同的颜色会产生不同的感官反映，因此，不同的颜色便也一定程度上传达了不同的情感。例如，在室内空间设计中多选用冷色调如紫、蓝、灰、黑等颜色的人多为内敛、沉稳、内向的人；而选用暖色调如黄、红、粉的人，则多为性格开朗、热情的人。

2、室内色彩的作用

1.对室内环境加以改善与优化

人类的大部分时间都在室内度过，尤其是随着通信越来越方便，室内成为了人们活动的一个非常重要的场所。为了让人们的生活品质得到极大的提高，积极的改进室内环境的整体气氛极其重要。 在室内设计的过程中可以通过色彩创造出一个优美而和谐的室内环境，对人们的生活、学习和工作等都具有积极的作用。 例如，在休息和工作场合，可以选用一个比较素雅的颜色来营造一个高雅、安静和舒适的整体环境，这对于改善人们的工作情绪，满足人们休息过程中需要的平静感觉等具有先天优势。而在娱乐场所则可以选用活泼而令人容易兴奋的颜色， 这样可以实现人们宣泄情绪的目的。

2.调节室内空间

在室内设计过程中，在遇到室内空间问题时可以通过运用色彩艺术来实现对空间的调节和再造。例如，当空间较小时，可以通过运用明亮的暖色以及色彩度相对较高的颜色来进行调节，这样将增加空间的前进感，使得视觉效果会比实际距离近一些。 且这时候面积也会出现膨胀感，产生视觉面积大于实际面积的效果。 而当采用暗淡的冷色以及色彩度较低的颜色进行调节时，在室内设计时则会产生出后退和缩小的效果。同时，不同的色彩还能够表达不同的情绪，给生活在其中的人产生不同的空间感觉，因此在室内空间调节过程中对室内空间效果的实现具有重要作用。

3.室内光线的调节

室内环境的色彩对室内光線的调节有直接作用。通常来讲，亮度较高的颜色由于其反射能力较强，而亮度较低的颜色发出的光线较弱。因此，当室内使用的色彩明度较高时，室内亮度较高，反之则表现出较暗的室内光线效果。在实际的室内设计过程中，若室内进光过多过强时，可以通过采用反射率较低的颜色，诸如蓝色、灰色等来达到效果。反之则可以使用反射率较高的色彩进行设计。

3、室内设计中色彩艺术设计应当遵循的原则

不同的空间，在空间功能性方面的要求也有所不同，因此相关室内设计人员在对室内空间进行色彩艺术设计时，要对各个空间的功能性需求进行充分考虑与分析。具体来说，既是根据不同空间的不同功能性需求，来对色彩的明暗程度进行有效调节，以改变与调整空间的环境氛围[2]。 例如，在办公室、 居室等这些与人们日常起居生活密切相关的室内空间环境中，可以运用纯度较低的米色或灰色来进行设计，以营造出一种安静而舒适的生活氛围；而在餐厅以及演播厅等公众性室内空间的色彩艺术设计中，则可运用高明度的色彩如银色、 金色以及黄色，以营造欢快活泼、光彩夺目的空间环境氛围，最大限度的满足各空间的功能性需要。

在室内设计中，色彩与色彩之间，以及色彩与空间之间协调度的高低是决定色彩艺术设计水平高低的重要因素。因此，如何把握好各个色彩的特点以及各个色彩之间的应用比例成为了色彩艺术设计的关键所在。具体而言，就是要对色彩的配色原理及协调与对比之间的关系进行熟练掌握，以保证所运用到的色彩在纯度、明度以及色相上面相近，进而实现设计的整体与统一。另外，运用的色彩要与室内的其他关系保持协调，具体来讲，就是在颜色的运用过程中，对空间的构造以及空间设计的整体风格进行仔细考虑。 例如，在较大的室内环境中，则可扩大在色彩颜色方面的选择范围，而在较小的室内环境中，则在相关色彩的选择上，要尽可能的在视觉上起到增大空间范围的效果，例如银色与白色。

不同的色彩会给人们的心理上带来不同的感受，进而引发不同的情感体验，因此，在室内装修材料颜色的选择上，应充分考虑到人们对色彩的情感规律。例如，儿童则喜欢纯度较高的浅蓝色及浅粉色，青少年则喜欢颜色反差较大的色系，以此感受生活的激情与活力；而老年人则喜欢较为沉稳的色彩，如灰色和黑色等，因为它具有缓和老年人心境、促进老年人的身心健康的功效。除此之外，不同的颜色代表的情感特点与功效也有所不同。 例如，橙色代表着青春与活力，能够增进食欲；红色代表着热情与刺激，能够提升人们的执行力；紫色则代表着智慧与神秘，能给人带来想象力与创造力；米色让人觉得温暖、朴素，黄色让人轻松愉快等。因此相关设计人员应当对这些颜色的功能及特点进行有效把握与总结，并将其合理应用到室内的色彩艺术设计过程中。

4、室内设计过程中色彩的具体搭配手法

针对室内色彩的配置，应该通过一定的方式才能够表现出理想的效果。在色彩配置的过程中应该认识到的一点就是颜色的配置绝对不是随便的将一种或者多种颜色简单的堆砌在一起，而是应该通过颜色的搭配和配置来构造出一个舒适而愉快的整体空间。试想，一个空间中若使用的色彩过多，不但显得凌乱，使得空间失去整体感，同时还会增加处于其中的人的心理负担。反之，若色彩过于单一，则使人觉得整个空间缺乏变化，空间整体过于呆板、缺少层次的变化，难以给人以美感。

5、结束语

室内设计的颜色配置体现是室内设计的重要标志。而作为室内设计的灵魂，色彩艺术尤为重要。这是大自然赐给人类的一大重要宝藏。应当充分利用色彩艺术来丰富人们物质精神生活营造出更和谐的人居环境。

参考文献：

[1] 曾坚.看我国室内设计的发展历程.室内设计与装修，2014.

[2] 张红光.室内设计中色彩的运用与配置.山西建筑. 2011.